Journal articles on the topic 'Performance dansée'
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1
Plancke, Carine. "Rythmomimisme et gestuelle dansée." Anthropologie et Sociétés 36, no. 3 (February 19, 2013): 137–52. http://dx.doi.org/10.7202/1014169ar.
Abstract:
Une caractéristique de la performance dansée est d’orienter l’attention sur le mouvement en tant que tel et d’induire une conscience proprioceptive aiguë. Elle a dès lors le potentiel de faire apparaître dans son accomplissement même la double action d’incorporation et de dilatation de la gestuelle humaine, identifiée par Marcel Jousse, ainsi que le rapport mimétique de l’individu au monde qui s’y réalise. Cet argument est exploré pour l’ikoku des Punu du Congo-Brazzaville. Dans cette danse qui célèbre la fertilité, un va-et-vient entre des danseurs de sexe différent donne lieu à une phase d’animation collective suivie d’une danse en couple. Par l’attention portée au corps en train de bouger à l’image de l’autre, qui est à la fois l’autre danseur et le génie de l’eau, garant du bien-être social, la performance met en acte le processus rythmomimique d’internalisation et d’externalisation de l’univers sociocosmique punu en tant qu’il est élaboré à la fois autour de la notion d’une complémentarité des sexes et de celle d’un enveloppement maternel.
2
Levac, Manon. "Les résonances de l’intime par la rencontre corps-voix-texte chez l’interprète en danse." L’Annuaire théâtral, no. 60 (August 15, 2018): 105–16. http://dx.doi.org/10.7202/1050924ar.
Abstract:
Un danseur met toujours en jeu une part de son histoire personnelle (vécu, émotions, sensations) dans son travail d’interprétation. Pourtant, cette histoire, tout aussi porteuse de sens que secrète, est rarement mise en forme dans un récit livré de vive voix par le danseur lui-même et juxtaposé à sa prestation dansée. En se penchant sur l’élaboration de deux rôles autobiographiques tirés de sa pratique, l’auteure examine les particularités d’une performance simultanée de narration et de danse. Se dessine à travers le corps, la voix et le texte du danseur une interdisciplinarité constituée de tensions, de relances, d’éloignements ou de croisements qui, au final, s’appuie sur le savoir-faire de l’interprète en danse et nourrit ses possibilités sensibles et expressives.
3
Briand, Michel, Johannes Odenthal, Karin Schlapbach, Tedi Tafel, and Raffaella Viccei. "L’Ekphrasis de la performance dansée : de la description d’un objet au récit d’une interaction." Perspective, no. 2 (December 30, 2020): 19–50. http://dx.doi.org/10.4000/perspective.19951.
4
Guillebaud, Christine. "L'art de la multimodalité." Anthropologie et Sociétés 38, no. 1 (July 10, 2014): 25–45. http://dx.doi.org/10.7202/1025807ar.
Abstract:
Cet article examine le concept d’intersection à partir d’observations effectuées sur le terrain des pratiques rituelles en Inde. Ce concept permet de décrire différentes modalités de convergence qui unissent ou différencient les pratiques artistiques que sont la musique, les arts visuels ou encore la danse. Dans la perspective d’une anthropologie du sensible, l’auteure analyse différents procédés de composition consistant à associer des formes esthétiquesa prioridistinctes (ex : une formule rythmique spatialisée autour d’un dessin de sol ; un chant mis en décalage d’un mouvement dansé), ou encore à les dissocier dans certains cadres récents de performance. Cette démarche, fondée sur l’observation de rituelsin situ, est à même d’offrir un cadre de comparaison dépassant le terrain indien et ses spécificités culturelles. On envisagera en effet ces intersections comme de véritables médias de l’efficacité rituelle, tout en s’appuyant sur les théories locales dont ils font l’objet. Quelle est la nature de ces expériences combinant des expressions visuelles et sonores ? Comment les décrire et avec quels outils ? À travers l’association (ou la dissociation) des registres expressifs, comment les acteurs attribuent-ils des valeurs spécifiques ?
5
Pichette, Marie-Hélène. "Apport de l’étude de la performance à la compréhension d’une pratique musicale." Terrains 9 (September 22, 2011): 135–43. http://dx.doi.org/10.7202/1005898ar.
Abstract:
La musique gwoka de Guadeloupe se compose de trois éléments indissociables : le chant, le tambour et la danse. Pour tenter de comprendre cette pratique musicale, l’ethnomusicologue ne peut se limiter à une simple analyse de la structure sonore, il doit prendre en considération tous les éléments qui entourent la pratique musicale, tels le contexte sociohistorique, la danse et la participation du public. L’étude du gwoka en tant que performance permet de montrer l’interaction entre ces diverses composantes.
6
Sutton, Jane S., and Nkanyiso Mpofu. "Figuring Reconciliation: Dancing With the Enemy." Windsor Yearbook of Access to Justice 25, no. 2 (February 1, 2007): 291. http://dx.doi.org/10.22329/wyaj.v25i2.4616.
Abstract:
This essay is about fi guring “argument as dance” and one way of conceiving how to live or embody argument as such. Concretely, it displays “argument as war” alongside a road in Mississippi after a white man shoots down James Meredith as he asserts his legal right to vote. And it tells “how to” perceive the shooting as dance by turning fi rstly to the performance of dance fi gured in the beginnings of rhetoric and then secondly, setting forth demystifi ed methods and strategies of body-speech fi guring argument as dance, rather than as war, through performances of Nelson Mandela. More generally, it explores a new meaning or experience of rhetoric by explicitly conjoining two historical times, two geographies, two speakers, enemies and dancers, that are inextricably interconnected. Using a combination of description and analysis, the fi rst is a full display of three photographs picturing argument as war. The whole picture serves as a descriptive compass or guide for making our way analytically through argument as war and into dance language and behavior and their interconnections to argument. The second is a retrospective discussion of the background, dancing/argumentative practices, what is called “blinking on the behalf of the enemy,” of Nelson Mandela. Overall, the strategy of reticulating political times, chronology and political spaces, geography on the one hand, and argument as war and argument as dance on the other hand is to reconcile confl icting measures and to produce a performance practice (of rhetoric) of which there is no canon.Cet article représente «l’argumentation comme danse» et présente une façon de concevoir comment éprouver et discerner ainsi l’argumentation. Concrètement, il fait voir «l’argumentation comme guerre» le long d’une route au Mississippi après qu’un homme blanc ait tiré James Meredith alors que ce dernier affi rmait son droit légal de vote. Et il relate «comment» percevoir la fusillade comme danse en se penchant d’abord sur l’exécution de danse représentée aux débuts de la rhétorique puis, en deuxième lieu, en présentant des méthodes démystifi ées et des stratégies de langage du corps qui représentent l’argumentation comme danse, plutôt que comme guerre, par le biais de prestations de Nelson Mandela. De façon plus générale, il explore un nouveau sens ou une nouvelle expérience de rhétorique en réunissant explicitement deux époques historiques, deux géographies, deux interlocuteurs, ennemis et danseurs, qui sont liés inextricablement. En utilisant une combinaison de description et d’analyse, la première est une exposition complète de trois photos qui représentent l’argumentation comme guerre. Le portrait entier sert de compas ou de guide descriptif pour frayer analytiquement un chemin à travers l’argumentation comme guerre vers le langage et le comportement de la danse et leurs liens à l’argumentation. La deuxième est une discussion rétrospective de la toile de fond, les pratiques de danse/argumentation, ce qu’on appelle «fl ancher pour l’ennemi», de Nelson Mandela. En somme, la stratégie d’agencer les ères politiques, la chronologie et les espaces politiques, la géographie d’une part, et l’argumentation comme guerre et l’argumentation comme danse d’autre part, est de réconcilier des mesures confl ictuelles et développer une pratique d’exécution (de rhétorique) pour laquelle il n’y a pas de règle.
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Dor, Garance. "Aurore Després (dir.), Gestes en éclats. Art, danse et performance." Interfaces, no. 40 (December 21, 2018): 203–5. http://dx.doi.org/10.4000/interfaces.610.
8
Perrin, Claire, and Maëlle Guerry. "Danse et corps hors norme : une performance artistique de la vulnérabilité." Ligeia N° 121-124, no. 1 (2013): 37. http://dx.doi.org/10.3917/lige.121.0037.
9
Renard, Johanna. "The Grand Union’s Improvisation Laboratory." Emulations - Revue de sciences sociales, no. 9 (September 10, 2018): 43–55. http://dx.doi.org/10.14428/emulations.009.003.
Abstract:
Collectif rassemblant des danseurs et des chorégraphes, le Grand Union a repoussé les limites de l’art en mêlant danse, performance et théâtre, se riant des cloisons imposées entre les disciplines artistiques et des règles de la représentation. Entre 1970 et 1976, il a utilisé l’improvisation à la fois comme une forme artistique et une forme de vie, afin de transcender les hiérarchies et élaborer un véritable fonctionnement communautaire démocratique. En analysant à la fois la danse du Grand Union et le fonctionnement du collectif, on se demandera si la spontanéité et l’instantanéité de l’improvisation associées à l’utopie communautaire peuvent générer liberté et égalité tout en offrant sa place au singulier.
10
Cramer, Franz Anton. "Experience as Artifact: Transformations of the Immaterial." Dance Research Journal 46, no. 3 (December 2014): 24–31. http://dx.doi.org/10.1017/s0149767714000503.
Abstract:
The article analyzes an artistic project that is situated on the dividing line between the realm of performance and of exhibition. The Musée de la Danse in Rennes, France, contests the dichotomies of object and experience and introduces a notion of exhibition-as-performance. In so doing, the “Dancing Museum” suggests new perspectives on, and comprehensions of, the materiality involved in both museal and performance-based modes of presentation.
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Hilari, Johanna, and Julia Wehren. "Social Choreography as a Cultural Commoning Practice: Becoming Part of Urban Transformation in Une danse ancienne." Arts 13, no. 2 (April 9, 2024): 70. http://dx.doi.org/10.3390/arts13020070.
Abstract:
This article examines social choreography as a cultural commoning practice that is embedded within a relational structure between different institutions, the people involved, and specific socio-cultural contexts. The artistic research project Une danse ancienne by French choreographer Rémy Héritier and their team is presented as a case study of this practice. This collaborative choreography is based on a dance performance and social gathering that is reactivated every year by the same dancer in the same peri-urban site in a metropolitan area of Lausanne, Switzerland. Une danse ancienne holds strong relationships to temporalities, to the changing urban space, and to communal processes of documentation. Its relational choreographic structure and sharing practices are analyzed against the concepts of ‘expanded choreography’ and ‘cultural commoning’. This article, therefore, discusses social choreography as a cultural commoning practice that involves interactions with different social groups and institutions and practices of sharing and communal documentation. This article shows how, as social choreography, Une danse ancienne reflects upon urban transformation through cultural commoning practices.
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Agid, Roméo, and Sally Gardner. "Quand la danse interprète les gestes (des) sportifs." Cahiers de danse N° 1, no. 2 (October 20, 2023): 20–25. http://dx.doi.org/10.3917/cdd.001a.0020.
Abstract:
D’entrée de jeu, les gestes sportifs et dansés partagent un même lexique et de nombreuses similitudes kinésiques. Pourtant, les artistes puisent régulièrement leur inspiration dans les corps athlétiques pour enrichir leurs œuvres de figures inédites. Du duel au duo, du maillot de sport au costume de scène, Roméo Agid propose quelques pistes pour articuler autrement les performances physiques et chorégraphiques.
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Lippi, Silvia. "Le corps, la femme et la danse érotique : performance sexuelle ou idéal ?" Champ psychosomatique 51, no. 3 (2008): 97. http://dx.doi.org/10.3917/cpsy.051.0097.
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Bident, Christophe. "Danse, performance, violence, non-sens... le vrai-faux débat du festival d'Avignon." La pensée de midi N° 17, no. 1 (January 1, 2006): 150–52. http://dx.doi.org/10.3917/lpm.017.0150.
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Boulba, Pauline L. "Traduire Jill Johnston." Cahiers de danse N° 0, no. 1 (April 5, 2023): 14–17. http://dx.doi.org/10.3917/cdd.001.0014.
Abstract:
Le dialogue entre Pauline L. Boulba et Marisa Hayes s’attache aux résonances artistiques des écrits de Jill Johnston : la transition devient une entreprise de traduction. D’une langue à une autre, d’une écriture journalistique, brève et régulière, au projet d’un livre augmenté d’un film et d’une performance, il est question des médiums d’expression d’une pensée de la danse.
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Djebbari, Elina. "La relation musique-danse dans le genre du ballet au Mali : organisation, évolution et émancipation." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (September 21, 2012): 21–26. http://dx.doi.org/10.7202/1012346ar.
Abstract:
Pendant longtemps, la danse dite « africaine » a été considérée comme une expression corporelle que l’on ne pouvait distinguer du « tam-tam », censé l’accompagner à tout moment. Depuis sa création après l’indépendance en 1960, le Ballet national du Mali a contribué à donner du sens à ce stéréotype en faisant du tambour jembe l’instrument-roi de ce genre musico-chorégraphique. Cet article propose de nous interroger sur les techniques musicales et chorégraphiques qui permettent l’interaction musique-danse lors de la performance scénique, sur les rapports de hiérarchie qui s’en dégagent, la façon dont ces valeurs peuvent s’inverser ou se transformer selon les contextes et les pratiques et, enfin, d’appréhender comment la création artistique contemporaine de ce genre musico-chorégraphique semble pouvoir s’orienter vers une dissociation de ces deux éléments alors que leur complémentarité en déterminait justement la caractéristique principale.
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Fink, Robert. ""Rigoroso (♪ = 126)": "The Rite of Spring" and the Forging of a Modernist Performing Style." Journal of the American Musicological Society 52, no. 2 (1999): 299–362. http://dx.doi.org/10.2307/832000.
Abstract:
It is only recently that we have begun to consider modernist performing style-especially its brisk, unyielding tempos and abhorrence of "expressive" rubato-as a historical phenomenon. Much of the credit (or blame) for this style has been ascribed to the composer of The Rite of Spring; Richard Taruskin argues that "all truly modern musical performance... treats the music performed as if it were composed-or at least performed-by Stravinsky." But the performing history of the Rite shows that the composer struggled mightily to get his own music played "as if composed by Stravinsky." Early interpretations of the Rite were slower and more elastic-more "romantic"-than the composer wanted. Focusing on the "Danse sacrale," this paper examines the battles over tempo and rubato evidenced by historic recordings, piano rolls, and published documents. It also considers the unpublished compositional and performing materials for the Rite: Stravinsky's autograph short and full scores, and his annotated personal copies of the 1913 piano reduction and the 1922 and 1948 full scores. The record indicates (1) that tempo and pacing of many sections of the Rite were radically rethought between sketch and 1922 printed score; (2) that someone (Pierre Monteux?) indicated rubatos and changed many of Stravinsky's metronome marks on the autograph; (3) that early performances of the "Danse sacrale" featured unwritten tempo modifications for dramatic effect; and (4) that Stravinsky had to work for decades to fix in his score the rigoroso that has become the characteristic performing tempo of our time.
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Delavaud-Roux, Marie-Hélène. "De la musique et de la danse thérapie dans la thymélè d'Epidaure?" Dramaturgias, no. 10 (May 29, 2019): 471–79. http://dx.doi.org/10.26512/dramaturgias.v0i10.24899.
Abstract:
La thymélè d'Epidaure a-t-elle abrité des séances de thérapie fondées sur la musique et la danse? C'est la nouvelle hypothèse qui est élaborée par une équipe de recherche multinationale et transdisciplinaire, placée sous la direction de Peter Schultz et financée, entre autres, par l'American School of Classical Studies à Athènes. Nous nous proposons de la développer à partir de l'ouvrage publié par ces auteurs: Peter Schultz, Bronwen L. Wickkiser, George Hinge, Chrysanthos Kanellopoulos and John C. Franklin, The Thymele at Epidauros. Healing, space and musical performance in late classical Greece, Theran Press, Fargo, 2017. Nous expliquerons d'abord les méthodes utilisées par ces chercheurs et nous résumerons brièvement leurs résultats qui portent sur l'étude du bâtiment, l'étymologie du mot thymélè, les relations entre la circularité, le sous-sol et la musique, l'usage du péan chan/danse comme thérapie, et l'évaluation acoustique du bâtiment.
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SIMONSON, MARY. "Visualizing Music in the Silent Era: The Collaborative Experiments of Visual Symphony Productions." Journal of the Society for American Music 12, no. 1 (January 25, 2018): 2–36. http://dx.doi.org/10.1017/s1752196317000505.
Abstract:
AbstractIn July 1922, the New York Times reported that the “encouraging little film” Danse Macabre was screening at the Rialto Theater in New York City. Directed by filmmaker Dudley Murphy, it starred dancers Adolph Bolm and Ruth Page in a visual interpretation of Saint-Saëns's Danse Macabre that synchronized perfectly with live performances of the composition. While film scholars have occasionally cited Danse Macabre and Murphy's other shorts from this period as examples of early avant-garde filmmaking in the United States, discussions of the films are mired in misunderstanding. In this article, I use advertisements, reviews, and other archival materials to trace the production, exhibition, and reception of Murphy's Visual Symphony project. These films, I argue, were not Murphy's alone: rather, they were a collaborative endeavor guided as heavily by musician and film exhibitor Hugo Riesenfeld as by Murphy himself. Recast in this way, the Visual Symphony project highlights evolving approaches to sound–image synchronization in the 1920s, the centrality of theater conductors and musicians to filmmaking in this period, and the various ways in which filmmakers, performers, and exhibitors conceptualized the relationship between music and film, and the live and the mediated, in the final decade of the silent era.
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Sørensen, Anders Ravn. "At designe danskhed: Forestillinger om nationen på danske pengesedler." Kulturstudier 4, no. 1 (May 29, 2013): 118. http://dx.doi.org/10.7146/ks.v4i1.8143.
Abstract:
To design Danishness: performances of the nation on Danish banknotes In this article, I analyse four different banknote-design competitions that were hosted by Denmark’s National Bank (Nationalbanken) between 1908 and 2007. The proposals for new banknotes have evoked different narratives about the national community, and I describe how these proposals were characterised by two opposing trends: one style alluded to a romantic national narrative by using ancient relics, barrows and classical landscapes to highlight a common history of origin; the other included more popular and commonplace motifs, such as foodstuff, industry and leisure activities. Historically, Nationalbanken has struggled to balance these different trends while preserving the notes’ legitimacy, and it has endeavoured to make the notes reflect contemporary Danish values. However, as the design processes unfolded over 100 years, the bank’s governors seemed to reconsider such ideas and, despite being given different suggestions, they have always chosen the most conservative iconography. I suggest that decision-makers within the bank have been reluctant to innovate banknote designs and make the notes reflect contemporary values, out of fear that such motives might jeopardise the trustworthiness of Danish paper currency. In maintaining this attitude, Nationalbanken has ultimately reinforced a romanticist narrative about the Danish nation.
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Kasai, Aya, Philippe Chéhère, Rie Harada, Nonoko Kameyama, and Julie Salgues. "La danse du détour: A collaborative arts performance with people touched by Minamata disease." Journal of Applied Arts & Health 14, no. 2 (July 1, 2023): 207–25. http://dx.doi.org/10.1386/jaah_00139_1.
Abstract:
In May 2019, a group of dancers, photographers and local participants gathered in Minamata, Japan, a community affected by industrial mercury pollution since the 1950s. Philippe Chéhère, Julie Salgues and the Minamata Dance Collective conducted a series of dance sessions with citizens, students, dancers and people touched by Minamata disease in various places of significance in Minamata and explored the potential of movement and its transformation in people and the environment. Through choreographic poetry, they explored the site and the story of Minamata involving 180 people, using dance as a modality of encounter and dialogue. The ten-day dance project culminated in a participatory performance at Minamata Memorial. This case study documents the process of participatory arts by interweaving history, photographs and participants’ voices.
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Hiscock, Andrew. "Moving Shakespeare: La danse narrative and adapting to the Bard." Cahiers Élisabéthains: A Journal of English Renaissance Studies 102, no. 1 (March 30, 2020): 18–37. http://dx.doi.org/10.1177/0184767820914513.
Abstract:
This article considers the expectations of narrative that frequently surround Shakespearean dance adaptation. Reviewing responses to two contemporary productions ( Le Songe by Les Ballets de Monte Carlo and Golden Hours (As You Like It) by the Rosas company), discussion pays particular attention to critical and audience appetites when attending to performances of Shakespeare on the dance stage. Highlighting contemporary debates in dance studies, the discussion draws to a close examining the challenges of transposing (often well-known) Shakespearean texts into bodily gesture and movement.
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Eliot, Karen. "‘Where Burns the Artist's Soul’: Tamara Karsavina's Writings on Artistry and Expression." Dance Research 42, no. 1 (May 2024): 78–97. http://dx.doi.org/10.3366/drs.2024.0418.
Abstract:
The ballerina Tamara Karsavina experienced vast shifts from romantic and post-romantic 1 performance styles to twentieth-century modernism. In the first section of this essay, I give an overview of these shifts; then, I explore Karsavina's writings for insights into her views on performance and artistry. In her writing, she develops her artistic credo and expresses the conviction that to contribute to a living art form, ballet dancers must deepen their expressivity while expanding technique and their practice of classical mime. For her, the future of ballet can be found in the traditions of the danse d'école and the classical repertoire
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Li, Qidong. "Research on the Authenticity Deviation and Personalized Style in Horowitz’s Second Adaptation: Taking the Piano Piece Danse Macabre as an Example." Yixin Publisher 1, no. 1 (March 31, 2024): 45–53. http://dx.doi.org/10.59825/jet.2024.1.1.45.
Abstract:
The evolution of music performance styles in the 20th century gave rise to trends stemming from RMP, MSP, and HIP. Within this evolution, certain performers exhibited distinctive and personalized style choices. Using Horowitz’s reimagined version of Liszt’s Danse Macabre as a case study in piano music, the author delves into aspects such as the composer's departure from authenticity, the extreme manifestation of personal style, the dichotomy in self-expression and evaluation. By examining his departure from the conventional MSP and HIP styles, along with the intense expression of his unique style, the exploration culminates in an examination of the controversy surrounding these expressions in performance practice, ultimately shaping Horowitz's music performance style preferences.
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Chaganti, Seeta. "Proleptic Steps: Rethinking Historical Period in the Fifteenth-Century Dance Manual." Dance Research Journal 44, no. 2 (2012): 29–47. http://dx.doi.org/10.1017/s0149767712000095.
Abstract:
For some time now, scholarly medieval studies have been preoccupied with questions about the relationship between the modern and the premodern, and even about the very meanings of these terms. Medievalists in different fields have thoughtfully re-examined the critical paradigms that rely on a break between the medieval as premodernity, on the one hand, and the early modern as an initiation of modernity, on the other. Such new perspectives on periodization and the Middle Ages have tended to originate in studies of literature, theater, history, and art. The discipline of medieval studies has not, for the most part, considered what dance might contribute to our understanding of the constitution of historical periods such as “medieval” and “early modern.” And yet, basse danse and bassadanza, due to their placement in a fifteenth-century moment variously claimed by both the Middle Ages and the Renaissance, potentially offer much to such discussions of periodization. As a performance, this fifteenth-century dance situates itself in a dynamic transition between the medieval and the early modern, raising questions about the nature, location, and even existence of this periodization boundary. At the same time, however, the instructional and codifying techniques associated with basse danse and bassadanza reinforce a more traditional periodization dynamic, whereby a culture looks back mainly in order to look forward, organizing its ideas about time and history around the mechanism of anticipation. I shall argue in this essay that basse danse and bassadanza reveal a suggestively conflicted perspective on time through the distinction they establish between the temporality of execution and that of instruction. Furthermore, in their espousal of anticipatory strategies, the instruction manuals in particular show how representations of early dance can construct perspectives on historical periodization. Casting into relief thus an occluded narrative about how period borders form and solidify, basse danse and bassadanza additionally offer early period scholarship some new ways to reconsider and dissolve such borders.
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Anwar, Anwar, Aulia Nurul Izmi, and Agung Widhi Kurniawan. "PENGARUH KETERAMPILAN, PENGETAHUAN DAN KEMAMPUAN SDM TERHADAP KINERJA KARYAWAN AGROINDUSTRI DANGKE DI KELURAHAN MATARAN KECAMATAN ANGGERAJA." SIBATIK JOURNAL: Jurnal Ilmiah Bidang Sosial, Ekonomi, Budaya, Teknologi, dan Pendidikan 2, no. 2 (January 5, 2023): 349–60. http://dx.doi.org/10.54443/sibatik.v2i2.534.
Abstract:
This objective of this research to determine the influence of skills, knowledge and human resources capabilities on the performance of dangke agro-industrial employees in the materi Village. In addition, this application can also be used to improve computer performance. The sample in this study using saturated sample techniques with the number of 30 respondents.This study was conducted using multiple lienar regression analysis. The results showed that there was a positive and significant influence on the overall ability, knowledge and ability of human resources on employee performance with a presentation of 91.1%. This shows the meaning that the dependent variable (employee performance) can be interpreted by the ability, knowledge and ability of human resources by 91.1%, while 8.9% (100% - 91.1%) is expressed by the cause and other factors that are under the variable ability, knowledge and ability of human resources studied. Such as aspects of salary or salary allowances (bonuses) required, work motivation to discipline individual employees in carrying out work in the agro-industry dangke Mataran Village.
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Chung, EunJu. "A Study on the Type of Site-Specific Dance Performance : Focusing on the Concept of Site of Post-Modern Dance." Journal of Dance Society for Documentation & History 60 (March 31, 2021): 269–88. http://dx.doi.org/10.26861/sddh.2021.60.269.
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Røllum-Larsen, Claus. "J.S. Bach og Danmark. En studie i den danske præsentation og musikfaglige behandling af Bachs værker indtil 1950." Fund og Forskning i Det Kongelige Biblioteks Samlinger 54 (March 3, 2015): 305. http://dx.doi.org/10.7146/fof.v54i0.118887.
Abstract:
Claus Røllum-Larsen: J.S. Bach and Denmark
The dissemination and pursuit of Bach’s music in the first decades of the 1800s was characterized by the circle surrounding Peter Grønland, not least C.E.F. Weyse. The dissemination of Bach’s printed works seems to increase around the year 1800, but does not reach a high level until 1850. During the 19th century, there were strongly committed performers, who scheduled Bach’s music: the earliest was Hans Matthison-Hansen (organ works), later — from 1875 — Niels W. Gade (including The St. Matthew Passion), Gottfred Matthison-Hansen (organ works) and Frederik Rung (The St. John Passion and Mass in B minor). Then the Cæcilia Society safeguarded Bach’s greater chorale works all the way up to its discontinuation in 1934, whereupon the Symphony Orchestra of the Danish State Broadcasting Service and the Copenhagen Royal Chapel Choir took over. With the Bach Society, Niels Otto Raasted displayed great activity with regards to exposing Bach’s music in many genres, and in this context presented a number of prominent musicians with backgrounds in the milieu of practicing historical performances in Berlin. From the beginning of the 1930s, Finn Viderø was also heavily engaged in Bach’s music, particularly from the perspective of performance practice. By end of the Second World War, the Bach Society came to an end, while Wöldike together with the Copenhagen Royal Chapel Choir and various orchestras maintained extensive concert activity with Bach’s works. The commemoration in 1950, over which Mogens Wöldike presided, cemented the central position of the Copenhagen Royal Chapel Choir and Wöldike in the dissemination of Bach. The historically- and scientifically-founded approach to the music and the performance of it by these musicians and the music teacher Gunnar Heerup had thereby replaced a more subjective cultivation of Bach, and based on this had established an objective, critical approach to the handling of Bach’s music. This development has not changed the assessment of Bach as a composer; his extraordinary endeavour and “by virtue of Bach’s genius, Bach’s [cantatas and passions] … has become something that is unparalleled anywhere else in the world.” (J.P. Larsen).
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Calame, Claude. "Récit héroïque et pratique religieuse. Le passé poétique des cités grecques classiques." Annales. Histoire, Sciences Sociales 61, no. 3 (June 2006): 525–51. http://dx.doi.org/10.1017/s0395264900003164.
Abstract:
RésuméDans les cités de la Grèce ancienne, les récits héroïques que l’on appelle « mythes » sont souvent présentés aux dieux sous des formes poétiques qui en font de véritables offrandes musicales. Ces chants, de forme en général chorale, s’insèrent parmi les autres actes rituels tels que le sacrifice, la prière ou la procession. Véritables actes de culte, ces paroles chantées et dansées établissent la communication institutionnelle et « religieuse » de différents groupes de la communauté civique avec les divinités du panthéon en légitimant par le récit héroïque la performance rituelle dont elles sont partie intégrante. Fondée sur cinq cas de figure, la démarche anthropologique et énonciative adoptée montre qu’en matière de performance cultuelle chantée, ni « mythe » ni « religion » ne sont des catégories indigènes.
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Maurin, Frédéric. "L’impermanence est-elle soluble dans le répertoire?" L’Annuaire théâtral, no. 53-54 (June 9, 2015): 75–90. http://dx.doi.org/10.7202/1031154ar.
Abstract:
À partir de démarches récentes, mais aussi de pratiques plus anciennes, cet article interroge la notion de répertoire en étendant son acception dramatique d’usage à une application scénique. Au théâtre, comme à l’opéra, en danse et dans la performance, il est des gestes artistiques et des processus créateurs qui, étroitement liés aux notions voisines de reprise, de variation, de citation et, désormais, de reenactment, permettent de valider l’hypothèse que ne revient pas au seul texte l’apanage de se constituer en mémoire – une mémoire vive, susceptible d’être ranimée et rejouée, c’est-à-dire interprétée.
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Misler, Nicoletta. "Seven Steps, Seven Veils: Salomé in Russia." Experiment 17, no. 1 (2011): 155–84. http://dx.doi.org/10.1163/221173011x611888.
Abstract:
Abstract The article concentrates on experimental dance movements of the outside of the Ballets Russes, especially the danse plastique, in St. Petersburg, Munich, and Moscow. Particular attention is paid to the innovative interpretations of Salomé and analogous subjects by Ida Rubinstein, Alexander Sacharoff, Lev Lukin, and Kasian Goleizovsky. Reference is made to the persistence of the Symbolist esthetic in dance of the 1910s and to pictorial renderings of the various performances by artists such as Léon Bakst, Marianne Werefkin, and Boris Erdman.
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Forcolin, Francesca. "Magali Nachtergael et Lucille Toth (dir.), Danse contemporaine et littérature. Entre fictions et performances écrites." Studi Francesi, no. 177 (LIX | III) (December 1, 2015): 654–55. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.1516.
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Morris, Geraldine. "Is it a Petipa dance we are watching?" Dance Research 37, no. 2 (November 2019): 220–38. http://dx.doi.org/10.3366/drs.2019.0274.
Abstract:
To answer this question, I focus on dance movement style in one particular Petipa ballet; but in doing so, I seek to go further and to raise a more fundamental issue, namely, how we should distinguish between classroom technique and art? Petipa dances present a specific example of the problem that arises when choreographers draw on the classroom lexicon, or danse d'école, as a basis for their choreography – leading dancers and rehearsal directors to conflate the values of the classroom with those of the dance. Using a dance from The Sleeping Beauty (1890) as a framework, I explore the issue of dance art and the question of what, if anything, links performance of classroom technique with performance of the art work? 1
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Wightman, Megan. "« Parfois j’ai conscience d’être moi ». L’identité plurielle chez Maurice Béjart, entre mémoires et autofiction." Voix Plurielles 17, no. 1 (April 27, 2020): 159–70. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v17i1.2478.
Abstract:
Cet article se propose d’étudier les deux volumes de mémoires du chorégraphe français Maurice Béjart (1927-2007), dans l’objectif de cerner une particularité de son écriture autobiographique en tant qu’artiste de la danse. Les analyses, qui se concentrent sur la représentation de l’identité plurielle de Béjart, révèlent l’emploi de conventions associées à la définition de l’autofiction de Philippe Gasparini. Or, ces conventions ne résultent pas en une version fictionnalisée du récit de vie, mais s’avèrent participer à une stratégie discursive qui fait du texte une performance littéraire de l’identité artistique de Béjart.
Mots-clés : mémoires, autofiction, Maurice Béjart, chorégraphe, identité plurielle, autobiographie
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Genetti, Stefano. "« Vu autrement »." Samuel Beckett Today / Aujourd’hui 34, no. 2 (August 24, 2022): 259–72. http://dx.doi.org/10.1163/18757405-03402006.
Abstract:
Résumé La mise en scène de Cap au pire conçue en 2006 par la chorégraphe Maguy Marin et interprétée par Françoise Leick plonge dans la pénombre la lecture intégrale en voix off du texte beckettien. L’installation de Peter Welz whenever on on on nohow on|airdrawing (2004) multiplie les captations de la performance que William Forsythe improvise à partir d’une phrase inspirée de Worstward Ho. En illustrant les apparitions et les disparitions des images et en inscrivant dans l’espace des traces de mots à la croisée de danse, vidéo-sculpture, dessin et architecture, ces deux œuvres visualisent et interrogent les tensions entre perception et imagination, présence et absence, voir et dire.
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Park, Mi-Jin. "현대무용공연의 마케팅믹스 전략과 관람객 관람요인의 관계." Korea Journal of Sport 18, no. 3 (September 30, 2020): 133–46. http://dx.doi.org/10.46669/kss.2020.18.3.012.
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Kékesi Kun, Árpád. "The Danse Macabre of “Democratic Dictatorship”: Sławomir Mrožek’s Tango in State-Socialist Hungary." Theatron 17, no. 4 (2023): 62–74. http://dx.doi.org/10.55502/the.2023.4.62.
Abstract:
Sławomir Mrožek’s Tango was first staged in a professional theatre in Hungary with considerable delay. The production opened in Szolnok in 1978, thirteen years after the world premiere of the play in Warsaw. “Mrožek had not been allowed to get onto our stages for years,” wrote Grácia Kerényi, the Hungarian translator of Tango, with surprising openness in 1978, thus highlighting the discredited status of the play in the cultural policy of the Kádár regime. However, it is a mistake that the premiere in Szolnok in 1978 was the national premiere of Tango, even if it was advertised as such on the playbill. Mrožek’s three-act play already had some production history on Hungarian stages, as it had been presented to audiences on several occasions before. Therefore, we cannot talk about a national premiere in the case of the production in Szolnok, but only about the first fully staged performance of the play in a professional theatre in Hungary. But this production still lives strongly in cultural memory. The essay outlines the reasons for this high status and analyses István Paál’s mise-en-scène according to the so-called Philther method.
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LEONHARDT, NIC. "‘From the Land of the White Elephant through the Gay Cities of Europe and America’: Re-routing the World Tour of the Boosra Mahin Siamese Theatre Troupe (1900)." Theatre Research International 40, no. 2 (June 2, 2015): 140–55. http://dx.doi.org/10.1017/s0307883315000024.
Abstract:
Bangkok, Singapore, Paris, Vienna, Berlin, St Petersburg – some thirty performers of the Boosra Mahin Siamese Theatrical Troupe toured the world in 1900. Daily newspapers enthusiastically reported on the unprecedented shows of the performers ‘from the land of the white elephant’. After they disappeared from the map of theatre history, in 2010 Thai choreographer Pichet Klunchun ‘revives’ the troupe in his performance Nijinsky Siam. He follows their October 1900 St Petersburg show – the very performance attended by choreographer Mikhail Fokine and costume designer Léon Bakst, who later worked closely with Vaslav Nijinsky. In 1910, Nijinsky's La danse siamoise/Siamese Dance premiered at the Marinsky Theatre, St Petersburg. This article follows the routes of the Boosra Mahin Troupe on the basis of selected primary sources and from a global-historical perspective. In tracing the Boosra Mahin Troupe and their tours, the article not only maps their manifold routings and reroutings, but also advocates for the need for a global theatre historiography that puts past cultural entanglements and connected performance histories centre stage.
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Légeret, Katia. "Briller, obscurcir ou aveugler ? La lumière dans le théâtre et la danse contemporaine." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 17, no. 1 (2009): 259–74. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2009.883.
Abstract:
Dans certaines mises en scène contemporaines du spectacle vivant, fondées sur l’interculturalité, les dispositifs lumineux n’éclairent plus une dramaturgie préétablie mais ils participent activement au processus de création collective, invitant le public à en multiplier les lectures possibles. En effet, lorsque la lumière est perçue par son concepteur comme un élément essentiellement aveuglant, toute instrumentalisation la réduisant à un objet ou à une technique est ainsi évitée. Dès lors, la lumière se situe entre les arts et entre les corps des acteurs et des danseurs, tel un matériau ou un environnement transculturel, résistant à certaines pratiques et conceptions du signe. Cultivant la réception d’un spectateur qui accepte de ne plus rien voir a priori, ces performances risquent cependant de préférer à la lumière son contraire. La mise en œuvre d’une telle esthétique de la disparition, notamment dans des mises en scène de Pina Bausch, de Carolyn Carlson et de Bartabas, remet en question l’idée d’un corps qui serait à la fois visible et voyant, et joue sur les limites de ses formes sensibles et de ses transformations possibles.
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Pradel, Lucie. "Patrimoine partagé et carnaval caribéen." Ethnologies 34, no. 1-2 (August 6, 2014): 251–71. http://dx.doi.org/10.7202/1026153ar.
Abstract:
Par sa représentation de diverses formes d’expressions patrimoniales, par son alliage de traditions orales, rituelles, sociales, de même que de savoirs et de savoir-faire, le carnaval est représentatif du patrimoine immatériel. Le terme « carnaval » minore la dimension d’un festival artistique animé par la musique, la danse, le théâtre, l’art de la performance, la peinture, la sculpture, le stylisme, la chapellerie, l’art photographique. Le carnaval se singularise par son rôle d’incubateur de nouvelles pratiques et par son influence dynamique sur d’autres secteurs d’activités, à savoir les secteurs artistique, culturel, social et économique. La notion de patrimoine partagé est utile en tant que mode d’interprétation du carnaval et, de manière plus large, cette notion contribue également à l’interprétation du patrimoine immatériel.
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Jan, Corentin. "Un Tanztheater pour le XXI e siècle ? Pratiques corporelles et grotesque queer-féministe dans les spectacles de Florentina Holzinger." Allemagne d'aujourd'hui N° 245, no. 3 (September 28, 2023): 143–54. http://dx.doi.org/10.3917/all.245.0143.
Abstract:
La jeune chorégraphe autrichienne Florentina Holzinger, développe depuis une dizaine d’années un Tanztheater qui fait la part belle à l’exploration critique de pratiques corporelles contemporaines et plus anciennes, en convoquant et détournant par exemple les chorégraphies du ballet classique et moderne. Au sein de spectacles presque toujours interprétés par des femmes, ces pratiques se trouvent réagencées, déplacées et insérées dans des univers où se mêlent des références aux grands récits occidentaux ( La Divine Comédie de Dante, Hamlet de Shakespeare…) et à des formes spectaculaires plus contemporaines ( Freak Show , concours de télévision…). La démarche de Florentina Holzinger cherche moins une esthétique du choc et de la violence qu’elle ne joue en acte avec les pratiques corporelles présentes et passées ainsi que leurs significations culturelles. Il s’agit de montrer en quoi la démarche de la chorégraphe vise à s’approprier, à détourner et à observer d’un œil critique les pratiques corporelles du présent et du passé et les imaginaires qui leur sont associés. Deux spectacles, A Divine Comedy (2021) et Ophelia’s got Talent (2022), sont au cœur de l’analyse qui considère la danse comme un lieu de travail esthétique sur les pratiques et les imaginaires sociaux du corps. Les deux spectacles détournent ces pratiques et ces « images corporelles » en les soumettant à un registre grotesque au sens bakhtinien du terme et en les détournant vers des pratiques sexuelles, scatologiques ou qui, plus largement, prennent appui sur la matérialité des corps en présence. Cet esthétique grotesque s’inscrit dans un projet artistique queer-féministe et dans une filiation critique de l’histoire de la danse et de la performance.
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Rewa, Natalie, and Michael J. Sidnell. "Montreal: Festival de Theatre des Ameriques, May-June, 1995." Canadian Theatre Review 86 (March 1996): 51–55. http://dx.doi.org/10.3138/ctr.86.009.
Abstract:
The Festival de theatre des Ameriques is remarkable for the range and quality of the performance spaces that it has available and deploys to such good effect. This is partly due to an extraordinary proliferation of performance spaces in Montreal over the last ten years, unequalled in any other city in Canada in this respect; and it is partly due to the enterprise of Marie Helene Falcon, the Festival’s Director, in acquiring the use of a variety of venues and matching them to specific productions. Her programming has always brought the spectators into performance spaces of various kinds, shapes and sizes and she has often exploited not only the physical attributes of the locations but their local cultural resonances. In 1991, for example, Hip Hop Waltz of Eurydice, the late Reza Abdoh’s brilliant, postmodern reworking of cultural icons for an AIDS-conscious spectatorship was performed in the Clarke Theatre of Concordia University, an all-purpose assembly hall, with few of the markings of a traditional theatre. Similarly, in 1993, Robert Wilson’ s production of Gertrude Stein’s When Doctor Faustus Lights the Lights was performed in UQAM’s newly-completed Salle Pierre Mercure, which architecturally reinforced the spatial rhythms of Wilson’s mise en scène. By contrast Tadeusz Kantor ’s production by Cricot 2 of La Classe morte, featured during the 1991 FTA, was accommodated at the historically significant Theatre Denise Pelletier, where an exhibition of the company’s posters was also mounted. In 1991, when the FTA took the relationship between theatre and dance as one of its themes, it featured Marie Chouinard’s first choreography for a troupe of dancers at the Monument-National, while Falcon also introduced Festival audiences to the possibilities of more intimate dance performances in the new Agora de Danse at UQAM, with Rebis, Alvaro Restrepo’s ritualized dance exploration of space and the spoken word, done in homage to Garcia Lorca.
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Thibault, Sara, and Hervé Guay. "Sorties du théâtre : pratique de l’interartistique chez Brigitte Haentjens." L’Annuaire théâtral, no. 61 (August 28, 2018): 131–48. http://dx.doi.org/10.7202/1051030ar.
Abstract:
Cet article s’intéresse à la partie du travail de Brigitte Haentjens où celle-ci rompt avec une esthétique purement dramatique pour pénétrer dans des zones interartistiques. Dans plusieurs oeuvres de ce corpus, Haentjens fait appel à une approche non textocentriste ou encore recourt à des matériaux non dramatiques. Cet ensemble de mises en scène opère ainsi des percées du côté de la performance, de la danse, de la choralité et du théâtre environnemental afin de proposer un contrat spectaculaire légèrement différent que dans le reste de sa production, c’est-à-dire qui oscille entre plusieurs pôles artistiques au lieu de rester simplement théâtral. C’est une façon particulièrement efficace de rendre compte, par le corps, des tensions entre les individus et le groupe, de miser sur un dialogisme convergent et d’approfondir au contact d’autres arts la perspective critique, féministe, qui est la sienne.
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Muller-Jaecki, Marie-Paule. "Altérité et inclusion. Du corps propre au corps social en classe de langue : emprunts à la danse contemporaine." Voix Plurielles 10, no. 2 (November 28, 2013): 9–21. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v10i2.837.
Abstract:
La classe de langue étrangère, par la transformation du corps propre qu’elle présuppose afin d’accéder à un nouveau corps social, place-t-elle l’élève en situation de handicap et génère-t-elle de la souffrance ? Est-il possible de l’éviter ? La réflexion menée part de l’observation d’expériences vécues en danse contemporaine autour de la création de performances incluant des danseurs en situation de handicap. L’analyse de la démarche pédagogique adoptée fait émerger des constantes qui contribuent à l’inclusion de chaque danseur. Elle peut être source d’inspiration pour l’enseignant afin de construire une dynamique d’apprentissage d’une langue étrangère où chaque élève se sente compétent.
Otherness and inclusion. What can contemporary dance bring to the foreign language class for learners to access a new social body?
The foreign language class implies a transformation of the learner’s own body in order to access a new social body. Does it thereby handicap pupils, generating suffering? Is it possible to avoid this? The following reflection starts from the observation of experiences in contemporary dance, related to the creation of performances including disabled dancers. The analysis of the pedagogy reveals constants which contribute to the inclusion of every dancer. It can inspire teachers in order to design a foreign language learning approach in which each pupil feels competent.
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NYE, EDWARD. "‘Choreography’ is Narrative: The Programmes of the Eighteenth-Century Ballet d'Action." Dance Research 26, no. 1 (April 2008): 42–59. http://dx.doi.org/10.3366/e0264287508000054.
Abstract:
In the 1760s, a change in the meaning of the French word ‘chorégraphie’, coined by Feuillet in 1700, coincides with the coming of age of the ballet d'action. At the time when Jean-Georges Noverre, Gasparo Angiolini and others are developing mime dance into a highly elaborate and aesthetically complex stage art, their contemporaries are beginning to use ‘chorégraphie’ to mean the dramaturgical structure of the work rather than a system of notation. The semantic shift suggests that drama is as fundamental to the ballet d'action as a Feuillet transcription is to danse noble. The analogy is sometimes taken further so that ‘chorégraphie’ probably refers to a written plot summary or ballet programme. This has many consequences for the way we think about the ballet d'action. Firstly, we should regard the ballet d'action as danced drama rather than dramatic dance, and secondly, ballet programmes are not peripheral to performance, but provide what contemporaries understand to be ‘choreographic’ information.
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Hamayon, Roberte N. "Faire des bonds fait-il voler l’âme ?" Ethnologies 25, no. 1 (October 20, 2003): 29–53. http://dx.doi.org/10.7202/007125ar.
Abstract:
Résumé L’article commence par un bref examen des concepts proposés comme thème de ce numéro (en particulier transcendance, performance, extase) : peut-on les appliquer aux formes de chamanisme rencontrées en Sibérie en contexte « traditionnel » ? Ce sont en fait de tout autres notions qui sous-tendent la terminologie de l’action rituelle dans ces formes de chamanisme, notamment celle de « jouer ». Cette notion, analysée sur des exemples bouriates, combine en un tout intégré plusieurs idées fondatrices des systèmes de représentations chamaniques. L’idée d’imiter les animaux sauvages dont dépend la vie de chasse, et au-delà, de mettre en scène un échange harmonieux avec la nature. Celle d’effectuer, à leur image, les deux devoirs fondamentaux de chacun et de tous, s’accoupler (danse) et se défendre (lutte). Celle de faire comme si pour susciter l’action correspondante dans la réalité. Celle, enfin, d’agir d’une manière qui ouvre la possibilité d’un gain. Ainsi, l’acte de « jouer » se présente comme la traduction rituelle de l’aspiration à obtenir de la « chance ».
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Despotovich, Brett, Robert Hengeveld, Risa Horowitz, Brandy Leary, Lynne Quarmby, and Susan Stewart. "An Other North: The Arctic Circle Summer Solstice Expedition 2017." RACAR : Revue d'art canadienne 43, no. 1 (August 7, 2018): 53–62. http://dx.doi.org/10.7202/1050820ar.
Abstract:
Cette section Pratiques présente un aperçu du travail de six Canadiens, cinq artistes et une scientifique, qui en juin 2017 ont navigué le long des côtes ouest et nord du Svalbard, dans l’Arctique, dans le cadre de The Arctic Circle Summer Solstice Expedition. Cette expédition réunissait trente artistes, scientifiques, architectes et éducateurs, dont les pratiques englobent le dessin, les médias photographiques, les interventions in situ, la vidéo, la danse, la performance, l’écriture, les démarches sociales et la biologie moléculaire. Cette section témoigne de la nature interdisciplinaire, transdisciplinaire et multidisciplinaire des projets réalisés pendant l’expédition, ainsi que des multiples réflexions nées dans les mois suivants des discussions s’y étant déroulées. Encadrées par divers thèmes de projet, tels le deuil, la souveraineté, les catastrophes écologiques, les études nordiques et la cosmologie, les expériences collectives des participants, ainsi que les oeuvres qui en résultèrent, soulèvent des questions concernant les écologies humaines et leurs effets sur elles-mêmes et sur la planète entière.
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Cooksey, Sybil Newton. "Revenant Motion." liquid blackness 6, no. 2 (October 1, 2022): 88–117. http://dx.doi.org/10.1215/26923874-9930303.
Abstract:
Abstract Through sensitive engagement with the experimental films of Arthur Jafa, the flex choreography of Storyboard P, and performance of #BlackLivesMatter protests, this essay submits revenant motion as a concept through which to think about black being and phenomenology in this era. The entwined reflections on black life, death, and aesthetics offered up by Jafa, Claudia Rankine, Hortense Spillers, Elizabeth Alexander, and Sylvia Wynter shape these speculations toward a black creative, curatorial, and cultural practice attentive to the other(wise) worlds opened by uncanny reanimation. The suggestion here is that revenant motion might name a genre (à la Wynter) of the perennial danse macabre, which often figures Death dancing among the living as a reminder to too-worldly humans of its ever-presence and equalizing power. The creative and critical practices considered here also persistently foreground the melancholy possibilities and pleasures that our collective entanglements with black after/other/lives affords. This study of the macabre aesthetic as it manifests in latter-day memento mori sharpens our awareness of the proximity of horror and romance. In doing so it provides us with an occasion to think about how the gothic character of black life emerges in the sensual and sensorial performance of mourning and artful response to grief.
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Glasgow, V. L., S. A. Edwards, T. G. McEvoy, and M. Shanks. "The effect of feeding a diet high in fibre during the rearing period on reproduction in gilts." Proceedings of the British Society of Animal Science 1999 (1999): 67. http://dx.doi.org/10.1017/s1752756200002222.
Abstract:
Feeding diets high in fibre to breeding sows has been found to have a positive effect on reproductive performance. Danske Slagterier (1994) found a significant increase in litter size when sows were fed a diet containing high levels of unmolassed sugar beet pulp (USBP) during pregnancy and lactation. Litter size is influenced by two main factors; ovulation rate and embryo survival. Glasgow et al (1996) found no increase in ovulation rate in gilts fed high USBP diets. This experiment was designed to assess the effect of feeding a high USBP diet on endocrinology and early embryo viability.The experiment was of a randomised block design incorporating two diets; a cereal based diet (C) and a diet containing 50% unmolassed sugar beet (HF). 72 gilts of lean genotype (Newsham Hybrids) were allocated to treament at 138 days of age, housed in groups of 6 and had liveweight and backfat thickness recorded fortnightly. For the first 8 weeks, HF gilts were fed ad-libitum and C gilts were pair fed to the same daily energy intake. Subsequently, gilts were floor fed isoenergetically at a flat rate of 2.8 kg/d (HF) and 2.3 kg/d (C).
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Deslauriers, Rosaline. "Quand l’homme et l’image se disputent le plateau : la compagnie de théâtre Les Deux Mondes et ses machinations." L’Annuaire théâtral, no. 42 (May 5, 2010): 107–22. http://dx.doi.org/10.7202/041693ar.
Abstract:
Depuis près d’une trentaine d’années, la scène contemporaine confronte son public à d’étranges spectacles : tantôt le dispositif scénique prend l’allure d’une installation, tantôt la représentation s’approche du happening ou de la performance, tantôt écrans et technologie de pointe montent sur les planches aux côtés de comédiens devenus chanteurs, danseurs ou acrobates. Semblable mutation, tour à tour considérée comme un effet de mode ou une idéologie représentative de la pensée de notre temps, incite bon nombre de théoriciens à se pencher sur le brouillage des frontières entre théâtre, danse, arts visuels et multimédias. À travers cette mouvance, où les tenants du « virtuel » applaudissent le renouveau des arts « vivants » alors que d’autres craignent un résultat plutôt « mortifère », on peut se demander si le théâtre d’aujourd’hui peut exister… sans acteurs. Le spectacle 2191 nuits, créé par la compagnie de théâtre Les Deux Mondes, servira ici de point d’appui au développement de cette problématique. Dans le cadre de cet article, je m’interrogerai sur le processus qui mène à la création d’un spectacle où la machine joue un rôle central et sur les transformations que celle-ci opère sur l’art de l’acteur.