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Dissertations / Theses on the topic 'Peinture symboliste'
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Aivalioti, Maria. "Le motif de l’ange dans la peinture symboliste européenne." Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100208.
Full textAbstract:
Le Symbolisme, qui a acquit son identité officielle en 1886 par Jean Moréas, est devenu le courant par excellence, qui a dépassé les frontières de son pays natal et a été embrassé par des artistes européens, originaires des pays différents. Pourtant, les artistes symbolistes n’ont pas inventé un nouveau répertoire iconographique, mais ils ont élaboré sous leur propre prisme des sujets déjà traités. Les thèmes à caractère religieux occupent une place primordiale dans leur production En outre, ils ont dégagé de leur sens chrétien afin d’attribuer les pensées des artistes. Messagers, exécutants, judicaires ou protecteurs, souvent privés du nom, les anges réapparaissent dans la moitié du XIXème siècle et jusqu’aux débuts du XXème, ils rétablissent leur place dans une société tourmenté qui cherchait des refuges. L’étude présente, en analysant la représentation de la figure de l’ange, qui constitue un motif pertinent dans la peinture symboliste, vise à éclairer, sous une interprétation à la fois typologique et iconographique, le rôle du motif angélique dans les peintures symbolistes ainsi que les rapports, concernant le style et la thématique, entre les artistes européens qui ont subit l’influence du courant, dans une tentative de prouver que la figure de l’ange, grâce à sa nature et son rôle, devient un emblème iconographique pour les peintres symbolistesIn 1886, Jean Moréas gave to the symbolist movement its official identity. Symbolism became one of main movements which came over the borders of its birth country and it was embraced by artists coming from different countries. The symbolist artists didn’t invent new themes, but they elaborated the existent ones under their own prism. The religious subjects occupied a considerable role in their production. Furthermore they abandoned their religious aspect in order to express artist’s thoughts. Messengers, executors, jurists or protectors, often disqualified from their name, the angels, reappeared in the middle of XIX century and until the first decades of XX, established their place in the society which was searching for refuges. The present study, analysing the image of the angel, which is a recurrent motif in symbolist painters work, is going to present, via a typological and iconographical interpretation, the rapports, concerning the style and the thematic, among the European artists who were influenced by the symbolist movement in order to prove that the angel, because of its nature and its role, has become a iconographical emblem for the symbolist painters
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Clerbois, Sébastien. "Contribution à l'étude du mouvement symboliste: l'influence de l'occultisme français sur la peinture belge (1883-1905)." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 1999. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/211854.
Full text
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Durand, Delphine. "André des Gachons, peintre symboliste, 1871-1951 : la création d'une "épiphanie fin de siécle"." Toulouse 2, 2010. http://www.theses.fr/2010TOU20070.
Full textAbstract:
L’œuvre d’André des Gachons (1871-1951) s’enracine dans les images oniriques et fantastiques qui constituent souvent le corpus symboliste, l’anti-naturalisme, l’aura poétique y tiennent une place importante face à un monde empli d’angoisse. L’artiste a joué un rôle à ce moment décisif de l’Histoire de l’art et s’est exprimé de manière originale dans différentes disciplines, que ce soit la peinture, les arts graphiques, les arts décoratifs. La décennie (1889-1899) qui couvre son activité artistique à Paris témoigne d’une intense fermentation littéraire et artistique. Si l’on veut témoigner du rôle de l’artiste dans le symbolisme, il suffit de se pencher sur sa collaboration aux « petites Revues » qui tentent d’unir l’esthétique et l’esprit fin-de-siècle. Mais c’est l’illustration de livres qui définit son identité d’artiste, c’est une révélation de son identité personnelle, objet réel de la quête et sa place dans un mouvement très complexeAndré des Gachons’s work is rooted in dreamlike and fantastic images which are often typical of the symbolist corpus. The prevailing elements are anti-naturalism, a poetic aura in contrast with a world full of anxiety. At this turning point in art history the artist played a major role and expressed himself in an original way in various fields such as painting, graphic or decorative arts. The decade during which he was most active testifies to an intense literary and artistic fermentation. If one wants to give evidence of the artist’s importance in Symbolism one only needs to go over his contribution to the little “ Revues” which attempted to unite aesthetics and the “fin de siècle “ spirit. Yet his identity as an artist is best defined through the illustration of books which reveal the object of his quest as well as the role he played in this complex movement
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Lucbert, Françoise. "Entre le voir et le dire : la critique d'art des écrivains dans la presse symboliste en France de 1882 à 1906 /." Rennes : Presses universitaires de Rennes, 2005. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40099235q.
Full text
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Martens, Anna Maria. "L’imaginaire aquatique dans la poésie symboliste francophone et polonaise : une étude comparatiste." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040084.
Full textAbstract:
Les études consacrées à la thématique de l’eau sont multiples. Néanmoins, elles concernent le plus souvent un des aspects de la symbolique aquatique et se réfèrent à la littérature d’un seul pays ou même d’un seul auteur. Tenant compte des ouvrages de recherches déjà existants, nous aimerions présenter dans une seule étude la lecture comparatiste des auteurs qui n’ont jamais été réunis dans le contexte de l’imaginaire aquatique. Le choix du domaine polonais et francophone n’est pas contingent. Le modernisme polonais, pour des raisons historiques, surgit un peu plus tard que le symbolisme à l’Ouest de l’Europe. Grâce à ce décalage, il s’inspire d’auteurs tels que Mallarmé, Verlaine, Baudelaire ou Maeterlinck et de peintres tels que Gustave Moreau ou Odilon Redon. L’analyse de ces œuvres nous semble d’autant plus intéressante qu’elle concerne deux langues et deux cultures différentes qui comprennent et expriment le symbole chacune à sa manière.En effectuant une recherche littéraire et linguistique, et en appliquant différentes méthodes d’analyse, nous espérons avoir abouti à une étude approfondie de la création des artistes francophones et polonais qui aidera à mieux connaître leurs mondes imaginairesThere are a lot of studies on the theme of water. However, they usually concern one aspect of aquatic symbolism and refer to the literature of one country or even a single author. Taking into account the existing research, I would like to present in a single study the comparative analysis of authors who have never been gathered in the context of the aquatic imagination.The choice of Polish and French-speaking area is not contingent. Polish modernism, for historical reasons, appeared later that the symbolism in western Europe. With this shift, he was inspired by writers such as Mallarmé, Verlaine, Baudelaire, or Maeterlinck and painters such as Gustave Moreau and Odilon Redon. The analysis of these works seems a lot more interesting as it involves two languages and two cultures that include the symbol and express it in their own way.By searching literature and language, and applying different methods of analysis, I hope to have led to a thorough study of the works of French and Polish artists that will help better understand their imaginary worlds
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Heyraud, Hélène. "Revoir le symbolisme pictural : le cas de Gustave Moreau : thème du féminin, style, réception critique." Thesis, Rennes 2, 2022. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-03685520.
Full textAbstract:
Le symbolisme est généralement considéré comme un mouvement littéraire, unifié par le thème du féminin. Or, la peinture occupe elle aussi une place importante dans la constitution du symbolisme et le thème du féminin ne saurait être l’entrée unique pour appréhender ce mouvement. Cette thèse se propose d’interroger les présupposés dominants sur ce mouvement : l’antériorité du symbolisme littéraire sur le symbolisme pictural, l’importance du thème du féminin dans la peinture, le manque voire l’absence des études stylistiques. Le corpus symboliste étant vaste, le peintre Gustave Moreau est érigé en archétype du symbolisme pictural et se pose comme le cas privilégié de cette étude. Les œuvres picturales replacées ici au centre des analyses thématiques, stylistiques et quantitatives, permettent de nuancer d’emblée cette supposée antériorité de la littérature, en montrant que les productions picturales précèdent historiquement d’une triple décennie les productions littéraires. À partir de ce corpus pictural singulier, le thème du féminin est ainsi réinterrogé : ce thème est-il si important dans la production de Gustave Moreau ? Les analyses quantitatives auxquelles est soumis le corpus permettent là encore de nuancer l’idée selon laquelle ce thème serait fondateur dans le symbolisme. Si le thème n’apparaît plus fondamental, la question du style s’impose alors. L’étude stylistique de l’œuvre de Gustave Moreau montre un peintre innovant et singulier, qui sera pourtant effacé – à l’instar des œuvres de manière générale – dans l’historiographie critique du mouvement. L’analyse de la réception critique et de l’historiographie du symbolisme montre ainsi comment les artistes, les œuvres et la stylistique ont été marginalisés au profit d’une pensée littéraire, poétique et philosophique du symbolismeSymbolism is generally seen as a literary movement, unified by the theme of the feminine. However, painting occupies an important place in the symbolism construction and the theme of the feminine cannot be the only way to question this movement. This thesis proposes to question the dominant assumptions about this movement: the anteriority of literary symbolism over pictorial symbolism, the importance of the feminine theme in painting, the lack or even the absence of stylistic studies. The Symbolist corpus being vast, the painter Gustave Moreau is raised as an archetype of pictorial symbolism and is posed as the privileged case of this study. The thematic, stylistic, and quantitative studies of Gustave Moreau’s pictorial works allow to immediately qualify this supposed anteriority of literature, by showing that pictorial productions historically precede literary productions by three decades. From this singular corpus of paintings, the theme of the feminine is thus re-examined: is this theme dominant in Gustave Moreau's production? Once again, the idea according to which theme of the feminine founded Symbolism is challenged by the quantitative studies made on this corpus. If the theme of the feminine no longer appears fundamental, then the question of style arises. The stylistic study of Gustave Moreau’s work shows an innovative and singular painter, who will nevertheless be erased - like artworks in general - in the critical historiography of the movement. The analysis of the critical reception and historiography of Symbolism thus shows how artists, artworks and stylistics have been marginalized in favor of literary, poetic, and philosophical thought of Symbolism
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Braz-Botelho, Marilia. "Le peintre brésilien Rodolpho Amoêdo (1857-1941) et l'expérience de la peinture française : académisme ou innovation ?" Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010582/document.
Full textAbstract:
Analyse du parcours et de la production du peintre brésilien Rodolpho Amoêdo (1857-1941), pensionnaire de l’Académie Impériale (brésilienne) des Beaux-Arts à Paris, entre les années 1879 et 1887. Au contact avec l’art français contemporain, mais aussi celui du XVIIIème siècle, Amoêdo va d’abord subir l’influence de certains peintres français, comme Gustave Boulanger et Alexandre Cabanel, ses premiers maîtres. Mais vers la fin de son séjour parisien, il passe à s’intéresser à l’art de Puvis de Chavannes. Ses toiles deviennent alors plus claires et se rapprochent maintes fois d’un style pré-symboliste. De retour au Brésil en 1888, il s’intéresse à la littérature de son temps et il participe à divers cercles formés par de célèbres hommes de lettres à Rio de Janeiro. Sa peinture toujours académique dans la facture et romantique dans son contexte va évoluer vers un style réaliste plus intimiste et psychologique. Souvent la femme actuelle prenait une œuvre place importante dans ses représentations. Dans ce sens, il devient très à l’écoute de l’art de James Tissot. Toutefois, ses œuvres imprégnées de théâtralité font preuve d’originalité : tant au niveau de la composition comme de la mise-en-scène des personnages. Sa science des techniques de peinture et les idées positivistes ont aussi joué un rôle dans sa conception de l’art. Commentaires et critiques sur les œuvres présentées par l’artiste lors des Salons parisiens, des expositions brésiliennes et internationales. Comme enseignant dévoué à l’école des Beaux-Arts de Rio de Janeiro, il a collaboré directement au développement de l’art au Brésil, en particulier dans la période de transition entre l’art académique du XIXème et l’art moderne du XXème siècleAnalysis of Brazilian painter Rodolpho Amoêdo’s (1857-1941) career path and works who earned a grant from Brazilian Imperial Academy of Fine Arts to stay in Paris between 1879 and 1887. Exposure to French contemporary art but also to that of the XVIIIth century, at the beginning, Amoêdo is influenced by French painters like Gustave Boulanger and Alexandre Cabanel, his first professors. At the end of his Paris stay, he gets closer to Puvis de Chavannes. His paintings become lighter, in a pre-symbolist style. Back to Brazil, in 1888, he is fond of literature and takes part to several societies founded by famous writers in Rio de Janeiro. His paintings, academic in their style but romantic in their environment, become more realistic and include greater personal and psychological dimensions. Occurrences of modern ladies in his works are more frequent : his works are closer to James Tissot’s ones. However, they encompass theatrical aspects which make them unique at the general organization level as well as at the direction of characters. His views about art were also founded on his deep knowledge of painting techniques and on positivism. Comments and critical analysis of works presented by the artist at exhibitions in Paris or at local or international exhibitions in Brazil. As a devoted professor at Rio de Janeiro School of Fine Arts, he worked directly for developing art in Brazil, especially during the transition period between XIXth century academic art and XXth century modern art
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Brogniez, Laurence. "Préraphaélisme et symbolisme : peinture littéraire et image poétique /." Paris : H. Champion, 2003. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39025095r.
Full text
9
Stevenin, Anne-Blanche. "Luc-Olivier Merson (1846-1920) : de la peinture d’histoire à la peinture décorative." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040268.
Full textAbstract:
Élève de l’École des beaux-arts de Paris, Luc-Olivier Merson obtient en 1869 le premier grand prix de Rome de peinture d’histoire, titre qui lui permet de parfaire sa formation pendant quatre années en Italie. Artiste reconnu de son vivant, Merson expose régulièrement au Salon parisien, avant d’ouvrir l’éventail de son talent à la décoration et à l’illustration. Au-delà de son goût pour la peinture monumentale, il affirme sa dilection pour l’art religieux dont il bouscule les conventions, grâce à des sources iconographiques recherchées et des sujets rares. Entre Académisme et Symbolisme, Merson confirme sa prédisposition pour le dessin, privilégiant la ligne, tout en entretenant un caractère coloriste subtil et recherché. En s’affranchissant de l’influence de son père Olivier Merson, critique d’art, et en dotant ses réalisations d’archaïsme et d’idéalisme, Luc-Olivier Merson est désormais considéré à juste titre comme l’un des précurseurs du Symbolisme. L’étude de la vie et de l’œuvre de Luc-Olivier Merson permet de comprendre les choix esthétiques et les audaces d’un artiste, trop souvent – et hâtivement – qualifié de Pompier par l’historiographie du vingtième siècleIn 1869, when a student at the École des Beaux-Arts de Paris, Luc-Olivier Merson received the Rome Prize in history painting. The award allowed him to complete his training with four years of study in Italy. A well-known artist in his own time, Merson showed regularly at the Paris Salon before broadening the scope of his creative activity to include decorative painting and illustration. Beyond his taste for monumental painting, he evinced a keen interest in religious art, whose conventions he overturned, making use of recondite iconographic sources and unusual subjects. Suspended between Academism and Symbolism, Merson displayed a penchant for drawing, always privileging line, even as he maintained a subtle and refined sense of color. Having emerged from the shadow of his father, the art critic Olivier Merson, and endowed his work with a self-conscious archaism and idealism, Luc-Olivier Merson might justly be classed among the precursors of Symbolism. By studying the life and work of Merson, we may come to understand the aesthetic choices and the audacity of an artist too often—and too hastily—termed “Pompier” in twentieth-century art historiography
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De, Palma Myriam. "Maurice Chabas (1862-1947) : du symbolisme à l'abstraction : essai et catalogue raisonné." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040145.
Full textAbstract:
La qualité esthétique et l'ampleur de l'œuvre de Maurice Chabas (peinture de chevalet et art monumental) ainsi que le mouvement de pensée auquel il a participé ont cristallisé notre intérêt pour un artiste important et injustement oublié du symbolisme. Maurice Chabas poursuivit tout au long de son œuvre une quête spirituelle qu'il traduisait par des tableaux empreints d'une harmonie noble et sereine. L'imagination et le désir d'innovation de Maurice Chabas le mèneront à diversifier sa technique, par ailleurs habile, en usant d'une purification et d'une simplification de la forme. L'œuvre, dans un premier temps académique, se rallia aux tendances symbolistes, proche de Puvis de Chavannes. Maurice Chabas fut un fervent défenseur des Rose+Croix et exposa à tous leurs salons. Par la suite, l'artiste fut tenté par les techniques néo-impressionnistes et synthétiques. A la fin de sa carrière, sa peinture devient de plus en plus éthérée, lumineuse et colorée ; ceci le conduit à se tourner vers l'abstraction qui se prête, selon, lui naturellement à la communication des mystères de la religion chrétienne. Un des premiers objectifs de cette thèse (première partie) a été d'établir la biographie de Maurice Chabas, une étude de ses principes artistiques théoriques et une analyse de son œuvre. Nous nous sommes référés aux lettres personnelles et aux écrits de l'artiste ainsi qu'aux articles de presse et catalogues d'expositions pour éclairer sa personnalité et la portée de son œuvre. La seconde partie de la thèse a consisté à effectuer un recensement le plus exhaustif possible des différents tableaux, commandes et écrits illustrés par Maurice Chabas. Cette recherche compose le catalogue raisonné de l'artiste (903 numéros dont 873 illustrés)The aesthetic quality and the extent of the work accomplished by Maurice Chabas as well as his evolution of thinking have focused our interest for this important artist, unfairly forgotten in the symbolist movement. All through his artwork, Maurice Chabas searched a spiritual quest which he translated through his paintings into a noble and serene harmony. His imagination and desire to innovate led him to diversify his technique through a purification and simplification of the form. At the beginning, his work was academic but expressed rapidly symbolic tendencies reminding Puvis de Chavannes. Maurice Chabas was a fervent defendant of the Rose+Croix. He participated in all their art exhibitions. Later, the artist was also tempted to investigate the techniques of impressionism and synthetic art. At the end of his career, his work became gradually more esotheric, bright and colourful. This style of work conducted him to abstraction which (he thought) will provide the ways to the "mysteries" of the Christian religion. One of the primary objectives of this thesis has been to establish a biography of Maurice Chabas. Our aim was also to provide a study of his theoritical artistic principles and an analytical investigation of his work. To highlight the personality of Maurice Chabas and the magnitude of his work, we currently referred to his personal documents, press artcles and exhibitions catalogues. The second part of this thesis is aiming to establish, to the largest possible extent, an inventory of his paintings, work orders and writings. This study is covered by the reasoned catalogue of the artist
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Jumeau-Lafond, Jean-David. "Carlos Schwabe, peintre symboliste (1866-1926) : la vie et l'oeuvre : essai et catalogue." Clermont-Ferrand 2, 1994. http://www.theses.fr/1994CLF20061.
Full textAbstract:
Suisse d'origine allemande, Schwabe vint à Paris au début des années 1880, alors que s'amplifiait un mouvement de réaction au naturalisme et à l'impressionisme, grâce à un tempérament visionnaire et à une formation d'autodidacte, l'artiste put participer à ce renouveau de l'idéalisme. Il se rattache au symbolisme par l'invention d'un panthéon original et par un traitement plastique mêlant archaïsme, déformations, et un dessin influencé par Dürer, les préraphaëlistes. Ses contacts privilégiés avec le monde musical, certains cénacles intellectuels et des personnalités morales influentes, orientèrent Schwabe vers un idéalisme à tendance morale doublé de préoccupations sociales et métaphysiques. Il peut aussi renouveler l'art de l'illustration, se consacrant à quelques grands noms contemporains (Baudelaire, Zola, Mallarmé, Maeterlinck. . ) en exploitant les ressorts psychiques et symboliques des textes et son invenntion décorative, ce qui permet de souligner sa place dans la naissance de l'art nouveau. Le déclin du symbolisme et l'intransigeance morale et artistique du peintre consacrèrent son isolement après 1900 et il poursuit la conquête d'une technique classique jusqu'à sa mort tout en maintenant un répertoire symboliste teinté de méditation élégiaque mais aussi de révolte. A partir du catalogue raisonné de l'oeuvre et de la réunion exhaustive des sources, la thèse étudie la vie et l'oeuvre de Schwabe, une des figures les plus emblématiques du symbolisme
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Ben-Porat, Orit. "L'abstraction picturale chez Paul Klee : entre formalisme et symbolisme." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA083670.
Full textAbstract:
Le but de la recherche est d’éclairer le langage abstrait autour et à partir du travail de l’artiste Paul Klee. L’étude portera sur l’apparition de certains thèmes et symboles dans son œuvre. Sa foisonnante création implique un choix, car la position de Paul Klee à la lisière de plusieurs styles, favorise la variété et les diverses associations des paramètres picturaux. La synthèse personnelle de l’artiste entre les divers courants artistiques est illustrée par la création et la théorie. Attentif à la modernité, il tente d’explorer l’espace psychologique, l’espace philosophique et tous les possibles du nouveau langage. 18 tableaux représentent en particulier les paramètres couleur, ligne et symbole et les ramifications de leurs interférences. Cette quête est destinée à montrer, entre autres, le fonctionnement de ce langage, en rapprochant langage verbale et langage visuel, en vue d’extraire une synthèse entre contenu est innovation, et à fournir par la même occasion des clés pour la compréhension de la création en généraleThe purpose of this research is to clarify the abstract language, white evolving around the work of Paul Paul Klee. This study will also deal with various themes and symbols reappearing in his work whose rich variety is due among other things to his personality and his choice of expressing the unity behind several artistic movements. Another reason for his multiple pictorial expressions lies in his intention to exercise all the components of painting and the diversity of their associations. In doing so, his personal synthesis is fully illustrated by his practice and theory. A true disciple of the modernist spirit of creation, his main idea was to employ while exploring it a new type of pictorial space focusing on the psychological and philosophical levels. By choosing specifically 18 paintings, out aim is to throw light on his approach towards colour, line and symbol (and from in general), and their interaction. This will enable us to show the functioning of the artistic language, playing its role between verbal and visual language. Our purpose is finally, to keep in sight a unique view point white referring to content and innovation, and all the same to obtain a wider scope and new keys for the comprehension of creation as a whole
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Symington, Micéala. "Critique de la peinture chez les symbolistes : domaines français et anglais : pour une approche poétique." Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030163.
Full textAbstract:
Dans l'histoire de la critique d'art, l'epoque symboliste opere un retournement : de simple commentaire, le discours critique est erige en recreation poetique, voire accomplissement ou depassement de l'oeuvre picturale. La critique symboliste pretend realiser ainsi une essence de la critique picturale qui, a la difference de la critique litteraire, consiste a faire voir, a produire l'image ou l'impression visuelle par le discours. Dans une hierarchie des arts, la critique de la peinture, art synesthesique de synthese des arts, apparait comme la forme supreme. Resymbolisation de l'oeuvre picturale, elle se definit par un sujet lui-meme symbolique et porte le symbole poetique a son plus haut degre de purete. Wilde, heritier de baudelaire, mallarme, qui introduit une rupture en placant le symbole au coeur de la critique d'art, symons, introducteur de mallarme en angleterre, huysmans et moore, qui melent la critique a la creation romanesque, forment le coeur de cette etudeIn the history of art criticism, the symbolist period marks a turning point: previously simple commentary, critical discourse becomes poetical recreation. The work of art could even be said to be truly accomplished or surpassed in the critical work. Symbolist criticism thus stakes a claim to the realisation of the essence of art criticism which, unlike literary criticism, has the task of transforming the written word into visual sensation, of creating an image through discourse. In the hierarchy of the arts, pictorial criticism, the synaesthetic art of the synthesis of the arts, emerges as the supreme form. As a resymbolisation of the pictorial work, it is defined by a subject which is itself symbolic and takes the poetical symbol to its highest level of purity. Wilde, who follows in baudelaire's footsteps; mallarme, who brings about major change by placing the symbol at the heart of art criticism; symons, who introduces mallarme to an english readership; huysmans and moore, who combine criticism and the novel: these are the writers at the centre of this study
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Tapié, Alain. "Le sens cache des fleurs : symbolique et botanique dans la peinture du xviieme siecle." Caen, 2000. http://www.theses.fr/2000CAEN1304.
Full textAbstract:
Deja present dans les fresques de l'antiquite ou les enluminures du moyen-age, l'art floral trouve son apogee et son autonomie dans la peinture du xviie siecle. Si le spectateur d'aujourd'hui retient avant tout de ces tableaux la seduction decorative, la richesse de coloris ou la facture minutieuse, il ne doit pas ignorer que les fleurs qui y sont representees constituaient, au-dela de leur fonction ornementale, le vecteur de sens multiples. Dans les ecoles francaise, italienne ou nordique de cette epoque, les artistes ont recueilli et combine un heritage de sens particulierement foisonnant : plus que dans les filiations esthetiques, c'est dans les spheres d'influence religieuse ou philosophique qu'il convient de rechercher la signification multiforme de ces tableaux. Ainsi la tradition chretienne, la vision protestante du monde, comme les sources mythologiques de l'antiquite ou la science botanique naissante, se combinent a des degres divers a la fonction decorative, se juxtaposent ou se fondent, pour charger les fleurs d'une infinite de significations. Guirlandes glorifiant une scene religieuse ou un personnage de haut rang, bouquets ou fleurs isolees incarnant les vertus des saints et de la vierge marie, symbolisant la fragilite de la vie humaine ou des choix moraux proposes a l'homme, temoignages de la beaute de la creation divine, metaphores des saisons ou des cinq sens, recits de metamorphoses mythologiques. Fruits et insectes, a leur tour charges de significations, viennent souvent renforcer l'interpretation symbolique du tableau.
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Dagen, Philippe. "Le mythe du retour dans la peinture et les esthétiques en France, du symbolisme à l'abstraction." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040265.
Full textAbstract:
Par l'examen des oeuvres picturales, des demarches critiques et des doctrines esthetiques qui voient le jour en france dans le dernier tiers du dix-neuvieme siecle, la these s'applique a l'analyse des effets et des consequences de la decouverte des arts prehistoriques, africains et oceaniens ainsi que de la redecouverte des oeuvres du moyen-age occidental. De la curiosite a l'engouement et a la mode, du pastiche a des emplois de plus en plus varies et distancies, les arts "primatifs" envahissent les ateliers parisiens et apparaissent bientot comme autant de references capitales. A la suite de gauguin, les fauves - matisse et derain - et picasso font des archaismes de la couleur et du dessin les facteurs d'une rupture anti-academique et antiimpressionniste clairement definie comme telle par les ecrivains et les critiques qui accompagnent leur evolutionBy a new analysis of painting and writings in fin-de-siecle france, the author reconsiders the questions of primitivism and archaic sources in modern art. The discovery of prehistoric, african and oceanian paintings and sculptures, the reevaluation of roman and gothic paintings from italy and france are the main elements of a real revolution in taste and theory. Such major artists as gauguin, matisse, derain and picasso find in these ancient or exotic works their ground inspiration and are able to build a new conception of representation and expression, against the academic rules and the tradition born from impressionnism
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Nombo, Augustin. "Ecriture et peinture : l'oeuvre romanesque de Joris-Karl Huysmans." Bordeaux 3, 1997. http://www.theses.fr/1997BOR30009.
Full text
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Neyrat, Yvonne. "Le miroir dans la peinture occidentale : une approche diagonale du social." Besançon, 1997. http://www.theses.fr/1997BESA1014.
Full textAbstract:
Dans ce travail, notre démarche se situe au cœur de la création de valeur, artistique, culturelle. Nous avons pour cela repris le chemin de l'image en occident. La théologie de l'incarnation a fait le pari du visible, et a ainsi déterminé l'épistème et la culture occidentale. Nous faisons l'hypothèse que le contexte actuel de l'image n'est pas indépendant de cette conception de l'image. L'art contemporain est une remise en question de la problématique du visible et tend à retrouver à partir de la métaphore une valeur symbolique pour les images, valeur que les images technologiques ou l'image-idole, qui ne représente qu'elle-même, n'ont plus aujourd'hui. Tout au long de ce parcours qui prend en compte le miroir dans la peinture, nous avons retrouvé les questions essentiellement anthropologiques qui mettent en scène soi et l'autre de soi, soi et le rapport au monde, à l'objet, au visible. Notre démarche sociologique puise dans d'autres sciences humaines, telles que la psychanalyse, l'épistémologie, l'histoire, établissant des rapports permettant d'élaborer des modèles qui servent une connaissance du social et des culturesA diagonal approach to the social sphere. This research is situated at the heart of cultural and artistic creations of value. To do this we have traced the history of the image in the western world and have seen how the theology of the incarnation of christ was spread visually. Thus was determined western epistemology and culture. Our hypothesis proposes that the image in a modem context is not independent from this conception of the image. Contemporary art re-examines the problems of visual representation and through this metaphor we can find a symbolic value for images; a value which today's technical or idol-images no longer have. Throughout our work we take into account the mirror in painting and face the essential anthropological questions of the self, the selfs other, and the self in relation to the outside world, the visual world and the object. This is a sociological undertaking hence it draws from the social sciences; psychoanalysis, epistemology, and history have allowed us to build models which advance our understanding of the social sphere and of cultures
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Serié, Pierre. "La peinture d'histoire en France (1867-1900)." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040229.
Full textAbstract:
En 1867 la peinture d’histoire peut sembler sur le déclin, mais, à la vérité, elle n’aura probablement jamais été, au XIXe siècle tout du moins, si dynamique qu’entre cette date et 1900. Théoriquement d’abord, ce genre assailli par la modernité ne cesse de se redéfinir puisqu’il s’est déjà ouvert au paysan (1830-1860) et qu’il englobe bientôt l’ouvrier (1880-1890). Surtout, l’émergence progressive de la notion de décoration le mine dans ses fondements en même temps qu’elle tend à lui disputer sa préséance : un combat est livré au terme duquel le tableau d’histoire, recentré sur le contenu (le sujet, l’histoire) voit lui échapper sa raison d’être formelle – le style, la plastique – échue à la décoration. À l’heure du retour de la peinture sur elle-même, sur ce qui la constitue, voilà qui revient à définitivement déclasser le tableau d’histoire dans la création contemporaine. La richesse de ces questionnements sur les prémices du grand genre se traduit pourtant aussi, pratiquement, au niveau des formes – ce que Matisse aurait appelé le « sens majeur » –, par une prolifération de tendances stylistiques contradictoires : entre 1860 et 1880, au classicisme raphaélien de Bouguereau et de Cabanel répond l’anticlassicisme de Moreau et de ses fils spirituels coloristes ou dessinateurs ; tandis que, de 1875 à 1900, le réalisme de metteur en scène développé par Gérôme, Laurens puis Rochegrosse et Tattegrain est systématiquement désavoué par une tendance plus élégiaque (Henner), littéraire (Fantin-Latour), voire murale (Martin). Les ultimes contributeurs à la peinture d’histoire semblent avoir déjà l’âme de décorateurs – c’est effectivement comme tel que Martin passera à la postérité –, mais, en définitive, ces décorateurs du début du XXe siècle pourraient bien être compris comme les héritiers directs de ceux que, quelques décennies plus tôt, on qualifiait de « peintres d’histoire » : dans les deux cas on aspire à la synthèse et l’on perpétue la tradition fresquiste italienne. Le « grand goût » aura survécu à sa causeIn 1867, history painting may seem to be on the decline but, actually, it may have never been, in the XIXth century at the very least, so dynamic than it was between this date and 1900. In theory first, this genre assailed by modernity is constantly redefining itself since it has already opened to the peasant (1830-1860) and soon includes the labour (1880-1890). Above all , the progressive emergence of the notion of decoration saps its foundations as well as it aims at robbing it of its precedence : at the end of the battle which is fought, history painting, reoriented towards its content (the topic, the story) experiences the loss of its formal raison d’être –style, plastic- fallen to decoration. At the time of the return of painting towards itself, towards its constituents, this comes down to definitely downgrading history painting in contemporary creation. The richness of these questionings about the beginning of the great genre is also conveyed, in practice, at forms level - what Matisse would have called the “sens majeur”, by a proliferation of conflicting stylistic trends : between 1860 and 1880, Bouguereau and Cabanel’s Raphaelesque classicism responds to the anti-classicism of Moreau and his spiritual sons, colourists or drawers ; whilst, from 1875 to 1900, the director-like realism developed by Gérôme, Laurens then by Rochegrosse and Tattegrain is systematically disavowed by a more elegiac (Henner), literary (Fantin-Latour) indeed mural trend (Martin). The final contributors to history painting already seem to have decorator souls - and it is as such that Martin will actually go down to posterity, but finally, these decorators of the early part of the XXth century could definitely be seen as the direct heirs of those who, a few decades earlier, were called “history painters” : in both cases one aspires to a synthesis and the Italian tradition of fresco painters is perpetuated. The “grand goût” will have survived its cause
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Grenier, Marlène. "Les artistes propagateurs de l'idéal allemand en art pictural et en sculpture au Canada au XIXe siècle." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp04/mq26215.pdf.
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KIEHL, HAASSER LAURENCE. "L'univers symbolique des peintres et des ecrivains americains de 1810 a 1865." Montpellier 3, 1995. http://www.theses.fr/1995MON30044.
Full textAbstract:
Cette recherche, intitulee "l'univers symbolique des peintres et des ecrivains americains de 1810 a 1865" et qui prend pour objet d'etude la majorite des fictions picturales et verbales americaines de la premiere moitie du xixe propose une nouvelle definition du grand reve du nouveau monde. Elle presente, par une approche interdisciplinaire, la theorie de l'unicite de l'imaginaire americain de 1810 a 1865, en demontrant que l'elaboration de celui-ci resulte d'une creation artistique et d'une creation litteraire aux nouages nombreux. L'etude comparative souligne non seulement l'existence d'affinites importantes et durables entres les eux communautes mais decouvre aussi la veritable communion et l'etonnante singulatrite des themes majeurs des images iconiques et verbales de la premiere moitie de siecle. Le royaume imaginaire americain pred donc un caractere unique, et cette notion d'unicite, qui englobe les deux aspects "commun", et "singulie r", est exposee par trois parties : la premiere partie presente ce qui nourrit ce singulier assemblage d'images. Elle est la compilation de donnees historiques, sociologiques et biographiques et montre ou et comment naissent les liens entre la peinture et la litterature americaines. Sur fond de terre vierge ou culturelle se mettent en place des amities, des theories similaires, points de depart d'un travail commun en devenir. Puis, la deuxieme partie revele que cette construction imaginaire naissante repose sur des emprunts reciproques : les createurs utilisent des procedes identiques pour cristalliser dans leurs oeuvres les memes themes singuliers. Enfin, la troisieme partie, juxtaposition d'extraits picturaux et litteraires, confirme le degre de parente entre ces images iconiques et verbales, en montrant que les deux arts s'accordent a la fois sur le choix, sur la presentation et sur la singularite de leurs symboles. Ainsi, au terme de cette recherche, apparait la matrice originelle d'un univers imaginaire, reellement uniqueOur research deals with the uniqueness of the american vision in the first half of the nineteenth century and underlines both the common and singular symbols of the pictural and verbal images, which simulteanously flavoured the works of the leading painters and writers in north america from 1810 to 1865. As a matter of fact, the american dream is sustained by an extraordinary coincidence between literature and painting, a kinship that has only been pratly studied. The aim of this thesis is to investigate very carefully the close parallels between the two arts in order to understand the genesis of that great imaginary world. The first part proposes to consider the friendships, the theories, the tools and places of work which bound painters and writers. Then, the second part reveals how these men borrowed so freely from eac h others. Finally, the third part focuses on the symmetrical and original symbols incorporated in the written and painted compositions. At last, and from what has been discussed, the conclusion may be drawn that all these creators sought and developed the same vivif unique picture, the one of the new world
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Higel, Anne-Marie. "Recherches sur les symboles religieux dans la peinture franco-flamande du XVe siècle." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010503.
Full textAbstract:
Sous l'apparence d'une réalité tangible que gardent les objets, minutieusement décrits sur les tableaux de la peinture flamande, à l'époque glorieuse des quatre ducs de Bourgogne, Philippe le Hardi, Jean-sans-Peur, Philippe le Bon, Charles le Téméraire, dont ils traduisent la magnificence, se cache un autre aspect, profondément religieux. On découvre, alors, que ce dernier est largement inspiré de la philosophie et de la mystique médiévales dont saint Augustin, saint Bonaventure, saint Thomas sont les plus illustres représentants ; il se trouve aussi marqué de l'anxiété latente que le XVème siècle nourrira en face de la vie et que l'art a exprimée en des images fortes et signifiantes. Il est tout à fait remarquable qu'en plus du choix des objets, l'attitude des personnages, la flore et la faune, le cadre architectural et sculptural, le rôle assigné à la lumière concourent à prouver que l'éclat du réel, beau comme un soleil couchant, n'est que le symbole d'une autre, fascinante vérité dont le nom est dieu. Tout en laissant deviner l'effroyable drame que connaitra la Bourgogne, à la fin du siècle, ainsi que les changements considérables qui vont hanter les imaginations de cette période charnière entre le Moyen-âge et la Renaissance, l'art laisse apparaitre la foi très vive des commanditaires en un avenir plus radieux qui n'est pas de ce mondeIn the shape of tangible appearance that things are keeping when they are scrupulously described on the pictures of Flemish painting at the glorious time of the Burgundian, four dukes, whose sumptuousness they show, another reality is lurking, deeply religious. We, then, can see the latter has, mostly, been traced back to mediaeval, mystic philosophy and is bearing the stamp of latent anxiety that the fifteenth century has entertained concerning life, an aspect that art has expressed with strong, meaningful pictures. It is noteworthy that, in addition to the choice of things, the attitude of figures, the selection of flowers and animals, the architectural and sculptural background, the great role granted to light go to prove that the radiance of real, as beautiful as a setting sun, is only the symbol of another truth whose name is god. While it lets people guess the awful drama that Burgundy is to live through, and, above all, the many changes that are going to obsess the imaginations of the inhabitants who are living in that period intervening between the middle-ages and renaissance, art lets appear the lively faith of those who ordered the pictures in a happier future that doesn't belong to the world on earth
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Hazelzet, Korine. "Verkeerde werelden : exempla contraria in de Nederlandse beeldende kunst /." Leiden : Primavera pers, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb409301734.
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Santos, da Silva Mártin Sílvio. "L'impact symbolique de la déformation du corps dans L'Homme qui rit de Victor Hugo et dans la peinture de Dominique Ingres." Thesis, Nice, 2013. http://www.theses.fr/2013NICE2014.
Full textAbstract:
Cette étude porte sur la représentation de la déformation du corps humain, afin de défendre l’idée que ces exemples de corps déformés ont fini par engendrer de nouvelles recherches et des transgressions artistiques qui caractérisent le XIXe siècle français. Les œuvres de Hugo et de Ingres ont été choisies en raison de la richesse symbolique qu'y acquiert la déformation du corps humain, au confluent de plusieurs traditions mythologiques. Pour l’étude des corps déformés et de leur rôle dans la cosmogonie hugolienne, nous nous servirons d’une cosmogonie analogue : celle de Dante Alighieri qui a pu nourrir l’imaginaire hugolien auquel nous ajoutons le labyrinthe existentiel. Méthodologiquement, cette analyse sera faite à partir de la lecture de l’espace proposée par Greimas. Les axes orthogonaux y sont marqués par les personnages en établissant des emplacements spécifiques qui indiquent un langage à déchiffrer. Dans l’œuvre d’Ingres, notre but sera de mettre en relief la déformation du corps en tant que travail esthétique pour la révélation de la beauté plastique. La déformation anatomique caractérise déjà ses premiers personnages masculins et marque davantage ses figures féminines que nous étudierons plus en détail. Pour affiner cette démarche nous avons établi certaines relations avec d’autres peintres tels que son maître David, ou bien avec des sculpteurs comme son ami Lorenzo Bartolini, James Pradier et des écrivains comme Théophile Gautier et Hugo. Cette recherche s’appuiera sur plusieurs supports théoriques, indispensables pour s’orienter dans cet univers riche de références à l’Antique, au mythologique, au religieux, au sacré, au politique, au social, à l’artistique, au fantastique et au fantasmagorique. C’est pourquoi Phidias, Vitruve, Jean-Jacques Rousseau, Jorge Luis Borges, Mircea Eliade, Claude Lévi-Strauss, Michel Foucault, Umberto Eco entre autres sont évoqués pour aider à la compréhension de notre étudeThis study focuses on the representation of the deformation of the human body, arguing that these examples of physical deformity have eventually engendered new research and artistic transgressions that characterise nineteenth century France.The works of Hugo and Ingres are focused upon on account of the symbolic richness derived from them with regard to the deformation of the human body, and the confluence of several mythological traditions. For the study of deformed bodies and their role in Hugo's cosmogony, we will use a similar analogous cosmogony: that of Dante Alighieri, which was able to feed the Hugolian imagination and to which we add the existential labyrinth. Methodologically, this analysis will be made by reading the space proposed by Greimas. Orthogonal axes are marked by characters in establishing specific locations that indicate a language to decipher. Regarding the work of Ingres, our goal is to highlight the deformation of the body as a work of aesthetics for the revelation of plastic beauty. Anatomical deformation already characterises his first masculine characters and mark still further his female figures which we have studied in more detail. To refine this approach we have established some relationships with other painters such as David, Ingres' Master, and with his friends the sculptors Lorenzo Bartolini, James Pradier and also with writers such as Théophile Gautier and Hugo. This research is based on several theoretical sources, they are essential to orient this rich universe of references to the Antique, the mythological, the religious, the sacred, the political, the social, the arts, and fantasy. This is why Phidias, Vitruvius, Jean-Jacques Rousseau, Jorge Luis Borges, Mircea Eliade, Lévi-Strauss, Michel Foucault, Umberto Eco among others are also discussed to help the understanding of our study
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Chardeau, Xavier. "Henri Bellery-Desfontaines (1867-1909) : peintre – Illustrateur – Décorateur, caractéristique de l'Art Nouveau." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040016.
Full textAbstract:
Autour de 1900 à Paris, une génération de jeunes artistes, influencés par certains courants artistiques comme le néo-Gothique ou le Symbolisme, ont une même conception de l’art. Henri Bellery-Desfontaines (1867-1909) fait partie de cette génération d'artistes qui débutent leur carrière en tant que peintre, généralement comme peintre décorateur, mais qui s'intéressent rapidement aux arts décoratifs, attirés par la notion d’un art total. Il débute tout d’abord dans l'atelier personnel de Pierre-Victor Galland qui lui apprend la décoration, puis en 1890 dans celui de Jean-Paul Laurens à l'Ecole Nationale des Beaux-Arts à Paris. Après une commande de l'hôpital de la Charité où se lie d'amitié avec des médecins qui le suivront toute sa vie, Bellery-Desfontaines illustre des revues artistiques et des ouvrages littéraires. Mais l’artiste se montre davantage intéressé par les arts décoratifs que par la peinture. Il commence à réaliser des tapis, puis quelques meubles. Peu à peu, grâce à de riches commanditaires, Bellery-Desfontaines réalise des ensembles de décoration intérieure de plus en plus ambitieux, préoccupé par la notion d'un art total, mais sans jamais délaisser ni la peinture, ni l'illustration. A la fin de sa vie, il s'investit davantage dans le renouveau des arts décoratifs caractéristique de cette époque. Il laisse derrière lui une vaste production artistique, importante et hétéroclite, mais fort mal connue. Bellery-Desfontaines est un artiste complet, idéaliste, qui a l’ambition d’appliquer l’art au quotidien. Il meurt subitement à l’âge de 42 ans, trop jeune pour pouvoir asseoir une notoriété et une véritable carrière, laissant de nombreux projets inachevésIn Paris around 1900, a generation of young artists, influenced by a variety of currents, such as Gothic Revival or Symbolism, shared a similar artistic outlook. Henri Bellery-Desfontaines (1867-1909) was part of that generation of artists who began their careers as painters, often aiming for careers in mural painting, and quickly showed an interest in the decorative arts, seduced by the idea of a total art. He started in Pierre-Victor Galland’s workshop, where he learned decoration; then in 1890, he entered Jean-Pierre Laurens’ one at the Ecole Nationale des Beaux Arts in Paris. At the same time, he started decorating the staff room at the Hôpital de la Charité where he befriended a group of young doctors who would subsequently follow his entire career. Then, he illustrated artistic magazines and somes books. But his artistic preferences gradually shifted from painting to the decorative arts. He started designing carpets and a few pieces of furniture. Then, with the support of a few wealthy patrons, Bellery-Desfontaines began designing increasingly ambitious complete interiors, focus on the notion of total art. Towards the end of his life he took a more active part in the debate over the decorative arts, which was a hallmark of the period. His vast artistic legacy is both influential and eclectic, yet remains little known. Bellery-Desfontaines was a complete artist, as were many of the artists at the time. An idealist, whose ambition was to make art for every day life, he died abruptly at the age of forty two, far too young to complete his career and achieve fame, for many of his project remained unfinished
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Chambon, Nicole. "Les fleurs et les oiseaux du Jardin du Paradis de Francfort (1410-1420)." Limoges, 2011. https://aurore.unilim.fr/theses/nxfile/default/e31217fe-32b3-4bfa-aeb2-212af387b07e/blobholder:0/2011LIMO2013.pdf.
Full textAbstract:
Le Jardin du Paradis de Francfort est le type par excellence des Jardins du Paradis du Moyen Age : on le désigne aujourd’hui couramment sous le titre de Paradiesgärtlein. La présente étude apporte sa pierre à la recherche sur ce tableau maintes fois reproduit en examinant celui-ci sous l’angle des vingt espèces qui fleurissent entre de mystérieux personnages et des treize oiseaux qui animent le Jardin. Le croisement des points de vue et apports respectifs de l’histoire de l’art, de la théologie, de l’étymologie, des récits étiologiques, des contes et légendes éclaire de manière nouvelle des points fréquemment débattus. L’identification de la musicienne à sainte Catherine d’Alexandrie et du jeune homme debout à saint Oswald s’en trouve confirmée. Fleurs et oiseaux lèvent aussi un coin du voile sur le Maître alsacien, certainement issu du monde de la miniature, élève peut-être de John Siferwas, et sur la destination de ce petit panneau de dévotion à la postérité riche : il pourrait s’agir d’un cadeau de Catherine de Bourgogne à la Dominicaine Claranna von Hohenburg, prieure à Schoenensteinbach, le premier couvent réformé de la Province de TeutonieThe Garden of Paradise of Frankfurt is such a perfect representative of all the Gardens of Paradise of the Middle Ages that it is currently known by the name of Paradiesgärtlein. This study brings its contribution to the research upon this painting, which is so often reproduced, by examining it closely focusing on the twenty flower species which bloom among mysterious characters and the thirteen birds that animate the garden. Blending art history, theology, etymology, aetiological tales and legends makes it possible to throw a fresh light upon much debated points. The identification of the musician as Saint Catherine of Alexandria and of the young man standing as Saint Oswald is thereby ascertained. The study of the flowers and the birds also brings information about the Alsatian Master, certainly a miniaturist at the start and most probably a disciple of John Siferwas. The destination of this small devotional panel which turned out to be a seminal work is also brought into light. It might very well be a gift from Catherine of Burgundy to the Dominican nun Claranna of Hohenburg, prioress at Schoenensteinbach, the first reformed Dominican Nunnery in the province of Teutony
Das Frankfurter Paradiesgärtlein stellt den mittelalterlichen Paradiesgarten schlechthin dar : der Titel Paradiesgärtlein verweist eindeutig auf dieses Werk. Die vorliegende Dissertation rundet vorhandene Studien ab, indem sie es unter dem Blickwinkel der zwanzig Pflanzen untersucht, die zwischen rätselhaften Figuren blühen, und auch der dreizehn Vögel, die den Garten beseelen. Kunstgeschichte, Theologie, Etymologie, ätiologische Erzählungen, Märchen und Legenden kreuzen und ergänzen sich mit dem Ziel, umstrittene Details neu zu beleuchten. Hiermit erfährt insbesondere die Identifizierung der Psalterspielerin mit Katharina von Alexandrien und des stehenden Jünglings mit Oswald Verstärkung. Blumen und Vögel lüften auch einen Teil des Geheimnisses, das den zweifellos aus der Welt der Buchmalerei stammenden elsässischen Meister – der womöglich bei John Siferwas sein Handwerk erlernte – aber auch den Empfänger dieses einflussreichen, oft gedruckten Votivtäfelchens umwebt: Es könnte sich wohl um ein Geschenk handeln, von Katharina von Burgund nämlich an die Dominikanerin Claranna von Hohenburg, Priorin in Schönensteinbach, dem ersten reformierten Konvent der Provinz Teutonien
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Gandrillon, Catherine. ""Albion's vital tree" : arbre, société et identité dans la peinture du portrait britannique de 1709 à 1792." Paris 7, 2003. http://www.theses.fr/2003PA070039.
Full textAbstract:
Constatant à la fois l'omniprésence de l'arbre dans la peinture de portrait britannique du dix-huitième siècle, et l'importance de l'arbre dans la culture et la société britanniques en général à la même époque, cette thèse pose la question du lien entre les deux phénomènes. Les portraits avec arbres sont replacés dans leur double contexte : la peinture de portrait et la place de l'arbre dans la société, l'économie, la culture et l'imaginaire. Puis, la thèse examine les diverses manières de représenter l'arbre. Les formules stéréotypées montrent que l'arbre est un élément clé d'une mise en scène culturelle, sociale et économique de l'individu et de la famille. On remarque ensuite que l'arbre est au cœur de plusieurs mythes constitutifs de l'imaginaire britannique. Ceux-ci ont un impact certain sur la peinture de portrait, dans le cadre d'une définition politique des modèles. Enfin, on s'intéresse à l'esthétique de l'arbre, indissociable du contexte scientifique et philosophique de l'époque. L'apparence de l'arbre dans le portrait dépend entièrement de la manière d'envisager l'identité du modèle et la nature profonde de la représentation picturaleTrees often appear in the backgrounds of British portraits from 1709 to 1792. At the same time, they come under unprecedented scrutiny in economic, social, patriotic, political, artistic and scientific discourse. This research explores the specificity of the representation of trees in British portraits of the eighteenth century by establishing a link between the texts and the images of the period. Trees are undeniably considered as key elements in a representational process that aims primarily at staging cultural, social and economic identity by stressing values shared by many members of the 'polite classes'. Moreover, trees are at the heart of several myths that contribute to a new definition of national and political identity and this too impacts on portraits. Ultimately, however, the representation and physical aspect of trees also depend on individual interest in the scientific, philosophical or artistic theories of the time, and on the way the artist or the sitter understands the depiction of identity through art and the very nature of a work of art
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Zelvenskaïa, Anastas. "Le symbolisme pictural en Russie et en France (1890-1910) : interférences et affinités." Clermont-Ferrand 2, 2003. http://www.theses.fr/2003CLF20020.
Full textAbstract:
Ce travail vise à tracer un parallèle entre le symbolisme pictural en Russie et en France dans les années 1890-1910. Il débute avec une synthèse des sources de connaissances (collections, expositions, revues), un résumé des échanges directs (voyages d'artistes, contacts, collaboration) et une étude de la fortune critique de quelques peintres français (Moreau, Puvis de Chavannes, Carrière, Redon, Gauguin, Denis et les Nabis, les représentants du symbolisme idéaliste). A la partie documentaire succède une analyse des oeuvres de divers artistes symbolistes russes qui a pour objectif de déceler l'apport français, tout en indiquant la présence d'autres sources. Le cercle d'Abramtsevo, "Le Monde de l'Art", les grands maîtres solitaires (Vroubel, Borissov-Moussatov, Ciurlionis), le groupe de "La Rose Bleue" ainsi que les préfigurateurs de l'art du XXe siècle (Petrov-Vodkine, Malévitch, Kandisky) - tels sont les phénomènes mis en rapport avec le symbolisme françaisThis work aims to trace a parallel between the pictorial Symbolism in Russia and in France during the years 1890s-1910s. It starts with a synthesis of the sources of knowledge (collections, exhibitions, periodicals), a summery of direct exchanges (artist's trips, contacts, collaboration) and a study of the critical fortune of several French painters (Moreau, Puvis de Chavannes, Carriere, Redon, Gauguin, Denis and the Nabis, the representatives of the idealist symbolism). After this documentary part follows an analysis of works of different Russian symbolist artists which have as a goal to detect the French contribution indicating at the same time the presence of other sources. The Abramtsevo circle, "The wold of art" group, the great solitary masters (Vroubel, Borrisov-Moussatov, Ciurlionis), the "The Blue Rose" group and the heralds of the XXth century art (Petrov-Vodkine, Malevitch, Kandisky)-these are the phenomena compared to the French Symbolism
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Imbert, Jeanne. "Edouard Dujardin, un cas exemplaire au sein du symbolisme : genres et formes (1885 -1893)." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040145.
Full textAbstract:
Édouard Dujardin (1861-1949), fondateur de la Revue wagnérienne et de la Revue Indépendante de littérature et d’art, n’a pas été seulement un théoricien du symbolisme, il en a été le praticien. Son œuvre littéraire entre 1885 et 1893 explore aussi bien le vers que la prose, en retrace les questionnements. Résolument engagée dans l’avant-Garde, elle ne s’attaque pas seulement à l’édifice du réalisme, elle remet en cause le modèle de la mimèsis dans une recherche formelle intense. Ainsi l’œuvre de Dujardin se fait-Elle, de manière exemplaire, témoin de cette crise du vers que traversait l’univers des lettres. Genres, formes et confrontation entre les arts délimitent ce parcours en trois parties, qui ne suit pas un plan linéaire ou chronologique, mais un questionnement spécifique déterminé par chaque ouvrage. Pour cette raison, nous avons commencé par son théâtre, qui soulevait la question de l’identité du personnage. Le prénom Antonia nous a ainsi servi de fil conducteur pour aborder la relation vers et prose, telle qu’elle se manifeste soit dans le poème en prose soit dans le vers libre. Dans une seconde partie, nous avons interrogé les formes, la prose poétique de ses nouvelles et de son roman, qui répondent partiellement aux critères définissant le poème en prose. Enfin, dans le cadre de la confrontation entre les arts, nous nous sommes intéressés au phénomène textuel Les Lauriers sont coupés, considéré par la critique comme un procédé de « monologue intérieur », puis au rapport entre poésie et musique par l’étude de l’ouvrage Litanies mélopées pour chant et piano, qui met en vis-À-Vis poème et musiqueEdouard Dujardin (1861-1949), the founder of Revue wagnérienne (the Wagnerian Journal) and Revue Indépendante de littérature et d’art (the independent journal of literature and art) has not only been a theoretician on symbolism but also a practitioner. His literary work between 1885 and 1893 explores verse as well as prose and traces back its questionings. Being resolutely engaged in the avant-Garde, it does not only tackle the structure of realism but also questions the model of mimesis in a sort of formal and intense research. It thus happens that Dujardin’s literary work testifies, in an exemplary way for that matter, to the crisis in verse that the literary universe was undergoing. Genres, forms and confrontations of different forms of arts define this course in three parts which does not follow a linear plan nor a chronological one but rather a specific questioning determined by each literary work. This is the reason why we started by studying his drama which raised the question of the character’s identity. The name of Antonia was thus used as a thread to tackle the relationship between prose and verse, as shown in the poem in prose or in free verse.In a second part, we questioned the forms-The poetic prose of his short stories and of his novel- which partly fulfil the criteria of the poem in verse. Lastly, in the context of the confrontation between the different types of arts, we focused on the text viewed as a phenomenon- Les Lauriers sont coupes- considered by critics as a form of “stream of consciousness” then on the connection between poetry and music through the study of the work Litanies, “mélopées” for piano and song, which confronts poem and music
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Elgart, Jutta. "Symbolisme et figures mythiques et légendaires : une vision européenne (Stéphane Mallarmé, William Butter Yeats et Stefan George)." Thesis, Toulouse 2, 2014. http://www.theses.fr/2014TOU20057/document.
Full textAbstract:
La figure mythique et légendaire, suggestive, occupe une position centrale dans l’esthétique du symbolisme européen (fin XIXe ̶ début XXe siècle). Cette thèse propose d’en étudier l’émergence et la fonction dans les œuvres de trois éminents représentants : Stéphane Mallarmé (1842–1898 France), William Butler Yeats (1865–1939 Irlande) et Stefan George (1868–1933 Allemagne). Un regard sur la société contemporaine (les arts, les découvertes scientifiques) permet de découvrir la place qui revient au mythe et à la légende. Au-delà des différences, affinités et contacts personnels rapprochent les trois poètes. Deux générations de symbolistes de langue différente se retrouvent dans une même vision de la création poétique. Œuvres poétiques (poésie, prose, théâtre), écrits théoriques, correspondances et entretiens révèlent une approche conjointe de l’image et du mythe : la figure mythique ou légendaire prend forme entre rêve et vision, réminiscence, évocation musicale et symbole littéraire. Du discours sur le mythe se dégage une théorie personnelle. Poésie et drame puisent aux sources hétérogènes des traditions s’enrichissent de philosophie, religion, occultisme, psychologie et vécu intime. La transposition d’art véhicule l’intertexte mythique du sujet pictural ou en sera contaminé, d’où un lien complexe entre texte et peinture (ou sculpture). Explicite dans l’œuvre de jeunesse, la figure mythique ou légendaire subira de multiples métamorphoses : syncrétique, elle fond les versions d’un mythe avec des traditions éloignées, superpose figures et faits mythiques et réels, historiques et contemporains. Implicite, elle est présente sous forme de traces dans l’abstraction du nom commun, pronom, qualificatif ou geste. La richesse des formes d’émergence lui assure son pouvoir d’irradiation. A la flexibilité de forme et contenu correspond la diversité des fonctions : la figure mythique se prête à toute figure stylistique et fonction grammaticale. Elle crée ainsi la cohésion dans l’œuvre et participe intimement à la construction du sens. La contamination atteint l’ensemble de l’œuvre mythopoétique. Autour des figures se forme une constellation d’images qui génère un nouveau mythe anthropocentrique, résumé et dépassement des traditions. D’abord « réservoir d’images » (Yeats) pour des créations futures, l’œuvre des poètes correspond de fait à une tentative bien plus ambitieuse : offrir une réponse à la quête du sens de l’Histoire et de la vie de l’Homme moderne qui ne croit plus en Dieu et dessiner les contours d’une société nouvelle. La figure mythique ou légendaire représente l’élément essentiel de la création poétiqueThe suggestive mythical and legendary figure holds a central position in the aesthetic of European symbolism at the end of 19th and the beginning of 20th century. This doctoral thesis proposes to study its apparition and function in the works of three distinguished representatives: Stéphane Mallarmé (1842–1898, France), William Butler Yeats (1865–1939, Ireland) and Stefan George (1868–1933, Germany). A look on contemporary society (arts, scientific discoveries) will allow discovering the place due to myth and legend. Beyond their differences, affinities and personal contacts bring these poets closer together. Two generations of symbolists, speaking different languages, join in one and the same view on poetical creation. Poetic works (poetry, prose and theatre), theoretical texts, letters and conversations reveal joint approach to image and myth: the mythical and legendary figure takes shape among dreams and vision, reminiscence, musical evocation and literary symbol. A personal theory emerges from speech on myth. Poetry and drama draw from the heterogeneous sources of various traditions, enriching with philosophy, religion, psychology, occultism and private experience. Transposition of art conveys the mythical text of the painted subject or is contaminated by it. Hence a compound link from text to painting (or sculpture). Explicit in the poet’s early work, mythical and legendary figure will go through multiple metamorphosis: synthetic, it melts the different versions of a myth with traditions from far away, it superimposes mythical figures and facts on others taken from history and contemporary reality. Implicit, it will be present as a trace, a common noun, a pronoun, a qualifying adjective, or a gesture. Great diversity of forms provides him power of radiation. Flexibility of form and content matches with diversity of functions: the mythical figure lends itself to every stylistic figure and grammatical function. This way it creates cohesion within the work and contributes intimately to the construction of sense. Contamination affects all the mythopoetic work. Around these figures a constellation of images forms and produces a new anthropocentric myth, summarizing and going beyond traditions. Hoard of images for future creations in the beginning (Yeats), the poet’s work actually comes up to a bid far more ambitious: give an answer to the quest for sense of history and life of modern man who doesn’t believe in God any more, and draw the outline of a new society. Mythical and legendary figure represent the essential element of poetic creation
Die mythische und legendäre Gestalt nimmt in der Ästhetik des europäischen Symbolismus (Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts) eine zentrale Position ein. Diese Doktorarbeit stellt sich zur Aufgabe, ihr Vorkommen und ihre Funktion in den Werken von drei bedeutenden Vertretern zu untersuchen: Stéphane Mallarmé (1842-1898, Frankreich), William Butler Yeats (1865–1939, Irland), Stefan George (1968-1933, Deutschland). Ein Blick auf die zeitgenössische Gesellschaft (Kunst, wissenschaftliche Entdeckungen) ermöglicht es, herauszustellen, welche Stellung Mythos und Legende zufällt. Über alle Unterschiede hinaus sind sich die drei Dichter durch gemeinsame Interessen und persönliche Kontakte nahe. Symbolisten zweier Generationen und aus verschiedenen Sprachbereichen stimmen miteinander in dergleichen Auffassung von dichterischer Schöpfung überein. Dichterische Werke (Lyrik, Prosa, Theater), theoretische Schriften, Briefwechsel und Unterhaltungen lassen eine miteinander verbundene Betrachtungsweise von Bild und Mythos erkennen: die mythische und legendäre Gestalt nimmt Form an zwischen Traum und Vision, Erinnerung, musikalischer Evokation und literarischem Symbol. Aus der Rede über den Mythos geht eine persönliche Theorie hervor. Lyrik und Drama schöpfen aus den Quellen der heterogenen Traditionen, werden durch Philosophie, Religion, Okkultismus, Psychologie und intime Erfahrung bereichert. Die Übertragung bildender Kunst in Dichtung ("transposition d’art") vermittelt den im Gemälde zugrunde liegenden mythischen Text oder wird von ihm kontaminiert. Dadurch entsteht eine komplexe Beziehung zwischen Text und Malerei (oder Skulptur). Die mythische und legendäre Gestalt, in den Jugendwerken eindeutig erkennbar, erfährt später vielfältige Metamorphosen: synkretistisch verschmilzt sie die Varianten eines Mythos mit entfernten Traditionen, überlagert mythische Gestalten und Ereignisse mit reellen, historischen, zeitgenössischen. Implizit ist sie präsent in Form von Spuren, in der Abstraktion von Nomen, Pronomen, Adjektiv oder in einer Geste. Der große Formenreichtum sichert ihre Ausstrahlungskraft. Der Flexibilität von Form und Inhalt entspricht die Vielfalt der Funktionen: die mythische Gestalt passt sich jeder Stilfigur und jeder grammatischen Funktion an. Sie schafft somit die Geschlossenheit eines Werkes und nimmt im Innersten an der Sinnkonstruktion teil. Die Kontamination greift auf das ganze mythopoetische Werk über. Um die Gestalten herum bildet sich eine Konstellation von Bildern, die einen neuen anthropozentischen Mythos hervorbringt, der die Traditionen zusammenfasst und übertrifft. Zunächst „Bilderreservoir“ (Yeats) für zukünftige dichterische Schöpfungen, verfolgt das Werk der Dichter in Wirklichkeit einen viel ambitiöseren Versuch: auf die Frage nach dem Sinn in der Geschichte und im Leben des modernen Menschen, der nicht mehr an Gott glaubt, eine Antwort geben und die Konturen einer neuen Gesellschaft skizzieren. Die mythische oder legendäre Gestalt ist wesentliche Konstituente der Dichtung
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Perrot, Antoine. "Attitude couleur." Rennes 2, 2008. http://www.theses.fr/2008REN20013.
Full textAbstract:
Cette recherche tente de déterminer comment la mise en oeuvre des dispositifs et des processus de l'activité artistique entraîne une attitude. Attitude, qui prenant naissance dans l'usage de la couleur importée ou ready-made color, implique de penser la couleur comme une pratique, de modifier la position de l'artiste, et d'envisager la peinture comme la production d'"objets-là", qui doivent s'insérer parmi les autres objets de la vie quotidienne. Cette recherche rend ainsi compte de déplacements qui, initiés par l'usage de la couleur industrielle ou de celle des objets communs, créent un mouvement de va-et-vient entre le regardeur, la peinture et le monde, et permettent un nouveau partage du regardThis research attempts to determine how the implementation of systems and processes in artistic work carries with it an attitude. This attitude, which arises from the use of imported colour or ready-made colour, implies thinking of colour as a practice, modifying the artist's position and looking at painting as the creation of "objects over there" that have to fit among other everyday objects. Thus this research gives an account of displacements that, initiated by the use of industrial colour or that of common objects, create a back-and-forth movement between the viewer, the painting and the world, and make a new sharing of vision possible
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Isar, Nicoletta. "Le monastère de Suceviţa dans le contexte des églises moldaves et de la peinture post-byzantine." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1995PA040120.
Full textAbstract:
Cette thèse rend compte en détail du programme iconographique de Sucevita,le plus élaboré et le mieux conservé de toutes les peintures murales extérieures des monastères de Moldavie et l'éclaire par le contexte historique,politique et culturel. La Moldavie a joué un rôle majeur dans l'expansion de h'esychasme au sein du monde post-byzantin. L'hésychasme est la source d'inspiration idéologique de tous les monastères moldaves du XVIe siècle. Les éléments relatifs à ce mouvement de pensée avainet déjà été reconuus dans l'Echelle de Climaque,dont l'importance dans le programme de Sucevita est soulignée ici. Les mêmes éléments permettent d'expliquer des images dont la signification était restée obscure,par exemple le Double Logos,Le Fils unique,la Vie de Moi͏̈se. Une interprétation est proposée pour chaque inscription. Méthodologiquement,l'iconographie de Sucevita est abordée selon l'esthétique byzantine et,surtout,post-byzantine ; il fallait échapper aux suppositions partant de l'esthétique occidentale du Moyen-Age et de la Renaissance. A cette fin,les théories sémiotiques de Zhegin et Uspensky ont été largement exploitéesOf all the externally-painted monasteries of Moldavia,Sucevita is among the most elaborated and the best-preserved. .
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Rowley, Neville. "Pittura di luce. La manière claire dans la peinture du Quattrocento." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040197/document.
Full textAbstract:
La présente thèse a pour point de départ une exposition florentine organisée en 1990 et intitulée « Pittura di luce ». Ses organisateurs entendaient désigner ainsi un courant de la peinture florentine du milieu du XVe siècle fondé sur la lumière et la couleur claire. Comme l’avait bien compris l’exposition, cette « peinture de lumière » est d’abord identifiable dans la « manière colorée » portée par Fra Angelico et Domenico Veneziano, mais elle doit aussi être élargie à une manière plus « blanche », qui va de Masaccio aux premières œuvres d’Andrea del Verrocchio, au début des années 1470. Les implications techniques et symboliques d’un tel style méritent également d’être étudiées car elles renforcent le sens et la cohérence d’un mouvement publiquement soutenu par les Médicis et dont l’ambition majeure fut de « faire surgir » les peintures religieuses de la pénombre des églises (I). L’étude du développement géographique vaste mais discontinu de la pittura di luce approfondit les hypothèses proposées dans le cas florentin : tout autant qu’une façon moderne et proprement « renaissante » de peindre, la « manière claire » est aussi fondée sur une lumière théologique, associée en partie à la religiosité franciscaine. Piero della Francesca est assurément le grand protagoniste de ce double rayonnement, dans les cours et dans les campagnes (II). C’est également Piero qui sera au cœur de la redécouverte d’une peinture que les XIXe et XXe siècles ont réappris à voir grâce aux historiens de l’art et aux artistes, mais également en raison du changement des conditions de vision des œuvres d’art. En ce sens, la pittura di luce constitue un chapitre important de l’histoire du regard, que l’on propose de rapprocher d’autres redécouvertes picturales elles aussi fondées sur la notion d’apparition (III)This thesis starts from an 1990 Florentine exhibition called “Pittura di luce” which intended to identify a trend in the mid-15th-century Florentine painting. This “painting of light” is not only, as was said at the time, a “coloured style” led by Fra Angelico and Domenico Veneziano, but it should be extended to a more “white manner”, from Masaccio to the first works of Andrea del Verrocchio, in the early 1470s. The technical and symbolical meanings of this style are to be studied as they reinforce the sense and the coherence of a trend publicly sustained by the Medici. The major aim of the “pittura di luce” is to make “emerge” religious paintings from the darkness of the churches (I). The study of the vast but also discontinuous geographical development of this “bright style” amplifies the hypotheses of the Florentine case: as much as a modern way of painting, it has very often a more archaic connotation of divine light. Piero della Francesca is surely the major figure of this ambivalent development (II). He is also one of the most significant examples of the way in which the “pittura di luce” was forgotten, and then rediscovered during the 19th and 20th centuries, thanks to art historians and artists, but also to the changes of the conditions of vision of the works of art. In this sense, the “pittura di luce” is an important chapter of the history of look, that we propose to compare with other rediscoveries of similar “paintings of apparition” (III)
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Semoglou, Athanassios. "Le décor mural de la chapelle athonite de Saint-Nicolas (1560) : application d'un nouveau langage pictural par le peintre thébain Frangos Catellanos." Paris, EPHE, 1995. http://www.theses.fr/1995EPHE0001.
Full textAbstract:
Le travail présent prend à tache de promouvoir une réflexion scientifique ouverte sur l'activité artistique de Frangos Catellanos, peintre célèbre du 16e siècle mais en même temps personnage énigmatique vu le manque des sources relatives. L'étude (iconographique et stylistique) de la seule œuvre qui porte sa signature, la chapelle latérale du Catholicon de Megisti lavra, de Saint-Nicolas (1560), nous a démontré que le peintre thébain arrive à appliquer un langage pictural nouveau qui répond exactement aux exigences des nouvelles formes conformément aux nouvelles conditions historiques qui s'ébauchent dans la région de son activité artistique (Epire et Macédoine du nord-ouest). Nous nous proposons ensuite d'esquisser l'évolution artistique de Frangos Catellanos à travers l'analyse de toute son activité. Cette restitution, certes hypothétique, qui prend en considération toutes les métamorphoses éventuelles de son propre style, tient à reconnaitre le vocabulaire pictural dont l'artiste se sert d'une manière très personnelleThe objective of this thesis is to advance a study on an already existing scientific debate concerning the painting of Frangos Catellanos, a famous artist of the sixteenth century, whose personage at the same time remains obscure due to the lack of sources. The frescoes of the adjacent chapel to Megisti Lavra, Hagios Nicholaos (1560) are the only ones signed by him. The iconographical and stylistic analyses of these frescoes proves that the Theban painter succeeded in applying a new pictorial language which responded exactly to the demands of the imminent modes that resulted from the then developing historical circumstances in Epirus and northwest Macedonia, where the artist was painting. Following, there is an attempt to trace the evolution of Frangos Catellanos 'art by considering all his works. This hypothetical reconstruction which takes into consideration all his evolving styles aims to define the very personal pictorial vocabulary developed by the artist
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Campagne, Ibarcq Claudie. "Tels serviteurs, tels maîtres : la représentation des domestiques dans la peinture vénitienne de la Renaissance." Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0051.
Full textAbstract:
Les peintures vénitiennes de la Renaissance contiennent de très nombreuses figures de domestiques, rarement remarquées par le spectateur. Leur recensement systématique et la constitution de séries ont permis de montrer que ces détails sont peu naturalistes et rarement décoratifs. Les figures de serviteurs relèvent le plus souvent d'un discours symbolique concernant souvent les maîtres, c'est-à-dire l'idée que les élites se font de leur place dans la société, en particulier durant la deuxième moitié du XVIe siècle, plus aristocratique. Mais les peintres peuvent aussi faire porter par ces figures des discours variés, politiques, littéraires, théologiques, voire artistiques ou satiriques. En effet, les serviteurs, figures du popolo, ont à Venise plus qu'ailleurs, droit de cité dans la représentation picturale, puisque le patriciat aime à considérer que les Vénitiens forment une communauté unie. L'étude systématique des domestiques de peinture a également conduit à réinterroger certaines œuvres bien connues, qui comportaient des figures de serviteurs faisant écart par rapport à la tradition ou à la 'norme' contemporaine. L'étude de ces dissonances a permis d'apporter un éclairage nouveau sur ces œuvres de Carpaccio, Titien, Tintoret et VéronèseRenaissance Venetian paintings include many servants, who often escape the notice of those who view them. A systematic statistical inventory of those servant figures and their grouping into different categories have made it obvious that those figures are hardly ever realistic or decorative but are most of the time an integral part of a symbolic system focusing on their masters' place in society and of the elite's conception of its social role, in particular during the more aristocratic second half of the sixteenth century. On the other hand, servant figures may be used to express views on varied subjects, either literary, theological or political, or even with an artistic or satirical goal in mind. Indeed, servants, figures of the popolo, have a legitimate place in pictorial representation in a city such as Venice where the Patricians like to think of the community as united. The systematic study of servants in painting has also led to a new questioning of well-known works when they include servant figures which differ from traditional or contemporary norms. The study of those discrepancies has shed a new light on those works by Carpaccio, Titian, Tintoretto and Veronese
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Magy, Tania. "L' art Rom, des transports amoureux. . . : un atelier ambulant d'arts plastiques : des partages d'en-saignements, entre Tsiganes, Gadjé et autres voyageurs dans le temps." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010623.
Full textAbstract:
Un art Rom, direz-vous ? Qui sont les Roma, les Gitans, entre craintes et moqueries, un peuple de poètes sans terre ? Quelles sont leurs expressions artistiques et "plastiques" ? La description d'élans, de saveurs, transports amoureux, l'éblouissement des rencontres, l'art de la foire, la foire de l'art ? Qu'en est-il vraiment de ma pratique singulière et de mon implication dans toute cette merveilleuse histoire ? Pour la suite, il s'agit d'interroger, de vivre, les thématiques "d'enseignement ambulant", "d'utopie nomade", des croisements de routes, de genres, entre norme et marge, des moments de vie, la construction et le cheminement de projets artistiques. Du suspense, de l'émotion ! Rencontrer de multiples pratiques itinérantes, des arts plastiques riches de leurs différences, grand déballage et stationnement autorisé !
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Boudier, Valérie. "Des comestibles et d'autres sujets du même ordre. . . : peinture et nourriture dans les scènes de genre de Vincenzo Campi, Bartolomeo Passerotti et Annibale Carracci." Paris, EHESS, 2007. http://www.theses.fr/2007EHES0091.
Full textAbstract:
L'objet initial de ce travail était de mieux comprendre pourquoi la peinture de genre est encore aujourd'hui mal considérée et mal interprétée. Notre réflexion s'est progressivement orientée vers son émergence, au moment où, autour des années 1580, Vincenzo Campi. Bartolomeo Passerotti et Annibale Carracci inaugurent ce nouveau genre pictural en Italie du Nord. Nous avons ensuite questionné la fonction de l'aliment dans la peinture de genre puisqu'elle figurait alors essentiellement des scènes de marché, de boucherie, de cuisine et de repas, autant de sujets ayant trait à la nourriture et mettant en scène des personnages dont les gestes dépendent des objets alimentaires. Cette thèse propose un ensemble de réflexions attestant l'importance de l'aliment dans l'émergence même de la peinture de genre puisque sa présence en tant que sujet et son traitement pictural engendrent un processus de matérialisation de l'image peinte. Au Cinquecento, la peinture de genre est un espace de liberté, un lieu de réflexion théorique sur l'art où représenter l'aliment est une pratique critique de la peintureThe general aim of the dissertation was to understand why the genre painting is still regarded as a minor style and lacks proper interpretation. We first look at the emergence of the genre painting, in the years 1580 and the innovative work of Vincenzo Campi, Bartolomeo Passerotti, and Annibale Carracci in North Italia. We then question the function of food in the genre painting as this style was mainly representing market, butchery, kitchen, and meal scenes. All these subjets show food and expose characters whom movement are organized by food. Therefore, the dissertation proposes a reflection on the importance of food in the beginning of the genre painting, by showing that both the presence and the pictorial treatment of food give rise to the materialization of the painted image. In the Cinquecento, the genre painting is an area of freedom, a place of theoretical thinking on art, in wich representingfood is a critical practice of painting
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Dessy, Clément. "Les écrivains devant le défi nabi: positions, pratiques d'écriture et influences." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2011. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209795.
Full textAbstract:
En 1888, une communauté de peintres s’associe sous l’appellation « Nabis ». Ce terme, issu de l’hébreu, signifie à la fois les « prophètes » et les « initiés ». Paul Sérusier qui vécut sa rencontre avec Paul Gauguin comme une révélation est à l’origine de la formation du groupe. Une année auparavant, le symbolisme littéraire triomphe en France et suscite l’émulation parmi une nouvelle génération d’écrivains qui se cristallise autour de /La Revue Blanche/ et le /Mercure de France/. Entre les Nabis et les symbolistes s’établit dès lors un intense réseau de collaborations. Tant dans l’élaboration des décors et programmes du Théâtre de l’œuvre de Lugné-Poe que dans l’illustration d’ouvrages d’André Gide, d’Alfred Jarry ou encore de Jules Renard, les Nabis participent activement à la vie littéraire de leur temps tout en s’incarnant volontairement comme une avant-garde picturale. Les échanges nombreux entre peintres et écrivains sont alors loin de se limiter à de simples commandes. Ils aboutissent souvent à des amitiés durables comme celles qui unirent Gide à Maurice Denis et Jarry à Pierre Bonnard. La recherche s’interroge sur la motivation de cette nouvelle génération d’écrivains qui sollicita le groupe nabi, ainsi que sur la nature des projets qui les unirent. Les revues littéraires occupent une place importante dans le rassemblement entre les écrivains et ce groupe de peintres. La volonté d'identifier une aile picturale qui fasse écho dans le champ artistique au désir d'innover dans le champ littéraire stimule les sollicitations des écrivains de la seconde génération symboliste. Les Nabis, qui se méfient toutefois d'une soumission trop grande au fait littéraire, induisent par leurs développements artistiques et leurs théories les paramètres d'une nouvelle relation entre peintres et écrivains dans laquelle ces derniers ne recherchent plus la domination stratégique de l'art littéraire sur la peinture.Outre ces considérations historiques, le rapprochement souhaité entre les deux groupes fut tel que la production littéraire ne put qu’être influencée par les théories des Nabis. La tendance "formaliste" représentée par ce groupe pictural a souvent conduit les chercheurs à prendre acte de l'autonomie tant du littéraire que du pictural dans les échanges entre Nabis et écrivains. Les influences sont cependant nombreuses de la peinture vers la littérature. Il est toutefois nécessaire de prendre en compte des écrivains oubliés par l'histoire littéraire, tels Romain Coolus, Gabriel Trarieux ou Louis Lormel, pour percevoir les effets de cette influence picturale. La reprise d'un dispositif de couleurs, exaltées ou déformées, le jeu poétique sur le thème de la ligne ou de l'arabesque fondent une recherche d'effet visuel dans l'écriture qui entend renouveler les images poétiques. Ce constat entre en résonance avec la rénovation picturale revendiquée par les Nabis. Des esthétiques communes entre peintres et écrivains, tournant autour des notions de synthèse, simplicité, de la référence à l'enfance ou à la fantaisie humoristique rassemblent Nabis et poètes qui les soutiennent dans une communauté d'initiés à l'art nouveau.
Doctorat en Langues et lettres
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Vert, Xavier. "Le portrait-charge : image infamante, caricature et contre-figure en Italie, de la Renaissance à l'Age baroque." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0101.
Full textAbstract:
Le portrait-charge se définit au croisement des disciplines historique, anthropologique et philosophique à partir de l'hypothèse d'un dépassement d'une histoire de la caricature dans une anthropologie de la charge. Cela suppose d'une part de réinterroger la caricature à partir des opérations auxquelles elle soumet l'effigie en mobilisant notamment une conception pragmatique de l'instance du spectateur. D'autre part de redéployer la notion de charge en s'interrogeant sur ce qu'il peut en être de son statut et de ses mises en œuvres aussi bien que des types de rapports qu'elle entretient avec les pratiques sociales, les croyances, le droit et la théologie. Cette recherche pose pour cadre général l'étude du portrait afflictif de la Renaissance jusqu'au seuil de l'époque baroque. Il s'agit dès lors de penser la charge des images dans la perspective d'une figurabilité de l'outrage et des pratiques infamantes. Il s'agit ensuite d'évaluer au sein d'un usage agressif de l'image un élément d'ambiguïté et de dérision. Le phénomène de la dérision est en effet l'un des plus complexes qui soient, si l'on veut bien ne pas couper ses manifestations individuelles et sociales de son implication théologique. Y rattacher la caricature ne signifie pas simplement voir en elle le contre-pied d'un idéal esthétique et héroïque mais aussi et surtout l'une des formes majeures de l'inversion comiqueThe portrait-charge defines itself at the crossroads of historical, anthropological and philosophical disciplines, on the hypothesis of going beyond caricature history into an anthropology of charge. On the one hand, this implies re-examining caricature on the basis of the operations to which it submits the effigy in mobilizing a pragmatic conception of the instance of the viewer. On the other hand, this implies reconceiving the notion of charge, by questionning its status and implementation as well as its various relationships with social practices, beliefs, law, and theology. The general framework of this thesis is the study of the afflictive portrait from the Renaissance up to the threshold of the baroque period. It is, therefore, necessary to consider the charge of images in the perspective of a figurability of outragous and infamous practices. The next step is to assess an element of ambiguity and derision within an aggressive use of the image. The phenomenon of derision is indeed one of the most complex, if one does not strip its individual and social manifestations of its theological implication. Linking caricature to this phenomenon does not simply mean to see in it the opposite of an aesthetic and heroic ideal, but also and above aIl, one of the major forms of comic inversion
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Alsina, Francisco. "L'ouverture chez Lacan et ses conséquences cliniques." Thesis, Université de Paris (2019-....), 2020. https://theses.md.univ-paris-diderot.fr/ALSINA_Francisco_va.pdf.
Full textAbstract:
L’ouverture chez Lacan n’est pas un concept de la psychanalyse. Par ce terme, nous voulons rassembler plusieurs expressions et usages de Lacan qui peuvent s’approximer à un trou, à un écart ou bien à une distance indépassable. Au début des années cinquante, Lacan utilise le mot « béance » dans le cadre de la première hypothèse de l’absence symbolique. C’est ainsi que la « béance » est le premier mot qui participe de l’ouverture chez Lacan. Dans les séminaires suivants, d’autres formes d’ouverture apparaissent. D’abord, l’espace de la tombe, concept abordé dans la lecture que fait Lacan de la mort d’OEdipe, ainsi que dans son analyse d’Antigone et dans sa lecture d’Hamlet. Dans ces deux tragédies de Sophocle et dans l’oeuvre de Shakespeare, Lacan trouve une ouverture qui lui permet d’envisager certaines modifications à la théorie du sujet et de l’objet en psychanalyse. Mais c’est par la suite de l’analyse sur le tombeau que l’espace vide prend une place centrale dans les considérations de Lacan. Notamment dans son analyse d’Antigone, lorsque Lacan aborde la « Chose », qu’il emprunte à Freud, et à propos des premières considérations de l’objet « a », la question de l’ouverture est traitée à partir de l’histoire de l’art. Dans cette recherche nous suivons les rapports entre la psychanalyse et l’histoire de l’art afin d’étudier l’espace qui se trouve entre le corps du sujet et l’objet de son désir. Nous poursuivons ainsi l’analyse entamée par Lacan à la fin des années cinquante, notamment sur la naissance de la peinture en perspective et celle des Vanités. Dans cette dernière partie, il s’agit donc de montrer les approximations de Lacan sur la thématique de l’ouverture en psychanalyse avant qu’il ne la travaille avec la topologie. Cette recherche peut se comprendre comme un regroupement des antécédents sur l’ouverture chez Lacan, avant leur formalisation mathématiqueFor Lacan, the notion of “the opening” is not a psychoanalytic concept. This term encompasses several different expressions and ideas, which, in Lacan’s thought, relate to holes, gaps, and unsurpassable distances. In the early nineteen-fifties, Lacan uses the word béance—a gaping hole—when he articulates his first hypothesis regarding symbolic absence. Thus, béance is the first word that contributes to Lacan’s lexicon concerning openings. In following seminars, other forms of openings appear. First, the space of the tomb, a concept Lacan addresses in his reading of the death of Oedipus, in his analysis of Antigone, and in his treatment of Hamlet. In these two tragedies by Sophocles, and in Shakespeare’s play, Lacan discoversan opening that allows him to envision modifications to the theories of subject and object in psychoanalysis. After this analysis of the grave, empty space occupies a central place in Lacan’s thought. In his discussion of Antigone, where Lacan broaches the subject of Freud’s “Thing”, and in his first treatment of the objet petit a, the question of openings is approached through art history. This project explores the intersections of psychoanalysis, literature, and art history and examines the space between the subject and the object of its desire. In doing so, the study furthers the work Lacan began in the late nineteen-fifties on the birth of linear perspective and the vanitas in painting. These preliminary explorations of the theme of the opening in psychoanalysis led Lacan, in his later work, to approach the idea of the opening through topology. The present study can be understood as a regrouping of the preliminary instances where openings and their mathematical formalizations appear in Lacan’s work
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Fulati, Tayierjiang. "Route de la soie, route de la création : rencontres, frontières, contacts, croisements." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H306/document.
Full textAbstract:
Cette thèse, qui s'appuie sur ma pratique artistique personnelle, analyse l'identité, l'origine, la valeur et la place de la main dans l'art en sillonnant l'ancienne Route de la soie. J'étudie mon parcours de création artistique, ma culture, mes identités multiples et mes influences au regard de l'héritage légué par La Roule de la soie et la route de La création. La traversée de la Route de la soie s'articule autour de quatre thèmes: la rencontre, le contact, le croisement et la frontière. Les recherches m'ont mené sur un voyage messianique dans le but de répondre aux questions qui me hantaient: l'influence étendue de la Route de la soie sur la création artistique est-elle source de créativité? Comment peut-elle se révéler dans les œuvres d'artistes contemporains? La route de ma création artistique se croise-t-elle avec la Route de la soie? Pour répondre à ces questions, j'ai présenté ma main comme une figure qui me lie à mes origines invisibles. Dans le premier chapitre, j'explore la notion d’identité à travers les portraits de la main, puis j'étudie la notion de frontière visible et invisible. Dans le troisième chapitre, j'analyse le toucher, le goûter et le croisement avec la Route de la soie. Enfin, j'examine le contexte des paysages intérieurs et je tente de mettre en lumière l'héritage caché ainsi que les secrets de l'art local imprégné par la culture de notre région et ce à travers les croisements et les métissages culturelsRelying on my personal artistic practice, this thesis analyzes the identity, origin, the value and the place of the "band" in the art in weaving through the old Silk Road. The analysis of my artistic creation, my culture, my multiple identities and my influences in the light of the legacy of the Silk Road and the road of the creation. The crossing of the Silk Road is structured around four themes : the meeting, contact. The crossing and the border. The research led me on a messianic trip, in the aim of finding answers to the questions that concern me : how the Silk Road influences artistic creation, is it a source of creativity? How can it be in the works of contemporary artists? How it emerges on my artistic creation? To answer these questions, I presented my band as a figure, which binds me to my multiple origins. In the first chapter I will analyze the concept of identity through the portraits of the band, then I will look into the notion of border visible and invisible. In the third chapter, I will analyze the touch, the taste and the crossing with the Silk Road. Finally, I will examine the context of interior landscapes and I will try to demonstrate the hidden legacy as well as the secrets of the local art impregnated in the culture of our region through crosses and cultural mixes
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Stellittano, Sabine. "Alchimie picturale des vies ordinaires, du récit de vie à l'hystérie du tableau." Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H309/document.
Full textAbstract:
Toute cette recherche se concentre sur le portrait en peinture comme possibilité de la rencontre, de moments d’amitié. Il s’agit d’en analyser les enjeux en utilisant la philosophie et la psychanalyse comme outils théoriques. Comprendre combien cette pratique de corps-à-corps, de présence à présence s’inscrit dans le temps, le déploie, le relate. La rencontre, tout comme ma pratique, a pour origine le désir de l’Autre. Chacune de mes peintures est une réponse à cette demande : «Comment désires-tu être peint ?». Mes pinceaux, guidés par les paroles livrées dans mon atelier, tentent de s’approcher au plus près de ce qui est dit : quête impossible !... tant le langage implique une perte, nous divise. Nous nous percevons comme uniques car nous sommes séparés de l’autre, nous sommes entourés de vide. L’autre et le vide ne sont pas seulement extériorités, ils sont en nous, et pour la psychanalyse c’est par l’imaginaire que nous trouvons notre unité. La psychanalyse, la méditation, l’alchimie et la peinture ont ceci de commun qu’elles sont toutes des disciplines construites à partir de la pratique et chacune d’entre elles aborde l’introspection à sa manière, qui peuvent s’enrichir les unes les autresThe present research work focuses on the painted portrait and the opportunity it offers to meet people and exchange moments of friendship. It aims at analyzing what is at stakes in this process by means of theoretical tools such as psychology and psychoanalysis. It is also concerned with the understanding of how this «hand to hand» and «presence to presence» practice gets its anchorage in time and how it unfolds it and refers to it. The get together process, as well as my own practice, are the expression of desire – desire of the Other. Each of my paintings is an attempt to answer this single question: «How would the person posing for me like to be painted?». Then, as if guided by his or her wish, my brushes enter into action in order to fulfill it to the best of my abilities – the task is of course impossible, because language implies a loss and gets us apart from one another. Each of us sees oneself as unique, for we are separated from each other: we are indeed surrounded by emptiness. The Other and emptiness don’t belong to the outside, they are part of ourselves. In the field of psychoanalysis, we manage to find our unity through imagination. Psychoanalysis, meditation, alchemy and painting have all in common to be based on practice. Each of these disciplines deals with insight in its own way: in the end they all benefit from each other
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Delvart, Naouel. "Le monde côtier et ses représentations romano-campaniennes." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040178.
Full textAbstract:
L’enjeu de cette thèse est de fonder une réflexion sur la représentation mentale et spirituelle du monde côtier par le biais des ornementations pariétales dans les espaces privés à Rome et en Campanie. Le sentiment de la nature côtière, qui se démarque de celui de la nature dans son ensemble autant qu’il s’y incorpore, n’est pas figé ; son évolution, perceptible dans le choix des thèmes et la manière stylistique avec laquelle ces derniers sont traités est déterminée par le contexte socio-politique de la genèse de ces expressions artistiques. Ainsi, nous traversons trois grandes époques : républicaine, post-républicaine et vespasienne correspondant aux trois styles pompéiens : deuxième, troisième et quatrième. Au fil de ces périodes, les paysages littoraux recèlent une symbolisation essentielle de l’ordre cosmique et de la structure idéologique qui permet l’interprétation de l’UniversThe aim of this Ph D is to provide a consideration of the mental and spiritual representation of the coastal world through the mural paintings of Romano-Campanian houses. The sense of beauty in coastal nature which in fact differs from the sense of nature as a whole as much as it incorporates it is not set. Its evolution which is perceptible through choice of themes and through the iconographic styles is determined by the social and political context. Our investigation is based on three historical periods: a republican, post republican and vespasian, one corresponding to the three decorative Pompeian styles: the second, the third and the fourth. Throughout these periods, coastal landscapes involve a fundamental symbolisation of cosmic nature and of the ideological structure which allow an interpretation of the universe
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Cherly, Maria. "Proust et la Bible, écriture et création." Brest, 2009. http://www.theses.fr/2009BRES1005.
Full textAbstract:
Cette thèse se veut une étude exhaustive du sujet et tient compte de l’ensemble de la production de l’auteur. La première partie explore la Bible comme un héritage religieux, historique, politique, littéraire, esthétique et architectural, la seconde les écrits de et sur Ruskin. Les deux dernières parties s’intéressent à l’aspect rhétorique et symbolique de la Bible chez Proust. L’écrivain détourne les formules bibliques, pastiche le style prophétique, évangélique, réécrit la Bible à l’encre de l’inversion. L’imagerie (lieux, personnages, rites, Révélation, Livre) offre un système de parallélismes et d’oppositions mettant en jeu les thèmes de la sexualité, de la jalousie, de la mère, de la judéité, de la création artistique, de la mémoire. Pour ce travail un fil conducteur, l’aveu de Proust à un ami en 1917 « [. . . ] j’ai toujours certaines préférences ataviques pour l’Ancien malgré la beauté du Nouveau Testament »Our P. H. D. Aims to be an exhaustive study of the subject and takes to account the main production of the author. The first part considers the Bible as a cultural, religious, historical, political, esthetical, and architectural heritage, the second part the writtings of and on Ruskin. Indeed, the Bible has played an essentiel role in their relation. The two last parts explore the rhetorical and symbolical aspects of the question. The writer distorts the biblical expressions, pastiches the prophetic, evangelical style, rewrites the Bible in the light of homosexuality. The imagery (places, characters, rites, Revelation, Book) is structured by a system of parallelisms and oppositions which involves the themes of sexuality, jealousy, judeity, memory and creation. For the whole study, one Ariadne’s clew: Proust’s confession to a friend in 1917 «[. . . ] j’ai toujours certaines préférences ataviques pour l’Ancien malgré la beauté du Nouveau Testament »
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Peerapornpisal, Supamon. "Décors des résidences seigneuriales en Viennois et Grésivaudan du XIIIe au XVIe siècle : étude archéologique, stylistique et historique." Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSE2055/document.
Full textAbstract:
Aujourd’hui de nombreuses recherches sont menées sur les différents types de demeure aristocratiques. Notre étude porte sur un important corpus de résidences seigneuriales datées du XIIIe au XVIe siècle en Viennois et Grésivaudan ; quatre-vingts douze sites ont été rassemblés à partir, d’une part, de la recherche documentaire dans les archives, les bibliothèques et les centres de documentation, et d’autre part, de visites sur le terrain. Ce travail s’attache aux différents types de décors : les décors architecturaux, figuratifs, sculptés et peints. L’objectif de notre recherche est d’établir un corpus de résidences seigneuriales permettant d’étudier l’approche décorative intégrale des sites, ce qui permet un travail de recherche inédit. Le château et la maison forte subsistent encore de nos jours en grand nombre avec d’importants éléments architecturaux en place. La ressemblance entre les caractères architecturaux de ces deux catégories d’habitations assure un nombre suffisant de sites à étudier. Et la distinction de statut entre le château et la maison forte autorise des comparaisons intéressantes au niveau du décor. Le Dauphiné présente un grand nombre de résidences seigneuriales. Le territoire du Grésivaudan est connu comme étant une région propice à l’installation des habitants grâce aux terres fertiles des massifs de la Chartreuse et de la Belledonne. Quant au Viennois, son riche aspect géographique permet de trouver une grande variété de sites. Par ailleurs, l’histoire du Dauphiné démontre une longue période de dépendance du territoire où plusieurs comtes se sont succédés. La politique des conquêtes a permis d’étendre le territoire et de faire face aux ennemis. Notre recherche se concentre sur une période étendue allant du XIIIe au XVIe siècle. Elle inclut donc l’époque médiévale marquée par peu de changements dans les domaines économique et social en Europe occidentale du fait de la succession des guerres et des épidémies. Ceci ne signifie pas que cette période ait connu un recul mais qu’une faible mutation sociale influencée par la religion s’est produite. Cela se reflète dans le développement du domaine artistique. Notre recherche inclut également la période de mutation de la fin du Moyen-Âge et du début de la Renaissance. Ce moment se caractérise par la combinaison de l’art antiquisant et d’un nouveau courant artistique. Au travers de notre recherche, nous recherchons une possible évolution de l’approche décorative de l’habitat noble. L’étude de l’approche décorative des résidences seigneuriales nous permet de mieux appréhender les caractéristiques des décors aussi bien architecturaux que figuratifs. Les éléments architecturaux, sur lesquelles nous avons porté notre attention, comprennent les portes, fenêtres et coussièges, les tourelles en surplomb, les échauguettes, bretèches, meurtrières et cheminées. Les autres décors que nous avons examinés sont les décors figuratifs qui se composent des motifs peints et des peintures murales ainsi que des motifs et figures sculptées. Nous avons pu constater par nos études que toutes les formes de conception décorative (le décor architectural et le décor figuratif) possèdent la structure simple au début de la période étudiée (XIIIe siècle), puis cette forme élémentaire se développe de manière plus compliquée au cours du temps en particulier le décor peint. Nous constatons ainsi une évolution stylistique des décors. En outre, trois types des éléments décorés ; portes, fenêtres et cheminées montrent une ressemblance stylistique. Il s’agit du travail de moulure sur les linteaux, les encadrements et les bases de ces éléments et la présence d’écus armoriés symbolisant l’appartenance du site à une famille ou une personnalité. Ceci permet d’affirmer que ces décors sont caractéristiques de l’époque étudiée. Quant au décor figuratif, l’apparition de différentes figures autorise une dimension plus approfondie au travers d’une présentation narrativeThere are nowadays many studies about aristocratic houses and their decoration. This study on decoration was achieved from the huge corpus of seignorial residences dated between the 13th and the 16th Centuries in the region of Viennois and Grésivaudan where a number of seignorial residences was found. Fifty-three selected sites gathered from a wide investigation were organized in two ways: firstly by documentary research in the archives, the libraries and the center of document resource, secondly by intervention in the studied area. This research focused on different categories of decoration: architectural, figurative, sculptural and painted decor. The research aims to establish the corpus of seigniorial residences which will enable it to study the entire decorative aspect of the selected sites. This will also allow for a new perspective of aristocratic house research.The castles and the fortified manor houses are known today as the existing aristocratic accommodation, which are in quite a large number and are unique in their architectural elements. The similarity of the two seignorial residences lies in their architectural characteristics. The quantity of them allows for an extension of the research framework for determining a sufficient number in terms of the studied sites. On the contrary, the difference of status between the castles and the fortified manor houses permits a comparison of their decorative aspects. Le Dauphiné has a great number of seignorial residences. The territory of Grésivaudan has been recognized for suitable settlement with fertile land in the mountains of Chartreuse and Belledonne. As for Viennois, this territory has a geographical variation which caused different characteristics of houses. Moreover, the history of Dauphiné presents a long period of independence with the succession of several Counts. The conquest policy was applied for defending the enemies in the surrounding areas and also for conquering more land. A great number of seignorial residences was included in this research. The study period from the 13th to the 16th Centuries is known as the transitional time from the end of the Middle Ages to the beginning of the Renaissance, there were many changes in different domains. These changes reflect the evolution of the decoration of aristocratic houses. The study of decoration of the respective seignorial residences will enable us to learn about the characteristics of the architectural and figurative decoration. Understanding the architectural decor involves a study of the architectural elements: doors, windows, turrets, watch-turrets, brattices, arrow holes and chimneys. The figurative decoration means a study of figurative presentation. The elements concerned are painting motifs and mural painting, sculptural motifs and figures. Molding in architectural decor emphasizes the structure of decorative elements. The frames of the doors and windows can be noticed by volumetric and symmetrical effects which can be seen on the lintel and the lower part of the frames of the structure. The appearance of sculpted shields above the doors and windows help complete the decorative aspect of the elements. The chimney has the same decorative effect but the molded decor would be on the upper part and the corbel or side posts. As for the figurative decoration, the presence of different figures like trees, animals, men create an in-depth dimension and more narration or a narrative scene. The painting motifs and the mural painting form a narrative which show a series of pictures which tell the sequence of an event or several successive scenes. Besides, as the corpus of the research assembles a great number of several types of decoration dating from 13th to 16th Centuries, it consequently reflects a stylistic evolution of decorative elements
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Henderiks, Valentine. "Catalogue critique de l'oeuvre d'Albrecht Bouts et les pratiques de son atelier." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2009. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210361.
Full textAbstract:
La thèse a pour objet d’établir le catalogue critique de l’œuvre d’Albrecht Bouts (1451-55 / 1549). Fils de Dirk Bouts (1410-1420 / 1475), peintre officiel de la ville de Louvain, Albrecht et son frère aîné, Dirk le Jeune (1448 / 1491), héritent de l’atelier de peinture à la mort de leur père. L’œuvre de l’aîné reste très controversée, aucun tableau ne pouvant lui être attribué avec conviction. Il en est autrement du puîné, Albrecht, à qui la paternité du Triptyque de l’Assomption de la Vierge des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique peut être donnée avec beaucoup de vraisemblance. Le corpus de son œuvre, établi, en 1925, par Max J. Friedländer et, en 1938, Wolfgang Schöne, autour de ce retable autographe, comprend un nombre important de peintures. Ce catalogue n’a, toutefois, jamais fait l’objet d’une révision par les historiens de l’art. Seules quelques peintures ont été publiées de manière ponctuelle. Devant l’abondance des tableaux attribués au peintre, il convenait donc de réaliser une étude fondamentale afin de distinguer ses propres créations de celles de ses collaborateurs.La thèse se compose de cinq chapitres. Le premier établit une biographie complète, sélective et chronologique, se basant sur les sources livrées par les archives de la ville de Louvain. Leur interprétation critique renouvelée et enrichie livre ainsi de nombreux arguments pour mieux définir l’individualité d’Albrecht Bouts et justifier le développement de sa carrière.
Le second chapitre concerne l’étude de l’œuvre d’Albrecht Bouts et débute par un examen approfondi de la seule peinture au caractère autographe reconnu, le Triptyque de l’Assomption de la Vierge. L’examen combiné du style et de la technique d’exécution de cette œuvre de maturité du maître permet de mettre en exergue les influences de Dirk Bouts et d’Hugo van der Goes et de définir la personnalité artistique singulière d’Albrecht Bouts. Suite à cette analyse, le catalogue de son œuvre est reconstitué de façon linéaire, depuis sa genèse jusqu’à son terme. Chacune des peintures qui lui sont attribuées est ensuite étudiée de façon chronologique et détaillée, précédée d’une notice technique préliminaire reprenant les données matérielles et bibliographiques, dans le cinquième chapitre consacré au catalogue raisonné.
La révision du corpus de l’œuvre d’Albrecht Bouts est fondée sur un travail d’attribution reposant à la fois sur l’approche stylistique traditionnelle et sur les résultats fournis par les documents de laboratoire. Une importante documentation photographique et technologique des œuvres, dont certaines inédites, a ainsi été rassemblée et sa confrontation constitue un support essentiel à la démonstration.
Le troisième chapitre propose, à partir des hypothèses émises à propos de la biographie et du catalogue des œuvres d’Albrecht Bouts, une analyse de la production de son atelier, particulièrement intense à partir de la première décennie du XVIe siècle. Dans cette partie, l’objectif n’est pas d’établir un exposé circonstancié et complet de chaque peinture abordée, mais plutôt de rassembler des groupes cohérents d’œuvres, également fondés sur une approche combinée du style et de la technique d’exécution. Un même principe de renvoi aux notices dans le catalogue raisonné est adopté.
Enfin, le quatrième chapitre est consacré à la réalisation en série d’œuvres de dévotion privée dans l’atelier du maître. De nombreuses généralités et quelques études ponctuelles ont préparé le terrain, annonçant l’importance de ce phénomène sans, toutefois, en mesurer l’ampleur. C’est pourquoi, nous lui accorderons une investigation la plus exhaustive tant sur les pratiques en vigueur dans l’atelier, que sur l’iconographique et le contexte socio-économique de la création de prototypes par Albrecht, dans la foulée de l’héritage des modèles paternels.
Ainsi, ce travail permettra de mieux cerner la personnalité d’Albrecht Bouts, de retracer son individualité artistique, mais aussi de réévaluer la participation de son atelier, afin de rétablir chacun de ces éléments à leur juste place au sein de la peinture flamande de la fin du XVe siècle et du début du XVIe siècle
The subject of the thesis is to establish a critical catalogue of Albrecht Bouts’ (1451-55/1549) work. Son of Dirk Bouts (1410-1420/1475), official painter to the city of Leuven, Albrecht and his elder brother, Dirk the Younger (1448-1491), inherited their father’s workshop after his death. The work of the elder son, Dirk the Younger, is still a discussed topic since no painting could be attributed to him with certainty. It is quite different for Albrecht who is the likely author of the Tryptich of the Assumption of the Virgin from the Musées royaux des Beaux-Arts of Belgium. The corpus of his work, established in 1925 by Max J. Friedländer and in 1938 by Wolfgang Schöne based on this autograph altarpiece, includes an important number of paintings. This catalogue has however never been revised by art historians since then. Only some paintings have occasionally been published.
Considering the high number of paintings attributed to the master, there was a need to undertake a deeper study in order to distinguish Albrecht Bouts’ own creations from those of his workshop.
The thesis is divided into five chapters. The first one includes a complete, selective and chronological biography of the master, based on the data found in the archives of the city of Leuven. A newly enriched critical interpretation of these documents has allowed a better definition of Albrecht Bouts’s personality and a clearer understanding of the development of his career.
The second chapter is devoted to the study of the master’s work and starts with an in-depth examination of the Tryptich of the Assumption of the Virgin, the only painting recognized as an autograph work. The combined examination of the style and the technical execution of this altarpiece, painted during the mature period of his career, underlines both the influences of Dirk Bouts and Hugo van der Goes and helps to display his original artistic personality.
From there, the catalogue of his work is re-established, in the last chapter, from the very beginning to the end of his working life. In the last chapter devoted to the catalogue, each painting attributed to the master is carefully studied, on a chronological basis and in details, with an introductive technical note giving material as well as bibliographical information.
The review of the corpus of Albrecht Bouts’ work is based on a traditional stylistic approach and on the results given by laboratory documents. An important photographical and technological documentation of his works – some of them unpublished until now- has been gathered. Their comparison brought forward essential arguments on which our demonstration is based.
The third chapter, which builds on the two first ones, consists of an analysis of Albrecht Bouts’ workshop production, which was particularly active at the beginning of the XVIth century. The purpose was not to study thoroughly each painting but to extract coherent groups of works thanks to the same combined examination of style and technique. Like the master’s autograph work, each painting is subject to a careful study in the critical catalogue.
Finally, the fourth chapter is dedicated to the serial production of private devotional works carried out in the master’s workshop. There were already many general writings and some occasional studies on the subject, but none of them really measured the importance of the mass production. We therefore undertook a deep and thorough research on the workshop practices ,on the iconography and on the social-economical context of the realisation of works by Albrecht following the prototypes created by his father.
The thesis contributes to a better knowledge and understanding of the life, the personality and the work of Albrecht Bouts and re-evaluates the participation of his workshop. This will give to each of these elements its proper place in the Flemish Masters Painting of the end of the XVth and the beginning of the XVIth centuries.
Doctorat en Histoire, art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Nazari, Fariba. "Les couleurs : usages et significations dans l’art et dans la société islamique au Moyen-âge." Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0176.
Full textAbstract:
Cette thèse revendique précisément une tradition de polychromie développée dans l'art et la société musulmane au Moyen-âge et nous allons nous attacher à la développer au cours de cette recherche. Poursuivre l'évolution des sensibilités islamiques de la couleur à travers les siècles qui nous séparent de ces époques rayonnantes de l'art islamique (du VIIIème au XVème siècle) est une tâche qui dépasse notre recherche. Notre objectif consiste à présenter, dans cette recherche, le concept de la couleur durant la période que nous avons retenue, en exposant la signification et l'utilisation de la couleur qui correspond à ce concept. Et puisque la réalisation des harmonies des couleurs matérielles dépend des procédés techniques appropriés, nous allons essayer de démontrer l'application concrète et objective de l'art islamique et des couleurs à cette période, en nous appuyant sur les témoignages plastiques qui nous sont parvenus. C'est pour cela que la peinture sera envisagée comme la matière première de notre travail. Le cadre de ces siècles nous procure tous les éléments esthétiques qui nous intéressent, en particulier en peinture (les miniatures), car parmi les différentes activités artistiques, la peinture reste le domaine dans lequel la couleur s'exprime avec une plus grande liberté. De Baghdâd à Tabriz et de Tabriz à Hérat, puis d’Herat à Chiraz et Ispahan, la miniature islamique a produit les plus belles pages de son histoire. Nous allons également étudier les éléments colorés dans la culture islamique dans la poésie, la mystique, les réglementations religieuses et les livres saints pour bien analyser la situation de la couleur dans les autres religions abrahamiquesThis thesis spells out specifically a developed tradition of polychrome in the art and the society Muslim Medieval, and tries to improve such concepts extensively. It should be mentioned that the recent improvements made in Islamic sensitivities for color over the recent centuries that separate us from the older period of time (the eighth to fifteenth century) that radiates the Islamic art is beyond this research. As a matter of fact in this study, our goal is to present the concept of color during the eighth to fifteenth century, explaining the meaning and the use of color during that time which correspond its true concept. Since the achievement of the harmony of colors depends on physical processes and appropriate techniques, we will try to demonstrate the practical application and objective of Islamic art and color at those centuries based on visual evidences that were obtained during our research, thus painting is considered as the raw material of our study. These centuries can present all the aesthetic elements of interest especially in painting (miniatures) because among the various arts, painting is the area where the colorist expressed with more freedom. From Baghdad to Tabriz, from Tabriz to Herat and from Herat to Shiraz and Isfahan, the Islamic miniature has produced the most beautiful pages of the history. In addition, color as an element in Islamic culture including poetry, mysticism, regulations and the religious holy book is studied to fully characterize the role of color in other Abrahamic religions
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Lara, Galicia Aline. "Xiuhpoualli : el calendario mesoamericano en las manifestaciones rupestres del valle del Mezquital, Hidalgo, México." Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0070.
Full textAbstract:
La thèse vise à comprendre l'espace symbolique de la Vallée du Mezquital, Mexique, à partir de la distribution des ensembles de peintures rupestres qui s'y trouvent. Celles-ci sont interprétées comme étant une transcription du calendrier mésoaméricain aztèque et hñahñü-otomi préhispanique : le xiuhpohualli. Le corpus comprend 110 ensembles qui constituent une sorte d'écriture déployée dans l'espace et renvoient aux cosmovisions des groupes de l'époque préhispanique. La convention glyphique mise en œuvre a révélé deux aspects d'importance : premièrement, que les modèles qui figurent dans chaque ensemble sont ordonnés de façon à pouvoir être lus ; deuxièmement, qu'une icône peut représenter une action. La fonction des ensembles rupestres était de transmettre une information religieuse concernant une des activités les plus importantes de toute la Mésoamérique : l'activité rituelle. Les peintures rupestres fixent la géographie sacrée inscrite dans l'espace-temps symbolique ; les figures représentent les dieux, reconnaissables dans leur identité ; elles évoquent leurs fêtes ; elles construisent un modèle qui organise la rotation spatio-temporelle d'un univers en forme de quinconce : un centre et les quatre points cardinaux. Les peintures rupestres contiennent également des évocations qui renvoient au sacrifice et au nahualisme. Nous sommes manifestement en présence d'un système d'écriture fondé sur des icônes -ou glyphes-, de contenu conceptuel, pouvant être compris par tous les groupes de la région. Cette « écriture » rupestre de la Vallée du Mezquital constitue un langage politique, économique et cosmologiqueThe work explains the understanding of the symbolic space of the Valley of Mezquital, Mexico, from the distribution of rock art sites. To this is interpreted that these paintings was a transcript of an Aztec and Hñähñü- Otomi Mesoamerican prehispanic calendar: The Xiuhpohualli. Includes a reading at 110 rock art sites. The glyph convention's revealed two aspects of importance: first, that the ensembles can are ordered for to reading; second, an icon can represent an action. The function of rock art was to convey religious information about one of the most important activities throughout Mesoamerica. The emphasis on the characteristics of the Mesoamerican, such sacred geography inscribed in the symbolic space-time, the figures which represent the gods end emphasizing their identity, their festivals, but also a model that represents the universe as a kind of space-time clock or rotation, including the design of a cosmographic world with the figure of quinqunce, that is to say, the sacred space was divided by a center and four directions of the universe with their four corners. Also, the representation of the body, sacrifice, nahualism, it is represents in the writing system based on icons or glyphs as conceptual aspect that could be understood by all groups and that this writing allowed political language, economic and sacred
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Hilaire, Philippe. "Le libre parcours : présences du pittoresque dans les paysages aujourd'hui." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCC174/document.
Full textAbstract:
Issu du monde de la pratique paysagère, je ne pouvais pas ignorer le mouvement dialectique qui s’établit entre l’expérience physique de l’espace et sa représentation. La recherche s’organise à propos d’espaces concrets et de propositions théoriques parfois extérieures au champ de la pratique paysagère. C’est à travers cette double composante que le paysage et sa représentation in situ : le jardin, ou ses représentations in visu seront explorés. L’approche qui, sans être culturaliste au sens que ce mot a pris dans le débat des idées contemporaines, n’en n’est pas moins articulée à une forte présence de la culture dans la compréhension des phénomènes liés au paysage. Cette position permet à la fois la critique d’un formalisme appuyé sur un « picturalisme » puissant, et d’un nouveau naturalisme à peine né et déjà académique qui en tente la critique sans y parvenir néanmoins puisqu’il tombe dans le même travers d’une forme toujours déclinée à partir d’un dogme – dans un cas géométrique et dans l’autre écologique – sans le plus souvent envisager la relation de l’application de ce dogme au lieu et aux corps qui l’habitent. L’entrée initiale par la catégorie du pittoresque n’est pas pour autant abandonnée. En effet, à notre insu le plus souvent, les caractères du pittoresque impriment en nous les fondements de notre jugement esthétique sur les représentations picturales ou jardinées de la nature. Des formes contemporaines du pittoresque sont alors décrites comme des opérateurs de nos pratiques vis-à-vis de l’espace. Aujourd’hui, c’est de nouveau ce lien entre expérience et représentation que je tente de mettre au jour pour faire apparaître ce que j’ai appelé le « libre parcours »Coming from the world of landscape practice, I could not ignore the dialectical movement that develops between the physical experience of space and its representation. The research is organized from trips and detours about concrete spaces and sometimes external theoretical proposals from the field of landscape practice. It is through this dual component that the landscape and its representation in situ : the garden, or its representations, will be explored. The approach is not culturalist, in the sense that this word has taken in the debate of contemporary ideas. It is nonetheless articulated to a strong presence of culture in understanding the phenomena related to the landscape. This position allows both the criticism of a formalism pressed ona powerful "picturialism", and a new naturalism just born and alreadyacademic who tries, unsuccessfully, the criticism of it, and fall however intothe same trap of a form declined from a dogma, geometric on one side andecological on the other, without consider the relationship of the applicationof this dogma to the bodies that inhabit spaces. The initial input by the picturesque category is not abandoned. In fact, unknown to us more often, the picturesque's features give us the foundation for our aesthetic judgment on pictorial or gardened representations of nature. Contemporary forms of the picturesque are then described as operators to our space practices. Today it is the link between experience and representation that I try tobring to light to show what I have called "le libre parcours."
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Klinka, Emmanuelle. "Analyse sémiotique des miniatures des codex du "Commentaire à l'Apocalypse" du Beatus de Liébana." Aix-Marseille 1, 1994. http://www.theses.fr/1995AIX10005.
Full textAbstract:
Je me suis proposé d’étudier des miniatures crées entre le 8e et le 12e siècles. Elles appartiennent aux différents codex des « Commentaires à l’Apocalyspe, dits Beatus. J’ai retenu 15 des 22 codex enluminés qui ont été conservés jusqu’à nos jours, sur la base d’un corpus de 17 thèmes illustratifs. Pour ce faire, je me suis fondée sur l’étude sémiotique que j’ai adaptée à l’iconographie. J’ai analysé chaque signe et sa situation spatiale dans l’image. Les principaux axes de la recherche sont : la présentation de mon corpus, de son auteur, et du contexte historique. Le travail d’analyse dévoile d’abord les règles de la disposition formelle au Moyen âge. J’ai enchaîné sur le problème de l’intériorité et de l’extériorité présenté par certaines figures. Je les ai appelées « figures-contenants », en m’aidant des charpentes du dessin ainsi que de la symbolique du signe. De là, j’ai étudié leur sens en fonction de la présence des différents composants, c’est-à-dire qui, mises en situation dans l’image, je les ai abordées en tant qu’éléments constitutifs d’un tout. J’ai relié mes conclusions à l’interprétation que propose Beatus de l’Apocalyspe. Finalement, je suis revenue sur le rôle des fonds rayés et de la couleur dont j’ai tenté d’expliquer les fonctions. J’ai terminé par l’actualisation historico-culturelle des codex. L’analyse des signes et des structures permet d’appréhender et de décoder le message politico-religieux que le peintre a consciemment exprimé. Elle révèle aussi la dimension socio-culturelle dans laquelle se trouvait l’imagierI intended to study miniatures created from the eight to the twelvth century. They belong to the various codices of the comment of the apocalypse, known as beatus. I selected fifteen out of the twenty two embellished codices wich keep well-preserved nowadays, on the basis of a corpus of seventeen illustrative themes. For that purpose, i founded my study on a semiotic point of vue which i adapted to iconography. I therefore analysed every sign and its spatial situation withinb the drawing. The main parts of my study are : a presentation of my corpus, of its author and of the historical context. An analytic part of the work which at first shows the rules of the work which at first shows the rules of the formal display arrangements in the middle-ages. I then tackled the problem of the interiority and exteriority shown by some drawing - which i called "containing-drawings" - using for that the framework of the drawing as well as a sign-symbology. Given that, i was able to study their meaning defending on the presence of the various constituents, i. E. Put back in their pictorial context, i considered them as elements of the whole drawing. I compared my conclusions with the interpretation offered by beatus of the apocalypse. As a conclusion, i came back to the role played by striped backgrounds and by colour, of which i tried to explain the functions. I ended by a historico-cultural actualization of the codices. The analysis of the signs and structures allows us to tackle and decode the politico-religious message conciously expressed by the painter. It also discloses the socio-cultural dimension in which lived the artist
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Rakovsky, Daniel. "Les deux côtés du visage : dissymétrie et construction du portrait à la Renaissance." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040197.
Full textAbstract:
Tout visage est structuré selon un ordre symétrique. La thèse explore les conséquences de cette spécificité formelle du visage sur la construction du portrait dans le contexte spécifique de la Renaissance. Elle débute par une remise en cause de l’approche neuropsychologique qui fait de la dissymétrie et de la partition du visage dans le portrait la simple expression d’un donné physionomique. À travers une réflexion autour de la symétrie et de la dissymétrie dans l’ordre de la représentation, notre recherche rend compte de l’intérêt de ces catégories esthétiques pour la compréhension des enjeux formels et philosophiques propres à la construction du portrait. Elle révèle également la richesse et la complexité des significations allouées à la symétrie et à la dissymétrie dans le cosmos culturel de la Renaissance, celles-ci allant parfois à contre-courant de nos représentations contemporaines. Une dernière partie de cette recherche est consacrée au symbolisme théologique séculaire distinguant entre le côté droit et le côté gauche du visage, un côté tourné vers le céleste, l’autre vers le terrestre, et à son influence sur l’art du portrait. La démonstration est rythmée par diverses études de cas, parmi lesquelles des analyses approfondies de portrait peints par Jan Van Eyck, Giovanni Bellini, Raphaël et Albrecht DürerEvery face is structured in a symmetrical order. This research paper explores the consequences of this formal specificity on the construction of the portrait in the particular context of the European Renaissance. It starts with a critique of the neuropsychological approach that makes the asymmetry and the distinction between the two sides of the face in the portrait the mere expression of a particular physiognomy. Through a reflection on the aesthetic categories of symmetry and asymmetry in the order of representation, the research demonstrates the interest of these concepts for the understanding of the formal and philosophical issues specific to the construction of portraits. It also reveals the richness and complexity of meanings assigned to symmetry and asymmetry in the cultural cosmos of the Renaissance, these ones sometimes going against the grain of contemporary representations. The final section is devoted to the secular theological symbolism distinguishing between the right side and the left side of the face, one side turned to the heavenly, the other to the earthly, and the resulting influence on the art of portraiture. The demonstration is punctuated by various case studies, including an in-depth analysis of portraits painted by Jan Van Eyck, Giovanni Bellini, Raphael and Albrecht Dürer