Academic literature on the topic 'Peinture abstraite – 20e siècle'

La présente thèse consacrée à la peinture non-figurative au Maroc de 1950 à nos jours est analysée à partir de la question de la naissance de celle-ci. Les prémisses de l’expression picturale contemporaine sont étudiées à travers des données culturelles dont l'Islam et l'image, des rencontres entre l'Occident et le Maroc comprenant l'apparition de la peinture de chevalet et le passage d'artistes tels que Delacroix, Matisse et Majorelle. L'apparition de la peinture non-figurative s'affirme par deux artistes, deux précurseurs, Ahmed Cherkaoui et Jilali Gharbaoui. L'œuvre de Cherkaoui peut se traduire par l'inscription du signe berbère sur la toile, le considérant comme un élément pictural et le dépouillant de sa signification initiale. Gharbaoui révèle une peinture où le geste du calligraphe est réapproprié créant un dynamisme proche de l'œuvre de Mathieu. Autour de ces figures gravitent d'autres artistes constituants une activité picturale en pleine effervescence, dont le groupe de Casablanca, fondé par Farid Belkahia, Mohammed Melehi et Mohammed Chebaa. Puis dans un dernier chapitre, les manifestations de la peinture non-figurative au Maroc sont étudiées, mettant en évidence les différents lieux d'art et les questions du marché de l'art
The present thesis devoted to “not-figurative painting to Morocco of 1950 at our days” is analyzed starting from the question of the birth of this one. The premises of the contemporary pictorial expression are studied through cultural data of which Islam and the image, meetings between the Occident and Morocco including, understanding the appearance of the painting of rest and the passage of artists such as Delacroix, Matisse and Majorelle. Appearance of painting not-figurative affirms itself by two artists, two precursors, Ahmed Cherkaoui and Jilali Gharbaoui. The work of Cherkaoui can result in the inscription of the Berber sign on a canvas, regarding as a pictorial element and stripping it of its initial significance. Gharbaoui reveals a painting where the gesture of the calligrapher is appropriating, creating a dynamism close to the work of Mathieu. Around these figures revolve of other artists, parts of a pictorial activity in full effervescence, of which the group of Casablanca, founded by Farid Belkahia, Mohammed Melehi and Mohammed Chebaa. Then in a final chapter, the manifestations of not-figurative painting in Morocco are studied, highlighting the various places of art and the questions of the market of art

Cette recherche retrace les diverses stratégies déployées par les peintres et les graveurs espagnols opposés au régime franquiste, entre 1939 et 1975, pour exprimer leur contestation. Après une période où les arts sont astreints à un retour aux formes académiques ou vieillies, une génération de jeunes peintres se tourne, après 1948, vers les formes de la modernité qui ont précédé la guerre civile, le surréalisme et l'abstraction. Si l'abstraction géométrique se révèle impraticable pour les artistes de l'opposition à cette époque, les aléas de la situation internationale conduisent le pouvoir à encourager l'abstraction lyrique. Les succès des jeunes peintres informalistes engagés dans cette voie par réaction envers les contraintes officielles sont récupérés et exploités par le pouvoir à des fins diplomatiques. De nombreux artistes se tournent vers la figuration. Un mouvement de graveurs se crée dans toute la péninsule, à des fins de protestation politique et sociale et pratique un art réaliste. Parallèlement, une figuration inspirée du Pop'Art et liée à la " Jeune Peinture }} française et à la Figuration Narrative exprime une contestation directe durant les dix dernières années du régime. Il n'y a donc pas en Espagne durant la période étudiée d'art franquiste, mais les succès des peintres de la modernité suscitent une véritable renaissance artistique malgré et contre le pouvoir.

Nous privilégions les disciplines qui pourraient se rapporter au concret de l' oeuvre comme I 'histoire de l'art, la phénoménologie, la sémiologie ou la poi͏̈étique. Nous leur empruntons quelques outils conceptuels que nous réinvestissons de l'expérience du regard - regard re-créateur, regard ré-créateur - et de l'expérience créatrice du faire, favorisant ainsi et multipliant la qualité à la fois objective et subjective de la corrélation artiste, oeuvre, spectateur dans le mouvement infini de leur entrecroisement. La dimension à la fois sensible et rationnelle qui se dégage de cette approche, fait de l' oeuvre un paradigme du réel dans sa totalité, où son effectivité constitutive s'avère propice à repenser la dimension sociale et politique de la réalité de la vie. L'analyse de quelques oeuvres de quatre peintres abstraits, (Kandinsky , Mondrian, Malevitch, Klee), démontre l'intérêt qu'il y a à favoriser le rapport à l' oeuvre dans sa subjectivité et son objectivité simultanément à partir de la lecture transversale des techniques, des cultures et des interférences, ce qui permet conséquemment d'investir d'un sens nouveau des concepts travaillant à la fois le champ de la création et celui du politique comme l'ouverture, la pluralité, l'identité, l'indétermination. A la lumière de cette circulation des concepts, nous abordons l' oeuvre du peintre Ernest Pignon-Ernest et nous tentons une pratique artistique multipliant objet, image et réversibilité.

Alberto Magnelli, le peintre qui "pense en dessin", s'est depuis toujours adonné à cette discipline. Près de six mille oeuvres sur papier sont conservées : études, élevèes parfois au statut de modèles, et dessins autonomes. Chaque tableau, aimait-il a dire, est précédé d'un ou de plusieurs dessins. Ainsi le cheminement de sa pensée se saisit au fil des feuilles, grâce à ces témoins essentiels dela genèse de l'oeuvre (1907-1971). Nombre de ces images n'etant pas datées, la chronologie des peintures sert de repère à leur classement. Le rapprochement de pièces appartenant à des genres différents complète la démarche qui s'attache à replacer, en une vision globale et critique, les dessins dans l'ensemble de l'oeuvre. Ce vaste corpus est décrit dans la diversité de sa nature et de ses contenus. Son observation révèle la richesse des thèmes graphiques et le renouvellement de l'inspiration, elle éclaire les ruptures chronologiques ainsi que le principe de filiation et son corollaire, la récurrence des formes. Le milieu, la formation originale du peintre, où se mêlent leçons des fresquistes du quattrocento et influences de ses contemporains, introduisent à une oeuvre audacieuse par sa langue et étonnante d'autorité. Dans le présent travail et dans un premier temps, l'étude et le catalogue de l'oeuvre dessiné, présentes suivant les séquences temporelles propres au déroulement de la carrière, mènent, de 1910 à 1935, de la première figuration aux marges de la seconde abstraction. Exercices attentifs, préparation à la peinture, tentatives ébauchées ou compositions eéaborées, les dessins manifestent dans la lucidité de leur trace la même perfection que le reste de l'oeuvre. Ils apportent ainsi un témoignage de grand prix à la fois sur le dialogue incessant entre l'artiste et son oeuvre, entre dessin et peinture, qui nourrit le jaillissement de l'invention, mais aussi sur la maîtrise souveraine et la liberté du peintre.

L'inspiration créatrice et le divin dans la peinture juive renvoie à l'acte créateur, épreuve de l'artiste face à son propre monde. Mémoire d'une histoire vieille de plus de 3000 ans, d'un passé, d'un vécu, d'un héritage familial où le rôle de l'oubli occupe sa fonction de tri. Vais-je garder ou non la totalité de ce qui m'est transmis ? La peinture joue ici un rôle de médiateur entre l'homme et le monde invisible. Elle nous révèle un imaginaire fondé sur l'inspiration biblique et sur des valeurs affectives et émotionnelles d'une croyance profonde en Dieu. L'abstraction picturale serait la révélation et l'aboutissement d'une aventure mataphysique entre la réalité visible et l'invisible, l'omniprésent comme un discours universellement applicable qui vise à dépasser l'idée de frontière, du limite et du banal. Sorte de nouveau discours entre artistes de cultures différentes dont l'objet essentiel est en fait la création artistique. Une problématique qui nous conduit inévitablement vers une recherche de "l'unité originelle", sorte de retour nécessaire à la terre promise, un paradis perdu et retourvé. . .

Gérard Schneider nait à Ste-croix (Suisse) le 28 avril 1896, fait ses études à Paris à partir de 1916 et s'y installe définitivement en 1922. Dès 1935 il refuse catégoriquement toute association entre sa peinture et la réalité, puis réalise des formes qui dépassent le sujet. En 1936 ses envois au salon des surindépendants sont des transpositions imaginatives. En 1937, influencé par ses amis surréalistes, il peint des compositions surréalistes. Sa création devient structurée dans le langage abstrait en 1938 et ses œuvres s'appellent compositions. De 1939 à 1940 il réalise des formes imbriquées entre 1941 et 1943 il suit l'enseignement de Gurdjieff. 1944 et 1945 voient l'apparition des abstractions et opus ; éliminant toute référence au réel en introduisant une notion musicale. Composition est acquise par l'état en 1945. En 1946 il expose chez D. René, de 1947 à 1950 chez l. Conti avec Hartung et Soulages, ce qui les fera surnommer le trio abstrait. Schneider est reconnu après la seconde guerre mondiale comme l'un des peintres les plus représentatifs de la jeune abstraction lyrique française. Le succès international vient vite. Il atteint sa période de grande maturité entre 1950 et 1965, époque où il fait des merveilles en développant une peinture originale née de l'inspiration spontanée. La mise en œuvre assez graphique, très gestuelle, formule une œuvre d'expression chromatique contenue, fruit d'une exceptionnelle maitrise technique
Gérard Schneider was born in Ste-Croix, Switzerland, in 1896. He spent his early years in Neuchatel (Switzerland) studying there and at the école des beaux-arts (1916) and école nationale supérieure des arts décoratifs (1918) in Paris. He held his first one-man show in Neuchatel in 1920. Since 1922 he has resided continuously in paris. After assimilating the various modern movements he came into contact with some of younger surrealist artists around 1935. His first non-figurative work dates from 1935 and in 1938 he arrived at a completely abstract expression. He exhibited with the first post-war abstract group in paris at the Denise René gallery in 1946 and his work rapidly became well-known in paris and internationally. He is generally considered to be one of the "chefs de file" of the post-war generation in France and a member of the "trio abstrait" with Hans Hartung and Pierre Soulages. Schneider can express himself fluently on his work: "abstract art is a prodigious movement, of constant diversity. In it, everything is creation without figural limitations imposed by the object, or, externally by the subject. " Post-war, gerard schneider is one of the greatest masters of the abstact expressionist painting

L'étude présente retrace l'évolution du mouvement Supports/Surfaces dans son rapport avec certains critiques d'art qui se sont engagés de manière militante aux côtés des artistes du groupe. À travers la contribution de trois critiques d'art: Jacques Lepage, Marcelin Pleynet et Jean Clair, elle caractérise les problématiques à l'œuvre dans les travaux des artistes et met en évidence le jeu complexe et les rapports unissant le critique et les créateurs dans leur praxis. En s'appuyant sur les apports de ces auteurs-critiques, cette étude décrit l'histoire du groupe et resitue ce mouvement d'avant-garde dans sa dimension initiale qui avait été souvent négligée ou abusivement schématisée. Ainsi approche-t-elle Supports/Surfaces dans ses années charnières: de 1966 à 1974 et s'attache-t-elle à le replacer au plus près des faits, en analysant les œuvres, les conditions de leur apparition, leur fonctionnement, leur réception par le public et la critique.

Notre travail est une monographie qui pose un aperçu complet sur trois séries de peintures de Cy Twombly appartenant à sa dernière période de création entre les années 2005 et 2011. Il s'agit des séries suivantes : "Bacchus, Psilax et Mainomenos, Camino Real" et "Leaving Paphos ringed with waves". Nous analysons l'ensemble des aspects constitutifs des peintures à partir des observations des œuvres achevées et définissons ainsi leur thème, l'interprétation, les références et le contexte. Nos analyses étant riches en témoignages et en documentations inédites, nous développons le point de vue sur le processus de création afin de déterminer la vision, l'intention et l'expression de l'artiste. Notre travail positionne les séries de peintures dans leur contexte historique relatif à la création de Cy Twombly et définit ainsi l'évolution et l'aboutissement de la période de sa peinture tardive. L'intention de l'artiste et par conséquent le thème étant exprimés par le geste, nous étudions, définissons et démontrons à travers nos analyses des trois séries de peintures deux positions du geste et de sa forme chez Cy Twombly : le geste non figuratif et le geste figuratif.