Academic literature on the topic 'Painters – Belgium'

The author turns to the little-known biographical aspects of two outstanding icon painters – the Old Believer-Bespopovets from Estonia Pimen Maksimovich Sofronov and the Catholic monk of the Benedictine Holy Cross Monastery in Chevetogne (Belgium) Father Jerôme Leussink. From December 1939 to the beginning of the 1940’s, Leussink studied icon painting with Sofronov in Rome. The article is based on archival materials of the Holy Cross Monastery, in particular on Leussink’s letters to his abbot. They show that the relationship between the teacher and the student quickly developed into a genuine cooperation, and then into a deep mutual respect and friendship. The author emphasizes that Pimen Sofronov not only conveyed but also revived the Old icon-painting tradition in Europe and in the New World, across boundaries between Churches. This was made possible by the help of his numerous students and friends in Paris, Prague, Rome and America.

JACOBUS JOSEPHUS EECKHOUT A Belgian painter’s times in The Hague (1831-1844) In 1831, shortly after the outbreak of the Belgian Revolution, the Belgian painter Jacob Joseph Eeckhout moved from Brussels to The Hague. As a supporter of King Willem I, he no longer felt at ease in his homeland. Eeckhout remained in the Netherlands until 1843 and played an important role in the cultural life of The Hague. This article analyzes the The Hague episode in Eeckhout’s life in the light of the political developments of that time. To what extent did notions of nationality and national identity play a role in his artistic views and career?

Before his international breakthrough shortly before the turn of the century, Belgian painter Raoul De Keyser (1930–2012) had a long career that reaches back to the 1960s, when he was associated with Roger Raveel and the so-called Nieuwe Visie (New Vision in Dutch), Belgium’s variation on postwar figurative painting that also entails Anglo-Saxon Pop Art and French nouveau réalisme. Dealing with De Keyser’s works of the 1960s and 1970s, this article discusses the reception of American late-modernist art currents such as Color-Field Painting, Hard Edge, Pop Art, and Minimal Art in Belgium. Drawing on contemporaneous reflections (by, among others, poet and critic Roland Jooris) as well as on recently resurfaced materials from the artist’s personal archives, this essay focuses on the ways innovations associated with these American trends were appropriated by De Keyser, particularly in the production of his so-called Linen Boxes and Slices. Made between 1967 and 1971, Linen Boxes and Slices are paintings that evolved into three-dimensional objects, free-standing on the floor or leaning against the wall. Apart from situating these constructions in De Keyser’s oeuvre, this article interprets Linen Boxes and Slices as particular variations on Pop Art’s fascination for consumer items and on Minimalism’s interest in the spatial and material aspects of “specific objects”.

This chapter provides an overview of the characteristics of the Belgian employment contract and, in particular, of the concept of ‘subordination’. After having painted a picture of what differentiates an employment contract from a contract for services, it, subsequently, assesses the classification of certain specific examples, such as self-employed persons with only one client. The role of economic dependency in the classification of working relationships is discussed by using these examples. The chapter furthermore emphasises the strong binary divide between employment and self-employment. It goes into more detail on the country’s collective bargaining mechanisms for false and genuine self-employed workers. After having described the Belgian take on identifying the ‘employing entity’, the chapter finishes off by outlining the contemporary debate on the reform of the Belgian classification mechanisms.

In 1899, Spanish painter Darío de Regoyos published España negra, a travel book inspired by the journey around Spain that he had made with Belgian poet Émile Verhaeren in 1888. The book comprises fragments of Verhaeren’s ‘Impressions d’artiste’ (1888) [Artist’s Impressions] - a series of articles the poet wrote about his experiences in Spain - that Regoyos translated from French to Spanish and published, together with his own prose and illustrations under the evocative title España negra. This article examines the results and idiosyncrasies of Regoyos’s translation and how the hermeneutic and contemplative processes of translating allowed the painter to assert his authorship in España negra. As he translated, corrected and betrayed ‘Impressions d’artiste’ throughout España negra, Regoyos recast Verhaeren’s melancholy portrait of Spain as a critical reflection on the stereotypes and realities then shaping the nation.

The French Dominican monk and artist, Marie-Alain Couturier (1897–1954) was initially trained as a painter. He went on to become a friar at Le Saulchoir in Belgium, receiving his ordination in 1930. Largely recognized as the figure at the centre of the debate on the role of apostolic art in the 1940s and 1950s in France, he was a friend of many pioneers of modernist art, such as Braque, Matisse, and Picasso. Through this, he was an interlocutor between the secular domain of modernist aesthetics and the clergy’s religious world. Drawing on an unknown work of Couturier’s, the central thesis of the paper is that his thought was defined by heterogeneity and contradiction. In this manner, his thoughts on art and religion problematize and reconfigure any straightforward causal narrative which announces the unilateral victory of secular ideas.

El poeta peruano César Vallejo y el pintor belga René Magritte comparten querencias estéticas y vitales fundamentales, llevar al lector o el espectador por una serie de signos que chocan con el vacío aparente, el misterio, el surco prolífico. Una aracterística compartida es la frecuencia del motivo de la ropa masculina burguesa, signo de identidad del que el poeta se va despojando y en el cual el pintor insiste para dar con pasmoso aplomo en el misterio. ABSTRACTThe Peruvian poet, César Vallejo, and the Belgian painter, René Magritte share fundamental esthetic and vital lost homes, a yearning that takes the reader or viewer along a sequence of signs that crashes into an apparent emptiness, into mystery, the fertile furrow. One shared feature of their art is the frequent presence of male bourgeois clothing, identifying markers that the poet shucks off along the way, and the painter retains in order to approach, with amazing aplomb, mystery.Keywords: Vallejo, Magritte, poetics, breach, clothing.

Summary The city of Nieuport (Belgian coast) keeps a valuable painting of ‘The Judgement of Cambyses’, a justice scene made by the local painter Vigor Boucquet. It survived the destruction of the city in World War I and II. It’s the city magistrate who offers the artwork to the city in 1671, probably in replacement of an older copy of Gerard David’s famous Judgement of Cambyses. Due to its large dimensions it must have made an overwhelming impression in the magistrates’ court. As a painter Boucquet has recognized but limited talents. He is a true master of colorite in displaying clothing and fabrics. As regards the development of the story he is inspired by the well-known examples of Claes Jacobsz. van der Heck, Martin Faber and Joachim Uytewaal. Different from his predecessors he concentrates more on the story than on the moral lesson. In a certain sense this baroque master returns to the medieval cruelty of Gerard David, avoided by the Renaissance masters.

This article offers an art analysis of the collection of icons by the Estonian icon painter Pimen Sofronov housed in the Monastery of Chevetogne in Belgium. Sofronov’s icons found their way to this monastery in different ways. All of the seven icons were created in the 1930s, when he taught the orthodox icon painting and worked in various places in Europe and personally acquired an abundance of new knowledge. The author examines the development ofSofronov’s artistic language during these years and discusses the European artistic and cultural context of that time, which is essential to understanding his work. Despite his acquaintance with different cultures and traditions of icon painting, Sofronov remained true to his roots as can be seen in his icons in Chevetogne. Sofronov found his own way of developing and renewing the Old Believers’ icon painting tradition. This can also be perceived as a deeper understanding of the traditional Russian Old Believer icon painting.

Summary Colour and space are pervasive topics in both perception and art. This article investigates the role of colour and pattern in relation to space and time in the art works by two artists: Frank Stella, a well-known Post-War American abstract painter, and Pieter Vermeersch, an emerging Belgian abstract painter, representing a contemporary trend to break the barriers between artistic disciplines. While Stella adheres to the Modernist logic of non-illusionistic, non-spatial, non-referential art as object, perceived instantaneously, Vermeersch explores ways to enhance the viewers’ spatial and temporal experiences through complex art installations with multiple objects and architectural elements interacting with each other and with the spaces in which they are embedded. We discuss these major themes in some representative art works, and in the way they are perceived and appreciated by contemporary viewers, investigated in four empirical studies: two laboratory experiments using well-controlled stimuli derived from at works, and two museum studies employing a variety of methods, including mobile eye-tracking and questionnaires.

Entre 1780 et 1850, les Belges développent une image symbolique de leur environnement physique. Cette image, conjuguée à une action de transformation du terrain, participe à la structuration de l’environnement belge en un territoire national. Elle témoigne d’une grande stabilité durant l’époque considérée. Dans cette optique symbolique, l’environnement belge incarne les caractères de la communauté nationale, il exprime non seulement le long passé partagé par le sol et les hommes, les interactions séculaires qui les lient, mais aussi les aspirations nourries par les Belges à l’égard de l’avenir.

Les premières images mentales du territoire national développées dans le chef des Belges consistent en lieux génériques (les expressions en italiques sont empruntées à Bernard Debarbieux). Définis par le discours, ces lieux génériques sont des environnements physiques dont la physionomie résulte des donnés naturels et de leur transformation par l’homme. La physionomie de ces lieux est donc dominée par l’agriculture, l’industrie et l’habitat humain. Ces configurations génériques ne recouvrent en réalité qu’une partie du territoire national. Leur élection en tant que résumé idéal du territoire belge, reflète les aspirations de la communauté.

La qualité esthétique paysagère des lieux génériques du territoire belge n’apparaît pas cependant avec évidence aux contemporains. Un écart sépare le discours et la représentation picturale. Si le premier reconnaît souvent une qualité esthétique aux lieux génériques, qui deviennent alors des paysages, la représentation iconographique se montre plus réticente à leur égard.

Les Belges de l’époque développent une seconde facette symbolique de leur territoire. Ils soulignent l’omniprésence des souvenirs historiques nationaux dans leur environnement. La Belgique leur apparaît telle un ensemble de lieux de condensation. Le discours contemporain et les œuvres des peintres, lithographes ou graveurs, témoignant d’une cohésion remarquable, illustrent abondamment les lieux de condensation belges.

Les Belges cherchent à diffuser ces images mentales parmi leurs compatriotes. Ce projet collectif répond à une volonté de faire connaître et adopter ces paysages symboliques par l’ensemble des membres de la nation. Cette connaissance passe pour le socle sur lequel peuvent se développer les sentiments d’attachement à la patrie et d’identification à la nation. Le discours et l’image sont mobilisés à cette fin.

Ces préoccupations interviennent dans le travail des peintres de paysages. Toutefois, le choix d’un site par un paysagiste belge représentant l’environnement national, est d’abord guidé par des critères internes à la pratique picturale. Ses critères de choix rencontrent en effet ceux qu’émet le discours de l’époque définissant les normes de qualité esthétique d’un tableau. L’artiste tend en outre à satisfaire les attentes du public, lequel cherche à combler son envie d’évasion hors de la cité, mais aussi à se rassurer quant à l’harmonie et à la viabilité de la société contemporaine. Les peintres (et donc leur public) manifestent pourtant une faveur particulière envers les sites belges. Ce goût dénote une identification et un attachement au pays habité par la nation historique, telle que la décrit le discours contemporain. Même s’il vient après la satisfaction des critères esthétiques, le critère de l’identification à un site belge intervient de façon notable dans l’attrait exercé par un paysage peint.

Il apparaît ainsi que les lieux génériques (agricoles et industriels) passent difficilement le premier crible, esthétique, tandis que les lieux de condensation satisfont tant les attentes esthétiques que les attentes symboliques – qualité qui assure leur succès en tant que motifs picturaux.

Les paysagistes élaborent en outre une image paysagère générique de la Belgique qui est une adaptation, conforme aux critères d’appréciation en vigueur dans le champ de la représentation picturale, du paysage générique agricole et industriel défini par le discours contemporain. Leurs œuvres dépeignent en effet la Belgique comme un territoire réalisant les canons pittoresques, comme un environnement verdoyant, boisé, vallonné, peuplé, traversé de rivières, semé d’habitations, de moulins ou autres fabriques anciennes. Dans les années 1840, les paysagistes développent également une nouvelle facette dans ce paysage générique pictural, en représentant les étendues arides, stériles et très peu peuplées, présentes sur le territoire. Cette apparition inaugure une période nouvelle, durant laquelle l’image picturale de la Belgique se dédouble, embrassant, d’une part, les sites prisés durant les premières décennies du siècle et, de l’autre, les plaines de bruyères désertes peu à peu investies d’une valeur identitaire et élevées au rang de configuration générique nationale.
Doctorat en philosophie et lettres, Orientation histoire de l'art et archéologie
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La thèse a pour objet l'étude approfondie d'une série de huit tableaux monumentaux intitulée "Les Festivités du papegai en 1615 à Bruxelles". Exceptionnelle par le type de sujet et par le format, cette série fut commandée par les archiducs Albert et Isabelle (1598-1621) à leur peintre Denijs van Alsloot (1568 ?-1625/26) afin de célébrer la victoire de l'infante au tir de l'oiseau de bois (le "papegai") du Grand Serment des arbalétriers à Bruxelles. Elle est aujourd’hui incomplète, mais la confrontation des sources écrites avec les tableaux subsistants (en ce compris quelques répliques et variantes) permet d’établir qu’elle se composait à l'origine de six toiles ayant pour objet l’Ommegang communal – qui eut lieu le 31 mai 1615 et fut placé sous le signe de l’exploit de l’infante –, d’une peinture représentant "Isabelle tirant l’oiseau", et d’une toile montrant une "Fête au Vivier d’Oie en présence des archiducs", dans la forêt domaniale de Soignes.

Sans doute en raison de leur aspect descriptif, les tableaux conservés n'ont jamais été soumis à une analyse qui prenne en compte leur spécificité artistique, la plupart des chercheurs s'étant contentés jusqu'à présent d'examiner les spectacles dépeints dans une perspective historique. La thèse propose dès lors une étude qui non seulement repose sur une analyse des sources écrites et cherche à identifier les motifs représentés, mais aussi explore les composantes formelles, techniques et conventionnelles des peintures. Ceci afin, précisément, de mieux définir le rapport entre l’image donnée et la réalité des faits historiques. Car si les "Festivités" n'ont nullement valeur de reportage, leur raison d’être n’en a pas moins été de témoigner par le menu détail de certains événements. Et c’est très exactement la nature de ce témoignage, formulé avec les moyens propres à la peinture, qui est au cœur du questionnement.

La thèse se compose de deux parties. Dans la première partie, l'attention est portée sur la vie et la production de Denijs van Alsloot en général. Le peintre avait en effet été peu ou mal étudié jusqu’à présent. Or, de toute évidence, une meilleure connaissance de l’ensemble des activités artistiques de Van Alsloot permet d’aborder avec plus de justesse l’étude des "Festivités". Plusieurs éléments de la carrière de l'artiste furent en outre déterminants dans le choix d’Albert et Isabelle de faire appel à ses services pour la réalisation de la série.

La seconde partie se concentre sur l'examen des "Festivités". Le premier chapitre fait le point sur ce que les archives nous apprennent à propos de la commande et de l’historique des peintures originales comme des répliques et des variantes. Le second chapitre analyse la technique et le style de chacun des tableaux. Il vise également à reconstituer les étapes préparatoires dans la réalisation des peintures et à définir la nature des rapports entre les tableaux du point de vue de l’exécution. Une attention particulière est en outre portée à l'intervention comme sous-traitant du peintre Antoon Sallaert (1594-1650).

La signification politique des tableaux constitue le thème du troisième chapitre. Sont étudiés d'abord les circonstances historiques qui amenèrent Isabelle à participer au tir du Grand Serment et la cour à commander la série peinte des "Festivités". Le cadre d’origine des toiles est examiné ensuite, afin de mesurer l’influence potentielle de ce cadre sur la forme et le contenu des œuvres. Car si celles-ci contiennent une foule de renseignements valables sur les célébrations, il n’en demeure pas moins qu’il ne peut s’agir d’images objectives. Les "Festivités" servaient des intentions particulières qui ont amené les artistes à opérer des choix et à soumettre les scènes à des structures iconographiques signifiantes. C’est donc à déchiffrer et à interpréter la "rhétorique de l'image" que la thèse s'attache en dernier lieu.

En définitive, par la réévaluation d'un type particulier d'iconographie politique, l'auteure de la thèse espère contribuer aux travaux toujours plus nombreux sur le rôle de l'image dans l'élaboration du discours princier.

Doctorat en Histoire, art et archéologie
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Academic study of women and WW1 literature has taken place since the 1970s, with a focus on female novelists published pre-1939. Despite the variety of studies, questions remain as to whether the breadth of women’s roles in WW1 is accurately represented in fiction. The purpose of this study was to examine female characters in WW1 novels (published in Britain) who challenge traditional war binarisms i.e. war (male)/peace (female), by taking on war work. It specifically compared novels published pre-1939 and historical (post-1939) novels written by both female and male novelists. The methods employed were the critical reading of forty novels, as well as data collection related to the roles of female characters and the language used to describe them. he study found that there is little representation of women’s war work in the forty novels. A key factor is that they are by middle class authors and written from a middle class point of view. Although historical novels are often used to re-imagine the role of women, WW1 is an exception. Key factors here include the perpetuation of stereotype and nervousness around detracting from the horrific experiences of the male soldier. Challenges to binarisms in subsequent wars (e.g. women in the armed services) have not stimulated a re-visioning of women’s roles in WW1. Society will continue to accept and endorse traditional binarisms, if they are not challenged by cultural representations of war. There is no novel based on the female military experience of WW1. In response, I was inspired to write a historical novel: The Half-Painted War. The protagonist is a female artist who enrols in the Women’s Army Auxiliary Corps (WAAC). It is intended as an act of remembrance but also allows the reader to consider the role of women in the military, both in WW1 and today.

This thesis in two volumes is a study of the paintings of David ill Ryckaert (1612- 1661 ). Ryckaert grew up in a family of artists, and painted within a close community of fellow artists. According to several twentieth-century critics, Ryckaert was no more than a minor imitator of other Flemish painters. Underlying such relegation of Ryckaert is an uncritical and distinctly Modernist glorification of originality, or merely novelty. The chief argument of this thesis is that a careful reconstruction of the socio-cultural circumstances ofRyckaert's work calls into question the destructive employment of originality as a criterion of artistic greatness. Much of the vocabulary of Flemish art of the time was established. Artists thus proved their excellence both to fellow painters and a public fully conversant with the artistic traditions of subject and style, if such pictorial conventions were notably refmed or treated with a remarkable grace. Embracing the criteria of personal style and the beauty of the work, this environment is clearly averse to the blank veneration of new or original art. I argue that the term originality is itself dangerous therefore and that to neglect Ryckaert's work as that of a minor imitator is invalid and unhelpful. A careful examination of Ryckaert's known oeuvre reveals that his work is distinguished by a fine modelling, harmonious composition and a warm palette with colourful highlights. Although he relied on an established iconographic repertory, he maintained creative variation, thereby ensuring a steady demand. Ryckaert's imitation of other artists' work requires us to adjust twentieth-century criteria which tend to be pejorative of those who borrow from fellow artists. In fact Ryckaert could be said to have refmed his individuality as a painter through the testing creative encounter with and imitation of other artists.
Art
D.Litt. et Phil. (History of Art)