Dissertations / Theses on the topic 'Nuova Musica'

L'elaborato inerisce allo studio dell'industria musicale e della relativa filiera. In particolare sul tentativo della Regione Puglia e di soggetti ad essa collegati, di strutturare, attraverso l'utilizzo di fondi Europei, la filiera della musica grazie ad un programma chiamato Puglia Sounds. La ricerca si focalizza su questo programma analizzandone tutti gli aspetti e, attraverso un'indagine empirica e la costruzione di un database, cerca di osservare se effettivamente si può parlare o meno di filiera della musica.

La thèse s'occupe de l'analyse algorithmique de 5 extraits de partition de musique contemporaine. Elle s'intéresse à l'influence de la pensée scientifique d'aujourd'hui sur les techniques d'écriture musicale contemporaine
The thesis is involved with the algorithmic analysis of 5 extraits of contemporary music score. It discusses of the influence of scientific experience of today in the technic of musical writing

Il Realismo Capitalista di Mark Fisher, come struttura pervasiva che comprende tutto l’orizzonte del pensabile, ha nelle ultime tendenze della musica rap il suo volto più evidente e sfacciato. Sviscerando gli elementi strutturali che compongono l’analisi fatta dal critico inglese, si possono ritrovare nella scena rap americana e non (ma mi attengo a quella Americana perché è la più grande e stratificata), alcuni di questi elementi. Attraverso un’analisi comparata tra il testo di Fisher e il mezzo musica, si possono sfruttare i concetti portanti del libro per ricavare un’analisi inedita della scena musicale. Da una parte, il capitalismo è riuscito ad inglobare qualsiasi altro sistema economico pensabile e pensato fino ad ora, assorbendolo e riproponendolo ma riuscendo a tenere saldamente in mano a sè tutte le leve del potere. Dall’altra l’esplosione musicale del rap (che di recente ha superato il rock come genere più ascoltato del pianeta), si può vedere con lo stesso genere di ottica. Nei suoi recenti sviluppi, questo genere di musica (che da sempre ha proposto un approccio inclusivo rispetto alla tradizione) ha progressivamente abbracciato a livello mainstream più musicalità in modo sempre più deciso, spaziando dall’elettronica al jazz, dal blues al rock. Tutto questo ha portato ad una ridefinizione dell’identità del genere stesso. Il rap è diventato lo specchio fedele di quella che è l’identità fluida della contemporaneità

La musica classica ha sempre fatto parte del mondo dell’intrattenimento fino ai giorni nostri. In epoca contemporanea però, con l’evoluzione tecnologica, questa ha perso sempre più popolarità fino a essere considerata di nicchia o adatta solo a un certo tipo di persone, con un alto livello di cultura o sofisticate. Questa viene anche percepita difficile l’attenzione richiesta e la complessità considerata non accessibile a tutti. Le industrie culturali oggi devono affrontare problemi di monetizzazione del proprio mercato molto più che in precedenza, a causa delle nuove piattaforme digitali, dei nuovi media e del cambiamento della fruizione del prodotto culturale. La volatilità del prodotto e il cambiamento delle pratiche sociali hanno portato a nuove strategie per ottenere un ritorno degli investimenti e degli sforzi di produzione. L’aumento pervasivo dell’utilizzo di internet e dei social media richiede nuove tecniche per contrastare la pirateria digitale, la percezione delle persone e con il loro coinvolgimento. Dopo una panoramica sul funzionamento e le problematiche dell'industria musicale, viene analizzato l'ambito della musica classica come genere di nicchia, con le sue caratteristiche e pratiche peculiari, con uno sguardo all’Italia. Dopo un confronto, viene esaminato cosa è cambiato nell’era digitale e se la musica classica è riuscita a utilizzare nuove strategie, ad adattarsi alle novità del settore e del pubblico, osservando alcune realtà internazionali rilevanti. Nell’ultima parte si prende in considerazione il periodo della pandemia di covid-10 iniziata nel 2020 e si osserva quali problematiche sono emerse e come ha reagito il settore, concentrandosi soprattutto sull’ambito della musica dal vivo e sul contesto italiano. Si conclude quindi con delle considerazioni sull’efficacia delle strategie adottate e sull’impatto positivo che hanno avuto i media digitali per promuovere la musica classica dovuto alla spinta tecnologica causata dalla pandemia.

The music of the Congregation of the Roman Oratory has been the subject of previous research relating to their spiritual exercises or oratories, which contributed to the development of the oratorio. This thesis, however, investigates the liturgical music from the Chiesa Nuova, the church of the Congregation of the Oratory in Rome. The period covered extends from 1575, when the Congregation was officially recognised, to 1644, when Girolamo Rosini, the final member of the Congregation to hold the post of maestro di cappella, died. After referring to literature that has described the Chiesa Nuova as an important centre for church music in Rome, the sources of what once formed a vast library of liturgical music are discussed with reference to other important archival material, such as inventories of the music including one from as early as 1592, which had not previously been discovered. The necessary historic background on the music establishment at the Chiesa Nuova supplies new evidence on the musicians involved, as well as the impact made by the Oratorian emphasis on music as an inspirational tool for devotion. The largest part of the thesis is given to a discussion of a representative sample of the music. These sources provide one of the most complete pictures of the provision of liturgical music in a single institution in Rome during that period. It presents the great diversity of styles that existed side-by-side, ranging from the small-scale motet to large-scale polychoral works. As much of the music only exists in manuscript copies or in rare early prints, thirty-two complete transcriptions of these unique sources are included. This study provides a valuable contribution to research into sacred music in Rome during a period straddling the two traditionally defined epochs of the Renaissance and Baroque and an era of renewed energy in the Church, as well as providing evidence to substantiate the reputation of the Chiesa Nuova as one of the greatest centres for church music in Rome during that period.

This thesis is a comparative study on the late 16th century manuals of ornamentation by Girolamo Dalla Casa, Giovanni Bassano, Riccardo Rognoni, and Giovanni Battista Bovicelli. The study demonstrates that the latest Renaissance manual should be given more credit for the innovative ornamentation style that was to come in the Early Baroque era. Bovicelli's use of sequence, dissonances, and less moving notes for more rhythmic varieties are features most often associated in the style of the Baroque. Unfortunately, the topic of ornamentation in the late Renaissance is most commonly discussed as a group of different entities writing in the same style. The research for this paper is intended to separate the manuals of the late Renaissance, focusing on the separate styles that led to the work of Giovanni Battista Bovicelli.

L'industria musicale è in costante e veloce adeguamento ai mutamenti sociali, specie dall'avvento di Internet. La mia tesi tratterà di come i prodotti musicali industriali sembrino sempre più rivolti a un pubblico relativamente nuovo, quello dei nativi digitali (bambini, pre adolescenti e in parte adolescenti). A partire da una premessa sull'avvento di Internet, della diffusione di strumenti e piattaforme digitali e della conseguente formazione di una nuova categoria di fruitori musicali indipendenti, quella dei più giovani, la ricerca si concentra su un nuovo target, esaminando in particolare gli under 18 e le loro modalità di accesso al web. In particolare si tenta di comprendere come il settore musicale si rivolga a fasce di mercato corrispondenti a utenti sempre più giovani, sfruttando lo sviluppo dei dispositivi digitali e l'accesso diffuso da parte di quelli. Un terzo capitolo approfondirà la figura dei nativi digitali: identità, approccio alle nuove tecnologie, abilità specifiche. Il quarto capitolo sarà incentrato sui canali preferiti dall'industria musicale nel rivolgersi ai nuovi fruitori, e le più recenti forme di marketing 'virale' via Internet. Verrà esaminato uno specifico caso di studio. Il quinto ed ultimo capitolo chiuderà con una riflessione sulle conseguenze di questo fenomeno, producendo ipotesi sul futuro dell'industria musicale.

This thesis was born of several reasons. My experience as music teacher has allowed me to work in an educational project focused on a young age range, a project that involved music, dance and plastic arts, called "Jardí Artístic" (JA). Artistic education is key part ofa child¿s formation as it has a direct impact when they reach adulthood. I have appreciated the innovative character of this project for many years, while at the same time believing that improvements could be made in the didactic execution and theory fundamentals. This doctoral thesis investigates the potential outcomes of artistic learning through a case study of the JA project. The objective is to evaluate the project from a multidimensional perspective, allowing us to place it in its context and present recommendations for its improvement while verifying that the methodology used is suited to developing artistic sensibility. The specific objectives of the thesis are to analyze the project, evaluate the teachers' formations and the participation of the families, to in the end present proposals based on both theoretical and practical study. These objectives are approached through bothanalytical and qualitative methodology. The bibliography revision done is through theSnowball Method, because conventional search and database did not deliver satisfactory results regardingcreativity in artistic education at a young age, either in general or musical education. Through analysis, the chosen methods for the case study were: study of legal regulations, study of teaching center documentation, system of interviews and qualitative questionnaires. The results of the case study were interpreted through the verification of data gathered in field work. JA takes place at the "Centro Municipal de Artes de Burriana". It is clear that it follows the regulations and has the characteristics of a school of music and dance whose aims are to "make available to all who want it this method of accessing culture". The objective of JA is thesensibilization to art and the stimulation of creativity through the integration of three disciplines. The conclusion reached is that this experimental educational path develops upon the stated objectives, but still needs to improve in its exploration of artistic creativity and fulfill the theoretical-pedagogical fundamentals. The most relevant results from the study were: JAdevelops the creative potential of the children through a program which keeps improving thanks to the different specializations in artistic disciplines of the professors, however the social and educational value of a formation in the arts does not reach its full potential because JA does not manage to integrate the arts into a single, complete artistic concept. The study proves that the objective is partially achieved throughconcreteactivities. This thesis proposes to work through projects which focus on integrating the arts. This method, carried out in single space for music, dance and painting will motivate young children because acquired knowledge has a "real" and tangible end product. We put forward that applying this methodology across all age brackets would reduce the number of students who abandon their artistic studies, especially those in their teenage years.
Esta tesis se engendra por varios motivos. Mi experiencia como docente en música me puso en contacto con un proyecto educativo para una franja de edad temprana en el que se integraba la música, la danza y las artes plásticas, Jardí Artístic. La enseñanza en artes es fundamental para la formación integral del niño pues influye directamente en su edad madura. Durante años aprecié el carácter innovador del proyecto, al tiempo que intuí posibles mejoras en su ejecución didáctica y fundamentación teórica. Esta tesis doctoral investiga las potencialidades del aprendizaje artístico a través del caso de estudio del proyecto Jardí Artístic. Su objetivo es evaluar el proyecto desde una perspectiva multidimensional, capaz de situarlo en su contexto y proporcionar recomendaciones para su mejora. Trata de comprobar si utiliza un método de trabajo adecuado para desarrollar la sensibilización artística. Los objetivos específicos de la tesis son analizar el proyecto, valorar la formación del profesorado y de la participación de las familias y aportar propuestas fundamentadas en el estudio teórico y práctico. Se abordan los objetivos a través de una metodología analítica y cualitativa. Se efectúa una revisión bibliográfica de tipo snowball, pues las búsquedas por descriptores en bases de datos convencionales no arrojaron resultados satisfactorios sobre el concepto de creatividad en enseñanzas artísticas en edades tempranas y en educación musical en particular. A través de su análisis, se plantean los siguientes métodos para el estudio de este caso: examen de la normativa legal y de la documentación del centro; así como un sistema de entrevistas y cuestionarios de corte cualitativo. Mediante la verificación de los datos obtenidos durante el trabajo de campo se realiza la interpretación del caso. Jardí Artístic se imparte en el Centro Municipal de las Artes de Burriana. Se ha evidenciado que según la normativa cumple con las características de los estudios de escuelas de música y danza para "llegar a todo el entramado social que demanda este modo de acceso a la cultura". El objetivo de JA es la sensibilización en las artes y el fomento de la creatividad mediante la integración de las tres disciplinas. Se concluye que esta línea experimental educativa desarrolla los objetivos que se propone si bien se ha de mejorar la exploración de la creatividad artística y completar su fundamentación teórico-pedagógica. Los resultados más relevantes de nuestro trabajo de campo son los siguientes: JA desarrolla el potencial creativo de los niños a través de una programación que se va mejorando gracias a la especialización de sus profesores en las disciplinas artísticas; el valor social y educativo de la educación en artes no alcanza sin embargo todo su potencial, ya que JA no consigue integrar las artes en un mismo concepto artístico en su totalidad. El trabajo demuestra que ese objetivo se alcanza de forma parcial, con actividades concretas. Esta tesis propone trabajar con el método de proyectos para seguir ahondando en esta línea integradora de las artes. Este método, desarrollado en un mismo espacio para música, danza y pintura, motiva a los niños de edades tempranas ya que como resultado del conocimiento adquirido obtienen un fruto tangible y "real". Suponemos que aplicar una metodología de este tipo en el resto de la horquilla de edad corregiría los índices de abandono de estudios artísticos que se producen, especialmente a la adolescencia.
Aquesta tesi es crea per varios motius. La meua experiència com a docent en música em va posar en contacte amb un projecte educatiu per a una franja d'edat primerenca en què s'integrava la música, la dansa i les arts plàstiques, Jardí Artístic. L'ensenyança en arts és fonamental per a la formació integral del xiquet perquè influïx directament en la seua edat madura. Durant anys vaig apreciar el caràcter innovador del projecte, alhora que vaig intuir possibles millores en la seua execució didàctica i fonamentació teòrica. Aquesta tesi doctoral investiga les potencialitats de l'aprenentatge artístic a través del cas d'estudi del projecte Jardí Artístic. El seu objectiu és avaluar el projecte des d'una perspectiva multidimensional, capaç de situar-ho en el seu context i proporcionar recomanacions per a la seua millora. Tracta de comprovar si utilitza un mètode de treball adequat per a desenvolupar la sensibilització artística. Els objectius específics de la tesi són analitzar el projecte, valorar la formació del professorat i de la participació de les famílies i aportar propostes fonamentades en l'estudi tècnic i pràctic. S'aborden els objectius a través d'una metodologia analítica i qualitativa. S'efectua una revisió bibliogràfica de tipus snowball, ja que les recerques per descriptors en bases de dades convencionals no van presentar resultats satisfactoris sobre el concepte de creativitat en ensenyances artístiques en edats primerenques i en educació musical en particular. A través de la seua anàlisi, es plantegen els següents mètodes per a l'estudi d'este cas: examen de la normativa de legal i de la documentació del centre; així com un sistema d'entrevistes i qüestionaris d'estil qualitatiu. Per mitjà de la verificació de les dades obtinguts durant el treball de camp es realitza la interpretació del cas. Jardí Artístic s'imparteix en el Centre Municipal de les Arts de Borriana. S'ha evidenciat que segons la normativa compleix amb les característiques dels estudis d'escoles de música i dansa per a "arribar a tot l'entramat social que demanda este mode d'accés a la cultura". L'objectiu de JA és la sensibilització en les arts i el foment de la creativitat per mitjà de la integració de les tres disciplines. Es conclou que esta línia experimental educativa desenvolupa els objectius que es proposa si bé s'ha de millorar l'exploració de la creativitat artística i completar la seua fonamentació teòrico-pedagògica. Els resultats més rellevants del nostre treball de camp són els següents: JA desenvolupa el potencial creatiu dels xiquets a través d'una programació que es va millorant gràcies a l'especialització dels seus professors en les disciplines artístiques; el valor social i educatiu de l'educació en arts no aconseguix no obstant això tot el seu potencial, ja que JA no aconsegueix integrar les arts en un mateix concepte artístic en la seua totalitat. El treball demostra que eixe objectiu s'aconsegueix de forma parcial, amb activitats concretes. Aquesta tesi proposa treballar amb el mètode de projectes per a continuar aprofundint en aquesta línia integradora de les arts. Aquest mètode, desenvolupat en un mateix espai per a música, dansa i pintura, motiva els xiquets d'edats primerenques ja que com a resultat del coneixement adquirit obtenen un fruit tangible i "real". Suposem que aplicar una metodologia d'aquest tipus en la resta d'edats corregiria els índexs d'abandonament d'estudis artístics que es produïxen, especialment a l'adolescència.
Giner Marco, MC. (2017). CREATIVIDAD ARTÍSTICA EN LA INFANCIA. UNA NUEVA PROPUESTA EN EDUCACIÓN MUSICAL [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90465
TESIS

Memoria conducente al título profesional de Periodista
Esta investigación periodística se traducirá en un programa radial, donde se expondrán las distintas estrategias que llevan a cabo artistas independientes de la música chilena, con el fin de promover, posicionar y hacer circular sus creaciones. Un proceso que, sin desatender el periodo productivo que concluye con la grabación de sus discos, se abocará a la difusión y promoción de sus producciones. Además se investigarán las estrategias que ocupan para participar en los distintos circuitos donde puedan exponer su música, y, en específico, su relación con sellos independientes, sellos digitales o netlabel, y la plataforma MySpace. Este programa radial contará la historia de estos artistas, quienes sin ser parte de los estilos tradicionales o más vendidos, realizan un esfuerzo por conjugar sus propios sonidos con lo más importante: las estrategias que ellos mismos trazan para autogestionar sus carreras.

Pietro Montani dedica la sua intera vita alla musica, dai precocissimi studi musicali intrapresi in famiglia, all’ultimo impegno, mantenuto fino alla morte, di Direttore dell’Accademia Filarmonica di Bologna. Concertista, compositore e insegnante di pianoforte al Conservatorio per oltre quarant’anni, prima a Firenze e poi a Milano, collabora a lungo con l’editore Ricordi attraverso un’intensa attività di revisore, curatore e trascrittore di opere pianistiche e con l’assunzione, per l’intera durata delle pubblicazioni, della direzione del mensile «Ricordiana». Appassionato polemista, negli scritti si occupa principalmente di temi legati alla didattica pianistica, argomento a cui dedica un saggio e tutti i più importanti articoli. Questo studio si propone di recuperare e riorganizzare la documentazione, oggi sparsa tra biblioteche e archivi, necessaria a ridelineare la figura del musicista e a ricostruire, anche attraverso fonti documentali inedite, il significato e la contestualizzazione della sua multiforme opera. E’ anche proposta una riedizione aggiornata del catalogo delle composizioni, degli scritti e delle revisioni, in ordine cronologico.

El presente proyecto desarrolla la propuesta arquitectónica para la Nueva Sede del Conservatorio Nacional de Música, a través de una investigación descriptiva y proyectiva, que permita una visión general en respuesta a las necesidades y proyección de crecimiento de las sedes del actual Conservatorio Nacional de Música. Para ello se ha tenido en cuenta diferentes aspectos según del usuario, como la necesidad de mayores espacios, aumentar la capacidad de alumnado y satisfacer la futura demanda. El proyecto se encuentra ubicado en distrito de Pueblo Libre, en el cruce de la avenida Universitaria con la avenida Mariano H. Cornejo. Será parte del proceso de descentralización de las actividades culturales, teniendo cercanía con distritos con déficit de equipamiento cultural y reforzando el eje de equipamiento educativo. El proyecto arquitectónico plantea los ambientes necesarios para el desarrollo de las actividades del conservatorio, así como diversos espacios de presentaciones con diferentes capacidades de visitantes. Además, propone espacios comerciales complementarios al proyecto.
The project develops the architectural proposal for the New Campus of the National Conservatory of Music, through a descriptive and projective research, which allows a general vision in response to the needs and projection of growth of the campus of the current National Conservatory of Music. For this, different aspects have been taken into account depending on the user, such as the need for larger spaces, increasing the capacity of students and meeting future demand. The project is located in the Pueblo Libre district, in the city of Lima, the capital of Peru. Is at the crossroad of Universitaria avenue and Mariano H. Cornejo avenue. It will become part of the process of decentralization of cultural activities, having proximity to districts with a deficit of cultural equipment and reinforcing an axis of educational equipment. The architectural project proposes the necessary environments for the development of the activities of the conservatory, as well as various presentation spaces with different visitor capacities. In addition, it proposes commercial spaces complementary to the project.
Tesis

Extant literature on Nueva Cancion Chilena or New Chilean Song (NCCh), a musical genre emerging in 1960s Chile, concerns itself largely with the socio-historical context and function of NCCh at the expense of the song as musical artefact. The present study aims to reverse this concern, proposing a new theoretical approach which temporarily suspends contextual considerations and focuses on the artefact itself. The study assumes a tripartite structure wherein the first part discusses problems of definition and biography in NCCh research, the second introduces the theoretical frameworks of persona and embodiment as means to discern and conceptualize the artefact's resonant quality, and, lastly, the third applies an analytic model from popular music studies and cultural studies to uncover the musical artefact's subject dimension, i.e. the work's author-mask as disclosed by its discernable attributes. The study throughout concentrates on NCCh as practiced by one of its leading exponents Victor Jara.

Viene illustrata la consuetudine dell’utilizzo della musica nelle stagioni di prosa presso il Teatro Nuovo di Trieste dal 1801, anno della sua inaugurazione, al 1867, anno che sancì la fine dell’impero austriaco e l’avvio verso l’impero austro-ungarico. Tale utilizzo non si limita a episodi isolati, ma costituisce una pratica costante e continuativa. Ai fini dell’indagine sono stati presi in esame circa cento faldoni facenti parte dell’archivio dell’attuale teatro comunale Giuseppe Verdi di Trieste, oggi custodito presso il Civico Museo Teatrale “Carlo Schmidl”. I documenti sono di tipo amministrativo: contratti (che stabiliscono gli obblighi di teatri, impresari, compagnie di attori, musicisti di vario genere), carteggi (soprattutto tra capocomici, la Presidenza teatrale e la direzione artistica del teatro), contabilità (spese serali e per intere stagioni, spese per copiatura di musica) e alcuni inventari. Durante le serate di prosa, brani strumentali venivano abitualmente inseriti negli intervalli tra gli atti, secondo una pratica diffusa anche in altri teatri italiani. Il repertorio appositamente costituito fu costantemente rinnovato con nuovi brani. La documentazione consente di identificare e analizzare tale repertorio e getta luce sulle modalità con le quali veniva eseguito in teatro. È altresì documentato l’utilizzo di intermezzi vocali e coreografici. La ricerca vuole contribuire a delineare un aspetto inedito di quella Trieste ottocentesca detta anche “città musicalissima”, in quanto l’educazione e la diffusione musicale erano particolarmente curate sia a livello di famiglia che nella vita quotidiana. In tale contesto, il Teatro Nuovo non è solo un luogo di rappresentanza d’élite ma è anche un punto d’incontro e di vero scambio culturale.

En el Perú existe una falta de difusión cultural y debido a esto muchas carreras artísticas como la música no tienen el valor que se merece, esta despreocupación ha llevado a que la única casa nacional de educación superior de música se encuentre en un estado lamentable con respecto a su infraestructura. Con este proyecto se busca satisfacer las necesidades educacionales para aquellos interesados en algunas de las 25 especialidades que ofrece La Universidad Nacional de Música (ex conservatorio) y teniendo en cuenta las especificaciones técnicas de los ambientes a desarrollar. El partido arquitectónico busca una relación confortable entre el usuario con el objeto arquitectónico a través del recorrido y estancia. La nueva sede de La universidad Nacional de Música busca brindar una infraestructura adecuada a todos los estudiantes.
In Peru there is a lack of cultural diffusion and because of this many artistic careers, as music does not have the value it deserves, this lack of concern has led to the only national house of higher music education being in a sorry state with Regarding your infrastructure. This project seeks to meet the educational needs for those interested in some of the 25 specialties offered by the National University of Music (former conservatory) and taking into account the technical specifications of the environments to be developed. The architectural party seeks a comfortable relationship between the user and the architectural object through the route and stay. The new headquarters of the National University of Music seeks to provide adequate infrastructure to all students.
Trabajo de investigación

La nueva sede del Conservatorio Nacional de Música, institución de Educación Superior Pública que en la actualidad es la Universidad Nacional de Música, es un proyecto que propone unificar las 3 sedes existentes y, consolidar 5 pilares fundamentales: La importancia de la educación, la cultura, el patrimonio, el usuario y la arquitectura. Como énfasis arquitectónico se propone “el encuentro entre personas como clave para generar conocimiento”. Basados en los espacios intermedios, estos permiten que sucedan el encuentro, las buenas conversaciones y la generación de conocimiento. El proyecto ubicado en el distrito de Cercado de Lima, Provincia de Lima, Departamento de Lima; mantiene el Centro Histórico de Lima como su escenario desde su nacimiento en 1927
The new headquarters of the National Conservatory of Music, an institution of Public Higher Education that is currently the National University of Music, is a project that proposes to unify 3 existing headquarters and consolidate 5 fundamental pillars: The importance of education, culture, heritage, user and architecture. As an architectural emphasis, "the encounter between people as the key to generating knowledge" is proposed. Based on the intermediate spaces, they allow encounters, good conversations and the generation of knowledge to take place. The project located in the district of Cercado de Lima, Province of Lima, Department of Lima; maintains the Historic Center of Lima as a setting since its birth in 1927.
Tesis

Thesis (Ph. D.)--University of Oregon, 2006.
Typescript. Includes vita and abstract. Includes bibliographical references (leaves 344-363). Also available for download via the World Wide Web; free to University of Oregon users.

This dissertation describes the musical and religious support of the Medici family to the Medici Chapel in Florence and the historical role of the church of San Lorenzo in the liturgical development of the period. During the later Middle Ages polyphony was allowed in the Office services only at Matins and Lauds during the Tenebrae service, the last three days of Holy Week, and at Vespers anytime. This practice continued until the end of the sixteenth century when more polyphonic motets based on the Antiphon and Responsory began to be included in the various Office hours during feast days. This practice is documented by the increased number of pieces that appear in the manuscripts. Two of the transcriptions from the church of San Lorenzo included in the appendix are selected from this later repertoire.

En la actualidad, la Universidad Nacional de Música (UNM) está sobrellevando una serie de problemas que no permiten el buen desarrollo de la enseñanza musical, siendo esta institución una de las más prestigiosas que tiene la nación, lamentablemente, no cuenta con el apoyo suficiente de las autoridades. Esta propuesta plantea un diseño: una nueva sede para la Universidad Nacional de Música, que manifiesta una solución a la institución donde no solo se beneficie la universidad, sino también la población peruana. El trabajo se enfoca en un nuevo edificio que resuelva las actuales problemáticas. Además, satisfaga las necesidades académicas, sin dejar de lado, el interés por los espacios públicos que ayuden a fomentar y difundir la cultura musical, convirtiendo la institución un hito arquitectónico de la Nación.
Currently, the National University of Music is coping with a series of problems that do not allow the proper development of music education, this institution is one of the most prestigious of the Nation, however unfortunately It does not have sufficient support from authorities. This proposal proposes a design: a new headquarters for the National University of Music, which proposes a solution to the institution where not only do they benefit, also to the Peruvian population. The work focuses on a building that solves the current problems and meets the academic needs, in turn will consider the public space which will help to promote and disseminate the musical culture, making the institution and their public space in an architectural landmark of the Nation. The project will be in the capital of the Nation, in the district of San Borja.
Tesis

Hoy, ocho años después de su primer concierto, La Nueva Invasión se viene consolidando como uno de los principales referentes de la escena capitalina. Dentro de ella han transitado por numerosos escenarios, pero llegar hasta aquí no ha sido casualidad; así pues, es un camino iniciado antes del primer ensayo. Entre los primeros integrantes, asimismo los que se suman los siguientes años, confluyen distintos estilos musicales y experiencias desde las que se han aproximado a su práctica, en ese sentido, estas situaciones posibilitaron la reunión de estos intérpretes. Sin embargo, el trabajo no acabo al agruparse, por el contrario, recién comenzaba. Igualmente, en Lima, las historias de los artistas de cumbia y rock, siendo los principales asociados a la banda estudiada, han tenido diferentes procesos en los contextos desarrollados y ellos pueden configurar lo que son las carreras de sus sucesores. Para la presente investigación nos guiamos de la siguiente pregunta: ¿Cómo se lleva a cabo el proyecto musical de La Nueva Invasión en el contexto limeño actual? La información se ha recogido desde tres técnicas fundamentales: el análisis de texto, en primer lugar, permitió conocer mejor la situación anterior de los músicos de los estilos mencionados en la capital peruana y un acercamiento inicial al conjunto estudiado; en uno y otro material se privilegia el testimonio de sus propios protagonistas, en este caso se trata de textos o vídeos. Del mismo modo, se realizaron observaciones en los ensayos y conciertos; pues, en uno se elabora la propuesta y en la siguiente es donde ésta adquiere su nivel de significación, de acuerdo a la particularidad de los distintos eventos. Finalmente, se entrevistó a los actores que formaron parte de estos momentos con particular énfasis en las historias de vida de los integrantes, complementándolo con las valoraciones de los organizadores de conciertos y seguidores. A pesar de haber performado fuera de Lima, centramos la presente tesis en esta última ciudad, debido a que es aquí donde comenzaron y han registrado una mayor variedad de escenarios.
Tesis

Esta tesis investiga el impacto de la escena de grupos de cumbia fusión entre 2010 y 2020 en la ciudad de Lima, y cómo su crecimiento ha sido un factor determinante para la programación de orquestas de cumbia tradicional en festivales masivos considerados rockeros o “alternativos”. Así mismo, señala que los mecanismos de autogestión implementados por estas bandas de cumbia fusión sirvieron para que su ejercicio artístico resulte viable económicamente, y en ese proceso, estos artistas comiencen aplicar estrategias de producción musical y de gestión comercial para tentar un público más amplio. Para ello baso mi análisis en estudios de caso de tres agrupaciones representativas de dicha escena: Bareto, cuyo caso abordaré desde la autoetnografía, pues desde 2005 soy miembro del grupo, y Olaya Soundsystem y La Nueva Invasión, como representantes aparecidos en la última década. La academia se ha ocupado extensamente de las vertientes tradicionales de la cumbia peruana, pero son pocos los estudios sobre este fenómeno reciente (Montero, 2016; Miramont, 2020), por lo cual la base principal de la investigación es una serie de entrevistas en profundidad, realizadas por este autor a actores protagonistas de la escena musical de la cumbia fusión, conducidas entre febrero de 2019 y agosto de 2020: músicos, managers y empresarios de conciertos. Se trata de un estudio exploratorio apoyado por mi visión participante, haciendo referencia a las aproximaciones teóricas de Small, Turino, Gell, y particularmente al marco propuesto por Straw y Bennett acerca de las escenas musicales. Mi argumento es que la escena de cumbia fusión ha tenido una relevancia importante en el cambio del paisaje musical “alternativo” limeño, siendo agente en el ingreso de la cumbia en dichos festivales juveniles masivos en la ciudad de Lima.

Seventeenth-century England witnessed profound historical, theological, and musical changes. A king was overthrown and executed; religion was practiced fervently and disputed hotly; and English musicians fell under the influence of the Italian stile nuovo. Many devotional songs were printed, among them those which reveal influences of this style. These English-texted sacred songs for one to three solo voices with continuo--not based upon a previously- composed hymn or psalm tune—are emphasized in this dissertation. Chapter One treats definitions, past neglect of the genre by scholars, and the problem of ambiguous terminology. Chapter Two is an examination of how religion and politics affected musical life, the hiatus from liturgical music from 1644 to 1660 causing composers to contribute to the flourishing of devotional music for home worship and recreation. Different modes of seventeenth-century devotional life are discussed in Chapter Three. Chapter Four provides documentation for use of devotional music, diaries and memoirs of the period revealing the use of several publications considered in this study. Baroque musical aesthetics applied to devotional song and its raising of the affections towards God are discussed in Chapter Five. Chapter Six traces the influence of Italian monody and sacred concerto on English devotional song. The earliest compositions by an Englishman working in the stile nuovo are Henry Lawes' 1638 hymn tunes with continuo. Collections of two- and three-voice compositions by Child, the Lawes brothers, Wilson, and Porter, published from 1639 to 1657, comprise Chapter Seven, as well as early devotional works of Locke. Chapter Eight treats Restoration devotional song-- compositions for one to three voices and continuo, mostly of a more secular and dramatic style than works discussed in earlier. The outstanding English Baroque composers--Locke, Humfrey, Blow, and Purcell--are represented, and the apex of this style is found in the latest seventeenth-century publication of devotional song, Henry Playford's Harmonia sacra, (1688, 1693).

Le moderne tecnologie di riproduzione e di distribuzione dei contenuti (internet in primis) stanno rivoluzionando il mercato con nuove forme di business a scapito di quelle tradizionali. Il fenomeno del “downloading” illegale di musica pone dei seri problemi in termini di protezione del diritto d’autore, di allocazione delle risorse e di efficienza economica ma offre anche nuove opportunità di guadagno. Si propone in questo studio un modello per analizzare quali siano le condizioni che rendono vantaggiosa la condivisione di opere protette anche per un produttore musicale, e attraverso gli strumenti della Valutazione Contingente si indaga sulle variabili che influenzano le scelte di consumo musicale degli individui.

The present work is an approach to the figure of a musical theorist of the Hispanic musical Baroque, Pedro de Ulloa and very specifically to his treatise Música Universal o Principios Universales de la Música (Universal Music or Universal Principles of Music, Madrid, Bernardo Peralta, 1717). It is a work that constituted a reference of first order at the time of its publication as a model of work for both music professionals and professionals in other fields related to this discipline (historians, philologists, art historians, Astronomers, mathematicians, theologians, orators of speech, rhetoric, etc.). Therefore, after noting that at present both Ulloa's personality and trajectory and that work were still lacking in detailed study, I realised that there were not available a facsimile publication. It is for that I have intended with this thesis to fit, to value and to contextualise his treaty Música Universal o Principios universales de la música, in the international scope of his own time. To this end, I have located the documentary printed sources of this treaty, as well as I have done a critical study of the life and musical output by Pedro de Ulloa. I have also carried out a research work regarding the description, organization, structure and analysis of this imprint, always trying to put it in relation with the ideas that contemporaneously were appearing or were being integrated in other musical treatises both Spanish and foreign, contributing, to finalize, the facsimilar reproduction of the treaty, from a obtained copy of the Spanish National Library. Finally, it should be pointed out that this study seeks to claim the intrinsic benefits of the contents of the treaty, as well as those of the moment in which they became known (1717). These benefits can be summed up fundamentally in two respects: first, the main contribution of the treaty is perhaps based on the systematization and synthesis of the theories on the rhetoric-musical figures and the doctrine of affections, which had appeared during the 17th century (from Burmeister or Bernhard in the German sphere, probably being this theory by Ulloa, the first work of the same nature which appeared in Spain with some visibility). And, secondly, his most novel and interesting contribution is also in the new component on which this treaty deals, conceived from a mathematical and scientific point of view. That is to say, as the work of an astronomer -a "cosmographer"- concerned with exposing the numerical, harmonic and acoustic essences of musical material. These were the essences that, as a religious man, Ulloa would also try to reconcile with the Catholic positions of his time). Indeed, that was an issue hitherto barely debated in the Spanish treatises. And that he was going to inaugurate a new, modern way of understanding the laws of harmony and of the world (coinciding in time with Jose de Torres or Jean Philippe Rameau -and even a few years before the latter).
El presente trabajo supone un acercamiento a la figura de un teórico musical del Barroco musical hispánico, Pedro de Ulloa y muy concretamente a su tratado Música Universal o Principios Universales de la Música (Madrid, Bernardo Peralta, 1717). Se trata de una obra que constituyó una referencia de primer orden en el momento de su publicación como modelo de trabajo tanto para los profesionales de la música, como para los profesionales de otros ámbitos relacionados con esta disciplina (historiadores, filólogos, historiadores del arte, astrónomos, matemáticos, teólogos, estudiosos de la oratoria, la retórica¿) y por ello, tras observar que en la actualidad tanto la personalidad y trayectoria de Ulloa como dicha obra, todavía se encontraban carentes de un estudio detenido, y que no se había realizado su publicación facsimilar, se ha pretendido con esta tesis, encajar, valorar y contextualizar su tratado Música Universal o Principios universales de la música, en el ámbito internacional de su propio tiempo. Para ello, se ha realizado la localización de las fuentes documentales impresas de este tratado, se ha elaborado un estudio crítico de la trayectoria vital y producción de Pedro de Ulloa, y se ha desarrollado una labor de investigación en cuanto a la descripción, organización, estructura y análisis de este impreso, intentando siempre ponerlo en relación con las ideas que coetáneamente estaban apareciendo o se estaban integrando en otros tratados musicales tanto españoles como extranjeros, aportando, para finalizar, la reproducción facsimilar del tratado, a partir de un ejemplar obtenido de la Biblioteca Nacional de España. Por último conviene señalar que con este estudio se pretenden reivindicar las bondades intrínsecas de los contenidos del tratado, así como del momento en que se dieron a conocer (1717). Éstas, se pueden resumir fundamentalmente en dos aspectos: en primer lugar, la principal contribución del tratado se asienta tal vez en la sistematización y síntesis que supone de las teorías sobre las figuras retórico-musicales y la doctrina de los afectos, que habían ido apareciendo a lo largo del siglo XVII (desde Burmeister o Bernhard en ámbito alemán, siendo seguramente ésta de Ulloa la primera obra de esta misma naturaleza aparecida en España con cierta visibilidad); y, en segundo lugar, su aportación más novedosa e interesante radica también en el nuevo componente sobre el que llama la atención este tratado, concebido desde un punto de vista matemático y científico, es decir, como obra de un astrónomo -de un "cosmógrafo"- preocupado por exponer las esencias numéricas, armónicas y acústicas del material musical (las cuales, como religioso, su autor tratará también de conciliar con los posicionamientos católicos de su tiempo), en una cuestión, hasta entonces, apenas debatida en la tratadística española, y que iba a inaugurar (coincidente en el tiempo con José de Torres o Jean Philippe Rameau -y aun unos años anterior a este último-) una nueva manera, "moderna", de entender las leyes de la armonía, y del mundo.
El present treball suposa una aproximació a la figura del teòric musical del barroc hispànic, Pedro de Ulloa, i més concretament, al seu tractat Música Universal o Principios Universales de la Música (Madrid, Bernardo Peralta, 1717). Es tracta d'una obra que va constituir una referència de primera importància en el moment de la seua publicació, com a model de treball, tant pels professionals de la música, com pels professionals d'altres àmbits relacionats amb aquesta disciplina (historiadors, filòlegs, historiadors de l'art, astrònoms, matemàtics, teòlegs, estudiosos de l'oratòria, la retòrica¿) i per això, després d'observar què, en l'actualitat, tant la personalitat i trajectòria d'Ulloa com a l'obra esmentada, encara es trobaven sense cap estudi detingut, i que no n'hi havia una publicació facsimilar disponible, s'ha volgut amb aquesta tesi, encaixar, valorar i contextualitzar el seu tractat Música Universal o Principios universales de la música, en l'àmbit internacional del seu propi temps. Per això, s'ha realitzat la localització de les fonts documentals impreses d'aquest tractat, s'ha confeccionat un estudi crític sobre la trajectòria vital i la producció de Pedro de Ulloa, i s'ha desenvolupat una tasca de recerca pel que fa a la descripció, organització, estructura i anàlisi d'aquest imprès, sempre intentant posar-ho en relació amb les idees què, coetàniament, estaven apareixent o s'estaven integrant en altres tractats musicals tant espanyols com estrangers, tot aportant, per acabar, la reproducció facsimilar del tractat, a partir d'un exemplar obtingut de la Biblioteca Nacional de Espanya. Finalment, convé assenyalar què, amb aquest estudi, es pretén reivindicar les bondats intrínseques dels continguts del tractat, així com del moment en que es varen donar a conèixer (1717). Aquestes, es poden resumir, fonamentalment, en dos aspectes: en primer lloc, la principal contribució del tractat es basa, potser, en la sistematització i síntesi que suposa de les teories sobre les figures retòric-musicals i la doctrina dels afectes, que havien anat apareixent al llarg del segle XVII (des de Burmeister o Bernhard en l'àmbit alemany, essent segurament aquesta d'Ulloa la primera obra d'aquesta mateixa naturalesa apareguda en Espanya amb una certa visibilitat); i, en segon lloc, la seva aportació més novadora i interesant, rau també en el nou component sobre el que crida l'atenció aquest tractat, concebut des d'un punt de vista matemàtic i científic, és a dir, com a obra d'un astrònom -d'un "cosmògraf"- preocupat per exposar les essències numèriques, harmòniques i acústiques del material musical (les quals, com a religiós, el seu autor tractarà també de conciliar amb els posicionaments catòlics del seu temps), en una qüestió, fins aleshores, quasi bé no debatuda a la tratadística espanyola, i que anava a inaugurar (coincidint en el temps amb José de Torres o Jean Philippe Rameau -i fins i tot, essent uns anys anterior a aquest últim-) una nova manera, "moderna", d'entendre les lleis de l'harmonia, i del món.
Catalán Jarque, MDC. (2017). Pedro de Ulloa y su tratado "música universal o principios universales de la música" (Madrid, Bernardo Peralta, 1717): Una nueva reivindicación matemática de la teoría músical en España [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/86164
TESIS

Esta dissertação tem por objetivo central demonstrar, por meio da análise da discografia do compositor e intérprete chileno Víctor Jara, e, mais especificamente, de seu disco La Población, que a subjugação dos movimentos populares, já no imediato pós-golpe civilmilitar chileno de 11 de setembro de 1973, foi tão ou mais importante do que a dos canais propriamente políticos, explicitados na Unidad Popular e no governo de Salvador Allende. Decorrente deste problema geral, verificam-se os mecanismos de Terror de Estado adotados na primeira fase da ditadura chilena (11 de setembro a 31 de dezembro de 1973), apontando seus desdobramentos no marco legal e institucional e atentando para os efeitos de tais medidas na desestruturação dos movimentos populares de então. A partir disso é possível apreender o antagonismo existente entre a visão de mundo que se impôs no Chile a partir do golpe de Estado e a vida e obra deste artista, concluindo que sua execução no Estadio Chile insere-se nos mecanismos centrados no terror como “exemplo” aos setores que apoiavam ou se identificavam com o governo da Unidad Popular.
The aim of this work is to demonstrate, through analysis of the discography of the composer and singer Víctor Jara, Chile, particularly the disc La Población, that the subjugation of popular movements, since the immediate post-coup Chilean civil-military September 11, 1973, was equally or more important than the proper political channels as detailed in the Unidad Popular, and the government of Salvador Allende. Resulting from this general problem, there are the mechanisms of State Terror adopted in the first phase of the Chilean dictatorship (September 11 to December 31, 1973), pointing to its consequences on the legal and institutional framework and paying attention to the effects of such measures on disruption of people's movements. From this we can understand the antagonism between the world idea that prevailed in Chile after the coup and the life and work of Victor Jara, Suggesting that his execution at the Estadio Chile is part of the terror mechanisms as "an example" to the sectors that supported or identified with the government of the Unidad Popular.

John Blow (1649-1708) was among the first group of boys pressed into the service of King Charles II, following the decade of Puritan rule. Blow would make compositional efforts as early as 1664 and, at the age of nineteen, began to assume professional positions within the London musical establishment, ultimately becoming, along with his pupil and colleague, Henry Purcell, London's foremost musician. Restoration sacred music is generally thought of in connection with the stile nuovo which, for the first time, came to be a fully accepted practice among English musicians for the church. But the English sacred polyphonic art, little threatened by England's largely political Reformation, embodied sufficient flexibility as to allow it to absorb new ideas, thereby remaining vital well into the seventeenth century. Preserved from decisive Italian influences by the Interregnum, the English sacred polyphonic tradition awoke at the Restoration full of potential for continuing creative activity. In addition to studying Blow's polyphonic compositions, including the transcription of several not available in modern edition, this paper seeks to address the unique nature of the English polyphonic tradition which allowed it to retain its vitality throughout the seventeenth century, while other polyphonic traditions were succumbing to the ossifying influences of the stile antico concept. Identification of the Continental stile antico through pertinent treatises and scores revealed a marked distinction between its application and the English polyphonic art as seen in the work of John Blow. In the end, the peculiar nature of Restoration polyphony is seen to be derived from a number of factors, among them, the continuation of liturgical ceremonial within the independent English church, the flexibility of the English polyphonic medium with regard to new musical developments, and the interruption of England's cathedral music tradition just as Italian influence was beginning to be felt in liturgical music. The sacred polyphony of John Blow represents the last great flowering of the English polyphonic tradition, with all of its idiosyncracies, in a lively, as yet unfettered style.

Magraner Moreno, C. (2013). MÉTODO PROCESAL Y COHERENCIAS ENTRE LA EXPERIENCIA Y LA NUEVA PROPUESTA INTERPRETATIVA: UNA INVESTIGACIÓN ARTÍSTICA (AUTO)ETNOGRÁFICA EN TORNO A UN PROGRAMA DE CONCIERTO Y GRABACIÓN DISCOGRÁFICA DE ENSALADAS DE MATEO FLECHA Y BARTOLOMÉ CÁRCERES [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/29752
TESIS

Superati «novant’anni d’impazienza» e dopo un lungo periodo votato all’autocommento e all’esplorazione delle proprie intenzioni, Raffaele La Capria ha raccolto le sue opere in due Meridiani curati da Silvio Perrella. La Capria ne ha celebrato l’uscita nella prolusione inaugurale di Salerno Letteratura, poi confluita nel breve autoritratto narrativo "Introduzione a me stesso" (2014). In questa sede, l’autore è tornato su alcuni punti essenziali della sua riflessione sulla scrittura, come la relazione, reciproca e ineludibile, fra tradizione e contemporaneità. All’epilogo del «romanzo involontario» di una vita, La Capria guarda retrospettivamente alla propria esperienza come ad un’autentica educazione intellettuale. Perciò, muovendo da un’intervista inedita del 2015, riportata integralmente in appendice, la tesi ha l’obiettivo di ricostruire l’apprendistato letterario di La Capria dai primi anni Trenta, quando l’autore ancora frequentava il ginnasio, fino all’inizio dei Sessanta, quando ottenne il premio che ne avrebbe assicurato il successo. Il percorso, che riesamina l’intera bibliografia lacapriana nella sua varietà e nella sua stratificazione, si articola in una serie di fasi interdipendenti: la partecipazione indiretta alle iniziative dei GUF (intorno alle riviste «IX maggio» e «Pattuglia»); l’incursione nel giornalismo e l’impegno culturale nell’immediato dopoguerra (sulle pagine di «Latitudine» e di «SUD»); l’attività di traduttore dal francese e dall’inglese (da André Gide a T.S. Eliot); l’impiego alla RAI come autore e conduttore radiofonico (con trasmissioni dedicate a Orwell, Stevenson, Saroyan e Faulkner); la collaborazione con «Il Gatto Selvatico», la rivista dell’ENI voluta da Enrico Mattei e diretta da Attilio Bertolucci; e le vicende editoriali dei suoi primi due romanzi, “Un giorno d’impazienza” (1952) e “Ferito a morte” (1961), fino alla conquista dello Strega. La rilettura dell’opera di uno scrittore semi-autobiografico come La Capria, attraverso il costante riscontro di fonti giornalistiche, testimonianze epistolari e documenti d’archivio che avvalorano e occasionalmente smentiscono la sua versione dei fatti, diventa allora un’occasione per immergersi nella sua mitografia personale e avventurarsi in territori finora poco esplorati: come la ricostruzione del suo profilo culturale, a partire dal milieu in cui La Capria vive e opera, o l’incidenza delle letture e delle esperienze giovanili sulla sua prassi letteraria.

Attorno alla metà degli anni Settanta iniziano a formarsi in Italia numerosi gruppi musicali – quasi sempre di carattere non professionistico, ma comunque spesso attivamente impegnati nella sfera pubblica in circuiti culturali e politici – che adottano i i repertori e i linguaggi musicali della Nueva Canción Chilena e della musica andina, due ambiti musicali dotati di un carattere di alterità, o almeno percepiti come tali e che, in seguito al colpo di stato cileno del 1973 e al vivo interesse per le vicende politiche e per la cultura latinoamericane proprio di quel periodo, conoscevano allora nel nostro paese una diffusione di massa senza precedenti. Lo studio mette a fuoco lo spazio d’intersezione tra i due soggetti protagonisti del caso: le musiche dell’Altro latinoamericano, da una parte, e dall’altra la comunità italiana osservata nell’atto di adottare, come ascoltatori e interpreti, quelle musiche d’elezione. I primi due capitoli sono dedicati alla cornice più ampia del fenomeno: la ricezione della canzone cilena e della musica andina nel contesto italiano tra gli anni 60 e 80, ma anche la precedente storia transnazionale di quei generi musicali, inclusi scambi ed influenze reciproci. I due capitoli successivi si propongono di ricostruire una memoria collettiva della comunità dei gruppi italiani di musica cilena/andina, in particolare attraverso le testimonianze raccolte in numerose interviste ai musicisti. Una terza sezione affronta in modo ravvicinato alcuni casi di studio ritenuti particolarmente rappresentativi, analizzando specifiche produzioni musicali dei gruppi Cantolibre (Venezia), Cordigliera (Cremona), Umami (Torino), Senda Nueva (Milano), Taifa (Nuoro - Milano), Chiloe (Roma), Trencito de los Andes - Il Laboratorio delle Uova Quadre (Roma). Poiché la ricerca è focalizzata principalmente sul momento dell’appropriazione di un modello percepito come “altro”, l’analisi dei materiali raccolti verte sopratutto sul nesso tra il livello estesico, rappresentato dalla ricezione dei modelli latinoamericani adottati dai musicisti italiani, e quello discorsivo (poiesico) della loro conseguente produzione musicale. Tale nesso è inteso come un “terzo spazio” (Bhabha 1994) di incontro tra gli stessi modelli cileni e andini e i loro “derivati” locali. Nella cornice di questo “terzo spazio” si collocano gli oggetti musicali – musiche latinoamericane acquisite o proprie composizioni – che vengono poi descritti anche sul livello neutro delle strutture formali.

All’interno della tesi si esaminano, per la prima volta in modo complessivo, testi e contesti relativi al fenomeno della musica vocale da camera, quale si diffuse negli ambienti della corte medicea, ma anche in alcune delle famiglie del patriziato e in accademie, camerate e confraternite, della Firenze dei primi decenni del Seicento. A tale scopo sono state esaminate sistematicamete, da una parte, le testimonianze coeve contenute in una variegata tipologia di documentazione edita e inedita (lettere, diari, trattati, dedicatorie); dall’altra, un corpus costituito da 29 libri di musiche a una, due o tre voci editi per la loro maggior parte proprio a Firenze, ma in misura minore anche a Venezia, dal 1602 al 1635, a opera di compositori fiorentini o che, pur non nati nel capoluogo granducale, vi soggiornarono e vi furono attivi, contribuendo con la loro opera a orientare le nuove tendenze di gusto, o dimostrando di averne subìto l’influenza. La tesi è articolata in tre parti. La prima (Luoghi, occasioni e prassi esecutive delle “Nuove musiche”), sulla base dei Diari della corte medicea tenuti dall’aiutante di Camera Cesare Tinghi, così come di alcuni carteggi, già modernamente pubblicati, relativi ancora alla corte medicea o ai principali cantanti allora attivi a Firenze, nonché di alcuni trattati di musica cinque-secenteschi e dei tre Dialoghi del medico fiorentino Giulio Parigi, mette a fuoco la dimensione performativa delle “Nuove musiche” e i diversi elementi che la costituiscono: quelli materiali (la fisicità dei luoghi delle esecuzioni, dei cantanti, degli strumenti musicali, ma anche degli ‘spazi della musica’, definiti dall’interagire dei movimenti e delle posizioni dell’insieme dei corpi e degli oggetti interessati dall’atto performativo) e quelli immateriali (le occasioni, le funzioni e i significati simbolici, sociali e politici). Nella seconda parte (Musiche e testi, 1602-1635), viene posto lo sguardo sul corpus delle composizioni contenute nei libri di musiche a stampa sopra menzionati. Oggetto di specifica analisi, nonché di prima edizione integrale moderna dei testi poetici e delle musiche (nella parte terza della tesi, Testi, Documenti, Strumenti), è infine il primo e unico volume di Varie musiche a voce sola e basso continuo di Giovanni Battista da Gagliano (Venezia, Vincenti, 1623).

This dissertation analyses identity formation through music among contemporary Colombian musicians. The work focuses on the emergence of musical fusions in Bogotá, which participant musicians and Colombian media have called "nueva música Colombiana" (new Colombian music). The term describes the work of bands that assimilate and transform North-American music genres such as jazz, rock, and hip-hop, and blend them with music historically associated with Afro-Colombian communities such as cumbia and currulao, to produce several popular and experimental musical styles. In the last decade, these new fusions have begun circulating outside Bogotá, becoming the distinctive sound of young Colombia domestically and internationally. The dissertation focuses on questions of musical circulation, affect, and taste as a means for articulating difference, working on the self, and generating attachments others and therefore social bonds and communities. This dissertation considers musical fusion from an ontological perspective influenced by actor-network, non-representational, and assemblage theory. Such theories consider a fluid social world, which emerges from the web of associations between heterogeneous human and material entities. The dissertation traces the actions, interactions, and mediations between places, people, institutions, and recordings that enable the emergence of new Colombian music. In considering those associations, it places close attention to the affective relationships between people and music. In that sense, instead of thinking on relatively fixed and consistent relationships between music, place, and identity, built upon discursive or imagined ties, the work considers each of these concepts as a network of relations enmeshed with each other and in consistent re-articulation.

Commonly known as nueva canciόn in Puerto Rico or nueva trova in Cuba, “new song” is a 60-year-old genre, a musical form resonant with political overtones. This thesis examines the life and music of Lourdes Pérez, a Puerto Rican singer working in the nueva canciόn tradition. Pérez, who has lived in the U.S. for 20 years, is dedicated through her compositions to create a “newer song,” a form of socially engaged music based on artists of the past but addressing contemporary issues. Through the creation of a diverse community for such music, and collaborations with other Latin American musicians and artists, Pérez has taken the genre in new directions. I examine the various sociopolitical messages conveyed in Pérez’s music through an analysis of the extramusical context of performance. I raise questions about the ways in which globalization affects her work, and about the present-day relevance of the nueva canción song form itself. Since little research has been conducted on nueva canciόn I hope this paper will encourage future work.
text

abstract: The popularity that regional Mexican music has achieved in the last years is impressive. The population increase of Mexican nationals in the United States and the availability to share information via web has increased the popularity of the musical genre, specially the subgenres of música norteña and banda. Regarless of the low economic class that is associated with the subgenres of música norteña and banda, nowadays they are a fundamental asset in the music industry, impart to the high volume of sales and popularity. However, even with a high index of popularity at a multinational level, the world of música grupera, how is categorized for subgenres of banda, música norteña, conjunto and duranguense, there is a low number of feminine artist that participate. The participation of women in the gupera world is very scarce, due to the patriarchal hegemony and machismo that spreads through the subgenres. Because of the low participation of women in the subgenres, they get classified the passive voice. The absence of a strong female representation has caused the expansion of a machista message though the songs implemented in the regional Mexican music. This phenomenon can be clearly appreciated in the songs "El carrito" (n.d.). "Disfruté engañarte" (2013), "La fory fay" (2013) and "Soy un desmadre" (2014). Using the ideology of power of Michel Foucault and complemented with the feminism of Hélène Cixious, the analysis and identification of the marginalized women in this examples can be reached. However, even though there are a low number of feminine artists that participate in the subgenres of música norteña and banda, their success has achieved the distortion of the hegemonic barrier imposed on society. Artist like Jenni Rivera and Los Horóscopos de Durango are some of the few artist that have distorted this socio and cultural hegemony that preexist in regional Mexican music. With the success of their songs, they have created a space of feminine expression against the machista message that marginalizes women, and opens new doors of opportunities for others. All this efforts have the intent to create equality of power in the sphere of regional Mexican music.
Dissertation/Thesis
Masters Thesis Spanish 2015

Sounds that Fall Through the Cracks, and Other Silences and Acts of Love tells the story of a dozen cosmopolitan socially aware singer-songwriters, poets and musicians of different racial, ethnic and national backgrounds who developed their political consciousness by thinking within/through the colonial problematic of Québec or Puerto Rico in the 1960s and 1970s. Five interrelated claims give coherence to this work: a) grasping the decolonial import of socially aware repertoires needs to attend to the meeting point among sound, music, lyrical content, and the interlocutor’s perspective on the musical object; b) understanding the historical contexts which shaped each interlocutor’s life is necessary to fully comprehend her political-aesthetic choices; c) when incorporating the interlocutor’s way of imagining the past one must pay attention to the ways in which that past has been historicized d) reflecting on how the other is inscribed in sound and word needs to account for how that other envisions herself and; e) these critical assessments must be developed “theorizing with your interlocutor” in a relentless back and forth informed by love and friendship that takes seriously the critical import of the interlocutor and considers his needs and desires. Combined, these claims are conducive to a critical analysis that is historically rigorous, ethical and fair to the interlocutor and the other to the extent that the unavoidable limitations of the researcher allows for. By departing from spaces where the eye meets the ear, logos and phono entwine, the historical context shapes the musical object and vice versa, fieldwork and life are fused, and the interlocutor is treated not only as a producer of culture but as a thinker in her own right, I problematize four major categories: Puerto Rican nueva canción (PRNC), chanson québécoise (CQ), the related anticolonial narratives that frame these musics, and the category “the decolonial.” Regarding the latter, I pay careful attention to the relationship between bodies of knowledge around the colonial, such as postcolonial, Latin American decolonial, settler colonial and anticolonial studies. Edouard Glissant has argued that “generalization” is one of the manifestations of a “totalitarian root” because “from the world it chooses one side of the reports, one set of ideas, which it sets apart from others and tries to impose by exporting as a model” (2010 [1990]: 20). Inspired in part by the Martiniquais philosopher and poet, my overall argument is that decolonizing knowledge must involve a collective praxis of “theorizing with your interlocutor” that in addition to assessing how colonial logics are reproduced and proposing ways to contest them, must challenge the “totalitarian” and individualist “root” of academic discourse. In order to develop this collective praxis, I walk hand in hand with my interlocutors/friends Américo Boschetti, Frank Ferrer, Bernardo Palombo, Jesús Papoleto Meléndez, Hilcia Montañez, Oscar Pardo, Sandra María Esteves, Suni Paz, Sylvain Leroux, Marie-Claire Séguin, Rouè Doudou Boicel, Lise Vachon and Georges Rodriguez, and other decolonial and anticolonial thinkers.

This dissertation situates these three modes of artistic expression in a broader interdisciplinary framework to better understand the cultural, socio-political, and historical processes of countercultural formation in Latin America. In Chapter 1, I define my conceptualization of Latin American counterculture. Here I make the case for including antipoetry, nueva canción and third cinema as part of Latin American counterculture seeking to contest foreing influences and elitist cultural models. In Chapter 2, I present the theoretical foundations of decolonial aesthetics, which serves as a framework that guides my analysis of key filmmakers, poets, and musicians and their respective representative works of art. Here I argue for the need to rethink aesthetics from a non-Eurocentric and non-elitist position. To conceptualize decolonial aesthetics, I draw on the work of Enrique Dussel, Jacques Ranciére, Aníbal Quijano, Ramón Grosfoguel, and Nelson Maldonado-Torres. In Chapter 3, Nicanor Parra, Mario Benedetti, Ernesto Cardenal, and Roque Dalton elicit a reevaluation of the shifts in Latin American poetics toward colloquial and accessible poetry intended for non-traditional audiences and underrepresented voices in the historical narratives of the region. In chapter 4, I study Violeta Parra, Víctor Jara, Mercedes Sosa, and Silvio Rodríguez as salient voices of a committed generation that sought radical societal changes, but whose music continues to have an appeal with newer social struggles. In chapter 5, select films by Fernando Solanas Tomás Gutiérrez Alea, Humberto Solás, and Raymundo Gleyzer are essential in my study of nationalist and regional preoccupations with developing new cinematic languages and depicting histories of colonialism, racialization, failed revolutions, oppression of women, and the tensions among the bourgeoisie and various labor movements. Throughout this dissertation, I stress the importance of cross-genre and pan-Latin American readings as a way to reinterpret Latin America’s cultural canon in the 1960s and 1970s. I propose a reexamination of third cinema, antipoetry, and nueva canción as movements that produced artistic works with imbricated aesthetic and ideological projects (decolonial aesthetics) at a time when pro-independence struggles, liberation projects, and anticolonial sentiments pervaded globally; in turn, the specificities of political, social, and cultural contexts rendered some artistic projects more successful in achieving their respective goals than others.

Com o objetivo de contribuir à documentação histórica das práticas das artes musicais no contexto cinematográfico europeu, este trabalho analisará de forma breve as transformações ocorridas no cinema italiano desde a chegada dos talkies2 até a década de 1960. Para isso será utilizado como estudo de caso, o trabalho do compositor romano Ennio Morricone juntamente com o Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza no filme Un tranquillo posto di campagna (1968), dirigido por Elio Petri. Sempre no âmbito músico-fílmico, será igualmente considerado o contexto histórico e social das práticas em cada período citado, que vai dos anos de 1920 aos de 1960, sendo esta última década a de principal interesse neste estudo.
Aiming to contribute to the historical documentation of the musical practices in the art of cinema in Europe, it will be analysed in this work the transformations ocurred in Italian cinema from the arrival of the talkies4 until the 1960 decade. In order to do so, it will be useful as a case study the work of roman composer Ennio Morricone along with the Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza for the film Un tranquillo posto di campagna (1968), directed by Elio Petri. Always in the music-filmic practices context, some light will be shed over the historical and social scopes for each period mentioned – from the 1920’s to the 1960’s – the latter being of the greatest interest for us here.

Este trabajo propone indagar sobre las posibilidades de producción musical a partir de la aplicación de una serie de técnicas y procedimientos correspondientes a un grupo de compositores británicos del siglo XX. En esta investigación he decidido aprovechar el impulso de este interés para transitar y profundizar mis conocimientos sobre el mismo, ya que a lo largo del cursado este camino no ha sido recorrido. Nuestra producción propone recuperar recursos de la música compuesta en las islas británicas a lo largo del siglo XX. Como referencia principal tomaremos dos líneas compositivas sustanciales a esta investigación, el “Pastoralismo” y la “Avant Garde”.
Fil: Barbieri, Julián José. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Música; Argentina.