Academic literature on the topic 'Mythe de l'artiste'

Le Narcisse (1548-1565) de Benvenuto Cellini apparaît pour la première fois dans l'autobiographie de l'artiste, qui précise que l'œuvre fut exécutée à partir d'un bloc de marbre grec transporté à Florence sur ordre du duc Cosimo. Placée après la mort de l'artiste dans le parc de la villa à Pratolino, puis déplacée dans le Jardin de Boboli, l'œuvre fut peu à peu oubliée. Elle ne fut réattribuée à Cellini qu'autour de 1940. Méconnue des chercheurs, cette statue constitue un rare exemple d'une réponse plastique au débat entre la peinture et la sculpture, communément désigné de nos jours sous le terme de 'paragone'. Cellini s'impliqua largement dans cette polémique, qui atteint son paroxysme à Florence au milieu du XVIe siècle. L'étude de ses écrits sur ce sujet, de sa statue de Narcisse mais aussi de la version du mythe par Ovide révèle que Cellini aborda, au travers de cette œuvre, des problématiques liées au débat entre les arts. L'artiste utilisa la figure de ce héros tragique, présenté par Alberti (De pictura) comme l'inventeur de la peinture, pour démontrer la supériorité de l'art de la sculpture.

Resumen: Quizás menos conocida que la serie Paracuellos, la trilogía España Una, España Grande, España Libre no deja de ser una obra emblemática del autor español de cómic Carlos Giménez. La trilogía es una compilación de historias independientes escritas con la colaboración de Ivà (Ramón Tosas) y publicadas inicialmente en la revista satírica El Papus en los años 1976-77. Representa una crónica periodística de la actualidad de la Transición democrática en España a la par que ilustra perfectamente el compromiso del dibujante madrileño. De hecho, éste retrata con mucho escepticismo aquella época decisiva en la historia de España, tras la muerte de Franco: un periodo marcado por expectativas e incertidumbres, y sobre todo por acontecimientos violentos. Valiéndose pues del lenguaje específico del cómic, Carlos Giménez pone en tela de juicio el mito de la Transición pacífica, y busca denunciar las insuficiencias del proceso de democratización, para hacer que el lector reaccione. Además, se puede afirmar que el alcance de estas viñetas ha ido más allá de la intención inicial del autor: para el lector de hoy, es un testimonio único de aquella época, que contrasta con la imagen (a veces idílica) que se quiso dar de la Transición. Résumé: Peut-être moins connue que la série Paracuellos, la trilogie España Una, España Grande, España Libre n’en reste pas moins une oeuvre emblématique de l'auteur espagnol de bandes dessinées Carlos Giménez. La trilogie est une compilation d'histoires indépendantes écrites en collaboration avec Ivà (Ramón Tosas) et publiées à l’origine dans la revue satirique El Papus entre 1976 et 1977. Il s’agit d’une chronique journalistique de l'actualité de la Transition démocratique en Espagne qui illustre parfaitement l'engagement de l'artiste madrilène. En effet, Giménez y décrit avec beaucoup de scepticisme cette période décisive dans l'Histoire de l'Espagne: une époque marquée par des attentes, des incertitudes, et surtout par des événements violents, dans un contexte d’agitation politique marqué par la mort de Franco. En utilisant le langage spécifique de la bande dessinée, Carlos Giménez remet en question le mythe de la Transition pacifique, dénonce les insuffisances du processus de démocratisation et veut interpeller le lecteur pour le faire réagir. La portée de ces vignettes a d’ailleurs sans doute dépassé l'intention initiale de l'auteur: pour le lecteur d'aujourd'hui, c’est un témoignage unique de cette époque, qui en outre contraste avec l'image parfois idyllique que l’on a voulu en donner.

Dans le cadre de l'œuvre de Gilbert Durand, il n'existe pas, à notre connaissance, beaucoup d'études sur sa conception du Mythe. Cette étude, qui se veut approfondie, documentée et réflexive, est basée sur une méthodologie qualitative et herméneutiquement réflexive : elle vise à contribuer à la clarification de la théorie du Mythe chez Gilbert Durand, que nous considérons comme originale, et à ce qu'elle soit connue non seulement des spécialistes, mais aussi et surtout des néophytes en la matière. Dans ce but, nous partons de la définition du Mythe que l'auteur propose dans ses Structures anthropologiques de l'imaginaire (1960) avec l'arrière-plan conceptuel que cette même définition implique. Sur cette base, nous avons structuré le texte de l'article en quatre parties : dans la première, nous nous sommes concentrés sur les concepts constitutifs de la définition du Mythe, à savoir ceux de Schème, d'Archétype et de Symbole ; dans la deuxième, nous avons traité de la sémantique du Mythe; dans la troisième, nous avons essayé d'élucider la relation que le Mythe entretient avec l'Histoire ; enfin, dans la quatrième, nous avons traité de la perpétuité et du retour du Mythe. Nous espérons donc qu'après avoir lu cet article, le lecteur aura une connaissance suffisamment claire de la conception originale du mythe dans l'œuvre durandienne.

En France, comme dans la plupart des pays européens depuis les années quatre-vingts, se développe l'idée que face à un taux de chômage à deux chiffres une issue à l'état d'anomie dans lequel s'installe la société peut venir d'une flexibilité massive de la force de travail. L'article étudie comment émergent, dans les actions engagées autour des licenciements et des reconversions d'emploi, les éléments essentiels constitutifs d'un mythe des temps modernes énonçant la capacité des élites à produire une modernisation régulée de nos sociétés industrielles. L'auteur approche cette question en l'insérant dans le cadre plus large d'une sociologie du temps social.

RÉSUMÉL'auteur s'efforce ici de relativiser la thèse généralement admise dans les milieux gérontologiques et popularisée par l'avocate féministe Louise Dulude dans un article intitulé “Vieillesse, monde de femmes”. Prenant le taux de masculinité âgée comme indicateur, l'article démontre que cette affirmation n'est vraie au Canada que depuis peu et dans les milieux urbains, qu'un pays sur six à travers le monde fait exception à la règle de même que la moitié (9/18) des groupes ethniques de l'Ontario en 1971. Le cas autochtone illustre encore davantage la complexité de la situation.On se rend ainsi compte que la prédominance d'un sexe sur l'autre au troisième âge est conditionnée par une multiplicité de facteurs: biologie, histoire, migrations, ethnicité, milieu (rural-urbain) et occupation.

RésuméCet article étudie la relation entre le contrôle constitutionnel exercé par la Cour Suprême du Canada et la démocratie en analysant la jurisprudence portant sur les droits garantis par la Charte. Plus précisément, l'article vise à engager le débat avec un groupe influent d'universitaires, les interprétivistes canadiens, illustrés par les contributions scientifiques de F. L. Morton, Rainer Knopff et Christopher P. Manfredi. Contrairement aux interprétivistes qui concluent que l'activisme judiciaire de la Cour Suprême du Canada a compromis le constitutionnalisme libéral, cet article suggère qu'il a plutôt renforcé la suprématie de la Constitution. Cet argument est développé en deux parties. Dans la première, les limites théoriques de la compréhension de l'intention du législateur historique sont explorées pour illustrer les difficultés conceptuelles auxquelles font face les interprétivistes canadiens dans leur tentative de démontrer que le pouvoir judiciaire au Canada est sans contrainte. Nous soutenons que la construction de la compréhension historique est une entreprise hautement subjective qui a crée le mythe de la suprématie judiciaire. Dans la deuxième partie, les limites empiriques de ce mythe sont discutées en identifiant le paradoxe de l'activisme judiciaire: comment il varie, ainsi que son effet, selon l'acteur étatique qui se trouve au centre du recours à la Charte. Grâce à une analyse de cas d'un ensemble de décisions portant sur les droits garantis, l'article confronte ce mythe en démontrant que l'activisme judiciaire contre la police ne renforce point la suprématie judiciaire mais bien celle de la Constitution. En redéfinissant la relation entre les citoyens et l'État par une jurisprudence activiste des droits, la Cour suprême du Canada a effectivement contrôlé des abus de pouvoir par les agents de police. Cet activisme sert bien l'avancement de la suprématie constitutionnelle, quoi qu'en disent les interprétivistes canadiens‥

Englilish The Boabeng-Fiema Monkey Sanctuary in central Ghana has been called a classic example of successful ‘‘traditional’’ conservation. Local hunting taboos on two species of primates (the ursine black and white colobus and the Campbell's monkey) are thought to date back to the 1830s when a local oracle instructed the villagers to ‘‘care for the monkeys’’. However, the same level of protection is not given to the surrounding forest or other animals in the forest. In light of this situation, we examine the extent to which the traditional taboos on the monkeys complement the biological/ environmental conservation agenda. We come to the conclusion that the monkeys embody the history and foundation myths of the villages and serve as a totemic mechanism to preserve the villagers' social world. French Le "Boabeng-Fiema Monkey Sanctuary'' au centre du Ghana est considéré comme un exemple classique de conservation "traditionnelle'' réussie. Les tabous locaux sur la chasse de deux espèces de primates (le colobus oursin noir et blanc et le singe de Campbell) datent, pense-t-on, des années 1830, lorsqu'un oracle local avait fait savoir aux villageois qu'ils devaient "prendre soin des singes''. Cependant, la protection accordée aux singes ne l'est pas à la forêt environnante ou aux autres espèces animales de la forêt. C'est pourquoi l'article cherche à établir dans quelle mesure les tabous traditionnels à l'égard des singes convergent avec l'agenda de conservation biologique/environnementale. L'article en arrive à la conclusion que les singes incarnent l'histoire et les mythes fondateurs de ces villages et servent de mécanismes totémiques pour préserver l'espace social des villageois.

Cet article vise à relever le dynamisme interne du drame cornélien. Le substrat sur lequel s'accomplit la comparaison est l'histoire du roi Œdipe, telle qu'elle a été inaugurée par Sophocle. Dans ce contexte, l'article explore le rôle du hasard ou l'hamartie présenté par Aristote. Il est à noter que la coïncidence prend un ascendant considérable dans la genèse de grandes tragédies (Le Cid, Horace, Cinna, La Mort de Pompée, Polyeucte, Suréna) bien que fonctionnellement elle n'apparaisse pas en toutes lettres, puisque il y a, à tout instant, un vecteur dans la disposition des événements théâtraux qui remet l'action sous l'emprise rationnelle des protagonistes. L'écrit présent explore davantage le caractère complémentaire de la notion de vraisemblance que celles du hasard et de l'hamartie. L'article consacre finalement une attention particulière à Œdipe de Corneille lui-même, révélant un paradoxe intéressant. La grande majorité de la pièce pourrait être interprétée comme la négation des forces qui, en dehors de tout contrôle, agiraient contre l'homme faisant de lui un pantin impuissant en face du destin, ce qui serait en accord avec les idées molinistes en vogue à l'époque. Pourtant les derniers vers de la tragédie éponyme raffermissent ostensiblement la prédisposition de la fatalité et semblent identifier - ex post - la pièce entière à l'enjeu qui tient en son pouvoir l'Œdipe-Roi de Sophocle. On pourrait donc fonder une présupposition que le hasard ou l'hamartie pourraient avoir plus d'emprise sur la structure profonde de l'œuvre cornélienne qu'il n'apparait au premier abord.

Résumé Après avoir posé l'importance du thème du désengagement des familles à l'égard des personnes âgées dans la politique de maintien à domicile, l'auteure s'attache à démontrer qu'il s'agit d'un mythe. En fait, de nombreuses recherches font état de l'importance du réseau d'entraide familiale auprès des personnes âgées et la place centrale qu'y occupent les femmes. Cette aide a de nombreuse répercussions sur la vie des aidants et les femmes sont particulièrement vulnérables à cet égard. Par la suite, l'article souligne les effets de la politique québécoise de maintien à domicile sur les aidants du réseau familial. Enfin, l'auteure s'interroge sur l'avenir de cette politique en faisant état de certaines tendances démographiques et sociales.

Cette recherche s'appuie essentiellement sur l'étude des biographies de Van Gogh, Lautrec et Monet afin de mettre en lumière les processus de constitution de représentations collectives d'un public vers les artistes. Dans la majorité des cas, l'artiste est vu comme personnage exceptionnel, mythique, image largement répandue prenant appui sur les mythes les plus anciens, mais aussi sur la littérature du XIXème siècle. Il semble que ces vies, porteuses de mythe et de sacré, focalisent les besoins d'un monde en quête de repères concrets, mais aussi de rêve et d'imaginaire, créateurs de lien social, dans une société individualiste, froide et anomique. Cette recherche cherche à révéler comment une société, à une époque, peut construire une telle représentation en fonction des valeurs et des idéologies qui l'animent. Une brève étude historique sur les biographies d'artistes, et un travail d'analyse sur la forme et le contenu des récits permettent d'accéder à la connaissance de ces valeurs
This research work is based upon the study of Van Gogh's, Lautrec's and Monet's biographies. It aims to bring to light the process of setting up of the collective representations people have towards artists. The artist ist mostly regarded as an outstanding, mythical character : this image is being widely spread and leans on the oldest myths and on the 19th century's literature as well. Those lives, conveyors of myth and of sacred, seem to focus the needs of a world in quest of concrete marks, but in quest of dream and imaginativeness too, those marks being the architects of social relationship inside an individualistic, unmoved and anomic society. The purpose of this research is to reveal how one society, during one definite period, can built an image of the artist, according to the values and the ideology which enliven it. An historical study about biographies of artists, added to an analytic work about both contend and form of the stories enable to get to the knowledge of those values

Cette thèse étudie l'idée de l'art et de l'artiste dans l'œuvre littéraire du peintre et écrivain chilien Adolfo Couve (1940-1998). Elle propose notamment d'aborder ses textes de fiction et de non-fiction dans une perspective unique marquée par ce que nous définirons comme son mythe de l'artiste. Sur la base de certains concepts et théories inhérents aux études contemporaines sur les mythes, nous identifions cinq moments ou phases qui définissent l'artiste dans l'œuvre de Couve. Ces moments, particulièrement visibles dans certains passages des œuvres qui racontent la vie d'un artiste (La lección de pintura, 1979 ; La comedia del arte, 1995 ; Cuando pienso en mi falta de cabeza, 2000) sont les suivants : « vocation », « apprentissage », « crise », « pari » et « libération ». Sur la base de la description de ces jalons dans l'itinéraire de l'artiste couverien, nous analyserons les principales préoccupations esthétiques soulevées par la littérature de l'auteur, que nous confronterons avec l'expression de sa pensée artistique dans ses entretiens et ses écrits sur l'art. On postule que l'idée d'art contenue dans l'œuvre littéraire d'Adolfo Couve se construit dans (et en même temps est un symbole de) la croisée des chemins à laquelle la pensée occidentale moderne fait face depuis le début du XXe siècle, entre la crise du paradigme de la raison et la tentative de réhabiliter certaines valeurs associées à la pensée mythique
This PhD dissertation studies the idea of art and the artist in the literary work of the Chilean painter and writer Adolfo Couve (1940-1998). It approaches his fiction and non-fiction from a unique perspective marked by what we will define as his “myth of the artist”. Anchored in certain concepts and theories of contemporary myth studies, the dissertation identifies five moments or phases that define the artist in Couve’s work. These moments, which are especially visible in some passages of the works that narrate the life of an artist (La lección de pintura, 1979; La comedia del arte, 1995; Cuando pienso en mi falta de cabeza, 2000), are the following: “vocation”, “apprenticeship”, “crisis”, “proposition” and “liberation”. Using the description of these milestones in the itinerary of Couve’s artists as a starting point, the dissertation explores the main aesthetic questions raised by the author’s oeuvre, which will be compared with the expression of his artistic thought in his interviews and writings on art. The main thesis is that the idea of art contained in the literary work of Adolfo Couve is built in (and at the same time is a symbol of) the crossroads –faced by Western modern thought since the early twentieth century– between the crisis of the paradigm of reason and the attempt to rehabilitate certain values associated with mythical thought
Este trabajo estudia la idea de arte y de artista en la obra literaria del pintor y escritor chileno Adolfo Couve (1940-1998). En particular, propone abordar sus textos de ficción y de no ficción desde una única perspectiva marcada por lo que definiremos como su mito de artista. En base a determinados conceptos y teorías propias de los estudios contemporáneos sobre los mitos, se identifican cinco momentos o fases que definen al artista en la obra de Couve. Estos momentos, especialmente visibles en algunos pasajes de las obras que narran la vida de un artista (La lección de pintura, 1979; La comedia del arte, 1995; Cuando pienso en mi falta de cabeza, 2000) son: “vocación”, “aprendizaje”, “crisis”, “apuesta” y “liberación”. A partir de la descripción de estos hitos en el itinerario del artista couveano, analizaremos las principales preocupaciones estéticas que plantea la literatura del autor, las que cotejaremos con la expresión de su pensamiento artístico que consta en sus entrevistas y escritos sobre arte. Como hipótesis general, se postula que la idea de arte contenida en la obra literaria de Adolfo Couve se construye en (y es al mismo tiempo símbolo de) la encrucijada que enfrenta el pensamiento moderno occidental desde inicios del siglo XX, entre la crisis del paradigma de la razón y el intento por rehabilitar determinados valores asociados al pensamiento mítico

Cette thèse explore la réception de Michel-Ange entre 1875, date des célébrations florentines du IVe centenaire de la naissance de l’artiste, et 1914. À cette époque, le culte de Buonarroti s’affirme comme un phénomène d’ampleur qui touche simultanément à une histoire du goût, de la culture et de l’inspiration artistique. À travers une reconstruction minutieuse des réseaux internationaux, des cercles et des figures qui promeuvent l’admiration pour Michel-Ange, de Gabriele d’Annunzio à Auguste Rodin, nous parcourons les grandes questions critiques et esthétiques ouvertes par l’action d’un mythe qui se met véritablement à l’œuvre et investit directement la création de l’époque. D’une part la figure teintée de légende de Buonarroti permet de penser la figure du créateur divin, surhumain, démesuré, fournissant un paradigme idéal que les artistes de l’époque convoquent pour fabriquer leur propre gloire artistique. De l’autre, l’admiration pour Michel-Ange s’avère fonctionnelle à une création qui souhaite renouer avec la poétique du sublime, repensant la nudité héroïque et l’ambition du monumental, afin de produire une œuvre douée des mêmes qualités esthétiques que l’on attribue à l’art de Buonarroti. Le michelangelisme se révèle ainsi comme un enjeux majeur, capable de dévoiler une géographie artistique et culturelle inédite ainsi qu’un débat animé sur les usages multiples que l’on peut faire du passé, entre nostalgie et modernité, entre imitation et émulation. C’est alors une réflexion plus générale sur les notions d’autorité, de filiation et de référence que l’on peut également aborder à travers l’histoire du foisonnant revival de Michel-Ange au tournant du XIXe siècle
This thesis explores the reception of Michelangelo between 1875, date on which the celebrations for the fourth centenary of the artist’s birth were held in Florence, and 1914. During this time, the cult of Buonarroti became an international phenomenon, rooted in a cultural history of taste and artistic inspiration. Through an attentive study of circles and figures that actively promoted the celebration of Michelangelo, from Gabriele d’Annunzio to Auguste Rodin, the aim of this work is to unveil the action of an artistic myth that deeply shaped the creation of the time. On one hand, the legendary figure of Michelangelo became the paradigm of the divine and superhuman creator ; on the other hand, the love for the old master unfolded the ambition of those who hoped to renew an art based on sublime subjects, heroic nudity and monumentality, in order to load their creation with the same aesthetics qualities seen in Michelangelo’s art. Thus, michelangelism reveals itself as a complex artistic problem, capable of shedding light on an unusual artistic geography, while revealing an animated debate upon the multiple uses of the past, between nostalgy and modernity, between imitation and emulation. On a larger scale, then, this subject also engage in a deeper investigation upon the fundamental notions of authority, parentage, and reference, who are at the very core of the revival of Michelangelo at the end of the nineteenth century