Academic literature on the topic 'Musique gestuelle'

Abstract: L’œuvre d’Echenoz est une œuvre dynamique, dans laquelle les personnages sont souvent en mouvement. Deux représentants de ce rapport au geste, au déplacement et au corps retiendront l’attention : le musicien et le sportif. Echenoz leur a consacré trois livres au statut différent : Au piano , Ravel et Courir . S’il écrire la course à pied invite à se pencher sur la gestuelle du sportif, écrire la musique, par nature immatérielle, incite plutôt à l’aborder à partir des dimensions affectives ou harmoniques qui lui sont attachées. Mais Au piano et Ravel s’attaquent à la musique en tant qu’activité physique . C’est le musicien qui nous met en contact avec son art, ce qui le rapproche étonnamment du sportif. D’autant que ce dernier est lui aussi considéré comme un artiste. Tous deux pratiquent un art qui tient de l’excellence et de l’exception. Et celui-ci ne passe par des mots mais par des gestes, qui imposent de les décrypter à partir d’une archéologie mettant en lumière la façon dont ils relèvent d’une sémiologie, de scénographies, voire de mythologies telles que Barthes les a étudiées.

Dans ce texte, le compositeur Philippe Leroux s’intéresse tout d’abord aux rapports qu’entretiennent continuité, son et geste. Puis, après s’être attaché à montrer comment les empreintes énergétiques de ces gestes se transforment en substituts gestuels, et la façon dont l’écoute de la musique renvoie aux gestes de production sonore ou à des mouvements gestuels virtuels physiques ou psychiques, il considère en quoi le concept de phrasé énergétique a pour fonction de relier l’ensemble de ces notions, sur le plan de l’audition comme de la composition. Ceci l’amène à redéfinir l’oeuvre musicale comme un espace transitionnel dans lequel l’action consistant à mettre en relation les évènements sonores supplante les notions classiques de développement par extension et prolifération d’une idée germinale.

L’article rappelle les divers usages rituels de la notion de « jeu » dans les langues mongoles et toungouses et en fait un premier repérage dans les langues turques. Ces usages varient d’un système symbolique à l’autre (danse, bond, lutte, course, tir, chant, musique, mime, et même décor...), définissant pour chacun une configuration propre. Jouer un rituel n’est pas seulement l’accomplir, mais tenter d’y remporter une victoire en sorte d’infléchir positivement le cours des choses soumis à l’issue du rituel. D’où la forte présence de la notion de jeu dans l’activité divinatoire et plus largement chamanique (qu’il faille « jouer » soi-même ou « faire jouer » les esprits). Une répartition de la notion de jeu rituel s’esquisse chez les peuples turcs d’Asie centrale entre combat armé et ronde soufie, reflétant celle, idéologique, entre chamanisme et islam, tandis que la musique instrumentale tend à être monopolisée par le barde. En conclusion, « jouer » apparaît constitutif de l’acte rituel dans cette aire. Les modes gestuels sont l’essence du jeu rituel, les productions sonores n’en sont que les attributs, susceptibles de prendre leur autonomie.

Nos travaux portés sur l’analyse des œuvres d’Aphex Twin et d’Autechre, figures emblématiques du courant de musiques électroniques semi-expérimentales nommé Intelligent Dance Music (IDM), ont démontrés, par le biais de l’analyse structurale, la présence de caractéristiques communes dans l’organisation d’ensembles microrythmiques (EMR). La fréquence des EMR se situe principalement entre les plus hautes périodicités du rythme (10 à 20 e/s) et le seuil de l’audition humaine (20 à 50 e/s). Caractérisés par leurs fréquences élevées, les « ensembles texturaux » sont dénués de dynamisme lorsqu’ils sont courts et comportent des variations du timbre lorsqu’ils sont longs. L’effet provoqué par ce type d’ensemble est celui d’une texture contrastant avec le contenu rythmique. Les EMR aux fréquences les plus faibles forment les « ensembles gestuels ». Ils sont généralement longs et propices aux regroupements ainsi qu’aux dynamismes. L’effet provoqué par ce type d’EMR est celui qui suggère le prolongement, exprimant ainsi le geste.

This article examines Maurice Merleau-Ponty’s reference to Franz Kafka’s “The Metamorphosis” and “Investigations of a Dog” in his lecture on gesture and reconciliation, “Man Seen from the Outside.” Given the centrality of gesture in Kafka’s work, this essay considers the connections between the two figures and the likely influence of Kafka on Merleau-Ponty’s concept of gesture and intentionality. It compares their respective philosophies of gesture as they relate to meaning, reliability, silence, music, and intention. Finally, Kafka’s gestural motif of the springing body is suggested as a significant example of Merleau-Ponty’s “escaping intentions,” expressing a powerful will to intend toward others.Cet article examine la référence de Maurice Merleau-Ponty à La Métamorphose et aux Recherches d’un chien de Franz Kafka dans sa « causerie » sur le geste et la réconciliation : « L’homme vu du dehors ». Étant-donnée la centralité du geste dans l’oeuvre de Kafka, cet article examine les liens entre les deux auteurs et la possible influence de Kafka sur les concepts merleau-pontiens de geste et d’intentionnalité. Nous comparerons leurs philosophies du geste dans leur manière de se rapporter au sens, à la fiabilité, au silence, à la musique et à l’intention. Enfin, le motif gestuel du corps jaillissant chez Kafka sera proposé comme un exemple significatif des « intentions fuyantes » de Merleau-Ponty, exprimant un puissant désir de se diriger vers les autres.Quest’articolo esamina i riferimenti merleau-pontiani a “La Metamorfosi” e a “Indagini di un cane” di Franz Kafka nella sua conferenza sul gesto e la riconciliazione, “L’uomo visto da fuori”. Data la centralità del gesto nell’opera di Kafka, questo saggio si propone di esaminare le connessioni tra i due autori e la possibile influenza di Kafka sulla concezione merleau-pontiana del gesto e dell’intenzionalità. L’articolo confronta le loro rispettive filosofie del gesto nella misura in cui si riferiscono al significato, alla veridicità, al silenzio, alla musica e all’intenzione. Da ultimo, il motivo gestuale del corpo elastico in Kafka è indagato come significativo esempio delle “intenzioni fuggevoli” merleau-pontiane che esprimono una volontà tesa verso gli altri.

Ce texte montre comment la notion de geste musical peut être reliée à l’interaction musicale dans la musique mixte, à travers des exemples d’analyses, de systématisation, de classification et de catégorisation de différents rapports d’interaction gestuelle entre instruments et électronique. Le but principal est d’établir un ensemble de modèles théoriques de l’interaction qui pourrait être utilisé comme méthode d’analyse et de composition.

La musique visible de Dieter Schnebel se situe au croisement de la musique, de la danse et du théâtre. Elle incarne parfaitement une problématique artistique née au début du 20e siècle: l’émergence progressive de la catégorie du geste et de l’espace. Élaboré au tournant des années soixante, au moment des expérimentations scéniques de l’avant-garde, son processus de composition ne cesse d’évoluer jusqu’à sa mort en 2018 mais reste toujours centré sur l’interprète en tant qu’Homme. Le corps devient alors le matériau central de la composition, son origine et son but : la musique visible est composée pour et avec le geste. Le but de cette étude est de mieux cerner l’influence qu’a eue l’œuvre de Schnebel sur la création et l’essor du répertoire de théâtre « composé » européen entre 1960 et 1990, à travers trois œuvres visible music, Maulwerke et Körper-Sprache
Dieter Schnebel’s visible music stands between music, dance, and theater. It perfectly embodies an artistic research from the beginning of the 20th century: the progressive development of gesture and space notions. Created in the sixties, during the staging experimentations of the avant-garde, his composition process continues to evolve until his death in 2018, but always still focus on the performer as a human being. The body becomes the first material for the composition, its origin, and its purpose: the visible music is composed for and with gesture. The aim of this study is to determine the influence of Schnebel’s works, on the European composed theater between 1960 and 1990, analyzing three scores: visible visible music, Maulwerke et Körper-Sprache

Le travail de cette thèse porte sur l'étude du contrôle en temps réel de synthèse de voix chantée par une tablette graphique dans le cadre de l'instrument de musique numérique Cantor Digitalis.La pertinence de l'utilisation d'une telle interface pour le contrôle de l'intonation vocale a été traitée en premier lieu, démontrant que la tablette permet un contrôle de la hauteur mélodique plus précis que la voix réelle en situation expérimentale.Pour étendre la justesse du jeu à toutes situations, une méthode de correction dynamique de l'intonation a été développée, permettant de jouer en dessous du seuil de perception de justesse et préservant en même temps l'expressivité du musicien. Des évaluations objective et perceptive ont permis de valider l'efficacité de cette méthode.L'utilisation de nouvelles interfaces pour la musique pose la question des modalités impliquées dans le jeu de l'instrument. Une troisième étude révèle une prépondérance de la perception visuelle sur la perception auditive pour le contrôle de l'intonation, due à l'introduction d'indices visuels sur la surface de la tablette. Néanmoins, celle-ci est compensée par l'important pouvoir expressif de l'interface.En effet, la maîtrise de l'écriture ou du dessin dès l'enfance permet l'acquisition rapide d'un contrôle expert de l'instrument. Pour formaliser ce contrôle, nous proposons une suite de gestes adaptés à différents effets musicaux rencontrés dans la musique vocale. Enfin, une pratique intensive de l'instrument est réalisée au sein de l'ensemble Chorus Digitalis à des fins de test et de diffusion. Un travail de recherche artistique est conduit tant dans la mise en scène que dans le choix du répertoire musical à associer à l'instrument. De plus, un retour visuel dédié au public a été développé, afin d'aider à la compréhension du maniement de l'instrument
This thesis deals with the real-time control of singing voice synthesis by a graphic tablet, based on the digital musical instrument Cantor Digitalis.The relevance of the graphic tablet for the intonation control is first considered, showing that the tablet provides a more precise pitch control than real voice in experimental conditions.To extend the accuracy of control to any situation, a dynamic pitch warping method for intonation correction is developed. It enables to play under the pitch perception limens preserving at the same time the musician's expressivity. Objective and perceptive evaluations validate the method efficiency.The use of new interfaces for musical expression raises the question of the modalities implied in the playing of the instrument. A third study reveals a preponderance of the visual modality over the auditive perception for the intonation control, due to the introduction of visual clues on the tablet surface. Nevertheless, this is compensated by the expressivity allowed by the interface.The writing or drawing ability acquired since early childhood enables a quick acquisition of an expert control of the instrument. An ensemble of gestures dedicated to the control of different vocal effects is suggested.Finally, an intensive practice of the instrument is made through the Chorus Digitalis ensemble, to test and promote our work. An artistic research has been conducted for the choice of the Cantor Digitalis' musical repertoire. Moreover, a visual feedback dedicated to the audience has been developed, extending the perception of the players' pitch and articulation

Le tandem formé par Kurt Weill et Bertolt Brecht s'est imposé comme l'un des plus prolifiques de la République de Weimar. Emblème de cette collaboration, l'opéra Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny composé entre 1927 et 1929 est l'enjeu d'idées théoriques comme l' "opéra épique" ou encore le "Song". Dans un article de 1929, Weill décrit le "caractère gestuel de la musique" qui participe de la manifestation d'événements scéniques et de la construction de la forme du drame comme synthèse de ses expériences. Le but de cette étude est d'interroger sa mise en œuvre musicale dans le cadre de la collaboration avec Brecht pendant la phase de création de cet opéra. L'approche adoptée privilégie une analyse concrète des phénomènes musicaux dans le contexte de la représentation, en tentant de saisir comment la musique parvient à la fois à s'insérer dans une dramaturgie et à en modeler la forme
The Kurt Weill and Bertolt Brecht's partnership has established itself to the most significant of the Weimar Republic. Composed between 1927 and 1929, the opera Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny is both emblematic and purpose-made for such ideas like "epic opera" or "Song", that are resultant of the author's reflections about relationship between music and theatre. In a 1929 paper, Kurt Weill has lead to the "gestic character of music", which is relevant to local drama events as well as the global construction of the form. The aim of this study is to understand this particular musical feature in the period of the collaboration between Weill and Brecht during the creation phase of Mahagonny. The approach wants to focus on musical analysis, to understand how musical idiom can both lead the dramaturgy and shape its form

Le travail de cette thèse porte sur la modélisation de la production et du contrôle de voix chantée synthétique dans la perspective de la lutherie numérique. Nous présentons deux instruments : le Cantor Digitalis, se focalisant sur le contrôle de voyelles chantées et sur l'individualisation des voix ; et le Digitartic, destiné au contrôle de l'articulation de syllabes de type Voyelle-Consonne-Voyelle. Ils permettent, à l'aide de tablettes graphiques augmentées, des applications musicales interactives nécessitant un contrôle temporel fin des paramètres de la production vocale. La pertinence musicale de ces instruments a été établie avec notre ensemble Chorus Digitalis en participant à plusieurs concerts. Nous avons étudié en situation musicale la justesse inter-musiciens et les gestes utilisés pour réaliser les tâches musicales nécessaires à la reproduction d'un large répertoire, constitué de musiques actuelles et traditionnelles (chorale baroque, chant khayal d'Inde du Nord). Notamment, une expérience visant à analyser la faculté à contrôler la fréquence fondamentale du Cantor Digitalis a été entreprise. Les sujets devaient imiter des intervalles et quelques mélodies suivant trois modalités (avec leur propre voix, à la tablette sans et avec retour audio). Les résultats montrent une aptitude plus grande des sujets à jouer de manière précise avec la tablette plutôt qu'avec leur propre voix, tandis que l'apport de l'audio sur le jeu à la tablette est nulle dans ces conditions expérimentales. Les deux instruments sont regroupés dans une application écrite en Max/MSP fournissant également un outil pédagogique audio-visuel et interactif sur le fonctionnement de la voix.

Mémoire en recherche-création / Creative dissertation
Cette thèse de maîtrise traite du processus créatif et de la recherche qui y est associée afin de produire deux performances en direct dans le domaine de la musique électroacoustique. À l’aide de ces deux œuvres, mon intention était de concevoir une pratique artistique qui réunit plusieurs modes autour de la gestuelle et du son, influencée par des algorithmes. Une tentative approfondie d’extraire un processus de composition à partir des réactions de la matière en vibration englobe une grande partie de la recherche. Cette recherche découle de ma transition d’une pratique artistique basée sur la représentation (soucieuse des haut-parleurs, manettes et boutons) vers une pratique imprégnée par la performance (soucieuse de la transformation continuelle du son en relation avec les modulations de la matière). Tout au long de cette recherche, j’ai mené un examen approfondi des rythmes au-delà de la pure mesure de leurs expressions musicales, pour considérer les nombreuses notions du rythme qui se dévoilent dans les interactions quotidiennes de l’expérience vécue. Les micro-rythmes perçus par l’oreille comme des textures, les gestes répétitifs perçus par l’œil comme un mouvement linéaire et les rythmes observés lors de circonstances sociales communes, comme la cadence de la conversation sont, parmi les caractéristiques du rythme qui ont suscité mon intérêt. Le tout se situe dans un récit historique éclairé qui étudie l’influence de l’algorithme et de la matière tout au long de la musique et de l’art sonore du XXe siècle. La recherche conceptuelle est enrichie par des expériences exhaustives en composition algorithmique, analyse gestuelle et modélisation gestuelle. Dans chacun de ces domaines, bien que soutenue par des lectures fondamentales en philosophie et en art, une approche primaire de la création s’est faite dans un processus « réfléchir-en-faisant » qui ont généré de nombreuses ex- périences tant avec la matière physique qu’avec la conception d’instruments numériques. Au- delà de la création des performances qui constituent la base des résultats de cette recherche, un vaste ensemble d’outils interopérables d’analyse gestuelle en temps réel, de modélisation, de composition algorithmique et de traitement du son a été développé et publié pour l’environnement Max/MSP.
This master’s thesis concerns the creative process and related research for the production of two live performances in the domain of electroacoustic music. Across the creation of the two works, my intention has been to develop a unified multi-modal gesture, sound, and algorithm influenced performance practise. Encompassing the largest portion of the research is an earnest attempt to derive compositional process from the behavior of vibrating matter. This research is precipitated by my movement from an artistic practice based on representation (concerned with speakers, knobs, and buttons) towards a practice steeped in performance (concerned with the continuous transformation of sound correlated to material modulation). Across this research, an in-depth investigation was conducted into rhythms beyond their purely metric musical manifestations, and into the numerous alternative notions of rhythm which are revealed through daily interactions and lived experience. Rhythmic artifacts of interest have included micro-rhythms perceived by the ear as textures, repetitive gestures perceived by the eye as linear motion, and rhythms observed in ordinary social situations such as the cadence of conversation. This is all situated within an informed historical narrative which considers the influence of the algorithm and material primarily across 20th century music and sound art. The conceptual research is augmented by extensive experiments in algorithmic composition, gesture analysis, and gesture mapping. In each of these areas, though tied to fundamental readings in philosophy and art, a primary approach to creation has been thinking-through-making, which has led to extensive experimentation with both physical materials and digital instrument design. Beyond the performance creations which form the basis of this research output, a large set of interoperable tools for real-time gesture analysis, mapping, algorithmic composition, and sound processing was developed and published for the Max/MSP environment.

Cette thèse en recherche-création est une réflexion sur l’espace du geste-son. La dé- marche artistique de l’auteure, reposant sur six éléments : le corps, le son, le geste, l’image vidéo, l’espace physique et l’espace technologique, a été intégrée dans la conception d’un système de captation de mouvement en vision par ordinateur, le SICMAP (Système In- teractif de Captation du Mouvement en Art Performatif). Cette approche propose une nouvelle pratique performative hybride. Dans un premier temps, l’auteure situe sa démarche artistique en s’appuyant sur les trois piliers de la méthodologie transdisciplinaire : les niveaux de Réalité et de perception (le corps et l’espace-matière), la logique du tiers inclus (l’espace du geste-son) et la com- plexité (éléments du processus de création). Ces concepts transdisciplinaires sont ensuite mis en relation à travers l’analyse d’œuvres arborant un élément commun à la démarche de l’auteure, soit le corps au centre d’un univers sensoriel. L’auteure met ensuite en lumière des éléments relatifs à la pratique scénique susci- tée par cette démarche artistique innovante à travers le corps expressif. Le parcours du performeur-créateur, menant à la conception du SICMAP, est ensuite exposé en passant par une réflexion sur l’« instrument rêvé » et la réalisation de deux interfaces gestuelles pré- paratoires. Sous-entendant une nouvelle gestuelle dans un contexte d’interface sans retour haptique, la typologie du geste instrumental est revisitée dans une approche correspondant au nouveau paradigme de l’espace du geste-son. En réponse à ces recherches, les détails de la mise en œuvre du SICMAP sont ensuite présentés sous l’angle de l’espace technologique et de l’application de l’espace du geste- son. Puis, les compositions réalisées lors du développement du SICMAP sont décrites d’un point de vue artistique et poïétique à travers les éléments fondateurs du processus de création de l’auteure. La conclusion résume les objectifs de cette recherche-création ainsi que les contributions de cette nouvelle pratique performative hybride.
This research-creation thesis is a reflection on the gesture-sound space. The author’s artistic research, based on six elements: body, sound, gesture, video, physical space, and technological space, was integrated in the conception of a motion capture system based on computer vision, the SICMAP (Système Interactif de Captation du Mouvement en Art Performatif – Interactive Motion Capture System For Performative Arts). This approach proposes a new performative hybrid practice. In the first part, the author situates her artistic practice supported by the three pillars of transdisciplinary research methodology: the levels of Reality and perception (the body and space as matter), the logic of the included middle (gesture-sound space) and the com- plexity (elements of the creative process). These transdisciplinary concepts are juxtaposed through the analysis of works bearing a common element to the author’s artistic practice, the body at the center of a sensorial universe. The author then puts forth elements relative to scenic practice arisen by this innovative artistic practice through the expressive body. The path taken by the performer-creator, leading to the conception of the SICMAP, is then explained through a reflection on the “dream instrument” and the realization of two preparatory gestural interfaces. Implying a new gestural in the context of a non-haptic interface that of the free-body gesture, the topology of the instrumental gesture is revisited in response to a new paradigm of the gesture-sound space. In reply to this research, the details of the SICMAP are then presented from the angle of the technological space and then applied to the gesture-sound space. The compositions realized during the development of SICMAP are then presented. These works are discussed from an artistic and poietic point of view through the founding elements of the author’s creative process. The conclusion summarises the objectives of this research-creation as well as the contributions of this new performative hybrid practice.