Academic literature on the topic 'Musique élargie'

RésuméL’article évalue la contribution de la sémiotique post-greimassienne aux recherches sur les rapports entre les arts. Sa démarche est fondée sur l’hypothèse d’une fécondité conceptuelle de la théorie du langage pour construire un modèle généralisable des relations interartistiques. Ce projet théorique s’appuie sur de nombreux exemples, entre les XVIIIe et XXIe siècles, montrant les liens entre musique, poésie et peinture, entre musique et architecture, et entre peinture, roman et cinéma. Il conduit à dégager d’abord les transpositions qui, limitées au seul plan de l’expression, visent une spécularité sensorielle, formant une « mathesis du sensible ». Approfondissant ensuite les homologies entre les deux plans des langages, on examine la manière dont leurs liens peuvent être remotivés, ouvrant alors sur une conception élargie du semi-symbolisme. Puis, en envisageant la relation interartistique sous la domination du contenu, on s’intéresse aux modalités d’emboîtement et de capture d’une œuvre par une autre, à travers un réexamen d’un motif trans-artistique par excellence : l’ekphrasis. Enfin, eu égard aux spécificités des langages, à leur autonomie et à leur relative étanchéité, on interroge leur résistance au transfert, à partir d’exemples qui, entre tensions et conflictualités, narrativisent les rencontres interartistiques.

Résumé Avec la notion d’in situ, telle que Daniel Buren l’a conceptualisée dans le domaine des arts plastiques, le lieu d’accueil d’une oeuvre est intégré à l’oeuvre elle-même qui, de ce fait, excède le cadre censé la détenir. Ici importée au domaine sonore, cette problématique permet de montrer que de nombreux compositeurs contemporains ont élargi les limites que le concert traditionnel impose au champ musical. Cet élargissement peut s’appuyer sur la durée de cette manifestation, les caractéristiques spatiales des salles, l’image produite par tout geste musical, voire les éléments sonores du contexte lui-même. Sont ainsi répertoriées les différentes modalités de la musique in situ, sur l’exemple d’oeuvres de Stockhausen, John Cage, Gérard Grisey ou Marc-André Dalbavie.

Revendiquant une filiation avec les compositeurs de l’âge d’or hollywoodien et faisant valoir des conceptions relativement similaires quant à la place et au rôle de la musique au sein du film, John Williams est souvent représenté dans la littérature spécialisée comme l’héritier direct des pionniers du symphonisme. Tandis que les études des partitions de Williams restent souvent focalisées sur le synchronisme, il apparaît au contraire intéressant d’analyser les procédés de mise à distance entre la musique et l’image. Cette étude de la musique composée pour Jurassic Park, laquelle n’a encore fait l’objet d’aucune recherche musicologique véritablement approfondie, interroge l’apport et la singularité de Williams au regard des pratiques antérieures de la dissociation musique/images. Cette approche permet aussi de faire ressortir les lacunes du discours dominant sur un compositeur contemporain. En effet, une analyse méticuleuse de la partition de Jurassic Park permet de mettre au jour un hiatus entre ce discours dominant et la pratique effective du compositeur. Williams ne se contente pas de reprendre les types de décalage musique/images employés par les pionniers du symphonisme, mais élargit les procédés et réévalue leur utilisation. En outre, certains modes de dissociation apparaissent comme spécifiques au compositeur. Dans plusieurs scènes, Williams renforce la discontinuité du montage afin de mettre en valeur un changement dramatique soudain. Une distance musicale est aussi créée par rapport aux dialogues, aux réactions des personnages et aux références visuelles. Se démarquant du 100 pour cent musical, la partition accorde une place importante au silence, la musique étant absente aux moments dont l’accompagnement est traditionnellement convenu. Enfin, s’écartant des pratiques du symphonisme hollywoodien, Williams se livre à un traitement relativement inattendu et personnel de la mort, tandis que sa musique nuance la perception d’un happy end en nimbant les derniers plans d’un voile triste et mélancolique.

Aujourd’hui, le concept même de patrimoine s’est élargi : ce ne sont plus exclusivement la qualité du monument, son intérêt artistique ou historique qui comptent, mais ce qui, dans le tissu urbain auquel il est lié, nous rattache à une histoire et à des pratiques collectives ; les traditions, les langues, les musiques sont désormais patrimoine. Quelles sont les grandes lignes que pourrait prendre une nouvelle forme d’éducation au patrimoine à l’école au regard des enjeux politiques, culturels et éducatifs actuels ?

Le présent travail est consacré à Claude Lévi-Strauss et à son interprétation structurale de l'opéra comme une ‘composition’ métaphorique d'un grand opéra anthropologique, matérialisé dans son étude Mythologiques en quatre volumes, en référence à L'Anneau de Nibelung, la tétralogie de Wagner. Il a créé le type d'étude comparative de la fonction et de la structure des schèmes mythiques dans la culture amérindienne et les partitions d'orchestre des opéras de Wagner, et a implicitement indiqué que la musique européenne, avec sa représentation éminente – l'opéra – avait la même valeur ou la même position symbolique dans l'esprit et la vie de l'Européen de l'époque que le mythe dans ‘la pensée sauvage'. C'est ainsi qu'il peut nous mener à une interprétation de l'opéra comme mythe et métaphore. Le travail portant sur Lévi-Strauss élargit néanmoins la discussion à une peinture historique plus large du rapport entre l'opéra et la mythologie comme deux systèmes symboliques de la culture européenne.

International audience La valorisation en France entre 1945 et 1956 de la musique soviétique s'opère à travers les événements ou les articles de presse consacrés aux virtuoses soviétiques. La musique est valorisée par des arts ou des pratiques connexes, néanmoins parties intégrantes de la musique : l'enseignement soviétique, la danse, le cinéma… La période stalinienne d'après-guerre élargie à l'immédiat après Staline représente l'acmé de la dictature stalinienne et reste encore aujourd'hui la plus mystérieuse de l'histoire soviétique. Cette période correspond par ailleurs, en URSS, à un moment d'exacerbation de la politique culturelle dite du « réalisme socialiste » dans le domaine des arts, et spécialement de la musique. Cela exigeait de l'artiste une représentation véridique, historiquement concrète de la réalité dans son développement révolutionnaire, son devoir étant de participer à la lutte idéologique et à l'éducation des masses dans l'esprit du socialisme. Limiter la question de la réception de la musique soviétique aux réactions et aux discussions que cette musique suscitait dans les revues savantes serait ne pas prendre en compte la manière dont elle a interrogé, en tant que modèle, la sphère de la consommation musicale française en général. Il s'agit ici de ne pas interpréter la réception de la musique soviétique en France à travers celle d'un compositeur ou d'une oeuvre. Les virtuoses sont ainsi valorisés comme des intermédiaires. La force d'un tel travail réside en la masse d'informations recueillies et organisées à partir de toutes les publications nationales assimilées communistes de l'époque, chambres d'écho de ce qui se passait alors en URSS et riches en informations sur les carrières et les représentations des virtuoses.

Abstract:This paper employs the lens of sensory historical analysis to examine public school music in the making of a modern middle class in late-Victorian Toronto. Its aim is to show how this subject both shaped and was shaped by the culture of modernity which increasingly pervaded large urban centres such as Toronto during the course of the nineteenth century. The paper goes beyond pedagogic and bureaucratic justification, to present the evolution of school music within a much broader acoustic framework, that is, to weave it into the increasingly-urban soundtrack of Toronto, to gain some appreciation of how it would have been heard and understood at the time. Its aim is to offer historians of education an understanding of what actually occurred in the classrooms of Toronto during the period by listening to these experiences and the acoustic environment in which they would have been understood.Résumé:Cet article analyse le rôle joué par les cours de musique dans les écoles publiques de Toronto dans le processus de formation de la classe moyenne à l'époque victorienne. L'auteur propose une analyse historique sensorielle afin de démontrer comment cette matière scolaire a influencé et était influencée par la culture de modernité dont s'imprégnaient graduellement les grands centres urbains au cours du dix-neuvième siècle. Au-delà des justifications pédagogiques et bureaucratiques, il présente l’évolution des cours de musique dans un cadre élargi en lien avec la musique diffusée dans cette ville aux sonorités de plus en plus urbaines. Il veut ainsi favoriser une meilleure compréhension de ce qu'était le contexte sonore et sa réceptivité chez les auditeurs à cette époque. Ce texte trace pour les historiens de l'éducation un portrait de l'évolution de l'enseignement de la musique dans les classes torontoises dans le contexte particulier de la nouveauté musicale.

The devaluation of the recorded music commodity under digitalization has destabilized the recording industry. One primary record industry response is the new “360 deal” form of the recording contract. By securing rights to individual acts’ live performance, music publishing and licensing, and merchandizing activities, this new deal expands record companies’ access to more profitable fields of music industry activity (if in piecemeal fashion). We examine the context, evolution, and varieties of the 360 deal, and argue that it re-secures record industry profitability and further stratifies the population of recording artists by shifting risk onto performers.La dévaluation marchande de la musique qui accompagne la numérisation a déstabilisé l’industrie de l’enregistrement sonore en Amérique du nord. Cet article en explore l’une des principales réponses: le nouveau contrat “360 degrés.” En leur assurant des droits sur le spectacle vivant, l’édition musicale et les activités reliées aux produits dérivés d’artistes individuels, ce nouveau contrat élargit l’accès des maisons de disques à des champs d’activité industrielle plus rentables (même de façon fragmentaire). Nous proposons de rendre compte du contexte, de l’évolution et de la diversité des contrats 360 degrés, arguant qu’en reléguant la responsabilité des risques et des investissements aux artistes, l’industrie de l’enregistrement sonore ré-assure sa rentabilité et polarise davantage la population entre artistes établis et de la relève, fortifiant la position des premiers et intensifiant la vulnérabilité des seconds.

Le présent projet est le résultat d’une réflexion sur des thèmes tels que le ballet classique, l’art, l’enseignement traditionnel au Brésil et l’architecture, comment chacun est lié et comment les insérer dans la composition d’un projet architectural, ayant été présenté comme une exigence pour l’obtention diplômé de la Faculté d’Architecture et d’Urbanisme de l’UFRJ. Un concept a été recherché qui pourrait rassembler toutes les intentions de conception et qui ferait la corrélation entre l’art du ballet classique, l’art de l’architecture et le programme des besoins de l’entreprise. L’art de la conception ne doit pas simplement suivre des modèles, des paramètres et des formes rigides et, dans ce contexte, nous avons cherché à développer une architecture fluide et légère qui avait des caractéristiques des arts et du ballet classique. Pour cela, il a été vérifié la manière dont le corps du danseur exécute les pas de ballet et comment l’axe de ce corps permet les mouvements et la fluidité des pas de la chorégraphie. Il n’y a pas de « vrai ou faux » dans la réalisation d’un projet, ce qu’il faut prendre en compte, ce sont les orientations, les besoins et les spécificités de chaque public, espace physique ou culture locale. Le projet Bolshoi Ballet School à Rio de Janeiro ajoute des connaissances en danse, avec des cours pratiques et théoriques de ballet, jazz, contemporain, flamenco, claquettes et danses folkloriques à la formation secondaire dispensée au Brésil. Les étudiants apprennent des techniques vidéo et musicales, en plus d’avoir des cours de musique pratiques et théoriques, ce qui élargit encore leur formation en danse, faisant d’eux des danseurs plus complets.

L’emprunt au folklore constitue une des nombreuses manipulations effectuées par le créateur du début du XXe siècle, à partir d’un matériau préexistant à son œuvre. Ces manipulations sont sous-tendues par de multiples processus identitaires, qui souvent détournent le regard de l’analyste, de l’œuvre vers l’ensemble de ses connotations contextuelles et symboliques. S’interroger sur les conséquences, tant stylistiques que techniques, de ces phénomènes, ne semble pas aller de soi. En réexaminant la structure tonale d’œuvres, avec et sans emprunt, composées par Béla Bartók entre 1903 et 1920, via un modèle d’inspiration néo-riemannienne permettant une interprétation de leur parcours tonal sur la définition d’unités triadiques, cette étude propose de réévaluer, au-delà de leur tonalité, des répertoires encore trop souvent considérés comme séparés par une ligne de faille assez peu perméable : celle entre romantisme et modernité
Borrowing from folklore constitutes one of the numerous operations done by early 20th century creators from a material pre-existing to their works. Those operations are subtended by multiple identity-searching processes that often shift the eyes of the analyst away from the work to the whole of its symbolical and contextual connotations. Questioning oneself about the consequences, be they stylistic or technical, of those phenomena doesn’t seem to be taken for granted. By reexamining the tonal structure of works, with or without borrowings, composed by Béla Bartók between 1903 and 1920, through a pattern of Neo-Riemannian inspiration, enabling an interpretation of their tonal distances based on the definition of triadic unit. This study aims at reassessing, beyond their tonality, corpuses still to often considered as split apart by a rather impervious flaw line, that between romanticism and modernity

Le terme d'immersion sonore est apparu à la fin du XXe siècle dans divers domaines artistiques. Il recouvre de nombreuses dimensions, qu'elles soient physiques, métaphoriques ou même métaphysiques. Il n'y a cependant d'immersion sonore qu'avec, par ou pour le son.De la réalisation concrète du phénomène auditif dans toute son omnidirectionnalité à la mise en œuvre artistique et contextualisée de l'interaction avec le monde sonore en passant par une conjonction avec l'esprit écologique jusqu'à la quête d'états de conscience modifiés, l'immersion sonore se propose de communiquer différemment avec le monde à travers le son. En particulier, ce terme a pris une ampleur considérable avec la musique contemporaine, mettant en avant de nouveaux paradigmes et de nouveaux concepts, développant de nouvelles façons d'aborder des domaines tels que la corporalité, la multiplicité, l'interaction, la fusion, ou la spiritualité. La notion d'immersion sonore aide à comprendre plusieurs langages spécifiques et l'esthétique qui en découle implique de multiples tendances ou styles, et s'associe ainsi à la recherche d'une plus grande sensibilité, d'une spatialité élargie, d'une forme de temporalité non-linéaire ou de concepts philosophiques plus métaphorisés. Pour mieux comprendre les tenants et les aboutissants de ce phénomène, la thèse se concentre sur l'étude de l'univers de Luigi Nono à travers l'analyse de son œuvre Prometeo. Tragedia dell'ascolto (1981-1984, rév. 1985). Toutes les particularités de l'immersion sonore, de l'appréhension esthétique à la réalisation compositionnelle, y trouvent une illustration permettant d'en clarifier la portée artistique et humaine
The term “ sound immersion ” appeared in various artistic fields at the end of the 20th century. It covers many dimensions, whether they are physical, metaphorical or even metaphysical. However, sound immersion can only be achieved with, by or for sound.From the concrete realization of the auditory phenomenon in all its omnidirectionality, to the artistic and contextualized implementation of interaction with the sound world, via a conjunction with the ecological spirit to the quest for modified states of consciousness, sound immersion proposes to communicate differently with the world through sound. In particular, the term has gained considerable extent with contemporary music, highlighting new paradigms and concepts, developing new ways of approaching areas such as corporeality, multiplicity, interaction, fusion, or spirituality. The notion of sound immersion helps us to understand several specific languages, and the resulting aesthetic implies multiple trends or styles, and is thus associated with the search for greater sensitivity and expanded spatiality, a non-linear form of temporality or more metaphorical philosophical concepts. To better understand the ins and outs of this phenomenon, the thesis focuses on the study of Luigi Nono's universe through the analysis of his work Prometeo. Tragedia dell'ascolto (1981-1984, rev. 1985). All the particularities of sound immersion, from aesthetic apprehension to compositional realization, are illustrated, clarifying its artistic and human scope