Dissertations / Theses on the topic 'Musée de l'Art Culinaire'
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LAMBERT, VOLK FANNY. "Des fleurs pour la gastronomie : aux limites de l'art culinaire." Strasbourg 1, 1999. http://www.theses.fr/1999STR15118.
Full text
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Zancanaro, Frédéric. "Le processus de production des œuvres dans l'art culinaire contemporain français." Thesis, Toulouse 2, 2016. http://www.theses.fr/2016TOU20025.
Full textAbstract:
Le degré d’excellence atteint tant au niveau esthétique que technique par la cuisine savante dès la seconde moitié du 17ème siècle, doublé d’une capacité à créer et/ou à interpréter des œuvres originales, permet de faire passer la cuisine du rang d’activité domestique et artisanale au rang de pratique professionnelle artistique. La question de la construction des œuvres dans l’art culinaire contemporain français est abordée sous l’angle du processus de production. Les lectures analytique et experte de l’offre alimentaire figurant dans les cartes des restaurants tri-étoilés au guide Michelin et les entretiens biographiques, montrent que le processus de production des œuvres culinaires varie en fonction de la socialisation professionnelle, de l’histoire de vie, et des interactions nouées avec le monde de l’art culinaire dans une arène gastronomique. La manière dont les chefs agrègent ces éléments caractérise leur production artistique (interprète vs créateur – localisé vs non localisé). De plus, le type culinaire des chefs (conservateur/avant-gardiste) semble être en lien avec leur type de signatures esthétiques. L’apport théorique de ce travail pourrait contribuer à définir un espace social qu’on pourrait appeler « espace social gastronomique ». Cet espace social gastronomique permettrait de dégager les dimensions de la signature des chefs qui seraient utiles aux scientifiques pour étudier l’art culinaire, aux professionnels pour se positionner « culinairement » et « scénographiquement », aux commentateurs pour disposer de nouvelles catégories d’analyse, et aux formateurs pour initier le public en formation. En cela, cette thèse contribue à thématiser l’art culinaire au sein de la sociologie de l’alimentationThe level of technical and aesthetic excellence reached by learned cuisine in the second half of the 17th century and the capacity to create novel works and or reinterpret some have propelled domestic and artisanal cooking into the world of artistic professional practice. We have chosen to address the problem of work construction in French contemporary culinary art from the production process viewpoint. The analytical and expert reading of the food offer as evidenced in menus of three-starred restaurants and in chefs’ interviews clearly underlines that the production process differs between chefs since it depends on the professional socialization but also on the chefs’ life history and on their interactions with the world of culinary art in the gastronomic arena. The way chefs aggregate all these elements is the hallmark of their artistic production (interpreter vs creator – national dimension vs terroir-focused). The culinary type to which they belong (conservative/avant-garde) seems to be closely linked to the type of aesthetic signature which differentiates them. The theoretical contribution of this research work may help define some social space that could be referred to as « gastronomic social space ». Such an approach could help outline the contours of the chefs’ signature that might prove quite valuable to the researchers who intend to study culinary art, to the professionals who try to position themselves with regard to « culinary and scenic design », to the reviewers who need an analytical framework and to the trainers who plan to educate the general public. In this respect, this research work can be considered as an asset to incorporate culinary art to the domain of food sociology
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Alary, Luc. "De l'art vivant à l'art moderne : genèse du Musée national d'Art moderne." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010526.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie la formation du Musée national d'Art moderne depuis la création en 1818 de la galerie royale destinée aux artistes vivants jusqu'à l'ouverture effective du musée national d'art moderne en 1947. L'étude des configurations successives de l'institution fait apparaitre l'émergence progressive d'une conscience muséologique pour l'art moderne, liée aux transformations de l'État républicain, au développement de la réflexion architecturale et muséographique, au perfectionnement des catégories historiques en matière d'art vivant. L'ensemble donne à lire une autre histoire de l'art contemporain, dont la thèse s'efforce de tracer les grandes lignesThis doctoral thesis deals with the process of formation of the "Musée national d'Art moderne" from the creation of the "galerie royale destinée aux artistes vivants" in 1818 until the opening of the "Musée national d'Art moderne" in 1947. The history of the institution, through its successive definitions, brings into light the birth of a museological consciousness for modern art, closely connected with political change, architectural and technical improvements, debates about classifying methods. As a whole, this thesis could be an alternative history of modern art as a part of national patrimony
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Arous, Jamila. "L'esthétique du caché : à propos de l'art brut." Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1987PA010551.
Full textAbstract:
L'idée essentielle est celle-ci : la possibilité de créer existe. Encore, faut-il que l'œil et la main soient conditionnés par une alimentation "culturelle ou inculturelle" pour trouver matière à expression. À cet effet, l'exemple de quelques œuvres de la collection de l'art brut de Lausanne - émanant de personnes étrangères au domaine artistique - était sollicité pour dévoiler certaines vérités. Et s'il faut découvrir un sens à l'œuvre, ce ne peut être que du caché, de l'obscur, enfoui dans le manifeste, tout comme un plat cuisine qui ne diffuse réellement son parfum qu'une fois entamé. D'où la correspondance entre l'art culinaire et l'art plastique. À décortiquer l'œuvre - dotée d'un corps - qui appelle une sensibilité esthétique, nous nous sommes rendu compte que l'auteur se métamorphose en matière volante, tissée de chimère. Certes, l'œuvre fantasmatique gonfle le réel et fortifie l'être de l'auteur. Aussi, on peut dire qu'il y a dans l'art une exigence qui ne relève pas de la vérité. Cependant, l'œuvre doit sa genèse a la "cuisine-technique", au retour aux sources de son auteur. Déterminé, ce dernier crée pour calmer sa faim. Nous ne pouvons perdre de vue le fait que le phénomène osmose qui apparait lors de l'analyse de l'œuvre dévoile les lignes de forces de notre sensibilité. Ainsi, nous ne parlons plus du caché, de l'enfoui de l'œuvre, de son auteur, mais du notre, de ce qui est ancre en nous. La réflexion sur l'art brut nous renvoie à celle de l'art enseigné
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Pringuet, Virginie. "Vers un atlas de l'art dans l'espace public : la modélisation d'un musée réticulaire." Thesis, Rennes 2, 2017. http://www.theses.fr/2017REN20006/document.
Full textAbstract:
Art dans l’espace public, art public, art à ciel ouvert, art in situ, Land art ou encore musée sans murs, autant de termes polysémiques qui désignent un champ artistique souvent au coeur des polémiques mais finalement peu documenté. Cette thèse en esthétique s’inscrivant dans le mouvement des humanités numériques est consacrée à la problématique de l’inventaire, de la cartographie et de la visualisation des oeuvres d’art dans l’espace public. Le projet de recherche est constitué de deux volets : une plateforme numérique - le site Wiki et l’application mobile Atlasmuseum - et la thèse. L’examen de plusieurs initiatives, nationales et internationales, de cartographie d’oeuvres d’art public, de projets pionniers d’inventaires numériques et de collections institutionnelles sur le Web s’est opéré à partir d’une question centrale : comment concevoir une instance muséale pour des oeuvres situées précisément en dehors du périmètre du musée ? Et de manière corollaire : comment modéliser un « musée réticulaire » dans le contexte de l’ouverture, de l’interopérabilité des données culturelles et du Web sémantique ? Partant du constat de l’hétérogénéité et de l’incommensurabilité constitutive du corpus d’oeuvres ainsi qu’à travers la lecture rapprochée et distanciée d’une sélection d’oeuvres d’art public contemporain (issues notamment du « 1% artistique » et de la commande publique entre 1951 et 2016), la thèse est construite autour de la conception d’une instance muséale reliant à travers leurs notices plusieurs centaines d’oeuvres, d’artistes et des lieux. La plateforme Atlasmuseum est un dispositif à la fois curatorial, muséologique et muséographique qui regroupe selon un mode contributif curators, conservateurs, amateurs d’art, artistes, informaticiens, historiens de l’art, documentalistes, enseignants et étudiants ; elle repose sur le logiciel Mediawiki enrichi de l’extension SemanticMediawiki. A l’intersection de la cartographie, de la muséologie critique et de l’anthropologie de l’art, la thèse est structurée en quatre parties. La première est consacrée à la carte comme médiation entre les oeuvres et les lieux. La carte y est examinée selon différents points de vue afin d’esquisser les grandes lignes d’un outil d’inventaire potentiel pour les oeuvres d’art public. La deuxième partie de la thèse consiste à prolonger les premières hypothèses en opérant un double changement d’échelle, de la carte à l’atlas et symétriquement de l’inventaire au musée. Suit la partie « centrale » de la thèse, qui constitue une version « papier » de la plateforme Atlasmuseum dans ses deux formats (Web et mobile) et dans ses quatre dimensions (exploration, contribution, recherche et sémantisation). Dans la quatrième partie est proposée une lecture « à distance » des données récoltées et des hypothèses explorées dans les parties précédentes, notamment à travers la constitution d’un corpus d’oeuvres restreint. L’hypothèse explorée dans cette partie est celle de la visualisation ontologique des notices d’oeuvres à travers une modélisation et une spatialisation spécifique des données et des métadonnées (selon le modèle CIDOC CRM ). Il s’agit ainsi au fil de la thèse d’opérer plusieurs glissements de terrain successifs et rétroactifs, de la théorie à la pratique, du curating artistique vers la curation de données, de la carte vers l’inventaire, de l’atlas vers le musée, du diagramme vers le réseauPublic art, site specific, in situ art, Land art or museum without walls, various polysemic terms are used to designate the field of art in public space, much commentated but finally little documented. This thesis in Aesthetics and Digital humanities aims to account to the modeling process of a “reticular museum” for public art. The research project consists of two parts: a digital platform - the Atlasmuseum wiki site and mobile application - The application and the thesis itself. A review of several, national and international initiatives of public art maps, pioneering projects of digital inventories and online institutional collections has been conducted from a central question: how to design a museum structure for artworks located precisely outside the museum traditional perimeter? And consequently: how to model a contributory inventory tool in the context of cultural linked open data and the Semantic Web? Taking account of the immeasurable and heterogeneous corpus of public artworks, and through close and distant readings of a selection of contemporary public artworks (“1% for art in architecture” and public art commissions in France between 1951 and 2016), the thesis is built around the concept of a “reticular museum” connecting through their records hundreds of art pieces, artists and sites. Dedicated to public art inventory, through specifically designed notices, maps, atlases and visualizations, the Atlasmuseum platform aims to reunite on a contributory basis, curators, artists, computer scientists, art historians, librarians, art lovers, teachers and students. Atlasmuseum is based on the MediaWiki software enriched with the Semantic MediaWiki extension. It is a curatorial as well as a museological and museographical project. At the intersection of critical cartography, critical museology and anthropology of art, the thesis is structured in four parts. The first is devoted to the map as mediation between artworks and their sites. The map is examined from different points of view in order to sketch the outlines of a potential inventory tool for public art. The second part of the thesis aims to extend the initial assumptions by working a double shift of scale, from the map to the atlas and symmetrically from the inventory to the museum. Follows the “central” part of the thesis, which is a “printed” version of the Atlasmuseum platform in both formats (Web and mobile) and its four dimensions (exploration, contribution, research and semantization). In the fourth part, a close and distant reading of a specific collection of artworks (art pieces created for the tramway networks in France) is conducted through data visualizations. The hypothesis is that an ontological data visualization (using the CIDOC CRM model) can offer a new form of perception and apprehension of these artworks within their environment and context. Thus the thesis operates successive and retroactive landslides, from theory to practice, from artistic curating to data curation, from the map to the inventory, from the atlas to the museum and from the diagram to the network
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Bernier, Christine. "L'art au musée, de la représentation des oeuvres à la représentation de l'institution." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp05/NQ62086.pdf.
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Savard, Guillaume. "Du monastère au musée : statuts et fonctions de l'oeuvre peinte à l'hôpital général de Québec (1693-1960)." Thesis, Université Laval, 2005. http://www.theses.ulaval.ca/2005/23149/23149_1.pdf.
Full text
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Biass-Fabiani, Sophie. "Ecrire l'histoire de l'art de la marge." Thesis, Avignon, 2016. http://www.theses.fr/2016AVIG1161/document.
Full textAbstract:
Cette thèse sur travaux vise à reconstituer la cohérence d’une trajectoire de recherche caractérisée simultanément par : 1) le souci d’inclure l’histoire de l’art dans un cadre interdisciplinaire qui fait une place de choix à la dimension sociale et communicationnelle des formes sans toutefois l’y réduire ; 2) le projet d’interroger à nouveaux frais les rapports entre centre et périphérie artistiques à travers les textes les plus significatifs d’une carrière attachée à la conservation et la monstration. C’est la raison pour laquelle le mémoire s’ouvre sur une réévaluation de la portée heuristique des notions de centre et de périphérie. L’article fondateur d’Enrico Castelnuovo et Carlo Ginzburg est l’objet d’une relecture informée par la logique de recherche que les divers travaux révèlent. Dans un deuxième temps la grille analytique ainsi renouvelée est appliquée à un objet, la Provence. Cette région est à la fois un objet esthétique et un lieu de production. Son paradoxe est d’être un lieu de haute valeur symbolique en même temps qu’une périphérie, quelquefois même stigmatisée. Le troisième chapitre s’appuie sur une comparaison des artistes qui ont accompagné le parcours du conservateur. A cette occasion, les notions d’art, d’institution et de marché sont réinterrogées en accordant une importance particulière aux fonctions de l’exposition et de la critique d’art dans le processus de reconnaissance d’un artiste. Enfin, l’importance relative de la photographie et de l’art vidéo dans le travail de conservateur conduit à mettre à l’épreuve la notion d’« art moyen » développée par Pierre Bourdieu. On peut repérer les dynamiques propres à ces domaines qui visent à les faire sortir de la situation de relégation relative où ils se trouventThis dissertation based on works aims to reconstruct the cohesiveness of a research trajectory both characterized by: 1) the attempt to include art history in an interdisciplinary frame that gives a significant weight to its social and communicative dimension without being reductionist; 2) the will to question afresh the relationships between center and artistic periphery through published texts during a career devoted to curating and exhibiting. This is why the original text starts with a reassessment of Enrico Castelnuovo and Carlo Ginzburg famous article based on the research logic that different published texts reveal. Then the renovated analytical grid is applied to an object, Provence. This region is both an aesthetical object and a site of production. Its paradox leads it to be a place of high symbolic value as well as a periphery, sometimes stigmatized. The third chapter is based on a comparison between the artists that have been exhibited during the curator’s trajectory. By doing that, the notions of art, institution and market are revisited with a special attention given to the functions of exhibition and art critique in the process of artistic recognition. Last the relative importance of photo and video art in the curator’s trajectory leads to reassess the notion of middle-brow art (art moyen) developed by Pierre Bourdieu. One can thus identify the dynamics specific to those domains that aims to end the situation of relegation that has for long trapped them
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Vander, Gucht Daniel. "Le musée et l'art contemporain: contribution à la sociologie de la médiation artistique à l'ère post-moderne." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 1994. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/212669.
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Long-Tarasco, Véronique. "Mécènes des deux mondes : les collectionneurs-donateurs du musée du Louvre et de l'Art Institute Chicago, 1879-1940." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010585.
Full textAbstract:
En Europe et en Amérique, la plupart des musées des beaux-arts sont nés après 1850 de l'initiative de collectionneurs. Majoritairement des industriels, des banquiers et des négociants, ils considéraient la collection comme un symbole de culture, de prospérité, de richesse, de pouvoir pour eux-mêmes et pour leur nation. Ainsi, l' Art Institute de Chicago est fondé en 1879. La culture européenne était un modèle pour la nouvelle nation américaine, soucieuse de compter parmi les puissances culturelles. Le Louvre devint le musée idéal et l'incarnation de la haute culture en raison de sa visée éducative, patriotique et régénératrice héritée du moment révolutionnaire français. Fondé sur une prosopographie comparée et une étude des goûts, ce travail met en évidence les aspects sociaux, culturels, politiques et économiques de la collection, ainsi que les processus d'imitations et de transformations, de Paris à Chicago, qui contribuèrent à façonner le musée américain.
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Philippe, Julie. ""C'est bien comme cela que l'on s'imagine un beau monument de l'Orient" : Louis Delaporte et l'art khmer (1866-1924)." Thesis, Paris, Ecole nationale des chartes, 2015. http://www.theses.fr/2015ENCP0002/document.
Full textAbstract:
Louis Delaporte est un personnage méconnu de l’histoire de l’étude de l’art khmer en France. Il a cependant occupé, entre sa première mission aux ruines khmères, en 1873, et sa démission du Musée indochinois du Trocadéro, en 1924, une place centrale dans l’archéologie de l’Asie du Sud-Est. Cette thèse fournit un premier éclairage sur le travail entrepris par Delaporte pour faire connaître l’art khmer, et constituer une collection d’œuvres devant servir de base pour son étude. Des sources inédites (correspondance familiale, documents de travail conservés par la famille Delaporte et le musée Guimet) permettent de retracer le parcours professionnel de Louis Delaporte, de sa première visite sur le site d’Angkor, en 1866, au développement du Musée indochinois du Trocadéro, entre 1884 et 1924. Si la concentration du travail de Delaporte autour de l’art khmer est fortuite (sa première mission aux ruines khmères a ainsi été conçue comme l’étape initiale d’un voyage plus large d’exploration du Tonkin), il développe cependant dès son retour en France une stratégie réfléchie pour assurer aux œuvres rapportées de son séjour une place de choix sur la scène scientifique française. Grâce à la création d’un très vaste réseau, dans l’administration aussi bien que dans les milieux scientifiques, Louis Delaporte devient ainsi, dès les années 1880, un personnage incontournable dans l’étude des monuments khmers. Faute des connaissances nécessaires, il ne réussira cependant jamais à s’imposer comme le fer de lance de l’archéologie khmère, et se concentrera plutôt sur le développement d’une collection destinée à devenir, en France, indispensable à qui s’intéresse à l’archéologie khmèreLouis Delaporte is an underrated character in the history of the study of Khmer art in France. Between his first travel to the Khmer ruins, in 1873, and his resignation from the Musée indochinois du Trocadéro, in 1924, he held, however, a central position in the archeology of Southeast Asia. This thesis provides a first insight into the work undertaken by Delaporte to make Khmer art renowned, and provide a collection of art works meant to be the basis of its study. Unpublished sources (family letters, working papers kept by the Delaporte family and the musée Guimet) help relate Louis Delaporte’s career, from his first visit to Angkor, in 1866, to the development of the Musée indochinois du Trocadéro, between 1884 and 1924. If the focus of Delaporte’s work on Khmer art is born of fortuitous circumstances (his first travel to the Khmer ruins was designed to be the inital step of a broader exploration trip to Tonkin), he however developed a conscious strategy to ensure the works of art he brought back became prominent in French scientific circles. Thanks to the creation of a vast network, in the administration as well as in scientific circles, Louis Delaporte became, in the 1880s, a key character in the study of Khmer monuments. Due to his lack of knowledge, however, Delaporte never succeded in becoming the spearhead of Khmer archeology, and focused instead more on the development of a collection designed to become, in France, essential to whoever had an interest in Khmer archeology
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Barbedor, Isabelle. "Le musée, une histoire d'art entre l'histoire de l'art et l'histoire du goût, Angers – Nantes -Rennes (1790-1990) : peintures et sculptures XVIIIe - XIXe siècles." Rennes 2, 1993. http://www.theses.fr/1993REN20017.
Full textAbstract:
Le but de cette thèse est d'étudier l'évolution des rapports de l'art et du musée, à partir de l'exemple des collections de peintures et de sculptures des XVIIIe et XIXe siècles, conservées dans les musées d'Angers, de Nantes et de Rennes. Elle se propose de comprendre comment la création même du musée, conçu comme un outil conservatoire et pédagogique, interpelle et transforme la finalité de l'art, en fondant un espace artificiel qui inaugure la modernité. La première partie est consacrée à la période de création du musée qui s'opère dans le passage de la collection privée à la collection publique. Elle comprend l'étude des saisies révolutionnaires et des envois de l'Etat et de leur influence sur le musée jusqu'au milieu du XIXe siècle. La deuxième partie est consacrée a l'étude du musée, de son rôle et de ses usages, de 1850 a 1918. Elle présente les rapports des principaux acteurs du musée (Etat ville – collectionneur - artiste) avec l'art et leur influence sur cet espace public qui devient un des symboles du monde urbain en assurant la pérennité de ses propres traditions culturelles. La troisième partie est consacrée au musée et à ses rapports avec l'histoire de l'art qui apparaît comme un nouvel acteur du monde muséal. Elle montre comment l'histoire de l'art se substitue à l'artiste et inaugure un nouveau rapport à l'art et à la modernitéThe purpose of this thesis is to study the evolution of the relationships between art and art gallery, starting from the example of paintings and sculptures of XVIIIe and XIXe centuries, preserved in the art galleries of Angers, Nantes and Rennes. Its purpose is to show how the creation of the art gallery, regarded as a place of preservation and study, concerns and transforms the finality of art, by opening for it, an artificial space which inaugurates modernity. The first part is devoted to the period of emergence of the art gallery, which is characterised by the transition from private collections to public collections. It includes the study of the confiscations of revolutionary period and the attributions of works of art by the state and their influence on the art gallery, during the first part of the XIXe century. The second part is devoted to the study of the function and the using of art gallery, between 1850 and 1918. It describes relationships of the principal actors of art gallery (state, town, collector, artist) with art and their influence on this public space which becomes one of the symbols of urban world by securing the durability of its own cultural traditions. The third part presents the art gallery and its relationships with art history which appears as a new operator of the museal world. It shows, how art history substituted to the artist himself, inaugurates a new relation with art and modernity
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Lemieux, Ariane. "L'artiste et l'art contemporain au Musée du Louvre des origines à nos jours : une histoire d'expositions, de décors et de programmations culturelles." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010645.
Full textAbstract:
La En septembre 2003, le président-directeur du musée du Louvre, Henri Loyrette, présentait, à la radio de France Culture, la politique qu'il entendait mener en faveur de l'art contemporain. Pour justifier cette politique d'envergure, qui donne une forte visibilité à l'art contemporain au cœur du premier musée public d'art ancien, le président-directeur fait immanquablement référence à la traditionnelle place de l'artiste et de l'art vivant au Louvre. Si la commande de décors en faveur des plus grands artistes contemporains renouvelle bien une tradition qui s'est perdue au cours du XIXe siècle, il n'en est certainement pas de même en ce qui concerne la présentation d'œuvres contemporaines dans l'enceinte du musée. La présence d'œuvres contemporaines dans le parcours des collections permanentes des musées d'art ancien est un phénomène particulier des vingt dernières années. Certains parlent même, à cet égard, d'un phénomène muséologique relevant à la fois d'un intérêt généralisé pour l'art contemporain et d'une prise de conscience de l'importance du regard de l'artiste vivant sur des œuvres qu'il connaît aussi bien, mais différemment, que le spécialiste. Mais il s'agit surtout de la nouvelle réalité des musées, celle de la fin du permanent au profit de l'événement, de l'affirmation des rogrammations culturelles et de la place du public. L'art contemporain au musée du Louvre procède de cette évolution généralisée de l'institution muséale au cours des quarante dernières années mais aussi de l 'histoire du premier musée national de France, celle de ses rapports avec les artistes et la création qui lui est contemporaine.
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Yaneva, Albena. ""L' affluence" des objets : Pragmatique comparée de l'art contemporain et de l'artisanat d'art." Paris, ENMP, 2001. http://www.theses.fr/2001ENMP1063.
Full textAbstract:
La thèse explore l'esthétique comme un état instable d'objets en émergence, afin de sortir de la tradition subjectivante d'un côté, et des discours sur le beau et les propriétés intrinsèques de l'objet de l'autre. Elle se fonde sur une observation détaillée, " moléculaire ", des processus de fabrication en art contemporain et en artisanat d'art, et compare les modes de présence, de résistance, d'action et de circulation des objets dans ces deux univers. La sociologie de l'art est invitée à emprunter ses méthodes à l'anthropologie des techniques: explorer l'émergence simultanée des objets et de leurs mondes sociaux, et les suivre jusqu'aux réseaux d'exposition et de vente. Art contemporain et artisanat fournissent dans cette optique des terrains privilégiés pour mener une recherche sur les façons spécifiques qu'ont les objets de s'ouvrir et de se clore, de se multiplier et de se raréfier.
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Tsang, Fanny. "Formes et enjeux de la participation en art : le cas des Monuments et du Musée précaire Albinet de Thomas Hirschhorn." Thesis, Paris 10, 2020. http://www.theses.fr/2020PA100060.
Full textAbstract:
Cette thèse interroge la participation en art à travers l’analyse des Monuments et du Musée précaire Albinet réalisés entre 1999 et 2013, en Europe et aux États-Unis, par l’artiste contemporain Thomas Hirschhorn. Ces œuvres ont pour point commun d’avoir été édifiées avec les habitants des « cités » dans lesquelles elles se sont déroulées. Elles reposent moins sur la contemplation que sur l’expérimentation d’une situation particulière : il s’agit ici de la mise en relation d’individus de classes sociales, d’âge ou d’origines différentes. Ces œuvres se donnent pour ambition d’être des lieux de transmission de savoirs et de transformations substantielles de l’écologie du tissu urbain des « cités ». Se pose ainsi la question de l’articulation entre les modalités de la participation et sa puissance de transformation. Afin de répondre à cette question, nous avons mis en place deux niveaux d’analyse. D’une part, nous avons ancré la recherche dans le champ de l’esthétique en nous concentrant sur les modalités de production et de réception des œuvres. D’autre part, nous avons réalisé des entretiens auprès des participants et des spectateurs des œuvres afin de caractériser les processus de participation de manière concrète. La participation est le plus souvent associée à des processus de personnalisation, d’adaptation ou encore d’expression du public qu’elle vise, et a pour corollaire l’effacement de la figure de l’artiste. Cette thèse démontre a contrario que c’est de la confrontation à l’altérité que des processus de subjectivation et un agir collectif peuvent éclore. Le maintien d’une figure forte de l’artiste semble alors nécessaire, de manière paradoxale, pour que des processus participatifs, entendus au sens d’une puissance de transformation, puissent avoir lieuThis thesis questions the participation in art through the analysis of Monuments and of the Musée Précaire Albinet realized between 1999 and 2013 in Europe and in The United States, by the contemporary artist Thomas Hirschhorn. These pieces were all crafted with the residents of the projects in which they took place. They are less based on contemplation than on the testing of a specific situation: the interaction of people from different origins, ages and social backgrounds. These pieces aim to be places of knowledge transmission and substantial transformation of the ecology of the projects’ urban web.Consequently, the question revolves around the relation between the modes of participation and their transformative power.In order to answer this question, we set two levels of analysis. First, we investigated the aesthetic field and focused on the production modes and the way the pieces were perceived. Then, we carried out interviews of the participants and of the audience members so as to concretely characterize the participation process. Participation is usually associated to personalization and adaptation process, or to the expression of the targeted audience, which leads to the deletion of the artist’s touch. By contrast, this thesis shows that it is from the confrontation to the otherness that subjectivation processes and a collective action may come out. Then, and paradoxically, to maintain the artist in a strong position seems necessary, so that participative processes —understood as powers of transformation — may happen
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Lin, Yu-Ta. "Représentations des aborigènes de Taïwan au musée : entre art et ethnographie dans un contexte post-colonial." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA164/document.
Full textAbstract:
La représentation des aborigènes qu’elle soit due à des artistes aborigènes ou à un regard extérieur fait partie de la construction d’une identité, notamment lorsque l’acte de création est pensé comme un mode de transmission culturelle (afin de retrouver leurs esprits ancestraux), la première étape pour aborder les œuvres des artistes aborigènes consiste à multiplier les points de vue sur la question de l’identité culturelle (la dimension politique d’affirmation de soi) et à remettre en question leur intention d’être artiste. Le fait que l'artiste aborigène se pense comme artiste dénote déjà une tentative d’inscription dans un monde social non aborigène. Cette posture ne va cependant pas sans tensions. Après le tournant ethnographique (tournant contextuel et identitaire), l’artiste aborigène s’est obligé à réfléchir à son statut, à sa manière de créer et au pourquoi de ce choix de devenir un artiste. La voie choisie par les quatre artistes étudiés ici ne les a pas conduits à apprendre des choses (acte de construire ou se construire). Il s’agit plutôt d’un effort de désapprendre, afin d’exprimer la juxtaposition culturelle et la simultanéité de l’Autre dans un monde global et mobile. En conséquence, l’artiste en tant qu’aborigène-voyageur provoque un court-circuit des interprétations. Dans cette perspective, chaque présentation au musée noue une relation avec le visiteur ou le spectateur dans un espace temporaire ou parallèle à l’espace réel.Cette recherche s’appuie à la fois sur l’analyse de la situation socio-culturelle de quatre artistes aborigènes ( Rahic Talif, Walis Labai, Sapud Kacaw et Chang En-Man ), l’analyse esthétique de leurs oeuvres et l’analyse historique du contexte de production, de diffusion et d’exposition des œuvres aborigène en général entre 1895 et 2017. Elle tente de cerner une vision post-coloniale entre l’art et l’ethnographie et de développer une pratique de l’analyse qualitative bâtie sur trois questions fondamentales : comment les oeuvres des artistes aborigènes ont-elles été représentées et « encadrées » dans un discours identitaire ? Comment l’artiste aborigène met-il en lumière la traçabilité de son appartenance (comme identité traçable) à travers sa représentation ? Comment cette représentation introduit-elle un court-circuit des interprétations culturelles dans les modes de réception ?The representation of the aborigines, whether due to aboriginal artists or based on an outside perspective, is an integral part of the construction of an identity, in particular when the act of creation is conceived as a mode of cultural transmission (in order to find their ancestral spirits). The first step to approaching the works of the aboriginal artists consists of multiplying points of view on the question of the cultural identity (the political dimension of self-affirmation) and the questioning of their intent to be considered an artist. The fact that the aboriginal artist regards himself as an artist, had already been attempted in the non-aboriginal community. However, this position has not been without controversy. After the ethnographical turn (contextual turn into specific identity), the aboriginal artist is obliged to think about his/her status, the way to create and the reason why (s)he would become an artist. The approach chosen by the four artists studied here has not led them to learn anything (act of construction or building of themselves) ; it is rather a question of unlearning, in order to associate with the cultural juxtaposition and the simultaneity of the others in the global and mobile world. Therefore, the artist as an aborigine-traveler causes a short-circuit in the interpretations. In this perspective, each presentation at the museum builds a relationship with the ‘visitor-viewer’ in a temporary or parallel space as it relates to the real space.This research is based at the same time on the analysis of the socio-cultural situation of the four artists (Rahic Talif, Walis Labai, Sapud Kacaw et Chang En-Man), the aesthetic analysis of their works and the historical analysis of the context of production, diffusion and exhibition of the aboriginal works in general between 1895 and 2017. By relying on a sociocultural and artistic representation, our research is designed to build a strategic vision for the post-colonial studies between art and ethnography. Developing a practice of the qualitative analysis, we wish to focus on three fundamental questions : How were the works of the aboriginal artists represented and « framed » in a control of identity discourse? How does the aboriginal artist consider the traceability of his/her feeling of belonging (like a trackable identity) through his/her representation? How does this representation introduce a short circuit of the cultural interpretations in the different modes of expression, perception, evolution and reception?
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Desmitt, Claire. "Comment l'amour de l'art vient aux enfants : ethnographie des dispositifs, pratiques et acteurs de la « démocratisation culturelle » entre École primaire et musée d’art." Thesis, Lille 3, 2019. http://www.theses.fr/2019LIL3H035.
Full textAbstract:
En se fondant sur les apports des Sciences de l'éducation et de la sociologie de la culture, de l'éducation, de l'enfance, de l'action publique et de la socialisation, cette thèse cherche à montrer comment se construisent précocement les dispositions des enfants vis-à-vis des « mondes de l'art », pour parler comme Howard Becker, ou autrement dit comment l' « amour de l'art » vient (ou non) aux individus, et ce dès l'enfance. Nous cherchons en particulier à répondre aux questions suivantes : comment peut s'imposer très tôt un arbitraire culturel et des catégories de perception et d'appréciation comme celles d' « art », d'« œuvre d'art », de « culture » ou d' « artiste » ? Comment façonne-t-on, dès l'enfance, des êtres sociaux ayant incorporé les attitudes et habitudes, les dispositions mentales et comportementales, associées au discours dominant du prosélytisme culturel ? Comment parvient-on à imposer des modes d'appropriation légitimes des biens culturels ? Comment différentes catégories d'agents de socialisation s'approprient-elles ces normes et comment contribuent-elles à l’entreprise d’inculcation d’un rapport de déférence à l’art ? Et comment peuvent émerger des espaces de résistance à l'ordre culturel, tant du côté des agents socialisés que des agents de socialisation ? Pour explorer ces questions, nous nous appuyons sur une série d’enquêtes ethnographiques menées dans trois musées d'art et plusieurs écoles primaires, articulant observation directe et entretiens, permettant de décrire et d’analyser des dispositifs (non seulement les lois, les institutions mais aussi, dans une perspective foucaldienne, les règles, les discours ou encore les aménagements architecturaux), des acteurs (institutions nationales et supranationales, agents muséaux et de l'Éducation nationale, personnel politique, parents) et des pratiques socialisatrices (dans le cadre des musées d’art en particulier, en lien avec l’institution scolaire et les familles). Cela nous amène à reposer la question de la « démocratisation culturelle », en tant que catégorie d’action publique, dans un contexte scolaire marqué par l’injonction à développer l’éducation à et par l’art, et dans un contexte économique où les institutions et les biens culturels occupent une place importante dans la production de richessesOur thesis is situated at the crossing of education sciences and sociologies of culture, childhood, public action and socialization. It seeks to show how dispositions toward « Art worlds », to speak like Howard Becker, are early built. In other words, we are trying to know how the « love of art » comes (or not) to people from childhood. We are particularly interested in answering the following questions : how a cultural arbitrariness is early imposed ? How categories of perception and appreciation as « art », « artwork », « culture » or « artist » are built ? How children are shapped to incorporate attitudes and habits, mental and behavioral dispositions which are associated with the dominant discourse of cultural proselitism ? How norms of legitimate appropriation of cultural goods are imposed ? How differents categories of socialization agents appropriate these norms to inculcate a respectful report to art ? And how spaces of resistance to cultural order can emerge on the side of adults and children too ? To explore those questions, we relied on a fieldwork in three art museums and several primery schools, articulating direct observations and interviews. With this qualitative approach, we described and studied what Michel Foucault calls « dispositifs » (not only laws, ordonnances of institutions but also rules, speeches and spacial and architectual developments), actors (national and supranational institutions, museums, schools and political agents, parents), and pratices of socialization (particularly in art museums, in connection with school institution and families). That brings us to ask the question of « cultural democratization », as a type of public action, in a school context marked by an injonction to develop education to and by art. We also paid attention to an economic context where cultural institutions and goods occupy an important place in wealth production
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Ballardini, Costanza <1991>. "La politica espositiva del Musée du Jeu de Paume tra 1931 e 1939 Il caso di Origines et développement de l'art international indépendant." Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2017. http://hdl.handle.net/10579/9789.
Full textAbstract:
L'elaborato analizza e contestualizza l'attività espositiva del Musée du Jeu de Paume come museo delle scuole straniere contemporanee tra 1931 e 1939 basandosi su una ricerca condotta presso gli Archivi Nazionali francesi. L'analisi tiene conto del sistema museale francese e di quello internazionale. Il Musée du Jeu de Paume fu sottoposto a un'importante ristrutturazione tra 1929 e 1932 al fine di adattare gli spazi a nuovi principi museografici e tale ristrutturazione segnò l'inizio di una nuova stagione espositiva.
Lo studio dei caratteri organizzativi e curatoriali delle diverse esposizioni temporanee, organizzate in collaborazione con comitati stranieri, è integrato da uno studio sulla formazione delle collezioni del museo. Viene inoltre studiata la valenza politica delle esposizioni organizzate.
Il terzo capitolo verte su Origines et développement de l'art international indépendant, esposizione tenutasi nel 1937. Si tratta della prima esposizione esclusivamente organizzata dal museo ed ha carattere sovranazionale. L'allestimento aveva il fine teorico di presentare le diverse forme di arte indipendente internazionale, con particolare attenzione agli artisti dell'École de Paris, individuandone le origini e i predecessori. L'analisi dell'esposizione viene contestualizzata nel programma espositivo del museo e messa in relazione con l'esposizione Maîtres de l'art indépendant allestita al Petit Palais e, più in generale, con l'Esposizione Universale tenutasi a Parigi nel 1937.
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Will, Pierre. "L’image de la dent à travers les figurations dentaires du musée de l’homme : étude du signifiant sur l’axe du paradigme." Strasbourg 1, 1988. http://www.theses.fr/1988STR1D052.
Full text
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Krikorian, Sandrine. "Etudes d'iconographie culinaire et conviviale dans la France des XVIIème et XVIIIème siècles : pratiques et manières de table, objets, goûts et représentations." Aix-Marseille 1, 2008. http://www.theses.fr/2008AIX10004.
Full textAbstract:
L'iconographie des arts de la table en France aux XVIIe et XVIIIe siècles est constituée de composantes variées : préparation culinaire, ustensiles de cuisine, consommation des mets, déroulements et diversité des repas, décoration du lieu et de la table, accessoires de table. Transcrits sur des supports variés et dans des genres divers, ces thèmes et sujets se reflètent les uns les autres et créent ainsi des effets de miroir qui participent à la mise en scène de la table qui devient un lieu de spectacle. Pratiques sociales et historiques et valeurs esthétiques se mêlent et constituent les deux aspects de ces images qui à la fois imitent le comportement, les goûts, les pratiques alimentaires et artistiques des commanditaires et spectateurs (gastronomie, civilité, sociabilité, intimité, libertinage, chasse, exotisme, littérature), et, par leur existence répétée et reflétée, incitent également les convives à se conformer à ce qu’ils voient notamment par la mise en appétit de leurs sens.
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Lahoual, Dounia. "Conceptualiser les activités constructives et le développement du sujet capable : le cas de la médiation à l'art orientée jeune public dans un musée d'art moderne et contemporain." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080098.
Full textAbstract:
Au coeur des problématiques culturelles récentes, les institutions muséales portent un projet de démocratisation culturelle visant la mise en accessibilité de l’art et de l’environnement muséal à une diversité de publics. Appuyée par la loi française de 2002 relative aux musées, ce projet est d'autant plus accentué à destination des enfants et des adolescents avec la mise en place d'une médiation culturelle et d'une diversité d'offres muséales spécifiques. Considéré comme le visiteur de demain, ce jeune public cristallise un ensemble d'attentes et de questionnements auprès des institutions culturelles en termes de connaissance du public, et de leviers pour la fréquentation, la fidélisation de ces espaces et l’accessibilité à l’art. Ces lieux de médiation culturelle représentent une opportunité pour suivre le parcours des visiteurs et comprendre les diverses dynamiques subjectives à l'oeuvre à travers diverses configurations tout en mobilisant le prisme de l'ergonomie : des rencontres avec les oeuvres en situation de visite d'une part, et des activités de création plastiques et narratives en situation d'atelier d'autre part. L'analyse de l'activité dans ces situations constituera une portée d'entrée privilégiée pour explorer et alimenter notre compréhension des traces des activités constructives et du développement afin de les conceptualiser. Ces contributions empiriques et épistémiques permettront de concevoir un ensemble de ressources et d'offres de médiation culturelle adaptées aux activités du jeune public et aux professionnels de la médiationAt the heart of recent cultural issues, museum institutions implement a cultural democratization project promoting art and museum spaces accessibility to a diversity of audiences. Based on France’s law on museums from 2002, this project is focusing on children and teenagers thanks to the creation of cultural mediation and specific museum offers. Regarded as the visitor of tomorrow, this young audience generates to museums a set of expectations and questionings regarding visitor knowledge, tools for increasing attendance, loyalty and art accessibility. These cultural mediation spaces become an opportunity for tracking visitors' journey and understanding intrinsic points of views. We will study various situations throughout the prism of Ergonomics by highlighting encounters with works of art during a guided tour on one hand, plastic and narratives creation during workshops on the other hand. Activity analysis will be an effective way for exploring and improving our understanding of traces of constructive activities and development in order to conceptualize them. These empirical and theoretical contributions will help developing appropriate resources of cultural mediation offers to young audiences and mediation professionals
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Lahoual, Dounia. "Conceptualiser les activités constructives et le développement du sujet capable : le cas de la médiation à l'art orientée jeune public dans un musée d'art moderne et contemporain." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080098.
Full textAbstract:
Au coeur des problématiques culturelles récentes, les institutions muséales portent un projet de démocratisation culturelle visant la mise en accessibilité de l’art et de l’environnement muséal à une diversité de publics. Appuyée par la loi française de 2002 relative aux musées, ce projet est d'autant plus accentué à destination des enfants et des adolescents avec la mise en place d'une médiation culturelle et d'une diversité d'offres muséales spécifiques. Considéré comme le visiteur de demain, ce jeune public cristallise un ensemble d'attentes et de questionnements auprès des institutions culturelles en termes de connaissance du public, et de leviers pour la fréquentation, la fidélisation de ces espaces et l’accessibilité à l’art. Ces lieux de médiation culturelle représentent une opportunité pour suivre le parcours des visiteurs et comprendre les diverses dynamiques subjectives à l'oeuvre à travers diverses configurations tout en mobilisant le prisme de l'ergonomie : des rencontres avec les oeuvres en situation de visite d'une part, et des activités de création plastiques et narratives en situation d'atelier d'autre part. L'analyse de l'activité dans ces situations constituera une portée d'entrée privilégiée pour explorer et alimenter notre compréhension des traces des activités constructives et du développement afin de les conceptualiser. Ces contributions empiriques et épistémiques permettront de concevoir un ensemble de ressources et d'offres de médiation culturelle adaptées aux activités du jeune public et aux professionnels de la médiationAt the heart of recent cultural issues, museum institutions implement a cultural democratization project promoting art and museum spaces accessibility to a diversity of audiences. Based on France’s law on museums from 2002, this project is focusing on children and teenagers thanks to the creation of cultural mediation and specific museum offers. Regarded as the visitor of tomorrow, this young audience generates to museums a set of expectations and questionings regarding visitor knowledge, tools for increasing attendance, loyalty and art accessibility. These cultural mediation spaces become an opportunity for tracking visitors' journey and understanding intrinsic points of views. We will study various situations throughout the prism of Ergonomics by highlighting encounters with works of art during a guided tour on one hand, plastic and narratives creation during workshops on the other hand. Activity analysis will be an effective way for exploring and improving our understanding of traces of constructive activities and development in order to conceptualize them. These empirical and theoretical contributions will help developing appropriate resources of cultural mediation offers to young audiences and mediation professionals
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Kazerouni, Alexandre. "Le miroir des cheikhs : musée et patrimonialisme dans les principautés arabes du golfe Persique." Thesis, Paris, Institut d'études politiques, 2013. http://www.theses.fr/2013IEPP0063.
Full textAbstract:
Cette thèse s’attache à déconstruire, à localiser et à inscrire dans des dynamiques politiques locales d’abord, régionales et internationales ensuite, la perception qui s’est faite jour à compter du milieu des années 2000, que « le Golfe », espace aux contours rarement définis, serait devenu le lieu d’un développement culturel de très grande ampleur. Cette nouvelle image internationale des principautés arabes du golfe Persique, éloignée de leur association traditionnelle aux hydrocarbures et à la guerre, repose sur deux phénomènes distincts, voire opposés : la formation d’un marché de l’art arabe et iranien basé à Dubai qui se fait le reflet de la formation de nouvelles bourgeoisies dans les grands pays voisins, et la multiplication des annonces de musées à forte visibilité internationale au Qatar et à Abou Dabi qui ont pour cible prioritaire un public européen. Les musées sont l’objet principal de cette étude, le marché son objet secondaire. En croisant l’histoire et la science politique, une typologie binaire des musées golfiens et l’évolution du rapport de force entre les trois grandes composantes sociales des populations nationales des principautés depuis les années 1960, il apparaît que le musée, cette institution d’origine européenne qui sous sa forme moderne est apparue au XVIIIe siècle et qui compte au nombre des premières formes d’espaces publics, est dans les principautés arabes du golfe Persique un outil de renforcement de l’autoritarisme. Ce rôle qui est le sien depuis le temps de sa genèse dans les années 1960, s’est accentué au Qatar et à Abou Dabi depuis la Guerre du Golfe de 1990-1991This doctoral thesis aims at deconstructing, spatializing and inscribing in local and then international political dynamics the new perception emerging in the West that presents « the Gulf », a region whose boundaries are rarely defined, as the place for a large scale cultural development. This new international image of the Arab principalities of the Persian Gulf, that no longer reduces them to oil and war, but associates their names to culture, relies on two different phenomenons : the birth of an Arab and Iranian art market based in Dubai that reflects the formation of new elites in the neighbouring regional powers on the one hand, and the rise of a new type of museums targeting a European audience first, characterized by their international visibility, in Qatar and in Abu Dhabi on the other. The museums are the main object of this research, the art market its secondary one. By mixing political science and history, a binary typology of the museums and the evolution of the balance of power between the three main social components of the national communities in the Arab principalities since the 1960, the museum, this institution of European origin born in its modern form in the 18th century as one of the earliest forms of public spaces, appears as a tool for the consolidation of authoritarianism. This role that the museums has been playing since the 1960s, when the regional importation of this cultural model started, has even increased in Qatar and in Abu Dhabi since the end of the 1990-1991 Gulf War. Since that period, the new museums are actively taking part to the political marginalization of the national bureaucracy
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Beaulieu, Geneviève. "La "Collection Suzor-Côté" au Musée de l'Amérique française : image de l'artiste et de son atelier et leur rôle dans l'atteinte de la renommée artistique." Thesis, Université Laval, 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2008/25097/25097.pdf.
Full text
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Rio, Gaëlle. "Le musée national de la Marine : histoire d'une institution et de ses collections (1748-1998)." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL178.
Full textAbstract:
Figurant parmi les grands musées nationaux, le musée de la Marine est le plus ancien musée d’histoire maritime en France, dont les origines remontent au milieu du XVIIIe siècle. Fondé à partir de la collection de modèles de bateaux donnée au roi Louis XV par l’académicien Henri Louis Duhamel du Monceau en 1748, le musée Dauphin ouvre au Louvre en 1827 sous Charles X, à destination avant tout des élèves de l’école d’ingénieurs constructeurs de la Marine dans une finalité d’instruction. L’approche monographique et institutionnelle permet de mettre en évidence trois grands moments de l’histoire de ce musée : la lente genèse du musée naval (1748-1827) dans le contexte des Lumières et d’une culture scientifique et technique ; la longue période du musée naval au palais du Louvre (1827-1939) au cours de laquelle se forge l’identité de l’institution autour de collections techniques et ethnographiques à vocation pédagogique ; le transfert du musée au palais de Chaillot et son expansion au XXe siècle avec la modernisation du site parisien, l’extension de ses collections aux cinq marines et la constitution d’un réseau des musées des ports (1939-1971). Devenu établissement public administratif en 1971, le musée national de la Marine se transforme à la fin du XXe siècle pour devenir le grand musée maritime du XXIe siècle. Cette étude s’attache à cerner les enjeux sociaux, culturels et idéologiques qui ont présidé à la création et au développement de ce musée, à interroger le statut de ses collections, entre technique, art et instrument de propagande ou de communication, et enfin à analyser la question plus large du rôle du musée dans la société française, d’un lieu de représentation du pouvoir à un espace au service du publicOne of the major national museums, The Marine Museum is the oldest museum of maritime history in France, whose origins date back to the mid-eighteenth century. Founded from the collection of boat models given to king Louis XV by the Academician Henri Louis Duhamel du Monceau in 1748, the Dauphin Museum (as it was called) opened in the Louvre in 1827 under the reign of Charles X ; primarily intended for teaching purposes to the construction engineers of the Navy. The monographic and institutioal approach highlights three major moments in the history of this museum : the slow genesis of the naval museum (1748-1827) in the context of the Enlightenment and of the development of scientific and technical culture ; the long period of the naval museum at the Louvre Palace (1827-1939), during which the identity of the institution is based on technical and ethnographic collections for educational purposes ; the transfer of the museum to the Palais de Chaillot and its expansion in the 20th century with the modernization of the Paris site, the extension of its collections to the five Navies and the creation of a network of port museums (1939-1971). Having become a public administrative institution in 1971, the National Marine Museum was transformed at the end of the 20th century into the great maritime museum of the 21st century, as it is now. This study seeks to identify the social, cultural and ideological issues that led to the creation and the development of this museum, to question the status of its collections, between technique, art and propaganda or communication instrument, and finally, to analyze the broader question of the museum's role in French society, from a place of representation of power to a space in the service of the public
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Berriola, Riccardo. "Les terres cuites figurées de la collection Raffaele Gargiulo au Musée National de Naples : recherches sur le goût et le marché de l'art dans la première moitié du XIXe siècle." Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100194.
Full textAbstract:
La these analyse la collection de terre cuite de Raffaele Gargiulo (1785-après 1864), céramiste et restaurateur affirmé, personnage de première importance du Musée de Naples, marchand napolitain d'antiquité des années 20 et 30 du XIXe siècle. La proposition de vente de sa collection au Musée de Naples est faite en décembre 1852. Après deux années de dures négociations le 29 mai 1855 la vente se conclut pour 6000 ducats. Pour comprendre le personnage de Gargiulo en tant que marchand d'oeuvre d'art, 315 documents, conservés dans l'Archive d'État de Naples et la Surintendance de Naples, ont èté analysés. L'étude de 11 arrêtés royaux entrés en vigueur entre 1807 et 1852, ont permis de reconstruire le cadre législatif en vigueur de l'époque. La petite plastique, la classe la plus nombreuse, représente environ les trois quarts de la collection de terre cuite. En ce qui concerne les provenances, les Pouilles et la Campanie sont largement dominantes avec 578 objets (95.54% de la collection entière): dans le détail on note que les localités se trouvant aux premières places sont aussi bien les Pouilles (Gnathia, Ruvo et Canosa) que la Campanie (Capoue et Calès), plus célèbres pour les fabrications coroplastiques. Le matériel architectonique va de la fin du VIe s. av. J.- C. au I Ier s. ap. J.-C., le matériel coroplastique se situe entre la moitié du IVe s. et la fin du IIIe s. av. J.-C., la céramique à décoration plastique et polychrome et celle achrome entre le IVe et le IIIe s. av. J.-C., alors que la chronologie des vases modelés va de la fin du VIe et le IIIe s. av. J.-C. Enfin, les lampes à huile sont toutes datées entre la première moitié et le dernier quart du Ier s. ap. J.-CThe thesis analyzes the collection of terracottas of Raffaele Gargiulo (1785-after 1864), ceramist and restorer, leading figure of the Museum of Naples, neapolitan merchant of antiquity in the twenties and thirties of the 19th century. The proposed sale to the Museum of Naples of his collection is made in December 1852, but only after more than two years of hard deals it comes to the purchase on May 29th, 1855, for 6000 ducats. In order to understand the figure of Gargiulo as merchant of art 315 documents, kept in the State Archive of Naples and in the Historical Archive of the Archaeological Superintendence of Naples, have been analyzed. By the study of 11 royal decrees dated between 1807 and 1852 the legislative framework in force at the time was rebuilt, as part of the trade and export of archaeological and art objects. In the Gargiulo’s collection of terracottas the little plastic (443 specimens, 73.88%) is the most documented class, accounting for about three-quarters of the collection. About the provenances, Apulia and Campania with 578 items, the 95.54%, prevail. At the top lie the towns, both in Apulia (Gnathia, Ruvo and Canosa) and Campania (Capua and Cales), most famous for the coroplastic products. If the architectural material is dated from the end of the 6th century BC to 1st century AD, the coroplastic material lies mostly between the mid-4th century BC and the end of the 3rd BC. The pottery ranges between the 4th century and 3rd century BC, especially the plastic and polychrome decoration and the achromatic ceramic; the chronology of plastic vessels is more varied, between the late 6th and 3rd centuries BC. The lamps, finally, are dated to 1st century AD
La tesi analizza la collezione di terrecotte di Raffaele Gargiulo (1785-post 1864), ceramista e restauratore affermato, figura di primo piano del Museo di Napoli, grande mercante napoletano di antichità degli anni Venti e Trenta dell'Ottocento. La proposta di vendita al Museo di Napoli della sua collezione viene fatta nel dicembre del 1852, ma dopo oltre due anni si giunge all'acquisto, il 29 maggio 1855, per seimila ducati. Per inquadrare la figura del Gargiulo come mercante di opere d'arte sono stati analizzati 315 documenti custoditi nell'Archivio di Stato di Napoli e nell'Archivio Storico della Soprintendenza Archeologica di Napoli. Attraverso lo studio di 11 regi decreti tra il 1807 e il 1852 si è ricostruito il quadro legislativo in vigore all'epoca nell'ambito del commercio e dell'esportazione di reperti archeologici e oggetti d'arte. Nella collezione Gargiulo di terrecotte la piccola plastica (443 esemplari, pari al 73.88%) è la classe più documentata, rappresentando circa i tre quarti della collezione. Tra le provenienze prevalgono la Puglia e la Campania con 578 oggetti, il 95.54%. Ai primi posti si collocano le località, sia pugliesi (Egnazia, Ruvo e Canosa) che campane (Capua e Cales), più celebri per i prodotti coroplastici. Se il materiale architettonico va dalla fine del VI a.C. al I d.C., quello coroplastico si colloca per lo più tra la metà del IV e la fine del III a.C. La ceramica spazia tra il IV e il III secolo a.C., soprattutto per la ceramica a decorazione plastica e policroma e per quella acroma, più varia è la cronologia dei vasi plastici, tra la fine del VI e il III a.C. Le lucerne, infine, si datano nell'ambito del I secolo d.C
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Armaos, Georges. "L'exposition de l'histoire de l'art : recherches sur vingt-quatre expositions contemporaines organisées et/ou tenues au Musée National d'Art Moderne, Paris et au Museum of Modern Art, New York, 1977-1999." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010535.
Full textAbstract:
Cette thèse se donne comme objet l'étude les conditions et les pratiques d'exposition dans les musées d'art du ne siècle. Elle utilise les outils de l'histoire de l'art et de la muséologie pour examiner l'existence et les activités du Musée national d'art moderne au Centre Georges Pompidou, Paris, et du Museum of Modern Art. De New York, de 1977 à 1999. A partir des contextes économiques, politiques et sociaux de la France et des États-Unis, elle met en parallèle l'histoire, l'architecture, l'administration, les budgets, les collections, la programmation, la réalisation des expositions et les publications de ces deux musées. La construction de l'histoire de l'art, entre musée université en particulier, sont mises en exergue. Douze expositions de peinture et/ou de sculpture modernes et contemporaines de tout type et taille sont présentées en détail pour chaque musée. L 'histoire de chaque exposition est reconstituée à partir de sa conception originale en passant par l'organisation, les budgets, le prêt des oeuvres, la mise en espace-temps (expographie), les catalogues, la réception critique et des publics jusqu'à son influence sur l'histoire de l'art. L'intention est d'exposer et d'interpréter les similitudes et les différences qui existent entre le MoMA et le Mnam aussi bien en ce qui concerne la conception de l'art et de son histoire qu'en ce qui concerne les moyens de communication de ces conceptions aux publics. L'évolution historique de la notion du "cube blanc", les rapports des musées avec les artistes, les conservateurs, les galeries, les collectionneurs, l'état, la finance, leur "aura" et leur place au sein de la diplomatie culturelle internationale, sont aussi parmi les sujets examinés.
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Guyot, Elsa. "Les représentations du Moyen Âge au Québec à travers les discours muséaux (1944-2014) : pour une histoire du goût, du collectionnement et de la mise en exposition de l'art médiéval au Québec." Thèse, Montpellier 3, 2015. http://hdl.handle.net/1866/13601.
Full textAbstract:
Cotutelle de thèse France-Québec : Université Paul-Valéry Montpellier 3 et Université de Montréal. Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de cette thèse a été dépouillée de certains documents visuels. La version intégrale de la thèse a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.Cette thèse a pour but d’étudier les diverses représentations du Moyen Âge au Québec à travers un corpus d’expositions parcourant le XXe siècle et le début des années 2000. Nous nous intéressons au rôle joué par l’espace muséal québécois dans la diffusion de discours sur cette période européenne. Chaque exposition est replacée dans son contexte de création afin de mettre en évidence les raisons d’ordres religieux, culturels, politiques et linguistiques qui incitent les musées à privilégier telle ou telle représentation du Moyen Âge.
This thesis aims to study the various representations of the Middle Ages in Quebec through a corpus of temporary exhibitions held during the twentieth century and the early 2000s. We question the role played by the Quebec museums in the diffusion of discourses about this European period. In order to highlight the religious, cultural, political or linguistic reasons for museums to focus on a specific representation of the Middle Ages, each exhibition is replaced within its original context of creation.
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Jahan, Bakhsh Sefidi Zahra. "La valeur de l'art du Moyen-Orient : l'effet de l'arrivée du marché sur l'évolution du monde de l'art de l'Iran, du Liban et Émirats Arabes Unis et leur rayonnement international." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA041/document.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour principal objectif d’étudier la nouvelle configuration de la valeur de l’art moderne et contemporain du Moyen-Orient, et plus précisément la perception qui s’est fait jour à partir du milieu des années 2000, où Dubaï serait devenu le lieu de fixation de la valeur économique et de diffusion de l’art à différents niveaux : national, régional et international. L’art visuel du Moyen-Orient, jusqu’alors limité aux scènes nationales et négligé sur la scène internationale, connaît une évolution locale ainsi qu’un rayonnement international inédit. La mutation innovante du monde de l’art de cette zone géographique repose, en général, sur l’implantation de maisons de vente et sur la formation d’un marché international pour l’art du Moyen-Orient à Dubaï. Ce nouveau dispositif a influencé non seulement l’écosystème du monde national de l’art, mais aussi le choix d’artistes, des commissaires d’exposition autant que des conservateurs des musées internationaux. L’accroissement de champ du marché est l’objet principal de cette étude, et l’ajustement du champ artistique un objet secondaire. En retraçant l’histoire des pays étudiés par une approche sociologique de l’art, il s’agira, d’abord, de cerner l’évolution quantitative et qualitative des galeries d’art visuel, après les avoir identifiées en tant qu’acteur multifonction du monde de l’art, en ce qui concerne trois pays emblématiques de l’art de la région : l’Iran, le Liban et les Émirats Arabes Unis ; ensuite, il s’agira d’analyser leurs activités internationales ainsi que leur rayonnement à la fois régional et international, avant la formation du marché de l’art de Dubaï en 2006 et jusqu’à 2015. La méthodologie employée pour ce travail sollicitera un certain nombre d’outils propres aux sciences sociales et humaines : l’entretien compréhensif, l’enquête quantitative, l’analyse typologique, l’étude documentaire et l’enquête de terrain : l’immersion et l’observation participanteThe main objective of the present doctoral thesis is to study the configuration of the value of Middle Eastern modern and contemporary art. More precisely, we look at how Dubai has emerged in international perceptions as the center for art appraisal and diffusion nationally, regionally and internationally. Middle Eastern visual arts, mainly limited to their national settings, have been overlooked on an international level. Today, we are witnessing their unprecedented emergence and appreciation on the international scene. The innovative mutation of the art world within this geographical zone is mainly due to the implantation of auction houses and the creation of an international market for Middle Eastern art in Dubai. These new measures have not only influenced the ecosystem of the art milieu on a national level, but have also impacted the choice of artists, exhibition commissioners and curators of international museums. The development of this market is the principal object of the present study and as a secondary object, we look at the adjustments made by the art world to adapt to this new art scene. Through the Sociology of Art approach, we retrace the history of three emblematic countries (Iran, Lebanon and the United Arab Emirates) with the aim of understanding the quantitative and qualitative evolution of their visual art galleries identified as multifunctional actors of the art world. We then analyze their international activities as well as their expansion, regionally and internationally, before the creation of the art market of Dubai between 2006 and 2015. Our methodology is based on the research methods of the social sciences: comprehensive interviews, quantitative investigations, typological analyses, documentation review and field work through immersion and participatory observation
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Fossey, Estelle. "Paris 21ème siècle, capitale du monde des arts d'Afrique Noire : Le rôle de la scène artistique parisienne dans la construction de la valeur des Arts d’Afrique Noire." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030175.
Full textAbstract:
Que ce soit au niveau des musées, du marché de l’art et des collections privées, Paris se défini aujourd’hui comme une place centrale de l’activité du monde des arts d’Afrique Noire. Outre l’actualité muséographique des arts d’Afrique Noire, avec l’inauguration en avril 2000 de la salle du pavillon des Sessions au musée du Louvre, puis l’ouverture du musée du quai Branly en juin 2006 ; Paris doit aussi sa place de capitale du monde des arts d’Afrique Noire par la centralisation des activités du marché de l’art de cette spécialité en son sein.D’ailleurs, nos travaux montrent que le rôle joué par la sphère privée des marchands et des collectionneurs est primordial dans l’homologation esthétique et la définition de la hiérarchie des valeurs esthétiques aujourd’hui admises dans la spécialité des arts d’Afrique Noire.Cette thèse de doctorat est aussi l’occasion de rappeler pourquoi le monde des arts d’Afrique Noire est une invention des pays de culture occidentale et permet d’appréhender avec plus d’objectivité l’appropriation occidentale du patrimoine artistique ancien et traditionnel issu de l’Afrique SubsaharienneWhether it’s at the level of museums, the art market, or private collections, Paris is defined today as a central place of world activity, for ‘Black African’ arts. Beyond the reality, museographically speaking of Black African arts, with the inauguration of the Pavillion Hall of Sessions at the Louvre Museum in April 2000, and then the opening of the Quai Branly Museum in June 2006 ; Paris also credits it’s positions as the world’s capital of Black African arts by the centralisation of the art market’s activities of this speciality in it’s heart.Elsewhere, our works show that the role played by the private sphere of traders and of collectors is primordial in the aesthetic homologation and the definition of the hierarchy of aesthetic values today admitted in the speciality of ‘Black African’ arts.This doctorate thesis is also the occasion to recall why the world of ‘Black African’ arts is an invention of countries of western character, and allows to apprehend with more objectivity to western adapatation of ancient artistic heritage and traditional descent from the Sub-Saharan Africa
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Kim, Hangyul. "L'usage des maîtres anciens dans le discours de l'art national en France, 1780-1850." Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H054.
Full textAbstract:
Ce travail étudie la place particulière accordée aux « maîtres anciens » dans la littérature artistique et les pratiques muséales depuis la Révolution jusqu’au milieu du XIXe siècle en France. Dès la fin de l’Ancien Régime, la définition des « maîtres anciens » connaît une transition progressive : des artistes de la Grèce antique aux fondateurs de l’École nationale. Par l’usage de leurs noms et de leurs vertus artistiques mais aussi morales, l’art national en France doit acquérir une notoriété digne d’une République nouvelle qui puisse rivaliser avec les autres écoles nationales prééminentes. Cette nouvelle prépondérance des maîtres anciens français doit répondre au souci républicain de l’instruction publique, en assurant la diffusion de la connaissance de l’histoire nationale et des qualités édifiantes par voie de la « vision » : leurs œuvres exposées dans des espaces ad hoc et leur image représentée dans la production artistique contemporaine en tant que grands hommes, héros et pères de la Nation. Les textes d’Alexandre Lenoir, d’Émeric-David et de La Décade ont été explorés dans cette optique, avant la considération de la disposition d’œuvres dans les musées et des catalogues, en particulier les Annales de Landon, et des créations artistiques dédiées à l’image des maîtres anciens. Redécouverts à dessein, les maîtres anciens contribuent à la construction d’une identité culturelle nationale et collectiveThis thesis problematises in historical context the identity of the ‘Old Masters’ in the literature on art and practices of museums in France from the time of the French Revolution until the mid-nineteenth century. Since the end of the Old Regime, the definition of the ‘Old Masters’ was transformed: a transition of principal elements, from the classical Greek artists to the founders of the National School, took place. This transition reflected the anxiety of the newborn French Republic facing an international rivalry in art history and myriad obstacles to its social and political goals. To meet the concerns of competition and emulation, the names as well as the artistic and moral qualities of ‘Masters’ were recognised, with emphasis, as being closely linked to public instruction and national history. The thesis analyses the texts and museum theories of Alexandre Lenoir and Toussaint-Bernard Émeric-David and the discussion of ‘Old Masters’ in the republican journal La Décade. Also analysed in this context are the displays of the Old Masters in the museums, catalogues (with a focus of Landon’s Annales) and works of art during the Revolution and the first half of the nineteenth century recreating the images of the Old Masters as national heroes or fathers of French art. This consciously performed reconstruction of the ‘Old Masters’ during the French Revolution made a crucial contribution to the formation of the cultural identity of France
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Desvages, Mathilde. "Le Salon de la Jeune Sculpture au temps de Denys Chevalier 1949-1978." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080054.
Full textAbstract:
Cette thèse porte sur le Salon de la Jeune Sculpture, de 1949, date de sa création, à 1978, date de la mort de Denys Chevalier, son président fondateur. Elle a pour objet l’analyse de trente éditions annuelles du Salon, qui ont eu lieu dans les parcs et jardins parisiens, accueillant les œuvres de près de mille-cinq-cent exposants. Elle interroge dans une première partie le parcours de Denys Chevalier, critique d’art, ainsi que les ambitions du Salon : rendre visible la sculpture, encourager sa rencontre avec le public, et exposer un panorama des diverses tendances esthétiques du temps. Alors que la figuration domine les quinze premières années, examinées dans une seconde partie, l’entrée progressive de la sculpture abstraite entraîne le départ d’une partie des sculpteurs figuratifs en 1964. Ainsi, la troisième partie porte sur la période 1965-1978. Le Salon de la Jeune Sculpture quitte alors les jardins du musée Rodin, et réoriente ses choix esthétiques en même temps qu’il investit de nouveaux espaces de plein air. À travers l’histoire du Salon de la Jeune Sculpture et de son fondateur Denys Chevalier, cette thèse interroge la situation institutionnelle et esthétique de la sculpture dans le second XXe siècle, à une époque où le champ sculptural subit de profondes mutations liées à sa définition, et pose la question de son autonomieThis Ph. D. dissertation focuses on the Salon de la Jeune Sculpture from its creation in 1949 to the death of Denys Chevalier, its founding member, in 1978. This dissertation seeks to analyze thirty annual Salons which took place in parisian parks and gardens where artworks by nearly one thousand five hundred exhibitors were displayed. The first chapter explores the career of the art critic Denys Chevalier, the ambitions of the Salon – how to display the sculptures, how to assist the audience in their discovery of the sculptures – and the aesthetic trends of the time. While figurative art prevailed over the first fifteen years at the Salon (second chapter), the gradual entry of abstract sculpture causes most of the figurative sculptors to leave in 1964. Thus the third chapter covers the period from 1965 to 1978. The Salon de la Jeune Sculpture then leaves the gardens of the Rodin Museum, redirects its aesthetic choices and adjusts to new outdoor spaces. Through the history of the Salon de la Jeune Sculpture and its founder Denys Chevalier, this dissertation investigates the aesthetic and institutional situation of sculpture in the second half of the twentieth century, at a time when the sculptural field undergoes profound transformations related to its definition and raises the question of its autonomy
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Pirson, Chloé. "Les cires anatomiques (1699-1998) entre art et médecine: étude contextuelle de la collection céroplastique du musée de la médecine d'Erasme." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2006. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210884.
Full textAbstract:
Based upon a servey of the Université libre de Bruxelles medecine museum anatomical waxes collection, my Phd aims to study in an historical context the anatomical waxes fron the 18th Century to the 20th Century. We demonstrated who the didactical items created by sculpture ways appeared throw their successif uses from medical teaching to the prevention of the diseases of the time in the anatomical fairground attractions.Sur base d'une étude de la collection des cires anatomiques du musée de la médecine d'Erasme, ma thèse de doctorat vise à l'étude contextuelle de la production de cires anatomiques depuis la fin du 18e siècle jusqu'au 20e siècle. Nous avons montré comment ses objets didactiques, produits par des moyens sculpturaux, ont été perçu à travers leurs usages successifs depuis l'enseignement médicale jusqu'à la prévention sociale des maladies d'époque, au sein des musées anatomiques forains.
Doctorat en philosophie et lettres, Orientation histoire de l'art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Antichan, Sylvain. "Mettre la France en tableaux : la formation politique et sociale d’une iconographie nationale au musée historique du château de Versailles (1830-1950)." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010331.
Full textAbstract:
En 1837, le château de Versailles est « converti » en un vaste musée visant à « réunir tous lessouvenirs historiques nationaux qu’il appartient aux arts de perpétuer ». Durant près d’unsiècle, cette histoire muséale de la France est reconduite, remaniée et actualisée jusqu’auprésent du Second Empire puis de la Troisième République. Notre thèse tente de comprendre,à partir d’un matériau archivistique dense, la contribution du musée à l’élaboration tout autantqu’à la diffusion d’un imaginaire national et civique.L’analyse iconographique de près de 1300 peintures, réinscrites dans leur cadre palatial,permet d’approcher les mises en forme picturales et matérielles du politique, ses variations etses invariants. Dès lors, l’enjeu est d’appréhender comment ces visions historicisées d’unÉtat-nation ont pu tenir et être appropriées. Leurs succès ne relèvent pas seulement d’uneaction politique et administrative mais s’arriment à l’agencement réciproque de différentessphères sociales et strates d’appartenance. Cette histoire nationale se forme en retraduisant lesunivers les plus familiers des acteurs, en empruntant à la mémoire domestique des « grandsnotables », aux normes et aux enjeux de groupements professionnels (peintres, historiens,militaires) ou encore en solennisant les pratiques routinières d’un « public mêlé ». L’histoirede France s’objective dans cette interpénétration des identités et des loyautés, dans cesconsolidations croisées de secteurs sociaux, dans ces dynamiques de politisation du social etde socialisation du politique. Saisir la formation, le contenu et la diffusion de cet imaginairenational équivaut alors à scruter des systèmes de relation entre groupements sociaux, desarticulations variables entre le quotidien et le national, entre l’art et l’histoire, entre le social etle politiqueIn 1837, the Palace of Versailles was « converted » into a vast museum aiming to « gather allthe national historical memories that it belongs to the arts to perpetuate ». For about a century,the Second Empire, followed by the Third Republic, maintained, reshuffled and expanded themuseum, to include representations of contemporaneous events. This thesis aims tounderstand, based on a dense network of archival materials, the museum’s contribution to theelaboration and diffusion of a national and civic imagination.The iconographic analysis of nearly 1,300 paintings within the context of their palatialframework allows us to explore the pictorial and material representations of the political, theirsimilarities and differences. The issue, therefore, is to apprehend the manner in which thesehistoricized visions of the nation-Statecould hold and become internalized. Their success isnot only the result of political and administrative action, but also finds its source in the mutualreinforcement of different social spheres and loyalties. This national history takes shape byreproducing the actors’ most familiar environments, by borrowing from the domestic memoryof the “great notables” and from the norms and issues of professional groups (painters,historians, the military), or by solemnizing the popular habits. The history of France becomesobjective through this interpenetration of identities, through this mutual reinforcement ofsocial sectors, in these processes of politicization of the social and socialization of thepolitical. To understand the formation, content and diffusion of this national imaginationamounts to scrutinizing the systems of relationships between social groups, the evolvinginterrelations between everyday life and the national, between art and history, and betweenthe social and the political
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Coavoux, Samuel. "Sociologie de l'expérience esthétique. Contextes et dispositions dans les réceptions muséales d'un tableau de maître." Thesis, Lyon, 2016. http://www.theses.fr/2016LYSEN009.
Full textAbstract:
À partir d'une enquête ethnographique sur les réceptions situées d'un tableau de Nicolas Poussin conservé au musée des beaux-arts de Lyon, cette thèse interroge la place de la visite au musée d'art dans les répertoires de loisir des classes moyennes et supérieures. Elle s'appuie sur trois matériaux principaux : environ 50 journées d'observations in situ de l'activité des visiteurs, 45 entretiens de réceptions menées au musée, et 18 entretiens biographiques portant sur les habitudes de visite de visiteurs occasionnels ou réguliers aux profils sociaux similaires à ceux arrêtés au musée. La thèse met en évidence l'importance du statut des œuvres dans l'orientation et dans l'allocation de l'attention des visiteurs. Cet usage pratique de la légitimité culturelle produit un paradoxe : le tableau examiné est considéré comme un chef-d'œuvre, mais il suscite peu d'intérêt esthétique. L'examen lexicométrique d'un corpus d'articles de presse consacrés au tableau confirme que cette réaction s'étend à des publics professionnels comme les journalistes. Le malaise que provoque cette contradiction témoigne de l'importance de la compétence artistique statutaire. La thèse examine alors la place des dispositifs de médiation dans la réduction de cet écart. On peut interpréter la tendance à la déconnexion entre leur usage et la contemplation des œuvres comme un signe de l'importance du discours autorisé de l'institution pour les visiteurs faiblement ou moyennement dotés en ressources spécifiques. Enfin, l'analyse des biographies de visiteurs montre le poids de l'injonction normative à la visite ainsi que l'importance de son inscription dans des routines de loisirsDrawing on an ethnographic study of the receptions of a Nicolas Poussin's painting curated at the Fine Arts Museum in Lyon, France, this dissertation analyses the position of museum visiting in the leisure repertoire of the middle and upper-middle classes. Three main data sources are used: about 50 days of observation of the activities of museum visitors, 45 reception interviews carried out inside the museum, and 18 biographical interviews on visiting habits with occasionnal or regular museum visitors. The dissertation sheds light on the central role of the artwork's status in their orientation and the distribution of their attention. This practical use of cultural legitimacy leads to a paradox: the painting is considered a masterpiece, but it has little aesthetic appeal. A lexicometric analysis of a corpus of newspapers articles confirms that this perspective may be extended to professional audiences, such as journalists. The unease this contradiction provokes in the audience is a reminder of the centrality of statutory artistic skill. The dissertation then analyses how mediation devices are used to fill this gap. The disconnection between the use of devices and the contemplation of the painting might be interpreted as the sign of how important the authorized, institutional discourse on the artwork is for visitors with low to average levels of specific resources. Finally, an analysis of visitors' biographies demonstrates that a normative injunction to visit greatly weights in visitors' practices, but that visits mostly occurs when they are embedded into leisure routines
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Piette, Jacques-Erick. "Le neuvième art, légitimations et dominations." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA081/document.
Full textAbstract:
En France, la bande dessinée est exposée dans des musées et des bibliothèques, ses dessins originaux sont vendus dans des galeries dédiées et par de prestigieuses maisons de ventes, mais est-elle pour autant réellement légitimée en tant qu'art au sein de ces champs ? Qui a initié et participe aujourd'hui à ce processus, et selon quelles stratégies ? Cette thèse s'attache à répondre à ces questions en mobilisant les concepts de champs et de légitimité développés par Pierre Bourdieu mais aussi par des emprunts théoriques et méthodologiques à différents sociologues de l'art comme Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, ou Alain Quemin. En venant questionner les trois pôles que sont les artistes, les institutions et le marché, nous établissons un corpus d'évènements et de dessinateurs valorisés par ceux-ci, mais aussi des producteurs de ces évènements. En étudiant leurs déclarations et en allant à leur rencontre lors d'entretiens, nous analysons leurs motivations. Nous parvenons finalement à établir la relativité de la légitimation de la bande dessinée, tant en qualité qu'en nombre d'individus concernés. Malgré la mise en valeur d'un phénomène générationnel dans l'évolution du statut de la bande dessinée et de sa reconnaissance, nous concluons que l'acquisition d'une semi-légitimité (pour reprendre le mot de Jean-Louis Fabiani) du neuvième art est davantage d'un état de fait que d'un processus dynamique en cours d'évolutionIn France, museums and libraries exhibit comics, galleries devoted to them sell their original drawings and renowed art auction houses do too, but does it mean thereby that comics are truly legitimated as art within these fields ? Who initiated the process and today who keeps participating in it, and in doing so, according to which strategies ? This thesis seeks to answer these questions by gathering together the concepts of fields and legitimacy developed by Pierre Bourdieu but also by borrowing theories and methodologies from art socioloists such as Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, or Alain Quemin. By questioning the three poles formed by the artists, the institutions and the art market, we have established a corpus of events, of strip cartoonists highlighted by these events and of the producers of these same events. By studying their declarations and by meeting them to interview them, we have analysed their motivations. We have finally come to establish the relativity of the legitimation of comics both for their quality and the number of the individuals concerned. Despite the fact that a generational phenomenon has been given prominence in the evolution of the status and the recognition of comics, we can conclude that the acquisition of a semi-legitimacy (to employ Jean-Louis Fabiani’s own word) by the ninth art is more of a fact than a dynamic process in development
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Pageard, Camille. "Utilisation et fonction de la reproduction photographique d’oeuvres d’art dans les écrits sur l’art d’André Malraux : formes et représentations de l’histoire de l’art." Rennes 2, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00585116/fr/.
Full textAbstract:
Après la Second Guerre mondiale, André Malraux publie en 1951 Les Voix du silence chez Gallimard, refonte en un volume des trois tomes de Psychologie de l’art édités par Albert Skira entre 1947 et 1950. Partant du constat que les reproductions d’oeuvres d’art permettent de constituer un « musée imaginaire » dépassant les divisions géographique et historique des musées et des oeuvres, l’auteur développe une théorie de l’art transgéographique et transhistorique dans une relation serrée avec l’iconographie. Malraux s’inscrit ainsi dans une histoire de l’histoire de l’art dont le propos en images contient une théorie liée à la monstration des oeuvres par la reproduction photographique. « Le musée imaginaire » est ici considéré comme un exposé de méthode informé par la lecture des textes de Walter Benjamin. C’est alors la méthodologie historique dans son rapport avec la forme de l’écrit qui peut être saisi, son travail sur l’image lui permettant de construire une théorie propre, mais aussi de représenter visuellement son histoire de l’art de manière « cinématique ». A partir de là, c’est l’histoire de la photographie et de l’édition d’histoire de l’art qui se révèle. Son utilisation de la reproduction photographique s’inscrit en effet dans le cadre d’une réflexion sur le médium même de diffusion du discours sur l’histoire de l’art en proposant une forme éditée jouant avec les codes du genre éditorial. Une série de comparaisons avec les ouvrages de Georges Bataille, de René Huyghe, de Georges Duthuit, d’Ernst Gombrich et de John Berger permet d’en révéler la spécificité et de situer les textes de Malraux au sein d’une de l’histoire de l’histoire de l’artAfter World War Two, André Malraux publish in 1951 Les Voix du silence, edited by Gallimard. The book is a rewritten version in one volume of Psychologie de l’art’s trilogy, originally published by Albert Skira between 1947 and 1950. Based on the observation that artworks’ reproductions allow to constitute a “musée imaginaire” beyond geographical and historical divisions of museums and original artworks, the author develop a “transgeographica” and “trans-historical” theory by a close relationship with illustrations. Thus, Malraux is taking part in an history of art history in which the discourse with images contains a theory linked to artworks’ presence through photographic reproduction. The “musée imaginaire” is here considered as a methodological presentation informed by the reading of Walter Benjamin’s texts. Then, an historical methodology can be understood in its relation to the written form. Malraux’s studies of image allow him to define a peculiar theory as well as to visually represent his own version of art history in a « cinematic » way. From this point, history of photography and art history’s publishing are revealed. Indeed, his use of the photographic reproduction is motivated by a reflexion on the very means of diffusion of art history discourses. Malraux creates an edited form that plays with editorial codes in use in this field. A series of comparisons with books by Georges Bataille, René Huyghe, Ernst Gombrich and John Berger allow to notice its specificity and to locate Malraux’s texts in the history of art history
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Desvages, Mathilde. "Le Salon de la Jeune Sculpture au temps de Denys Chevalier 1949-1978." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080054.
Full textAbstract:
Cette thèse porte sur le Salon de la Jeune Sculpture, de 1949, date de sa création, à 1978, date de la mort de Denys Chevalier, son président fondateur. Elle a pour objet l’analyse de trente éditions annuelles du Salon, qui ont eu lieu dans les parcs et jardins parisiens, accueillant les œuvres de près de mille-cinq-cent exposants. Elle interroge dans une première partie le parcours de Denys Chevalier, critique d’art, ainsi que les ambitions du Salon : rendre visible la sculpture, encourager sa rencontre avec le public, et exposer un panorama des diverses tendances esthétiques du temps. Alors que la figuration domine les quinze premières années, examinées dans une seconde partie, l’entrée progressive de la sculpture abstraite entraîne le départ d’une partie des sculpteurs figuratifs en 1964. Ainsi, la troisième partie porte sur la période 1965-1978. Le Salon de la Jeune Sculpture quitte alors les jardins du musée Rodin, et réoriente ses choix esthétiques en même temps qu’il investit de nouveaux espaces de plein air. À travers l’histoire du Salon de la Jeune Sculpture et de son fondateur Denys Chevalier, cette thèse interroge la situation institutionnelle et esthétique de la sculpture dans le second XXe siècle, à une époque où le champ sculptural subit de profondes mutations liées à sa définition, et pose la question de son autonomieThis Ph. D. dissertation focuses on the Salon de la Jeune Sculpture from its creation in 1949 to the death of Denys Chevalier, its founding member, in 1978. This dissertation seeks to analyze thirty annual Salons which took place in parisian parks and gardens where artworks by nearly one thousand five hundred exhibitors were displayed. The first chapter explores the career of the art critic Denys Chevalier, the ambitions of the Salon – how to display the sculptures, how to assist the audience in their discovery of the sculptures – and the aesthetic trends of the time. While figurative art prevailed over the first fifteen years at the Salon (second chapter), the gradual entry of abstract sculpture causes most of the figurative sculptors to leave in 1964. Thus the third chapter covers the period from 1965 to 1978. The Salon de la Jeune Sculpture then leaves the gardens of the Rodin Museum, redirects its aesthetic choices and adjusts to new outdoor spaces. Through the history of the Salon de la Jeune Sculpture and its founder Denys Chevalier, this dissertation investigates the aesthetic and institutional situation of sculpture in the second half of the twentieth century, at a time when the sculptural field undergoes profound transformations related to its definition and raises the question of its autonomy
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Genest, Renée. "Les formes circulaires sculptées : Étude de cas : la frise à médaillons du portail roman de l'église abbatiale de Cluny au XIIe et XIIIe siècles." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28813/28813.pdf.
Full text
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Restrepo-Navarro, Paulina. "Le droit du patrimoine culturel colombien à l´épreuve de la restitution internationale des biens archéologiques : Quelle approche vis-à-vis des vestiges qui se trouvent à l´étranger ?" Thesis, Paris 11, 2013. http://www.theses.fr/2013PA111007.
Full textAbstract:
Vingt-cinq ans après la ratification de la Convention de l'Unesco de 1970 et un an après celle de la Convention d'Unidroit de 1995 par l’État colombien, il est pertinent de réaliser un état des lieux du droit du patrimoine culturel colombien et de son appréhension des problématiques liées à la circulation des biens archéologiques et à leur transfert de propriété. Si ces vestiges appartiennent incontestablement à la Nation depuis 1991, leur protection constitutionnelle ne suffit pas à satisfaire la politique nationaliste que ce pays-source souhaiterait mener. Le questionnement est donc double : d'une part, celui du régime juridique auquel les biens archéologiques sont soumis sur le territoire national et, d'autre part, celui des possibilités d'application de ce dispositif protecteur lorsqu'ils se trouvent à l'étranger. Il s'agit donc de s'interroger sur la clarté et la précision du régime juridique auquel ces vestiges sont soumis en droit colombien pour permettre à l’État de fonder des demandes en restitution ou de retour susceptibles de réussir et, aussi, de définir dans quelle mesure ce dispositif national peut être appliqué par les autorités et les tribunaux étrangers. Par ailleurs, les traités internationaux spécialement adoptés en la matière depuis la seconde moitié du XXe siècle semblent insuffisants en vue de répondre aux attentes colombiennes de restitution et de retour de ses biens archéologiques. La pratique a démontré que la lutte internationale contre le trafic illicite reste étroitement liée aux législations nationales, tant celle de l’État requérant que celle de l’État requis. Les stratégies contentieuses susceptibles d'être mises en œuvre devant les autorités et les tribunaux français ont été étudiées à titre d'exemple. Plusieurs acteurs sont au centre de ces disputes : les États, les peuples autochtones, les marchands d'art et les musées. La diversité de leurs intérêts révèle la complexité des rapports qui peuvent se tisser autour de ces vestiges considérés, selon les différents points de vue, comme des objets identitaires, sacrés, artistiques ou scientifiques.Enfin, au regard de l'évolution récente du droit du patrimoine culturel colombien, les conditions semblent présentes pour revisiter le rapport que ce pays entretient vis-à-vis des vestiges archéologiques d'origine colombienne qui se trouvent à l'étrangerIt has been more than twenty-five years since Colombia State ratified the 1970 Unesco Convention and one year later it ratified the 1995 Unidroit Convention. It is now relevant to evaluate Colombia’s cultural heritage law and its perception of the issues surrounding the international trade of archaeological objects and ownership transfer. If archaeological antiquities belong unmistakably to the Nation since 1991, their constitutional protection does not satisfy the nationalistic policy this source country would like to lead.The evaluation of cultural heritage law is a double issue. On the one hand, there is the problem of how the domestic laws are applied to archaeological objects within the national territory. On the other hand, there is the difficulty of implementing domestic legislation when the antiquities are abroad. It is therefore a question of assessing if Colombia’s cultural heritage legislation has a framework that is clear and precise enough to allow the State to succeed in its claims and of defining to what extent it can be reinforced by foreign authorities and courts.Furthermore, international treaties adopted in this field since the second half of the twentieth century seem insufficient to meet Colombia´s concerns. Practice has shown that the international fight against illicit trade is closely bound to domestic laws, either that of the requesting State or of the requested State. The litigation strategies that can be brought before French authorities and courts have been studied as an example.These conflicts concern several actors: States, indigenous people, art dealers and museums. Their different level of interests reveal the complexity of the relationships that can be built among these antiquities considered, according to the stakeholders’ point of view, as identity, sacred, artistic or scientific objects.Finally, the recent development of Colombia’s cultural heritage legislation seems to challenge the country’s relation with its archaeological objects abroad
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Jouves, Barbara. "La conservation et la restauration des tableaux des collections privées à Paris (1789-1870)." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H070.
Full textAbstract:
Préoccupés par la conservation de leurs collections de peintures, les amateurs d’art parisiens font appel, entre 1789 et 1870, aux restaurateurs de tableaux, ces derniers relevant d’une profession qui, à la même époque, se définit indépendamment de celles du marchand, de l’expert ou même du peintre. Si le restaurateur intervient sur les œuvres du particulier, il joue, par ailleurs, pour l’amateur, un rôle de guide dans sa connaissance, voire dans son apprentissage, des procédés picturaux. Progressivement, cette prise en compte de la matérialité de l’œuvre contribue à intégrer le collectionneur au sein des commissions muséales en tant que conseiller, avant qu’il n’acquière un statut privilégié au musée à partir des années 1860 par le legs de ses œuvresConcerned about the conservation of their art collections, in the years between 1789 and 1870, Parisian amateurs called upon the services of painting restorers, who, at that time, belonged to a profession considered quite separate from that of art dealer, expert or even painter. While the restorer worked on paintings belonging to private collectors, he also acted as a guide for the latter, broadening their knowledge of Ŕ or even teaching them about Ŕ pictorial techniques. This understanding of the materiality of artworks gradually contributed to collectors being invited into museum committees as advisors, before they acquired a privileged status in museums, from the 1860s onwards, by bequeathing their collections
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Rousseau, Valérie. "Vers une définition de l'art populaire : l'institution problématique d'une notion polysémique : l'axe France-Canada dans une perspective européenne et nord-américaine." Thèse, 2012. http://www.archipel.uqam.ca/5339/1/D2420.pdf.
Full textAbstract:
Intitulée « Vers une définition de l'art populaire: l'institution problématique d'une notion polysémique. L'axe France-Canada dans une perspective européenne et nord-américaine », notre thèse porte sur la construction d'un savoir : celui de la constitution du champ de l'art populaire. Afin de mieux cerner cette notion vague, rarement étudiée en histoire de l'art, et dégager ses spécificités, nous nous penchons sur les processus d'identification, de valorisation et de médiation des objets qui lui sont associés. Cette investigation, qui engage des cas européens et nord-américain, avec une emphase sur l'axe France-Canada, permet d'identifier les mécanismes qui entravent l'institution de l'art populaire et d'explorer des pistes de résolution. Nous partons de l'hypothèse voulant que la dimension polysémique de l'art populaire soit le résultat de volontés diversifiées - esthétique, idéologique, scientifique - d'agents et de communautés en temps donné. L'invention et la structuration de l'art populaire, comme catégorie, reposent sur des conceptions éclatées, élaborées par les artistes professionnels, les collectionneurs, les musées et les chercheurs issus d'horizons disciplinaires variés. L'instabilité de la notion découle de ces nombreuses reconfigurations. Nous examinons ainsi les principaux discours qui forgent cette notion essentiellement occidentale, depuis l'avènement de la modernité au 19e siècle jusqu'à ce jour, et ciblons les corpus de référence qui lui sont liés. En raison de la nature de notre sujet, nous favorisons une approche multidisciplinaire associée aux champs de l'histoire de l'art, de la muséologie et du patrimoine, puisant aux méthodes de l'ethnologie, de l'anthropologie et de l'historiographie. Au chapitre I, nous nous penchons sur les moments fondateurs de la valorisation de l'art populaire en France et au Canada, relatifs à l'établissement, au développement et à la popularisation de la notion. Nous affectons notre recherche à deux pays distincts - historiquement et linguistiquement liés - pour faire émerger les récurrences, les dynamiques, les enjeux et les mécanismes partagés de part et d'autres de l'Atlantique. Nous y observons que les contributions principales en art populaire sont circonstancielles et proviennent généralement de personnalités isolées (liées ou non à des institutions). L'absence de consensus et de critères de sélection concertés donne naissance à une multitude de perspectives. Plus spécifiquement, en France, les artistes professionnels ont un rôle de levier dans la reconnaissance de l'art populaire; cette attention, qui contribue surtout à la sauvegarde immatérielle des œuvres, favorise à l'occasion son collectionnement et sa conservation institutionnelle. Avec la naissance du Musée national des Arts et Traditions populaires (MNATP), la dimension artistique de l'art populaire, et de surcroît son caractère exceptionnel, s'impose au profit de l'objet ordinaire, notamment en raison de l'ancrage disciplinaire des agents à l'origine de sa valorisation. Dans le milieu de la recherche, les tentatives observées n'ont pas de véritables suites, ni ne contribuent à l'émergence de groupes de référence en matière d'études; le fait que l'art populaire soit récupéré à des fins de propagande par certains partis politiques peut expliquer ce désengagement. Au Canada, l'art populaire pénètre d'abord les milieux scientifique et politique, donnant d'emblée naissance à des initiatives à caractère identitaire, économique et nationaliste. La constituante multiculturelle du pays, mettant de l'avant la diversité, oriente les discours. L'art populaire n'atteint par ailleurs que très rarement les institutions artistiques. Comme en France, les collectionneurs privés laissent la plus large contribution, malgré l'hétérogénéité de leur perception. En somme, la notion d'art populaire s'incarne dans ses phases de réinventions - suivant des motivations personnelles, parallèlement à la sauvegarde du patrimoine des sociétés en mutation et aux recherches sur l'identité nationale, de pair avec les chocs du métissage culturel et l'instabilité générée par les crises financières, suivant les confrontations sociales et l'élargissement des frontières artistiques. Ainsi, au chapitre I, nous remarquons que les agents et les institutions attachés à la valorisation de cette matière, de même que les réseaux dans lesquels s'enracine l'art populaire, répondent à des motivations similaires. Ces similarités font l'objet du chapitre II, consacré à l'exploration de sept constats - ou spécificités - de l'art populaire. Cette section, qui propose un bilan des connaissances sur l'art populaire, permet d'élaborer une définition ouverte - multihistorique - de l'art populaire. Constituée à rebours, cette définition relève de la pluralité des corpus de référence, des contextes de réception et des lectures dans le cadre muséal. Outre la présentation des causes menant au caractère polysémique de l'art populaire, nous examinons la connexion particulière de ces artistes à leur environnement, de même que l'empreinte nationale de l'art populaire, sa dimension mémorielle, son traitement en histoire de l'art, sa conversion à l'esthétique dans le cadre muséal, et enfin les enjeux qui sous-tendent le rapport à l'autre. Le chapitre III montre en quoi l'art populaire fait obstacle aux processus traditionnels de reconnaissance artistique, en nous référant aux modèles d'institutionnalisation développés par Alan Bowness (dans le cas de l'art moderne) et Jean Dubuffet (dans le cas de l'art brut). Ces systèmes, qui renvoient à des créateurs issus de culture et de temporalité similaires, partagent une étape cruciale : celle de reposer sur des collections fondatrices qui ont été conservées, documentées, citées en exemples, et diffusées auprès de publics dans le contexte de musées érigés à leur attention. Pour signer l'aboutissement d'un processus de reconnaissance et fixer une mémoire auprès du public, l'art populaire doit, suivant la même logique et la même progression, être associé à des corpus de référence spécifiques. Ainsi, ces modèles nous enjoignent à établir préalablement la connaissance de l'œuvre, un vocabulaire qui lui est propre, ainsi que sa propriété. De fait, l'attribution est un acte fondateur de l'institution de la culture et joue un rôle central dans la mise en place du savoir; il participe à la construction du sens, de la mémoire et de l'identité dans les discours. Pour s'imposer, le champ de l'art populaire doit pallier à ses lacunes documentaires et cesser d'opérer comme un art sans artiste. Ce qui nous mène à la singularité du sujet créateur : alors que Bowness et Dubuffet interviennent dans la sphère artistique et hissent d'emblée l'objet au rang d'œuvre d'art, l'art populaire demeure animé en fonction de valeurs collectives, de programmes idéologiques et de traits culturels. Parallèlement, nous remarquons que l'intérêt des réseaux artistiques pour cette matière ne favorise pas le développement d'une expertise en art populaire. Ceci, puisqu'il vise la production d'artistes en particulier, assimilée selon des critères empruntés à l'art officiel : une telle élection artistique éjecte du coup ces créateurs de leur catégorie d'origine, dès lors dévaluée. À ce titre, Dubuffet refuse d'animer l'art brut en fonction de procédures empruntées à l'art professionnel; ce qui constituerait, selon lui, une « violence de l'interprétation ». Il s'engage au contraire à cerner la spécificité de ces œuvres particulières pour forger les bases de sa conceptualisation, à l'image, dirions-nous, des prises en charge engagées durant les dernières décennies par les cultures autochtones, aborigènes et minoritaires.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : art populaire, art brut, institution de la culture, institutionnalisation, muséologie, musées personnels