Dissertations / Theses on the topic 'Mot poétique'

L'étude du mot "pierre" dans l'oeuvre poétique de Saint-John Perse est le fil directeur qui permet de se fonder sur le vocabulaire géologique afin de repérer les images essentielles qui traversent les poèmes. Mettant à profit la gourmandise lexicale qui le caractérise, Saint-John Perse s'adonne à de véritables recherches en sciences de la Terre pour s'assurer une collection de termes techniques et scientifiques qu'il transforme en matière poétique, grâce à des procédés linguistiques qui développent en contexte les potentialités sémantiques des mots. Dans le premier chapitre, l'examen de la bibliothèque personnelle du poète, conservée à la Fondation Saint-John Perse, aide à reconstituer une partie de son fonds documentaire et de s'appuyer sur ses annotations afin d'établir, dans le chapitre suivant, un corpus qui met en évidence l'emploi de termes spécialisés. Il est ainsi possible de combiner l'analyse du contenu sémantique des termes et celle de leur insertion dans les poèmes. La construction des images est l'objet du troisième chapitre. En effet, les mots se répercutent d'une oeuvre à l'autre, tissant des réseaux sémantiques complexes et construisant une forte charpente thématique, sur lesquels repose la dynamique de la poésie persienne. Mais la particularité des images minérales consiste à établir une analogie entre la formation de la Terre et l'écriture du poème. Retrouver l'itinéraire intellectuel de Saint-John Perse à travers les mots nous conduit ainsi à plonger dans les profondeurs de l'imaginaire. Dans un quatrième chapitre, apparaît l'importance du vocabulaire géologique dans la poésie persienne. Si la pierre occupe une place essentielle dans différents systèmes de pensée, c'est qu'elle oppose à la précarité humaine l'image de la dureté, de la rudesse, mais surtout celle de la permanence de la matière. Outre l'émergence de ces images archai͏̈ques, s'ajoute la difficulté pour l'homme à se représenter une échelle des temps qui exclut le temps humain.

À la croisée de l’histoire de la langue, de la lexicographie, de la stylistique et de la littérature, cette thèse se propose de retracer le parcours d’une notion complexe, celle de « mot poétique », qui connaît au XIXe siècle une évolution singulière. Des débuts du Romantisme à la mort de Mallarmé, le lexique poétique est en effet soumis à des bouleversements majeurs, entre héritage postclassique et déni de cet héritage, désir de modernité, expérimentations fin-de-siècle. Afin de mieux cerner les contours de cette évolution, nous avons choisi de faire dialoguer le discours lexicographique et les textes littéraires et de confronter leur pensée du mot poétique. La première partie de ce travail propose un panorama du poétique tel qu’il se donne à lire dans les dictionnaires (du premier Dictionnaire de l’Académie de 1694 à La Grande Encyclopédie de 1885-1902) et détermine un corpus lexical, établi à partir des termes que le Grand Dictionnaire universel du dix-neuvième siècle (1863-1876) de Pierre Larousse définit comme poétiques. La deuxième partie de la thèse analyse les usages de ce lexique dans les textes littéraires et montre comment les mots poétiques traditionnels parviennent à conserver leur aura. Enfin, le troisième temps de la réflexion s’intéresse d’une part aux dérives et aux limites de ce lexique, à son devenir cliché, et d’autre part, à tous les nouveaux procédés de poétisation du mot comme au renouvellement général de la pensée du poétique qui confine, à l’aube du XXe siècle, à la rêverie
At the crossroads of the history of language, lexicography, stylistics and literature, this doctoral dissertation aims to recount the path taken by the complex notion of the "poetic word" which is transfigured like no other in the 19th century. From the beginnings of Romanticism to the death of Mallarmé, the poetic lexicon is subjected to major disruptions, as it is torn between post-classical heritage and the denial of that heritage, between an attachment to modernity and end-of-the-century experimentations. To get a better grasp of the features of this evolution, we decided to put lexicographical discourse and literary texts in conversation with each other and contrast their conception of the poetic word. The first part offers an overview of the poetic as revealed by dictionaries (from the first Dictionnaire de l’Académie of 1694 to La Grande Encyclopédie of 1885-1902) and identifies a lexical corpus based on the terms defined as poetic by Pierre Larousse in his Grand Dictionnaire universel du dix-neuvième siècle (1863-1876). The second part analyses the uses of this lexicon in literary texts, showing how traditional poetic words manage to retain their aura. The third part focuses, on the one hand, on the misuses and limits of this lexicon that trivializes it and makes it cliché. On the other hand, it tackles all the new ways of poetizing the word as well as the renewal of thoughts on the poetic which, on the eve of the 20th century, borders on reverie

Sur l'ensemble du xixe siecle deux constats paralleles peuvent etre faits : d'une part, la metaphore musicale prend une place de plus en plus importante dans la maniere qu'ont les poetes de se referer a leur art ; du point de vue des musiciens, bien que l'air reste important, la difference entre parole et chant tend a etre gommee. D'autre part, on assiste dans les deux domaines a une evolution de la sensibilite metrique et intonative quelles sont les grandes etapes de cette evolution? il faut proceder par sondage, a des periodes choisies. La notion d'accent tonique s'avere centrale, car point de rencontre entre metre et intonation, entre musique et langue. Elle apparait comme une sorte de "lieu musical du langage", autour duquel s'organisent des notions plus obscures, comme celle de "sens". L'histoire croisee de la musique et de la langue se joue autour d'une double dissociation : dissociation entre rythme et mesure, entre vers et unite syntaxique. Tout en s'operant au nom de la nature unitaire de la langue et de la musique, le parallelisme de ces deux mouvements de fluidification met en evidence un divorce entre les deux instances. Les deux bornes retenues, rousseau et mallarme, sont considerees dans leur continuite et dans leur opposition. Rousseau attribue une origine commune a la langue et a la musique, en deca de l'articulation et de l'harmonie, union qui contient le geste physique, et qui est le lieu du sens, l'evolution, introduisant articulation et harmonie, marque la perte de sens, et l'inadequation insurmontable entre languge et musique a l'oppose, mallarme peut apparaitre comme celui qui tire les consequences ultimes de l'impossibilite a trouver une continuite reelle entre langue et musique, en affirmant leur difference, tout en travaillant a partir de cette idee de musicalisation de la langue, et de conception de la musique comme un langage autonome
In the xixth century, music and language have a cross history : rousseau and mallarme, meyerbeer and debussy can be considered as departure and terminus, theoretically as well as in the artistic realizations

L’œuvre poétique d’António Feijó (1859-1917) s’inscrit dans un moment historique marqué de différents courants littéraires: Réalisme, Naturalisme, Parnasse, Décadentisme et Symbolisme. La nouvelle ère du progrès en Europe provoque un renouvellement littéraire. Avide des nouvelles émotions qui arrivaient de Paris dominée par le Réalisme, Feijó remet en question le Romantisme. Depuis sa première publication poétique, Transfigurações (1882), datant de ses années de jeunesse, jusqu’à Novas Bailatas (1926), sa poésie présente une vaste perspective thématique lyrique. Les poèmes réunis dans Transfigurações résument les différentes phases de l’évolution de l’esprit de Feijó, sous l’influence du pessimisme de Schopenhauer et de Leopardi aux doctrines d’Auguste Comte et d’Herbert Spencer. Le pessimisme et la mort s’imposent presque tout au long de sa poésie. Ces doctrines chez Feijó dévoilent une métaphysique et un goût pour la spiritualité. Le poète hésite à trouver sa voie, mais il est influencé par la crise de transition du XIXème au XXème siècle, dominée par l’esthétique décadente qui précède l’esthétique symboliste. Avec son départ vers le Brésil puis vers la Suède, le spleen s’empare plus après la mort de son épouse. Feijó justifie alors sa qualité de poète de l’Amour et de la Mort, thèmes constants dans son œuvre où domine la figure de la Femme. Ce travail examine l’ensemble du corpus de l’œuvre poétique d’António Feijó, contemporain d’Eça de Queirós et mal connue en Europe et au Portugal. Elle apparait comme le résultat d’une époque que le poète synthétise et qui ouvre un chemin original dans une phase de transition tardive du post-romantisme portugais
The poetic work of António Feijó (1859-1917) is part of a historical moment of different literary currents: Realism, Naturalism, Parnassianism, Decadentism and Symbolism. The new era of progress in Europe originates a literary renewal. Avid of the new emotions that arrived from Paris dominated by Realism, Feijó questions Romanticism. Since its first publication, Transfigurações (1882), written in his youth years until Novas Bailatas (1926), his poetry presents a broad perspective thematic. The poems gathered in Transfigurações summarize the different stages of the intellectual evolution of Feijó, under the influence of the pessimism of Schopenhauer and Leopardi to the doctrines of Auguste Comte and Herbert Spencer. Pessimism and death are presents almost in all his poetry. These doctrines in the work of Feijó unveil his metaphysics and his taste for spirituality. Feijó seems reluctant to find its way, but he is influenced by the crisis of transition from the 19th to the 20th century, dominated by the Decadent aesthetics that precedes the Symbolist aesthetic. With his departure to Brazil and then to Sweden, the spleen takes possession more clearly of Feijó, after the death of his wife. Feijó then justifies his quality of the poet dealing with love and death, constant themes in his work, dominated by the figure of the Woman. This work explores the whole corpus of the poetic work of António Feijó, a contemporary of Eça de Queirós and a poet poorly known in Europe as well as in Portugal. He appears as the result of an era that he synthesizes, but which opens an original road in a late transition of the Portuguese post-romanticism

Honoré broutelle, né à nantes, le 16. 04. 1866, décédé à Bois-Colombes, le 19. 01. 1929, médecin, poète et xylographe, chante dans ses volumes de vers le cosmos, alias univers, alias espace-temps, qu'il fait, d'ailleurs, assez rapidement, éclater en espace et temps. D'où divers hommages à l'axe cosmique: l'homme-arbre et à la main; celle-ci considérée comme cordeau de la distance et calculatrice du temps ou négation de l'espace, négation du temps, quand elle est main créatrice, prolongée par l'outil. D'ailleurs, Broutelle fut peintre et, surtout, graveur sur bois original, carrière qui se joue pour lui de 1917 a 1929, il est repertorié dans les dictionnaires et manuels de l'espace (oeuvres acquises par le musée du louvre et divers autres musées nationaux). Par cette hantise de l'espace et du temps, Broutelle traduit, subie par lui dans le vecu, sa problématique profonde de l'absence, de la distance et de la mort, par exemple, à propos de sa filiation directe avec Duguay-Trouin et, surtout, de la disparition de son père, Honore-Salomon Broutelle, capitaine au long cours, lors d'une escale à Sydney. Il apaise partiellement son angoisse par le recours à l'écoute du chuchotement des premières sources : l'eau, la terre, l'air, le feu, créatrices et conservatrices de la vie dont il exalte le grand-prêtre, le paysan, ainsi que les manifestations animales les plus familières. D'ailleurs, la vie, il la sert comme médecin, d'où les poèmes médicaux (édition posthume). Il fait paraitre, en 1922, les poèmes sarthois, ouvrage couronné par l'academie française en 1925. Il devient ainsi, de la Sarthe, le chantre reconnu (des stèles et des rues lui sont, à ce titre consacrées). Jeanne Blin-Lefebvre, fondatrice et présidente de la societe litteraire du Maine, écrit a la fille du poète : son livre est le premier et le plus beau fleuron de la littérature paysanne, historique et descriptive de la province ; il chante les cités et les champs en un tout complet. . . Il sera difficilement égalable dans l'avenir. Dans la premiere partie du volume : bucoliques sarthoises, le poète pratique un réalisme original : poèmes rustiques au vocabulaire évocateur, parsemé de termes dialectaux ; dans la deuxieme partie: la cité vivante, poèmes plus ambitieux de beauté plastique, descriptifs de la capitale, Le Mans, et de son joyau architectural, sa cathédrale, la magnifique, comme, depuis Broutelle, on l'appelle en Sarthe.

Marginalisés, Leduc et Genet voulurent modifier leur image et créèrent une stratégie originale d'écriture de soi: hors-normes, ils ne pouvaient s'écrire selon des règles, même littéraires. L'autobiographie, les concepts de temps et de sujet en furent bouleversés : la problématique est existentielle et poétique qui force à reforger le langage même. C'est la création de deux poétiques du désastre, signes que l'écart tragique dénoncé alors n'est pas entre Leduc ou Genet et la société, mais, sans cesse recommencé, entre une lecture et le texte lu qui, création d'une langue toujours renaissante, exige une lecture toujours nouvelle. Leduc et Genet soulignent que la lecture est problématique qui porte sur un texte qui ne se conforme pas à un minimum de conventions, et plus généralement que toute lecture gauchit un texte quand elle le lit avec des outils déjà préparés, quand il faudrait qu'elle lui fût isomorphe : la posture requise est celle d'une ascèse qui laisse les mots respirer
Marginalized, Leduc and Genet wanted to shape a new image of themselves, and created an original strategy of self-writing : out of norms, they could not obey any roles, even though literary. Thus they modified autobiography, and such concepts as Time and Subject. There, problematic is existential and poetic since it forces them to shape a new language. Then appear two poetics of disaster, who signify that the gap is not between Leduc or Genet and society, but an always started again gap between reading and text. The last, creating a new language, requires a new reading. Leduc and Genet 'show that it is problematic to read a text that does not obey the common roles, and, more generally, that any reading distorts a text if it uses tools that were prepared yet: on the contrary, it should be isomorphic to the text: the required position is here one df an. Asceticism that keeps words breathing

Cette exploration de la strategie temporelle mise en oeuvre par robert lowell s'appuie sur les axes fondamentaux de la poesie. Tout en s'efforcant de depasser la dimension purement autobiographique des poemes, ce travail tente de demontrer comment l'emergence d'un style dit confessionnel signale en fait le besoin du poete de recentrer le discours sur une temporalite percue comme deficiente. La confession systematique, les crises de folie, le recours au pathos, la hantise de l'echec artistique et la presence obsedante d'un moi qui cherche vainement a articuler sa quete impossible de l'oubli reparateur sont au centre de cette etude. Les relations qu'entretient l'oeuvre poetique et theatrale avec l'histoire mettent en evidence une tendance marquee, a travers la metonymie, a meler devenir personnel et eschatologie collective. Tout ceci conduit l'auteur de ce travail a se concentrer sur les mecanismes operatoires de la production lowellienne pour arriver a la conclusion que le discours poetique chez lowell s'efforce paradoxalement d'occulter les enjeux veritables de l'oeuvre. La douleur retrospective et les traumatismes de l'enfance ne sont plus alors a lire dans leur dimension biographique mais comme les moteurs necessaires d'une oeuvre qui s'ecrit en cherchant avant tout a exercer sa volonte de puissance sur un reel inexorablement fuyant
The present analysisof lowell's temporal strategy examines the poetry's constitutive elements. While endeavouring to go beyond the merely autobiographical data presented by the poems, this thesis tries to show how the the emergence of the confessional style signals the poet's need to focus his discourse on his deficient relationship with time. Systematic confession, the bouts of madness, the recourse to pathos, the obsession with artistic failure as well as the haunting presence of a self vainly trying to articulate his doomed attempts at forgetting are key motifs analysed in the present thesis. The relationship between lowell's poetic and theatrical output and universal history signals a marked preference for metonymy as well as the poet's conscious desire to blend private development and collective eschatology. All this leads the present writer to consider the functional workings of the poetry and to reach the paradoxical conclusion that lowell's poetic discourse tries hard to cover up the fundamental concerns of his work. Retrospective agony and childhood traumata therefore need no longer be read in their autobiographical dimension only but as the necessary stimuli of a poetry which tries first and foremost to exert its author's will-to-power over an intractable and forever hostile reality

Le but de la présente thèse est de retracer le changement théorique qu’a réalisé Antonin Artaud de la notion du moi, et par là d'éclairer la poétique particulière qu’il a établie à la fin de sa vie. La 1ère partie focalise ses premiers écrits et surtout la maladie dans laquelle il ne pouvait penser. Qu’est-ce que l’impossibilité de penser ? Pour lui cette maladie n’est qu’un dysfonctionnement psychologique. Sa maladie consiste à son incapacité de faire correspondre rétrospectivement sa pensée intérieure aux paroles extériorisées. A l’époque le moi artaldien restait minimisé. Il s’agit dans la 2e partie de la théorie du théâtre qu’il développait toute sa vie. Certes sa théorie reste cohérente en ce sens qu’il s’agit toujours de la relation entre le texte et l’acteur. Mais dans les années 30 comme le texte fonctionne comme un double qui hante le moi de l’acteur et lui demande tel ou tel acte, le texte se trouve toujours antérieur à l’acteur. Par contre, dans les années 40, Artaud n’accepte plus l’antériorité du texte par rapport à l’acteur, ce qui rend impossible le théâtre au sens ordinaire du terme. La 3e partie aborde l’hypertrophie du moi artaldien. Or cette centralité du moi artaldien n’est pas un solipsisme car ce n’est que rétrospectivement qu’il peut dire « tout est sorti de moi ». Cette rétrospectivité lui permet de développer sa propre poétique à travers la lecture des Chimères de Nerval où il établit un nouveau sujet littéraire : sujet de lecture qui domine rétrospectivement l’espace poétique. L’hypertrophie du moi n’est point un symptôme de la schizophrénie, mais un support théorique à la poésie contemporaine, comme la poésie sonore ou littéraliste
The purpose of the present thesis is to redraw Antonin Artaud's theoretical change of the notion of the ego, and to clarify the particular poetics that he established at the end of his life. The 1st part of the thesis focuses his early writings and especially the disease by which he could not think. What is the impossibility to think? For him this disease is only a psychological dysfunction. His disease consists in his incapacity to make, afterward, his internal thought correspond to the exteriorized words. At the time Artaud's ego remained minimized. In 2nd part, it is a matter of the theory of theater that he developed all his life. While his theory remains coherent in the sense that it is always about the relation between the text and the actor. But in the 30s as the text works as a double that haunts the ego of the actor and asked him a particular act, the text is always previous to the actor. On the other hand, in the 40s, Artaud does not accept any more the anteriority of the text with regard to the actor, what makes impossible the theater for the common sense of the term. The 3rd part approaches the hypertrophy of Artaud's ego. But this centrality of the ego is not solipsism because it is only afterward that he can say "everything went out of me". This rétrospectivité allows him to develop his own poetics through the reading of Les Chimères of Nerval where he establishes a new literary subject: subject of reading which dominates afterward the poetic space. This hypertrophy of the ego is not a symptom of the schizophrenia, but a theoretical support in the contemporary poetry, as the sound poetry or literalist poetry

Le but de la présente thèse est de retracer le changement théorique qu'a réalisé Antonin Artaud de la notion du moi, et par là d'éclairer la poétique particulière qu'il a établie à la fin de sa vie. La 1ère partie focalise ses premiers écrits et surtout la maladie dans laquelle il ne pouvait penser. Qu'est-ce que l'impossibilité de penser ? Pour lui cette maladie n'est qu'un dysfonctionnement psychologique. Sa maladie consiste à son incapacité de faire correspondre rétrospectivement sa pensée intérieure aux paroles extériorisées. A l'époque le moi artaldien restait minimisé. Il s'agit dans la 2e partie de la théorie du théâtre qu'il développait toute sa vie. Certes sa théorie reste cohérente en ce sens qu'il s'agit toujours de la relation entre le texte et l'acteur. Mais dans les années 30 comme le texte fonctionne comme un double qui hante le moi de l'acteur et lui demande tel ou tel acte, le texte se trouve toujours antérieur à l'acteur. Par contre, dans les années 40, Artaud n'accepte plus l'antériorité du texte par rapport à l'acteur, ce qui rend impossible le théâtre au sens ordinaire du terme. La 3e partie aborde l'hypertrophie du moi artaldien. Or cette centralité du moi artaldien n'est pas un solipsisme car ce n'est que rétrospectivement qu'il peut dire " tout est sorti de moi ". Cette rétrospectivité lui permet de développer sa propre poétique à travers la lecture des Chimères de Nerval où il établit un nouveau sujet littéraire : sujet de lecture qui domine rétrospectivement l'espace poétique. L'hypertrophie du moi n'est point un symptôme de la schizophrénie, mais un support théorique à la poésie contemporaine, comme la poésie sonore ou littéraliste.

Cette thèse a pour objet l’examen des manifestations poétiques et poïétiques du corps dans la poésie de Jules Supervielle. Le texte est marqué par le sceau de la disparition et du manque, contre lesquels il s’érige pour tenter de combler les corps défaillants. Les recueils, agrégés au long du premier XXe siècle, présentent une écriture affectée à la fois par l’histoire mondiale et l’histoire individuelle. Le poète passe de l’acceptation d’une déchirure constitutive singulière à la mise au jour d’une résonance corporelle cosmique. En créant des images évolutives, en confrontant son propre corps au réel et en inventant une réalité poétique par l’imaginaire du rêve, il reconnaît la multiplicité de ses ancrages, et se relie à l’univers. Si le sujet installe ses assises grâce aux relations qu’il noue avec l’extérieur, il désire aussi connaître ses propres rouages en retournant son regard au-dedans. Notre étude interroge les différents états perceptifs du corps que les poèmes figurent, s’appropriant la métamorphose permanente et cherchant à circonscrire les troubles physiologiques. L’instabilité et le mouvement sont capturés par le texte qui, d’instant en instant, passe du corps au non-corps et tente de rapatrier les formes privées de corps dans la matière. L’analyse révèle que le corps se renouvelle en transgressant et en estompant les frontières. La dialectique entre le corps vivant et la forme évasive de l’âme des morts serait résolue par une ontologie poétique de l’entre-deux. Grâce au souvenir remémoré du divin dans une nature de laquelle Dieu s’est retiré, l’homme se réapproprie la responsabilité de sa continuité et de la continuité du monde, par la mise en œuvre de sa puissance de création
This thesis holds its objective to study the poetic and poietic manifestations of the body in the poetry of Jules Supervielle. The text is imprinted with the mark of disappearance and absence, against which it arises to make amends for the defaulted bodies. This anthology, edited through the first half of the 20th century, presents a writing influenced by a history both universal and individual. The poet travels from the acceptance of a constitutive singular implosion, reaching out for an ever-evolving resonance of the cosmic body. By creating evolving images, by rubbing against "the real" at the expense of his own flesh and blood, by inventing a poetic reality with his dreamy fantasy, he has revealed his multiple extensions, as to find his way to be connected with the universe. If the subject owns his firm footing to his relationships with the outside world, he is equally eager to comprehend his own mechanism by winding his observation towards the inside. Our study inquires into the different perceptive depths of the bodies that the poems illustrate, by making use of the permanent metamorphosis, in order to come to terms with the physiological aberrations. Instability and movement are captured by the text which, from a moment to the other, pass from body to absence of body and tries to unify shapes without body into the matter. The analysis reveals that the body renews itself by breaking and borrowing boarders. The dialectic between the living body and the evasive shape of the soul of the dead would be resolved by a poetic ontology of the interspace and period in between. Thanks to the reminded recollection of the divine presence in a nature from which God took off, the mankind takes again the responsability of his continuity and the continuity of the world, by using his power of creation

Hugh MacDiarmid est considéré comme le poète écossais le plus important du XXᵉ siècle. Il est surtout célébré pour les poèmes lyriques écrits en scots dans les années Vingt et le poème A Drunk Man Looks at the Thistle, paru en 1926. Les poèmes des années Trente, pour la plupart issus du projet non publié Mature Art, ainsi que In Memoriam James Joyce (1955), ont rarement suscité le même intérêt de la part des critiques à cause de leur caractère fragmentaire. Pourtant, ils représentent l’aboutissement d’une crise stylistique complexe que cette étude se propose d’analyser à travers la question du lien, en particulier du lien problématique. L’œuvre complète dresse le portrait d’une humanité déchirée par les divisions sociales, la trahison et la mort mais évoque aussi une perte, une perte fondamentale et fondatrice de la modernité : la perte de l’altérité transcendante désignée par la figure de Dieu. Une analyse diachronique des poèmes révèle comment l’évolution de l’œuvre poétique de MacDiarmid peut être conçue comme une rupture avec le divin, comme un processus de sécularisation et de déthéologisation. À partir de A Drunk Man, l’instance d’énonciation, les pratiques intertextuelles, et le rythme de l’œuvre se métamorphosent pour permettre l’avènement de listes et de catalogues matérialistes. Grâce à un lexique de l’immanence et grâce à l’imitation de la forme infinie du pibroch, les poèmes dévoilent une philosophie post-chrétienne qui abandonne le principe de fin mais conserve celui de finalité. Les hommes et la poésie demeurent tournés vers une altérité immanente, qu’ils ne peuvent toutefois pas atteindre. Finalement, malgré la souffrance causée par une quête du sens jamais achevée, l’option existentielle du partage dans la nature s’unit au partage que seule l’écriture poétique rend possible, pour inscrire l’œuvre dans la plénitude
Hugh MacDiarmid is considered the most important Scottish poet of the 20th century. He is mostly celebrated for the Scots lyrics he wrote in the 1920s and his long poem A Drunk Man Looks at the Thistle, published in 1926. Because of their fragmentation, the poems of the Thirties, most of which were part of the unpublished project Mature Art, and In Memoriam James Joyce (1955), have not attracted the same critical attention. However, they represent the culmination of a very complex stylistic crisis that this study offers to analyse thanks to the question of bonds, especially problematic bonds. The poetry portrays humanity torn by social division, treason and death, but it deals with loss too, with a fundamental and founding loss for modern men: the loss of God, the embodiment of transcendent otherness. A diachronic analysis of the poems reveals how the transformation of MacDiarmid’s poetry may be understood as a rupture with the divine and as a process of secularisation. From A Drunk Man, the enunciator, the intertextual methods and the rhythm of the poetry change so as to allow the emergence of materialist lists and catalogues. Thanks to immanent terms and to the imitation of the infinite form of the pibroch, the poems display a post-Christian philosophy that abandons the concept of ending but retains that of end (aim). Humanity and poetry are still turned towards an immanent form of otherness, though one which they cannot reach. Finally, despite the pain caused by a never-ending quest for meaning, poetic writing makes serenity possible through the appearance of a vital existential option: sharing

Héritier d’une longue tradition d’écrivains “bohèmes”, Pierre Jean Jouve est l’auteur d’une œuvre romanesque semblable à une route jalonnée de sentiers épars. Rigoureusement balisés par le romancier, mais jamais totalement explorés par le lecteur, visiteur d’un espace littéraire où les pérégrinations des personnages se confondent avec l’errance de l’écrivain, les romans de Jouve se donnent à lire comme de véritables jalons sur la route qui a mené leur auteur à ce qu’il nomme « l’immuable langue ». Cette étude accorde la place qu’ils méritent aux thèmes fondateurs des romans jouviens que sont les voyages (terrestre et céleste), l’onirisme, Éros et Thanatos… autant de catalyseurs de cette “errance romanesque” qui est au cœur de l’art de Jouve et dont le but affiché est de permettre l’accès à « la vraie libre Poésie »
Heir to a long tradition of “bohemian” writers, Pierre Jean Jouve is the author of a novel similar to a road dotted with scattered paths. Strictly marked by the novelist, but never fully explored by the reader, a visitor to a literary space where the peregrinations of the characters mingle with the wanderings of the writer, Jouve’s novels are read as real milestones on the road that led the author to what he calls « the unchangeable language ». This study puts emphasis on Jouvian novels’ themes namely travel (terrestrial and celestial), dreamlike, Eros and Thanatos... so many catalysts of this “novelistic wandering” at the heart of Jouve’s art, whose stated aim is to allow access to « real free Poetry »

La femme et le mot dans la poésie de Dominique Fourcade constituent un langage qui permet le passage d’une rive à l’autre. Ce langage aspire à construire l’homme, et à traduire le visible au moyen de l’invisible. C’est un langage profond, lyrique et philosophique, solide, vulnérable, mais au fond, impénétrable, abyssal et énigmatique. La poésie de Fourcade est une méditation sur la douleur humaine qui surgit dans la nuit comme un soleil et demande le pourquoi de l’obscurité. La femme et le mot dans la poésie de Fourcade sont la métaphore de l’homme qui a froid et dont l’âme a besoin de la peau féminine. La poésie de Fourcade est un miroir du réel. Elle ne recule pas. Elle ne redoute rien. Elle représente l’identité anatomique de notre temps. C’est en quoi cette poésie doit être pensante, philosophique et picturale, car elle fait paraître non seulement le réel, mais aussi son mystère, sa tristesse et son gouffre insondables. Au fond de ce mystère, le poète pleure l’homme et le monde sans plus d’identité, sans plus d’histoire. La poésie de Fourcade trouble nos esprits, car elle exprime les sentiments sous la forme d’un langage mouvant, fluide en expansion et en continuité, qui projette sur nous l’image de la réalité lourde, intense et funéraire. La poésie de Fourcade a sa place dans le cœur humain car elle est née auréolée du soleil de l’esprit pour montrer un monde tel que le poète aurait aimé le voir. C’est pourquoi la femme et le mot, dans sa poésie, installent un univers lumineux, une affection active, tonique et accentuée qui ne connaît que la passion créatrice qui pénètre tout grâce à sa sincérité et à sa pureté. Ils n’ont pour autre but que de réaliser l’équilibre entre la matière sombre et négative, et l’esprit pur. Rien n’est plus beau que lorsque nous partons de l’extrémité d’une image pour atteindre l’autre extrémité. La femme et le mot sont une lutte armée entre deux contraires lumière et ténèbre, esprit et matière. Chacun s’efforce d’imposer à l’autre sa volonté et de faire triompher sa cause. Entre la femme et le mot, dans la poésie de Fourcade, il y a un lien qui associe la réalité à la pensée, le ciel à la terre, le mortel à l’immortel. Ils semblent avoir été autant de moyens d’accéder à l’harmonie secrète de l’âme humaine. Mais la poésie de Fourcade est aussi cette mélancolie primitive, car dans l’obscure rêverie, le poète pleure toutes les valeurs brillantes qui ont été éteintes, laissant un homme blessé, solitaire et suspendu au milieu d’un espace intérieur clos
Woman and Word in Dominique Fourcade’s poetry constitute a language which permits the passage from one bank to another. This language aims at forming man and it translate the visible by the invisible. It is a deep language, Lyrical, philosophical, solid, vulnerable but deeply inpenetrable bottomeless and enigmatic. Fourcade’s poetry is a meditation of human suffering which gutters at night as a sum and looks for the reason of its obscurity. In fact, both woman and word are the metaphore of man who feek of cold whose soul is in need of his skin. This poetry is a mirror of the real, it never goes back. It reflets the analytical identity of our time. For this reason this poetry is philosophical full of images because it not only shows the real but also its mystry, its sadness and unfathomable depth. It the coreg this mystry the poet cries that man and world have no more identity, no more history. This kind of poetry shakes our thinking because it expresses the feelings in a movins language full of expansion and continuity reflecting the sound pisture of the intense and painful reality. Such a poetry has its place in human heart because it is born aureole of the spirit in order to show a world required by the poet himself. For this reason the woman and the word are within a lightening universe, it is an active, tonic and accentuated affection which knows no creative passion and penetrates into its sincerity and purity. No objective behind this but the realization of the balance between the sombre matter and the pure spirit. There is nothing beautiful when we pass from one extreme to another. The two abovementioned factors are an armed conflict between two opposing elements namely light and darkness, spirit and matter. Dun tries to impose his will and te gain victory for this cause. Between the woman and the word there is direct relation which associates the reality and thinking, heavne and earth, the mortal and the immortal. It seems that there are means to attain secret harmony of human soul. But this poetry has primitive melancoly because in the obscure revery the poet evoques all the brilliant values which have lost their glooming, leaving a solitary man suspended within a close setting

Le « Je théorique » kantien constitue une unité sémantique unifiante qui se produit de façon epigénétique. Ainsi cette fonction cognitive spontanée - poïétique - s'avère-t-elle à la fois irréductible à une simple « forme logique » et non-assimilable à une « entité substantielle ». Le « Je pense », l'aperception transcendantale, est un pouvoir-force morphogénétique qui se déploie sur le mode d'un processus continu de synthèse virtuellement infini dont la visée est la production d'un système organique de connaissance. Sa modalité logique est la nécessité et sa manière d'agir est méta-phénoménologique ; « devoir pouvoir accompagner toutes mes représentations », signifie « instituer la forme-acte de toute représentation », à savoir son appartenance à un seul et même moi. En pensant Kant avec Hume, Leibniz et Fichte, cette étude tente d'élucider l'instabilité inévitable du passage critique à un Cogito postmétaphysique
The Kantian "theoretical I" constitutes a unifying semantic unity wich produces itself epigenetically. Thus, this spontaneous - poetic - cognitive function appears to be both irreducible to a mere "logical form" and non-identifiable with a "substantial entity". The "I think", transcendental apperception, is a morphogenetic power-force wich unfolds as a continuous - virtually infinite - process of synthesis whose aim is the production of an organic system of knowledge. Its logical modality is necessity and its manner of acting is metaphenomenological ; "to must be capable of accompanying all my representations" means "to institute the act-form of all representation as such", namely their belonging to one and the same self. By questioning Kant with Hume, Leibniz and Fichte, this research attempts to elucidate the inevitable instability of the critical transition to a postmetaphysical Cogito

L’éthique et poétique de l’évolution qui est au centre de cette recherche, s’impose comme une loi native du processus de la création artistique. Elle est en effet, une « origine obligée » pour les justes survie et évolution de la voix poétique. Cette loi se fonde sur le « Rien » (qui est le savoir initiatique commun de la certitude de l’ignorance et de la vérité de la limite et de l’illimité que l’homme doit nécessairement attester dans l’instant central de l’évolution de l’esprit, afin de maintenir la survie et l’évolution de sa quête du savoir. Philippe Jaccottet définit d’emblée ce Rien comme étant le point de départ imposé de sa voix poétique dans son expérience du savoir et de la connaissance qui se mène aussi nécessairement par l’outil de recherche natif du doute et de l’incertitude : « L’incertitude est le moteur » La constante restitution du Rien se définit donc ainsi comme une nécessité vitale aux justes survie et évolution de l’oeuvre et comme une éthique de l’activité poétique et de recherche : « c’était pourtant comme la lampe sur la table avec le pain »L’expérience du savoir, en tant qu’activité vitale, détermine donc d’emblée le juste statut de -témoin de ce savoir- du poète et de l’homme. Le processus ou procès de la recherche se définissent donc ainsi en essence comme une affaire de justesse de témoignage et de justice à rendre au savoir. En effet, le lecteur en quête du savoir se retrouve face à différents témoignages véridiques et mensongers de ce savoir et face à la nécessaire activité d’épuration du paysage artistique de tout ce qui est nuisible à ses justes survie et évolution : « La difficulté n’est pas d’écrire, mais de vivre de telle manière que l’écrit naisse naturellement […] Poésie comme épanouissement, floraison, ou rien. Tout l’art du monde ne saurait dissimuler ce rien » Afin d’être un lecteur averti, le « Laveur de vaisselle » doit constamment faire sa propre expérience du savoir, ce qui est pour son esprit l’unique garant de sa juste survie et évolution et de son existence: « Je marche faute de lieu, je parle faute de savoir, preuve que je ne suis pas encore mort […] Toute poésie est la voix donnée à la mort »
[néant]

Dans « Crise de vers » (1897), Mallarmé déclare « la disparition élocutoire du poëte », formule qui inspire aux critiques littéraires du milieu du XXe siècle la revendication de « la mort de l’auteur ». Si le poète s’efforce de disparaître, comment peut-on considérer le je parlant et le centre de la subjectivité inscrite inévitablement dans le poème ? L’impersonnalité, perçue d’abord par Mallarmé au moment de sa crise spirituelle des années 1860, est-elle compatible avec ce je ineffaçable du poème ? À partir de ces questions, la présente thèse, composée de deux parties, se propose d’interroger sa poétique de l’impersonnalité. Le premier volet vise à tracer chronologiquement l’évolution de l’idée d’impersonnalité en s’appuyant sur le discours théorique du poète. Cette idée, qui se rattache au début à un état existentiel du sujet créateur, porte au fur et à mesure sur la technique artistique et l’effet produit de l’œuvre, au cours de ses critiques sur Manet (1874-1876), Wagner (1885) et le théâtre contemporain (1886-1887). En analysant les poèmes publiés entre 1876 et 1887, période marquée par ce développement, le second volet vise à éclairer le côté pratique de l’impersonnalité. Pour saisir le paradoxe apparent de l’exigence théorique et du je poétique, nous examinerons d’un point de vue énonciatif le poème qui se produit d’une énonciation du sujet parlant. Sur ce plan de l’acte de langage, la quête mallarméenne de l’impersonnalité, articulée à celle de la pureté de la poésie, parvient, malgré son discours à la première personne, à la construction dans et par le poème d’un espace-temps fictif et théâtral qui nous apparaît à chaque lecture
In “Crise de vers” (1897), Mallarmé declared “la disparition élocutoire du poëte”, which inspired the concept of “the death of the author” among the literary critics in the middle of 20th century. If the poet attempts to disappear, how then do we think of the speaking I and the subjectivity that is inevitably built into the poem? Is the impersonality, which Mallarmé perceived first during his spiritual crisis in the 1860s, compatible with this indelible I ? Based on these questions, the present thesis, composed of two parts, aims to investigate Mallarmé’s poetic of impersonality. The first part aims to draw chronologically on the evolution of his idea of impersonality, relying on his theoretical discourse. Relating to the beginning of an existential state of the creator, this idea applies gradually to the artistic technic and to the effects produced by works of art, through Mallarmé’s criticisms of Manet (1874-1876), Wagner (1885), and the contemporary theatre (1886-1887). Analyzing the poems published between 1876 and 1887, the period characterized by the development of the idea, the second part aims to clarify the practical side of the impersonality. For understanding the apparent paradox of the theoretical claim of the impersonality with the poetic I, we examine the poem produced from the enunciation of the speaking subject from a viewpoint of enunciation. In these pragmatic terms, Mallarmé’s search associated with that for poetic purity, has taken, despite his poetic discourse in the first person, the form of a poem of a fictional and theatrical space-time that becomes apparent to us on every reading

Dans cette thèse, il s'agit d'examiner l'apparition et la réapparition d'images centrales, en relation avec la structure progressive de la personnalité à la fois vitale et créatrice de Federico Garcia Lorca. Dans une première partie, l'examen porte sur la formation de l'image de la femme, à partir de textes de jeunesse en prose et en vers présentés comme autobiographiques, ou issus de sources culturelles traditionnelles, en particulier orientales. Dans une seconde partie, l'analyse permet de retrouver dans les œuvres du poète de Grenade les images obsessives préalablement créées (dont celle d'une petite fille blonde portant des tresses) et de les suivre dans leur évolution artistique à travers la production littéraire jusqu'aux dernières pièces représentées : Yerma et Dona Rosita la soltera. La troisième partie concerne le thème du «peuplier » et son traitement artistique : car il s'agit là d'un arbre «axial » pour la formation de l'être, depuis l'enfance, «alamo» ou «chopo» autour duquel s'articule la création poétique lorquienne depuis les premiers morceaux rédigés de « mpresiones y paisajes», jusqu'aux derniers poèmes de Diván del Tamarit et aux Sonetos del amor oscuro. Enfin la quatrième partie concerne l'image du vin, une boisson qui résonne d'abord des antiques accents de l’Iran, à travers «el elogio del vino » d’Omar Khayyâm et qui devient le breuvage progressivement interdit, dans les écrits rédigés au cours du voyage aux États-Unis du poeta en Nueva York. L'étude montre qu'une grille de lecture très cohérente est ainsi peu à peu élaborée par Federico Garcia Lorca.

Pierre Jean Jouve voue son art à une quête d’absolu. Le poète ne cherche pas à se dérober devant tous les sacrifices que cette dévotion lui réclame. La progression de l’œuvre de Pierre Jean Jouve, à travers l’existence du poète, prend ainsi la forme d’une initiation, qui, au-delà de toute rupture même revendiquée, évolue avec cohérence jusqu’à la recherche du sacré de l’art. L’œuvre de l’artiste s’allège finalement en une ascension irrésistible vers un état de transcendance qui semble avoir sublimé l’épaisse matière qui l’a engendrée. La mission du poète s’inscrit dans une quête des origines, Pierre Jean Jouve n’ignorant pas l’apport des différentes théories psychanalytiques du début du XX ème siècle et fouillant l’inconscient de l’œuvre par l’intermédiaire de personnages romanesques complexes et énigmatiques. Ces derniers explorent les bas-fonds du désir, affrontent les rêves les plus obscurs pour s’élever, lors d’une étape ultime, à une existence sublimée. L’oeuvre nourrie d’images archétypales se transforme, à l’issue de l’initiation, en pure matière poétique. L’union réalisée avec l’anima, cette part essentiellement féminine, mère des âges, conditionne la métamorphose du sombre rêve en une pure rêverie qui rejoint les hauteurs célestes. Le poète qui écrit pour le vide des cieux est pourtant conscient que cette dimension sacrée n’est accessible que par le corps qui rythme chaque souffle, chaque désir. Dieu est cet or d’absence pressenti au cœur même du monde, présence-absence entrevue et aussitôt disparue, allégorie de l’absolu langage poétique que le poète alchimiste sait insaisissable, et pour lequel il se remet cependant sans cesse au travail
Pierre Jean Jouve devotes his art to a quest of absolute. The poet doesn’t try to elude all the sacrifices that this devotion claims to him. The progression of Pierre Jean Jouve’s arts work, throughout the poet’s existence, takes all the aspects of an initiation which moves up consistently searching for the sanctity of art, beyond any breaking claimed. Finally, the artist’s work lightens itself in an irresistible rise to a state of transcendence that seems to have sublimated the thick substance by which it was engendered. The poet’s mission is part of a search for origins, Pierre Jean Jouve aware of the contribution of different psychoanalytic theories of the early twentieth century, fumbles the unconscious of the arts work through complex and enigmatic fiction characters. They explore the underworld of desire, they confront the most obscure dreams to rise, at a final stage, to a sublimated existence. After the initiation, the work fed with archetypal images turns in a pure poetic matter. The union accomplished with the anima — the essentially feminine entity, the mother of ages — determines the metamorphosis of dark dream into a pure daydreaming which joins the heavenly heights. The poet who writes for the emptiness of heavens is still conscious that this sacred dimension is only accessible by the body which gives rhythm to every breath, to every desire. God is this gold of absence foreboded in the heart of the world, presence-absence which disappears right after being perceived, allegory of the absolute poetic language which the poet alchemist knows imperceptible, and however, for whom he sets to work again ceaselessly

La convergence insolite des oeuvres poétiques de D. H. Lawrence et T. S. Eliot se fonde sur une analyse du fonctionnement du « je ». Lawrence et Eliot, qui défendent des idées divergentes sur le rôle de la subjectivité, évoluent toutefois dans une même modernité et soumettent le comportement de leur « je » poétique aux mêmes forces idéologiques. Pris à la confluence de bouleversements ontologiques, linguistiques et esthétiques, le statut du « je » Moderniste est déstabilisé. Comment faire parler le « je » quand les repères existentiels vacillent, quand le monde est vu comme éclaté et, simultanément, la recherche, impulsée par la psychanalyse, oriente la quête vers les profondeurs du moi ? Les principaux outils d'analyse sont le masque et l'intertexte, outils par lesquels le « je » du poète, incarnant la voix de l'autre ou interprétant un discours déjà-dit, finit par s'exprimer. La nature du porte-voix constitue en soi une première étape de dévoilement du « je » qui se pose pourtant alors masqué. L'analyse du rapport entre voix du poète et voix d'emprunt - intertextuelle, religieuse ou d'une persona - laisse transparaître une forme de coalescence que l'on envisage en termes d'hybridation : le poète, qui parfois fait mine de se sacrifier, met en place des situations frictionnelles entre la voix d'emprunt et le discours implicite de son « je ». De ces entrecroisements, palimpsestes et juxtapositions de discours, le lecteur qui repère les zones dialogiques fructueuses, subversives, ou violentes, perçoit la voix du « je » du poète dont le discours ne porte pas tant sur sa personnalité que sur la modernité, la littérature, la religion et la condition du « je » moderne générique
The articulation of the poetry of D. H. Lawrence and T. S. Eliot is centered on an analysis of the poetic "I". Both poets, though holding different views on the role of subjectivity, live through the same zeitgeist and their poetic "I" reveals the same modem influences, suggesting that they were guided by common ideological trends. In the midst of modem crises - ontological, linguistic and aesthetic - the Modernist "I" enters a state of utmost instability. How can one make one's "I" speak while existential landmarks are failing, while the modem world is perceived as fragmented and, simultaneously, research, encouraged by psychoanalysis, attempts to understand the subject in new ways? The main analytical concepts are the mask and the intertext, principles through which the poet's "I", using another voice or interpreting an already-articulated speech, actually speaks his own mind. The nature of the mask enables the reader to catch a glimpse of the underlying "I". The analysis of the relation between the poet's voice and the voice he borrows -intertextual, religious or that of a persona - discloses a sort of coalescence which is analysed through the idea of hybridization. The poet - who sometimes pretends to be sacrificing his voice -creates frictions between the other voice and his own implicit discourse. From the weaving together, the palimpsests and juxtapositions of speech fragments, the reader who manages to discern creative, subversive or violent dialogical situations, perceives echoes of the poet's voice whose message turns out to be dealing more with modernity, literature, religion and the condition of the modem generic "I", than with the poet's personal "I"

Le travail que je me suis proposée de faire porte sur La poétique de l’exil et de la mort dans les Tristes et les Pontiques, recueils qu’Ovide a composés durant les neuf années de son exil. Cette étude porte sur le discours poétique ovidien, qui oscille entre la mort et son dépassement par l’art. Le thème de l’exil assimilé à une mort, fréquent dans la littérature moderne, n’est pas une invention des Modernes ; on en donnera pour preuve le poète, qui le développe dans ces deux recueils. Ce thème a retenu l’attention des spécialistes du Sulmonais. Cependant, la question n’a été abordée que dans le cadre d’approches ponctuelles qui traitent brièvement de la question et ne saurait rendre compte de la complexité et de l’originalité de l’écriture ovidienne de l’exil. Ma thèse a pour objet de combler ces lacunes. L’intérêt majeur de l’œuvre poétique d’Ovide réside, à mon sens, dans cette ambivalence du rapport à l’exil et à la mort. Ma réflexion tourne autour de trois axes majeurs : le lexique, les thèmes et une réflexion sur l’intertextualité et l’autotextualité qui se lisent en filigrane dans chaque partie de la thèse. La première partie traite de l’intertextualité dans les deux recueils ainsi que d’une étude des différents éléments qui constituent la rupture marquée par l’exil sur l’écriture d’Ovide. La deuxième partie a pour objectif de mettre en évidence les caractéristiques de l’univers de la relégation ovidienne, dans son aspect le plus concret, telles qu’elles apparaissent dans le discours poétique. Tout est mis en œuvre pour traduire une fixation sur et dans la mort. La troisième partie est consacrée à l’étude de l’ambivalence de la poétique de l’exil et de la mort : de la mort à l’immortalité d’un art salvateur. Le déclin et la mort touchent aussi bien son corps que son esprit et ses capacités créatives. Or, c’est à travers l’art qu’il acquiert l’immortalité et que sa peine devient universelle
I am interested in working on the poetics of exile and of death in Les Tristes et les Pontiques, a series of collections composed by Ovid during his nine-year exile. This study is concerned with the ovidian poetic discourse which oscillates between death and the transcendence of death through art. The theme of exile as related to death, which is a common theme in Modern literature, is, in fact, not a modern invention. Our poet, for instance, stands for evidence for this fact since he developed this theme in his two collections. This theme has drawn the interest of Sulmonese specialists. However, the question has been tackled only within the framework of punctual approaches which briefly deal with the question and could not give credit to the complexity and the originality of Ovid’s exile writing. My thesis purports to fill up this gap. In my opinion, the main contribution of Ovid’s poetic work lies in the ambivalence of the relationship between exile and death. I am concerned with three main points: lexicon, themes and a study of intertextuality and autotextuality, which are present in every section of the thesis. The first section deals with intertextuality in Les Tristes et les Pontiques as well as the various elements which reflect the impact of exile on Ovid’s writing. The second section aims at shedding light on the characteristics of the universe of the ovidian banishment, in its most concrete aspect, as reflected in his poetic discourse. The third section is devoted to the study of the ambivalence of the poetics of exile and death: from death to the immortality of a rescuing art. Decline and death affect his body as well as his spirit and his creative capacities. Yet, it is through art that he reaches immortality and that his pain is rendered universal

Ce qui nous intéresse dans notre thèse, c'est l'inscription d'un paysage dans l'écriture des poètes Juan L. Ortiz et Francisco Madriaga, en abordant les divers aspects qui conduisent à la construction de la singularité de leurs poétiques. Parler de poétiques de l'espace, choisir cette perspective, n'implique en aucun cas un retour à la nature, un retour au mythe de l'origine, du natal. Notre attention est centrée sur ce dialogue entre langage et nature, un dialogue en tant que tel, où le paysage écrit est le résultat de l'action de ces champs de force, où la nature est paysage, c'est-à-dire un espace écrit par le langage qui évoque, en plus, un territoire vécu. C'est pourquoi nous avons prêté une certaine attention aux discours théoriques sur le paysage, à tous les éléments qui ont trait à leur configuration dans l'écriture. Nous avons également porté notre attention aux discours autobiographiques qui renvoient au trajet qui va de la perception de la réalité jusqu'à la page où l'espace s' " inscrit ". Nous avons ainsi essayé de surmonter la vieille antinomie entre projection subjective, idéalisme culturel, et la confiance faite à la représentation, ce naturalisme ou réalisme naïf que défend la littérature que l'on appelle " régionale ", souvent animée du préjugé mystificateur qui cherche la représentation nostalgique d'un paysage que la littérature pourrait transmettre avec des formules esthétiques réactionnaires. C'est la manière de créer un monde à partir des espaces louangés censés être des espaces réels qui nous a motivée à lire les œuvres expérimentales d'Ortiz et de Madriaga parallèlement.

Notre travail s'attache à montrer que le personnage de l'homme des mémoires est un personnage symbolique allégorisant le mythe palingénésique de mort et de renaissance dont l'évènement originel fut l'année terrible de 1793, et qui entraina le passage de l'ancien au nouveau régime. Le portrait de ce personnage allégorique est un portrait, non pas psychologique ou de type confessionnel, mais figuratif et configure doublement 1 ) sur trois grandes ancestralités légendaires (Moise, Noé, Enée, trois héros qui effectuèrent le difficile passage d'un monde ancien a un monde nouveau) dont son visage est le palimpseste hybride et 2) sur trois grandes formes allégoriques: une figure d'hybridation de passe et d'avenir (le moi-hybride), une figure d'androgynie (le le moi-androgyne) et une figure de cryptophorie (le moi-crypte}, qui configurent respectivement l'homme des mémoires comme personnage historique ou "homme des faits" ; comme poète ou "homme aux songes" ; et comme écrivain mémorialiste
My thesis intends to demonstrate that the character of the man of the memoires d'outre-tombe is a symbolic one who allegorizes the palingenesic myth of death and rebirth whose original event was the awesome year of 1793. This allegoric character's likeness is neither a psychological nor a confessional one, but a figurative likeness, configured 1) on three great legendary ancestralities (Moses, Noah, Eneas) of which his face is the mingled palimpsest; and 2) on three basic allegoric patterns: a figure of hybridation of past and future ( ie moi'hybride}, a figure of androgyny ( ie moi-androgyne) and a figure of cryptophoria (ie moicryptique) that configure each in its turn the three folded likeness of the man of the memoires as an historical character , as a poet, and as a memorialist

L'oeuvre de Raymond Roussel est profondément marquée par une étrange présence du "je". Ce "je", complètement privé de "substance" en tant que personnage et ne jouant pas de rôle important dans l'histoire, domine pourtant le récit de la première à la dernière ligne. Malgré ses apparitions sporadiques, le "je" mystérieux de Roussel est le centre de gravité du texte autour duquel s'articule tout son univers. Notre travail consiste à étudier les caractéristiques de l'oeuvre de Roussel en analysant son utilisation de la première personne et le statut du "je" narrateur. Nous nous efforçons de montrer par diverses voies combien est essentiel, et même indispensable, l'usage de la première personne chez cet auteur. Dans son univers, c'est le "je" seul qui parle, invente et ordonne les chose. L'altérité en est exclue. En somme, l'imagination roussellienne aspire toujours à une grande "unité", dont la première personne est une manifestation concrète. Pour mieux éclairer la problématique du "je" roussellien, nous procédons en trois étapes. .
With the exception of his plays, almost all the works of Raymond Roussel are written in the first person. However, this "I" almost never has a role as a character in the plot, but rather functions as a mere onlooker or describer of the events. In fact, since as soon as the story gets underway the "I" tends to disappear, the appearence of the word itself in his work is rare. That is, Roussel's "I" is simply a device, a pretext for the purpose of recounting the story. Nevertheless, the fact that Roussel almost always wrote in the first person strongly suggests that there is definitely some deep significance behind this usage. In this thesis, we attempt from a variety of perspectives to make clear the meaning of the "I" in Roussel's work. His narratives progress solely in the first person, completely lacking in a 'foil' or a 'sense of otherness'. It is perhaps apt to say that this use of the first person is for the specific expression of the, in every respect, pure and homogenous unity that is the focus of Roussel's creativity. We approach the issue of the "I" in Roussel's work from three perspectives. .

L'enjeu de ce travail est d'étudier l'écriture de la mort de l’élite socio-culturelle de la seconde moitié du XVIIe siècle. Deux types de témoignages littéraires- les lettres de consolation et les récits de mort-ont été analysés. Il convient d'apposer le traitement qui leur fut réservé. Hormis de rares exceptions, le discours sur la mort, dont la consolation est l'occasion, n'est guère original : les mêmes thèmes sont développés d'une lettre à l'autre ; en outre, ils figuraient déjà dans les consolations héritées de l'antiquité. Au contraire, le récit de mort s'est avéré constituer un lieu stratégique où s'affrontent la pression des modelés, les rues de l'auteur et sa sensibilité personnelle. L'hagiographie nous a ainsi paru influencer doublement la représentation de la mort : elle est responsable d'une part de la constitution d'un langage du récit de mort, ou des simples faits sont devenus des signes de la sainteté du défunt; elle contribue d'autre part à rendre compte de la perméabilité des esprits au merveilleux qui surgit autour de la mort. Mais la mort au lit et l'exécution publique ont également élu pour se dire des formes caractéristiques de leur nature spectaculaire comme le théâtre et la peinture. Quant à la mort subite, elle offre deux visages, étant pour les uns la male mort par excellence, pour les autres une issue heureuse et même souhaitable : ce double-discours a favorisé une utilisation stratégique du récit de mort. Deux œuvres pour finir ont été soumises à un éclairage particulier : la correspondance de Mme de Sévigné et les mémoires de M. De Pontis offrent du récit de mort un traitement à la fois original et emblématique de ce que fut la pratique de l’élite pendant cette période
The aim of this thesis is to study the way of writing death in the elite of the second part of the seventeenth century. Two types of literary testimonies -letters of consolation and narratives of death-have been analyzed. But few exceptions, discourse on death in the letters of consolation is not original: the same themes are developed in every letter; besides, they were already appearing in antic consolations. On the contrary, the narrative of death proved to be a strategic place where are in confrontation the influence of patterns, the writer's tricks and his own sensibility. Thus, the hagiography has seemed to doubly influence the representation of death: on one hand, it explains the constitution of a language of death, in which simple facts became signs of the dead people's godliness; on the other hand, it contributes to explain the permeability of the mentalities to the marvelous facts which arrive at death. But deathbed and public execution are also related through theatric and pictorial forms which are characteristic of their spectacular nature. Sudden death offers two faces: some consider it as the bad death, others as a desirable issue. This double discourse favored a strategical use of the narrative. Finally, two works have been submitted to a particular light: Mme de Sévigné's letters and Mr. De Pontis' memoirs offer a treatment of death narratives which is original and emblematic of the elite's practice

Notre thèse étudie le paysage et l'image poétique chez Ilarie Voronca, Benjamin Fondane et Henri Michaux, en suivant les éléments thématiques communs et les spécificités artistiques des trois écrivains d'une manière comparatiste. La structure de la thèse comprend trois parties dont la première « Composition/décomposition du moi par l'image » surprend les traits distinctifs du moi (changeant, multiple) et son influence sur les images poétiques. Le moi est ambigu et sa discontinuité transmet au texte une tension qui atteint son maximum dans la relation avec le vide. La deuxième partie « L'éternel et impossible voyage » porte sur les nombreuses valeurs du déplacement qui gouverne le changement constant du paysage poétique, les motivations des choix liés au voyage et l'évolution de l'imaginaire en fonction de ce thème. Nous étudions aussi la relation voyage-vie-texte et quelques figures de voyageurs représentatifs pour les textes des trois auteurs – Plume, Robinson, Ulysse. Le voyage se fait dans des zones différentes du réel et de l'imaginaire, avec des incursions périodiques dans la mémoire et il apparaît sous diverses formes, comme la fuite, la simple découverte ou l'aventure. La troisième partie, « Façons de vivre, façons de regarder » aborde le problème de l'image de manière plus théorique, avec l'analyse de plusieurs termes connexes et de leurs incidences dans les textes des trois écrivains. Un rapport fondamental est celui établi entre le paysage et l'espace, aux niveaux physique et psychique. Le regard devient un agent de la création du texte littéraire, fonctionnant comme organe de perception et comme véritable filtre esthétique
Our thesis studies the landscape and the poetic image at Ilarie Voronca, Benjamin Fondane and Henri Michaux, by following the common thematic elements and the artistic specificities of those writers from the perspective of the comparative literature. The first part of our thesis, "Composition / decomposition of the self by the image" presents the distinctive features of the self (changeable, multiple) and its influence on the poetic images. The self is ambiguous and its discontinuity transmits to the text a tension which reaches its maximum when associated with the emptiness. The second part "The eternal and impossible voyage" concerns the numerous values of the movement which governs the constant change of the poetic landscape, the motivations of the choices related to the voyage and the evolution of the imagination according to this topic. We also study the relation voyage-life-text and some figures of representative travellers for the texts of the three authors - Plume, Robinson, Ulysses. The voyage is made in different regions of the real and the imaginary world, with temporary incursions into the memory and it appears in various forms, as the escape, the simple discovery or the adventure. The third part, “Ways of living, ways of looking at” approaches the problem of the image in a more theoretical way, with the analysis of several related terms and their impact on the texts. A fundamental relationship is the one established between the landscape and the space, at the physical and psychic levels. The glance becomes a creative agent of the literary text, functioning as an organ of perception and as a genuine aesthetic filter

Cette thèse a trait à la représentation de la peine capitale pendant la période moderne et se situe au carrefour des domaines poétique, politique et éthique. Trois auteurs majeurs qui appréhendent l’imaginaire de l’exécution de manière contrastée sont pris en considération — Hugo, Baudelaire et Camus. L’examen des stratégies de représentation qu’ils élaborent afin de promouvoir ou de dénoncer le couperet révèle que, après 1789, la littérature opère comme le support privilégié d’un questionnement sur l’efficacité de la justice létale et sur sa négation de l’intégrité et de la communication humaines. Réciproquement, l’image moderne de la décapitation met le langage littéraire face à sa difficulté à représenter des événements qui outrepassent à la fois solidarité sociale et entendement humain. En identifiant et en analysant le dialogue noué entre trois écritures qui explorent cette dynamique réciproque, l’on démontre qu’elles mettent à mal deux présupposés; l’un pénal, et l’autre littéraire. D’une part, malgré leur désaccord quant à la recevabilité de la peine capitale et quant à la fonction de la littérature, chacun des auteurs concernés invalide, de manière explicite ou implicite, les prémisses progressistes qui légitimèrent la guillotine depuis la Révolution française jusqu’à l’abolition. D’autre part, cette invalidation des prétendues vertus de l’échafaud figure dans des textes qui compliquent l’opposition conventionnelle entre une littérature essentiellement soucieuse d’esthétique et une autre inquiète des questions politiques. Loin de conforter cet antagonisme, les œuvres étudiées ouvrent le paradigme restreint de la littérature dite engagée à des formes inattendues de discours éthiques
This dissertation pertains to the representation of capital punishment in the modern period. It sets out to answer the question “How does post-Revolutionary literature act in the face of Western society’s most violent legal practice, the death penalty?” It focuses on three canonical authors who portray the imaginaire of execution in contrasting ways and investigates the intersection of poetics, politics, and ethics. The writings forged by Hugo, Baudelaire, and Camus to promote or denounce capital punishment show that literature served as a medium that questions the law’s negation of human values and communication after 1789. Conversely, the modern image of decapitation confronts language with the limits of its power to represent events that exceed social solidarity and human understanding. By placing the three writers in a transhistorical dialogue that explores this reciprocal dynamics, I demonstrate that they undo two preconceptions: one penal, and the other literary. First, despite their disagreement on the legitimacy of lethal justice and the function of literature, the authors invalidate, explicitly or implicitly, the premises that legitimated the guillotine from the French Revolution until the abolition of capital punishment in 1981: the supposed painlessness and immediacy of beheading, and the machine’s ability to maintain order in society. Second, this invalidation of the supposed virtues of head severance emerges from texts that complicate the apparent divide between strictly aesthetic literature and politically committed writing. On the contrary, these works open up the restrictive category of littérature engagée to new, unexpected forms of ethical discourses. [1697 carac.]

Gabriel Ferrater (Reus, 1922 - Barcelone, 1972), poète d'expression catalane, et Jaime Gil de Biedma (Barcelone 1929-1990), poète d'expression castillane, ont été liés par l'amitié et par la complicité poétique. Cette étude comparative des sujets lyriques qui se construisent au fil des poèmes de "Les dones i els dies" et de "Las personas del verbo" montre comment ils s'inscrivent dans une identité culturelle précise. La réalité sociale, historique et culturelle de la Catalogne franquiste, ainsi que les rapports de forces entre la langue de pouvoir et la langue dominée, semblent avoir été déterminants dans la consitution de ce "Moi" lyrique. Dans une première partie, en prenant comme point de départ l'étude des dispositifs d'énonciation, nous examinerons les rapports qui s'établissent entre le "Moi" lyrique et l'Autre, allocutaire multiple et divers. Dans la deuxième partie, nous analysons les représentations du "Moi". Nous consacrons la troisième partie de ce travail à l'étude des espaces et des temps du sujet lyrique. Enfin, en un dernier mouvement, nous analysons la spécificité culturelle du discours lyrique dans chaque oeuvre, pour tenter de cerner toutes les dimensions du sujet lyrique comme sujet culturel.

Cette thèse se propose d’étudier les Memoranda de Jules Barbey d’Aurevilly (1808-1889) en regard de la définition à la fois une et plurielle des journaux intimes, et autour de la notion complexe de l’intime. Les situer dans le contexte socio-historico-idéologique de l’époque et dans la vie personnelle de l’auteur est la première étape envisagée pour entrer progressivement dans l’intimité du texte barbeyen (Partie I). Aussi la pratique barbeyenne du journal intime est-elle définie dans sa spécificité par une analyse placée sous le signe de la temporalité et au travers d’un processus d’écriture particulier visant l’extime ; ainsi se pose la question de la part réelle de l’intime dans l’écriture quotidienne (Partie II). Mais l’approche de l’intime se renouvelle de manière paradoxale à travers l’interaction intérieur/extérieur et à travers la destination du texte intime à l’autre et à la publication, induisant à la fois une remise en question et une redéfinition du journal intime (Partie III). Les nombreuses interrogations et les ambiguïtés que suscite la pratique diariste chez Barbey laissent place dans une dernière partie à l’expression de la sensibilité de l’auteur qui révèle toute la dimension intime et poétique des Memoranda (Partie IV). Cette étude s’oriente vers les enjeux de la pratique diariste qui déterminent l’intime des journaux barbeyens. L’articulation des différentes approches, dont entre autres, l’approche structurelle, thématique ou poétique, ont permis d’élargir l’appréhension de l’intime dans les Memoranda
This thesis proposes to study Jules Barbey d'Aurevilly's Memoranda, according to both singular and plural definition of diaries, and around the complex notion of intimate. Situate them in a socio-historico-ideological context in time and in the author's private life is the first step to increasingly come into the intimacy of the Barbeyen text (Part I). Besides, the practice of Barbeyen diary is defined in its specificity thanks to an analysis placed under temporality and through a particular writing process meant for the extime. In this way, rises the question of the real proportion of intimacy in the daily writing (Part II). Nevertheless, the approach of intimate paradoxically happens again through the inside/outside interaction, through the intimate text intended for someone else and through the publication, involving a questioning and a redefinition of the diary (Part III). The numerous wonderings and ambiguities that the Barbey's diarist practice involves, drive in a last part to the expression of the author's sensibility that reflects all the intimate and poetic dimension of the Memoranda (Part IV). This study focuses on the stakes of diarist practice, that determinate the intimate in Barbeyen diaries. The link between the different ways of writing such as structural, thematic and poetic permitted the wideness of the intimacy approach in the Memoranda

Distante des modes et des courants majoritaires, l'oeuvre romanesque de Michel Rio se situe entre la littérature et la philosophie, l'art et la science. Cette thèse donne les moyens de pratiquer une lecture ouverte de cette oeuvre, ouverte à ses enjeux théoriques et aux thèmes (art, érotisme, dandysme, mélancolie, mort) qui la structurent. En débordant le champ littéraire spécifique, en opérant des rapprochements interdisciplinaires, l'oeuvre de Michel Rio revisite un rêve fondateur de la littérature, celui de l'unité du savoir. Cette oeuvre déploie un vaste et complexe système de personnages récurrents et fait de la description une composante textuelle essentielle. L'oeuvre de Michel Rio revisite également la légende arthurienne à travers la réécriture du mythe de Merlin, Morgane et Arthur. Cette réappropriation de la légende arthurienne opère un décalage historique ; elle transplante la légende dans la Bretagne du IVe et Ve siècle et non pas au XIIe siècle comme le veut la tradition littéraire. Cette libre réécriture confère à la légende une dimension poétique nouvelle
Far to the fashions and the main trends, the Michel Rio's romanesque work takes place among literature and philosophy, art and science. This doctoral thesis gives the means to achieve an open reading of this work, careful to its theorical stokes and its topics (art, eroticism, dandysm, melancholy, death). Overstepping the field of literature, working about interdisciplinary approaches, Michel Rio's romance rexamine a founding dream of literature. Michel Rio's work also reconsider the arthurian legend through the rewriting of Merlin, Morgan and Arthur's Myth. This appropriation bring forward Arthur's legend in the history. It transposes the legend in the Brittany of the IVth and the Vth century and not the XII one, as usual in literary tradition. This free analysis givens an new poetic dimension to the legend

La philosophie ricœurienne indique qu’il n’est pas de compréhension de soi qui ne soit médiatisée par des signes, des symboles, des textes ; elle peut donc être interprétée comme une chance pour la philosophie africaine. En effet, si on estime que le champ éthique s’étend à tous les domaines de la vie, si on admet avec Ricœur que l’existence est synonyme d’action, à savoir que « dire ‘’je suis’’, c’est dire ‘’je veux, je meus, je fais’’ », alors l’Africain traditionnel qui n’a pas une pensée systématique comme l’exige la philosophie grecque, mais a plutôt développé une pensée de ce qu’il fait, peut apporter au discours éthique sa modeste contribution. En effet, ses mythes, ses contes et même quelquefois ses chants, contiennent un enseignement à la fois pratique, symbolique et philosophique, à caractère universel. Entrer à l’intérieur d’un conte, c’est comme entrer à l’intérieur de soi-même
Ricoeur’s philosophy shows us that there is not any comprehension of self without it being mediated by signs, symbols and texts; it can be, therefore, interpreted as a chance given to the African philosophy. In fact, if we estimate that the ethical field extends to all human domains and if we admit, like Ricoeur does, the synonymy between action and existence – “to say I am, means I want, I move, I do” – thus the traditional African, who hasn’t a systematical thinking as required by the Greek philosophy, but instead has developed a thinking of what he can do, can bring into the ethical discourse his modest contribution. In reality, his myths, his tales and sometimes his chants, all contain a message that is at the same time: practical, symbolical and philosophical, with a universal character. To enter into a tail is like entering inside one’s self

Ce travail est conçu comme une introduction à la lecture de Jules Supervielle, introduction menée par le biais d'un essai d'interprétation des poèmes (à partir de "Gravitations"). L'hypothèse défendue est celle d'une "signifiance" (l'expression est de Michael Riffaterre, "sémiotique de la poésie") qui doublerait sans cesse le "sens" apparent des poèmes et évoquerait la condition de l'auteur refugie dans son oeuvre. L'écriture a été pour celui-ci l'occasion d'une métamorphose en mots, et le poème lui est désormais un corps textuel. Nous lirons et analyserons les portraits - redigés par un "je", locuteur des poèmes - qui présentent ce "moi" de mots dans les diverses dimensions de sa vie et jusque dans sa mort, recherchant en eux les traces de cette double dimension du "sens" (rapporté à l'homme Supervielle) et de la "signifiance" (rapportée à sa condition textuelle). Puis nous étudierons les données mêmes de cette signifiance
This study is conceived as an introduction to Jules Supervielle's reading. This introduction is conducted through an attempt to interpret the poems (starting with "gravitations"). The original hypothesis is that of a "significance" (the word is from michael riffaterre, "semiotics of poetry") which would endlessly double the apparent "meaning" of the poems would evoke the condition of an author who took refuge in his works. Writing has been for him the occasion of a metamorphosis into words, and the poem is now a new body, made of text. We will read and analyse the portraits - composed by and "i", the poems' speaker - which presents this "me" made of words in the different dimensions of his life and until his death, looking in them for traces of this double dimension of "meaning" (connected to the man supervielle) and of "significance" (connected to his being made of text). Then we will study the actual data of this significance

L’objectif de la présente étude est d’explorer la « géographie imaginaire » du roman Le Ventre de l’Atlantique, écrit par Fatou Diome. Le concept de la « géographie imaginaire » décrit les rapports de domination spatiale et la construction d’un « Autre », entièrement différent de « nous » (Saïd, 1980). Les deux pays du roman, la France et le Sénégal, sont analysés comme deux sphères inconciliables, associées aux oppositions comme nous – l’Autre, individualisme – collectivisme, rationalité - superstition. Deux images spatiales sont discutées dans ce mémoire: l’île Niodior au Sénégal et l‘océan Atlantique. L’isolation de l’île Niodior renforce la séparation en deux espaces opposés, alors que l’Atlantique constitue un élément parfois chargé de forces magiques, lié à la vie et à la mort. Evoquant l’idée d’hybridité, le roman montre également des espaces et des identités alternatifs, qui transgressent la structure coloniale.
The object of this study is to explore the « imaginative geography » in the novel Le ventre de l’Atlantique, written by Fatou Diome. The concept of « imaginative geography » describes relations of spatial domination and the construction of the « Other », entirely different from « us » (Saïd, 1978). The two countries in the novel, France and Senegal, are analysed as two irreconcilable spheres, associated with oppositions such as we – the Other, individualism – collectivism, rationality – superstition. Two spatial images are discussed in this study: the island of Niodior in Senegal and the Atlantic Ocean. The isolation of Niodior reinforces the separation into two opposed spheres, while the Atlantic Ocean constitutes an element charged with magical forces, connected to life and death. Referring to the idea of hybridity, the novel also presents alternative spaces and identities, transgressing the colonial structure.

Apollinaire, Cendrars et Maïakovski vivent une époque de changements qui modifient l’ordre des choses, offrant une mutation dont le progrès technique est l’illustration la plus évidente pour ces poètes qui glorifient les nouveaux moyens de communication comme le train dont le mouvement ininterrompu sert de fil conducteur à tout le poème de Cendrars la Prose du transsibérien et de la petite Jehanne de France ou comme l’aviation chantée par Apollinaire dans « Zone » et mise en scène par Maïakovski dans Le prolétaire volant. Le voyage devient un thème privilégié de cette poésie résolument tournée vers le mouvement. Entrevoyant une transformation irréversible, ils se trouvent aussi confrontés à un monde nouveau, qu’ils appréhendent dans sa misère, sa violence et son caractère brut. La ville moderne en est l’un des motifs les plus emblématiques. Elle apparaît comme un décor théâtralisé et digne de devenir objet d’une poésie qui se veut novatrice. Chantres de cette modernité naissante, ils se font les témoins voire les porte-parole de l’humanité misérable qui hante ce décor. Apollinaire et Cendrars évoquent souvent les émigrants, populations déracinées, sans patrie, en quête d’un illusoire Eldorado, tandis Maïakovski fait défiler toute une série d’infirmes dans sa tragédie Vladimir Maïakovski tragédie. Si le monde moderne devient objet d’observation, il est aussi cadre de l’errance poétique. A la soif de voyage de Cendrars correspond une problématique interrogation existentielle, alors qu’Apollinaire, entre tradition et modernité, confronte le mal être du mal aimé au monde qui l’entoure. Maïakovski, lui, cherche désespérément, à travers un lyrisme exacerbé, à lutter contre un esprit bourgeois et ignorant de la misère et des transformations du monde et à convaincre de la nécessité d’instaurer la révolution de façon complète. Marqués par la conscience aiguë de la nouveauté, ils se trouvent cependant pris entre un monde ancien, rejeté mais toujours présent, et un avenir incertain et inquiétant. C’est dans ce contexte que se met en place la problématique quête du moi. Le poète se heurte à un monde autre, indifférent qui ne le comprend pas, qu’il cherche à apprivoiser et à façonner tout en construisant une identité bien fragile. De l’observation du monde moderne arpenté par le poète naît une esthétique de la trivialité poétisée dans l’évocation d’une réalité crue, nue sans détour ni euphémisme. Le beau y côtoie le laid, à la suite de Baudelaire qui introduisit le monde moderne dans la poésie. Ainsi l’actualité vécue de façon aiguë fait –elle l’objet de l’attention du poète et devient poésie. Rendre le réel dans son immédiateté induit un lyrisme intense et douloureux où la quête prend la forme d’une plainte, d’une supplique et d’une révolte en même temps qu’elle pose un questionnement sur la poésie, ses formes nouvelles et son rôle dans ce monde moderne
Apollinaire, Cendrars et Maïakovski lived in an era of changes which initiated a new order of things, bringing about a transformation best illustrated by technical progress in the minds of these poets who glorified the new means of communication such as the train whose steady movement is the main thread of the whole poem by Cendrars Prose du transsibérien et de la petite Jehanne de France, or the plane glorified by Apollinaire in « Zone » or staged by Maïakovski in Le prolétaire Volant. Travelling became the privileged theme of this poetry consecrated to movement. Foreseeing an irreversible transformation, they were confronted with a new world that they grasped through its wretchedness, its violence and its rawness. The modern city is one of their most emblematic motives and it seems like a theatre set deserving of becoming the subject of a new poetry meant to be innovative. As the heralds of this budding modernity, they became the witnesses and even the spokepersons of wretched mankind who haunts this setting. Apollinaire and Cendrars evoke the migrants, the uprooted and stateless populations in quest for an unrealistic Eldorado whereas Maïakovski in his tragedy Vladimir Maïakovski presented a series of disabled people. If the modern world turned into a subject of observation, it is also a frame for poetic wandering. To Cendrars's thirst for travelling corresponds the problematic questioning of existence whereas Apollinaire, between tradition and modernity, opposes the malaise of the unloved one to the surrounding world. For Maiakovski's part, through heightened lyricism, he desperately seeks to struggle against a « bourgeois spirit » which ignores the misery and great changes of the world and to convince of the necessity to bring about an utter revolution. Impregnated by an acute awareness of novelty, they are caught between an old world, rejected but still present, and an uncertain worrisome future. It's within this context that the problem of the quest for the self is outlined. The poet comes up against a different and insensitive world which doesn't understand him, a world he tries to tame and shape while forging a quite fragile identity. An aesthetic of triviality poeticized in the depiction of a gritty, naked reality in an upfront way and with no hint of exaggeration is born of the poet's observation of the modern world. The beautiful is seen beside the ugly, as for Baudelaire who introduced the modern world to poetry. Thus reality experienced in a sharp way is the focus of the poet's attention and turns out to be poetry. Portraying the reality in its immediacy implies an intense and painful lyricism in which the quest turns out to be moaning, a plea and a rebellion as it questions poetry itself, its new forms and its status and role in the modern world

Cette étude se consacre à l’avènement du Je anti-lyrique dans la poésie italienne des années soixante. C’est à ce moment que la pensée post-métaphysique peut se dire assimilée par la culture italienne, qui y trouve une nouvelle clef de lecture de l’expérience de la guerre et du miracle économique. C’est aussi la période où le réel, cru et changeant, fait irruption dans l’expérience artistique. Elio Pagliarani, Mario Luzi et Vittorio Sereni nous ont parus des représentants emblématiques de cette nouvelle posture du sujet poétique. Nous avons étudié leurs ouvrages des années soixante par le biais de trois catégories principales : la mise en question du Je, le rapport entre le Je et le monde, le rapport entre le Je et les autres. Cette articulation nous a permis d’une part de suivre les trois étapes principales de la reformulation anti-lyrique du Je (face à lui-même, face au monde et face aux autres), et d’autre part de reconnaître une progression dans la perte de l’identité lyrique traditionnelle. Le poète, ayant perdu la consolation métaphysique, commence à rechercher la vérité dans le monde physique ; il comprend ensuite que la vérité des choses est éphémère et que toute unité est brisée ; et il donne enfin la voix à d’autres personnages, dans l’effort de comprendre ce questionnement polyphonique qui est désormais la véritable voix du monde et du poète lui-même
This research focuses on the rise of the anti-lyrical I in the Italian poetry of the Sixties. This was the time when the post-metaphysical philosophy had been fully assimilated by the Italian culture, which started using it as a new reading key to under- stand WW2 experience and the so-called economic miracle. This was also the time when the raw and ever-changing real broke into the artistic experience. Elio Paglia- rani, Mario Luzi and Vittorio Sereni seemed to us emblematic representatives of this new poetic subject's posture. We studied their poems from the Sixties under three main categories: the questioning of the I, the relationship between the I and the world, and the relationship between the I and the others. This structure allowed us firstly to follow the three main stages of the anti-lyrical reformulation of the I (confronted to himself, to the world and to the others) and secondly to recognize a progression in the loss of the traditional lyrical identity. Aware of the loss of any metaphysical consolation, the poet begins to seek the truth inside the physical world; he the realizes that even objects/things bear a fleeting truth and that any unity is broken; and he finally gives voice to other characters in the effort to understand the polyphonic questioning which has become by now the real voice of the world and of the poet himself

Cette thèse porte sur la quête de l’identité narrative dans quatre récits : Le premier homme d’Albert Camus, Les Oliviers de la justice de Jean Pélégri, Ébauche du père de Jean Sénac et Outremer de Morgan Sportes. Les auteurs de ces récits ont appartenu à la communauté des Français d’Algérie et, par la suite, à celle des pieds-noirs. Les textes portent, en majeure partie, sur la fin de l’Algérie française. Ceci explique la référence, entre autres périodes, aux années 1954-1962 et aux conséquences dramatiques qui en ont découlé, tels que l’exil et le déracinement. La désignation « Algérie française » contient en elle-même une double référence identitaire, quand elle ne renvoie pas à une pluralité de composantes. Définir ou formuler son identité pose, dans le cas de nos auteurs, une réelle difficulté, qui s’accentue lorsque les origines sont ambiguës. C’est ce que nous avons essayé d’étudier, à travers notamment l’énonciation et la mise en place de l’interlocution, étant donné que le questionnement sur soi est une interrogation adressée par un locuteur à un tiers. Il s’agit, en outre, de mettre en évidence les notions d’altérité et du regard de l’autre, et leur rôle dans la constitution de soi ou de la revendication d’une quelconque identité, car la quête s’organise autour de la relation avec cet autre. Ce travail montre que s’il n’y a pas de réponses claires et suffisantes aux interrogations premières des narrateurs, la recherche d’une identité est un parcours qui aboutit à la construction d’une vérité sur soi donnant sens à l’existence
This dissertation deals with the quest for narrative identity in four distinct narratives: Le Premier Homme, by Albert Camus; Les Oliviers de la justice, by Jean Pélégri; Ébauche du père, by Jean Sénac; and Outremer, by Morgan Sportes. The authors of these narratives belonged to the community of French people born in Algeria and, later on, to that of the pieds-noirs. The texts examine mainly the end of French Algeria. This accounts for the reference to the years 1954-1962, among other periods of time, and to the tragic consequences these years led to, including exile and uprooting. The designation “French Algeria” in itself contains at least a dual reference to identity, if not referring to a plurality of components. For each of the four authors considered, defining or expressing their identity creates a real difficulty, which increases when origins are ambiguous. This is what I have attempted to explore, notably through the enunciation and interlocution process, as questions about oneself are questions articulated by one person to a third party. Beyond this, my aim is to highlight the concepts of otherness and of the way one is seen by another person, as well as the role they play in the constitution of the self or in the construction of a claim about any identity, for the quest is organized around the relation to this other. This work shows that while there are no clear or satisfying answers to the initial interrogations of the narrators the search for identity is a journey that leads to the construction of a truth about oneself which imparts meaning to one’s existence

Le corpus de la présente thèse contient essentiellement trois oeuvres de Julien Gracq : Au château d’Argol, Un balcon en forêt, En lisant en écrivant. On profite entre autres, de ses autres oeuvres ainsi que tous ses entretiens qui apportent un éclaircissement dans notre étude. La présente thèse s’est constituée de deux chapitres; le premier : « Axe thématique et spéculaire « et le deuxième : « Axe esthétique et spéculaire « . Il s’agit de mettre en évidence, en profitant des éléments antinomiques dans les oeuvres, la tension entre le naturel et le surnaturel, entre le régime narratif et le régime poétique et entre la lecture et l’écriture. On a essayé, dans la mesure du possible, de rester sous la vision de J. Gracq lui-même qui s’est exprimé dans son oeuvre autocritique En lisant en écrivant. J. Gracq vit les événements de ses oeuvres dans une indétermination et une indécidabilité quasi totale de l’entre-deux; le point de croisement de la rêverie humaine et le centre d’éveil de toute réflexion, sur le devenir du moi intime tout particulièrement, c’est-à-dire le vrai lieu de l’aventure humaine et d’après lui c’est la seule chose qui vailled’être recherchée. Deux angles de visions, que ce soit dans l’axe thématique, esthétique et spéculaire, tanguent entre elles dans un mouvement du glissement perpétuel et s’étreignent par la suit. On baigne dans l’objectivité et la subjectivité à la fois et la séparation de l’entre deux ne s’est jamais parfaitement accomplie et le clivage reste incertain. La frontière entre les deux s’est parfois tellement embrouilléequ’on est égaré, et c’est là tout l’art de J. Gracq. Il crée à son propre gré un espace où sa créativité imaginaire et poétique est à son comble. « La force du texte est l’expression de l’homme en face du monde et de la marche de l’histoire « . Le monde tout entier reste pour l’homme un entre-deux indéchiffrable. Peut-être, pour lui, le sens est-t-il bien dans cette indécidabilité. Il propose ainsi une aventure de plénitude, un mode de vie et une manière d’être au monde
This thesis contains essentialy three works of Julien Gracq Au château d’Argol, Un balcon en forêt, En lisant en écrivant. We will use apart from his others works, his exclusives interviews that offre more clarification in our study. This thesis consistes of two axis: The first: « Thematic and specular axis » and the second: « Esthetic and specular axis ». The aim of this thesis is to highlight, by the antinomics elements, the tension of the « In-between » between natural and supernatural, between narrative regime and poetic regime and between reading and writing. We will try to remain in esprit of J. Gracq who explains himself in the self-critical work En lisant en écrivant. J. Gracq considers the events of his works in an indeterminate and undecidable situation of « in-between ». This is a crossing point between daydream and the centre of awakening and thought, the real place of human adventure and according to J. Gracq the only thing that is worth to be sought and to be given full attention to. Two points of view embrace each other in a perpetual swinging movement. We are permanently between objectivity and subjectivity, known and unknown, inside and outside and visible and invisible. And the separation between the two was never completely fulfilled and the cleavage remains unclear. In this sense the « in-between »denotes being at once within oneself and being in the world without, as if the poetartist himself wanders between two extremes, between two opposite poles of thought and knowledge. J. Gracq creates a space in which his creativity is at the summit. Theentire world stays for him an in-between indecipherable. The real sense for him is perhaps in this indeterminate situation. Thus, He suggests in this way an adventure of fulfillment, a way of life and a manner of being

Le chevet a été choisi comme outil pour cette étude car il représente, pour nous, l’écriture même de Julien Gracq : l’observation, la remémoration, la transmutation, toutes ces étapes non seulement comportent la notion de chevet, mais elles constituent aussi plénièrement l’écriture gracquienne. D’emblée, nous affirmons qu’il n’est pas question de traquer, même au figuré, l’individu, mais toujours de rechercher comment l’intime s’infiltre dans la langue. Car le chevet, ou plutôt l’image du chevet, symbolise à nos yeux l’intime gracquien. Cette image du chevet va se révéler plurielle, et nous guide à travers nos trois axes d’étude. Tout d’abord, l’écoute intérieure de l’écrivain laisse immédiatement affleurer une mise au chevet du monde qui se perçoit grâce à une grande acuité de perception. Cette écoute intérieure va dévoiler en outre une intense mise au chevet de soi : Gracq s’écoute, Gracq se remémore, Gracq noue finalement un pacte d’étroite intimité avec lui-même. Ce qui a tendance à exclure le lecteur. Mais celui-ci parvient pourtant à entrer en résonance avec cette langue. Enfin la mise à l’écoute de cette langue va révéler une forte permanence de l’imaginaire malgré une évolution certaine de l’écriture
The chevet was chosen as a tool for this study because it represents for us the very writing of Gracq : observation, memory retrieval, transmutation, all these steps not only involve the concept of chevet, but they are also fully Gracq’s writing. From the outset, we say it is not to hunt the individual, but always to look how intimacy close seeps into the language. For the chevet or rather the image of the chevet symbolizes the intimate of Gracq. This image is plural and guides us through our three focal areas. First of all, listening inside the writer leaves appear the chevet of the world that is perceived with great clarity of perception. This inner listening will also reveal an intense set at the chevet of the self : Gracq listens to himself, recalls, ties a pact of close intimacy with himself. Which tends to exclude the reader but the reader nonetheless manages to resonate with the language. Finally, if we still listen to the writing, we see a strong permanence of the imaginary in spite of an evolution of writing

Cette thèse est une étude à la fois globale et détaillée consacrée aux recueils de poésie funèbre imprimés en Italie, en France et dans les Îles britanniques entre 1587 et 1644. Les recueils de poésie funèbre nécessitent une approche comparatiste, à plusieurs titres. Du point de vue linguistique et culturel tout d'abord, l’on remarque que ce sont des ouvrages polyglottes. En outre, du point de vue esthétique, ils font appel aux ressources de la littérature et des beaux-arts (gravures), en partie parce que les textes qu'ils contiennent ont souvent fait partie du monument funèbre lui-même, ce qui encourage à les relier aux programmes iconographiques élaborés au cours des funérailles. Enfin, ces « tombeaux poétiques » sont avant tout une œuvre qui émane d’un groupe d’auteurs, ce qui mène à les analyser non seulement comme œuvre littéraire, mais aussi comme des témoignages précieux sur l’histoire de la littérature. Cette thèse commence par montrer quelles sont les origines de cette pratique, notamment comment divers modèles de recueils funèbres furent élaborés à partir du Quattrocento, d'abord en Italie, puis dans les deux autres pays. Au terme de cette évolution, à la fin du seizième siècle, on peut affirmer que les trois pays disposent d'un socle culturel commun à partir duquel se constituent ces recueils. Le chapitre suivant analyse comment ces recueils évoluèrent des années 1580 à 1644, quelle était l’identité des défunts commémorés et qui élaborait ces ouvrages. La variété des formes et des discours sur la mort est ensuite examinée. Puis, à travers des études de cas, les enjeux de l’écriture collective sont étudiés. Enfin, les rapports entre ces ouvrages imprimés et les funérailles sont examinés
This dissertation is both a global and detailed study dedicated to collections of funeral verse published in Italy, France and the British Isles between 1587 and 1644. It follows a comparative approach, for several reasons. Firstly, because these works were written and published in several languages. Secondly, because of the number of engravings they contain and the close relationship they often bear to the fine arts. Since many of the poems printed within these works were first pinned to funeral hearses or catafalques, they must be considered in the light of funerary art and architecture. Thirdly, these works warranted a sociological and historical analysis because of their collective nature: they are the product of a group of authors, whose ideals and aspirations they embody. The initial part of this study presents the development of this type of funerary commemoration from its origins in late Quattrocento Italy to its later expressions in mid-sixteenth-Century England and France. The second chapter examines the evolution of these collections from the 1580s to the 1640s, as well as the identity of the deceased and their commemorators. The third chapter gives an overview of the great formal and rhetorical variety of the poems published in these collections. The case studies in chapter four illustrate how and why groups of authors assembled in order to conceive collections of funeral poetry. Finally, the last chapter is a brief survey of the relationships that these works bear with different types of funeral ceremonies

Comment concilier le récit d’une expérience personnelle qui met le “moi” écrivain au coeur de l’entreprise auctoriale avec le désir d’intervenir dans la chose publique et politique ? Et comment réunir ces deux dimensions dans l’espace poétique de la fiction afin que ni la biographie ni l’idée ne prennent le pas sur le romanesque ? C’est ce que nous nous sommes proposé d’étudier à travers les exemples de cinq oeuvres : La Maison du peuple de Louis Guilloux, L’Espoir d'André Malraux, La Conspiration de Paul Nizan, Les Mandarins de Simone de Beauvoir et Le Premier Homme d’Albert Camus. Il est apparu que nos auteurs n’ont pas seulement leur amitié ou leurs conflits en commun, mais également une vision convergente sur la manière de conjuguer leur vécu et les causes de leur temps, avec çà et là, les particularités propres à chacun, que nous avons tenté de mettre en lumière. La période que couvre le corpus allant de la fin des années 1920 jusqu’à la fin des années 1950, sa confrontation avec des théories littéraires qui ont fleuri à partir des années 1970 manifeste la pertinence des questions que continue à soulever une littérature engagée dont on a sonné le glas, et pas seulement sur le plan formel. Prenant ce corpus pour matériau d’analyse sans nous y restreindre, nous détaillons les questions de poétique et de genres littéraires que soulève la désignation “roman autobiographique”, les techniques de représentation et de transposition ainsi que la part de subjectivité qui préside à une écriture en situation, afin de déterminer comment une expérience personnelle se transforme en exercice esthétique pour aboutir à une éthique de l’action
How do authors reconcile the desire to share their personal experience — where the “I” is the heart of the work — with the desire to participate in public and political life ? And how can they bring together these two dimensions in the poetic space of fiction, so that neither their biography nor their main thesis end up of overshadowing the work’s novelistic qualities? These are the questions we proposed to examine through five novels: La Maison du Peuple by Louis Guilloux, L’Espoir (“Man’s Hope") by André Malraux, La Conspiration (“The Conspiracy”) by Paul Nizan, Les Mandarins (“The Mandarins”) by Simone de Beauvoir, and Le Premier Homme (“The First Man”) by Albert Camus. We found that, beyond their friendship and their shared battles, these authors also shared similar views on how to reconcile their personal experiences and the causes of their time — with, here and there, their own particularities, which we examined. The confrontation of these works, which range from the 1920s to the late 1950s, with the literary theories that emerged starting in the 1970s attests to the pertinence of questions raised by this socially-conscious literature (and not only on the formal level). Using this corpus for analysis, but without restricting ourselves to it, we examined the questions of poetics and genre raised by the term “autobiographical novel”, techniques of representation and transposition, and the subjectivity inherent to engaged writing. This will lead us to understand how a personal experience can be transformed into an aesthetic exercise and result in an ethics of praxis

Relier le premier livre de la Bible au dernier, la Genèse à l’Apocalypse, c’est suivre toutes les étapes du dessein divin, de ce qu’on appelle en mythocritique biblique un ur-mythos (création, chute, rédemption), la Bible, cet immense réservoir d’images, de récits et de mythes, ayant nourri, selon Northrop Frye, l’imagination de l’Occident comme une unité. Dans un premier temps, nous examinerons, au niveau structural, l’articulation de la Genèse et de l’Apocalypse en nous intéressant aux convergences et aux divergences des textes génésiaque et johannique afin d’interroger leur sens, leur contenu et leur nature, la Genèse annonçant l’Apocalypse et l’Apocalypse réécrivant la Genèse. Lors des lectures transversales des deux livres bibliques, nous verrons comment s’opère l’interaction entre le texte biblique et le texte poétique dans le but de mettre en évidence les conditions des différentes réécritures poétiques.Dans un deuxième temps, nous étudierons la rémanence de ces deux livres bibliques dans l’oeuvre poétique de trois poètes majeurs du XXe siècle et dont les affinités sont nombreuses : Pierre Jean Jouve, Pierre Emmanuel et Odysséas Elytis (Prix Nobel de littérature en 1979). Révéler les éléments significatifs, les mythes, les épisodes et les images de la Genèse et de l’Apocalypse dans leur poésie et amorcer une réflexion sur la manière dont ces poètes s’approprient et réactivent l’union étroite du début à la fin, de la création et du péché à la fin des temps et à la rédemption, c’est l’enjeu de ce travail. Comment et pour quelles raisons les poètes s’inspirent-t-ils de ces livres bibliques ? Comment et par quels moyens les poètes évoquent-ils l’expérience poétique ou même l’histoire à travers ces deux mythes d’origine biblique ? En guise de réponse, Mallarmé disait à René Ghil qu’« on ne peut se passer d’Éden ». En effet, nous ne saurons nous passer de notre Éden... ni de notre Apocalypse
Connecting the Bible from Genesis to Revelation, is to follow the steps of the divine purposem so-called ur-mythos (creation, fall, redemption) in biblical mythocriticism, the Bible, this huge reservoir of images, stories and myths, having influenced, according to Northrop Frye, the Western imagination as a unity. As part of this work, we examine at a structural level, the linking of Genesis and Revelation by evaluating the convergences and divergences in the text to explore their meaning, content and nature. Genesis announces the coming of the Apocalypse and Revelation re-writes Genesis. Traverse reading of the Bible shows how the interaction takes place between the biblical text and the poetic text, thus highlight the different conditions of poetic rewritings.We will emphasize the convincing presence of these two biblical books, in the poetic works of Pierre Jean Jouve, Pierre Emmanuel and Odysseus Elytis (Nobel Prize in Literature in 1979), major poets of the twenthieth century whose affinities are many, by revealing the significant biblical elements, myths, images and episodes from Genesis and Revelation in their poetry, then investigate how theses poets appropriated and galvanize this unity from the beginning of the creation to the end of time, from the original sin to the redemption. The question is how and why are these poets inspired from these two books of the Bible? How and by what methods do these poets evoke the poetic experience or even the history through these two biblical myths? Mallarmé said to René Ghil that ’’one cannot get beyond Eden’’. After all, we cannot go beyond our Eden... and our Apocalypse

Thème central des débats du XVIIIe siècle sur les fondements de la sociabilité humaine et sur les sources du Moi, la compassion est aussi l’un des sentiments les plus analysés par Leopardi dans son journal philosophique, le Zibaldone. Or, plus que tout autre siècle ou tradition, le XVIIIe siècle marque de son empreinte l’étude léopardienne des passions humaines. La doctrine de la compassion de Leopardi subit-elle aussi cette influence ? Quelle place occupe Leopardi dans l’histoire moderne des théories philosophiques de la compassion ? Se situe-t-il du côté des défenseurs de la compassion, exemplairement représentés par Rousseau, ou du côté de ses nombreux adversaires ? Après un premier chapitre introductif sur le contexte où prend forme le nouveau paradigme moral et lexical du XVIIIe siècle, cette recherche aborde les grandes questions rencontrées par Leopardi dans son analyse de la compassion : la nature énigmatique de ce sentiment ; ses principes et ses composantes ; les conditions psycho-physiques des différentes catégories de personnes qui sont prédisposées ou non à éprouver ce sentiment ; les objets « pitoyables » ainsi que les états d’âme et les moments de la vie qui favorisent davantage l’apparition de ce sentiment. Enfin, le dernier chapitre ouvre une perspective sur la dernière forme de compassion envisagée par Leopardi : la compassion universelle. Ce travail souhaite ainsi souligner les nuances de la théorie et de l’expérience du sentiment de la compassion chez Leopardi, en montrant la complexité d’une analyse toujours en tension entre anthropologie et morale, ontologie et phénoménologie, philosophie et poésie
Compassion, at the center of the Enlightenment debate on the fundamentals of sociability and human nature, is perhaps one of the most analyzed feelings in Leopardi’s Zibaldone. Enlightenment contributed, more than any other tradition, to the shaping of Leopardi’s thought, and surely contributed to his interest in passions and human nature. Hence, can we say that it also influenced his examination of compassion ? What is the place of Leopardi within the modern history of the philosophical theories of compassion ? Does he stand with its defenders, whose main champion is Rousseau, or rather with its many opponents ?After an introductory chapter outlining the context in which the new moral and lexical paradigm of the Enlightenment develops, this study explores the topics examined by Leopardi in his analysis of compassion : the enigmatic nature of this feeling, its principles and elements ; the psychophysical conditions of different categories of people who are predisposed, in different degrees, to feel compassion ; the objects that move compassion ; the different moods and stages of life in which one is more inclined to compassion. Finally, the last chapter presents the ultimate form of compassion in Leopardi : the universal compassion. The main goal of this research is therefore to illustrate the diverse facets of the theory and experience of compassion in Leopardi, and to show the complexity of his analysis, which is constantly in between anthropology and morals, ontology and phenomenology, philosophy and poetry
Al centro del dibattito illuministico sui fondamenti della sociabilità e della natura umana, la compassione è forse uno dei sentimenti più analizzati nello Zibaldone di Leopardi. Più di ogni altro secolo e di ogni altra tradizione, quella illuministica ha contribuito alla formazione del pensiero di Leopardi, influenzandone soprattutto l’interesse verso le passioni e la natura umana. Si può dire che questa tradizione abbia inciso anche sull’analisi leopardiana della compassione ? Qual è il posto di Leopardi nella storia moderna delle teorie filosofiche della compassione ? Si schiera con i suoi difensori, di cui il rappresentante principale è Rousseau, o con i suoi numerosi avversari ?Dopo un primo capitolo introduttivo sul contesto in cui prende forma il nuovo paradigma morale e lessicale dell’illuminismo, questa ricerca affronta le tematiche incontrate da Leopardi nella sua analisi della compassione : dalla natura enigmatica di questo sentimento ai princìpi e componenti ; dalle condizioni psicofisiche delle diverse categorie di persone che sono più o meno predisposte a provare compassione, agli oggetti “compassionevoli” ; dagli stati d’animo ai momenti della vita in cui si è più inclini a provare questo sentimento. Infine, l’ultimo capitolo offre uno scorcio sull’ultima forma di compassione leopardiana : la compassione universale. Questo lavoro intende così mettere in luce le numerose sfaccettature della teoria e dell’esperienza della compassione in Leopardi, mostrando la complessità di un’analisi sempre in tensione tra antropologia e morale, ontologia e fenomenologia, filosofia e poesia

Ce mémoire de maîtrise propose d'investir la chanson populaire et contemporaine d'un point de vue littéraire, avec comme prétexte et outil d'analyse l'album L'Imprudence d'Alain Bashung. L'hypothèse de départ est que, relativement à l'artiste, cet album constitue un aboutissement stylistique sur le plan de l'écriture des paroles. Les principaux points d'intérêt et notions utilisés pour confirmer cette hypothèse seront l'éthos du chanteur, la paratopie de création, l'album comme discours, le style d'écriture des paroles et la poéticité globale de l'album. Cette approche diversifiée permettra une plongée en profondeur dans cette œuvre du chanteur français, tout en offrant la possibilité de tisser des parallèles avec la chanson française traditionnelle, celle contemporaine, ainsi que les études littéraires. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Alain Bashung, L'Imprudence, chanson, éthos, paratopie, style, poéticité.

Oeuvre cinématographique réalisée par Alain Resnais en 1959, Hiroshima mon amour est également reconnue pour sa valeur scénaristique, autrement dit littéraire, que l'on doit au travail de Marguerite Duras, et qui a d'ailleurs fait l'objet d'une publication distincte après la sortie du film. L'originalité de la présente recherche repose sur la distinction des deux médiums coexistants, une division qui non seulement oriente mais enrichit la réflexion sur une dialectique de la mémoire et de l'oubli. Si la matérialité filmique et la matérialité textuelle, chacune à l'aide des procédés qui lui sont propres, interrogent le devoir de mémoire et la fonction de l'oubli, il appert que le texte oriente davantage la question de l'oubli, alors que le film fait voir plus positivement le travail de la mémoire. L'écriture de Marguerite Duras se voit marquée par un style épuré où la figure rhétorique de la répétition prédomine et propose une vision du monde où l'oubli, au même titre que la guerre, est inévitable et récurrent. Le traitement de l'image cinématographique d'Alain Resnais permet de conférer aux images mentales une matérialité au sein d'un montage éclaté. Ce dernier participe d'une représentation directe du temps et du processus psychique de la remémoration, de même qu'il donne à voir l'histoire d'un monde devenu impossible à appréhender objectivement sans en évoquer la fragmentation. De surcroît, la structure de l'oeuvre contenant l'apposition d'une tragédie personnelle et d'une catastrophe historique, l'étude de la mémoire tient compte de cette distinction entre les dimensions intime et historique. L'analyse de la partie intime envisage la remémoration comme un effort de rappel qui repose sur l'émergence de la trace mnésique caractérisée par sa persistance. En parallèle, la partie plus historique convie à penser la trace documentaire selon son caractère périssable et ses limites à servir la mémoire historique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Marguerite Duras, Alain Resnais, Hiroshima mon amour, Littérature et cinéma, Mémoire, Oubli, Répétition, Image-temps, Trace.

Poète picard du début du XIIIe siècle, le Reclus de Molliens est l’auteur à de deux textes à teneur morale, religieuse et savante, qui circulent sous les titres de Miserere et Carité. Même si ces deux textes édifiants connaissent une diffusion considérable au Moyen Âge et qu’ils rencontrent une réception plus que favorable auprès de plusieurs générations de lecteurs et d’auteurs anciens, ils ont largement été délaissés, voire négligés par la critique moderne, qui ne leur a accordé aucune monographie depuis la fin du XIXe siècle (Van Hamel, 1885). Si la présente thèse vise en partie à combler cette lacune par le moyen d’une mise à jour des données de base quant à la diffusion et au legs littéraire du Reclus de Molliens, elle propose avant tout une réflexion d’ordre poétique, qui engage de façon active le statut de canon littéraire de l’œuvre. À titre de textes à succès – qui font acte de modèle et d’étalon poétique aux yeux d’un vaste public –, Miserere et Carité paraissent tout désignés pour servir de guide et de point de repère poétique permettant de repenser la vitalité et les codes de la poésie édifiante, à l’aune des critères de jugement et des pratiques de lecture concrètes du public médiéval. La documentation historique liée au Reclus de Molliens révèle que le système de versification adopté dans Miserere et Carité, soit la strophe d’Hélinand (8aabaabbbabba), joue un rôle primordial dans la réception de l’œuvre. Comme il faudra le montrer, les textes en strophe d’Hélinand répondent à une série de règles cohérentes, spécifiques et différenciées (partie I), si bien qu’ils s’apparentent à un système poétique à part entière, doté de son propre « horizon d’attente » et de ses propres conventions de lecture (partie II). Ces règles non écrites, qui semblent directement infléchir la réception de Miserere et Carité, participent également du procès du sens en ajoutant un impact dramatique au propos édifiant (partie III). Dès lors que l’analyse de Miserere et Carité sera ainsi imbriquée à celle de ce corpus formel, il deviendra possible de dégager une poétique du texte édifiant en strophe d’Hélinand, qui sera guidée et balisée par le parfait exemple d’un poète à succès.
The Reclus de Molliens, an early 13th century French poet, is the author of two moralizing, religious and didactic texts known as Miserere and Carité. Despite its wide circulation, as well as its significant influence over subsequent generations of authors and readers, this work has been largely neglected by modern critics: the most recent monograph on Miserere and Carité was indeed published over one hundred thirty years ago (Van Hamel, 1885). The following dissertation aims at filling this gap in research by updating the basic data regarding the circulation and literary legacy of this medieval best-seller. Moreover, it provides a reflection surrounding the poetics of this work, which draws on its status as a part of a forgotten literary canon. The fact that Miserere and Carité were so widely read, and therefore constituted models and poetic benchmarks for a wide audience, makes them ideal case studies to rethink the vitality and the codes of moralizing poetry, based on the actual criteria and reading practices of the medieval audience. The historical documentation pertaining to the Reclus de Molliens reveals that the versification system adopted in Miserere and Carité, known as the Helinandian stanza (8aabaabbbabba), plays a vital role in the reception of his works. As will be demonstrated, works that are composed using this type of verse follow a consistent set of poetic rules (part 1). This means that they constitute a legitimate poetic system, with its own “horizon of expectations” and reading conventions (part 2). These implicit rules, which seem to have impacted the reception of Miserere and Carité, also contribute to the construction of meaning by adding a dramatic impact to their moralizing content (part 3). Once the analysis of Miserere and Carité is thus imbricated in the analysis its “formal family”, it will then be possible to define a poetics of the moralizing text written in Helinandian stanza, guided and framed by this successful poet.

Cette thèse entend proposer une analyse originale du phénomène connu mais polémique que constitue l’introduction de la notion d’auteur dans la littérature de langue française au Moyen Âge. Il s’agira d’essayer de contribuer à repenser la signification poétique, culturelle et historique de ce moment particulier où l’auteur – c’est-à-dire l’attribution d’un texte ou d’une série de textes à un nom propre donné – s’est imposé pour la première fois comme un critère structurant et primordial dans la production et surtout la transmission des textes de langue française dans les manuscrits médiévaux. Usant du concept foucaldien de fonction-auteur, des théories de la réception et du paratexte, ainsi que de la « Nouvelle Codicologie », l’approche déployée ici aborde l’auteur en tant que construction textuelle et éditoriale signifiante au sein d’un corpus de recueils littéraires de langue d’oïl où la volonté de construire des figures d’auteurs par les éditeurs de ces ouvrages est à la fois claire et indiscutable. Partie à l’origine d’un examen systématique de la tradition manuscrite d’environ 320 noms de poètes de langue d’oïl actifs entre 1100 et 1340, l’analyse se concentre principalement sur 25 manuscrits contenant des collections auctoriales dédiées à 17 poètes, dont le nom est associé avec insistance à une série de textes copiés les uns à la suite des autres. Parmi ces auteurs, on trouve les célèbres Chrétien de Troyes, Rutebeuf et Adam de la Halle, mais aussi Philippe de Thaon, frère Angier, Guillaume le clerc de Normandie, Pierre de Beauvais, Philippe de Remi, Gautier le Leu, Jacques de Baisieux, Geoffroi de Paris, Jean de l’Escurel, Baudouin de Condé, Jean de Condé, Watriquet de Couvin et Nicole Bozon. La présente analyse tente de nuancer et de dépasser la lecture répandue selon laquelle ces manuscrits à collections auctoriales individuelles constitueraient, de concert avec les fameuses biographies de troubadours et les chansonniers de trouvères, souvent présentés comme leurs « ancêtres », les débuts balbutiants d’une vaste épopée de l’avènement de l’« auteur moderne », annonciateur tout à la fois d’une « subjectivité littéraire », d’une « esthétique autobiographique » et d’un contrôle accru des auteurs historiques, réels, sur la transmission manuscrite de leurs propres œuvres. Tout en offrant une mise à jour contextuelle et matérielle – données originales à l’appui – concernant la dimension collaborative de la genèse de ces recueils et le caractère modulaire de leur transmission, on montrera qu’ils sont le fruit d’un dialogue nourri avec le modèle livresque latin et pluriséculaire de l’auctor – qui est à la fois un auteur, un garant de la vérité (auctoritas) et un ambassadeur prestigieux de la grammaire –, ainsi qu’avec l’antique exemple d’œuvres dites « biobibliographiques », qui décrivent la vie et l’œuvre d’auteurs illustres et exemplaires, comme le fait le De viris illustribus de saint Jérôme. Les manuscrits étudiés usent à répétition de ce modèle ancestral de la biobibliographie (« la vie et l’œuvre ») pour mettre en scène un face-à-face entre auteurs de langue d’oïl et auctores. Or cette mise en regard s’avère d’autant plus intéressante que, contrairement à ce qu’on observe pour les troubadours, considérés très tôt comme de nouveaux auctores illustres en langue vulgaire, dignes de cautionner l’excellence de la poésie et de la grammaire d’oc, elle ne prend pas uniquement, en français, la forme d’une imitation ou d’une adaptation de modèles anciens. En fait, l’analogie avec les auctores donne lieu à des exercices savants, autoréflexifs et parfois ironiques sur la fabrique éditoriale, poétique et épistémologique du type d’auteur et d’auctoritas qui peuvent (ou non) être bâtis dans des recueils en langue d’oïl, idiome qui était encore dépourvu à l’époque (1100-1340) de véritable grammaire, et où fleurissaient en revanche les genres littéraires de divertissement comme le roman, où l’on explorait la porosité des frontières entre le vrai et le faux, entre le bien et le mal. Plus qu’un pas pris dans la direction d’un sacre inéluctable, l’« invention de l’auteur français » à laquelle procèdent les recueils étudiés est un geste pétri des incertitudes et des interrogations de ceux qui le posaient, et qui en mesuraient la profonde vanité au regard de Dieu et de la mort.
This thesis aims to provide an original analysis on an often studied yet controversial issue: the introduction of the notion of authorship in French language medieval literature. The objective here is to reconsider the poetic, cultural, and historical signification of the particular moment when the author – understood here as the attribution of a text or of a series of texts to a proper noun – first became an essential structuring criteria in the production, and more importantly, in the transmission of French-language texts through medieval manuscripts. Using Michel Foucault’s concept of fonction-auteur, theories of reception and of the paratext, as well as New Codicology, this thesis will consider the author as a signifying textual and editorial construction within several literary collections written in langue d’oïl, in which the editors clearly and undeniably sought to construct figures of the author. Based on the systematic examination of the manuscript tradition of approximately 320 names of langue d’oïl poets, who were active between 1100 and 1340, this analysis will focus primarily on 25 manuscripts containing authorial collections dedicated to 17 poets, whose names are strongly associated with a series of texts that are copied one after the other. Among these authors are the famous Chrétien de Troyes, Rutebeuf and Adam de la Halle, as well as Philippe de Thaon, frère Angier, Guillaume le clerc de Normandie, Pierre de Beauvais, Philippe de Remi, Gautier le Leu, Jacques de Baisieux, Geoffroi de Paris, Jean de l’Escurel, Baudouin de Condé, Jean de Condé, Watriquet de Couvin and Nicole Bozon. This thesis attempts to question and ultimately discard the common conception according to which the manuscripts containing individual authorial collections constituted – along with the famous biographies of the troubadours and the chansonniers of the trouvères, often considered as their « ancestors » – the timid beginnings of the rise of the « modern author », himself a prequel to « literary subjectivity », « autobiographical aesthetics » and an ever stronger control exerted by actual empirical authors over the manuscript transmission of their own works. While offering contextual and material updates – supported by original data – regarding the collaborative process that went into the creation of these collections, as well as the modular aspect of their reception, this thesis will show that these collections were formed through a rich dialogue with the centuries-old latin model of the auctor – who is at once an author, a guardian of truth (auctoritas) and a prestigious ambassador of grammar –, as well as with the antique tradition of « biobibliographical » texts, dealing with the life and works of famous and exemplary authors, such as De viris illustribus, by saint Jerome. The manuscripts studied here repeatedly used this ancient model of biobibliography (« the life and works ») in order to stage a competition between authors writing in langue d’oïl and auctores. This confrontation is particularly interesting when one considers that – contrary to what may be observed in the case of the troubadours, who were quickly seen as the new illustrious vernacular auctores, worthy of vouching for the excellency of langue d’oc poetry and grammar – , we are not simply dealing here with a form of imitation or adaptation in French of ancient models. In fact, the analogy with auctores allows for autoreflexive and sometimes ironic learned exercises, dealing with the editorial, poetic and epistemological creation of the type of author and auctoritas in manuscript collections in langue d’oïl, an idiom which at the time (1100-1340) lacked a true grammar, yet was used in various literary genres meant for entertainment, such as romance, which explored the evanescent barriers between truth and lies, good and evil. Rather than a small step in the long path towards an inevitable coronation, the « invention of the French author » undertaken by these collections constitutes an action that reflects all the uncertainty and interrogations of those who undertook it, while being fully convinced of its utter vanity in the eyes of God and death.