Dissertations / Theses on the topic 'Miguel Gomes, Critique et interprétation'

Partant de l’inscription « populaire » de la chanson, cette thèse vise à questionner les dynamiques de représentation du peuple engendrées par sa présence dans la filmographie portugaise, du cinéma muet des années 1920 jusqu’au cinéma contemporain. A travers une diversité de séquences chantées (fado, etc.), elle fait ressortir des figures saillantes du peuple, significatives de ses différents moments politiques. Elle se penche tout autant sur la construction, souvent incomplète et contradictoire, des prétendus topos de la « portugalité », hérités du XIXe siècle et relayés par la propagande de la longue dictature, que sur les modalités de leur critique. En particulier à travers la quête de modernité du cinéma, qui, à partir des années 1950, montre le peuple du « pays réel », contre l’essentialisme de la « nation » séculaire bientôt ébranlée par la Révolution des Œillets (1974). Sur la base d’un corpus d’une trentaine de films, l’analyse - chronologique - apporte un nouvel éclairage sur la dimension sonore du cinéma portugais, et met en avant certains films contemporains de ce point de vue très significatifs, tels ceux de Miguel Gomes.Ce travail, qui s’inscrit dans le renouveau récent de l’historiographie de ce cinéma, s’appuie sur les apports des sound studies et sur certaines théories esthétiques (Rancière, Deleuze). Il vise à enrichir les outils d’une politique de la chanson au cinéma, en dépassant les approches exclusivement textuelle, esthétique ou scénaristique, qui réduisent parfois ces « moments musicaux » complexes et émancipateurs (Amy Herzog) à leur supposé conformisme divertissant, censé servir la mise en scène univoque d’un peuple sentimentaliste et dépolitisé
Questioning the “popular” anchoring of the song, this dissertation aims to shed light on the dynamics of the people’s representation, throughout the history of Portuguese cinema, from silent cinema of the 1920’s to contemporary productions. Eclectic song sequences (fado, etc.) punctuate this cinematography, triggering different representations of the people, depending on its political moments. On the one hand, this work proposes to bring to light the construction, often incomplete and contradictory, of the supposedly topos of the “portugality”, inherited from the XIXe century and relayed by the regime’s propaganda. On the other hand, it analyses the ways these stereotypes have been criticized, particularly through the quest for modernity of the late 1950’s cinema, which tries to show the people in relation to the “real country”, as opposed to the essentialist age-old nation that will be undermined by the Carnation revolution (1974). Covering thirty films, the chronological case analysis contributes to the sound studies of Portuguese cinema, and highlights some particularly significant contemporary films like those of Miguel Gomes. This thesis, which falls within the recent renewal of Portuguese cinema studies, bases its approach on Sound studies contributions and aesthetic theories (Rancière, Deleuze). It aims to broaden the tools of song politics applied to film music, beyond the strictly textual, aesthetic or script issues, which often reduce these “musical moments” to a conformist entertainment, spreading the image of a sentimentalist and depoliticized people, in spite of their complexity and ability to empowerment (Amy Herzog)

La question du meme et de l'autre concerne aussi bien chez l'individu qu'en general, tous les moments de la vie et tous ses aspects. Ainsi, nous examinons la confrontation a la mort du sujet et de celle d'autrui comme chez unamuno. Nous retrouvons d'ailleurs, cela, dans les trois oeuvres etudiees de unamuno. Et ces themes dans les recueils poetiques de machado. La question du meme et de l'autre est inseparable de celle d'une theorie de la connaissance et du scepticisme machadien. C'est aussi dans le temps qui est une composante du dasein heideggerien que le meme est confronte a l'autre. Tout ceci aboutit a une metaphysique de la paix et a une theorie de l7eros de unamuno et de machado qui apportent beaucoup de novations. Nous examinons dans la troisieme partie apres un prolepsis et des prolegomenes, la figure centrale du christ, l'aspect messianique du redempteur, son apport au religere d'une religion revelee, puis nous comparons trois niveaux d'etude, ceux de la poesis, de la mathesis et du religere chez les deux createurs. L'examen s'acheve par des "variantes" sur le divin
The question of the same and of the other concernes also in the individual that in general all the moments of life and in all of its angles. So we examine the confrontation to the death of the subject and of the othei like in unamuno. We find too, this, in the three creations studed of unamuno and the themes in the poetic creations of machado. The question of the same and of the other is inseparable of the one of a theory of knowledge and of the scepticism of machado. It's also in the time which is a composant of the dasein of heidegger that the same is opposate to the other. All of this come to a metaphysic of peace and to a theory of eros of unamuno and machado which brings many novations. We examine in the third part, after a prolepsis and some prolegomens, the face central of christ, the aspect messianic of the redeemer, his contribution of a religion revealed, then we compare three degrees of study, of poesis, of mathesis and of religere of the both creators. The examen ended with "variantes" above the deity

Auteur espagnol, Miguel Hernandez doit sa foi chrétienne à l'éducation basée sur les principes catholiques inculqués dès son jeune âge à la fois par ses parents et les Jésuites. Cette éducation lui a permis de forger sa personnalité et elle est devenue sa principale source d'inspiration. Toutefois, même si sa rencontre avec des poètes rassemblés autour de Pablo Neruda à Madrid l'a amené à changer d'idéologie, sa foi demeure intacte
The spanish author, Miguel Hernandez owes his christian faith to his education. In fact, in his ounger days, the author's parents and the Jesuits taught him catholic principles. Hernandez's catholic education allows him not only to mould his character, but it also becomes a main source of inspiration for him. And even though his encounter with the poets gathered around Pablo Neruda in Madrid leads him to change his ideology, his faith remains unchanged

L'un de nos objectifs est d'exposer la manière dont Kierkegaard fut reçu par Unamuno. Ce premier travail comprenant la récension exhaustive des références Kierkegaardiennes retrouvées dans le corpus unamunien s'avère nécessaire afin d'illustrer par des bases solides le lien entre ces deux philosophes. Dans cette relation qui ne peut être qu'à sens unique, puisque Kierkegaard (1813-1855) et Unamuno (1864-1936) ne sont pas contemporains, le penseur espagnol nous tourne vers le philosophe danois par sa façon insistante d'inviter ses lecteurs et correspondants à le connaitre, à se pencher comme lui sur la vie et les oeuvres de Kierkegaard qu'il ira jusqu'à appeler "mon frère". Notre étude se poursuit par l'exposé des différences et similitudes vis-à-vis de la seule question essentielle pour nos deux penseurs: comment se comprendre soi-même dans l'existence. Kierkegaard va s'efforcer d'y répondre par une philosophie où l'homme est toujours contemplé comme "un existant" et Unamuno par une philosophie de la vie et un rejet catégorique du néant. Ils ont en commun et leur refus de laisser dissoudre leur personnalité dans quelque instance générale que ce soit, et leur foi comme passion dans la vie.

Georges bernanos (1888-1948, francais) et miguel de unamuno (1864-1936, espagnol), partageant le meme sentiment tragique de l'existence, ont confronte les illusions et les mensonges de leur siecle a la seule question du destin metaphysique de l'homme. La foi dans le dieu chretien leur est apparue comme la seule reponse a l'angoisse et a la tentation du desespoir. Deux grandes oeuvres (romans, pamphlets, articles de presse, essai philosophique, theatre, poesie) explorent tous les domaines de l'action humaine (philosophie, politique, individu, societe, religion) a la lumiere de cette exigence. Une distance essentielle differencie le croyant (bernanos), anime d'une foi surnaturelle, et <> (unamuno), qui doute de l'existence de dieu: cette distance distingue deux visions du monde et de deux << poetiques devant l'absolu >>, qui se rencontrent sans se rejoindre. Premiere partie : biographie intellectuelle (affrontement de la quete d'absolu aux realites historiques). Deuxieme partie : etude des univers romanesques (theatre du monde, rapport realite/fiction, thematique du reve, l'ecriture chretienne comme agonie, l'appel au lecteur). Troisieme partie : <> : ecriture polemique (pamphlet, satire, essai philosophique) ; dialectique des genres litteraires chez unamuno et bernanos (le poete et le croyant).

Cette étude est une approche idéologique de la question indienne en Amérique latine, en général, et au Guatemala, en particulier, du point de vue de l'auteur qui aborde la question selon une conception matérialiste de l'histoire. L'auteur, en effet, part d'une analyse profonde de la structure socio-économique du Guatemala, mettant en évidence les contradictions fondamentales qui la caractérisent sur le double plan national et international. Celles-ci se définissent en termes de colonialismes interne et externe qui supposent des relations de domination et d'exploitation qui constituent, en définitive, la problématique essentielle de la société guatémaltèque. En posant au centre de celle-ci le problème économique qui affecte toute la nation par-dessus ses composantes ethniques, Asturias analyse principalement les causes du malaise social guatémaltèque, ce qui l'amène naturellement à dénoncer l'exploitation féroce des monopoles étrangers opérant sur le territoire national et, partant, à démystifier la nature des relations qui lient les différents groupes sociaux dans cette structure particulièrement complexe. Ainsi il arrive à démontrer objectivement la source du mal ou les causes fondamentales du problème indien intimement lié à la problématique sociale guatémaltèque. Ce diagnostic rigoureux de la problématique sociale guatémaltèque l'amène conséquemment à proposer une thérapeutique adéquate aux maux qui accablent la société toute entière et principalement les classes défavorisées. De la toute son œuvre- les romans de la trilogie bananière particulièrement - se révèle comme un véritable réquisitoire anti-impérialiste, réclamant vivement la souveraineté nationale bafouée et l'indépendance économique réelle de laquelle dépend inconditionnellement la solution du problème national et, par conséquent, celle de l'éternel problème indien. Mais l'intérêt du discours asturien et son originalité également résident fondamentalement dans le fait que s'inspirant de la réalité socio-économique du Guatemala, il arrive à démystifier le problème indien, en démontrant par des faits concrets que le problème de l'indien n'est pas de race ou de culture comme on l'a si souvent prétendu, mais simplement de classe, et donc économique.

La thèse porte sur la première partie des Guerras civiles de Granada de Ginés pérez dont le titre complet est de "Historia de los bandos de los Zegris y Abencerrajes caballeros Moros de Granada". Elle se compose d'une étude historique et littéraire suivie d'une édition annotée du texte de l'édition princeps imprimée en 1595 par Miguel Jimeno Sanchez. A partir des chroniques et des romances de la frontière et maureques, ginès Pérez de Hita a comosé une fiction romanesque qui a pour toile de fond les luttes intestines du royaume nasride avant 1492. [. . . ]La thèse comprend trois volumes dont le premier contient l'étude préliminaire se compose de trois parties. La première partie sur la biographie de Ginès Pérez de Hita et sur les rapports entre les rapports civiles et le courant "maurophilie littéraire" ainsi que sur la réception du texte. [. . . ]L'édition annotée du texte qui figure dans le deuxième volume de la thèse est fondée sur l'édition princeps, parue en 1595 à Saragosse. Le principal but, dans cette nouvelle édition des Guerras civiles, a été d'offrir au lecteur un texte enrichi pour la première fois de nombreuses notes explicatives, notamment en ce qui concerne les termes, les prénoms, les patronymes et toponymes d'origine arabe. Trois annexes ouvrent le troisième volume de la thèse. La première est un petit dictionnaire de patronymes et toponymes arabes figurant dans le texte. La seconde présente la génealogie des rois de la dynastie nasride. Le troisième offre au lecteur la traduction d'extraits de deux chroniques arabes des XVe et XVIIe siècles, relatifs au royaume de Grenade. Cinq index -mots annotés, noms de personnes,et de clans, noms de lieux, premiers vers des romances et premiers vers des autres poèmes inclus dans le roman- complètent le trosième volume qui s'achève par la bibliographie des éditions anciennes et des tarductions du texte et travaux cités dans la thèse.

Don Quichotte de Cervantès (1605-1615) est le premier roman associant un système narratif hérité du roman de chevalerie, et des phénomènes de brouillage qui rendent incertaine la source de l'énonciation. Des auteurs du vingtième siècle que l'on croit trop fréquemment engagés dans le processus d'une "littérature de l'épuisement", réutilisent ces techniques dans des œuvres autoréflexives qui mettent en question le rôle de l'écrivain comme créateur à part entière d'un monde fictionnel. Mais on ne peut parler de jeu d'influences entre des œuvres éloignées par leur époque, leur forme et leurs thèmes. Dans certaines nouvelles borgésiennes choisies sur une période qui s'étend de 1930 à 1975, des chaines, suggérées ou développées, renvoient souvent à un avant du texte vertigineux : l'auteur se définit plutôt comme un artisan tentant de trouver sa place dans un univers ou l'essentiel a déjà été écrit. Tahar Ben Jelloun, dans l'enfant de sable (1985) et la nuit sacrée (1987) fait raconter une même histoire par huit conteurs marocains. Se una notte d'inverno un viaggiatore (1979) d'Italo Calvino met en place une chaine brisée d'auteurs fictifs et de narrateurs dont les œuvres sont toujours interrompues en leur commencement. Un roman américain de John Barth, sabbatical (1982) brouille savamment la source de l'émission. Ces techniques narratives ont plusieurs fonctions. Elles rappellent d'abord que la littérature se situe dans un rapport constitutif à l'antécédence; elles apportent aussi la preuve qu'elles sont capables d'assumer cet héritage. Les chaines narratives miment une quête de l'écrivain; les effets de brouillage mettent en scène des narrateurs perturbes, éprouvant des difficultés a écrire. Mais le maitre de l'illusion romanesque moderne, réapparaissant derrière ces narrateurs, montre qu'il a trouve le sens de sa tache dans la conscience qu'il a de travailler a partir d'une matière diégétique peut-être restreinte dans la littérature moderne, mais susceptible d'être organisée selon des combinaisons illimitées
Don Quixote by Cervantes (1605-1615) is the first novel linking together a narrative pattern inherited from the tales of chivalry and narrative interferences making the narrator hard to discover. Some twentieth century authors who are often said to be involved into a "literature of exhaustion", use these techniques in self-reflexive works which question the role of the writer as the full creator of a fictional world. The play of influences cannot be taken into account between works which are radically different as far as their period, their form and their themes are concerned. In some short stories by Borges which are chosen between 1930 and 1975, suggested or developed narrative chains often refer to a pre-text : the author defines himself as a craftsman who tries to find a place in a world where the essential points have already been written. In L’Enfant de sable (1985) and la nuit sacrée (1987) by Tahar. Ben Jelloun, a single story is narrated eight times by different Moroccan storytellers. In Se una notte d'inverno un viaggiatore (1979) by Italo Calvino, a chain of fictional authors and narrators is organized but their narrative is always interrupted at the beginning. In an American novel by John Barth's, sabbatical, the origin of the narrative is skillfully confusing. These modern narrative techniques show several functions. First, they reveal that modern literature is linked to the literature of the past. Narrative chains symbolize a quest for the author. The effects of narrative interferences show upset narrators who have difficulties to write. But the master of illusion in modern novels who is identified behind the narrators, found the meaning of his task in his awareness to work on a digenetic matter, somewhat restricted in modern literature, but which can be organized according to unlimited combinations

Dans leurs œuvres respectives, où ils mettent en scène la Provence intérieure, pour l’un, et la Castille rurale, pour l’autre, Jean Giono (1895-1970) et Miguel Delibes (1920-2010) font la part belle à la « terre ». Forte de ce constat, cette étude est prioritairement dédiée à leurs productions romanesques où, par-delà des différences esthétiques certaines, émergent de forts points communs thématiques et des figures récurrentes, dans la nuance ou dans l’accord. Après nous être interrogé sur la qualification du genre romanesque (des romans « de terroir », « rustiques » ou « de la terre » ?), nous nous sommes attaché aux relations particulières que les hommes ici mis en scène entretiennent avec leur territoire : les paysans, dans leur travail, et tous ceux qui, de fait, vivent au sein de la nature, sans négliger les citadins qui y retrouvent leurs racines, ni les ruraux transplantés en ville mais dont l’ancrage et l’attachement subsistent. Dans ces œuvres de fiction, la terre se présente sous de multiples caractères. Dans un premier temps, elle entretient des rapports harmonieux avec ses créatures, humaines ou animales, qui vivent toutes en liens étroits. Cet ensemble est chargé de mythes qui renvoient aux origines de l’humanité. Mais la modernité introduit une rupture qui brise l’union primitive, avec les cycles de ses rythmes et l’ordre de ses harmonies. Rétive à un tel joug, la terre se révolte et s’en prend aux hommes qu’elle menace de détruire. Dès lors, ils tentent d’établir une relation rénovée où pourrait se réinstaurer un équilibre disparu
The works of Jean Giono (1895-1970) and Miguel Delibes (1920-2010) are respectively set against the backdrop of hinterland Provence and rural Castile, laying the emphasis on the land. This PhD thesis mainly dwells on their novelistic productions, which share numerous recurring themes and figures, despite some aesthetic differences and nuances. After addressing the question of how to characterize these novels – are they novels of the “soil”, “rustic” novels or novels of the “land”? –, this study concentrates on the specific relationships between male characters and their land: peasants at work, all those who live among nature, without forgetting town-dwellers in search of their roots or rural people transplanted to city life, but whose sense of belonging endures.In these works of fiction, the land theme is dealt with in various ways; the emphasis is first placed on the harmonious relationship and close bonds that unite the land with its creatures, whether human or animal. This organic whole is imbued with myths that refer to the origins of mankind. But modernity ruptures this primeval unity, the cycles of its rhythms and the order of its harmonies. Resisting such oppression, the earth rebels, turns against men and threatens them with destruction. From then on, men try to create a restored relationship with the land so that a lost balance might be re-established

La présente étude cherche à dégager, dans le recueil des Novelas ejemplares de Cervantès, la façon dont le thème du corps informe le discours. La matrice de motifs que constitue le prologue fait la part belle aux mentions du corps, dans une oscillation où l'imaginaire de l'unité alterne avec des représentations de la dislocation. Notions corollaires, visibilité et invisibilité du corps sont aussi en jeu, à une époque où le règne du visible s'établit, en Espagne, à travers la prolifération des images. A partir de la double polarité mise à jour dans le prologue, ce travail tente de montrer, dans les nouvelles, les rapports entre les représentations du corps des personnages et leur discours. Les apparitions du corps humain, glorieusement beau ou frôlant le monstrueux, défini en ses contours précis ou bien atténué par l'indétermination, constituent un défi pour le langage. Elles mettent l'intrigue en suspens pour instituer le regard en maître. Image traditionnelle de l'organicité, fait de parties distinctes intégrées à un ensemble, le cosmos est examiné comme une analogie du corps tel qu'il est conçu à l'époque de Cervantès. Il s'agit aussi, par cet examen de la " matière cosmique ", de toucher le grain de l'univers sensible des Novelas. La forme-recueil n'échappe pas à un investissement rhétorique par le motif du corps. La conception cervantine de la compilation est, en effet, marquée par l'image frappante de la " pepitoria ". Puis la métaphore du " pulpo " et de ses tentacules, dans El coloquio de los perros, exprime la plasticité d'un langage narratif fondé sur le surcroît, sur le refus de la clôture malgré les contraintes d'un genre - la nouvelle - qui n'admet pas de suite. Ce discours " disloqué " tente ainsi de s'approcher, au plus près, du dévidement infini de la vie même
This study explores the way in which the theme of the body permeates the discourse in Cervantes's Novelas ejemplares. There are countless references to the body in the network of motifs contained in the prologue, ranging from images of unity to representations of dislocation. The ancillary issues of the visibility and the invisibility of the body also come into play, at a time when there was a proliferation of images in Spain and the visible came to predominate. Based on the double polarity exposed in the prologue, this study attempts to unveil the relationship between the representations of the characters' bodies and their discourse in the short stories. The occurrences of the human body, either glorious in its beauty or verging on monstrosity, precisely delineated or indeterminate, defy the language. They suspend the narration in order to give eyesight pride of place. The cosmos, being made up of distinct parts belonging to a whole, is a traditional image for organicity, and is here examined by analogy with the body, as the latter was conceived at the time of Cervantes. Studying the “cosmic matter” is a way to touch the grain of the physical world in the work. The collection as a form is also rhetorically impregnated with the body as a motif. Indeed Cervantes's presentation of his compilation is marked by the striking image of the “pepitoria”. The “pulpo” metaphor, in El coloquio de los perros, offers another metadiscursive as well as corporeal vision of language. It expresses the plasticity of a narrative discourse based on “surfeit”, its refusal of endings, its constant wish for continuing itself in spite of the necessity for neat denouements imposed by the “novela” genre. Cervantes tends to copy, through this dislocated discourse, the endless displaying of life itself

Dans une première partie, nous nous sommes attachés à présenter le contexte historique, politique et surtout théâtral du début du XXe siècle en Espagne et en Europe : les rapports entre les théâtres, les auteurs, les critiques et le public, et les diverses tentatives de rénovation qui virent le jour. C'est dans ce cadre que nous avons analysé deux des pièces les plus représentatives du théâtre d'Unamuno, "Fedra" et "El Otro", car elles abordent le problème de l'identité et du double de manière complémentaire. Dans une deuxième partie, nous avons analysé 20 mises en scène de "Fedra" et 15 de "El Otro", allant du début du siècle jusqu'en 2003 pour la plus récente, afin de mettre en lumière si les choix des metteurs en scène successifs en matière de décors, de costumes, de musiques et de lumières, ou bien encore les éventuelles modifications du texte, étaient efficacement mis au service du message original contenu dans chacune des pièces ou si au contraire ils les trahissaient
In a first part, we endeavoured to present the historical, political and especially theatrical context of the beginning of the XXe century in Spain and Europe: the relationship between the theatres, the authors, the critics and the public, and the various attempts at restoration. After that, we analyzed two of the parts most representative of the theatre of Unamuno, "Fedra" and "El Otro", because they tackle the problem of the identity and the complementary double in a complementary way. In a second part, we analyzed 20 performances of "Fedra" and 15 of "El Otro", from the beginning of the century until 2003 for most recent, in order to clarify if the choices of the successive directors as regards decorations, costumes, musics and lights, or even the possible modifications of the text, were effectively put at the service of the original message contained in each part or if on the contrary they betrayed them

L’objet de cette étude est « Miguel de Unamuno et la presse hispano-américaine (1898-1936) ». A partir de ses innombrables articles de presse parus dans la presse ibéro-américaine au cours du premier tiers du XX e siècle mais aussi de son abondante correspondance privée et publique, nous avons tenté de cerner l’évolution de la pensée politique, sociale et religieuse de cet intellectuel face à l’histoire culturelle de tout un continent et plus particulièrement de pays comme l’Argentine et le Chili. Le but de ce travail est de redéfinir les rapports humains, sociaux et politiques entre Espagnols et Hispano-américains à partir de l’immédiat après désastre de 1898 jusqu’à la guerre civile de 1936. La vision américaniste de Miguel de Unamuno se fonde sur le concept fédérateur de « hispanidad » qui réunit l’ensemble des peuples hispano-américains autour d’une langue commune, l’espagnol. Unamuno entend lutter contre la vision rétrograde et traditionaliste d’une « mère-patrie » espagnole sclérosée face à ses enfants Hispano-américains ; grâce à des échanges intellectuels et culturels intenses il veut imposer à l’opinion publique une vision progressiste et novatrice des nouvelles relations entre Amérique et Espagne : « la hermandad », c’est-à-dire la fraternité, l’égalité de tous autour d’une langue commune et d’une culture, «el dia de la lengua» versus «el dia de la raza» (12 octobre)
The object of this study is "Miguel de Unamuno and the Spanish-American Press (1898-1936)". From countless articles published in the Ibero-American press in the first third of the twentieth century but also its abundant private and public correspondence, we attempted to identify the evolution of political thought, social and religious intellectual face of this cultural history of an entire continent and particularly countries like Argentina and Chile. The purpose of this work is to redefine human relationships, social and political relations between the Spanish and Hispanic Americans from the immediate post disaster of 1898 until the Civil War of 1936. The Americanist vision of Miguel de Unamuno is based on the unifying concept of "Hispanidad" that brings together all the Hispanic peoples around a common language, Spanish. Unamuno intends to fight against the reactionary and traditionalist vision of a "homeland" Spanish sclerotic meet its Hispano-American children; through intense intellectual and cultural exchanges he wants to impose on the public a progressive and innovative vision of a new relationship between America and Spain: the "Hermandad", that is to say, fraternity, equality for all around a common language and culture, "el dia de la lengua" versus "el dia de la raza" (12 October)

Le monde théâtral de Miguel Romero Esteo, sans doute l’un des dramaturges espagnols les plus importants de la deuxième moitié du XXe siècle, ouvre sur des espaces qui apparaissent comme des univers inconnus encore jamais explorés. Son œuvre, composée de pièces qu’il nomme lui-même « grotescomachies », il invente une dramaturgie nouvelle, festive, rituelle et baroque, qui puise à diverses traditions littéraires, théâtrales, picturales et musicales. L’usage pléthorique de l’intertexte dans ce théâtre polymorphe, hybride et postmoderne avant la lettre – où le chercheur peut glaner les traces d’une anthropologie culturelle – souligne ce que le Moi doit à l’Autre dans toute appréhension esthétique et idéologique du monde. C’est le traitement de la langue qui retiendra notre attention car l’engendrement de la parole dramatique emprunte des chemins de traverse et esquisse des tracés inhabituels. Romero Esteo se livre à une déconstruction du langage et crée ainsi un espace imaginaire inédit, où la poésie et la musique occupent une place centrale. L’auteur crée une fête des sens et du sens, à la fois sonore et poétique, mais aussi critique et grotesque, où chacun des éléments de la structure dramatique s’inscrit dans une forme de jeu particulière qui, loin de dessiner une aire ludique singulière, repousse les limites de l’espace-temps théâtral. Théâtre en liberté, théâtre de la liberté, cette langue autre où se confondent l’animal et l’humain, le spirituel et le corporel, la folie et la raison, la terre et le ciel, construit un univers atemporel qui permet de mieux apprécier et de railler en permanence les traits caractéristiques de la condition humaine
The theatrical universe of Miguel Romero Esteo, undoubtedly one of the most influential spanish playwrights of the second half of the 20th century, opens up spaces that emerge as unknown worlds no one has ever explored. In his work, consisting of plays he himself calls « grotescomachies », he invents a new dramaturgy, festive, ritual and baroque, which draws on various literary, theatrical, pictorial and musical traditions. The abundant usage of intertextuality in this polymorphous and hybrid theater, post-modern ahead of his time – where the researcher can gather traces of a cultural anthropology – underlines what the Self owes to the Other in every aesthetic and ideological perception of the world. Our primary focus will deal with the treatment of language, as the creation of the dramatic speech ventures off the beaten path and outlines routes that are unusual. Romero Esteo engages in a true deconstruction of speech and thus creates an unprecedented imaginary space, where poetry and music hold a central place. The author creates a celebration of sense and senses, at once loud and lyrical, but also critical and grotesque, where every single element of the dramatic structure falls within a specific form of play which, far from just materializing a unique playground, redefines the boundaries of the theatrical space-time.« Free-range » theater, theater of freedom… this unrivalled language, which mingles animal and human, spiritual and physical, insanity and reason, earth and sky, builds a timeless universe that allows for better appreciation and constant mockery of the distinctive features of the human condition

La Galatée et le Persiles de Cervantès ont fréquemment suscité des difficultés d’interprétation car ils n’établissent pas le même rapport avec la réalité que les ouvrages situés au centre de la création cervantine : en effet, ils explorent des espaces imaginaires frôlant parfois l’invraisemblance et s’éloignent, ce faisant, de ce qui nous semble être le fondement du roman moderne. C’est donc à partir de ce premier constat que le présent travail s’est progressivement construit cherchant à comprendre les raisons de ces particularités décelables dans les oeuvres liminaires d’un auteur dont l’« ingenio » a si souvent été loué. Aussi s’agira-t-il de déceler des similitudes entre ces deux romans, mais surtout de les replacer dans leur contexte d’écriture : l’imagination et l’imaginaire constitueront les fils directeurs de cette étude qui tentera de montrer la capacité de ces ouvrages à répondre aux attentes d’un lectorat et des théoriciens sans pour autant négliger l’entreprise consistant à élaborer une écriture libre et libérée : une écriture de l’imaginaire
La Galatea and Persiles, two romances written by Cervantes, are frequently misunderstood because they do not establish the same relation with reality as in Don Quixote. They explore an imaginary space and seem to work in contradiction with the rule of verisimilitude and what we consider to be the foundation of the modern novel. After this assessment, the present study has been elaborated in order to understand the reasons for these special features in Cervantes's first and last books, a writer whose “ingenio” has often been praised. That is why, for a start, I will focus on the similarities between them and, first and foremost, I will contextualise them: the imagination and the imaginary will be the guiding principles. This work tries to show how these books are able to meet the readership's and the theoreticians' expectations. At the same time they explore an imaginary space, proving that it is possible to invent a free writing

Ce travail porte sur une modalité particulière de l’emprunt – la pratique de l’apocryphe – étudiée à partir de deux cas singuliers : le Guzmán de Alfarache de Mateo Luján (Valence, 1602) et le Quichotte d’Avellaneda (Tarragone, 1614). La première partie de cette étude est consacrée aux relations existant entre les Premières Parties originales du Guzmán et du Quichotte, rédigées par Mateo Alemán et Miguel de Cervantès, et les textes de leurs continuateurs respectifs. Nous commençons par examiner ce qui, dans les œuvres initiales, permettait voire invitait à l’apocryphe (chapitre 1), puis nous étudions la façon dont cette prédisposition s’est textualisée dans les ouvrages de Luján et d’Avellaneda (chapitre 2), afin de déterminer si ces derniers avaient ou non de véritables projets romanesques (chapitre 3). La deuxième partie de cette étude porte sur les ripostes qu’Alemán et Cervantès mettent en œuvre dans leurs propres suites (en 1604 et 1615), en réaction aux œuvres concurrentes. Nous proposons d’abord une typologie des différents niveaux de riposte (chapitre 4), avant de montrer que les apocryphes deviennent des sources d’inspiration pour les romanciers authentiques (chapitre 5), et laissent même une empreinte plus profonde sur les œuvres de ces derniers (chapitre 6). La troisième partie de cette recherche propose une approche croisée des œuvres de notre corpus en étudiant, d’une part, les affinités d’écriture existant entre Luján et Cervantès (chapitre 7) et, d’autre part, celles qui concernent les œuvres d’Alemán et d’Avellaneda (chapitre 8). Cette double étude croisée est la pierre d’angle permettant une théorisation de la pratique de l’apocryphe (chapitre 9)
This work deals with a specific mode of literary borrowing – the apocryphal practice – envisaged through two singular cases: Mateo Luján’s Guzmán de Alfarache (Valencia, 1602) and Avellaneda’s Quixote (Tarragona, 1614). The first part of our work focuses on the relationship between the First Parts of the original Guzmán and Quixote, written by Mateo Alemán and Miguel de Cervantes, and their respective continuators’ texts. We first scrutinize the elements from the initial novels that would have allowed or even encouraged apocryphal continuations (chapter 1), and then proceed to examine how this predisposition has been textualized in Luján and Avellaneda’s works (chapter 2), in order to determine whether they had an actual novelistic project (chapter 3). The second part of this study concentrates on the way Alemán and Cervantes counterattack in their own continuations (in 1604 and 1615), in which they retort to their competitors. We first suggest a typology of the different levels of counterattack (chapter 4), then study how the apocryphal continuations in turn become sources of inspiration for the original authors (chapter 5) whose authentic Second Parts finally emerge as deeply infused with the influence of the rival novels (chapter 6). The third part of this investigation offers a crossed approach of our corpus’s novels that studies, on the one hand, the literary affinities between Luján and Cervantes (chapter 7) and, on the other hand, those concerning Alemán and Avellaneda (chapter 8). This double-crossed analysis is the corner stone that leads us to a theorization of the literary apocryphal practice

Au centre de cette thèse se trouvent trois écrivains renommés qui appartiennent à un groupe littéraire espagnol, plus connu sous le nom de " génération de 1898 " : Azorín, Miguel de Unamuno et Ramiro de Maeztu. Bien que ce groupe ne soit pas homogène, ces auteurs engagés, à l'origine des journalistes, aspiraient à un seul et même objectif : procéder à la régénération de l'Espagne ravagée par la perte des colonies en raison de l'apathie et de la léthargie de ses dirigeants. Ce désir " régénérateur " s'est concrétisé à travers des expériences littéraires différentes qui ont mené chacun des trois auteurs à procéder à sa propre quête. Chacun d'entre eux s'est vu confronté à des interrogations existentielles telles que la question de l'éternel retour, celle de l'immortalité, ou encore celle de l'inanité de la vie. C'est par le biais des trois figures mythiques de la littérature espagnole : Don Quichotte, Don Juan et la Célestine, qu'ils sont parvenus à dépasser leurs préoccupations existentielles. En leur donnant une nouvelle vie, ces auteurs offrent aux figures mythiques une autre dimension : ils vont même jusqu'à les sanctifier. En réalité, les écrivains voient dans cette réinterprétation le salut même de l‟Espagne, mais les figures mythiques qu'ils ne cessent tantôt de valoriser, tantôt de démystifier, jouent d'autres rôles plus pragmatiques et plus prépondérants. Elles ont également une fonction plus immédiate. En fait, tout dans leurs œuvres tend à éveiller le peuple espagnol et à lui inculquer un sentiment patriotique imprégné d'une philosophie quichottesque, celle qui consiste à garder ses idéaux, tout en ayant une conscience lucide et aigüe.

Ce travail de recherche a pour but de mettre à jour les lieux de l’écriture où viennent s’incarner les composantes de la voix textuelle. Le corpus choisi pour mener à bien cette quête prend pour objet le discours narratif dans une perspective comparée et il se compose de trois ouvrages de la littérature espagnole écrits à des époques différentes et / ou marqués par des tonalités discursives distinctes. Tout d’abord, « En torno al casticismo », œuvre philosophique de Miguel de Unamuno encore marquée par certains canons stylistiques du XIXe, puis « Las sonatas » de Ramón del Valle-Inclán, œuvre charnière du début du XXe et qui constitua, en son temps, une rupture avec l’écriture du siècle précédent ; enfin, nous terminerons par « La lluvia amarilla » de Julio Llamazares, une œuvre contemporaine de la fin du XXe siècle. Les outils d’analyse convoqués pour l’approche de la voix textuelle au sein de ces trois ouvrages sont divers. En termes traditionnels, ils pourraient être rangés dans la catégorie large de la stylistique, à condition d’entendre cette dernière comme le regroupement éclectique de phénomènes relevant d’une synergie entre les mécanismes linguistiques, d’énonciation, de narrativité, de sémio-pragmatique, de rhétorique et de mise en forme graphique du discours, notamment par le biais de la ponctuation. Notre postulat, c’est que la voix textuelle sourd précisément d’une synergie, d’un conglomérat de phénomènes qui paraissent isolés dans un premier temps, mais en réalité « font système » au sein d’un discours donné
This research work is aimed at updating the places of writing where come to be embodied the elements of textual voice. The corpus chosen to complete successfully this quest speech for object in a compared perspective and it is made up of three works of Spanish literature written in different epochs and / or marked by distinct discursive tonalities. First of all, “En torno al casticismo”, philosophical work of Miguel de Unamuno still marked by certain stylistic cannons of the XIXth century, then “Las sonatas” de Ramón del Valle-Inclán, work hinge of the beginning of the XXth century and which constituted a break, at its time, with the writing of the previous century; finally, we end by “La lluvia amarilla” of Julio Llamazares, a contemporary work of the end of the XXth century. The called tools of analysis for the approach textual voice within these three works are various. In traditional terms, they could be lined up in the broad category of stylistic, on the condition of hearing this last as the eclectic grouping of phenomena being recovering from a synergy between the linguistic mechanisms, of enunciation, of narration, of semio-pragmatic, of rhetoric and graphic format of speech, notably by means of punctuation. Our postulate it is that textual voice results precisely from a synergy, from a conglomerate of phenomena, which seem insulated at first but in reality “make system” within a given speech

La relation auto-da-fe/don quichotte se fonde sur un triple rappel : l'aspect du heros, son obsession livresque et l'"aveuglement" a la fois comique et tragique qui en resulte. Mais kien a d'autres points communs avec le chevalier (age, sexe, temperament). Le meme parallelisme se retrouve chez les personnages secondaires (therese/dulcinee, fischerle/sancho) et au niveau pragmatique ("sortie", mission chevaleresque, mystification, delire). Les concordances sont trop massives pour qu'on puisse ne voir dans auto-da-fe qu'une variation du topos lire/delire (cf. Antiroman) : on a affaire a une aggravation directe du quichotte, operation aux enjeux semantiques et poetologiques considerables. L'empreinte de gogol concerne moins les structures textuelles d'auto-da-fe que l'appareil symbolique ("mythe") qui fonde la "comedie humaine de la folie". L'univers gogolien souffre d'une inconsistance pathologique et d'un rapport perverti a la mort. La conjonction argent/survie/puissance, au premier plan des ames mortes, prefigure la "realite de l'avenir". La devaluation de l'humain, qui etait chez gogol une metaphore caricaturale, s'est concretisee. Canetti reprend les grands themes balzaciens (million mythique, crime cache, passions) et leur imprime la marque de l'irrealite gogolienne. Malgre des divergences formelles de taille, l'histoire d'une vie deploie une "mythologie personnelle" proche de celle du brulard. Le role de l'histoire est rendu sous forme romanesque et subjective : il s'agit d'en montrer l'effet sur l'individu. Subjectivite aussi dans la division de l'univers familial en "bons" et en "mechants" et dans le systeme des modeles et contre-modeles. Ce manicheisme releve d'une ideologie qui commande d'assumer jusqu'au bout son passe. Ni confession ni reglement de comptes, l'autobiographie ne vise qu'a mettre a jour le noyau dur de la personnalite : projet faussement retrograde, car typiquement "egotiste" et sans illusion d'emancipation et d'autocreation
The relationship between auto-da-fe and don quixote is based on the hero's appearence, his obsession with books and the resulting "blindness", both comic and tragic. Kien also inherited don quixote's age, sex and disposition. The same parallelism is to be found regarding the minor charaters (therese/dulcinea, fischerle/sancho) and on the pragmatical level ("setting out", chivalrous mission, mystification, insanity). There are too many similarities to simply allow us to treat auto-da-fe as a variation on the topos "reading leads to madness" (cf. Antinovel) : it is an "aggravation" of don quixote, with numerous consequences for semantics and poetics. Gogol's imprint is less concerned with the textual form of auto-da-fe than with the symbolic structure ("myth") which supports the "comedie humaine of fools". The gogolian universe suffers from pathological inconsistency and a distorted attitude towards death. The nexus money/survival/power, the central theme of dead souls, anticipated the "reality to be" : the devaluation of humans, which functions in gogol in a metaphoric form, is now concretized. Canetti picks up such balzacian themes as the mythical million, the hidden crime, the "passions", and treats them with gogolian irreality. Despite formal differences, the story of a life develops a "personal mythology" similar to that of brulard. The role of history is rendered in a subjective form : what counts is its impact on the protagonist. The descriptions of family and the system of models and countermodels are also subjective. This manicheism is part of an ideology that requires the full acceptance of one's past. Neither a confession nor a settling of scores, autobiography attempts to illuminate the essence of personality

Dans ce projet de recherche, nous avons développé l'analyse de l'opéra Les Tréteaux de maître Pierre (1923) de Manuel de Falla comme interprétation du Quichotte (1605 et 1615) de Cervantes, à partir des relations établies par le compositeur, entre la musique, la littérature et la politique. Il s'agit d'une étude comparative entre les deux œuvres, bien que centrée sur la définition du dialogue établi par le compositeur avec Miguel de Cervantes. Dans ce but, nous analyserons l'importance et les connotations du Quichotte (et particulièrement de l'épisode des tréteaux) dans l'Espagne du début du XXe siècle. Quelle est la signification, tant du point de vue de la composition de l'œuvre que de sa réception, de choisir Don Quichotte comme sujet? Qu'est-ce que l'épisode des tréteaux représente? De cette perspective analytique, nous avons avancé, développé et vérifié trois hypothèses : en premier lieu, nous affirmons que dans ses Tréteaux Falla mène à bien une reconstitution de l'imaginaire musical dans l'œuvre de Cervantes ; deuxièmement, nous interprétons que sur la base du concept des Tréteaux comme hommage à Cervantes, dont Falla admire le travail et le style d'écriture, la musique transfère et reproduit plusieurs des caractéristiques stylistiques de la prose de Cervantes ; en troisième lieu, nous signalons que dans Les Tréteaux Falla affiche sa vision idéale de l'Espagne (et son opéra peut donc être lu comme un postulat politique) en tant que nation catholique, sous l'angle d'un nationalisme espagnol centré en Castille, mais respectueux de la diversité culturelle et linguistique des régions comme la Catalogne, accompagné d'une position pro-européenne et partisane des Alliés
In this research project, we analyzed Manuel de Falla's opera Master Peter's Puppet Show (1923) as an interpretation of Cervantes' Don Quixote (1605 and 1615), focusing on the relations established by the composer between music, literature and politics. Our project is, therefore, a comparative study between both works, even if it focuses on defining the dialogus established by the composer with Miguel de Cervantes. To this end, we consider Don Quixote's importance and connotations (specially in the episode of Master Peter's puppet show) in Spain in the early 20th century. What is the significance of the composition and its reception, of choosing Don Quixote as the subject of the opera? What does Master Peter's episode represent? From this perspective, we have proposed, developed and put to the test the following three hypotheses : First, we claim that in Master Peter's Puppet Show Falla carries out a reconstruction of the musical imaginary of Cervantes' work. Second, based on Falla's conception of Master Peter's Puppet Show as a tribute to Cervantes, we interpret that Falla's music succeeds in imitating and conveying many of Cervantes' stylistic features. Third, we consider that in Master Peter's Puppet Show Falla develops his ideal vision of Spain (thus advancing a politics proposal), which he sees as a Catholic nation from the angle of a Castile-centered Spanish nationalism, nonetheless respectful of cultural and linguistic diversity of regions such as Catalonia, aligned in Europe with the Allies and from a Europeanist stance

L’Astrée passe pour le roman qui a implanté la politesse amoureuse dans la littérature et les mœurs du XVII ème siècle. H. D’Urfé aurait mis à la portée des aristocrates une réflexion sur l’amour d’inspiration néoplatonicienne jusqu’ici réservée à quelques érudits: sa fiction serait un artifice rhétorique mis au service d’une théorie définie. Son œuvre a pourtant donné lieu à une réception contradictoire. S’agit-il d’un phénomène de lecture ou d’un parti pris d’écriture ? L’inachèvement du roman – accidentel ou délibéré- ne permet pas de trancher. Remettant en question le postulat du néoplatonisme de l’œuvre, la présente thèse recentre la problématique en termes textuels et s’appuie sur les précédents espagnols pour monter comment le discours philosophique s’inscrit dans l’esthétique pastorale et le genre romanesque
L’Astrée is considered to be the novel that put amorous politeness in the literature and customs of the Seventeenth Century. H. D’Urfé gave the aristocracy an approach to Neoplatonic love previously reserved for a few intellectuals : his fiction was a rhetorical contrivance that served a definite theory. His work, however, received an ambiguous reception. Was this a result of the way it was read or was it intentional ? The fact that the roman was unfinished, either accidentally or deliberately, does not provide a definite answer. Questioning the Neoplatonic basis of d’Urfé’s novel, this thesis focuses on a textual interpretation and relies on Spanish precedents to show how philosophical discourse is embedded in the novelistic genre and the pastoral esthetic

Cette thèse de doctorat a pour objet l’édition critique, la traduction et l’analyse de l’oeuvre théâtrale complète de François de Cortète (1585-1667). Ce seigneur agenais a évolué dans l’entourage d’Adrien de Monluc, mécène et protecteur de nombreux auteurs de langue française et de langue occitane. Le théâtre de Cortète, partiellement édité après sa mort par ses fils, présente deux pastorales qui se distinguent par un certain « souci de réalité » dans la représentation des bergers mis en scène sur les terres dont il est le seigneur. La Miramondo explore les règles d’unités ; dans son Ramonnet Cortète reprend l’éthnotype comique du matamore gascon dont il inverse le sens du ridicule en dessinant un des premiers portraits de francimand de la littérature en langue occitane ; Sancho al palays del Duc est une comédie, qui sur le modèle de Guérin de Bouscal, adapte à la scène une dizaine de chapitres du second livre du Quichotte. A l’instar du poète toulousain Pierre Godolin en poésie, Cortète exploite et illustre les ressources de la langue d’oc en produisant une oeuvre théâtrale sur le modèle des créations contemporaines des élites européennes. Ses trois pièces reflètent la richesse et ladiversité de la production théâtrale en France entre les années 1630 et 1650 ainsi que les bouleversements qui la traversent. Cette édition, réalisée à partir des manuscrits autographes, se veut aussi fidèle que possible au texte tout en veillant à préserver sa lisibilité. Elle constitue aussi la première traduction française du théâtre de Cortète de Prades. Aucune indication de datation n’ayant été donnée par l’auteur sur la chronologie de la composition de ses pièces et la bibliographie critique étant extrêmement réduite, l’analyse donnée en introduction aborde les trois pièces de manièretransversale et tente de répondre à cette problématique chronologique tout en précisant et en explorant les principales questions qui définissent la singularité de cette oeuvre
This doctoral thesis comprises the critical edition, translation and analysis of the entire dramatic oeuvre of François de Cortète (1585-1667). This Agenais lord moved in the circles of Adrien de Monluc, patron and protector of numerous French and Occitan-language writers. Cortète’s plays, in part published posthumously by his sons, include two pastorals distinguished by a certain « concern for reality » in their representation of shepherds living on his seigneurial lands. LaMiramondo explores the three classical unities; in Ramonnet Cortète treats the comic ethnotype of the Gascon braggart (matamore), inverting its ridiculous characteristics by drawing one of the first portraits in Occitan literature of the francimand. A third play, Sancho al palays del Duc, a comedy in the style of Guérin de Bouscal, adapts for the stage a dozen chapters of the second book of Don Quixote. Following the example of the Toulouse poet Pierre Godolin, Cortète exploits the possibilities of the langue d’oc to produce dramatic works in the style of those of Europe’s elite contemporary playwrights. His three plays reflect the richness and diversity of the Theatre in France between 1630 and 1650, as well as the upheavals it lived through. This edition of the texts, based on the original manuscripts, tries to be as faithful as possible to them while preserving their readability. It also constitutes the first French translation of Cortète de Prades’ dramatic oeuvre. In the light of there being no indication of dating by the author of the chronology of composition of his plays and, moreover, thecritical bibliography being extremely small, the analysis undertaken in the introduction approaches the plays transversely and attempts to answer this chronological problem by specifying and exploring the major issues that define the uniqueness of this body of work

Un film est une œuvre de collaboration qui se nourrit des différentes sensibilités des professionnels qui le font et qui épaulent, de manière plus ou moins significative, son auteur. Notre réflexion se situe au moment charnière de toute œuvre artistique, sa création. L’étude de la poétique du film, des processus de sa fabrication, permet d’en comprendre plus profondément les enjeux esthétiques. En abordant spécifiquement les relations de collaboration chez le réalisateur portugais Manoel de Oliveira, il s’agit d’enquêter sur la façon dont les rapports idéologiques, personnels et professionnels que le cinéaste noue avec quelques-uns de ses collaborateurs déterminent la conception de l’image, du montage, du choix des acteurs et du processus d’adaptation d’une œuvre littéraire. Les professionnels choisis sont l’acteur portugais Luis Miguel Cintra, la monteuse française Valérie Loiseleux, le directeur de la photographie suisse Renato Berta et la romancière portugaise Agustina Bessa-Luis. En analysant ces relations bilatérales, ce travail se demande comment la présence du collaborateur influence la conception de la mise en scène d’Oliveira et comment le fait d’être un interlocuteur privilégié du réalisateur portugais détermine la suite de la carrière de quelques-uns de ces collaborateurs. Sans mettre en doute le cinéma d’auteur, nous croyons néanmoins au cinéma de collaboration, un cinéma qui dit « nous » au lieu de « je », où le collaborateur est non seulement un témoin du faire cinématographique, mais aussi une surface sensible, une présence active et constamment mise à l’épreuve dans le processus de création qu’il intègre – et qui l’intègre
A film is a collaboration work that feeds on the different sensibilities of the professionals who make it and contribute, more or less significantly, to its author. This study focuses on the key moment of every work of art, its creation. The study of the poetics of film – the making of film – allows for a more profound understanding of the aesthetic challenges involved. Specifically addressing the collaborative relationships of Portuguese filmmaker Manoel de Oliveira, involves inquiring how the ideological, personal and professional relationships the filmaker has with his collaborators determines his concepts of image, editing, his choice of actors and the process of adapting a literary work. The chosen professionals are Portuguese actor Luis Miguel Cintra, French editor Valerie Loiseleux, Swiss Cinematographer Renato Berta and Portuguese novelist Agustina Bessa-Luis. By analyzing these bilateral relationships, this study questions how the presence of the collaborators influences the concept of Oliveira’s scene setting, as well as how being a privileged interlocutor of the Portuguese filmmaker influences the careers of these collaborators. Without calling the author’s work into question, we believe in collaborative cinema, a cinema that says « us » instead of « me ». A cinema where the collaborator is not only a witness to the making of films, but also a sensitive surface and an active presence put to the test in the creation process which he integrates and integrates him