Journal articles on the topic 'Luce in teatro'

IL TEATRO DI TAORMINA: UNA NUOVA CRONOLOGIAIl teatro di Taormina, nonostante la sua importanza, non era mai stato oggetto di nessun dettagliato rilevamento, fino al 1992 quando un team australiano cominciò lo studio delle sue fasi architettoniche. Tale lavoro ha confermato l'esistenza di tre principali fasi costruttive: una fase ellenistica (III secolo a.C.); una ricostruzione romana (inizio del secondo secolo d.C.); e la trasformazione del teatro in un'arena (inizio III secolo d.C.). Comunque il rilevamento ha anche messo in luce il fatto che molte delle strutture tipiche dell'edificio che si credeva appartenessero al periodo del teatro, di fatto vanno associate alla fase in cui esso operava da anfiteatro. La ricostruzione del teatro quale area designata per l'incontro di gladiatori evenationestrasformò radicalmente l'edificio, modificandone molte delle sue parti. L'aspetto dell'edificio nel periodo in cui funzionava da teatro era molto diverso da quello che comunemente si pensa, ed è di particolare interesse poiché il progetto dell'edificio per rappresentazioni teatrali fu influenzato dalla ricostruzione delscaenadel teatro di Pompeo a Roma, probabilmente all'epoca di Domiziano. Ci sono anche indizi che alcune delle caratteristiche architettoniche del teatro possano essere associate alle province orientali e dell'Asia Minore.

FALERII NOVI: UNA NUOVA RICOGNIZIONE DELL'AREA MURATAI risultati di una ricognizione dell'intera parte murata della città romana di Falerii Novi vengono presentati insieme a quelli di una piccola area posta al di fuori delle mura. I metodi impiegati consistono in una integrazione di rilevamento topografico, ricognizione a piedi dell'area ed estensivo uso di un gradiometro ‘fluxgate’. I risultati permettono di ricostruire in dettaglio una nuova pianta della città, che viene presentata in questo articolo, insieme ad una dettagliata descrizione delle strutture messe in luce, che includono un foro di dimensioni sostanziali, un teatro ed un portico, una serie di templi e una varietà di case private. Sebbene in maniera preliminare, questi edifici vengono discussi nel loro contesto, anche in considerazione dei nuovi dati che questa ricognizione ha fornito sullo sviluppo della topografia e delle difese della città.

En marzo de 1942 Gabriel Arias Salgado, Vicesecretario de Educación Popular, se hace con el control del Teatro Español de Madrid y adopta varias medidas para mejorar una gestión que considera anómala. En primer lugar, desplaza parte de la administración de la sala a la Delegación Nacional de Propaganda y modifica el organigrama de gobierno hasta que decide rectificar y nombra a Cayetano Luca de Tena director del coliseo. En segundo lugar, mejora la explotación económica del teatro y, por lo tanto, consigue que el proyecto del Teatro Nacional del Español sea viable, pero sin que ello le permita abordar de forma inmediata la modernización de sus instalaciones, en especial, en lo referente a la iluminación. Por último, somete a un estricto control ideológico el repertorio del teatro y recupera las representaciones religiosas del Corpus Christi.

El documento presenta una aproximación a la opinión de Azorín acerca del teatro y del cine. El objetivo principal es poner de relieve los rasgos más relevantes que Azorín destaca del cine y su evolución en dos fases: la década de 1920 y entre 1950 y 1960. El autor se interesó por el cine entorno a los años 20, como refleja su artículo «El cine y el teatro». Concretamente, siente atracción por el cine estadounidense y por el Surrealismo, considerando el cine el arte de las luces y las sombras. Asimismo, Azorín evidencia la decadencia del teatro frente al cine, debido a la limitación que ante la pluralidad de imágenes del cinematógrafo se ha impuesto a sí mismo. Se concluye que el cine se extiende por todo el ámbito cultural, donde la exploración de la subconsciencia cobra enorme relevancia.

La violenta contraposición entre la tradición dramática españolay los cánones del teatro clasicista francés, cuyo máximo representante fue Jean Racine, dio lugar a que la recepción de este último en la España de los primeros Borbones ofreciese toda la gama de tendencias estéticas que, en el ámbito teatral, se sucedieron o simultanearon a lo largo del Siglo de las Luces. Un somero examen de todas y cada una de las traducciones y adaptaciones de Racine que se realizaron enEspaña durante el siglo XVIII, sirve para contextualizar la Iphigenia de Jovellanos en el aspecto literario y corroborar que ésta fue la tragedia que, presuntamente corregida por Cándido Mª Trigueros, se representó en Madrid en 1788. En el plano biográfico se subraya la trascendencia de la amistad entre el prócer gijonés y los hermanos Cónsul-Jove y Requejo —en particular con el político, jurista, pintor y escenógrafo Juan Nepomuceno— como factor explicativo de la aparición de Iphigenia en el monasterio de San Millán de la Cogolla.PALABRAS CLAVE: Traducción, Adaptación, Barroco, Rococó, Prerromanticismo, Neoclasicismo, Comedia sentimental.

La transformación digital y el éxito de las tecnologías han modificado de forma radical nuestras relaciones, nuestra conexión con el mundo y nuestra forma de entendernos. No es, por tanto, extraño que los estudios teatrales se vean afectados por todos estos cambios. Pero no es menos cierto que corremos el riesgo de dejarnos obnubilar por lo que son medios y terminar convirtiéndolos en fines. Dentro de los estudios de teatro español las humanidades digitales han encontrado un terreno bien preparado para la siembra. Y es que el teatro es un objeto de estudio idóneo por su transdisciplinariedad. Además, el teatro permite el enfoque desde muy diferentes perspectivas y a través de diversos medios por lo que las humanidades digitales pueden desplegar un amplio abanico de posibilidades. El análisis de redes sociales se puede aplicar a la relación interna de los personajes y a la creación colaborativa de los escritores. Las herramientas georreferenciales como el mapeo hacen visibles carteleras y giras. La recreación virtual está rescatando espacios de representación perdidos. Las bases de datos permiten el almacenamiento, conexión y visualización de cantidades ingentes de información relacionada con los múltiples agentes (escritores, directores, productores, impresores, libreros, actores), lugares (de representación, de escritura, de venta), fechas y formatos de transmisión. La estilometría también puede aportar muchas luces a un género que difumina la autoría literaria a favor de la representación. El presente volumen monográfico reúne artículos centrados en el teatro español desde la perspectiva de las humanidades digitales. El objetivo de estas páginas preliminares es mostrar el valor que tiene cada uno de los estudios en relación con las humanidades digitales. Los artículos se pueden agrupar en tres grandes campos: aplicaciones lingüísticas, bases de datos y estilometría.

A partir de la restitución al teatro en su función primordial de religar a los seres humanos y proveerles de una experiencia ritual y festiva, se lleva a cabo la descripción y análisis de diversos encuentros convocados por la asociación de Teatro Comunitario en México diferenciándolo del conjunto del teatro popular, universitario, rural, indígena y campesino. La interpretación que aquí se presenta se apoya en un trabajo de observación directa llevado a cabo durante varios años (1992-2000), en diversos poblados, en varias situaciones de representación y en numerosas conversaciones con las personas que participan en estos eventos: organizadores, actores, espectadores y habitantes de las comunidades donde se ha realizado.

En otro reino extraño es una apuesta de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que, durante el confinamiento provocado por la COVID-19 y el estado de alarma en España, se aventura a llevar a Lope de Vega a las nuevas tecnologías, apartándolo así del escenario, su hábitat natural. Espectáculo videocreación realizado al 100% por medios telemáticos, sin contacto personal alguno entre los miembros del equipo. En su proceso se conjugaron creatividad con limitaciones, potencialidad expresiva con impedimentos técnicos, verso con imagen, amor con pandemia, siglo XVII con siglo XXI. Yo, como director del espectáculo, comparto el entramado dramatúrgico, estético, actoral y narrativo del montaje. Premisas creativas, puntos de partida, evolución, relación y ensayo con los actores, hallazgos, soluciones, problemas y, en definitiva, luces y sombras de una compañía de teatro clásico en tiempos de confinamiento.

Las profesiones de sectores técnicos en espectáculos en vivo se encuentra profundamente segregado ya que la mayor parte de oficios que las componen han sido tradicionalmente ocupados por hombres. El objetivo central del presente artículo es visibilizar las principales formas de discriminación a las que se enfrentan las mujeres en este sector teniendo en cuenta sus trayectorias y condiciones laborales. El análisis atiende a la necesidad de profundizar nuestra comprensión de los mecanismos que conducen al éxito en la inserción laboral femenina en ocupaciones altamente segregadas y los retos a los que se enfrentan. La aproximación metodológica se ha basado en la realización de 11 entrevistas en profundidad a mujeres técnicas de luces y sonido, un grupo de discusión de siete mujeres técnicas empleadas un teatro público y una exploración etnográfica partiendo de mi posición como técnico de luces en varios montajes teatrales.

El barroco, época en la que el absolutismo cohabita con el siglo de las Luces, es considerado como el último gran estilo europeo. El teatro, el ceremonial y las fiestas de la corte no son únicamente la expresión de la vitalidad del barroco, se presentan también como una forma muy elaborada de dominación de masas. Se trataba de “disciplinar a las instituciones” y para ellos se necesitaban reclutar nuevos actores. Se trataba de reunir y unificar las fuerzas implicadas en la batalla. Y fue el Concilio de Trento que asumió este rol. A nivel de lo local las Cofradías y Hermandades se encargaron de controlar la mano de obra y la fuerza de trabajo. En Concilio de Trento se refuerza la concepción clerical y jerárquica de la sociedad asignando al clero un rol de vigilancia.

En la España del siglo xviii y gran parte del xix se produjo un interés extraordinario por todo lo relacionado con la educación de los más jóvenes, uno de los colectivos en los que los ilustrados depositaron sus esperanzas del tan anhelado renacer de la patria. En este sentido, el teatro, por su amplio alcance y poder didáctico, se alzaba en una plataforma de valor inigualable para la transmisión e inculcaciónde las nuevas ideas y corrientes pedagógicas en boga en la época. Aunque este fenómeno ya ha sido reseñado por la crítica literaria, generalmente se ha hecho en relación a obras dramáticas estelares de aquel momento como El sí de las niñas, de Moratín. Resulta necesario, pues, detenerse en otros textos teatrales quizá menos conocidos, pero que también reflejan a todas luces cómo se instó desde las tablas a la promoción de una reforma moral de la juventud española.

A partir de la teoría de Rancière sobre el “reparto de lo sensible” (2009), en este ensayo se establece una relación entre deseo y muerte en tres piezas latinoamericanas basadas en tragedias clásicas. En orden de estrenos son las siguientes obras: La viuda de Apablaza, de 1928, en Chile (Fedra), de Germán Luco Cruchaga; Antígona Vélez, de 1952, de Leopoldo Marechal, en Argentina (Antígona) y Klássico (com k), de 2013, de Mayombe Grupo de Teatro, en Brasil (Medea). Según Rancière, “lo que llamamos imagen es un elemento dentro de un dispositivo que crea cierto sentido de realidad, cierto sentido común.”. (El espectador emancipado, p.104) Las tres heroínas presentan caracteres configurados por la tensión subversiva entre deseo y muerte. Sólo que sus imágenes adquieren particularidades, sentidos de realidad específicos de acuerdo a cada uno de los “dispositivos” en los cuales se encuentran. Pretende-se discutir el tema de la muerte femenina como restitución del orden perdido, que está presente en las tragedias de Sófocles y Eurípides, en las actualizaciones estudiadas.

Luces de bohemia (1924) es, con toda probabilidad, la obra teatral más conocida y representada de la producción de Valle-Inclán y, acaso, de las más analizadas. Pero su calidad siempre permite una nueva reinterpretación. En este trahajo la he llevado a efecto a través de los conocimientos "esotéricos" del escritor gallego y del valor simbólico que posee la luz dentro de la Teosofía: Luz como Verdad en el juego platónico a través del Mito de la Caverna y luz como signo y formante tanto en el texto lilerario como en el espectacular. A través de este signo luminoso surgen un nuevo análisis estructural, un esquema actancial diferente y, desde la licencia permitida, una nueva propuesta pragmática para su representación.

Este trabajo explorará las conexiones entre César Vallejo y Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936), novelista, dramaturgo y poeta español. Ya se ha notado que Vallejo se inspiró en uno de los versos de Valle-Inclán para el título de su novela, Fabla salvaje (1923). Sin embargo, la conexión entre estos dos escritores es aún más profunda. Basándose en el uso del esperpento, expuesto en la obra de teatro Luces de bohemia (publicada por primera vez en 1920, y en versión definitiva en 1924), se hará una comparación con los textos teatrales de Vallejo, en particular con su obra Entre las dos orillas corre el río (comenzada en 1930 bajo el título Moscú contra Moscú) y varias colecciones de tratados sobre el valor y la función del teatro. En los dos autores el esperpento, efectivamente, representa la dificultad de evolucionar entre generaciones, de transicionar entre el pasado y el futuro. Mientras en Valle-Inclán los personajes sufren físicamente para superar el plano ético, en Vallejo vemos que lo físico y lo ético no se separan, sino que profundizan la complejidad del existir en el tiempo. Tanto en el arte como en la política, el progreso se ve limitado por las condiciones físicas que inscriben y demarcan toda experiencia humana. ABSTRACTThis paper explores the connections between Cesar Vallejo and Ramon Maria del Valle-Inclan (1866-1936), Spanish novelist, playwright and poet. So far, we have seen that Vallejo was inspired by one of the verses of Valle-Inclan for the title of his novel, Fabla salvaje (‘Wild Fabla’, 1923); however, the connection between these two writers is even deeper. Based on the use of the esperpento ‘grotesque’, exposed in the work of Luces de bohemia (‘Lights of bohemia’) first published in 1920 and in final version in 1924, there will be a comparison with the theatrical texts of Vallejo, in particular with his work Entre las dos orillas corre el río (‘Between the Two Shores Run the River’), started in 1931, and several collections of treaties of theater’s value and function. Both authors represent esperpento, as a difficulty of evolving between generations, of transition between the past and the future. While in Valle-Inclan’s characters suffer physically to overcome the ethical plane, in Vallejo, the physical and ethical planes are not separated, but that deepens the complexity of existing in the time. Progress is limited by the physical conditions that register and draw all human experience in art and politics. Keywords: grotesque, distortion, physical body, theater, Valle-Inclan.

Conocer cómo los grupos terroristas adquieren, retienen, aplican y distribuyen conocimiento es un factor esencial para la aplicación de políticas públicas en seguridad. En el presente artículo se abordarán los procesos de aprendizaje de grupos terroristas e insurgentes a través de la discusión teórica de exponentes de los estudios de seguridad, a fin de ser comparados para ofrecer un marco que pueda satisfacer la realidad estratégica de varios de estos grupos. De igual forma, se realiza un estudio comparado de diferentes teatros de operaciones para evidenciar las características de las curvas de aprendizaje de grupos terroristas desde Daesh, hasta ETA y el IRA. El esfuerzo académico consignado en el presente artículo puede dar luces sobre cómo negar ventajas estratégicas a grupos terroristas e insurgentes mediante la aplicación de políticas públicas que tengan en cuenta tanto sus procesos de aprendizaje como su espectro estratégico.

Penelitian ini bertujuan: (1) mengungkap proses penciptaan seni Pertunjukan “BAH” oleh Teater Tunas PBSI Universitas Palangka Raya;(2) mengungkap tanda yang berkaitan dengan aktivitas aktor pertunjukan “BAH” oleh Teater Tunas PBSI Universitas Palangka Raya;(3)mengungkap tanda yang berkaitan dengan penampilan aktor pertunjukan “BAH” oleh Teater Tunas PBSI Universitas Palangka Raya; dan (4) mengungkap tanda yang berkaitan dengan aspek ruang padapertunjukan “BAH” oleh Teater Tunas PBSI Universitas Palangka Raya; dan (5) mengungkap tanda yang berkaitan dengan akustik non-verbal. Teori yang digunakan dalam penelitian ini adalah teori semiotik pertunjukan.Teknik pengumpulan data dalam penelitian ini menggunakan: (1) teknik perekaman, baik audio maupun audiovisual, (2) pencatatan, (3) wawancara yang mendalam, (4) studi kepustakaan dan analisis dokumentasi. Sumber data utama yang dianalisis adalah tuturan aktor dan sistem tanda dalam Pertunjukan “BAH” oleh Teater Tunas PBSI Universitas Palangka Raya. Temuan Penelitian: (1) terungkap kalau proses penciptaan seni Pertunjukan “BAH” oleh Teater Tunas PBSI Universitas Palangka Raya dimulai dari memilih naskah, menelaah/membedah naskah drama, membaca naskah drama, membagi peran, latihan pemeranan, penentuan tata pentas, penentuan tata lampu, penentuan tata kostum, penentuan tata rias, dan pementasan drama. (2) Tanda yang berkaitan dengan aktivitas aktor adalah para pemain memerankan lakonnya masing-masing, mimiknya sudah sesuai, dan gerak tubuhnya juga sudah sesuai. (3) Tanda yang berkaitan dengan penampilan aktor secara umum sudah bagus. Mulai dari wajah, rambut, dan kostum sudah mewakili perannya masing-masing. (4) Tanda yang berkaitan dengan aspekruang sudah menarik, property panggung sudah sesuai dengan tuntutan naskah. Di tengah panggung terdapat kuburan keramat. Tata lampu panggung pun sudah menyinari pemain.(5) Tanda yang berkaitan dengan akustik non-verbal meliputi bunyi dan tata musik sudah bagus, seperti saat musik opening yang mampu membuat penonton terbawa dalam rasa mencekam dan menyeramkan. Saat adegan lucu pun musik yang dipilih dapat membuat penonton tertawa dan terhibur.

Riassunto: Quali edifici sono dedicati agli dei nel II secolo d.C.? Chi li pagava? Esiste una pre­dilezione per un particolare genere di edi­fici (funzionali, di recezione, sacri in senso stretto) a seconda che si tratti di interventi finanziati dall’imperatore o da una commit­tenza pubblica (i demi e i consigli locali), o che siano invece interventi privati? Questo articolo offre una rassegna delle principali tipologie di interventi edilizi e architettonici individuabili nel II secolo d.C. nei santuari del Peloponneso, esaminandoli in diacronia a seconda della loro funzione specifica (ter­me, teatri, edifici di assemblea) e mettendo in luce in che modo essi cambiarono la per­cezione e la vita quotidiana all’interno delle aree sacre.Abstract: Which buildings are dedicated to the gods in the 2nd century AD? Who paid for them? Is there a preference for a particu­lar kind of buildings (functional, recep­tion, sacred) depending on whether they are interventions financed by the emper­or or a public commission (the demi and local councils), or whether it is instead a private intervention? This article offers an overview of the main types of build­ing and architectural interventions that can be identified in the 2nd century AD. in the sanctuaries of the Peloponnesus, ex­amining them in diachrony according to their specific function (thermal buildings, theaters, assembly buildings) and high­lighting how they changed perception and daily life within the sacred areas.Parole chiave: Peloponneso, santuari, evergeti, impera­tori, dediche.Key words: Peloponnesus, sanctuaires, benefactors, imperators, dedications.

En una conversación entre teatralidad, cuerpo y política el punto de partida y el punto de regreso puede ser hablar de memoria. En el desarrollo de este escrito se presenta una investigación que se nutre tanto de las ciencias sociales como de las artes, cuyo sujeto de estudio tiene relación con el trabajo de la teatralidad contemporánea en torno a la acción política de los cuerpos productores en la escena. Esta investigación se fundamenta en la tríada de estudio «arte, cuerpo, política» y desde allí, han suscitado indagaciones sobre el papel del arte y particularmente del teatro en el contexto colombiano actual modificado y transformado por procesos de violencia y conflicto en el país. Los estudios del cuerpo como motivo de creación y acción artística, social y política generan un campo emergente para el análisis de distintos problemas contemporáneos que componen múltiples expresiones, manifestaciones e intervenciones; y hacen de ello una reflexión corporal teórico-práctica cotidiana. Asimismo, en el campo de las artes escénicas, estudiar el cuerpo podría ser de mil maneras resignificar el papel de la corporalidad, de concebir la acción artística y su función social y política. En el caso de Colombia, es a mediados del siglo pasado que grupos de teatro y colectivos artísticos, buscaron en algunos el reconocimiento del cuerpo, y en otros, la transformación de escenarios en conflicto que se presentaron en coyuntura de violencia política desde las corporalidades. Cuerpo: medio, instrumento y obra de diversos usos artísticos; manifestación y representación de dinámicas y múltiples realidades sociales y políticas. A partir de lo anterior, la investigación tiene relación con el trabajo de –la teatralidad- desde una perspectiva contemporánea e interdisciplinar, cuya mirada hacia el cuerpo se remite como obra, espacio y herramienta vital de creación. En este orden de ideas, el enfoque es presentar algunas luces de lo que fue la investigación de grado de manera teóricopráctica, exponer los acercamientos teóricos, metodológicos y reflexivos para dar a conocer el proceso llevado a cabo en los últimos tres años y reconocer la importancia sobre el lugar que ocupa el cuerpo en la teatralidad contemporánea colombiana, como práctica relevante para construir las narrativas en torno a lo político en el país y en nuestro contexto latinoamericano.

Penelitian bertujuan untuk mengeksplorasi estetika Hindu Nawarasa sebagai bagian dari karakter lokal Bali ke dalam desain interior kekinian di Bali. Estetika Hindu Nawarasa sebagai salah satu bagian dari taksu kesenian Bali, berhubungan juga dengan sembilan jenis situasi emosi (bhava) yang menimbulkan pengalaman estetis seseorang ketika berinteraksi dengan objek seni. Nawarasa terdiri dari Shringara (cinta), Hasya (lucu), Karuna (belas kasihan), Raudra (marah), Vira (semangat), Bhayanaka (takut), Bibhatsa (jijik/muak), Adbhuta (takjub) dan Shanta (damai). Kesembilan ‘rasa’ tersebut akan diinterpretasikan ke dalam ruang arsitektural dengan analogi dramaturgikal, direkontekstualisasikan dari teks asli Nawarasa, sebagai kitab seni teater klasik India. Objek kasus yang dipilih adalah Museum 3D Interactive Trick Art yang akan dieksplorasi interior ruang utamanya menjadi 9 yang merupakan penafsiran secara visual dari estetika Hindu Nawarasa.

Banyumas sebagai bagian dari kebudayaan Indonesia, merupakan daerah yang mempunyai kebudayaan yang kental, antik, dan unik. Banyumas lebih dikenal dengan bahasa ngapaknya, yang bagi sebagian orang terdengar lucu, dan apa adanya sesuai dengan ikon daerahnya yakni Bawor dengan senjatanya kudi. Banyumas juga tak bisa terlepas dari arus globalisasi dan social media. Pengaruh negatif yang terjadi di Banyumas adalah dengan mulai punahnya beberapa seni tradisional, yaitu Gondolio dari Desa Tambaknegara, Rawalo, Tari Buncis dari Desa Tanggeran, Kecamatan Somagede, Dhalang Jemblung Sumpiuh dan Tambak, Sintren dari Purwojati, Rengkong di Kutaliman, Kedungbanteng, Cepetan dari Desa Watu Agung Tambak, Rinding dari Gumelar, dan Baritan Desa Plana, Somagede. Di sisi lainnya minimnya fasilitas gedung kesenian juga jadi masalah tersendiri di Kabupaten Banyumas.Melihat hal itu, sangatlah dibutuhkan sebuah ruang untuk pelestarian dan pengembangan berbagai seni Banyumas. Ruang yang mampu mewadahi proses pertunjukan, regenerasi, dan pengembangan seni Banyumas. Sebuah Gedung Pertunjukan Seni (Teater) Banyumas, dengan karakter Arsitektur Post Modern- Neo Vernakular bisa dijadikan antitesa hal tersebut. Karena disatu sisi unsur-unsur local Banyumas musti terus dilestarikan dan dikembangkan dalam dunia arsitektur dan dalam segala bidang.

ResumenEn 1975 la Universidad Ricardo Palma publicó el libro Sublevaciones de Esclavos en el Perú, s. XVIII. Por primera vez en la historia nacional se revelaban sucesos ocultos e ignorados durante siglos. Tras 41 años, la suerte nos deparó un hallazgo extraordinario: el programa y el libreto de la representación coreográfica basada en dicho libro y realizada bajo la dirección de Rolando Campos y del poeta César Calvo. Precisamente, este documento es el núcleo delas anotaciones y comentarios para demostrar la historia del primer grito de la libertad e independencia protagonizado por los esclavos antes de la Revolución de Túpac Amaru II. La recreación artístico-musical, así como las reflexiones históricas que aporta este encuentro forman parte del Bicentenario en el Aula. Palabras claves: esclavitud, libertad, Perú Negro, independencia, Lorenzo Mombo, César Calvo. AbstractIn 1975, the Ricardo Palma University published my book Sublevaciones de Esclavos en el Perú s. XVIII. For the first time in national history, events that had been hidden and ignored for centuries were revealed. After 41 years, luck brought us an extraordinary discovery: the program and the booklet of the choreographic representation based on this book and made under the direction of Rolando Campos and the poet César Calvo. Precisely this document is the core of the annotations and comments to demonstrate the history of the first cry of Freedom and Independence starring the slaves before the Revolution ofTúpac Amaru II. The artistic - musical recreation, as well as the historical reflections that this meeting brings are part of the Bicentennial. Keywords: Slavery, freedom, Black Peru, independence, Lorenzo Mombo, César Calvo.

El acuerdo de paz de Utrecht y Rastatt-Baden (1713-14) dejó sin resolver muchas de las cuestiones en juego en la Guerra de Sucesión Española y también creó nuevos problemas. Estos, sobre todo el hecho de que Felipe V y su rival por el trono español, el archiduque Carlos («Carlos III») —desde 1711 emperador Carlos VI del Sacro Imperio Romano Germánico— no hubieran hecho las paces en 1713-14, amenazaban con volver a encender una guerra que podría implicar al resto de Europa. Los ministros británico y francés intentaron idear medidas para resolver estas diferencias. En 1717 las fuerzas de Felipe ocuparon la isla de Cerdeña y en 1718 invadieron la vecina Sicilia, lo que provocó la conclusión de la Cuádruple Alianza (agosto de 1718) para imponer una solución a España (y Saboya). La derrota inglesa de la flota española en Cabo Passaro en agosto de 1718 amenazó con convertirse en una guerra más general comparable a la Guerra de Sucesión española. Sin embargo, Felipe V no pudo encontrar aliados ni incitar a la revuelta en Gran Bretaña y Francia. El conflicto se limitó a unos pocos teatros y participantes y finalizó con la incorporación de Felipe V a la Cuádruple Alianza a principios de 1720. El episodio arroja importantes luces sobre las prioridades españolas, sobre el estado «fiscal-militar» y sobre el funcionamiento del sistema internacional en el secuelas de la Guerra de Sucesión española un período en el que las aspiraciones revanchistas de Felipe V se encontraban entre las más graves amenazas a la paz en Europa. La experiencia sugiere que no debemos desdeñar demasiado los enfoques más tradicionales de la historia diplomática.

En este breve ensayo abordamos una de las principales contribuciones artísticas de Valle-Inclán a la dramaturgia: la creación del esperpento como forma de representación de una realidad (mímesis), España, que en los años 20 caminaba, tras el desastre del 98, hacia la Guerra Civil, fruto de una apariencia fatua, de un aislamiento ideológico con relación a Europa y sin más referencias que la corrupción administrativa y las fatuas e inanes diatribas de los intelectuales. La propuesta de Valle pasa por definir la realidad como la grotesca imagen que proyectan los espejos cóncavos del Callejón del Gato, imagen que no es la deformada, sino la real, calificando como deformada la apariencia habitual de las cosas, la tradición, el casticismo rancio. Esta deformación de la civilización europea que representa España se repasa a través del periplo que Max Estrella y Don Latino realizan por las calles y los ambientes del Madrid nocturno, con su bohemia, sus prostitutas, los tugurios en los que borrachos y poetas modernistas coinciden, la cárcel, y hasta el despacho de un ministro. Figuras y personajes que transitan en la marginalidad y a los que el autor mimetiza como peleles, muñecos de trapo, marionetas de los guiñoles. Ese mismo Madrid al que aludía Manuel Machado en su madurez modernista. Aspectos ideológicos, formales y lingüísticos caracterizan este esperpento, propuesta de género teatral al pairo de las vanguardias literarias de la época. Hemos tenido presentes para la elaboración de este ensayo las más destacadas aportaciones sobre el tema, entre ellas: Cepeda Adán (1966), Zamora Vicente (1967), Amate Blanco (1978), Tusón; Lázaro (1980) o Blanco Aguinaga et al (2000).

World-renowned for having made a totally new kind of theatre, director-designer Robert Wilson first astonished international audiences in Paris in 1971 with Le Regard du sourd (Deafman Glance) and then with his twenty-four-hour Ouverture at the first edition of the Festival d’Automne in 1972. He also refers in this Conversation to Einstein on the Beach, premiered at the Avignon Festival in 1976, as another example among more of France offering him a home before he eventually founded the Watermill Center in 1992 on Long Island in the State of New York. Watermill, a laboratory for multidisciplinary creativity, opened its doors to the public in 2006 and is a focal point of the Conversation as a whole. Wilson’s immediately pre-Covid-pandemic production of The Messiah by Mozart was premiered at the Mozartwoche Salzburg in February 2020 and performed subsequently in Paris during a brief Covid ‘lull’ in September of that year. Discussion of this pivotal work leads to reflections on the opera productions that he had staged not so long before it, emphasizing the elements fundamental to his compositions – light, time, space, architecture, and silence. The Conversation, followed by audience questions addressed to Wilson, took place live online and on Facebook on 4 December 2020 as a prelude to the Festival Internacional Santiago a Mil in Chile, which opened on 3 January 2021. This was the Festival’s twenty-eighth year, but in a significantly restricted form due to Covid-19. A sequel to the Santiago interchange, also online but this time located in Paris, occurred on 17 September 2021. It resumes dialogue mainly on the Watermill Center’s broader cultural and social goals in the present and for the future, noting as well Wilson’s then current activities in Paris: a heavy schedule of four productions from the beginning of September to the end of December 2021, and a sound installation planned for 2022.Maria Shevtsova gratefully thanks the Fundación Teatro a Mil and its General Director Carmen Romero for their initiative in inviting Robert Wilson with her to converse publicly as part of the Festival a Mil, and for permission to edit the transcript for publication in New Theatre Quarterly. Thanks are due to interpreters Margit Schmohl and Jorge Ramirez, and to Maria Luisa Vergara for organizing the audience participation included below, as well as to Alfonso Arenas, former Coordinator of the Education and Communities Area at the Theatre Foundation a Mil. Warmest gratitude is extended to Robert Wilson for his generosity in all sorts of ways, and not least for finding the time to continue the Conversation in Paris. Thanks for their kind support to Nuria Moreno, Production at Teatro Real Madrid, Christof Belka, Executive Director of RW Work Ltd, Clifford Allen, Director of Archives of the Watermill Center, and Leesa Kelly and Noah Khoshbin, curators of the 2021 outdoor exhibition Minneapolis Protest Murals at the Crossroads Summer Festival held at the Watermill Center. The exhibition presented 190 public artworks from the 900 boards of the Minneapolis Protest Murals which were created organically in Minneapolis following the murder of George Floyd on 25 May 2020. Special thanks for their gift of images are given to photographers Lucie Jansch, Javier del Real, Kristian Kruuser and Kaupo Kikkas, Lovik Delger Ostenrik, and Martyna Szczesna. Kunsang Kelden and Maria Shevtsova transcribed this Conversation in two parts. Shevtsova, Editor of New Theatre Quarterly and author of Robert Wilson (Routledge, 2007; updated edition, 2019) edited and annotated the combined transcript for publication.

"Qual lugar?" Todos os lugares, distantes e próximos, grandes e pequenos, desenvolvidos ou em desenvolvimento, estão procurando as melhores soluções e práticas para atender às necessidades e ambições de seus stakeholders internos e externos. Place branding é uma abordagem que apoia os lugares nesses esforços, estrategicamente e de forma interativa. Como Kavaratzis e Florek (2021) afirmam, “no futuro próximo, a comunidade acadêmica global de gestão de marca de lugar precisará abordar uma série de desafios e questões que permanecem sem solução e sem resposta, com implicações tanto para a teoria quanto para a prática” (p. 28). Ao mesmo tempo, acadêmicos e profissionais precisam considerar as diferenças regionais e locais. As perspectivas, possibilidades e condições brasileiras não são exceção.Esta primeira edição avança na compreensão deste campo de conhecimento ilimitado, imperativo e interdisciplinar. Agradecemos à equipe editorial do Brazilian Journal of Marketing, a todos os autores e revisores que contribuíram para esta edição especial sobre gestão de marca de lugar (Apêndice I. Nota de Agradecimento).Contextualmente, de acordo com uma análise da literatura internacional das localizações geográficas encontradas nos artigos sobre place branding, entre 2014 e 2018, a Europa é a área dominante nos estudos, seguida pela Ásia e América do Norte que também têm atraído significativa atenção dos estudiosos (Lu et al. 2020). Na América do Sul, especificamente no Brasil, as publicações acadêmicas sobre marca de lugar (place brand), gestão de marketing de marca de lugar (place marketing) e gestão de marca de lugar (place branding) ainda são escassas. Daí a necessidade urgente de compreender adequadamente os fenômenos de gestão de marca de lugar e de difundir o seu conhecimento que muitas vezes é ultrapassado pela prática, causando todos os tipos de problemas e decepções. Sem uma base científica sólida, o place branding se tornará e continuará sendo apenas uma tática baseada em resposta.Portanto, nesta Edição Especial, gostaríamos de destacar o potencial das realizações científicas dos acadêmicos no Brasil e avançar na discussão entre pesquisadores e profissionais brasileiros. Conforme estudado por Artêncio, Mariutti e Giraldi (2020), um panorama temático de cunho acadêmico-científico averiguou os trabalhos apresentados nos principais congressos brasileiros de Administração: SemeAD, EnANPAD (Divisão de Marketing) e EMA nos últimos vinte anos (1999-2019). Com um total de 5.706 estudos, apenas 18 artigos abordam algumas questões relacionadas à gestão de marca de lugar ou gestão de marketing de marca de lugar, com foco principalmente em nível de país (14), e alguns em cidades (2) e regiões (2). Com base na análise dos títulos desses estudos, dos resumos e das palavras-chave identificadas nos anais dos congressos, apenas três trabalhos foram identificados como alinhado à uma designação conceitual de marketing de lugares, apresentados no SemeAD 2016 e no EMA 2018; e um trabalho de gestão de marca de lugar apresentado no EMA 2018. Notavelmente, os estudos são específicos para alguns aspectos da place brand (local de origem, identidade, imagem, reputação e cultura, para citar alguns).Diante desse retrato científico, conclusões apontadas podem ser complementadas.Em primeiro lugar, nas pesquisas realizadas no Brasil em nível nacional, os estudos de place branding certamente estão evoluindo. E precisam de tal inserção nacional, uma vez que a marca de lugar pode ser usada como um instrumento no planejamento espacial estratégico para apoiar uma mudança estrutural nos lugares por contribuir para a melhoria da estrutura econômica e social dos lugares e remodelar as respostas aos desafios contemporâneos enfrentados pelos lugares. Referente ao posicionamento de marca ou gestão da marca de um lugar, um espaço ou território não é um conceito absoluto, está sempre relativo a uma esfera de aplicação social-humana ou estrutura econômica-política, o qual se desenvolve potencialmente por meio de processos – possivelmente contestados – para produzir, manter e atribuir espaços com significado, reforça Warnaby (2018).Em segundo lugar, há a necessidade de desenvolvimento teórico e empírico dos conceitos de marca de lugar, gestão de marketing de marca de lugar, e gestão de marca de lugar, não apenas com base em estudos sobre cidades, estados e regiões brasileiras, mas também em outros lugares do país como aeroportos, aglomerados industriais, avenidas, parques, praias, praças, museus, teatros etc. Como a diversidade de locus é reconhecida em um país extenso como o Brasil, é fundamental fornecer perguntas de pesquisa sobre a espacialidade existente na literatura de marketing, como enfatizam Giovanardi e Lucarelli (2018), Oliveira (2015) e Warnaby (2018).Em terceiro lugar, o avanço ontológico e epistemológico das linhas de pesquisa em place branding é necessário para provocar reflexões e direcionamentos para o avanço teórico, particularmente nos grupos de pesquisa brasileiros. Como Govers (2021) afirma, “as agências de financiamento e governos que valorizam que a gestão de marca de lugar seja de importância estratégica, de longo prazo e crucial são, infelizmente, uma pequena minoria” (p.338). Com isso em mente, esperamos chamar a atenção de universidades, pesquisadores e gestores de políticas públicas brasileiras para a importância e relevância da gestão de marca de lugares. Afinal, “A marca de lugar tem sido usada para promover a reestruturação econômica, a inclusão e coesão social, o engajamento e a participação política, a identificação do lugar e o bem-estar geral dos cidadãos”, expõe Oliveira (2015, p.18).Os stakeholders per se, que são cocriadores no processo de gestão de marca de lugar (Kalandides, Kavaratzis, Boisen, 2012; Mariutti Giraldi, 2021) precisam estar envolvidos na gestão de locais públicos e/ou privados, estrategicamente alinhados com as atividades de gestão de marca de lugar para aumentar o valor de um lugar (Mariutti Giraldi, 2021). Traçar o escopo da pesquisa ao longo desse caminho estabelece conexões entre prática e teoria e oferece insights sobre os vindouros rumos para lugares peculiares, escondidos ou esquecidos no Brasil.Para abordar os contextos acima em conjunto com o cenário acadêmico brasileiro, compartilhamos que 27 trabalhos foram submetidos durante os seis meses de pandemia (fevereiro a agosto de 2021); eles foram cuidadosamente revisados e analisados. Além disso, os melhores estudos selecionados pelos líderes de tema de ‘Gestão de Marca de Lugar’ no Encontro de Marketing - EMA 2021 (por Fabiana Mariutti e Mihalis Kavaratzis) e no EnANPAD 2021 (por Fabiana Mariutti e João Freire) foram convidados para submissão no processo de avaliação regular pela Revista Brasileira de Marketing. Ambas os congressos são organizados pela ANPAD – Associação Nacional de Pós-Graduação e Pesquisa em Administração). Pela primeira vez no Brasil, uma trilha acadêmica de place branding aconteceu em congressos brasileiros. Portanto, com base nas avaliações dos revisores e na compreensão do domínio da linha de pesquisa, as decisões foram tomadas pelos editores convidados e editores-chefes da revista. Por fim, foram escolhidos nove manuscritos para publicação.Contribuições robustas emergiram desta coletânea pioneira. Os seguintes artigos sistematicamente escolhidos ilustram algumas arcabouços e insights para a pesquisa sobre gestão de marca de lugar ser concebivelmente aprimorada na literatura nacional.A edição começa com um artigo de Carniello e dos Santos que analisam o branding como estratégia de desenvolvimento territorial, discutindo a convergência entre o city branding e um plano diretor municipal no caso da cidade de São Paulo. Foi identificada uma convergência entre os pilares da marca e os conteúdos do plano diretor, especialmente a comunicação como elemento-chave para as proposições sociais e de gestão. Postula-se, assim, uma perspectiva estratégica de place branding com uma abordagem qualitativa, com design documental.O artigo subsequente, de Kamlot e Santos Vieira de Jesus, discute o cerne do processo de branding, principalmente, a identidade da marca de cidade. O artigo contribui para a exploração das dimensões físicas e simbólicas da identidade da marca do Rio de Janeiro e para a interpretação detalhada do RJ, considerando a evolução recente da cidade. Adota o método qualitativo para análise documental, o conjunto de dados foi combinado por artigos de pesquisa, e-mails, boletins, relatórios de empresas e governos, artigos de jornais etc. Este estudo fornece indicações importantes sobre como delinear políticas públicas a partir da compreensão da identidade de uma cidade.O próximo artigo analisa os sentimentos que acompanham o conteúdo gerado pelos usuários no Instagram, expressos em hashtags vinculadas à marca da cidade de Pernambuco (capital de Recife). Resultados dessa pesquisa mista (qualitativa e quantitativa) de Lima, Pessanha, Araújo, Alves e Cesário sugerem que estudos utilizando análise de sentimento de conteúdo de usuários em redes sociais podem ser utilizados por gestores públicos para entender o comportamento dos moradores, turistas e potenciais visitantes por meio da pesquisa-ação, preparando e adaptando melhor a cidade.Beck e Ferasso, por sua vez, analisam o reflexo da identidade da marca, ou seja, a imagem das cidades. Neste estudo, uma revisão sistemática da literatura foi utilizada para analisar o conteúdo da literatura sobre imagem urbana no contexto do Mercado Comum do Sul (MERCOSUL). O trabalho demonstra que a gestão da imagem urbana mostra como as cidades podem superar as disparidades socioeconômicas, com a implementação de um projeto eficiente de imagem urbana a fim de promover desenvolvimento urbano bem-sucedido.Monte, Pompeu e Holanda descrevem uma interessante abordagem qualitativa temática-exploratória de um lugar esquecido – museu corporativo – como um espaço empresarial e cultural que influencia a imagem de um lugar. Os autores acreditam que os museus corporativos são um importante ativo cultural na promoção da marca do lugar e ainda, que esses museus pertencem não apenas à empresa, mas também à cidade, região e país onde está localizado, atraindo turistas e investidores, fomentando um sentimento de pertencimento entre os moradores. O estudo, que foi apresentado no Place Branding Track no EMA 2021, propõe um modelo explicativo e teórico de como uma marca de lugar (cidade, região ou país) pode ser potencializada por meio de um museu corporativo.Outro ponto de vista empresarial foi adotado por Munaier, Rocha e Portes ao investigarem o impacto da localização da sede comercial de um prestador de serviços em educação física perante a confiança da marca dos clientes. A teoria da troca social e a confiança na marca foram fundamentos teóricos para as hipóteses deste estudo quantitativo usando técnicas estatísticas multivariadas. Ao perceber que a localização da sede influencia a confiança da marca dos clientes, os autores sugerem que a escolha de um local é um processo complexo que as empresas devem gerenciar com cuidado; ao mesmo tempo, os lugares podem usar essas relações para fins de branding.As questões de mensuração do processo de gestão de marca de lugar são discutidas por Cunha, Luce e Rovedder; eles desenvolveram e testaram a medida de valor da marca local baseada em stakeholders (SBPBE) do Vale dos Vinhedos, na região Sul do Brasil. Com base nos resultados dessa pesquisa quantitativa a partir dos perfis dos entrevistados, os autores demonstram que quanto mais movimentos e atividades das pessoas em um local, mais positiva tende a ser sua avaliação do valor da marca do lugar. Os resultados desta pesquisa, apresentada no Place Branding Track no EnANPAD 2021, sustentam uma proposta de mensuração para avaliar esses múltiplos stakeholders sobre o posicionamento da marca com base em dados comportamentais.Os dois últimos artigos indicam as recomendações de estudos e as direções para desenvolvimentos futuros no domínio da pesquisa sobre gestão de marca de lugar.Com base em uma revisão sistemática da literatura, Campos, Galina e Giraldi estabelecem as diretrizes para futuras estudos interdisciplinares sobre soft power, analisando seu alinhamento teórico-prático com indústrias criativas e gestão de marca de lugar. Após a adoção da análise de conteúdo com abordagem teóricas, foram identificadas seis áreas relevantes com breve descrição e referências oblíquas nessa investigação pujante: psicossociologia, mobilidade laboral, planejamento urbano, diplomacia artística, gastrodiplomacia e indicações geográficas. Demonstra-se como o soft power e o place branding revelam uma relação explícita entre si: teoricamente, estrategicamente e politicamente.Ocke e Platt apresentam uma agenda de pesquisa convidativa, fornecendo alguns apontamentos para acadêmicos, profissionais de branding e profissionais de marketing que ocorrem no escopo da gestado de marca – identidade, imagem e reputação de um lugar. Ao adotar material bibliográfico, sob uma visão geral do nation branding com suas orientações econômicas, políticas e cultural-críticas, em que propostas significantes para o Brasil são sugeridas para a gestão eficaz das marcas de lugares, incluindo: (i) nomeação de um órgão formal para coordenar as ações e atores reconhecendo o papel dos stakeholders nas etapas de tomada de decisão; (ii) cooperação entre governadores e líderes para alcançar objetivos comuns sob um programa único de marca guarda-chuva que beneficia diferentes setores da economia; (iii) a conquista de oportunidades de mercado por meio de ativos identitários competitivos, como a orientação da marca green place; e (iv) aplicação de métodos integrados para mensurar e avaliar os resultados dos esforços de place branding.Com esta Edição Especial, intitulada “Qual lugar? Os Caminhos Futuros do Place Branding”, esperamos incentivar ações e estimular um debate sobre como a gestão de marca de lugar pode efetivamente melhorar os lugares brasileiros e como o conhecimento oferecido pela comunidade acadêmica pode preparar qualquer tipo de lugar para os próximos desafios. “O que vem depois?” Considerando o papel promissor da gestão de marca de lugar no Brasil, nossas recomendações para estudos futuros destacam temas relacionados com o atual status quo atual do país, ao momento pós-pandemia, a reintegração humana aos lugares a, ainda, questões de sustentabilidade. Estudos sobre a gestão de marca de lugar requer estudos interdisciplinares adicionais, integração de disciplinas, grupos de pesquisa de parcerias internacionais, intercâmbios profissionais, iniciativas público-privadas, mapeamento de clusters, análises em geomarketing e métodos mais sofisticados para avaliação crítica acompanhados de problemas de pesquisa instigantes bem estabelecidos.Apêndice INota de AgradecimentoNós apreciamos o apoio inesgotável do Editor-Chefe Prof. Dr. Julio Carneiro da Cunha.Somos gratos aos seguintes revisores, que contribuíram de forma organizada para nossa edição especial:Dr. Antônio Azevedo - Universidade do Minho, PortugalDra. Beatriz Casais - Universidade do Minho, PortugalDra. Caroline Finocchio - Universidade Federal do Mato Grosso do Sul, BrazilDra. Cecilia Pasquinelli - Università degli Studi di Napoli Parthenope, ItalyPh.D. Candidate: Donizete Ferreira Beck - Universidade Nove de Julho, SP, BrazilDr. Eduardo de Paula e Silva Chaves - Universidade de São Paulo Instituto Federal de São Paulo, BrazilDra. Fernanda Scussel - Universidade de Santa Catarina, BrazilDr. Glauber Eduardo de Oliveira Santos - Universidade de São Paulo, BrazilDr. João Ricardo Freire - Universidade NOVA de Lisboa Universidade Europeia, PortugalDr. Julio Araújo Carneiro da Cunha - Universidade Nove de Julho, SP, BrazilDra. Marina Lourenção - Universidade de São Paulo, BrazilPh.D. Candidate: Mateus Artêncio - Universidade de São Paulo, BrazilDra. Mariana Sutter - Toulouse Business School, FranceDr. Marco Ocke - Universidade Federal de Santa Catarina, SC, BrazilDr. Mihalis Kavaratzis - University of Leicester, EnglandDra. Mirna de Lima Medeiros - Universidade Estadual de Ponta Grossa, PR, BrazilDra. Monica Franchi Carniello - Universidade de Taubaté, SP, BrazilDr. Rafael Barreiros Porto - Universidade de Brasília, D.F., BrasilDr. Ricardo Limongi - Universidade Federal de Goiás, GO, BrasilDr. Robert Bowen - Swansea University, Wales, United KingdomDr. Roberto Flores Falcão - Centro Universitário FECAP, SP, BrasilPh.D. Candidate: Sergio Czajkowski - UNICuritiba, PR, BrasilDra. Suzane Strehlau - Escola Superior de Propaganda e Marketing, SP, BrasilDra. Thaysa Nascimento - Universidade Federal do Rio de Janeiro, RJ, BrasilDra. Virginia Castro - Universidade Federal da Integração Latino-Americana, PR, BrazilDra. Vivian Iara Strehlau - Escola Superior de Propaganda e Marketing, SP, BrasilDr. Wesley Moreira Pinheiro - Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, SP, Brasil

Il mio contributo partecipa alla mappatura delle pratiche performative italiane. Riprendendo quanto introdotto da Auslander con Liveness nel 1999, alla luce di recenti riflessioni e di sperimentazioni artistiche e mediali in contesti offline e online, il saggio esplora il lavoro di Quiet Ensemble, factory crossmediale composta dagli artisti-performers Fabio Di Salvo e Bernardo Vercelli. Le loro performance consentono di introdurre maggiori gradi di complessità al concetto di liveness. Il duo opera dal 2009 al confine tra arte, video, teatro e musica digitale, presentando spettacoli e installazioni fortemente tecnologiche, realizzate con l’utilizzo di elementi del mondo naturale (luce solare, topi, api, pesci, ecc.) che sono proposti dal vivo, in un percorso predeterminato, e che con il loro movimento realizzano essi stessi l’opera in modo aleatorio, nel quadro che la tecnologia digitale preparata da Quiet Ensemble mette loro a disposizione. Gli artisti-performer interagiscono in scena con la situazione che si viene a creare grazie alla presenza di questi insoliti protagonisti.

Come molti personaggi mitici del mondo antico, quello di Fedra è accompagnato dal pregiudizio comune che la associa alla figura di donna perversa e divorata da una passione incestuosa. L’articolo discute la tenuta di tale preconcetto negli allestimenti teatrali italiani degli ultimi quarant’anni, a partire dalla riproposta del personaggio nello spettacolo diretto da Luca Ronconi, che lo riporta all’attenzione del teatro di regia contemporaneo. Di qui una serie di versioni a partire dalle principali riscritture del mito (Racine, D’Annunzio, Kane, ma anche il recupero di Seneca e di Euripide) che ne mettono in luce aspetti inediti e ne rivelano i risvolti attuali.

L’articolo propone una serie di note di approfondimento relative ad alcuni luoghi o aspetti problematici del Parlamento di Ruzante, cercando di metterne in luce volta per volta la complessità storico-letteraria e culturale. Keywords: Ruzante, Parlamento, teatro dialettale, intertestualità, realismo

Il contributo affronta il tema dello sperimentalismo nel teatro di Luigi Groto, e si sofferma, in particolare, sul personaggio del satiro, semidio caratterizzato nelle pastorali dall’impulsività degli istinti sessuali, dall’indole violenta e da una comicità grottesca, dai risvolti talora tragici. Si vedrà come, nelle due favole pastorali La Calisto (1583) e Il pentimento amoroso (1576), benché assente dall’elenco dei personaggi, la maschera del satiro sia ravvisabile dietro quelle di Febo e del pastore Ergasto, mettendo in luce i rapporti con la tradizione del genere (La Mirzia di Marc’Antonio Epicuro, Il Sacrificio di Agostino Beccari, L’Aminta di Torquato Tasso). Keywords: Luigi Groto, La Calisto, Il pentimento amoroso, favola pastorale, satiro

In questo articolo la parola “crisi” viene posta come crisi della parola. L’angolo di osservazione di tale crisi è quello del Teatro. A partire dai fondamenti ontologici del Teatro abbiamo intrapreso un viaggio, in senso antropologico, che intende evidenziare tracce di Teatro nella vita quotidiana e nelle discipline che hanno come oggetto di studio la persona. Nel momento storico di rivoluzione biotecnologica e telematica e di “emergenza educativa”, la nostra proposta intende ri-valutare la qualità pedagogica del Teatro. Un Teatro ripensato, dunque, sia da un punto di vista rappresentazionale che pedagogico. Da questa seconda riflessione ne viene la proposta di un Teatro risolto totalmente in quella che abbiamo definito Antropologia della Relazione. Un’Antropologia di confine con solide basi scientifiche, umanistiche e umanizzanti. Alla luce poi delle nuove, sofisticate, possibilità mass mediatiche abbiamo avanzato la nostra proposta di Teatro Personalista. La domanda che ci siamo posti e a cui abbiamo tentato di rispondere è se sia possibile sanare e come, nel nostro tempo, la rottura tra Etica e Morale. La difficoltà maggiore che abbiamo incontrato nel dimostrare la nostra tesi è stata di ordine pregiudiziale: il Teatro, l’attore, continuano ad essere compresi nel luogo della finzione. Definendo quello teatrale luogo della non-non verità siamo certi di aver aperto la strada per una rinnovata comprensione di quel fenomeno umano che l’ambiguità della parola Teatro non risolve ma che ostinatamente continuiamo a pensare e comprendere nella sua assoluta serietà. ---------- The word “crisis” in this article is set as word’s crisis. Theatre is the viewing angle of such crisis. We have undertaken a trip, in an anthropological sense, from the Theatre ontological rudiments; the journey aims to emphasize everyday’s Theatre life guidelines and all of those disciplines that have as goal the person’s study. In the historical moment of biotechnology and telematics’ revolution and “educational emergency”, our proposal intends to re-evaluate the educational quality of Theatre. A re-thought Theatre: in a pedagogical point of view together with a representational point of view. And it is by proceeding from this second reflection that comes out a project of a Theatre that finds its total solution in what we have called Relation’s Anthropology. A borderline anthropology with solid scientific, humanistic and humanizing foundations. Furthermore, we have advanced a proposal on a personalistic Theatre: this idea comes from what we can, in our days, find across the highly developed mass-media opportunities. The question we made ourselves and which we tried to answer is whether we can rectify and how, in this moment, the rupture between ethics and morals. The greatest difficulty we encountered in trying our thesis was of preliminary nature: the Theatre, the actor, continue to be considered only fiction. By defining the Theatre a place of non-non truth, we are now confident to have paved the way for a renewed understanding of that human phenomenon in which the ambiguity of the word Theatre doesn’t solve, but in which we obstinately continue to think and understand in its absolute seriousness.

El Teatro Regional Bío-Bío fue inaugurado recientemente en la ciudad de Concepción, Chile. Situado en la orilla del río, es un edificio rectangular, con un piso oblongo y rodeado por una membrana perimetral, que se ilumina revelando una rejilla espacial de hormigón armado. Un esqueleto desnudo que se propaga y proyecta geométricamente en todas las direcciones de la sala central del teatro y a través de una red de luces en el suelo del atrio público que lo precede. A través de una lectura compleja, se revela una serie de imágenes conceptuales que apoyan el modelo experimental de teatro y, en última instancia, su arquitectura y lenguaje.

Este artículo presenta, en primer lugar, el proceso de trabajo para la construcción de la Biblioteca Electrónica Textual del Teatro en Español (1868-1936) del Grupo de Humanidades y Edición Digital (GHEDI). Dentro de las decisiones y labores realizadas hasta la fecha encontramos: la elección de los autores, el proceso de trabajo de las obras que se han editado con lenguaje de marcado XML-TEI, la construcción de metadatos y la utilización posterior de grafos para el análisis de las piezas dramáticas. En segundo lugar, encontramos una reflexión sobre el valor del uso de los grafos y el alcance de los metadatos empleados, a partir del estudio de los grafos elaborados sobre dos obras: Electra de Benito Pérez Galdós y Luces de bohemia de Valle-Inclán.

En los distintos estudios sobre historia de la danza en Argentina, el ballet italiano Excelsior ha sido escasamente desarrollado. Hasta el momento no hay publicaciones que hayan estudiado con mayor detenimiento ni la escenificación de Excelsior en Argentina en 1883 ni tampoco las versiones siguientes. Este primer acercamiento tiene dos objetivos iniciales: dar cuenta de la versión modelo del ballet, estrenada en el Teatro alla Scala de Milán en 1881, a partir del análisis de documentos como así también de las últimas investigaciones académicas disponibles, y utilizar Excelsior como punto de partida para abordar el análisis de un período histórico de la Argentina: 1880-1916.

Gaetano Donizetti's versatile production unfolded over three decades (1818–43) and was staged in the foremost Italian and European theatres. In this article I question his self-borrowing as a chiefly economic practice, offering novel keys to reading his re-use of existing materials. In the introductory section, I offer a preliminary discussion of the coeval discourse on Donizetti's self-imitation as it surfaces in the press, which appears to follow in the footsteps of that on Rossini's. I then look at his self-borrowings across genres, dwelling on the ways in which he re-functionalized earlier serious passages within comic frames, almost inevitably to achieve a parodic effect. After discussing the links between parody and diegetic music – one of his favourite contexts for employing older materials – I turn to Donizetti's serious production, advancing the hypothesis that his recourse to self-borrowing could take on semantic connotations. In so doing, in the second part of the article I focus on selected case studies grouped into three thematic areas, which – similarly to, and occasionally in connection with diegetic music – all involve the suspension of a character's habitual idioms: deception, rituals and madness. The article includes extended examples from the composer's Linda di Chamounix (Vienna, Kärntnertortheater, 1842), Sancia di Castiglia (Naples, Teatro San Carlo, 1832), Il paria (Naples, Teatro San Carlo, 1829), Marino Faliero (Paris, Théâtre-Italien, 1835), Enrico di Borgogna (Venice, Teatro San Luca, 1818), and Anna Bolena (Milan, Teatro Carcano, 1830). My ultimate concern is to demonstrate that Donizetti's use of self-borrowing could perform a dramatic function, deliberately connoting the altered modes of expression of the characters to which the earlier piece is associated.

Throughout its history, photography has always been in balance between opposite conventions, the technical conventions and the artistic ones, and photographic portrait has been mostly conditioned by these features. On this ground, however, and on the fair balance between these features, photography has founded its development and its quality. Photographic studios were opened in Milan from 1839 and the urban and cultural environment, all scientific and artistic circles, were interested in their activities. Photographers worked in the field of portraiture for aristocracy and middle classes but also for theaters, above all Teatro alla Scala, and for the most important actors and actresses of the period. This essay focuses on some important Milanese photographic studios devoted to portraying stage actors and to theatrical perfomances and scenographies – also in the first film studios – such as Varischi & Artico, Emilio Sommariva, Gigi Bassani, Mario Castagneri, Leopoldo Metlicovitz, Luca Comerio.

La recepción de la Biblia en América Latina y el Caribe tiene tradición. Si la Biblia fue un mecanismo de liberación o de dominación dependió, como sucede hoy día, de los intereses hermenéuticos de sus intérpretes. Fuera del continente se conoce más la lectura política de la Biblia entre los años 60 y 80 del siglo XX; pero la realidad secular anterior alcanza una trayectoria contínua y consistente. Desde el inicio del (des)encuentro de estas dos culturas, las de los indígenas y los conquistadores (1492), hasta los preludios del Concilio Vaticano II (1962), la Biblia tuvo un rol esencial en la evangelización del continente.Este proceso, para algunos estudios, fue un enorme movimiento de opresión y exterminio de los pueblos indígenas; para otras investigaciones hubo abusos evidentes, encomiendas y esclavitud, pero también luces y aportes como el camino de la inculturación, posibilidades para el desarrollo de América Latina y el Caribe gracias al contacto con Europa; además, si hoy se vive el cristianismo en la región es gracias a la recepción de la fe por los pueblos primeros; tampoco faltan pesquisas para visualizar el proceso de evangelización como una misión espiritual generosa y pacífica, en la cual los pueblos indígenas asumieron, sin mayores dificultades, la fe cristiana.La revisión de este periplo descubre, en medio de avatares, discusiones, injusticias, conversiones y apuestas nuevas, una época bíblica con notables experiencias formativas, de entrada, los gestos y los intérpretes, luego los catecismos y sermonarios, el paso por el teatro y los rudimentos de propuestas escolares, los esfuerzos de biblistas, traductores, y pastoralistas, que abrieron camino a la Biblia como clave de lectura de esta realidad, hasta llegar a las publicaciones académicas y de divulgación, proyectos sociales centrados en la evangelización, la alfabetización y la promoción de comunidades, como frutos maduros del siglo XX, en los albores del Vaticano II.

El arte y la investigación se constituyen, desde sus lugares propios de enunciación y posicionamiento, como parte de la diferencia y la diversidad de maneras en que el mundo puede ser conocido, explorado, mediado, representando, desde tales campos de construcción de sentidos. Toda investigación es un proceso de interpretación y representación de los datos recogidos. Este proceso es muy similar para las artes, con variables comunes que se entrecruzan o que finalmente configuran un estado líquido de desbordes y transbordes de áreas, disciplinas y métodos; de flujos entre el arte, la investigación y las prácticas colectivas.Dentro de los intereses e intenciones de mi trabajo artístico, están el generar producciones que incidan más allá del espacio institucional como la galería o el museo. He participado en esos espacios, pero me interesa trascender dichas instancias de exhibición y circulación artística para incidir en la esfera pública y en un espacio social y relacional. Me interesa la generación y valoración de procesos y productos culturales, la construcción de sentidos no solo desde una individualidad (autor) o un campo (artístico). En estas líneas, he desarrollado algunos proyectos: Textículos Revueltos, una serie publicada en el diario Extra (2002); Lo Bueno, Lo Bello, Lo Verdadero, que se realizó en veinte casas al sur de Quito (2005); Nuestra Patrona de la Cantera, con trabajadoras sexuales (2008); Cartografía Cuarta, con personas no videntes (2009); Bloque 89 (proyecto grupal), en una zona de invasiones al sur de Quito (2012).En mis proyectos no pretendo convertir a la gente en «artista», no se trata de eso; hablo más allá del arte como un modelo, un régimen o un estatus. Hablo de las creatividades y las expresiones culturales, intelectuales, sensibles y simbólicas la sociedad. Además, mi producción tiene una condición inter y trans, pues no me asumo como un artista solo dentro de un determinado sistema de producción y circulación de arte; me asumo desde el lugar del tránsito, la transición, la desconstrucción, los intersticios, y desde el lugar del cuestionamiento y la provocación. Tampoco me asumo desde la antropología, la sociología o el desarrollo social, o desde un lugar solamente político. Todos estos campos y metodologías pueden estar presentes en mi obra, pero actualmente el lugar con el que más me identifico, sobre el cual opero y me respresenta como creador y productor es el arte. Propongo mis obras como prácticas conceptuales, artísticas y estéticas, pero muchas de ellas trascienden la producción autoral de imágenes, objetos y acciones. Para mí es importante el proceso de generar diálogos, intercambios y relaciones con otras personas; me interesa que mi obra se transforme, que sea como un código abierto, que pueda cambiar según la participación de los otros.El proyecto Nuestra Patrona de la Cantera se realizó en Quito con un grupo de trabajadoras sexuales, un sector minoritario y vulnerable, tradicionalmente marginado, no solo por su estatus social y su actividad laboral, sino también por prejuicios biopolíticos y socioculturales asociados con sexualidad, moralidad, religiosidad y legalidad. Fue una propuesta que presenté el 2008, en el VI Encuentro Internacional de Arte Urbano «al zur-ich». Consistió en crear la representación de una Virgen de las trabajadoras sexuales. Surgió de la idea de poner en diálogo dos condiciones y temas opuestos: la virginidad y el trabajo sexual, y pensar en la posibilidad de producir una imagen que contuviera los dos componentes más allá de la paradoja. No me interesaba hacer la imagen en mi estudio, sino invitar a trabajadoras sexuales a que participaran en la generación de esta representación y fueran sus autoras.Antes, realicé un trabajo de investigación de campo, ubicando lugares de trabajo sexual femenino en la zona de la Cantera (San Roque). Existen ahí cuatro casas de citas en las que trabajan aproximadamente 120 mujeres. La casa en donde se realizó este proyecto es El Danubio Azul, administrado por Italia Vaca, ex trabajadora sexual, activista por los derechos humanos, especial mente de mujeres en situaciones de abuso y marginación. Italia Vaca es la madama de El Danubio Azul en las tardes, y en las mañanas trabaja en su pequeña oficina cerca del Teatro Bolívar como presidenta de la Asociación Pro Defensa de la Mujer (ASPRODEMU), que cuenta con asesoría legal para mujeres que requieran de apoyo, defensa e información. Cabe recalcar que El Danubio es regentado y administrado totalmente por mujeres, no existe ahí la figura del chulo o extorsionador, y es parte de las políticas de la casa el incluir, acoger y apoyar a trabajadoras sexuales abusadas y explotadas.La primera vez que llegué a El Danubio Azul era mediodía. Me revisó la guardiana de la puerta, las luces estaban encendidas, había música, los clientes tomaban cerveza y las chicas circulaban con poca ropa. Italia Vaca cobraba tras la barra; me acerqué para hablarle del proyecto y me citó al día siguiente en su oficina. Le presenté la propuesta y aceptó que hablara con las chicas para explicarles la idea. Cuando volví a El Danubio Azul ellas estaban trabajando y acudieron al llamado de Samantha, la guardiana. Se acercaron cerca de veinte, y en el instante en que tuve que contarles del proyecto, se diluyeron el sustento teórico y el marco conceptual; solo podía decir unas palabras con claridad y contundencia para que se interesaran: «Soy un artista y vengo a regalarles un cuadro, una obra artística, pero quisiera que ustedes participen en la construcción de esa obra…». Les sinteticé el proyecto, lo de hacer una virgen con ellas; les dije que no quería nada a cambio, solo que aportasen voluntariamente con su presencia, ideas y participación. De 25 que trabajan habitualmente en El Danubio, 16 se interesaron por la propuesta; sus edades oscilaban entre los 18 y 50 años. El proceso de trabajo de campo fue de tres meses, otro mes de producción de la imagen, y un mes más para la producción de los impresos y organizar la procesión e inauguración.Me interesaba la creación de esta imagen para deconstruir las nociones de pureza y virginidad como una categoría de divinidad. Además, si estas son categorías de valor y valoración social, ¿por qué no podría haber también una virgen de las trabajadoras sexuales? Una imagen social, simbólica y política, sobre la condición diversa de las mujeres y las feminidades, y sobre la variedad de trabajos. Me interesaba deconstruir los imaginarios de pureza, moralidad y legalidad, y la articulación de estructuras y valores absolutos asociados con los mismos. También, la generación de cánones y símbolos a seguir, valorar y mantener. En algún momento de la historia, de las historias, alguien inventó las imágenes religiosas, su iconografía, y la gente las asume con fe, las hace suyas, les rezan… Yo quería invertir el proceso: empezar por un sector social para que proponga y cree una imagen, para que se pueda sentir identificado y, así, trastocar la metodología y el mecanismo de construcción de valores, representaciones e iconografías.Diseñé una metodología de reflexión y diálogo conjuntos para la construcción de la imagen de la Patrona; también dinámicas de expresión y trabajo creativo, en las cuales todas tenían voz y voto en las propuestas conceptuales, discursivas, gráficas y estéticas elaboradas colectivamente. La dinámica y estrategia de generación de la imagen iconográfica, en su fase inicial, consistió en la elaboración de un identikit-boceto sobre la base de las ideas sobre por qué y cómo debía ser y verse esta representación femenina. La plegaria que acompaña a la imagen también fue una producción conjunta, creada desde sus realidades, imaginarios e intereses.Me apoyé en representaciones visuales religiosas. Llevé imágenes de diferentes vírgenes, también incluí la figura de María Magdalena. Discutíamos qué representaban esas iconografías y su estética. En todo el proceso de campo previo al taller, basado en charlas personales y entrevistas, pude acercarme a sus realidades, muy duras y conmovedoras la mayoría; me contaron historias de maltrato y abusos de todo tipo desde niñas. Tras esto detecté que muchas de ellas tenían baja autoestima. Para traba jar sobre dicho tema, elaboré una metodología: pedí a cada una que me dijera tres de sus atributos físicos, y explicara por qué los mencionaba; y asimismo tres atributos de su corazón, en un ejercicio de autorrepresentación, para destacar sus valores y su belleza. La siguiente fase del proyecto fue crear el identikit de la Patrona, con los atributos que ellas proponían. Votaban por facciones y cualidades, y hasta quisieron que tuviera sus rasgos. Decidieron que su Patrona llevase una mano en el corazón y la otra sujetara una balanza, donde pesa más un niño acostado en un moisés (símbolo de sus hijos y su familia) que un cofre en el otro extremo, con joyas, dinero, perfumes… La túnica de la Patrona es blanca, pero ajustada y sensual. Además, querían que estuviese en la Cantera, con los pies desnudos y en la tierra; que fuera más real que etérea, como ellas. También decidieron cambiar la denominación de Virgen por la de Patrona, ya que se sentían más identificadas y empoderadas con ese nombre. Cuando construimos la oración, se pensó en qué le piden y qué le agradecen a la Patrona. Una de las frases más emotivas fue: «Danos fuerza, valor y coraje para seguir adelante, y darle consuelo a los más desprotegidos». No solo piden para ellas, sino para otros necesitados.Cuando llegamos a la imagen definitiva, pedí al artista David Santillán que la pintara, sobre un bloque de piedra de la misma Cantera. Finalizada la obra, la fotografiamos para hacer afiches y estampitas. La imagen se localizó en un lugar específico, que ellas mismas escogieron: «Esta imagen nació de ustedes y debe volver a ustedes», les dije. Y decidieron ubicarla a la entrada de El Danubio Azul. Por mi parte, quería que se des-localizara, pues es también una propuesta de inserción del arte en la esfera pública. Puse los afiches en diferentes lugares de trabajo sexual femenino, repartí en ellos las estampitas y también a las trabajadoras sexuales de la calle. Cuando la pintura estuvo lista, hicimos una procesión desde el estudio de Santillán, en el centro de Quito, hasta la Cantera. Nos acompañaban amigos, las trabajadoras que participaron en el proyecto y otras de la zona, artistas, poetas, estudiantes, y se sumaba gente que estaba en la calle, pues pensaba que era una procesión religiosa. Las chicas inventaron canciones e iban lanzando pétalos de rosas. Cuando llegamos al lugar del emplazamiento en El Danubio Azul, todas las participantes firmaron detrás del bloque, como autoras, y colocamos la imagen en una gruta hecha especialmente para ella. Luego celebramos la llegada de Nuestra Patrona con una fiesta al interior de El Danubio, con las chicas de esta casa, los amigos e incluso con los clientes que estaban ahí. En ese punto, logramos construir un espacio común, y creo que el arte también es eso: construir espacios comunes, de sentidos colectivos y diversos, más allá de los espacios propios o solo para un grupo determinado y reducido. El mundo del arte contemporáneo suele ser muy endogámico, pensado y producido por y para un mismo círculo de gente; pero a mí me interesa que el arte cree y recree espacios más amplios en contextos múltiples, que construya y articule lugares y sentidos comunes más allá de su circuito de producción, valoración y consumo.Terminado el proyecto, no me alejé de El Danubio Azul ni de la mayoría de las chicas, pues somos amigos y todavía voy a visitarlas, a hablar con ellas, a dejar velas y flores; cada cierto tiempo reimprimo los posters y las estampitas, y cada año planeamos la celebración por el aniversario. No pretendo abandonar el proyecto, es mi responsabilidad con ellas. También se ha ampliado el número de gente que ha adoptado la imagen y la oración: esta representación iconográfica está en otros sitios de trabajo sexual, y la gente va de visita a la gruta, ponen flores, velas, dejan monedas…Antes de empezar este proyecto, tenía la convicción de que el trabajo sexual era una actividad laboral que no debía ser estigmatizada si se ejecutaba por voluntad propia. En el caso del grupo con el cual trabajé, ellas estaban ejerciendo esa actividad por decisión propia, son mayores de edad que aceptan su condición. Sus historias de vida son complejas, pero reconocen su capacidad de elegir. Además llegamos a momentos de reflexión en los cuales, por ejemplo, decían que, en la soiedad en general, hay muchas personas que están dispuestas a tranzar su cuerpo, siempre y cuando reciban algo a cambio como beneficio. Hablamos de que de alguna u otra manera todos tenemos un precio, no necesariamente mediado por lo económico; así, llegamos a la capitalización de todo tipo de intereses, valores y retribuciones. Hablamos también sobre reconocer y asumir la dignidad y la autoestima del rol de trabajadora sexual frente a prejuicios y discriminaciones.Ahora la Patrona tiene vida propia y la imagen sigue circulando fuera de mi control, lo cual era una de mis intenciones. Continúa la construcción desde la manera en que las chicas sigan sintiendo y compartiendo lo que la imagen significa. Esta Virgen que no es virgen: nació desde ellas, y es en ellas y en todas las demás trabajadoras sexuales y gente que tiene fe en la Patrona, en las casas de citas, en las calles y en los cuartos, en las billeteras y carteras que portan la estampita, en las voces de quienes le hablan y le piden… en todos estos lugares, estados y sentimientos, que Nuestra Patrona continúa su vida, su sentir, su sentido y su latido.Como anoté al principio, en relación con las prácticas colectivas, el arte y la investigación no son únicamente formas de acercamiento y conocimiento del mundo, sino de traducción y representación del mismo. Considero que desde esta premisa, deberíamos también cuestionarnos sobre el fenómeno, ciencia y práctica de la investigación cualitativa o de las prácticas relacionales y colaborativas. ¿Cuál y cómo debe ser el rol del artista y/o investigador en su vinculación con grupos sociales? ¿Cómo los datos, testimonios y productos generados deben ser procesados, expuestos y legitimados en las diferentes esferas del conocimiento y de la práctica?El compromiso del investigador o del artista no debe ser solo con su proyecto, sino con los sujetos que participan de la investigación. La información y el proceso relacional luego tendrán una resolución, un destino y una utilidad para el artista o investigador, e incluso créditos intelectuales y económicos, dentro de la capitalización teórica, académica, artística o simbólica de todo este material y de lo que devenga tras su extracción, clasificación, procesamiento y circulación. Considero que aquí el compromiso y el desafío son éticos y estéticos con las personas que participan; más allá del proyecto, el compromiso es con la realidad y el lugar donde habitan, hablan, sienten, con el lugar desde el cual se sientan respetadas, identificadas y representadas, en justicia, libertad y equidad. El lugar de sus diferencias, diversidades, integridades y dignidades propias. post(s).