Academic literature on the topic 'Littérature dans l'art'
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Journal articles on the topic "Littérature dans l'art"
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Germ, Martin. "La gravure Triumphe de la mort de Janez Vajkard Valvasor." Acta Neophilologica 41, no. 1-2 (December 19, 2008): 73–80. http://dx.doi.org/10.4312/an.41.1-2.73-80.
Full textAbstract:
Le rôle que le grand historien et fondateur de l'art graphique en Carniole a eu dans le développement de l'art et de la culture est bien connu du fait que Valvasor, lui-même artiste-amateur des techniques graphiques, a mis la main à la pâte et produit une gravure intéressante figurant à l'introduction de son suvre Theatrum mortis humanae tripartitum, qui, en dépit de son aspect graphique très riche, n'a pas attiré beaucoup d'attention des historiens de l'art. Il s'agit pourtant d'une śuvre importante intégrant les grandscourants dela production artistique traversant l 'Europe contemporaine qui thématisent, dans les arts plastiques et dans la littérature, la fugacité de la vie humaine et la mort.
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Seignour, Amélie. "Le marketing interne : Un état de l'art." Recherche et Applications en Marketing (French Edition) 13, no. 3 (September 1998): 43–55. http://dx.doi.org/10.1177/076737019801300304.
Full textAbstract:
Objet de nombreuses publications, le marketing interne reste toutefois hétérodoxe dans la littérature en marketing : la terminologie est polysémique; les définitions hétérogènes; quant à son projet, importer les fondements du marketing “externe” dans l'espace intra-organisationnel, il est appréhendé de manières divergentes par les auteurs. La finalité de cet article est donc de présenter une revue de la littérature du marketing interne au travers de l'analyse de sa genèse, de ses fondements et de ses présupposés. En conclusion, quelques pistes de réflexion sur ce que traduit et implique la transposition de la systémique marketing au cœur des organisations seront proposées.
3
L. Beckett, Sandra. "L'art des funambules: les albums pour tous des Éditions Ipomée." Ondina - Ondine, no. 3 (May 4, 2020): 209–43. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_ondina/ond.201934421.
Full textAbstract:
On a reconnu le rôle important que les Éditions Ipomée ont joué dans la renaissance de l’édition jeunesse en France à partir des années 1970. Mais leurs livres marquent aussi une étape notable dans le parcours de ce que l’on appelle dans le monde anglo-saxon la littérature « crossover ». Les livres pour tous les âges existent depuis des siècles mais ce n’est que vers la fin des années 1990 que l’on commence à parler du phénomène du « crossover ». Au début, on avait tendance à réserver le terme aux romans et à passer sous silence les albums et les livres illustrés, bien que ces genres soient plus susceptibles que tout autre à s’adresser à tous les publics. Déjà, dès les années 1970, les Éditions Ipomée, avec quelques autres maisons d’édition innovatrices, publiaient des albums qui remettaient en question les conventions et les codes traditionnels de la littérature de jeunesse et offraient aux lecteurs de véritables albums « crossover ». Cet article veut rendre hommage aux Éditions Ipomée et à tous leurs collaborateurs, autant de « funambules », qui ont su se balancer sur la corde raide tendue au-dessus du gouffre entre littérature jeunesse et littérature pour adultes.Mots clés : crossover, les livres pour tous les âges, Éditions Ipomée, albums, illustration.
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Dmitrieva, Ekaterina. "Les prémisses du transfert culturel dans les sciences humaines russes du XXe siècle: la contribution de Vladimir Stasov." Jangada: crítica | literatura | artes 1, no. 17 (August 6, 2021): 270–90. http://dx.doi.org/10.35921/jangada.v1i17.402.
Full textAbstract:
En Russie, la « poétique historique », qui est étroitement liée au nom d'Alexandre Veselovski (1838-1906), a profondément façonné l'histoire de la littérature comparée. La puissante figure de Veselovski a en même temps remis dans l’ombre les activités de ses prédécesseurs et de savants partageant les mêmes idées, dont le critique d`art Vladimir Stasov. Celui-ci, jouissant d'une autorité incontestable dans des domaines très éloignés de la théorie de l'emprunt, fut également auteur d`un certain nombre d` études, semi-oubliées aujourd'hui, dans lesquelles, tout en défendant l`idée de l'art national, il tente en même temps de prouver la continuité de l'art russe par rapport à l'art asiatique. La question est de savoir comment l'exigence d'identité (samobytnost1) dont Stasov se montre un grand adepte, pouvait être liée dans son esprit à la conviction de la composante orientale de cette identité. Comment l'idée cosmopolite et l'idée nationale peuvent-elles être corrélées ? et quelles sont les composantes étrangères qui sous-tendent l'identité nationale ? Cette dernière question nous amène à nous demander sur les prémisses lointaines de la théorie des transferts culturels qui sont à chercher, par ailleurs, en Russie du 19e siècle.
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Guillaume-Coirier, Germaine. "Images du coronarius dans la littérature et l'art de Rome." Mélanges de l’École française de Rome. Antiquité 107, no. 2 (1995): 1093–151. http://dx.doi.org/10.3406/mefr.1995.1914.
Full text
6
Detcheverry, Thomas. "De Rancière à Deleuze : politique et littérature." Theory Now. Journal of Literature, Critique, and Thought 7, no. 1 (January 29, 2024): 213–38. http://dx.doi.org/10.30827/tn.v7i1.28990.
Full textAbstract:
Rancière reproche à Deleuze de ne pas parvenir à penser le rapport de l'écriture littéraire à la politique, et d'échouer à fonder une authentique politique de la littérature. Selon Rancière, c'est seulement en distinguant plusieurs régimes historiques d'identification de l'art (éthique, représentatif, esthétique) que l'on peut penser le sens et les conditions d'une politique de l'écriture. Par contraste, l'ambition d'une position deleuzo-guattarienne sur les rapports entre politique et littérature aujourd'hui consiste à tenter de réhabiliter, après Rancière, l'idée selon laquelle le sens politique de la littérature implique une distinction entre deux usages de la langue, deux expériences hétérogènes du langage : l'un ordinaire, communicatif et « majeur » ; l'autre créateur, esthétique et « mineur ». L'objectif de cette étude est de montrer que les textes de Deleuze et Guattari de 1980 sur l'épistémologie de la linguistique, et sur l'idée d'une nouvelle pragmatique de la langue inspirée de William Labov, apportent un éclairage rétrospectif sur la façon dont la notion de littérature mineure, introduite en 1975 dans le livre sur Kafka, inscrit la politique dans l'usage littéraire du langage, et fonde une authentique politique de la littérature —en un autre sens que chez Rancière.
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Moisan, Clément. ""L'art poétique à l'usage du Petit Séminaire de Québec"." Études littéraires 22, no. 3 (April 12, 2005): 77–85. http://dx.doi.org/10.7202/500914ar.
Full textAbstract:
Y-a-t-il un « art poétique » surréaliste ? Si l'on en croit André Breton, non : lui se situe résolument du côté du « Manifeste », où l'art poétique se voit dénié sur ses deux versants - celui de l'artefact (techniques rhétoriques) et celui du poétique, engagé dans une « littérature » marquée ici du sceau de l'infamie. Le rationalisme éclate sous la pression d'une « raison élargie ». Simultanément, l'esprit du manifeste fait triompher les voies du désir : le « il y aura une fois » de « l'imagination ». D'où une téléologie de l'art, orienté vers sa « prophétie », et une épistémologie de sa réception, fondée sur l'éros. Ce qui suppose de ne pas glisser aux « techniques » qui mènent aux poncifs : d'où la Terreur.
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Beugnot, Bernard. "Apollon ou Orphée : la poétique déchirée." Études littéraires 22, no. 3 (April 12, 2005): 35–44. http://dx.doi.org/10.7202/500911ar.
Full textAbstract:
Au XVIII e siècle en France, le métadiscours sur les « ouvrages de l'esprit », et plus précisément sur le secteur poésie, connaît une prolifération qui indique une crise du mode d'écriture dit art poétique, à la suite de la Querelle des Anciens et des Modernes. L'art poétique, déchu de sa qualité de poème et gangrené par un discours à ambition philosophique qui l'évince d'autant mieux qu'il reste dans le même espace théorique de la recherche des règles, subsiste sous la forme réductrice d'un discours pédagogique, alors que se multiplient les inventions d'auteurs dans des secteurs particuliers et qu'apparaît incidemment, dans la Poétiquede Marmontel, une tentative de science de la littérature.
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Arambasin, Nella. "Une fiction de l'art au féminin: Artemisia et sa servante." Nottingham French Studies 51, no. 3 (December 2012): 314–29. http://dx.doi.org/10.3366/nfs.2012.0030.
Full textAbstract:
Artemisia Gentileschi n'est pas seulement une artiste femme reconnue parmi les plus grands peintres du dix-septième siècle, mais aussi le personnage récurrent d'œuvres littéraires et cinématographique de femmes auteures françaises contemporaines (Agnès Merlet, Alexandra Lapierre, Catherine Weinzaepflen, Michèle Desbordes). Ces fictions de l'art poursuivent un questionnement théorique du « gender » dans l'écriture et le cinéma, infléchissant la manière de mettre en récit une vie de femme artiste d'exception. En faire l'analyse permet de comprendre comment cette figure se joue, déjoue ou tombe dans le piège des stéréotypes identitaires, mais aussi de penser la création au féminin à la croisée d'une recherche transdisciplinaire en littérature, histoire de l'art et théories féministes. Le comparatisme ici engagé permet de dégager certains mythes, mais aussi une valeur anthropologique de la création féminine, dont l'indice dans les textes est la servante qui accompagne l'artiste. Car cette servante témoigne d'une culture du labeur, d'un savoir-faire et d'un mode d'existence domestique, qui met en abyme l'activité artistique féminine et ses propres procédures de création.
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Nordholt, Annelise Schulte. "Tentation esthétique et exigence éthique. Lévinas et l’œuvre littéraire." Études littéraires 31, no. 3 (April 12, 2005): 69–85. http://dx.doi.org/10.7202/501246ar.
Full textAbstract:
La position de Levinas vis-à-vis de l'art et de la littérature continue à intriguer par son ambivalence. L'expérience esthétique met tantôt hors jeu le rapport éthique, tantôt elle semble l'événement-même de ce rapport. Les textes théoriques et les essais consacrés à Proust et à Celan montrent que le statut de l'œuvre littéraire dans la pensée de Levinas oscille structurellement entre esthétique et éthique, nous renvoyant tantôt au règne impersonnel de l'" il y a ", tantôt au visage d'autrui. Mais l'exégèse imposée par Levinas à ces textes n'opère-t-elle pas une véritable " conversion éthique de l'esthétique ", laissant dans l'ombre tout ce qui, dans le texte littéraire, excède le rapport à autrui ?
Dissertations / Theses on the topic "Littérature dans l'art"
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Rutily, Aline. "Tapis-jardin. Migration, mutation, transculturalité : entre Orient et Europe, arts visuels et littérature." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010654.
Full textAbstract:
Notre thèse s'articule autour de trois notions : la migration, la mutation, la transculturalité. Ces notions sont analysées à partir d'un corpus d'œuvres personnelles réalisées entre 1992 à 2011, autour d'un thème commun: le Tapis-Jardin. Ces notions permettent de confronter une démarche artistique aux prises avec des déplacements et des territoires d'enfance, en relation avec un espace de références articulant les arts du tapis et du jardin, aux champs de la littérature et des arts visuels. Les problématiques sont liées à des évolutions de pratiques au sein du thème récurrent, d'installations in situ, puis des Carnets de chemins, de carnets virtuels, d'installations in process, jusqu'à la notion d' « installation virtuelle» en ligne. Les questionnements portent également sur des expériences pédagogiques réalisées sur le même sujet. Les dialectiques entre l'ancrage et le déplacement, entre le réseau et le territoire permettent de fonder une démarche de « paysage migrant», de « paysage mutant» et d'une transculturalité construite à partir du Tapis-Jardin comme pluralité de cultures au croisement des singularités
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Buffet, Laurent. "Les pratiques intinérantes dans la littérature et l'art contemporains." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010597.
Full textAbstract:
Nous désignons par «pratiques itinérantes» des activités artistiques intégrant ou consistant en une occupation cinétique de I'espace, ces dernières pouvant faire I'objet de représentations littéraires ou plastiques, mais de manière dérivée. Si la marche en représente la forme I'a plus courante, cette notion intègre aussi les voyages en train, en voiture et par tout autre moyen de transport. Les deux premières parties de ce travail ont ainsi pour objet de répertorier, de classer et d'interpréter les formes les plus significatives de pratiques itinérantes apparues dans le champ de I'art depuis le début des années 1950 et jusqu'a la fin des années 1970. La première partie est consacrée a la dérive situationniste et aux vagabondages de la Beat Génération. La deuxième partie traite plus directement de démarches artistiques appartenant a la Catégorie traditionnelle dite des « beaux-arts ». Les troisième et quatrième parties de ce travail font retour sur certains des mouvements ou démarches artistiques évoques précédemment, pour en interroger plus spécifiquement les dimensions sociale et politique·. La troisième partie" développe une analyse de la relation que les pratiques itinérantes de l'lnternationale situationniste, de Fluxus et de la Beat Génération entretiennent avec ces territoires Autres que sont I'utopie, I'heterotopie et la dystopie. La dernière partie, intitulée « Politiques de la mobilité », aborde, toujours a travers les exemples des acteurs de I'Internationale situationniste et des écrivains de la Beat Génération, les pratiques itinérantes comme une forme révolutionnaire de vie, puis leur récupération idéologique a partir du tournant des années 1980. La question se pose des lors de savoir si ces dernières ont encore aujourd'hui la capacité de jouer un rôle critique au sein du champ de I'art et du monde dans lequel nous vivons. Ainsi, nous passons pour finir en revue quelques exemples significatifs de démarches artistiques apparues depuis les années 1980 dans lesquelles le déplacement représente un élément essentiel.
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Guyon, Delphine. "La conception de la mort à travers la littérature et l'iconographie macabres médiévales." Cergy-Pontoise, 2001. http://www.theses.fr/2001CERG0118.
Full text
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Pla, Soline. "L'art magique dans la littérature des années 50 à 70." Toulouse 2, 1999. http://www.theses.fr/1999TOU20109.
Full textAbstract:
De 1950 a 1970, des écrivains s'intéressent au domaine artistique. Les guerres, l'absurdité, le mensonge les poussent à rejeter la vieille société et à repenser les fondements de l'art basé sur l'esthétique. Au début du siècle, le cubisme, dada, l'abstraction ont fait exploser le monde des formes. La littérature est au centre des débats, racontant, analysant cette métamorphose du regard. Passionnés de tous les arts du monde, Malraux et surtout Breton, avec l'Art magique, en 1957, ainsi que quelques autres, nous font partager leurs affections et expliquent comment l'art est au cœur de toutes les questions fondamentales de l'homme et peut y répondre. Cette thèse tente de faire le point sur ces questions, notamment à travers de ce que Breton a nommé l'art magique, qui élargit son acception. Il se fait fort, ainsi, de mettre au jour les possibilités totales de l'art dans le but de changer la vie, projet qui fut de tous temps le sien comme celui des surréalistes qui le suivirent. Enrichissant sa recherche de l'avis de tous ceux dont la pensée compte, ainsi que de multiples apports venant d'autres domaines comme celui de la psychanalyse, et sur la base de la philosophie occulte, Breton nous explique, des arts préhistoriques à l'art moderne, comment toute création a la magie pour origine. Selon lui, tout art serait magique et seul compte celui qui réengendre la magie qui l'a engendré. Au cœur de toutes les métamorphoses de l'art, de la littérature et de l'homme, un point émerge, déjà identifié par les romantiques dont l'influence est ici prépondérante. Dans ce que les œuvres montrent ou taisent, et forte des annonces plus ou moins explicites de la mort de Dieu, une absence de plus en plus complète est déclarée, symbolique ou réelle. Elle s'appuie sur les anciennes traditions et fait converger tous les axes de la recherche en peinture. Elle illustrera ce que la littérature a nommé l'absence de livre.
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Gabion, Denhez Caroline. "Les danses macabres et leurs métamorphoses (1830-1930)." Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/gabion_c.
Full textAbstract:
Ce travail s'appuie sur les danses macabres médiévales et porte sur les oeuvres auxquelles elles ont donné naissance. Le macabre redevient un sujet à la mode avec le romantisme noir, il sera également exploité pour dénoncer les horreurs de la Première Guerre mondiale. Notre corpus de textes couvre donc les années 1830-1930. En mettant en relation les danses anciennes et contemporaines nous cherchons à définir et à comprendre la spécificité de chaque oeuvre. Nous étudions les textes mais nous faisons parfois référence à la peinture, à la musique, à la danse et au cinéma. L'étude des oeuvres médiévales nous permet de cerner l'origine des danses et d'en donner une définition. Le succès de ces oeuvres, alliant différents arts, s'explique par l'universalité de leur message : égalité de tous devant la mort et puissance de cette dernière. Certains auteurs (Thierry, Hoyau. . . ) reconstituent les oeuvres originelles. D'autres (Jouve, Mac Orlan, Spire. . . ) s'en inspirent pour dresser un portrait satirique de la société. Les squelettes des premières danses se fondent en un seul personnage, la mort devient peu à peu spectatrice de la folie meurtrière des hommes. Sous la plume de Gautier, Cazalis, Baudelaire. . . La mort se pare de caractéristiques féminines et allie l'horreur à la beauté. S'inspirant du sabbat, des légendes populaires et de la "Ballades des pendus" de Villon, la danse macabre change de couleur. Dans une atmosphère fantastique les morts se lèvent pour danser seuls, un personnage est témoin de leurs ébats. Cultes sataniques et légendes populaires sont à l'origine d'un nouveau sabbat qui pose le problème du repentir et la question de l'existence de Dieu. Fagus, Gautier, Nerval, Flaubert. . . Ont ainsi exploité le motif chorégraphique, il leur a permis de faire défiler des figures mythiques qui nous font part de leurs expériences. Transposant cette vision de l'Enfer dans notre vie, Poe, Balzac, Musset, Verlaine. . . Font entrer la Mort au bal et l'invitent à participer au Carnaval. Beauté, amour et richesse sont mis à mal par la maladie et la mort. En effet, le masque permet aux hommes de farder la réalité alors que le jeu des inversions leur montre des vérités cachées. Lorsque la mort quitte la farandole pour s'approcher de lui ou qu'il surprend le ballet des ombres, le spectateur ne sait plus si le monde qu'il côtoie appartient au rêve ou à la réalité.
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Quentel, Cécile. "Les pouvoirs de la souffrance féminine au Moyen Âge : l'utilisation politique et symbolique des femmes douloureuses dans les manuscrits français de littérature et d'histoire (1380-1500)." Paris, EHESS, 1994. http://www.theses.fr/1994EHES0338.
Full textAbstract:
Le developpement des images de souffrance aux xiveme-xveme siecles concerne non seulement les oeuvres religieuses, mais aussi les images et les textes des livres d'histoire et de litterature. Or l'etude du dolorisme conduit a accorder une part importante a la feminite du discours et de l'iconographie. Dans les bibliotheques des cours princieres de berry , d'orleans et de bourgogne, neuf textes ont ete choisis : au total, cinquante-quatre manuscrits. Il s'agit "des cas" et "des cleres femmes" de boccace, l'histoire ancienne jusqu'a cesar, les faits et dits memorables de valere maxime, le roman de la rose et le livre du cuer d'amours esprits de rene d'anjou. A partir de quarante-deux heroines de l'antiquite et de onze allegories, trois cent cinquante images inedites constituent la base de cette etude. Cette these comprend trois parties : une presentation des sources et des heritages culturels; une etude des mises en situation de la souffrance feminine et de l'expression douloureuse de ces figures; une analyse de la signification de cette souffrance a travers les allegories feminines de la douleur. Les princes utilisent les femmes comme exutoire de la remise en question de leur pouvoir. . . La souffrance feminine est la consequence d'un pouvoir familial, conjugual ou politique. A travers le regard princier s'etablit une relation entre le pouvoir politique et le pouvoir feminin de procreationThe development of the pictures of suffering during the xivth and xvth centuries concerns religious art, but also the texts and illustrations of books of history and literature. The study of dolorism shows us the major part taked by feminity in both writings and paintings. In the berry, orleans and bourgogne courts's libraries, fifty-four manuscripts of nine texts hab been selected. These are : boccacio's "des cas" and "des cleres femmes", histoire ancienne jusqu'a cesar, valere maxime's faits et dits memorables, roman de la rose and rene d'anjou's livre du cuer d'amours espris. With forty-two women from antiquity and eleven allegories of vices, three hundred and forty unpublished pictures formed the base of this study. This analysis is built in three parts : one about sources and their cultural inheritance; one about the scenography of female suffering and the grievous expressions of these figures; the last one is an analysis of the signification of suffering through female allegorical figures of pain. Princes use women as a way to express their own doubts about power. Through princely vizualisation, a link is established between political power and female power to give birth
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Vidal, Éric. "Les rapports entre la peinture surréaliste et l'inconscient dans la littérature européenne." Toulouse 2, 1995. http://www.theses.fr/1995TOU20027.
Full textAbstract:
Le romantisme allemand s'est affirme comme une sacralisation de l'art investi d'une fonction ontologique. Cette sacralisation s'est accompagnee d'une reduction des arts non verbaux au paradigme de la poesie en tant qu'essence de l'art, principe commun permettant de rapprocher des domaines artistiques entre eux. Cette theorie de la creation poetique a recentre le debat sur le langage; un langage que freud et les surrealistes ont situe dans l'inconscient, ses mecanismes, ses manifestations. L'assimilation de la poesie (en tant que langage du desir) aux mecanismes de l'inconstient a conduit la modernite artistique et le surrealisme en particulier a s'interroger sur les rapports entre la subjectivite et la creation, par le biais de l'automatisme, de la metaphore et du principe analogique (constitutif de l'activite inconsciente). L'emancipation correlative des techniques, des materiaux, des signifiants et du sujet a clairement pose le probleme du role de l'individu et de l'inconscient au sein de la creation. C'est ainsi que la peinture surrealiste, a la fois tributaire de la theorie romantique de l'art et des revolutions picturales du debut du vingtiele siecle, s'est trouvee tiraillee entre sa fonction representative et le jeu sur les signifiants plastiques, les materiaux. La meme situation apparait dans l'ecriture automatique ou logique du recit et dynamisme des formes coexistent. Ce tiraillement constitue la surrealite elle-meme et seul le preconscient semble pouvoir realiser la synthese de ces tendances a travers le principe analogique, cle de l'art moderneThe german romantic movement asserted itself as art as being mad sacred and vested with an ontological function. That process of regarding art as sacred was accompanied by the reduction of non verbal arts to the paradigm of poetry as being the essence of art, a common principle that allows to bring artistic fields nearer to each other. That theory of poetic creation focused the debate on language, a guenuine language that both freud and the surrealists situated in the inconscious, its mechanisms, its expression. Assimilating poetry (as the language of desire) to the mechanisms of the inconscious caused artistic modernity and particulary surrealism to wonder about the relations between subjectivity and creation, by means of automatism, the metaphor and the principle of analogy (wich is a constituent part of inconscious activit) the correlative liberation of the techniques, the materials, the signifiers and the subjhect clearly set the problem of the role of the individual and of the inconscious within creation. Thus, surrealistic painting, wich is tributary both of the romantic theory of art and of the pictorial revolutions of the early twentieh century, found itself torn between its representative function and the play on the plastic signifiers, the materials. The same situation can be found in automatic writing, with the coexistence of the narrative reasoning and the dynamism of shapes. That conflict makes up the surreality itself, and only the preconscious seems able to achieve the synthetis of those tendencies throughthe analogical principle, wich is the dey to modern art
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Vienne-Guerrin, Nathalie. "L'art de l'injure dans le théâtre de Shakespeare." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040300.
Full textAbstract:
Le propos de cette étude est de montrer comment Shakespeare fait de l'injure un art non seulement poétique mais aussi dramatique. Pour ce faire, nous aborderons l'injure sous divers angles, en nous efforçant toujours d'étudier l'injure dans son contexte spécifique. Après avoir décrit la politique de l'injure élisabéthaine à travers une approche tour à tour religieuse, historique, sociale et juridique, le théâtre shakespearien apparaitra comme un espace de liberté, un chef-lieu de l'injure au sein d'une société qui fait tout pour dompter la langue des hommes. Dans le monde élisabéthain, l'injure est péché, délit, crime ou atteinte à l'honneur. Shakespeare sait réécrire les injures de son temps pour en faire un art qui frappe par sa diversité thématique, par sa richesse métaphorique et par son ambivalence rhétorique. Economique, l'injure est aussi inflationniste et excessive. Elle peut aussi se cacher derrière le mot d'esprit ou encore se faire cannibalisme verbal. Mais Shakespeare exploite également le potentiel spectaculaire et dramatique de l'injure, lorsqu'il la représente en actes et en gestes ; lorsqu'il explore les décalages entre son émission et sa réception ; et enfin lorsqu'il fait de l'injure ou du "flyting" tantôt un déclencheur d'action, tantôt un prélude au combat physique, tantôt un jeu, tantôt un spectacle à part entière. Tout l'art de Shakespeare est de savoir exploiter le potentiel injurieux de n'importe quel mot, geste ou acte. A chaque étape de notre réflexion l'injure apparaitra dans toute son ambivalence. Elle s'inscrira dans une dialectique de liberté et de contrôle, de convention et de création, de violence et de jeu. Appréhender la beauté et la richesse de l'art shakespearien par le biais de l'injure, tel est le défi paradoxal que nous nous sommes efforcés de releverWe intend to show how Shakespeare turns insults into an art which is both poetic and theatrical. To do so, we will examine insults from various angles and try throughout to consider each insult in its context. After having described the political, religious, historical, social and legal status of swearing in Elizabethan England, we will see how the Shakespearean stage stands out as a monument to insults in a world which tried to "tame the tongue" by all means. In the Elizabethan society, swearing is a sin, a tort, a crime, or a blow to one's honor. Shakespeare knows how ro rewrite the insults of his time, to make an art which is striking for its thematic diversity, its metaphorical richness and its rhetorical ambivalence. The insulter's rhetoric combines thrift and extravagance, measure and excess. But insults can also be expressed through wit and be based on verbal cannibalism, when the insulter uses his opponent's words as ammunition. Shakespeare also makes the most of the spectacular and dramatic potential of the insults, when he represents them in gestures and actions, when he explores the gaps between its emission and its reception, and when he uses flyting as a trigger for the action, as a ritual prelude to the action, as a game, or as a spectacle in itself. Shakespeare's art consists in knowing how to exploit the insulting potential of every word, action or gesture. At each stage of our study, swearing will appear in all its ambivalence. It will mean both freedom and control, convention and creation, violence and games. Grasping the beauty and richness of Shakespeare’s art through insults: such is the challenge we have attempted to take up
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Bazile, Sandrine. "Le saltimbanque dans l'art et la littérature de 1850 à nos jours." Bordeaux 3, 2000. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=2000BOR30025.
Full textAbstract:
Entre la deuxième moitié du 19e s. Et la première moitié du 20e, la figure du saltimbanque est récurrente dans l'art. Son évolution coïncide avec la transformation de la figure de l'artiste et l'entrée dans la modernité. Le saltimbanque apparaît d'abord dans la littérature romantique ; simple représentation pittoresque et manichéenne, il devient chez Musset, Hugo, Sand, une figure allérorique de l'artiste. Alter ego idéalisé chez Banville, double distance du poète chez Baudelaire ou Mallarmé, sa présence s'assortit d'une réflexion sur le sens d'une parole poétique que le poète pressent menacée. Le poète n'est d'ailleurs qu'un pitre méprisé par le public qui se livre a un art dérisoire et vénal. Ce questionnement s'amplifie avec la fin du siècle : chez les symbolistes et les décadents la récurrence du thème de la pantomime et l'engouement pour les arts populaires résonnent comme la chronique d'une mort annoncée de la littérature et des mythes. Les décadents trouvent alors dans la figure du Pierrot et dans l'imaginaire de la foire un reflet déformé et parodique de leurs propres hantises. Or, c'est ce Pierrot moribond, par l'importance qu'il accorde conjointement aux arts populaires et à l'inconscient, qui va servir de tremplin à l'émergence d'un art nouveau. Chez Apollinaire comme chez Picasso, corps et spiritualité se retrouvent unis dans la même vision messianique du poète/ saltimbanque à qui incombe la tâche -légère- de révéler au peuple la modernité du monde. La reconstruction de nouveaux mythes se réalise alors, dans un syncrétisme de fantaisie. Dès lors, l'artiste, le plasticien (Léger, Calder. . . ), poète (Mc Orlan, Prévert. . . ), dramartuge ou comédien se fait saltimbanque en reprenant à son compte les outils et la fantaisie du cirque. Ainsi, cet art vivant qui se réclame du cirque a, comme lui, partie liée avec le danger et la mort ; la création s'assimile alors à la piste circulaire en devenant un lieu de tentatives, de péril et d'exposition
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Lee, Sin-Ja. "L'art dans la poétique d'Yves Bonnefoy." Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082413.
Full textAbstract:
Bonnefoy se rapproche, dans ses poèmes et ses récits, des œuvres d’artistes, du XVème siècle au XXème siècle, tels que Piero della Francesca et Alberto Giacometti. Bonnefoy écrit avec son regard intérieur, se souvenant des œuvres d’art qu’il a autrefois observées, il écrit avant ou après ses rencontres avec les artistes en regardant les œuvres d’art. Selon ces modes d’écriture, l’affectivité des sujets d’énonciation dans ses textes a un très fort pouvoir. La vue des œuvres d’art renvoie alors à l’âme des artistes. L’expérience esthétique des artistes s’identifie également à l’expérience poétique des sujets. Au moment de cette correspondance réciproque entre les sujets et les artistes, ces sujets se rapprochent du mode de production des artistes. Durant leur création, les mains des artistes traitent, en suivant leur vue, des matières plastiques et construisent une palpabilité matérielle. Leur perception (assurée ou non) des facteurs du monde change avec le temps. Ces conditions, liées à l’activité créatrice des artistes, sont influencées par le discours rythmique toujours novateur des sujets qui circulent entre l’ « ici » et l’ « arrière-pays ». La « signifiance » de ce discours fonde la possibilité de l’échange de communication créatrice, de sensibilité et de culture entre les sujets et les artistes. Les œuvres d’art deviennent ainsi les textesIt is a question of the observation of the varied contexts in which Bonnefoy’s works were created. This author approximates, in his poems and in his recitals, the works of such artists as Nicolas Poussin and Piet Mondrian. In the texts that Bonnefoy wrote before and after his meetings with the artists and looking at their works, the subjects fix their itineraries. The language of these subjects is the tongue. This isn’t positive and it does not demonstrate anything learned by some facts. According to the modality of their rhythmic tongue and discourse, the works of art take on value. The interpretation of the subjects concerning the artistic works and these works interpreted by the subjects are therefore placed into relation. Bonnefoy’s literary works and the works of art are also able to have something in common. In the two domains, the world is characterized by two places : the « here » and the « back country ». Particularly, the more the subjects approach the « back country », the more the « back country » moves away from them. Namely, the frontier between the « here » and the « back country » is prolonged frequently. This aspect is the preparation for the union of the interior and of the exterior. The notion of space determines then this one of « threshold »
Books on the topic "Littérature dans l'art"
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Modrzejewska, Krystyna. L'art de śeduire dans la littérature française. Opole: Wydawnictwo Uniwersytetu Opolskiego, 2008.
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Marie-Christine, Lemardeley-Cunci, ed. L'art dans l'art: Littérature, musique et arts visuels (monde anglophone). [Paris]: Presses de la Sorbonne nouvelle, 2000.
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Laigneau, Sylvie. "Les amours", "L'art d'aimer", Ovide. Paris: Ellipses, 2001.
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Ouellet, Pierre. Sacrifiction: Sacralisation et profanation dans l'art et la littérature. Montréal: VLB éditeur, 2012.
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Labouret, Mireille, Bernard Gendrel, and Élisabeth Le Corre. De Gethsémani au Golgotha: La Passion dans l'art et dans la littérature. Rennes: Presses universitaires de Rennes, 2021.
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Hennig, Jean-Luc. Brève histoire des fesses. Paris: Pocket, 1996.
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Boisclair, Isabelle. Femmes désirantes: Art, littérature, représentations. Montréal, Quebec: Éditions du remue-ménage, 2013.
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Rencontres internationales de sociologie de l'art de Grenoble (4th). Du canular dans l'art et la littérature: Quatrièmes rencontres internationales de sociologie de l'art de Grenoble. Paris: Harmattan, 1999.
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Major, Robert. Jean Rivard ou l'art de réussir: Idéologie et utopie dans l'oeuvre d'Antoine Gérin-Lajoie. Sainte-Foy, Qué: Presses de l'Université Laval, 1991.
Find full textReports on the topic "Littérature dans l'art"
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Bellwood-Howard, Imogen, Peter Taylor, Aminata Niang, Kaderi Bukari, Eric Kioko, Peter Wangai, Lansine Sountoura, Bronson Eran’Ogwa, and Mohammed Yamusah. Les arts dans le dialogue et la communication sur l’environnement en Afrique de l’Ouest et de l’Est. Institute of Development Studies, August 2023. http://dx.doi.org/10.19088/ids.2023.037.
Full textAbstract:
Les premières publications sur la délibération environnementale partaient du principe que les pairs débattaient rationnellement des preuves pour parvenir à des conclusions logiques. Cependant, des travaux plus récents présentent les activités artistiques comme un moyen de reconnaître les dimensions émotionnelles comme essentielles aux processus délibératifs. Simultanément, la littérature sur l'art participatif, l'art communautaire, l'activisme culturel et l'éducation artistique, regroupés sous le terme « arts pour le changement », montre comment les activités artistiques peuvent transmettre des messages au public et provoquer des changements. Notre étude a exploré le rôle des arts dans les délibérations à travers une série d'ateliers au Sénégal, au Mali, en Mauritanie, au Ghana et au Kenya. Des acteurs politiques, des activistes communautaires, des chercheurs et des artistes ont collaboré à la création d'oeuvres d'art.
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Lipsky, Alyson, Molly Adams, and Chinyere Okeke. Ground-Truthing Social Network Analysis for Universal Health Coverage Advocacy Networks in Nigeria. RTI Press, May 2024. http://dx.doi.org/10.3768/rtipress.2024.pb.0028.2405.
Full textAbstract:
Achieving universal health coverage (UHC) requires commitment from a wide range of actors, including policy makers, civil society, and academics. In low- and middle-income countries, creating momentum among stakeholders can be challenging with competing priorities and limited funding. Advocacy coalitions—groups of like-minded organizations coalescing to achieve a common goal—have been used to achieve UHC; however, the effectiveness of advocacy coalitions for UHC is not well understood. This policy brief reviews literature on how social network analysis (SNA)—a method “effective in helping to understand how the stakeholders view one another, share information, cooperate, and take joint action”—has been used in low- and middle-income countries to evaluate UHC advocacy coalitions (Abbot et al., 2022). These findings were validated using experiences from coalition members in Nigeria advocating for UHC. The literature suggests that factors contributing to network success include network cohesion, decentralized network structure, collective action, strong transparency and trust between actors within an advocacy network, and clear communication and collaboration around advocacy objectives and the roles of all involved. The interviews suggest these themes are present in Nigeria as well. Using SNA thinking to conduct interviews in Nigeria, the authors highlighted specific strengths and areas of growth for advocacy coalitions for UHC. La réalisation de la couverture santé universelle (CSU) nécessite l'engagement d'un large éventail d'acteurs, notamment les décideurs politiques, la société civile et les universitaires. Dans les pays à faible et revenu intermédiaire, susciter un élan parmi les parties prenantes peut être difficile avec des priorités concurrentes et un financement limité. Les coalitions de plaidoyer - des groupes d'organisations partageant les mêmes idées se regroupant pour atteindre un objectif commun - ont été utilisées pour réaliser la CSU ; cependant, l'efficacité des coalitions de plaidoyer pour la CSU n'est pas bien comprise. Ce document politique passe en revue la littérature sur la manière dont l'analyse des réseaux sociaux (ARS) - une méthode "efficace pour aider à comprendre comment les parties prenantes se perçoivent mutuellement, partagent des informations, coopèrent et prennent des mesures conjointes" - a été utilisée dans les pays à faible et revenu intermédiaire pour évaluer les coalitions de plaidoyer pour la CSU (Abbot et al., 2022). Ces résultats ont été validés à l'aide des expériences des membres de la coalition au Nigéria plaidant en faveur de la CSU. La littérature suggère que les facteurs contribuant au succès du réseau comprennent la cohésion du réseau, la structure décentralisée du réseau, l'action collective, une transparence et une confiance solides entre les acteurs au sein d'un réseau de plaidoyer, et une collaboration autour des objectifs de plaidoyer et des rôles de tous les intervenants. Les entretiens suggèrent que ces thèmes sont également présents au Nigéria. En utilisant la pensée de l'ARS pour mener des entretiens au Nigéria, les auteurs ont mis en évidence des forces spécifiques et des domaines de croissance pour les coalitions de plaidoyer pour la CSU.