Dissertations / Theses on the topic 'Letteratura italiana XIX secolo'

Questa tesi di dottorato analizza la produzione storiografica della Marca Trevigiana, con particolare attenzione al corpus ezzeliniano, svolgendo un’analisi particolareggiata delle cronache di Gerardo Maurisio, Rolandino da Padova, dell’anonimo autore del Chronicon Marchiae Tarvisinae et Lombardiae, di Paride da Cerea, Niccolò Smereglo e Antonio Godi. Lo scopo è quello di mettere in luce innanzitutto quanto nella scrittura storica medievale le strutture letterarie abbiano contribuito a creare una tappa fondamentale per le origini della letteratura italiana. Di conseguenza la tesi mostra fra l’altro come Ezzelino da Romano abbia ricoperto non solo una posizione storica di rilievo assoluto ma sia stato anche un personaggio alla cui delineazione ha concorso una straordinaria stagione storiografica intrecciata a originali procedure narrative. Si pone infine attenzione al mito di Ezzelino e alla possibile ricezione delle cronache sopra richiamate nella Commedia dantesca e in altri testi successivi.
This thesis focuses on Medieval historiography, in particular the Marca Trevigiana commentators in the age of Ezzelino III da Romano (Gerardo Maurisio, Rolandino da Padova, the author of the Chronicon Marchiae Tarvisinae et Lombardiae, Paride da Cerea, Niccolò Smereglo, and Antonio Godi) in order to analyze the character of Ezzelino and his damnatio memoriae through XIII and XIV centuries writing. This group of citizens’ chronicles represents an intermediate landmark between the old universal chronicles and the new humanistic historiography. In this commentators’ opinion, after the perturbing experience of Ezzelino’s tyranny, it became impossible to reintroduce the canonic and traditional recording of events year by year. Hero or tyrant, Ezzelino had forced chroniclers to look at history from a different perspective. The research starts from the historical sources, in order to cover and examine the narrative techniques of these works. At a later stage, I relate my studies of these chronicles to the historiography of Dante’s life and highlight the connections to the Divine Comedy.

Angela da Foligno’s Liber is a fundamental text for the scholar of Women Mystics between the XIIIth and the XIVth century in Italy and all over Europe, and it has been chosen in my research because of its originality, with refer of its feminine and franciscan essence. Angela teaches to the italian hagiographic tradition the internal point of view of the holy woman, who becomes the teller of her both ordinary and extraordinary experiences. After giving references about the religious and social historical universe in evolution during the XIIth century, my research proceeds with a linguistic and rhetorical analysis based upon the Liber. I have been searching in Angela’s text and in contemporary italian feminine hagiography the sensory metaphor of “tasting”. That kind of metaphor has an ancient memory and, thanks to the Origene’s studies - the Christian Father of the IIIrd century - we can easily recognize it already in the Bible; Origene identifies the sensory metaphor as a rhetoric system, able to exemplify the God learning process of soul. Theory of “spiritual senses”, theory of vision and rhetoric, evolving from the IIIrd to the XIIIth century, are the theological and linguistic heritage of our feminine and franciscan literature. Inside of that, the metaphor of “tasting” moves and changes, therefore becoming the favourite way of mystics to represent the contact of their souls with God.

Angela da Foligno’s Liber is a fundamental text for the scholar of Women Mystics between the XIIIth and the XIVth century in Italy and all over Europe, and it has been chosen in my research because of its originality, with refer of its feminine and franciscan essence. Angela teaches to the italian hagiographic tradition the internal point of view of the holy woman, who becomes the teller of her both ordinary and extraordinary experiences. After giving references about the religious and social historical universe in evolution during the XIIth century, my research proceeds with a linguistic and rhetorical analysis based upon the Liber. I have been searching in Angela’s text and in contemporary italian feminine hagiography the sensory metaphor of “tasting”. That kind of metaphor has an ancient memory and, thanks to the Origene’s studies - the Christian Father of the IIIrd century - we can easily recognize it already in the Bible; Origene identifies the sensory metaphor as a rhetoric system, able to exemplify the God learning process of soul. Theory of “spiritual senses”, theory of vision and rhetoric, evolving from the IIIrd to the XIIIth century, are the theological and linguistic heritage of our feminine and franciscan literature. Inside of that, the metaphor of “tasting” moves and changes, therefore becoming the favourite way of mystics to represent the contact of their souls with God.

La tesi, svolta in cotutela con l'Université de Geneve, rappresenta un primo studio sulla produzione spirituale del poeta fiorentino Girolamo Benivieni (1453-1542) e in particolare dei testi stampati nella sua antologia delle "Opere" (1519). L'elaborato si divide in due parti: un prima parte dedicata allo studio della "conversione poetica" dell'autore e una presentazione generale dell'antologia e dei componimenti considerati; nella seconda parte si presenta una prima edizione commentata dei testi editi secondo l'edizione della princeps.

Esta tesis es un estudio completo de la relación que existió entre Ángel Crespo (1926-1995) e Italia. Tras el primer capítulo que introduce el tema, se presentan tres capítulos en los que se estudia la figura de Ángel Crespo: en primer lugar, sus datos biográficos y su situación en el marco cultural español de su época; en un segundo momento se pone en evidencia la presencia de Ángel Crespo en Italia, y finalmente la de Italia en Ángel Crespo. Para presentar el tema, en los dos capítulos centrales, se comentan aquellos textos que mejor representan esta interrelación y como anexos figuran aquellos otros que muestran claramente la fuerte vinculación que se estableció entre los dos términos de nuestro estudio. Se tratan temas de recepción literaria, teoría de la traducción y literatura comparada, y se pone de manifiesto la importancia de Italia para la comprensión de la figura y de la obra de Ángel Crespo.
La tesi che qui si presenta consiste in uno studio completo della relazione che si stabilì tra Ángel Crespo (1926-1995) e l’Italia. Al primo capitolo che funge da introduzione al tema seguono tre capitoli nei quali si studia la figura di Ángel Crespo: dapprima si traccia la sua biografia e lo si inserisce nel contesto culturale spagnolo dei suoi anni; successivamente, ci si sofferma sulla presenza di Ángel Crespo in Italia e su quella dell’Italia in Ángel Crespo. Nei due capitoli centrali, per presentare il tema, si commentano quei testi che meglio rappresentano tale dialogo; come appendici ne sono stati riportati altri che mostrano chiaramente il forte vincolo stabilitosi tra i due termini del nostro studio. Ci si riferisce inoltre a temi riguardanti la ricezione letteraria, la teoria della traduzione e la letteratura comparata mettendo in evidenza l’importanza dell’Italia per la comprensione della figura e dell’opera di Ángel Crespo.

The thesis aims to analyze and place in comparison some allegorical-didactic poems, composed in the European area between the 12th and 14th centuries; the analysis focuses on the relation between body and soul within the human individual. The four poems examined (Architrenius by John of Hauville, Anticlaudianus by Alain of Lille, Dante's Commedia, and Petrarch's Triumphi) have in common the ascensional structure and the final reunion of man with the divine: the thesis is concerned with observing how this path develops within the four narratives, through which linguistic patterns it is defined, whether or not it admits the goodness of the bodily part along with the spiritual part, and in general whether the goodness of corporeality in the human individual's path to perfection is acknowledged or denied. This theoretical discussion moves through a constellation of intertextual echoes between the analyzed works, to show the existence of a common semantic substratum signifying a shared theological problem that medieval intellectuals attempt to solve.
La tesi si prefigge l'obiettivo di analizzare e porre in comparazione alcuni poemi allegorico-didascalici composti in area europea tra il XII e il XIV secolo riguardo il tema della relazione tra corpo e anima all'interno dell'individuo umano. I quattro poemi esaminati (Architrenius di Giovanni di Altavilla, Anticlaudianus di Alano di Lilla, la Commedia di Dante, i Triumphi di Petrarca) hanno in comune la struttura ascensiva e il finale ricongiungimento dell'uomo con il divino: la tesi si occupa di osservare come questo percorso avvenga all'interno delle quattro narrazioni, attraverso quali modelli linguistici è definito, se ammetta o no la bontà della parte corporea insieme a quella spirituale, in generale se venga ammessa o negata la bontà della corporeità nel percorso di perfezionamento dell'individuo umano. Questa discussione teoretica si muove attraverso una costellazione di rimandi intertestuali tra le opere, a mostrare l'esistenza di un sostrato semantico comune che significhi un problema teologico condiviso che l'intellettuale medievale tenta di risolvere.

Notre travail se veut une sorte de perspective historique du conte au XIXe siècle présentée à travers l'analyse d'un choix de textes significatifs de l'époque, mais notre but est aussi de réfléchir aux caractéristiques qui rendent le conte un genre spécifique, différent de la nouvelle. N'oubliant jamais qu'à l'époque le conte et la nouvelle sont quasi inséparables, notre thèse présente les diverses formes (ou bien typologies) que le conte adopte au XIXe siècle. La thèse se compose ainsi de trois parties différentes, à savoir l'Introduction, la Partie Générale et les Conclusions. La partie introductive retrace brièvement l'histoire du récit bref dès le Moyen Âge et jusqu'au Siècle des Lumières et propose de différentes définitions de conte et de nouvelle que donnent les dictionnaires et les encyclopédies de diverses époques. La Partie Générale propose l'analyse de plus de cent recueils de contes du XIXe siècle, analysant aussi le rôle du conte dans les revues (ch. V) et dans les recueils collectifs (ch. VI) de l'époque. La partie conclusive, consacrée à la réflexion théorique sur le statut du conte en tant que genre littéraire spécifique, énonce les idées proposées à l'époque par Gœthe, Edgar Poe, Baudelaire et Marcel Schwob et propose finalement une tentative de définition de conte au XIXe siècle en partant des trois catégories de la Forme, du Sujet et du Message
Our work traces an historical perspective of the genre of the conte through the presentation of lots of texts of the 19th century, and considers the characteristics which make the conte a particular literary genre, different from the nouvelle. Always keeping in mind that the conte and the nouvelle are almost inseparables in the 19th century, our dissertation aims to present the different kinds of contes existing in this century and, at the same time, to meditate on the idea of conte as a specific genre. Our dissertation is made up of three different parts, namely the Introduction, the General Part and the Conclusions. The introductive part retraces the iter of the short story from the Middle Ages up to the 17th century and also proposes some definitions of conte and nouvelle given by dictionaries of different periods. The General Part proposes an historical as well as literary perspective of the genre of the conte in its different aspects through the analysis of more than a hundred collections of contes of the 19th century. It also analyses the role of the conte in the reviews (ch. V) and in the mélanges (ch. VI) of that age. The Conclusions are entirely consecrated to the reflections on the idea of the conte considered as a specific literary genre, enouncing the theories proposed in the 19th century by Gœthe, Edgar Poe, Baudelaire and Marcel Schwob, and also proposing a definition of the conte in the 19th century through the three categories of Form, Subject and Message

La tesi intende evidenziare i meriti di alcuni esegeti delle Tragoediae di Seneca dei secoli XIV-XV. Nella prima parte, si propone una nuova edizione critica degli argumenta delle Tragoediae di Pietro da Moglio. Nella seconda, si ripercorre anzitutto la tradizione delle Tragoediae fino alla loro riscoperta a inizio Trecento. Ci si sofferma poi sulla ricezione di Petrarca e Boccaccio, e si evidenzia la conoscenza da parte di Giovanni del Virgilio delle Tragoediae, rievocate in brani delle sue opere analizzati e posti a confronto con gli studi di Petrarca. Si riporta il testo critico degli argumenta del da Moglio con traduzione e commento, analizzandone l’ampia diffusione. Si propone l’edizione con traduzione e commento dei testi sulle Tragoediae redatti da Lorenzo Ridolfi quand’era allievo di Coluccio Salutati e aveva conosciuto Domenico Bandini. Raccolti i manoscritti delle opere di Bartolomeo del Regno, ci si sofferma su un volume delle Tragoediae esemplato su un suo codice e con contenuti inediti. Si avanzano ipotesi su Petrus Y. Parmensis sulla base delle glosse di un manoscritto delle Tragoediae da lui copiato e annotato e si esamina il rapporto testo-miniature di questo e altri codici. Passati in rassegna i libri di Francesco da Fiano e Francesco Piendibeni, si auspica l’edizione del commento del primo al Bucolicum carmen – evidenziando rimandi alle Tragoediae nelle sue opere –, e quella delle postille del Piendibeni a Seneca tragico. Si pone in luce l’origine bolognese dell’interesse del Salutati per le Tragoediae, da lui copiate in gioventù e corredate di note, di cui si auspica l’edizione. Si presentano i passi dell’Epistolario e del De laboribus Herculis debitori alle Tragoediae, auspicandone l’analisi.
The thesis aims to highlight the merits of some exegetes of Seneca's Tragoediae of the 14th-15th centuries. The first part proposes a new critical edition of the argumenta of the Tragoediae by Pietro da Moglio. The second part traces, first of all, the tradition of the Tragoediae up to their rediscovery at the beginning of the 14th century. It then dwells on the reception by Petrarch and Boccaccio, and highlights Giovanni del Virgilio's knowledge of the Tragoediae, evoked in passages from his works that are analysed and compared with Petrarch's studies. The critical text of da Moglio's argumenta is reported with translation and commentary, analysing its wide circulation. It proposes the edition with translation and commentary of the texts on the Tragoediae written by Lorenzo Ridolfi when he was a pupil of Coluccio Salutati and had met Domenico Bandini. After collecting the manuscripts of Bartolomeo del Regno's works, the focus is on a volume of the Tragoediae based on one of his codices and with unpublished contents. Hypotheses are put about Petrus Y. Parmensis on the basis of the glosses of a manuscript of the Tragoediae copied and annotated by him, and the text-miniatures relationship of this and other codices is examined. After reviewing the books of Francesco da Fiano and Francesco Piendibeni, the edition of the former's commentary on the Bucolicum carmen is hoped for - highlighting references to the Tragoediae in his works - as the edition of Piendibeni's notes to tragic Seneca. It highlights the Bolognese origin of Salutati's interest in the Tragoediae, which he copied in his youth and provided with notes,the edition of which is hoped for. Passages of the Epistolario and De laboribus Herculis that are indebted to the Tragoediae are presented, hoping for an analysis.

Dopo una breve introduzione alla critica dantesca dell'ultimo cinquantennio, di essa sarà analizzato un campione di dieci monografie notevoli di altrettanti autori, composte in quest'arco di tempo e divenute fondamentali o di grande importanza all'interno degli studi di dantistica: "Studi su Dante", di Erich Auerbach (1963); "Un'idea di Dante. Saggi danteschi", di Gianfranco Contini (1976); "La poesia della 'Divina Commedia'", di Charles S. Singleton (1978); "Dante filosofo e poeta", di Rocco Montano; "Dante. La poetica della conversione", di John Freccero (1986); "La 'Commedia' senza Dio. Dante e la creazione di una realtà virtuale", di Teodolinda Barolini (2003); "Human Vices and Human Worth in Dante's 'Comedy'", di Patrick Boyde (2000); "La nobiltà di Dante", di Umberto Carpi (2004); "L'io e il mondo. Un'interpretazione di Dante", di Marco Santagata (2011); "Qualche idea su Dante", di Mirko Tavoni (2015). Per ciascun volume si fornirà una schedatura di indice e schema, di tesi espresse e percorsi esplorati, e di un elenco ragionato di recensioni e di citazioni ricevute.

Parlare dell'influenza dei mezzi di trasporto moderni, e in particolare della motocicletta, nella letteratura italiana permette di aprire nuove prospettive di studio, perché oggi ci si confronta giornalmente con veicoli potenti e tecnologicamente sempre più avanzati. In ambito culturale gli intellettuali riconoscono al veicolo a due ruote un ruolo importante per descrivere la società. Attraverso la motocicletta l'individuo avverte in sé una nuova forza che lo porta a sperimentare l'ansia d'infinito. Egli si sente un nuovo centauro che ha assunto in sé le medesime caratteristiche di forza e velocità del suo mezzo meccanico. Nei secoli passati il veicolo più usato era il cavallo, nell'era di navi, treni e aerei il mezzo che più gli si avvicina è la moto, non solo per la postura del cavaliere, ma perché essa lascia il pilota a contatto con il paesaggio esterno, con i vari fenomeni atmosferici (pioggia, sole e vento) e con i profumi della natura. Se in passato il moto del cavallo poteva diventare il pretesto per esprimere determinati processi narrativi, nel Novecento tale compito è affidato alla motocicletta che cha finito per condizionare il modo di vivere e di pensare degli uomini del XX secolo.
Speaking about the influence of modern means of transport (in particular about the motorcycle) in literature, fixes a new way of studying culture, because today we have to cope with more and more powerful and technologically advanced vehicles. Intellectuals acknowledge motorcycles an important role to describing society. Thanks to the motorcycle man exploits a new strength that enables him to overcome his limits. He feels a sort of divinity embodying the same peculiarities as his vehicle. In the past the horse was the most widespread means of transport while today, in an age of airplanes, ships and trains, it has been replaced by the motorcycle, both for the rider's posture and for his contact with the environment and its expressions: rain, sun and wind as well as the perfumes of the Earth. Just like the horse's motion was in the past a way to express narrative processes, the motorcycle has inherited this task today, therefore conditioning the contemporary way of living and thinking.

Parlare dell'influenza dei mezzi di trasporto moderni, e in particolare della motocicletta, nella letteratura italiana permette di aprire nuove prospettive di studio, perché oggi ci si confronta giornalmente con veicoli potenti e tecnologicamente sempre più avanzati. In ambito culturale gli intellettuali riconoscono al veicolo a due ruote un ruolo importante per descrivere la società. Attraverso la motocicletta l'individuo avverte in sé una nuova forza che lo porta a sperimentare l'ansia d'infinito. Egli si sente un nuovo centauro che ha assunto in sé le medesime caratteristiche di forza e velocità del suo mezzo meccanico. Nei secoli passati il veicolo più usato era il cavallo, nell'era di navi, treni e aerei il mezzo che più gli si avvicina è la moto, non solo per la postura del cavaliere, ma perché essa lascia il pilota a contatto con il paesaggio esterno, con i vari fenomeni atmosferici (pioggia, sole e vento) e con i profumi della natura. Se in passato il moto del cavallo poteva diventare il pretesto per esprimere determinati processi narrativi, nel Novecento tale compito è affidato alla motocicletta che cha finito per condizionare il modo di vivere e di pensare degli uomini del XX secolo.
Speaking about the influence of modern means of transport (in particular about the motorcycle) in literature, fixes a new way of studying culture, because today we have to cope with more and more powerful and technologically advanced vehicles. Intellectuals acknowledge motorcycles an important role to describing society. Thanks to the motorcycle man exploits a new strength that enables him to overcome his limits. He feels a sort of divinity embodying the same peculiarities as his vehicle. In the past the horse was the most widespread means of transport while today, in an age of airplanes, ships and trains, it has been replaced by the motorcycle, both for the rider's posture and for his contact with the environment and its expressions: rain, sun and wind as well as the perfumes of the Earth. Just like the horse's motion was in the past a way to express narrative processes, the motorcycle has inherited this task today, therefore conditioning the contemporary way of living and thinking.

L'analisi dei rapporti che avvicinano l'opera di Leonardo Sciascia alla storia, alle idee, e ai protagonisti del Settecento europeo, si e' troppo spesso concentrata sui valori illuministici espressi dall'opera stessa. Muovendo dalla considerazione che il Settecento, per Sciascia, e' innanzitutto categoria metastorica dell'interpretazione del mondo, questo studio articola in tre parti e nove sondaggi alcuni dei possibili approfondimenti sull'argomento. La prima parte analizza il saggio sul "Secolo educatore", il testo piu' importante dedicato dallo scrittore al Settecento e ai suoi autori; si e' scelto quindi di proporre due ulteriori valutazioni sul valore dell'affezione di Sciascia per le figure di Denis Diderot e Paul-Louis Courier. La seconda parte, tematica, affornta l'evoluzione della pratica e del genere della "conversazione", rilevando la presenza del modello francese e settecentesco nella prosa narrativa e saggistica dello scrittore. La terza, infine, e' dedicata alla rilettura delle due opere ambientate da Sciascia nel XVIII secolo, "Il Consiglio d'Egitto" e "Recitazione della controversia liparitana, dedicata ad A.D.". A tenere insieme le tre sezioni e' la ricchezza semantica acquistata - proprio nel Settecento - dalla parola "sentimento", che fornisce una convincente chiave di lettura del legame tra lo scrittore siciliano e il "lungo" secolo.
The analysis of the relationships that bring together the work of Leonardo Sciascia and the history, ideas and protagonists of Europe in the 18th century, is too often concentrated on the values of the Enlightenment that the work expressed. Beginning with the consideration that that century for Sciascia is above all a metahistoric category of the interpretation of the world, this study in three parts and nine essays articulates some possible elaborations on the subject. The first part analyses the essay headed "Il secolo educatore", the most importantant text dedicated by the writer to the 18th century and its authors; therefore it was chosen to propose two further examinations of the value of Sciascia's affection for the figures of Denis Diderot and Paul-Louis Courier. The second part, thematic, confronts the evolution of the practice and nature of the "conversazione", pointing out the presence of the French model and 18th century in the prose and essays of the author. The third, is dedicated to a new reading of the two works by Sciascia set in the XVIII century, "Il Consiglio d'Egitto" e "Recitazione della controversia liparitana, dedicata ad A.D.", preceded by a preface on the narrative implications of rewriting history. Keeping the three sections together, is the rich semantics/polysemy gained - in the 1700s - by the word "sentimento", that provides a convincing key to understanding the bond between the Sicilian author and the "long" 18th century.

Il 23 dicembre 2002 un programma televisivo diventa un caso letterario. Roberto Benigni recita in prima serata su RAI Uno l'ultimo canto del Paradiso. Dal giorno seguente le vendite della Divina Commedia aumentano in maniera esponenziale: i letterati cominciano a riflettere sull'efficacia di questa performance, e l'opinione pubblica non risparmia le critiche a un sistema scolastico che in questi anni, di certo, non ha saputo produrre lo stesso interesse verso l'opera di Dante. A livello popolare sempre di più sono le persone che si appassionano alla trasposizione del viaggio dantesco messa in scena dal comico fiorentino. A livello didattico si tenta la corsa alla semplificazione o all'ausilio delle moderne tecnologie per cercare di comunicare attraverso gli strumenti multimediali più recenti a cui i ragazzi in età scolare sono più abituati e nei confronti dei quali, di conseguenza, dovrebbero essere più ricettivi. Partendo da questi presupposti è il caso di indagare per comprendere qual è il limite verso cui ci si può spingere senza rinnegare il messaggio originario dell'opera dantesca e allo stesso tempo permettere la massima ed efficace divulgazione del capolavoro letterario alla base della nostra cultura nazionale.

Cette thèse s'inscrit dans une dynamique de recherche qui seulement récemment a commencé à remettre en discussion une doxa de l'historiographie théâtrale un peu simpliste: dans le contexte italien, l'avènement de la mise en scène moderne serait un phénomène tardif, par rapport à d'autres Pays, comme par exemple l'Allemagne, la France, la Russie. Ce « retard » trouverait son origine dans la persistance d'une tradition autoréférentielle de l'acteur. Le système dans lequel il se produit - un système de troupes nomades, en l'absence d'un pôle théâtral hégémonique comme pouvait l'être Paris pour la France - serait inévitablement réfractaire à l'intrusion d'une figure artistique perçue comme étrangère: le metteur en scène. Il faudrait attendre l'après-guerre pour assister en Italie à l'affirmation de ce qu'on appelle la regìa. Ce lieu commun de l'historiographie a véhiculé une série d'équivoques et d'approximations qui aplatissent un phénomène comme l'affirmation de la mise en scène moderne, nourrissant ainsi un discours téléologique de progrès qualitatif.Une série de recherches menées à partir des années 2000 nous invite cependant à considérer la mise en scène comme un aspect de l'art théâtral dans toute sa complexité. Des concepts comme ceux de proto-regia (proto-mise en scène, Perrelli, 2005), de continuité/discontinuité (Sarrazac-Consolini, 2010), montrent les limites d'une définition univoque de cet art. Sous cette lumière, le contexte italien apparaît alors comme un terrain en friche. Une étude récente a justement montré la sensibilité du système italien envers l'œuvre des maîtres européens de la scène, en tournée dans la Péninsule entre 1911 et 1940 (Schino, 2008).Nous nous proposons alors de revenir d'une part sur la construction de l'idée du « retard », et sur les raisons qui ont fait de la mise en scène un véritable graal, d'une autre part nous souhaitons souligner de quelle façon cet art émerge en Italie justement à partir de la présupposée cause du retard: l'acteur. L'avènement de la mise en scène ne serait donc pas une épiphanie brusque, mais un art qui s'exprime de manière différente, selon le modus operandi des artistes et en fonction des caractéristiques du système théâtral
This doctoral thesis challenges the simplistic doxa in theatre historiography that views genesis of theatre direction in Italy as a late phenomenon in comparison to other countries such as Germany, France, and Russia. This “delay” is thought to be due to the actor’s persistent self-referential tradition. According to the doxa, the Italian theatre system would have been resistant to the introduction of the new role of director, which was perceived as extraneous. This situation would have been caused in Italy by the popularity of wandering companies and the absence of a dominant theatrical focal point such as Paris was in France. The phenomenon of a strictly speaking regìa would have only emerged after the Second World War. This view has led to a series of misinterpretations and misunderstandings that oversimplify the phenomenon of the development of modern direction, favouring a teleological argument of qualitative progress. However, a number of studies carried out from the 2000’s encourage us to consider the direction as a complex aspect of the theatrical art. Concepts such as ‘proto-direction’ (Perrelli, 2005) and continuity/discontinuity (Sarrazac-Consolini, 2010), show the limits of an univocal definition of this art. In light of these studies, the Italian panorama appears as an uncharted territory. A recent study of the European directors’ tours in Italy for the years from the 1911 to 1940, has actually demonstrated the Italian system’s responsiveness (Schino, 2008).My research investigates the origin of the concept of “delay”, and the reasons by which theatre direction in Italy came to be considered by scholars as some sort of grail. I also highlight how direction in Italy emerges from the main source of the supposed delay itself: the actor. Indeed, the appearance of theatre direction is not abrupt; but rather a multifaceted art, which changes according to artists’ modus operandi and is dependent on the characteristics of the theatrical system

Travel as a primary human activity has long been examined in all its different facets and functions: exploration, discovery, conquest, quest for the unknown. It has been considered a means of self-discovery and self-determination. The scholarly literature on this topic has revealed that far from corresponding simply to a physical displacement, traveling represents above all a cognitive moment.
Building on travel as a privileged moment to acquire knowledge, this dissertation focuses on how physical displacement to non-familiar places and the encounter with a different civilization can change the mental structures and cultural categories of the traveler. Particular attention is devoted to the relationship between the traveler and the Other, in this specific case the populations of Africa.
My discussion takes into consideration the writings of three Italian authors who traveled to Africa at three very different but equally important moments in African history. Gaetano Casati was an explorer and witnessed the first phases of European colonization in North Africa. Alberto Moravia visited Africa after the sixties and witnessed the decolonization process. Finally, Gianni Celati traveled to the continent at the end of the 20th century and experienced the profound contradictions besetting contemporary post-colonial and neo-colonial Africa.
Although the historical context is necessary to understand the relational dynamics into play, the main argument of this thesis, i.e., the encounter with the Other, is explored within the post-colonial and cultural studies framework. This approach sheds new light on the texts, making new and different critical interpretations possible. Within this distinctive perspective, travel becomes the moment in which the encounter with the Other takes place. This framework, along with the phenomenological approach developed by Emmanuel Lévinas, has allowed me to emphasize the dialectical relationship between the Self and the Other.
A very contradictory reality has emerged, which continues to be problematic in recent years in spite of the fact that today people can travel more often and faster. In the final analysis, the nature of the traveler's relationship with the Other emerges ever more clearly as the result of a fundamental ethical choice.
Le voyage est, depuis toujours, une des plus importantes activités auxquelles l'humain s'adonne: qu'il s'agisse d'exploration, de découverte, de conquête, d'une recherche de l'inconnu ou d'une quête d'identité, les fonctions symboliques et métaphoriques du voyage ont fait déjà l'objet de nombreuses études. Ces dernières se sont d'ailleurs toutes attardées à un aspect primordial: le voyage ne signifie pas seulement un déplacement physique, il est avant tout un moment cognitif.
La présente thèse se penche précisément sur cet aspect pour en mieux faire ressortir les différents enjeux. Partant de la prémisse que le voyage constitue un moment propice à l'acquisition de nouvelles connaissances, nous démontrons comment le déplacement physique vers et à l'intérieur de lieux étrangers ainsi que la rencontre avec l'Autre - dans le cas qui nous préoccupe ici, les différentes populations de l'Afrique - influencent et modifient les structures culturelles du voyageur.
Le corpus analysé est formé des récits de voyage de trois auteurs qui ont visité l'Afrique à trois moments historiques différents mais tous aussi significatifs: l'exploration et la colonisation, la décolonisation, et enfin l'Afrique contemporaine aux prises avec la néo-colonisation et la pauvreté. Bien qu'une mise en contexte historique s'avère importante pour comprendre les récits de Gaetano Casati, Alberto Moravia et Gianni Celati, l'axe principal autour duquel tourne la présente thèse - la relation à l'Autre - sera abordé à partir d'un cadre théorique inspiré de la critique post-coloniale et des études culturelles. Ces approches combinées nous permettent de lire ces textes d'un point de vue différent et, par conséquent, d'en livrer une nouvelle interprétation.
Ce cadre critique, uni à l'approche phénoménologique d'Emmanuel Lévinas, nous permet ainsi de considérer la rencontre avec l'Autre qui émerge de l'expérience du voyage comme un moment charnière de la relation entre le soi et l'autre, une relation dont la réalité vécue s'avère hautement complexe et contradictoire, dans toutes les époques prises en considérations, et donc aussi dans la contemporanéité. En effet, bien que les voyages soient beaucoup plus fréquents aujourd'hui, et bien que les possibilités de rencontre avec l'Autre s'en trouvent multipliées, cette relation reste encore difficile à définir. Les termes à partir desquels la relation à l'Autre se développe demeurent, ultimement, le choix éthique du voyageur.

Il lavoro si inserisce nell’ambito dell’onomastica e ha come tema lo studio del sistema antroponimico di una comunità rurale in area subalpina, in un periodo compreso tra il XVI e il XIX secolo. L’analisi antroponimica degli abitanti di una piccola realtà rurale consente di ampliare le conoscenze della trasmissione dei nomi nella dimensione suburbana, andando ad integrare gli studi onomastici più frequentemente incentrati sui grandi centri politici. L’arco temporale si estende dalla fine del Concilio di Trento (1563) all’epoca della formazione dei grandi regni nazionali, al fine di rintracciare i mutamenti nei nomi individuali e nei nomi di famiglia avvenuti in un periodo ancora trascurato dal punto di vista degli studi antroponimici. Le fonti esaminate provengono dagli archivi ecclesiastici. Per l’indagine sono stati trascritti circa 9000 atti di battesimo sinora inediti relativi al comune di Caluso, in provincia di Torino. Il corpus antroponimico costruito a partire dai dati onomastici ricavati dai documenti trascritti è stato esaminato dal punto di vista quantitativo e qualitativo, con attenzione all’andamento in diacronia dei nomi individuali e di famiglia, al loro studio tipologico, alla messa in rilievo di tratti linguistici peculiari e di interferenze dialettali. Attraverso l’utilizzo del software Q-Gis sono state create mappe che mostrano l’area di provenienza di alcuni cognomi e gli spostamenti di alcune alleanze familiari. Gli antroponimi sono indagati anche attraverso le reti intrafamiliari e il confronto con i nomi dei Santi del giorno, dei parenti e dei padrini. Non mancano considerazioni sul sistema di denominazione dei bambini abbandonati.
This thesis focuses on onomastics, and it aims to provide an overview on the system of personal names of a subalpine community between XVI and XIX centuries. The anthroponymic analysis of a little rural village allows to expand knowledge about the transmission of names in the suburban dimension, by integrating onomastic studies, which are often focused on bigger areas. This work is based on almost 9000 unedited baptism certificates related to a village called Caluso (Turin), which were transcribed and poured in a database. The corpus was analyzed from a quantitative and a qualitative point of view, focusing on the diachronic evolution of individual and family names, underlining peculiar linguistics aspects and studying names typologies. Through the use of the software Q-Gis it was possible to obtain some maps which show the area of origins of some surnames and the moving of some familiar alliances. Anthroponyms are also investigated through intra-familiar networks and through the comparison to the Saints of the day, relatives, and Godparents’ names. Some additional comments on the naming system of abandoned children are also included.

Abstract Il presente lavoro intende realizzare una ricostruzione critica dell’evoluzione storico-normativa concernente la disciplina dell’introduzione e trattazione della controversia negli ordinamenti italiano e spagnolo fra XIX e XX secolo. In questa prospettiva si dedica particolare attenzione alla genesi dei rispettivi modelli di codificazione ‘moderna’ e al successivo dibattito sulle riforme e tentativi di riforma precedenti l’emanazione dei codici attualmente in vigore. Il tutto nell’ottica di evidenziare significative affinità fra esperienze evolutive tradizionalmente considerate a sé stanti.
Abstract This work intends to provide a critical reconstruction of historical development concerning the legal framework of civil pre-trial procedure in Italian and Spanish legal systems between the 19th and 20th century. In this perspective special attention is focused on respective models of ‘modern’ codification as well as on subsequent reforms until the enactment of current civil procedure codes. All with a view to highlighting relevant similarities between historical evolutions traditionally considered in their own right.

Studi, commenti e confronti volti a delineare le misure e la conformazione dell’Inferno dantesco, dei giganti e di Lucifero con una panoramica sull’influenza che il locus inferi immaginato da Dante ha avuto sull’arte rinascimentale​.

La tesi cercherà di delineare l'immagine dell'Armenia, in particolare della popolazione armena cosiddetta orientale, all'interno della cultura e letteratura russa del XIX e dei primi decenni del XX secolo. Dopo aver tracciato le basi del rapporto storico-politico costituitosi tra Russia e Armenia, vedremo che considerazione, che ruolo e che importanza aveva la popolazione armena all'interno della cultura russa e di come tutto ciò si sia riflettuto nelle opere di grandi autori russi. In particolare verranno analizzate alcune produzioni di Puškin, Griboedov, Lermontov e Tol'stoj, per poi concentrarsi sul particolare interesse sviluppato per la popolazione armena, a cavallo tra il XIX e il XX secolo, da parte di alcuni studiosi, come Veselovskij, e di alcuni poeti russi, come Brjusov e Gorodeckij. L'analisi verrà effettuata mettendo inoltre a confronto le tesi di studiosi anglosassoni e di studiosi russi che si sono spesso trovati in contrasto sulla natura e sul significato della questione dell'orientalismo all'interno dei rapporti culturali russo-armeni.

Traccia del contenuto della tesi Si analizza l’officina editoriale di Bernardino (de) Vitali, di origini albanesi, entro il panorama del dibattito culturale della prima metà del Cinquecento a Venezia. Ne emerge una ricca produzione che risponde a tutte le novità del dibattito culturale: dalle discussioni linguistiche alle attività di volgarizzamenti dai classici, dall’attenzione al mondo musicale all’affermarsi del teatro rinascimentale. In quest’ultimo settore si analizza la presenza dell’eroe nazionale albanese, ormai diventato eroe sovranazionale, Giorgio Castriota Principe di Epiro, soprannominato Scanderbeg, ovvero Principe Alessandro, nuovo Alessandro Magno. Si mostra come Scanderbeg sia stato inserito nel panorama mitografico della Serenissima, sia entrato nelle forme celebrative dell’arte veneziana, abbia dato vita a una commedia dell’arte di tale successo da rimanere sempre richiesta dal pubblico dal Seicento al tempo di Carlo Goldoni, fino a fornire tematiche tragiche nel secondo Settecento, tra i fermenti culturali della Padova di Melchiorre Cesarotti. In interlinea si delinea, entro gli orizzonti dello Stato da Mar di Venezia, la presenza costante dell’Albania Propria (altro dall’Albania Veneta), terra geo politicamente strategica entro il Commonwealth veneziano.

L’objectif principal de cette thèse a été d’étudier le rêve – en tant que thème philosophico-littéraire – dans la littérature de témoignage, notamment dans les œuvres de trois auteurs (Primo Levi, Charlotte Delbo, Jorge Semprún). En retraçant l’histoire séculaire du motif onirique, nous nous sommes proposée d’identifier les différentes formes et fonctions que ce dernier peut revêtir au sein d’un corpus d’œuvres vaste, varié et trans-générique. Deux problématiques, en particulier, orientent le cheminement de la recherche : 1) l’utilisation du rêve comme dispositif discursif susceptible de perturber l’énonciation réaliste – rivée aux faits – propre du genre documentaire/testimonial et 2) la représentation du rêve comme pilier autour duquel se construit et se réorganise – sous une modalité inédite, non symbolique et non événementielle – tant la narration du moi que l’écriture de l’histoire. Nous avons procédé à trois niveaux d’analyse dans le cadre de l’étude du rêve, chacun correspondant à l’une des différentes fonctions du motif onirique : le rêve comme mode du discours, le rêve comme figure, le rêve comme récit. Dans la lignée d’une onirocritique moins psychologique que philosophique, nous avons souhaité dépasser l’approche traditionnellement herméneutique-symbolique de la doctrine freudienne, pour avancer, sur la voie des théories phénoménologiques de Binswanger et Foucault, une lecture pour ainsi dire horizontale, affective et existentielle du thème-rêve. Étant à la fois une expérience biographique, un artifice rhétorique et un signe à haute valeur philosophique, le rêve ne se limite pas dans ces œuvres à un rôle purement décoratif, mais reflète plutôt – en microcosme – les différents enjeux inhérents à l’écriture et à l’entreprise testimoniale.
This dissertation explores how the dream – as a literary theme – is conceived, illustrated and conveyed in testimonial literature, focusing on the works of Primo Levi, Charlotte Delbo and Jorge Semprún. While retracing the philosophical and literary history of the dream, we address this phenomenon in its textual specificity and various forms and functions. Two specific issues have been considered: 1) the use of the dream as a literary device for contrasting/reversing the conventional “realistic” framework of testimonial narrative; 2) the representation of the dream as a cornerstone, a sort of metadiscursive strategy for reinventing and reorganizing the narrative of the self and the writing of history. The oneiric process, as seen in the works examined, does not seem to be influenced by the usual, symbolic, Freudian hermeneutics; rather, it is suggestive of a more philosophical and morphological approach to writing/interpreting the dream, based on what Binswanger and Foucault referred to as an “affective” and “existential” experience of the self. Being at once a biographical experience, a literary artifice and a philosophical mark, the literary dream represented by the testimonial authors is never confined to a minor, sporadic, ornamental role, but has the qualities of a real microcosm: it reflects the entire universe of the work of art in which it originates, featuring its stylistic as well as semantic and ideological connotations in detail.
Il lavoro di tesi si prefigge come obiettivo l’analisi del tema del sogno nella letteratura testimoniale europea, con riferimento particolare alle opere di tre autori (Primo Levi, Charlotte Delbo, Jorge Semprún). Collocando il motivo onirico all’interno di una specifica tradizione filosofico-letteraria, di matrice per lo più europea, se ne indagano le diverse forme e declinazioni all’interno di un corpus vasto, multiforme e trans-generico. Due, in particolare, le problematiche emerse con maggiore evidenza: 1) l’uso del sogno come dispositivo discorsivo atto a ribaltare l’enunciazione classicamente mimetico-realista propria al testo testimoniale; e 2) la rappresentazione della visio notturna come grimaldello, cardine meta-discorsivo, attorno a cui ruota un profondo ripensamento della scrittura della storia e della narrazione del sé, secondo una prospettiva per lo più anti-psicologica, anti-simbolica e anti-fattualista. Nelle opere prese in esame, verrebbe dunque meno l’ipotesi freudiana, di un simbolismo intrinseco proprio al sogno, e emergerebbe piuttosto una caratura affettivo-esistenziale dell’episodio onirico: incubi e sogni presiedono dunque alla costruzione del testo testimoniale, alla sua ricalibratura su modi per lo più irrealistici, alla sua fondazione su un tipo di sapere altamente anti-positivo, e invece fatico, frammentario e corporale. Essendo a un tempo esperienza del biografico, artificio letterario e contrassegno filosofico, il sogno non si limita in questi testi a essere elemento episodico/decorativo, ma riflette invece – come in un microcosmo – i diversi livelli e le diverse problematiche insite nella scrittura.

La tesi vuole ricostruire la ricezione sociale del De Regimine Principum di Egidio Romano a partire dal lessico economico. Per raggiungere questo scopo si parte da un primo capitolo che serve da necessaria premessa storio-grafica. Il secondo capitolo presenta la struttura, le circostanze di composizione e la diffusione del De Regimine Principum e delle sue versioni nei volgari. Si affronta poi nel terzo capitolo l’analisi del lessico economico della versione latina, per circoscrivere di seguito alcuni concetti che rivestono maggiore importanza, come quello di in-dustria. Nel quarto capitolo si operano dei raffronti sulla base del lessico sopra individuato con le traduzioni francese e senese, e all’interno delle varie versioni italiane esistenti, con lo studio anche di alcuni manoscritti par-ticolarmente significativi. Si conclude quindi evidenziando le acquisizioni ricavate nel corso della trattazione. Se-gue un’appendice con l’analisi dei testamenti di Egidio Romano.

La tesi indaga la fortuna di cui godettero i primi cinque libri della 'Biblioteca storica' di Diodoro Siculo nei secoli XV e XVI attraverso lo studio della traduzione latina ad opera di Poggio Bracciolini (1449) e dei primi due volgarizzamenti italiani noti, entrambi anonimi, di cui si propone un'analisi e un saggio di edizione.

This dissertation aims at analysing a specific literary genre which focuses on artistic creation and, more specifically, on the failure of the painter’s creative power. This literary form has been interpreted by critics as one of the reactions by novelists to the fracture between the two sister arts – painting and literature -, a fracture caused by the decline of the ancient ut pictura poesis doctrine. The current work will try to demonstrate that this theoretical principle still had influence on French literary creation even after the publication of Lessing’s Laocoon, which historically represents the ultimate fracture between literature and painting. The analysis carried out in this work focuses on the two main elements of the ut pictura poesis principle, namely the opposition between painting and colour, and the supremacy of literature over painting. As for the former, this dissertation will attempt to demonstrate how the stereotypes that originated from the so-called querelle du coloris actually helped the establishment of a strong connection between chromatic elements and madness. In the novels analysed in this work, colour is no longer seen as the source of life, but as the means through which the artist gives shape to his obsessions. The supremacy of literature over painting will be investigated from different angles: firstly, the analysis will try to identify the nature of the relationship of the main character of the novels – the painter –with both his own author and with the other characters of the texts under investigation. On the basis of previous critical works, this dissertation will then try to show that the painter is his own creator’s alter ego, who frees himself from his dangerous obsessions through the mise à mort of his own creation. Besides the main character – the painter - the observation of the various characters of the novels under analysis will highlight the recurring presence of a further artist – a novelist or a painter himself – who acts as a mediator between the main character and his audience. This additional character seems to embody the novelist’s more rational and socially acceptable traits, which make him superior to the painter himself. The new role of the novelist as critique d’art and as the painter’s mentor seems to suggest a nostalgic view of the role of literature, which, according to the ancient ut pictura poesis principle, is meant to predominate over painting.On the basis of these observations, this work will propose the use of the new terms Other Id and Other Ego to identify – respectively - the painter, in other words the embodiment of the author’s negative features, and the mentor. This dissertation will even look at the concept of the supremacy of literature over painting by analyzing the authors’ stylistic choices, which also seem to originate from the rivalry between the two arts and find their perfect personification in the Other Id and Other Ego.
La presente tesi verte sull’analisi di un filone del romanzo francese dell’Ottocento che ha al suo centro il tema della creazione pittorica e, in particolare, del fallimento del pittore. Tale tema è già stato interpretato dalla critica come una delle risposte che il letterato oppone all’allontanamento delle due arti sorelle – pittura e letteratura –, dovuto all’eclissi della secolare dottrina dell’ut pictura poesis. Questo lavoro intende dimostrare come tale principio teorico sopravviva anche dopo la pubblicazione del Laocoonte di Lessing (1766), l’opera cui tradizionalmente viene fatta risalire la definitiva separazione tra gli ambiti della creazione letteraria e di quella pittorica. È proprio nel romanzo incentrato sulla creazione pittorica che il presente lavoro identifica il terreno su cui il principio dell’ut pictura poesis in realtà continua a prolificare, almeno nei suoi tratti essenziali. Tra questi ultimi sono stati individuati e analizzati in particolare l’opposizione tra disegno e colore, e la supremazia della letteratura sulla pittura. Per quanto concerne la querelle du coloris, in questa tesi si dimostra che gli stereotipi attribuiti al colore nel corso di tale diatriba hanno contribuito alla formazione, all’interno delle opere analizzate, di uno stretto legame tra l’elemento cromatico e il demoniaco o la follia. La capacità di dare la vita, da sempre attribuita al colore, viene così relegata alla produzione di vere e proprie ossessioni del creatore. L’altro caposaldo dell’ut pictura poesis, ovvero la supremazia dell’arte letteraria su quella pittorica, viene indagato attraverso diverse piste d’analisi. Esso è stato innanzitutto ricercato nei rapporti che il pittore protagonista intrattiene con il proprio autore e con gli altri personaggi dei testi analizzati. Si è quindi evidenziato, secondo studi critici precedenti, come il pittore costituisca l’alter ego del suo creatore, il quale espia le proprie pulsioni pericolose attraverso la mise à mort della sua creatura. Il confronto tra i personaggi ha messo in luce la frequente presenza, accanto al pittore protagonista, di una figura, anch’essa artista, pittore o letterato, che si pone come guida e mediatore tra il personaggio principale e il suo pubblico, essendo quest’ultimo incapace di comprendere e accettare le innovazioni apportate dal protagonista nell’ambito della propria arte. Tale figura d’intermediario riunisce il nuovo ruolo di critico d’arte che il letterato si è ritagliato nella società moderna e la sua antica funzione di guida del pittore, testimoniando al contempo una nostalgia letteraria dell’antica egemonia della poesia sulla pittura. Inoltre, questo stesso personaggio rappresenta un’ulteriore emanazione della personalità dell’autore, ma, in questo caso, non più dei suoi tratti oscuri, bensì di quelli più rassegnati e socialmente accettabili. Di conseguenza, nel corso della trattazione non solo si riconosce una velata superiorità del personaggio-guida – ovvero del personaggio-scrittore, quando presente nella narrazione –, ma si propone inoltre di sostituire il termine comunemente utilizzato di alter ego, con Altro Es, da attribuire al protagonista, e Altro Io, corrispondente al personaggio-guida. La persistenza dell’idea della supremazia della letteratura sulla pittura viene rinvenuta anche nell’ambito delle scelte stilistiche degli autori, oltre che in altri aspetti significativi dei romanzi analizzati, che riflettono chiaramente la rivalità tra le due arti. Esse sono infatti costantemente messe in contrapposizione attraverso le figure dei loro rispettivi rappresentanti fittizi o, in alcuni casi più complessi, mediante una sorta di competizione tra il pittore e il suo stesso creatore, cioè lo scrittore, che attua così una mise en abyme.

La centralità che la Sicilia aveva conosciuto durante le vicende risorgimentali sembrò riproporsi, a partire dalla metà degli anni Settanta del sec. XIX, con l avvento al potere della Sinistra storica e, con essa, della classe dirigente meridionale, di cui quella era prevalentemente composta: la Sicilia sentiva di potere finalmente avere il ruolo centrale che le spettava per i suoi molti meriti risorgimentali. La collocazione di un scrittore siciliano come Luigi Capuana in questo periodo storico cruciale e il corrispondere della sua più alta produzione letteraria, sia critica che narrativa, con la fase in cui l Isola si trovò al centro di fondamentali vicende storiche e politiche italiane specie durante la cosiddetta età crispina si sono ritenuti elementi meritori di attenzione: a partire dalla considerazione dell ineluttabilità di una contaminazione politica della produzione capuaniana, in questa si sono cercati i rimandi espliciti e meno al delicato momento storico. È stato così possibile dare dello scrittore e della sua stessa teorizzazione veristica un interpretazione più articolata e completa. Il lavoro ha puntato a una ricostruzione del periodo storico preso in esame, con particolare riferimento ai fatti siciliani e alle scelte di politica nazionale riguardanti la Sicilia; da tale ricostruzione si è cercato di fare emergere il sentimento isolano che via via andò maturando fino a giungere all espressione di chiara valenza politica della sicilitudine offesa che lo stesso Crispi contribuì ad alimentare e a cui un Capuana sempre più crispino diede voce, in particolare con la sua opera politica più significativa, La Sicilia e il brigantaggio, del 1892, la quale, riproponendosi in più punti dello studio, di questo finisce con il costituire una sorta di fondamentale filo rosso.

Die Forschungsliteratur zu Giovan Battista Gelli ist nicht umfangreich und vermag nur teilweise das Gewicht und die intellektuelle Bedeutung zu belegen, welche ihm insbesondere in den letzten Jahrzehnten in Fachkreisen zuerkannt werden. Ziel der hier vorgebrachten Darlegungen und Argumentationen ist, das Profil Gellis als einer der wichtigsten Figuren des florentinischen 16. Jahrhunderts in Bezug auf einige weniger untersuchte Aspekte, die normalerweise im Gesamtwerk von Gelli als marginal eingeschätzt werden, genauer zu erfassen. Gelli hatte erstens ein aufrichtiges Interesse an den bildenden Künsten, wie zumindest für das gesamte Jahrzehnt von 1546 bis 1556 aus mehreren Werken des Autors gut zu erkennen ist. Zweitens können wir Gelli als einen der Hauptakteure in der Debatte über Dante im 16. Jahrhundert in Italien bezeichnen. Diese beiden auf den ersten Blick recht unterschiedlichen Aspekte seines Schaffens hängen über die ästhetischen und philosophischen Anschauungen Gellis miteinander und mit seinem übrigen Werk zusammen. Die hier vorgestellte Arbeit ist daher in zwei Bereiche unterteilt. Der erste Teil konzentriert sich auf die Präsenz bildkünstlerischer bzw. kunsthistorischer Themen in der literarischen Produktion von G.B. Gelli und insbesondere auf die Abfassung einer Sammlung von Künstlerbiografien von Cimabue bis Michelozzo (die aber gemäß Gellis Absichten bis Michelangelo reichen sollte). Diese Sammlung blieb handgeschrieben und wurde wahrscheinlich in der zweiten Hälfte der 1540er Jahre abgebrochen. Diese prägnante Abhandlung zur Kunstgeschichte, aus explizit pro-florentiner Sicht, entsteht fast gleichzeitig mit Vasaris ungleich bekannterem Projekt von Künstlerbiographien. Nicht nur der "Wettbewerb" mit Le Vite des letzteren und die (im Unterschied zu Vasari) rein literarische Herangehensweise Gellis, sondern auch die politisch-enkomiastische Dimension der Auswahl ausschließlich florentiner Künstler bilden besonders interessante Aspekte dieses Textes und ergeben angemessene Analysefragen für die hier vorgelegte Untersuchung. Neben der Sammlung der Vite konzentriert sich die Forschung sowohl auf die Passagen kunsthistorischen Interesses, die in Gellis Abhandlung über die Ursprünge von Florenz zu finden sind (worin sich ein Exkurs über die Geburt, die Vervollkommnung und den Verfall der Künste und Wissenschaften in der Zeit des Autors findet), als auch auf die Quellen für diese Arbeit, auch in Bezug auf die anderen Biografien von Künstlern, die in jenen Jahren geschrieben wurden: den Anonimo Magliabechiano, Il Libro di Billi und Le Vite von Vasari. Ein weiterer alles andere als sekundärer Bereich der in der vorliegenden Untersuchung unternommenen Analyse betrifft die Ausformung und Bedeutung eines sich in jener Epoche 9 entwickelnden kunsthistorischen und kunstkritischen Wortschatzes. Darüber hinaus soll eine Untersuchung der Korrespondenz damaliger Künstler und Schriftsteller eine Reihe neuer Perspektiven eröffnen, um sowohl die Figur Gelli als auch die Themen der hier vorgelegten Lektüren von dessen Texten näher zu kontextualisieren. Der zweite Teil der Arbeit konzentriert sich auf Gellis Akademievorträge, die Dantes Commedia und Petrarcas Canzoniere gewidmet sind. Diese Lezioni von Gelli scheinen explizit und gezielt darauf ausgerichtet zu sein, das Lehrsubstrat und die philosophische Verwendbarkeit nicht nur des Philosophen und Theologen Dante, sondern vor allem des Lyrikers Petrarca herauszustellen und so eine Rezeption des Canzoniere zu legitimieren, die über die ästhetische Ebene hinausgeht. Dadurch wird die bembeske Opposition zwischen einem angeblich doktrinär beeindruckenden, aber ästhetisch schwachen Dante und einem philosophisch zurückhaltenden, aber poetisch starken Petrarca aufgehoben. In diesem letzten Teil der Arbeit konzentriert sich das Forschungsfeld vor allem auf Gellis Dante-Vorlesungen, welche in die poetologische Debatte über Dante im politisch-literarischen Kontext des florentinischen 16. Jahrhunderts einzufügen sind, in der Gelli als einer der Hauptakteure gilt. Für die Erforschung dieser Vorgänge ist es wichtig, die politisch-kulturelle Situation von Florenz, insbesondere der Florentiner Akademie, genau zu erfassen, um die Bedeutung von Gellis Vorträgen zu verstehen. Die kritischen Beobachtungen von Gelli müssen als eine der Hauptquellen in dieser Debatte begriffen werden und zeichnen sich in perfekter Weise innerhalb eines philosophischen und poetologischen Programms ab, das sicherlich umfassender und vollständiger ist als das vieler schreibender Zeitgenossen unseres Literaten.

Lo scrittore ed illustratore Antonio Rubino (1880-1964) fu artista di rilievo nel panorama letterario infantile del Novecento, prolifico nell’ideare opere connotate da forte ironia e da soluzioni espressive multimediali. La ricerca dà risalto a quanto pubblicato dall’artista sanremasco sulle pagine dei periodici per ragazzi nella prima metà del XX secolo, settore ad oggi privo di uno studio sistematico. Si tratta di un punto di vista favorevole a far emergere i contenuti trasmessi dall’autore al destinatario infantile, nonché a fare luce sul controverso rapporto con il fascismo e a tratteggiare l’evoluzione multimediale della sua produzione per l’infanzia. La definizione di una poetica rubiniana, che colga le matrici artistiche e le peculiarità ironiche della sua arte, conduce ad una riflessione educativa che interroghi la responsabilità assunta da Rubino nei confronti dell’infanzia lettrice.
The writer and illustrator Antonio Rubino (1880-1964) was a significant artist in the children’s literary panorama of the twentieth century. His works are connoted by strong irony and multimedia expressive solutions. This research is focused on Rubino’s works edited on children’s periodicals in the first half of the 20th century, a field that hasn’t been systematically studied yet by critics. This ideal point of view highlights the contents transmitted by the author to the young reader, underlines the relationship between the artist and the fascism and delineates the multimedia evolution of his children’s production. The analysis of the Rubino’s artistic thought, influenced by the contemporary trends, shows the peculiarities of his ironic style. It also guides to an educative consideration that examines the responsibilities of the author for young readers.

Lo scrittore ed illustratore Antonio Rubino (1880-1964) fu artista di rilievo nel panorama letterario infantile del Novecento, prolifico nell’ideare opere connotate da forte ironia e da soluzioni espressive multimediali. La ricerca dà risalto a quanto pubblicato dall’artista sanremasco sulle pagine dei periodici per ragazzi nella prima metà del XX secolo, settore ad oggi privo di uno studio sistematico. Si tratta di un punto di vista favorevole a far emergere i contenuti trasmessi dall’autore al destinatario infantile, nonché a fare luce sul controverso rapporto con il fascismo e a tratteggiare l’evoluzione multimediale della sua produzione per l’infanzia. La definizione di una poetica rubiniana, che colga le matrici artistiche e le peculiarità ironiche della sua arte, conduce ad una riflessione educativa che interroghi la responsabilità assunta da Rubino nei confronti dell’infanzia lettrice.
The writer and illustrator Antonio Rubino (1880-1964) was a significant artist in the children’s literary panorama of the twentieth century. His works are connoted by strong irony and multimedia expressive solutions. This research is focused on Rubino’s works edited on children’s periodicals in the first half of the 20th century, a field that hasn’t been systematically studied yet by critics. This ideal point of view highlights the contents transmitted by the author to the young reader, underlines the relationship between the artist and the fascism and delineates the multimedia evolution of his children’s production. The analysis of the Rubino’s artistic thought, influenced by the contemporary trends, shows the peculiarities of his ironic style. It also guides to an educative consideration that examines the responsibilities of the author for young readers.

La tesi ha lo scopo di inquadrare Giordani nel contesto del mondo culturale cattolico tra le due guerre e di approfondire la sua proposta di «cristianesimo integrale» come soluzione alla crisi che negli anni Venti e Trenta viziò il mondo economico, il sistema politico e lo scenario culturale, a livello di principi fondamentali, di valori. Per questo si è dato assoluto rilievo ai rapporti di Giordani con molti intellettuali suoi contemporanei e con varie istituzioni culturali cattoliche. Il testo segue dapprima un indirizzo biografico, che permette di ripercorrere la vita di Giordani dalla giovinezza, segnata dalla guerra e dall’esperienza al fronte, alla sua serena fine, nel 1980. Si tratta di una testimonianza di come la sua conseguenzialità tra fede e opere abbia inciso negli ambienti che lo hanno visto protagonista, tanto che è stato avviato per lui il processo di beatificazione. La ricerca è stata condotta tenendo conto degli scritti di Giordani e della storiografia precedente, ma soprattutto utilizzando numerosi materiali d’archivio. In particolare i carteggi privati aiutano a ricostruire l’operato di Giordani a favore dell’impegno degli intellettuali cattolici negli anni oscuri del fascismo e la sua indefessa attività per la realizzazione di un nuovo umanesimo. Altro spazio è stato riservato ai rapporti maturati da Giordani con due esponenti del mondo cattolico italiano di quel periodo, ovvero Giovanni Papini e Piero Bargellini.
This dissertation aims at setting Igino Giordani within the broader framework of the catholic cultural environment between the two world wars. It focuses on his proposal of an «integral Christianity» as a solution to the recession which threatened the fundamental values and principles of the economy, politics and culture during the 1920's and 1930's. This is the reason why the relationships between Giordani and many of his colleagues and cultural catholic institutions have been studied in depth. The work starts with a biography, underlining how Giordani's youth has been affected by the war and the experience as a soldier, up to his peaceful death, in 1980. His life shows how the consistency of his actions with his faith made him an influent personality in his working environments, to the point that the beatification process has begun. The research is based on Giordani's writings and on the previous historiography, but the most important source is constituted by a large number of archive documents. Particularly, Giordani's private correspondence has been very useful in understanding how he acted in order to support the engagement of the catholic intellectuals during the dark fascist age and his endless activity in order to build a new humanism. The work also focuses on the relationships between Giordani and two members of the Italian catholic world of the time: Giovanni Papini and Piero Bargellini.

La tesi ha lo scopo di inquadrare Giordani nel contesto del mondo culturale cattolico tra le due guerre e di approfondire la sua proposta di «cristianesimo integrale» come soluzione alla crisi che negli anni Venti e Trenta viziò il mondo economico, il sistema politico e lo scenario culturale, a livello di principi fondamentali, di valori. Per questo si è dato assoluto rilievo ai rapporti di Giordani con molti intellettuali suoi contemporanei e con varie istituzioni culturali cattoliche. Il testo segue dapprima un indirizzo biografico, che permette di ripercorrere la vita di Giordani dalla giovinezza, segnata dalla guerra e dall’esperienza al fronte, alla sua serena fine, nel 1980. Si tratta di una testimonianza di come la sua conseguenzialità tra fede e opere abbia inciso negli ambienti che lo hanno visto protagonista, tanto che è stato avviato per lui il processo di beatificazione. La ricerca è stata condotta tenendo conto degli scritti di Giordani e della storiografia precedente, ma soprattutto utilizzando numerosi materiali d’archivio. In particolare i carteggi privati aiutano a ricostruire l’operato di Giordani a favore dell’impegno degli intellettuali cattolici negli anni oscuri del fascismo e la sua indefessa attività per la realizzazione di un nuovo umanesimo. Altro spazio è stato riservato ai rapporti maturati da Giordani con due esponenti del mondo cattolico italiano di quel periodo, ovvero Giovanni Papini e Piero Bargellini.
This dissertation aims at setting Igino Giordani within the broader framework of the catholic cultural environment between the two world wars. It focuses on his proposal of an «integral Christianity» as a solution to the recession which threatened the fundamental values and principles of the economy, politics and culture during the 1920's and 1930's. This is the reason why the relationships between Giordani and many of his colleagues and cultural catholic institutions have been studied in depth. The work starts with a biography, underlining how Giordani's youth has been affected by the war and the experience as a soldier, up to his peaceful death, in 1980. His life shows how the consistency of his actions with his faith made him an influent personality in his working environments, to the point that the beatification process has begun. The research is based on Giordani's writings and on the previous historiography, but the most important source is constituted by a large number of archive documents. Particularly, Giordani's private correspondence has been very useful in understanding how he acted in order to support the engagement of the catholic intellectuals during the dark fascist age and his endless activity in order to build a new humanism. The work also focuses on the relationships between Giordani and two members of the Italian catholic world of the time: Giovanni Papini and Piero Bargellini.

Cette étude se base sur lâ analyse dâ images et de textes à travers des Å uvres littéraires et des photographies dans les années 1850-1870 en France. Ces années ont été caractérisées par un rapport contradictoire à la photographie naissante ; à la fois mirage économique, produit artistique, produit uniquement industriel, un peu mythe et magie, cette invention ne laissa aucun indifférent. Plusieurs procès pour le droit à la propriété artistique des photographies ont été intentés et des figures célèbres, comme Baudelaire ou Ingres, ont pris des positions autant pour que contre la photographie. Cette thèse vise à comprendre en quoi consistent ces contradictions, cherche à élucider ces oppositions et trouver les points en commun en ce qui pourrait être considéré une diatribe autour de la photographie : produit artistique ou industriel ? Pour approfondir ces aspects, dâ un point de vue textuel et iconographique, mon choix sâ est concentré sur lâ Å uvre et la pensée de trois artistes qui sâ étaient penchés sur les questions soulevées par â avènement de la photographie : Nadar, Baudelaire et Delacroix. Un photographe avec une carrière déjà installée de caricaturiste et de journaliste ; un écrivain à la fois poète et critique dâ art ; et un peintre qui a exploité les différentes possibilités offertes par la toute jeune photographie (du daguerréotype aux procédés positifs/négatifs sur papier). Tous les trois ont entretenu une relation intime avec la photographie et ont pris des positions fortes, des fois apparemment contradictoires, sur lesquelles jâ ai concentré mes recherches. Leur travail a été analysé à travers leur relation à la photographie, soit par leurs Å uvres que par leur approche esthétique et critique. Cette recherche a été constamment contextualisée dans la France culturelle du Second Empire, particulièrement à Paris et alimentée par les témoignages et les contributions dâ autres opérateurs dans le secteur.
This study is based on the analyses of images and texts through literatureà à à à à à à à à à à à à ¢ s and photographyà à à à à à à à à à à à à ¢ s works from the years 1850 to 1870 in France. These years have been marked by a contradictory relationship to the nascent photography, at once economical mirage, artistic product, only industrial product, a little bit myth and magic, this invention did leave nobody indifferent. Several actions for the right to the artistic ownership of the photography have been brought and celebrities, like Baudelaire or Ingres, did take positions either for or against the photography. This thesis aims to understand in what consist these contradictions, to elucidate these oppositions and to find the common points to be possibly considered in a diatribe around photography: is it an artistic or industrial product? To go deeply in these aspects, from a textual and iconographical point of view, my choice did concentrate on the work and thought of three artists who did lean on the questions raised by the advent of the photography: Nadar, Baudelaire and Delacroix. A photographer with a an already well known career as caricaturist and journalist, a writer and artà à à à à à à à à à à à à ¢ s critic and a painter who did exploit the various possibilities offered by the very young photography (from the daguerreotype to the positive/negative process on paper). All three of them did entertain an intimate relationship with the photography and took strong positions, sometime looking contradictory, on which I concentrated my research. Their work has been analyzed through their relationship with the photography, either by their works (written or photographic) or by their esthetic and critical approach. This research has been contextual in the cultural France of the Second Empire, especially in Paris and constantly enriched by the testimonies and contributions of other operators from the sector.

La mia tesi di Dottorato mira a indagare i legami tra la Commedia di Dante, le Sententiae di Pietro Lombardo (il più celebre manuale di teologia del Basso Medioevo) e i commenti duecenteschi al testo del Magister sententiarum. Il primo capitolo raccoglie tutte le indicazioni che la critica dantesca e i commentari alle opere di Dante hanno offerto riguardo a quali argomenti del poema possano essere utilmente interpretati attraverso le Sententiae. Il secondo e il terzo capitolo prendono in esame alcuni argomenti specifici: da un lato, il tema del peccato originale, della natura umana prima della Caduta di Adamo ed Eva, e le dinamiche della Redenzione dell’uomo mediante l’Incarnazione di Cristo (Purg. xxvii-xxxiii e Par. vii); dall’altro, i complessi rapporti fra grazia e libertà nel poema, la possibilità (o meno) di salvezza per coloro che, per motivi geografici e/o cronologici, si situano fuori dal circolo della Rivelazione, e il dibattutissimo tema della predestinazione divina (Par. xix-xx e xxxii). Il ricorso alle Sententiae e ai relativi commenti permette sia, in alcuni casi, di rilevare possibili influenze dirette dell’opera teologica sul poema dantesca; sia, in altri, di ricostruire il background teoretico relativo alle questioni elencate, così da comprendere e apprezzare meglio la posizione di Dante in merito.

Superati «novant’anni d’impazienza» e dopo un lungo periodo votato all’autocommento e all’esplorazione delle proprie intenzioni, Raffaele La Capria ha raccolto le sue opere in due Meridiani curati da Silvio Perrella. La Capria ne ha celebrato l’uscita nella prolusione inaugurale di Salerno Letteratura, poi confluita nel breve autoritratto narrativo "Introduzione a me stesso" (2014). In questa sede, l’autore è tornato su alcuni punti essenziali della sua riflessione sulla scrittura, come la relazione, reciproca e ineludibile, fra tradizione e contemporaneità. All’epilogo del «romanzo involontario» di una vita, La Capria guarda retrospettivamente alla propria esperienza come ad un’autentica educazione intellettuale. Perciò, muovendo da un’intervista inedita del 2015, riportata integralmente in appendice, la tesi ha l’obiettivo di ricostruire l’apprendistato letterario di La Capria dai primi anni Trenta, quando l’autore ancora frequentava il ginnasio, fino all’inizio dei Sessanta, quando ottenne il premio che ne avrebbe assicurato il successo. Il percorso, che riesamina l’intera bibliografia lacapriana nella sua varietà e nella sua stratificazione, si articola in una serie di fasi interdipendenti: la partecipazione indiretta alle iniziative dei GUF (intorno alle riviste «IX maggio» e «Pattuglia»); l’incursione nel giornalismo e l’impegno culturale nell’immediato dopoguerra (sulle pagine di «Latitudine» e di «SUD»); l’attività di traduttore dal francese e dall’inglese (da André Gide a T.S. Eliot); l’impiego alla RAI come autore e conduttore radiofonico (con trasmissioni dedicate a Orwell, Stevenson, Saroyan e Faulkner); la collaborazione con «Il Gatto Selvatico», la rivista dell’ENI voluta da Enrico Mattei e diretta da Attilio Bertolucci; e le vicende editoriali dei suoi primi due romanzi, “Un giorno d’impazienza” (1952) e “Ferito a morte” (1961), fino alla conquista dello Strega. La rilettura dell’opera di uno scrittore semi-autobiografico come La Capria, attraverso il costante riscontro di fonti giornalistiche, testimonianze epistolari e documenti d’archivio che avvalorano e occasionalmente smentiscono la sua versione dei fatti, diventa allora un’occasione per immergersi nella sua mitografia personale e avventurarsi in territori finora poco esplorati: come la ricostruzione del suo profilo culturale, a partire dal milieu in cui La Capria vive e opera, o l’incidenza delle letture e delle esperienze giovanili sulla sua prassi letteraria.

Founding member of a banking network related to the actual BNP Paribas Group, Meyer Joseph Cahen (1804-1881), adopted the “d’Anvers” when he settled in Paris in 1849. Born in Bonn, of an Ashkenazi family, he made his fortune in the Belgian city to which he associated his name, and he continued his career in France. Owner of Nainville’s castle (Essonne) and of the Petit Hôtel de Villars (Paris), he became a naturalized French citizen in 1865. The next year, he obtained the title of Count, bestowed upon him by the King of Italy Victor-Emmanuel II, thanks to the economic support he offered to the Italian Unification. Nineteen years later, King Humbert I surpassed his predecessor and raised Meyer Joseph’s eldest son, Édouard (1832-1894), to the status of Marquis of Torre Alfina. If his siblings – Emma (1833-1901), Louis (1837-1922), Raphaël (1841-1900) and Albert (1846-1903) – enrooted their pathways in the French capital, the eldest lived between Florence, Naples and Rome: he was one of the great investors involved in the urban renovation of the Italian capital, after the fall of the papacy. In France, as well as in Italy, art, and especially architecture, served to legitimize the recent nobility of a family that wished to express the fullness of its civil rights. As targets of the anti-Semitic press, the Cahen d’Anvers family experienced the consequences of the Dreyfus Affair and the horrors of the racial laws. Before the latter, they adopted what could be defined as a “top-down model of integration”. This thesis focuses on its mechanisms and development. After tracing the patriarch’s origins, it analyses the family’s matrimonial policies and it continues with an exploration of Cahen d’Anvers’ “choices” in the vast field of culture. In their salons, the readers will meet Guy de Maupassant, Paul Bourget, Marcel Proust and Gabriele D’Annunzio, as well as Auguste Renoir and Léon Bonnat. Twelve mansions offered a perfect stage for these intellectual gatherings. As a public manifestation of the family’s economic and social power, the historicist eclecticism of these properties aimed to represent the owners as a new phalanx of the old nobility. While Forge-Philippe’s manor (Wallonia), Gérardmer’s chalet (Vosges) and Villa della Selva (Umbria) expressed a certain openness to the twentieth century novelties, the three residences rented by the family (Hôtel du Plessis-Bellière, Paris; Palazzo Núñez-Torlonia, Rome; Château de la Jonchère, Yvelines) and the two properties of Meyer Joseph, as well as Rue de Bassano’s mansion (Paris) or the castles of Champs (Seine-et-Marne), Bergeries (Essonne) and Torre Alfina (Latium) dressed up their nineteenth century spaces with Ancien Régime motifs. Thanks to their historical knowledge and taste, the architects Destailleur, Giuseppe Partini and Eugène Ricard, as well as the landscapers Henri and Achille Duchêne, were able to bend the Middle Age, the Renaissance and the 18th century’s “grammars” to their patrons’ taste and ambitions.

Abstract This thesis illustrates the social engagement in the literary writings of Pier Vittorio Tondelli, an Italian gay author whose works have been described by many Catholic, Materialists, and gay critics as frivolous and disengaged. The dissertation summarizes the mutation of the Italian literary concept of impegno from Neorealism to Postmodernism, through a selection of the texts of Elio Vittorini, Italo Calvino, Franco Fortini, Pier Paolo Pasolini, Leonardo Sciascia, and Umberto Eco. It shows how Tondelli’s interpretation of the role of the writer falls within the definitions given by Calvino and Eco. Moreover, the thesis demonstrates that Altri libertini and Pao Pao satisfy the characteristics of littérature mineure established by Gilles Deleuze and Felix Guattari, though Tondelli’s oeuvre is socially engaged instead of being politically engaged because of his lack of a political ideology. The dissertation highlights the core of Tondelli’s social commitment in his passionate defense of the outcasts in: Altri libertini where drug addicts, homosexuals, transsexuals, and bums are the protagonists; Pao Pao where a group of gay soldiers is described in its grotesque and camp attempt to “homosexualize” their barrack; Rimini where the Riviera Adriatica is portrayed as a place where everyone passes by and no one belongs; Camere separate through the love story of a gay couple in which one partner has to survive his lover’s death, due to an illness that is demonstrated in this thesis to be AIDS, while fighting against the homophobia of their families, institutions, society, and religion. Most of Tondelli’s socially excluded characters are introduced to the reader through an internal homodiegetic point of view. Another important component of Tondelli’s impegno is his open defense of both pop-culture and counter-cultures: gay, hippies, rockers, experimental theatre, street artists and alternative radio, which are central in all his writings.

Della tesi sono stati estratti due libri di prossima pubblicazione con due case editrici: uno dal titolo "Una sola moltitudine. Saggio sull'identità italiana" presso la casa editrice Rubbettino (Soveria Mannelli -Cz) in uscita il prossimo maggio; il secondo troverà collocazione nella collana "Homo Sapiens" della Fondazione Boroli (Milano) con il titolo provvisorio "Anatomia dell'italiano. Storia e letteratura dell'Italia repubblicana", in uscita per l'anno scolastico 2012-2013 con un'ampia diffusione presso le scuole medie di istruzione superiore italiane.

La presente dissertazione è dedicata a Neera, una delle scrittrici italiane del secondo ‘800 più riconosciute in vita, oggi – quasi dimenticate. Dal ritratto riduttivo che emerge dalle sintesi storico-letterarie risulta una scrittrice anacronica, associata alle tendenze moralizzante, il che consolidò il suo stereotipo letterario.L’analisi della sua intera opera – letteraria, pubblicistica e autobiografica, nonché la vasta corrispondenza privata, mette in luce un’immagine completamente frantumata e gremita di contraddittorietà, non corrispondente ai ritratti diffusi dalla critica ottocentesca.Il problema della ricezione si rende ancor più complicato in considerazione delle aporie risultanti dall’immagine scrupolosamente modellata da Neera stessa, che se in sede pubblica si dichiara antifeminista, nell’opera più matura affronta tematiche estremamente moderne, innovatrici e profemministe. La tesi si prefigge l’obiettivo di ricomporre l’immagine frantumata della scrittrice, partendo dal pressuposto del ruolo fondamentale del contesto socio-culturale. Nella prima parte del lavoro sono stati approfonditi argomenti quali: lo sviluppo del pensiero emancipatorio, il dibattito intorno al lavoro intellettuale delle donne, la loro apparsa sul mercato letterario e le pseudoscientifiche teorie deterministiche che contribuirono alla diffusione del fantasmatico ritratto della donna-scrittrice. È stato altresì ricostruito il pensiero critico femminista riguardo alle scrittrici ottocentesche e le strategie adoperate allo scopo di affermarsi sul panorama letterario.La seconda parte mira all’identificazione delle immagini falsificate, nonché al rapporto dell’autrice stessa con la cultura ufficiale e la critica letteraria. L’analisi comprendente sia interventi dei critici che opere narrative e altri scritti di Neera (lettere, articoli di stampa, scritti autobiografici) mette in luce la profonda crisi identitaria da lei esperimentata, per via del carattere trasgressivo dell’attività artistica femminile. Si è inoltre dimostrato che il suo atteggiamento e scelte, soprattutto nella fase iniziale della carriera, erano fortemente condizionate dalla necessità di osservare rigorosamente le oppressive regole all’epoca vigenti, nonché dal bisogno di aderire, a livello sia artistico che personale, al modello femminile tradizionale. Neera senz’altro realizza il modello definito da Grażyna Borkowska “autolimitativo”, caratteristico per la prima generazione delle letterate. L’osservanza degli schemi etici e artistici normativi fa parte della “strategia mimetica” (mimicry) messa in atto da Neera al fine di consolidare la sua posizione nell’ambiente letterario senza compromettere la propria reputazione. Nella prima fase della sua attività letteraria, per andare incontro alle aspettative della società postunitaria crea romanzi a tesi dai messaggi univoci e normativi, basati sul motivo ricorrente della punizione e della colpa (identificata sempre con la soddisfazione del desiderio da parte delle eroine) e volti alla propagazione di un’etica autoabnegativa.Nei seguenti capitoli in esame viene preso il periodo successivo della carriera letteraria neeriana, per dimostrare che una volta affermatasi in qualità di scrittrice e garante degli ideali borghesi, recederà dal modello finora realizzato. Il superamento della strategia mimetica avverrà nell’ambito della poetica veristica, la quale, paradossalmente, nonostante il suo carattere apparentemente restrittivo, per Neera si rivelerà uno spazio di libertà – dagli stereotipi letterari e dalle implicazioni personali della scrittura. Ne conseguirà un’arte originale e innovativa, nella quale verranno trattati temi inediti, moderni ed estremamente azzardati, in cui prenderà la parola l’identità femminile della scrittrice. Neera troverà, attraverso un’autentica articolazione dell’esperienza femminile, gli strumenti che le consentiranno di esprimere quella femminilità “repressa” dalla società borghese.
Niniejsza praca poświęcona jest Neerze, jednej z najbardziej cenionych za życia włoskich pisarek II połowy XIX wieku, dziś – niemal zupełnie zapomnianej. Obraz wyłaniający się z XX-wiecznych syntez historycznoliterackich przedstawia ją w sposób jednoznaczny, jako artystkę anachroniczną, kojarzącą się z tendencjami moralizatorskimi, przyczyniając się do umocnienia negatywnego stereotypu czytelniczego. Z analizy całego dzieła pisarki obejmującego twórczość literacką, publicystyczną, jak również teksty autobiograficzne oraz licznie zachowaną korespondencję prywatną, wyłania się portret kompletnie rozproszony i pełen sprzeczności, nie korespondujący z obrazami przekazanymi przez XX-wieczne prace historycznoliterackie czy też przez XIX-wieczną krytykę literacką. Problem recepcji dodatkowo komplikują aporie wynikające z wizerunku konsekwentnie kreowanego przez samą pisarkę, która, o ile na forum publicznym prezentuje się jako zdeklarowana antyfeministka, w dojrzałej twórczości porusza tematy niezwykle odważne, nowatorskie i feministyczne. Celem pracy jest próba scalenia rozproszonego portretu pisarki, wychodząc z założenia o kluczowej roli kontekstu społeczno-kulturowego, w jakim poruszała, co jest tematem pierwszej części pracy. Poruszone zostały tam takie kwestie jak rozwój myśli emancypacyjnej i debaty wokół pracy intelektualnej kobiet, ich pojawienie się na rynku literackim oraz pseudonaukowe teorie deterministyczne, przyczyniające się do powstania w świadomości zbiorowej bardzo pejoratywnego fantazmatu kobiety piszącej. Przedstawione zostały również refleksje badaczek feministycznych na temat walki XIX-wiecznych pisarek i strategii przez nie stosowanych, aby zaistnieć na scenie literackiej. II część pracy poświęcona jest rekonstrukcji fałszywych obrazów, a także stosunkowi pisarki do ówczesnej krytyki literackiej i dominującej kultury. Analiza uwzględniająca jednocześnie wypowiedzi ówczesnych krytyków jak również dzieła prozatorskie oraz różnego rodzaju świadectwa pozostawione przez Neerę (listy, artykuły oraz pisma autobiograficzne) dowodzi o głębokim kryzysie tożsamości doświadczanym przez pisarkę ze względu na transgresywny charakter kobiecej aktywności artystycznej oraz tego, że jej postawa i wybory, szczególnie w początkowym okresie kariery, były silnie uwarunkowane koniecznością rygorystycznego przestrzegania restrykcyjnych zasad epoki oraz wpisania się, na poziomie zarówno artystycznym jak i osobistym, w tradycyjny model kobiety. Neera bez wątpienia realizuje model ‘samoograniczającym’, znamienny dla pierwszej generacji kobiet-pisarek. Powielanie normatywnych schematów etycznych i artystycznych jest częścią stosowanej przez Neerę ‘strategii mimetycznej’ (‘mimikry’) mającej na celu umocnienie swojej pozycji na scenie literackiej, nie kompromitując tym samym własnej reputacji. W pierwszej fazie literackiej działalności, Neera, wychodząc naprzeciw oczekiwaniom społecznym, tworzy powieści tendencyjne o jednoznacznym, normatywnym przekazie promującym etykę samowyrzeczenia, oparte na motywie kary i winy utożsamianej z uleganiem namiętności przez kobiece postaci. Celem kolejnych rozdziałów jest pokazanie jak Neera, w późniejszym okresie twórczości, utwierdziwszy się jako pisarka konserwatywna, strzegąca mieszczańskich ideałów, porzuci realizowany do tej pory ‘model samoograniczający’. Przełamanie ‘strategii mimikry’ dokona się w ramach poetyki werystycznej, która, mimo restrykcyjnego, na pozór, charakteru, dla Neery okaże się przestrzenią wolności – od literackich stereotypów oraz osobistych implikacji powieściopisarstwa. Zaowocuje to twórczością oryginalną i nowatorską, niesztampowym ujęciem niezwykle śmiałych tematów, sztuką, w której do głosu dochodzi kobieca tożsamość pisarki (co jest z kolei typowe dla pisarek pokolenia modernistycznego). Poprzez autentyczny zapis kobiecego doświadczenia Neera znajdzie bowiem sposób na ekspresję – ‘wypartej’ w nowoczesnym społeczeństwie mieszczańskim – kobiecości.
This work is dedicated to Neera, during her lifetime one of the most highly regarded Italian writers of the second half of the 19th century, but today almost entirely forgotten. Leaving aside the attempts made starting in the 1970s to reevaluate women’s literature, her name is mentioned extremely rarely in literary historical syntheses, and the picture of her that emerges from these is of an anachronistic artist associated with moralising tendencies and petit bourgeois ideals, which has contributed to the negative stereotype. Analysis of the writer’s works, covering her literary and journalistic oeuvre as well as autobiographical texts and numerous surviving pieces of personal correspondence, reveals a fragmented portrait full of contradictions, inconsistent with the images passed down by 20th century works of literary history or by 19th century literary criticism. The problem of reception is additionally complicated by aporias arising from the image painstakingly created by the writer herself who, while presenting herself publicly as an avowed antifeminist, in her mature work she deals with particularly bold, innovative and profemminist themes. This paper is an attempt to merge together her fragmented portrait, assuming the key role of the socio-cultural context in which woman existed. This question will be discussed in the first part of the work, which covers such matters as the development of the idea of emancipation and the debate concerning the intellectual work of women, their appearance on the literary market and the pseudo-scientific determinist theories which contributed to the appearance in the public consciousness of a highly pejorative phantasm of the woman writer. Reflections by feminist researchers are included concerning the struggle of 19th century female writers and the strategies they implemented to make their presence felt on the literary scene. The second part of the paper is dedicated first and foremost to reconstructing the false images, and also the writer’s attitude to the literary criticism and dominant culture of her time. An analysis which considers both the pronouncements of contemporary critics and the prose work of various kinds left behind by Neera in letters, articles and autobiographical writings are proof of the profound identity crisis experienced by the writer due to the transgressive nature of female artistic activity, and to her attitude and choices, particularly during the initial stage of her career beginning in the 1870s, being strongly conditioned by the necessity to adhere rigorously to the restrictive rules of the time and sign up, both personally and artistically, to the traditional model of womanhood. Neera undoubtedly realises a model typical of the first generation of women writers. Repeating normative ethical and artistic patterns is part of the ‘mimetic strategy’ (‘mimicry’) applied by Neera, intended to strengthen her position on the literary scene without compromising her own reputation. During the first phase of her career, Neera would meet social expectations to create tendentious novels with an unambiguous, normative message promoting an ethic of self-sacrifice based on a motif of punishment and guilt identified with female characters submitting to passion. The aim of the subsequent chapters is to show how Neera, confirmed during the later period of her work as a conservative writer, rejects the ‘self-limiting’ model followed previously. The mimicry strategy is broken within the form of verismo poetry which, in spite of its seemingly restrictive nature proved to be a space of freedom for Neera – from literary stereotypes and the personal implications of writing. This bore fruit in the form of original and innovative creative work, a cliché-free view of exceptionally bold themes, art in which the writer’s female identity does the talking. Through an authentic record of the female experience, Neera finds a means of expressing her femininity.