Academic literature on the topic 'Jardins – chants et musique'
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Journal articles on the topic "Jardins – chants et musique"
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Lorent, Catherine. "Paysages et jardins méditerranéens dans la musique." Horizons Maghrébins - Le droit à la mémoire 45, no. 1 (2001): 50–55. http://dx.doi.org/10.3406/horma.2001.1982.
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Hauser, Michael, Ramon Pelinski, and Christian Leden. "Musique et chants Inuit: Eskimo Point et Rankin Inlet." Yearbook for Traditional Music 24 (1992): 179. http://dx.doi.org/10.2307/768501.
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Knight, Roderic C., Les Freres Coulibaly, and Gerard Suter. "Anka Dia. Musique et chants du Burkina Faso." Ethnomusicology 38, no. 3 (1994): 557. http://dx.doi.org/10.2307/852131.
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Baridon, Michel. "Imaginaire scientifique et naissance d’une tradition : la géométrisation des jardins (1500-1700)." Recherches anglaises et nord-américaines 29, no. 1 (1996): 9–28. http://dx.doi.org/10.3406/ranam.1996.1304.
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En s’appuyant sur l’histoire des sciences et la théorie de la connaissance, cette étude des jardins de la Renaissance montre qu’à la suite de la découverte de la perspective linéaire, un tournant se prend au XIVe siècle dans l’esthétique des jardins. La tradition qui naît à ce moment-là va durer jusqu’aux premières décennies du XVIIIe siècle. Cette tradition trouve son origine dans la méthode des géomètres qui fonctionne non seulement dans les sciences mais aussi dans les Lettres et dans les arts où elle introduit des critères quantitatifs dans le dessin des jardins, en architecture, en musique et dans la critique littéraire.
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Blanchet, Pascal. "Chants de femmes triomphantes." Revue musicale OICRM 3, no. 2 (June 6, 2019): 38–54. http://dx.doi.org/10.7202/1060106ar.
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Quand Germaine Tillion et ses compagnes mettent au point leur « opérette-revue » à Ravensbrück, elles choisissent comme support à leurs paroles plusieurs mélodies provenant d’opérettes. Leur choix se porte tout naturellement sur des œuvres importantes dans l’histoire du genre. L’opérette, genre marqué par une certaine oppression dès sa naissance et tout au long de son histoire, se retrouve ainsi étrangement à sa place dans un camp de concentration. Déjà, le titre du Verfügbar aux Enfers fait référence au chef-d’œuvre de Jacques Offenbach, Orphée aux Enfers (1858) et, chacune à sa manière, les autres œuvres citées, soit La fille de Madame Angot de Charles Lecocq (1872), Phi-Phi de Henri Christiné (1918), Ciboulette de Reynaldo Hahn (1923) et Trois valses d’Oscar Straus (1937), marquent des moments importants de l’histoire du genre. Elles mettent en scène des héroïnes délurées, débrouillardes et joyeuses, qui se tirent d’affaire grâce à une intelligence égale et souvent supérieure à celle de leurs comparses masculins. C’est cette force d’évocation qui transparaît dans Le Verfügbar aux Enfers, refuge de femmes dans la tourmente qui ont puisé dans la musique légère la force de survivre.
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Lemaire, Marianne. "Chants de l'agôn, chants du labeur : travail, musique et rivalité en pays sénoufo (Côte d'Ivoire)." Journal des africanistes 69, no. 2 (1999): 35–66. http://dx.doi.org/10.3406/jafr.1999.1208.
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Ntahomvukiye, Ariel Fabrice. "Burundi, des gospels dans la guerre : lieu de mémoire invisible ou signe de mauvais augure ?" Varia 1 (2020): 121–40. http://dx.doi.org/10.4000/11ta5.
Full textAbstract:
L’article examine les relations entre la musique et la mémoire du passé, plus particulièrement la mémoire de l’expérience historique que fut la guerre civile au Burundi. Il traite de la façon dont la musique est devenue, indépendamment de l’intention de ses auteurs, un support de mémoire et un lieu de mémoire. Depuis l’assassinat du Président Ndadaye en octobre 1993 et pendant les mois qui ont suivi, des chants passèrent fréquemment sur les ondes de la Radio-Télévision nationale du Burundi. Parmi eux figuraient deux chansons, « Ibimenyetso vy’ibihe » (« Les signes des temps ») et « Shalom » (« La paix »). Il s’agit de gospels chantés par la chorale rwandaise Hoziana Choir. L’article explore les représentations aujourd’hui associées à ces deux chants par celles et ceux qui les entendaient jadis à la radio dans un contexte de guerre et d’exil.À partir d’une enquête ethnographique réalisée auprès de Burundais vivant en Île-de-France, l’article montre que ces chants activent différentes mémoires associées à la douleur, à la perte, à la souffrance, mais aussi aux actes ordinaires de ceux qui ont tenté de s’opposer aux massacres. Leur écoute fait resurgir une mémoire qui transcende les ethnies ou les catégories sociales pour fait valoir une même communauté d’expérience à l’échelle de la nation. Si, pour ces rescapés de la guerre civile, la dimension mémorielle prime sur la dimension religieuse, ces gospels ne sont plus de simples chansons religieuses pour les nouvelles générations. Leur charge mémorielle est donc fragile et risque de disparaître. L’article considère ces deux chants comme des « monuments musicaux non intentionnels » : ils se distinguent des monuments bâtis par leur spécificité d’être mobiles, allant ainsi à la rencontre de celle ou celui qui se souvient ou commémore. Ces deux gospels sont aussi devenus des signes avant-coureurs de la guerre, plus particulièrement de l’assassinat d’un président : ce sont donc des chants de mauvais augure qui, dans l’imaginaire des anciens témoins de la guerre civile, ont la capacité d’agir en provoquant un régicide. Écouter ou entendre ces chants active des souvenirs individuels ou partagés du passé, mais induit en même temps des réactions liées au présent politique et des projections dans un avenir possible, rappelant combien la mémoire se situe à la jonction entre passé, présent et futur.
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Loisel, Gaëlle. "« Avant d’écrire, chaque peuple a chanté » : penser les relations entre poésie, musique et histoire à l’âge romantique." Romantisme 200, no. 2 (June 15, 2023): 94–103. http://dx.doi.org/10.3917/rom.200.0094.
Full textAbstract:
Les recueils de chants populaires parus en Europe à partir des années 1760 s’inscrivent dans un contexte de contestation de l’esthétique classique ou néoclassique et d’affirmation des identités nationales. Cependant, ils sont aussi le support d’une réflexion à caractère scientifique et anthropologique. Loin d’être envisagées sous le seul angle esthétique, les chansons publiées sont considérées comme des documents pouvant servir à l’élaboration de l’histoire des peuples. Hugh Blair, commentateur de Macpherson, et Johann Gottfried von Herder, en particulier, développent une philosophie de l’histoire et une théorie du langage mettant en avant la dimension intrinsèquement poétique et musicale de la langue des origines. Leur position est au fondement de la pensée romantique européenne sur les chants populaires.
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Nakayama, Tomoko. "Le vaudeville des chants patriotiques dans La fille soldat de Desfontaines." Voix Plurielles 14, no. 2 (December 9, 2017): 19–34. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v14i2.1638.
Full textAbstract:
Dans la première moitié du dix-huitième siècle, les vaudevilles servaient surtout à un effet comique. Mais l’époque révolutionnaire donne un nouvel essor aux spectacles à vaudevilles. On peut s’interroger dès lors sur les raisons de cette affinité entre le contexte révolutionnaire et les vaudevilles qui revient au goût du jour. Nous allons, pour ce faire, tenter d’analyser les effets produits par des vaudevilles tirés de La fille soldat (1794) de Desfontaines (1733-1825). La particularité des vaudevilles de cette pièce réside dans l’emploi des chants révolutionnaires. La musique et les paroles de ces chants font directement écho à la guerre appartenant à la réalité des spectateurs ou bien, à la scène détachée du contexte de l’air original et employés de manière autonome. Les vaudevilles tirés des chants révolutionnaires attestent de la pénétration des musiques patriotiques dans tous les secteurs de la vie culturelle, même sur les tréteaux dévolus au pur divertissement.
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Neiss, Benoît. "Bosco et la musiqueTombeau d’un artiste à la double compétence." Relire Henri Bosco aujourd'hui 88 (2023): 43–50. http://dx.doi.org/10.4000/121z5.
Full textAbstract:
Nous connaissons plus d’un écrivain qui a pratiqué la prose et la poésie, mais exceptionnel est le cas d’un romancier (et poète dans notre exemple) ayant reçu à la fois une formation littéraire à l’Université et une formation musicale au Conservatoire. C’est ce qui est arrivé à Henri Bosco, qui en plus de son importante œuvre romanesque, a composé et parfois interprété lui-même en public des pièces de musique. Il est intéressant de relever dans ses romans de bien nombreuses mentions de chants, d’instruments joués par ses personnages et d’impressions sonores variées, mais plus étonnant encore est de découvrir la manière plus subtile dont la musique est présente dans la construction de ses récits, dans la mélodie de ses phrases, dans sa conception même de l’homme et du monde.
Dissertations / Theses on the topic "Jardins – chants et musique"
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Da, Lage-Py Emilie. "Des chants au Monde : l'authenticité musicale, réseaux, dispositifs et médiations." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081655.
Full textAbstract:
A partir de l'analyse de deux lieux de mediations musicales : la collection de disques ocora radio france et le festival pluriel de lille, la these propose une reflexion sur la production de l'authenticite musicale et ses paradoxes. La constitution d'un champ de production et de diffusion des musiques traditionnelles en france est tout d'abord retracee, afin de reperer les processus de legitimation a l'oeuvre. Le champ des musiques traditionnelles doit sa construction a la circulation d'objets musicaux et il s'est construit a travers une opposition fondatrice : celle qui separe l'art de la culture. Il fonctionne de maniere communautaire mettant au coeur de son fonctionnement la notion d'authenticite. Dans ce monde ou cohabite une part de reel, ancree dans la realisation commune et une part d'imaginaire, l'expert apparait comme un acteur cle au centre des requalifications. Il est detenteur du pouvoir symbolique non seulement de definition du reel, mais aussi de construction de la realite. Il nous apparait comme disposant d'une veritable << competence communicationnelle >>. De cette competence communicationnelle depend la pretention a la validite, l'expert maitrise les regles denonciation, les jeux de roles, les normes d'actions les schemas de perception et de classement et les dispositifs d'objectivisation. En effet, en seconde partie nous avons montre en la collection de disques de musiques traditionnelles ocora radio france constituait un veritable << dispositif de savoirpouvoir >>, elle est une forme << d'extraction, d'appropriation et de distribution d'un savoir >>. Or ce dispositif fonctionne car il est garanti par ce que nous avons appele un <
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During, Jean. "Musique et mystique en iran." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1986. http://www.theses.fr/1986STR20048.
Full textAbstract:
Apres avoir expose a travers les textes classiques du soufisme les principes de l'audition mystique (sama') et de l'extase, on a presente differentes traditions musicales de l'iran en rapport avec le soufisme ou la mystique ('erfan). : le rite guati du baloutchistan, synthese d'elements chamaniques, animistes et soufis populaires (qalandari) correspond a une sorte de musicotherapie par la transe, correspondant peut-etre a ce que les anciens appelaient "sama' du vulgaire". Les chants des derviches de l'ordre cheshti, de type plus introverti evoluent sur des melodies rythmees de structure simple sur une poesie de type semi-classique. Le rituel des zekr-s des derviches kurdes qaderi organise un espace et un temps-archetypes en correspondance avec leur univers sacre. La musique tient une place essentielle dans cette correspondance et l'assemblee est le siege de phenomenes supra-normaux. La tradition sacree des ahl-e haoqs du kurdistan a reserve une place privilegiee a la musique, poussee parfois a un sommet de raffinement et de subtilite, la rendant aussi esoterique par sa forme que par son projet. L'univers imaginal evoque dans les chants contribue a leur effet suggestif, considerablement renforce par des facteurs charismatiques. La musique d'art persane est elle aussi profondement marquee par la mystique ('erfan), mais d'une maniere le plus souvent indirecte, dans la mesure ou esthetique et ethique sont indissociables. Ses principes esthetiques procedent d'une cosmologie et anthropologie mise en evidence par les metaphysiciens de la perse, dans laquelle sont privilegiees les facultes imaginales et visionnairesThe first chapter presents the principles of the sama', mystical audition of the sufis, leading to ecstasy, through the classical works of sufism. It is followed by 5 chapters presenting different musical traditions of iran related to sufism or mysticism ('erfan). The guati ritual of baluchistan is a synthesis of chamanistic, animist and popular sufi (qalandari) influences. It consiste in a kind of musicotherapy inducing trance, which may correspond to this "sama' of vulgus pecum" condamned by sufi authors. The sufi songs of the cheshti order of baluchistan are of a much different kind. They deal with simple melodic structures and rythmic patterns which enhance a semi-classical mystic and lyric poetry. The zekr-ceremony of the kurdish qaderi dervishes is a organisation of a space and time archetype, corresponding to their sac red representation of the world. In these correspondances, music hold an essentiel position and is the suport of super-natural phenomena related to ecstatic states. The kurdish dervishes of the ahl-e haqq sect reserve an outstanding place to sacred music. It may reach a high level of sophistication and refinement, wich make it really "esoteric", in its form as well as in its purpose. The "imaginal" universe evoked by the texts of the songs (kalam) strengthes the effect of music. This effect is also in relation to charismatic elements associated to the personality of some performers. Persian art music is also deeply marked by mysticism ('erfan) but in a non-direct or implicit way, since esthetic and ethic are closely linked. Its estheticals principles are to be related to those of persian metaphysic of "mundus imaginalis"
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Kvist, Dahlstedt Barbro. "Suomis sång : kollektiva identiteter i den finska studentsången 1819-1917 /." Göteborg : Göteborgs Universitet, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41068094z.
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Noiret, François. "Les chants "zafindraony" du Sud-Betsileo (Madagascar)." Paris, INALCO, 1994. http://www.theses.fr/1994INAL0004.
Full textAbstract:
La province du Betsileo est célèbre dans toute l'île de Madagascar pour ses chants zafindraony. Création populaire qui s'opère sans contrôle clérical, ces chants chrétiens reflètent l'histoire culturelle et sociale régionale depuis un siècle. La thèse consacre d'abord cinq chapitres à l'histoire du genre zafindraony : à sa naissance (I), à son expression actuelle (II), à son inscription dans le système littéraire betsileo dont il est issu (III), à sa situation contrastée dans la société duelle d'aujourd'hui (IV et V). La seconde partie, écriture, analyse 180 chants recueillis dans leur contexte. La démarche est en partie ethnologique, en partie littéraire, la performance permettant de saisir le jeu de l'oralité. Le corpus est organisé en fonction des critères de l'oral traditionnel et de l'écrit (importé). Tandis que le courant protestant, attaché à l'écrit, refuse la narrativité au profit de la prière et de la sagesse, l'action de quelques missionnaires jésuites (H. Dubois) a libéré chez les catholiques un puissant courant de création de récits chantés (surtout bibliques) où l'oralité cherche à se reconstituer - particulièrement dans les chants de la mort et de la résurrection du grand héros Rajeso (Jésus) Le ressort commun de ces tantara (histoires) est dans la force de l'aina, le flux vital malgache, que traduisent l'émulation des groupes rivaux, l'alternance des choeurs et des voix, la thématique des récits (renversements de situations, sacrifices, combats) et les circonstances de leur exécution (joutes de chants, veillées, funérailles°. L'ensemble vise au anatra qui est le "conseil" où s'expriment en termes chrétiens les visées traditionnelles de la sagesse malgache : intégration socio-cosmique de l'individu et maintien de la cohésion sociale (fihavanana). Authentique fruit malgache de la rencontre des cultures, ces chants montrent que "chanter, au Betsileo, c'est vaincre la mort. "The region of Betsileo is famous throughout the island of Madagascar for its Zafindraony songs. These christian songs, a creation of the people which arise without clerical control, reflect the cultural and social history of the region during the last century. The thesis dedicates, to begin with, five chapters to the history of the genre zafindraony : to its birth (I), to its performance today (II), to its place in Betsileo literature whence it has emerged (III), to its complex position within a bi-polarised society (IV and V). The second part, a literary analysis examines 180 songs gleaned from their context. The approach is in part ethnological, in part literary, the performance of the songs allowing the effect of their oral nature to be grasped. The corpus is arranged according to the citerea : oral (traditional) and written (imported). Whilst protestantism, attached to the written word, rejects narrativity in favour of prayer and wisdom, the action of a few jesuit missionaries (H. Dubois) has released amongst the catholics a powerful current of creation of song tales (above a biblical) in which the oral character seeks to reemerge, particularly in songs of the death and resurrection of the great hero Rajeso (Jesus). The common inspiration of these tantara (stories) is the strength of the aina, the malagasy life-force current that is expressed in the emulation of rival groups, the alternation of choirs and of voices, the theme of the stories (the reversal of a situation, sacrifices, fights) and the circumstances of their performance (song competitions, evening gatherings, funerals). All these together have as their end the anatra, the advice, in which the traditional objectives of malagasy wisdom : the socio-cosmic integration of the individual and the maintenance of social cohesion (fihavanana), are expressed in christian terms. An authentically malagasy fruit of the meeting of cultures, these songs show that in Betsileo "to sing is to conquer death. "
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Coyault, Bernard. "Figures prophétiques et chants révélés dans le réveil évangélique du Congo." Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0664.
Full textAbstract:
Daniel Ndoundou (1911-1986), prophète congolais méconnu et pasteur de l’Église Évangélique du Congo, a dirigé durant 38 ans un mouvement dont l’impact populaire a largement débordé le cadre de son Église. Ce « Réveil de 1947 » (ou nsikumusu), qui avait débuté parmi les élèves pasteurs et instituteurs de la station missionnaire de Ngouedi au sud du Congo Brazzaville, s’inscrit dans l’héritage des prophétismes Kongo. A la mort du prophète, resté sans successeur, le mouvement s’est perpétué par un phénomène de fragmentation, avec l’émergence et la multiplication de figures prophétiques locales et anonymes qui, jusqu’à aujourd’hui, reproduisent et enrichissent la matrice prophétique initiale. Leur activité thérapeutique et visionnaire s’exerce au sein de « groupes spécialisés » abrités dans les paroisses, sous le contrôle des pasteurs, mais également dans des centres thérapeutiques privés, appelés bizinga, en dehors du contrôle de l’Église. Les chorales kilombo où sont interprétés les « chants révélés » constituent l’un des traits originaux et le marqueur identitaire du mouvement, de même que les grandes « retraites spirituelles » rassemblant des milliers, ou dizaines de milliers, de participants. La thèse retrace l’historique du Nsikumusu en montrant le rôle-clé de ces prophétesses et prophètes locaux dans la construction d’une proposition religieuse hybride où l’effervescence et l’imprévisibilité prophétiques se conjuguent avec la tradition doctrinale protestante héritée des missions. Face au dynamisme des Églises de Réveil, les prophètes du nsikumusu attirent de nouveaux publics en quête de sens et de guérison et construisent un lien identitaire qui rattache les fidèles à une tradition prophétique tout à la fois ancienne et en constante évolutionDaniel Ndoundou (1911-1986), a littleknown Congolese prophet and pastor of Evangelical Church of Congo, ran a popular movement whose impact went far beyond the scope of his church over a period of 38 years. This "1947 Revival" (or nsikumusu), which had started among the students, both pastors and teachers, of Ngouedi's missionary station in the south of Congo Brazzaville is part of the legacy of Kongo Prophetism. At the death of the prophet, the movement was left without a successor which led to its partitioning with the emergence and multiplication of local and anonymous prophetic figures. Until today, they reproduce and enrich the initial prophetic matrix. Their therapeutic and visionary activity is conducted within "specialized groups" within the parishes, under the control of the pastors, but also in private therapeutic centers called bizinga, outside the control of the church. The kilombo choirs where "revealed songs" are interpreted is one of the original features and the identity marker of the movements as are the big "spiritual retreats" attended by thousands of participants. The thesis traces the history of Nsikumsu by showing the key role of these local prophetesses and prophets in the construction of a hybrid religious proposal where the prophetic effervescence and unexpectedness combine with the Protestant doctrinal tradition inherited from missions. Faced with the dynamism of Pentecostal and Charismatic Churches, the prophets of nsikumusu attract new audiences in search of meaning and healing and build an identity link connecting the believers to a prophetic tradition both ancient and renewing
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Despringre, André-Marie. "Chants de fêtes des villes et villages du Westhoek français : étude des rites et de la musique." Paris 5, 1985. http://www.theses.fr/1985PA05H069.
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Le, Gonidec Marie-Barbara. "Le beau berger et sa flute de miel : les instruments de musique pastoraux dans les chants traditionnels bulgares." Paris 10, 1997. http://www.theses.fr/1997PA100139.
Full textAbstract:
Le travail porte, d'une part, sur l'organologie des flutes, des cornemuses et des cloches bulgares, et d'autre part, sur un corpus de 388 textes de chants traditionnels mentionnant ces instruments. Une fois connues leurs caracteristiques organologiques et les modalites de leur apparition dans les textes, les instruments sont soumis a une analyse visant a degager leurs significations symboliques. Les flutes font plus frequemment l'objet d'une mention. Si les bulgares font usage des flutes a bloc, seuls sont mentionnes les specimens a embouchure biseautee (ex. Kaval) dont le timbre est souvent rapproche de la voix humaine en raison du traitement particulier du souffle. Et puisque de nombreux chants mettent en evidence la fonction communicatrice de la flute, traditionnellement employee pour diriger le troupeau (se basant sur les reflexes conditionnes de l'animal), ce choix revele l'existence d'une relation entre la morphologie de l'embouchure et le role pratique de l'instrument. D'autre part, en raison du rapport souffle/voix, la flute confere au berger les valeurs positives attribuees universellement au souffle. Les proprietes creatrices du souffle vital font que la flute symbolise le phallus. Le caractere pastoral de la cornemuse, a l'inverse, n'apparait pas. L'instrument represente doublement le mariage : parce qu'il ritualise l'union du couple en conduisant publiquement la procession et parce que le gonflement de l'outre suggere le ventre de la femme defloree. Se fondant sur les modalites d'usage de la cloche, les chants montrent l'existence d'un lien entre l'homme et l'animal, lien direct (l'animal ensonnaille est dote d'une voix et parle avec le berger) ou indirect (richement pare, il est un faire-valoir). L'etude des chants constitue une voie d'acces satisfaisante a la comprehension des systemes de representations dans lesquels s'inscrivent les instruments de musiqueIn a first pan, this work presents the organology of bulgarian flutes, bag, pipes and bells. In a second part, it deals with a corpus of 388 folk-songs witch mention those instruments. Once their organological characteristics and the modalities of their occurrences in the texts have been established, the instruments are analysed in the light of their symbolical meanings. The flutes are mentioned most often. Though the bulgarians also use duct flutes, only those with rim-blown are mentioned : for ex. The kaval, whose timbre is often compared to human voice because of the specific way it is blown into. Since numerous songs bring to the fore the flute's role of communication (traditionally used to direct the flock, using the animal's conditioned reflexes), this choice reveals a relationship between the morphology of the flute's mouth and the part played by the instrument. Moreover, because of the link between breath and voice, the flute gives the shepherd the positive qualities universally attributed to breath. Thus the flute, endowed with the creative properties of the breath of live, symbolizes the phallus. On the other hand, the pastoral characteristic of the bag-pipe is never made to appear. The instrument doubly represents marriage : because it ritualizes a couple's union by publicly leading the wedding procession, and because the blown bag suggest the deflowered woman's belly. Following the way bells are used, the songs show a link between man and the animals : a direct link (the animal bearing a bell has a voice and speaks to the shepherd) or an indirect one (richly adorned, the animal is a display). Studying the songs is an efficient way of understanding the representation in witch musical instruments have a place
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Burnea, Volvoreanu Ramona-Mariela. "Étude comparative des pratiques poétiques dans les chants traditionnels roumains et corses." Thesis, Corte, 2020. http://www.theses.fr/2020CORT0010.
Full textAbstract:
Notre étude vise à comparer la doïna et le cantu corsu, des chants traditionnels qui traitent de thèmes universels comme l’amour, la nostalgie, le travail, l’oppression sociale ou la mort au sein deux sociétés agropastorales. Grace aux travaux de chercheurs contemporains impliqués dans la préservation de ces créations et de leurs valeurs culturelles, le cantu in paghjella comme la doïna intègrent en 2009 le patrimoine immatériel de l'UNESCO.Les multiples formes de chant corse (polyphoniques et monodiques) couvrent l'ensemble des aspects de la vie. De notre point de vue, le type cantu in paghjella peut être caractérisé notamment par le fait qu'il est chanté a capella par des hommes alors que la doïna est une monodie interprétée dans la solitude par des hommes et des femmes.À travers cette étude, nous mettons en relief des similitudes et des différences, des convergences et des divergences entre ces deux chants.On note aujourd'hui que la chanson corse constitue une manière de préserver et de transmettre la langue corse ou privilégie la voie de poitrine. On remarque aussi qu'en Corse, l'univers de la mort a une place plus importante que dans la chanson roumaine. Ces aspects font partie des divergences les plus significatives.À propos de similitudes et outre les thèmes communs, notons que ces deux chants sont pratiqués sur des territoires isolés (géographiquement pour la Corse et linguistiquement pour la Roumanie). Durant des millénaires, les chansons de différentes régions et dialectes ont été véhiculées avec l'aide de bergers transhumants, la musique et le texte étant toujours transmis simultanément. Aujourd'hui et pour plusieurs raisons (exode rural ou médiatisation parfois déconnectée du contexte), le chant authentique risque de disparaître sans la mise en œuvre d'un véritable processus de patrimonialisationOur study aims at comparing the doïna and the cantu corsu, traditional songs that deal with universal themes such as love, nostalgia, work, social oppression or death in both agro-pastoral societies.Thanks to the work of contemporary researchers involved in the preservation of these creations and their cultural value, the cantu in paghjella like the doïna became part of the intangible heritage of UNESCO in 2009.The multiple forms of Corsican singing (polyphonic and monodic) cover all aspects of life. From our point of view, the cantu in paghjella can be characterized in particular by the fact that it is sung a capella by men while the doïna is a monody performed in solitude by men and women.Through this study, we highlight similarities and differences, convergences and divergences between these two types of songs.Today we note that the Corsican song constitutes a way of preserving and transmitting the Corsican language or favors the chest voice. We also notice that in Corsica, the universe of death has a more important place than in the Romanian song. These aspects are among the most significant differences.Regarding similarities and in addition to the common themes, let us note that these two types of songs are practiced in isolated territories (geographically for Corsica and linguistically for Romania). For millennia, songs from different regions and dialects have been passed on with the help of transhumant shepherds, with music and lyrics always being transmitted simultaneously. Today and for several reasons (rural exodus or media coverage sometimes disconnected from the context), authentic singing risks disappearing without the implementation of a real process of heritage development
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Rantières, Frédéric. "La performativité du chant liturgique carolingien dans les sources philosophiques, liturgiques et didactiques : les pouvoirs affectifs et symboliques de la voix." Paris, EPHE, 2014. http://www.theses.fr/2014EPHE5007.
Full textAbstract:
Partagée entre plusieurs domaines de compétences, l’historiographie sur le chant grégorien soulève de manière hétérogène la question de son pouvoir. Selon que ses auteurs s’intéressent à la liturgie, à la philosophie ou à la théorie de la musique, à l’anthropologie des religions, ou encore à la pratique du chant et à son édition scientifique, chacun d’eux propose de ce phénomène une vision fragmentée, qui ne permet pas de dégager une vue d’ensemble homogène de la fonction qu’il opérait au sein du dispositif liturgique médiéval. Une étude approfondie de la performativité du chant grégorien d’après l’ensemble des sources carolingiennes s’avère par conséquent nécessaire, en vue d’interroger la pensée des philosophes, liturgistes, théoriciens et pédagogues de cette époque sur les pouvoirs dont ils l’investissaient. L’étude des traditions manuscrites carolingiennes relatives au chant liturgique permet de distinguer trois courants, dont les réflexions répondent à des finalités distinctes. Historiquement, le premier qui émerge de la pensée sur le chant grégorien demeure celui centré autour des six livres du De musica d’Augustin (354-430). Le second courant qui ressort de l’étude des textes sur le chant grégorien appartient à la littérature herméneutique sur la liturgie. Le troisième courant qui apparaît dans la tradition manuscrite est celui encore naissant à l’époque carolingienne des premiers traités didactiques sur le chant liturgiqueShared between several fields of competence, the historiography on Gregorian chant underlines, in a heterogeneous manner, the question of its puissance. Writers over time have focused on different aspects such as the liturgy, music philosophy or theory, anthropology of religions, chant practise and its scientific publishing. Because of this, the scientific corpus provides a fragmented vision, not permitting a clear and homogeneous understanding of the phenomenon of liturgical chant operating inside the medieval context. A thorough study of the performativity of Gregorian chant according to the Carolingian sources appears necessary to understand the notion of the puissance invested in liturgical chant as described by the philosophes, liturgists, theorists and pedagogues from this period. The study of manuscript Carolingian traditions relative to liturgical chant allows to distinguish between three schools of thought, each with their own reflexions corresponding to distinct finalities. Historically, the first, which emerges from the reflexion on Gregorian chant, is based on the six books of the De musica by Augustine (354-430). The second school of thought arising from the study of texts on Gregorian chant is related to hermeneutic literature on liturgy. The third school of thought emerges at the beginning of the Carolingian period with the birth of the first didactic treatises on liturgical chant in the manuscript tradition
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Rollin, Vincent. "Rendre les derniers devoirs en musique : Rituels, chants et pompe musicale des cérémonies funèbres catholiques à Paris sous le régime concordataire." Thesis, Saint-Etienne, 2015. http://www.theses.fr/2015STET2210/document.
Full textAbstract:
Cette étude vise à mettre en lumière les ressorts, pratiques et répertoires propres à l’usage des chants et de la musique au cours des convois et messes funèbres catholiques à Paris sous le régime concordataire (1802-1905). La solennisation cantorale et musicale de, ajoutée à et pendant la messe des morts (plain-chant, faux-bourdon, contre-point, musique figurée) est tout d’abord analysée au prisme de ses cadres d’organisation et de production : d’une part, les textes et rubriques relatifs aux rituels, cérémonies, prières et chants inscrits dans les livres de l’Église, suivant le rite romain ou le rite propre de Paris ; d’autre part, la législation, l’économie et l’administration de la messe funèbre tarifée suivant les barèmes officiels des pompes funèbres et le casuel paroissial, gradués par classes de convois. La fabrique de la pompe musicale extraordinaire est ensuite étudiée à travers l’analyse de quatre cas particuliers : la participation des militaires in et ex ecclesia, par le truchement des honneurs rendus par les troupes et de la mobilisation de musiques militaires ; les convois et célébrations funèbres à caractère officiel et national, de par leur financement, leur dimension symbolique et les lieux qu’elles investissent, voire les répertoires officiels qu’elles convoquent ou commandent ; les deuils de la communauté des gens de musique et de théâtre, impliquant non seulement une mobilisation spontanée et bénévole des musiciens, des choix singuliers quant aux œuvres exécutées, mais aussi un discours funèbre et honorifique produit par la musique mêmeThis thesis studies the motivations, practices and repertories of chant and music used in catholic funeral ceremonies at Paris under the Concordat (1802-1905). The singing and musical solemnization of, added to and during the Mass of the Dead (plain chant, false bourdon, counterpoint, music) is analyzed for its scopes of organization and production : on the one hand the texts and rubrics of the rituals, ceremonies, prayers and chants of the liturgical books (roman and parisian rites) ; on the other hand the legislation, economy and administration of the funeral mass the official fees regulation of “pompes funèbres” fees and parishes. Then the making of the extraordinary musical “pompe” is studied by means of four particular cases : the involvement of the soldiers in and ex ecclesia (military honours and music) ; official and national funeral ceremonies, with their financing, symbolic system, places and official musical repertories ; the mournings of the musical community, involving not only a voluntary summoning up of musicians, singular choices for the musical program, but also a funeral discourse through music
Books on the topic "Jardins – chants et musique"
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Laffage, Antonin. La musique arabe : ses chants et ses instruments. Liban, Beyrouth: Distributeur: Dār wa Maktabat al-Hilāl, 2006.
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Mamy, Sylvie. L' allée de Mélisande: Les jardins et la musique. Paris: L'Harmattan, 2004.
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Olsen, Miriam Rovsing. Chants et danses de l'Atlas: (Maroc). [Arles]: Cité de la musique/Actes sud, 1997.
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Rivard, Laurent Edouard, né 1832., ed. Chants évangéliques pour le culte public et l'édification particulière: Avec musique à quatre parties. Montréal: musique, 1997.
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William, Kehoe, ed. The London disaster: The following lines were composed br [sic] Blind Bill, the Fiddler, well known over the Dominion of Canada, on the wreck of the Victoria ... [S.l: s.n., 1986.
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McKillop, A. Campaign songs. [S.l: s.n., 1985.
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Connors, Stompin' Tom. My stompin' grounds-- and four other songs. Toronto: Doubleday Canada, 1992.
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Ranger, B. Une tarte au grenier, ou, En roulant la boule à mouman: Air des plus connus : réflexions folâtres sur l'imbroglio Tarte-Grenier. Montréal: Dépôt central, 1993.
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Lyman, Benjamin Smith. Bourinot coal claims and lands, Cape Breton. [New York?: s.n.], 1987.
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Rouget, Gilbert. Un roi africain et sa musique de cour: Chants et danses du palais à Porto-Novo sous le règne de Gbèfa (1948-1976). Paris: CNRS, 1995.
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GENEIX-RABAULT, Stéphanie. "A travers chants." In Langues chantées / Cultures mises en musique, 43–56. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.5431.
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La Nouvelle-Calédonie est le creuset d’un répertoire de chansons inspirées par la diversité des langues, des mémoires et des imaginaires de ses habitants : reflet des parcours de mobilités et des interactions humaines, il incarne les dynamiques plurilingues et pluriculturelles du pays. Richesse du patrimoine calédonien, ce répertoire est pour autant peu sollicité dans les espaces éducatifs. Notre recherche-action-création, initiée dans des écoles primaires publiques à Nouméa à partir de 2017, vise in fine à (faire) reconnaitre et valoriser les langues et cultures de son environnement via des chansons du répertoire familial. Les démarches collaboratives et interinstitutionnelles mises à l’oeuvre dans notre programme scientifique entendent également reconférer au chant des fonctions sociodidactiques de premier plan : un moyen de transmission de langues et de cultures minorées, un support de l’ouverture à la diversité linguistique, un instrument d’apprentissages et, enfin, un chemin pour créer des ponts entre savoirs et espaces de vie.
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"Chants des Traditions Judéo-chrétiennes." In Sur le culte divin et la musique, 685–87. Turnhout, Belgium: Brepols Publishers, 2020. http://dx.doi.org/10.1484/m.elsem-eb.5.119041.
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TESTARD, Emilie. "Les chants de bateliers." In Langues chantées / Cultures mises en musique, 135–48. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.5441.
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Les cortèges de barques royales ont participé dès le règne du roi Narai (contemporain de Louis XIV) au XVIIème siècle à glorifier l'institution monarchique et le règne du dieu Vishnou incarné. Si des descriptions de ces cortèges anciens ne sont décrits que succinctement dans les récits de voyage des occidentaux venus au Siam, les textes les plus anciens qui nous soient parvenus furent composés par le prince Thammathibet, fils ainé du roi Borommakot (début du XVIIIème siècle). Le poète, après avoir fait la description des embarcations royales, dorées et aux proues ornées d'animaux mythologiques minutieusement sculptés, se livre à une description de la nature : le fleuve abonde en poissons de toutes sortes, les fleurs font ployer les branches des arbres, les oiseaux colorés emplissent l'air de leurs chants mélodieux. La luxuriance de la nature participe à la gloire d'Ayutthaya. De vocation panégyrique, les chants de bateliers outil de propagande dédiés à la louange du royaume, de ses capitales et de ses rois, devinrent progressivement des œuvres de circonstance vouées à perdre toute valeur poétique pour ne devenir que des litanies répétitives et caduques.