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Dissertations / Theses on the topic 'Italian artist'
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1
Hudson, Hugh. "Paolo Uccello : the life and work of an Italian Renaissance artist /." Connect to thesis, 2005. http://eprints.unimelb.edu.au/archive/00002997.
Full text
2
Cazzato, Elisa. "An Italian Artist in Paris: The career and designs of Ignazio Degotti (1758–1824)." Thesis, The University of Sydney, 2017. http://hdl.handle.net/2123/18587.
Full textAbstract:
This thesis aims to explore the ways in which, through a community of Franco-Italian artists, a tradition of innovative stage design took root in France in the late eighteenth century, transforming the scenic ambitions of official theatre. By reconstructing the career of the Italian designer Ignazio Degotti, and his little-known vicissitudes, my thesis investigates how stage design found new ambition and purpose both in the theatre and in the culture of French ‘Revolution’ and ‘Empire.’ Degotti completed his apprenticeships in the later eighteenth century in the court and civic theatres of metropolitan centres in Italy such as Turin, Rome, and Naples. He started working for the Théâtre de Monsieur in Paris just after the outbreak of the Revolution and his fame peaked during the politically-driven and privileged space of the Théâtre de l’Opéra under the Empire. It was, however, the transformation of his practice and ambition throughout the Revolutionary years that established him as an innovator. No study has specifically focused on Degotti and his impact on stage design. Like many of the figures who transformed theatre aesthetics during the turn of the nineteenth century, he is as yet little researched. Of crucial importance to my project are the connections that brought Degotti into proximity with the painter Jacques-Louis David and with a wider circle of Italian and French visual artists and musicians. This set of relationships has never been fully explored in accounts of stage design or indeed historical texts in art, but is vital to understanding the aesthetic ambitions and the broader concept of scenography in France between Revolution and Empire.
3
Pesce, Amanda-Josephine Michelle. "Rogier van der Weyden: A Netherlandish Artist and the Ferrarese Court." Master's thesis, Temple University Libraries, 2016. http://cdm16002.contentdm.oclc.org/cdm/ref/collection/p245801coll10/id/416615.
Full textAbstract:
Art HistoryM.A.
Northern European and Italian Renaissance art have tended to be treated art historically as two opposing styles. Rooted in statements by artists such as Michelangelo and Leon Battista Alberti, it has become a common misconception that Italians did not hold Northern European art in high regard during the late fifteenth and early sixteenth centuries. This thesis seeks to complicate and critique this conventional understanding by looking at the similarities and transalpine exchanges between the artistic styles and practices of Rogier van der Weyden (c. 1400-1464) of Brussels and Cosmè Tura (c. 1430-1495) of Ferrara. By looking at the writings of contemporary humanists at the Ferrarese court and technical analysis of select paintings, it is evident that Cosmè Tura strove to emulate and incorporate aspects of Rogier van der Weyden’s northern manner, especially in his handling of oil paint, use of underdrawings, and emotive effects. By reconsidering this cross-cultural relationship, this thesis demonstrates that the traditionally constructed animosity between Northern and Southern Renaissance art is a common misperception and a oversight in art history.
Temple University--Theses
4
Dunn, D. F. "Prometheus, artist of the ages : Prometheus' function in ekphrastic contexts in Latin literature and North Italian Renaissance stanzini." Thesis, University College London (University of London), 2013. http://discovery.ucl.ac.uk/1415830/.
Full textAbstract:
This thesis is concerned with how the myths of Prometheus came to function within ekphrastic contexts from Latin literature to Renaissance Italian art. Prometheus had many guises: the trickster that stole fire and triggered the end of the Golden Age, the keeper of a secret, the sculptor of man. Previous scholarship has tended to ignore, in particular, Prometheus’ connection to the Golden Age. After drawing fresh attention to the earliest sources in which this connection was explored, I illustrate how a development in writers’ characterisation of the god helped give rise to the idea of Prometheus as a creator capable of inspiring a new age. Ekphrasis functions as a thematic focus of the thesis. This is because Prometheus and Golden Age motifs frequently appear within or just outside of ekphrases, and because it is my contention that Prometheus, in particular, has an important metapoetic function. I argue that the ekphrastic characteristics of North Italian Renaissance Dukes’ stanzini (study/art galleries) in which Prometheus and Golden Age motifs were often employed may help redefine and clarify ancient literature about Prometheus, most particularly his metapoetic function. That relationship is explored through three diptychs, in each of which a classical text containing an ekphrasis is paired with an Italian stanzino containing an artwork inspired by that text. The diptychs are: Catullus 64 with the cam erini d’alabastro of Alfonso I d’Este in Ferrara, Vergil Eclogue VI and Ovid Metamorphoses I with Francesco I de’Medici’s Studiolo in Florence, and, as an extension of my study, Achilles Tatius’ Leucippe and Clitophon with the Italian Hall of Mary of Hungary in Flanders.
5
McHale, Katherine Jean. "Ingenious Italians : immigrant artists in eighteenth-century Britain." Thesis, University of St Andrews, 2018. http://hdl.handle.net/10023/13854.
Full textAbstract:
Italian artists working in eighteenth-century Britain played a significant role in the country's developing interest in the fine arts. The contributions of artists arriving before mid-century, including Pellegrini, Ricci, and Canaletto, have been noted, but the presence of a larger number of Italians from mid-century is seldom acknowledged. Increasing British wealth and attention to the arts meant more customers for immigrant Italian artists. Bringing with them the skills for which they were renowned throughout Europe, their talents were valued in Britain. Many stayed for prolonged periods, raising families and becoming active members in the artistic community. In a thriving economy, they found opportunities to produce innovative works for a new clientele, devising histories, landscapes, portraits, and prints to entice buyers. The most successful were accomplished networkers, maintaining cordial relationships with British artists and cultivating a variety of patrons. They influenced others through teaching, through formal and informal exchanges with colleagues, and through exhibition of their works that could be studied and emulated.
6
Fusaro, Martina <1991>. "OLTRECONFINE. Artisti italiani al Salon d'Automne 1903-1912." Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2015. http://hdl.handle.net/10579/6831.
Full textAbstract:
Il lavoro compiuto si configura come un’analisi storico-artistica degli artisti italiani che negli anni tra il 1903 ed il 1912 esposero nelle sale del Salon d’Automne a Parigi.
La ricerca ha preso le mosse dallo studio della situazione politica ed economica dell’Italia di fine Ottocento per spiegare i movimenti migratori che spinsero molti compatrioti a stabilirsi Oltralpe entrando in contatto con la realtà sociale parigina e diventandone parte integrante.
Un primo grande evento grazie al quale i nostri artisti si interfacciarono all’arte europea di inizio secolo fu la grandiosa Esposizione Universale del 1900 durante la quale ottennero premi e riconoscimenti in virtù della presentazione di opere dal grande valore non solo tematico ma estetico, che rispondevano ai linguaggi nuovi che l’Europa richiedeva.
Sulla base di questa breve introduzione il lavoro si è poi concentrato sullo studio anno per anno del Salon per cercare di spiegare i rapporti che sono intercorsi tra i nostri artisti e i linguaggi avanguardistici ivi promossi, attraverso anche un’analisi critica dei singoli autori. La ricerca ha preso le mosse dall’analisi dei cataloghi generali del Salon e dalla lettura di articoli di stampa dell’epoca che permettessero di acquisire un contesto sociale e artistico più ampio nel quale inserire e giustificare la presenza dei nostri artisti e gli apporti che essi hanno fornito all’arte di inizio secolo a Parigi.
7
Veronesi, Matteo <1975>. "Il critico come artista dall'Estetismo agli Ermetici." Doctoral thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2005. http://amsdottorato.unibo.it/2275/1/Tesi_Veronesi_Matteo.pdf.
Full text
8
Veronesi, Matteo <1975>. "Il critico come artista dall'Estetismo agli Ermetici." Doctoral thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2005. http://amsdottorato.unibo.it/2275/.
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9
Collier, Carly Elizabeth. "British artists and early Italian art c. 1770-1845 : the pre Pre-Raphaelites?" Thesis, University of Warwick, 2013. http://wrap.warwick.ac.uk/62965/.
Full textAbstract:
This thesis examines the hitherto largely-overlooked multifarious response by British artists to early Italian art which pre-dated the activity of the Pre-Raphaelites and their greatest champion, John Ruskin. The title of this thesis does not endeavour to claim that the artists under examination consciously formed or naturally constituted a group with clearly defined common interests and aims, as was the case with their aforementioned successors. Rather, the collective ‘pre’ Pre-Raphaelites is intended to demonstrate that, contrary to the impression given by the standard scholarship on this area, there were British artists prior to the dawn of the Pre-Raphaelites who found worth in periods of art beyond what was conventionally considered both generally tasteful and also useful for an artist to imitate, and who indeed made many of the important steps which facilitated the Pre-Raphaelites’ rediscovery of early Italian art in the late 1840s. The temporal span of the main investigative thrust of this thesis is, approximately, 1770 - 1845. Its structure is intended to reflect the multiplicity of both the catalysts and then the subsequent responses of British artists to the Italian primitives. The first part of the thesis comprises a number of chapters which offer a broad contextual framework - encompassing analyses of taste, artistic education and historiography - within which the varied activities of the artists explored in the subsequent chapters are set. Parts two and three reveal the very different approaches taken by a series of artists in the decades either side of the turn of the century in their attempts to study, learn from and sometimes emulate the visual lessons of the past. Thus this thesis rescues the often marginalised contributions of a selection of British artists to the resurgence of interest in early Italian art, and demonstrates how fundamental their interpretive filter was for the nature of the quasi-revolution in taste in the last half of the nineteenth century.
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MCMANUS, KEVIN. "ARTISTI ITALIANI NELLE UNIVERSITA' AMERICANE: IL CASO DI HARVARD (1954-1970)." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2013. http://hdl.handle.net/10280/1851.
Full textAbstract:
La ricerca analizza l’attività didattica degli artisti italiani Costantino Nivola (1954-57, poi 1970), e Mirko Basaldella (1957-69) presso la Graduate School of Design della Harvard University, focalizzandosi in particolare sul Design Workshop, fondato nel 1956 anche grazie al contributo di Nivola, suo primo direttore, e poi coordinato da Basaldella fino alla sua morte nel 1969. Il caso particolare di due artisti così legati a forme archetipiche equidistanti tra astrazione e figurazione, ma spinti dal metodo dell’università americana a tenere corsi legati al concetto di “design”, impone di premettere, in due capitoli di taglio teorico, un inquadramento del problema della definizione di tale concetto e della sua particolare incidenza sui contenuti e le categorie didattiche dell’arte nell’università americana nella sua evoluzione nel Ventesimo secolo, soprattutto in relazione all’importazione del Bauhaus. Il rapporto con questo ingombrante modello è affrontato anche per spiegare la distanza tra l’arte prodotta dall’avanguardia americana di quegli anni e quella insegnata a livello universitario, esiti rispettivi di due diverse formulazioni del “modernismo”: proprio in questa distanza si colloca il lavoro di docenti di Nivola e di Mirko, ma anche di Bruno Munari, invitato a Harvard per un semestre nel 1967.The research analyses the teaching careers of Italian artists Costantino Nivola (1954-57, 1970) and Mirko Basaldella (1957-69) at the Graduate School of Design, Harvard University, focusing in particular on the Design Workshop, founded – with the contribution of Nivola, its first director – in 1956, and directed by Basaldella from 1957 to his death in 1969. The peculiar case of two artists so involved with archetypal shapes defying both abstraction and figure, but forces to teach courses based on “design”, makes it necessary to introduce the subject with two chapters of theoretical character, addressing the problematic definition of “design” and its importance on the 20th-Century evolution of the contents and methods of art education in the American university, and particularly on the assimilation of the Bauhaus model. Such cumbersome influence is used as a way to clarify the distance between the art produced by the contemporary American avant-garde and the art taught at college level, mirroring the co-existence of two different formulations of modernism. In the space created by such distance Nivola, Mirko, and also Bruno Munari – Visiting Professor at Harvard in 1967 – work as college teachers.
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MCMANUS, KEVIN. "ARTISTI ITALIANI NELLE UNIVERSITA' AMERICANE: IL CASO DI HARVARD (1954-1970)." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2013. http://hdl.handle.net/10280/1851.
Full textAbstract:
La ricerca analizza l’attività didattica degli artisti italiani Costantino Nivola (1954-57, poi 1970), e Mirko Basaldella (1957-69) presso la Graduate School of Design della Harvard University, focalizzandosi in particolare sul Design Workshop, fondato nel 1956 anche grazie al contributo di Nivola, suo primo direttore, e poi coordinato da Basaldella fino alla sua morte nel 1969. Il caso particolare di due artisti così legati a forme archetipiche equidistanti tra astrazione e figurazione, ma spinti dal metodo dell’università americana a tenere corsi legati al concetto di “design”, impone di premettere, in due capitoli di taglio teorico, un inquadramento del problema della definizione di tale concetto e della sua particolare incidenza sui contenuti e le categorie didattiche dell’arte nell’università americana nella sua evoluzione nel Ventesimo secolo, soprattutto in relazione all’importazione del Bauhaus. Il rapporto con questo ingombrante modello è affrontato anche per spiegare la distanza tra l’arte prodotta dall’avanguardia americana di quegli anni e quella insegnata a livello universitario, esiti rispettivi di due diverse formulazioni del “modernismo”: proprio in questa distanza si colloca il lavoro di docenti di Nivola e di Mirko, ma anche di Bruno Munari, invitato a Harvard per un semestre nel 1967.The research analyses the teaching careers of Italian artists Costantino Nivola (1954-57, 1970) and Mirko Basaldella (1957-69) at the Graduate School of Design, Harvard University, focusing in particular on the Design Workshop, founded – with the contribution of Nivola, its first director – in 1956, and directed by Basaldella from 1957 to his death in 1969. The peculiar case of two artists so involved with archetypal shapes defying both abstraction and figure, but forces to teach courses based on “design”, makes it necessary to introduce the subject with two chapters of theoretical character, addressing the problematic definition of “design” and its importance on the 20th-Century evolution of the contents and methods of art education in the American university, and particularly on the assimilation of the Bauhaus model. Such cumbersome influence is used as a way to clarify the distance between the art produced by the contemporary American avant-garde and the art taught at college level, mirroring the co-existence of two different formulations of modernism. In the space created by such distance Nivola, Mirko, and also Bruno Munari – Visiting Professor at Harvard in 1967 – work as college teachers.
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Parcianello, Juciane Ferigolo. "REESCRITURAS DO POLÍTICO: LÍNGUA ITALIANA X LÍNGUA DOS IMIGRANTES." Universidade Federal de Santa Maria, 2015. http://repositorio.ufsm.br/handle/1/4000.
Full textAbstract:
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível SuperiorThis thesis studies the political in the language and in the relationship between the languages, considering the space of enunciation of the Associação Italiana de Santa Maria (AISM), designed to "preserve", "protect" the cultural patrimony of Italian immigrants of the Santa Maria region and Quarta Colônia region, and also to promote, develop and teach the Italian language of Italy. We seek, for the theoretical perspective of the Semântica do Acontecimento, from Eduardo Guimarães (2002), analyze the rewriting of designations Italian language, dialect(s), immigrant/Italian/descendant, culture (Italian) and italianity, in the statute text of three institutions: Società Italiana di Mutuo Soccorso e Ricreativa, founded in 1896, in Santa Maria, Sociedade de Cultura Ítalo-Brasileira Dante Alighieri, founded in1985, in the same city, and Associação Italiana de Santa Maria, founded in 1992, in the same place, and successor to the previous Society. The analysis of the semantic functioning of designations exposes the conflicts established mainly between the unequal distribution of places allotted to the Italian language, that in the statutory text of AISM means official language of Italy, language of the great Italian writers, language that should be taught, and to the language of Italian immigrants, whose designation dialect assigned to it means cultural patrimony of immigrants, no place in the teaching. There are many other forms of contradiction in the analyzed texts, but always manifested by differences of meanings and of places with respect to the Italian language and dialect. At this inevitable and irreversible contradiction, which constitutes of enunciation space, Guimarães designates political, and this notion is a displacement of the concept of political from Rancière (2007). Like main scope, through analysis, we intend to answer the following questions:1) which the political meaning of an Italian association that mobilizes the memory of Italian immigration and stands as a representative of immigrants and their descendants? 2) Who and what is this Association representes, and who and what is out of it? 3) What place does the Italian language and the language of immigrants in the space of AISM? The conclusion to which we come, with this study, it is that, in the enunciation space of AISM, the confrontation is between the languages of Italian immigrants and the Italian language from Italy, and not among the languages of immigrants and the national language as happened previously, in the Era Vargas .
Esta tese versa sobre o político na língua e na relação entre as línguas, considerando o espaço de enunciação da Associação Italiana de Santa Maria (AISM), criada para preservar , resguardar o patrimônio cultural dos imigrantes italianos da região de Santa Maria e da Quarta Colônia, e também para divulgar, valorizar e ensinar a língua italiana da Itália. Buscamos, pela perspectiva teórica da Semântica do Acontecimento, do linguista Eduardo Guimarães (2002), analisar as reescrituras das designações língua italiana, dialeto(s), imigrante/italiano/descendente, cultura (italiana) e italianidade, no texto estatutário de três instituições: Società Italiana di Mutuo Soccorso e Ricreativa, fundada em 1896, na cidade de Santa Maria, Sociedade de Cultura Ítalo-Brasileira Dante Alighieri, fundada em 1985, na mesma cidade, e Associação Italiana de Santa Maria, fundada em 1992, no mesmo local, sendo sucessora da Sociedade anterior. A análise do funcionamento semântico das designações expõe os conflitos que se estabelecem principalmente entre a distribuição desigual dos lugares atribuídos à língua italiana, que no texto estatutário da AISM significa língua oficial da Itália, língua dos grandes escritores italianos, língua que deve ser ensinada, e à língua dos imigrantes italianos da região, cuja designação dialeto atribuída a ela significa patrimônio cultural dos imigrantes, sem lugar no ensino. Há muitas outras formas de contradição nos textos analisados, porém sempre manifestas pelas diferenças de sentidos e de lugares dados no que se refere à língua italiana e a dialeto. A essa contradição inevitável e irreversível constitutiva do espaço de enunciação, Guimarães designa político, sendo esta noção um deslocamento da noção de político de Rancière (2007). Como escopo principal, por meio das análises, pretendemos responder as seguintes questões: 1) qual o sentido político de uma associação italiana que pela memória da imigração italiana se coloca como representante dos imigrantes e seus descendentes? 2) Quem e o que essa Associação representa e quem e o que está fora dela? 3) Que lugar tem a língua italiana e a língua dos imigrantes no espaço da AISM? A conclusão a qual chegamos, com este estudo, é a de que, no espaço de enunciação da AISM, o confronto se dá entre as línguas dos imigrantes italianos e a língua italiana da Itália, e não mais entre as línguas dos imigrantes e a língua nacional, como ocorreu outrora, na Era Vargas.
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Popolla, Brielle Virginia. "Unsettling The Little House/Pellegrino Artusi, Italian Cookbooks, And (Northern) Nationalism." W&M ScholarWorks, 2020. https://scholarworks.wm.edu/etd/1616444410.
Full textAbstract:
This article uses Patrick Wolfe’s theory of settler colonialism to analyze the relationship between Laura Ingalls Wilder’s Little House on the Prairie book series and Native American literature. The article traces Native American authors from the 1930s – when Little House was first published – through to the present day, and aims to show that literature is a long-standing and valid way of decolonizing a settler colonial state. Cited in the article are Ella Deloria, Louise Erdrich, Waziyatawin, and Dennis McAuliffe, Jr., among others. Further topics include a literature award that removed Wilder’s name in 2018, and the role of education and settler colonialism. In this article, the author analyzes Pellegrino Artusi’s 1891 Italian cookbook La scienza in cucina e l’arte di mangiar bene. Overall, La scienza is considered one of the most significant Italian cookbooks. The article’s four main sections – language, class and gender, religion, and geography – support the claim that Artusi created a version of Italian nationalism through food; albeit with a particular emphasis on Northern Italy. This article relies heavily on the work of Benedict Anderson and Anthony D. Smith with their contributions to the field of nationalism, as well as highlighting Jeffrey Pilcher’s work as a means of introducing nationalism through food.
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Rattalino, Elisabetta. "The seasons in the city : artists and rural worlds in the era of Calvino and Pasolini." Thesis, University of St Andrews, 2018. http://hdl.handle.net/10023/15588.
Full textAbstract:
The Seasons in the City. Artists and Rural Worlds in the Era of Calvino and Pasolini explores rurality in postwar Italy. Between 1958 and 1963, the country underwent an unprecedented yet uneven industrialisation, a period known as the Economic Miracle. Drawing on a relational and dynamic understanding of rural space provided by human geography, this thesis investigates the impact of these economic and socio-cultural transformations on the countryside, and on the ways in which the rural world was perceived and conceptualised in the following decades, especially by contemporary artists and intellectuals. Works of Gianfranco Baruchello, Claudio Costa, Piero Gilardi, Maria Lai, Ugo La Pietra, Antonio Paradiso, Pino Pascali, Giuseppe Penone, and Superstudio have been selected and analysed for the complex views on the topography of the country they convey, whilst challenging more conventional forms of art. Organised in themed chapters that find resonance in the contemporary works of two iconic Italian intellectuals, Italo Calvino and Pier Paolo Pasolini, these artistic practices manifest the ways in which Marxist theory and anthropology contributed to artists' identification of rural landscapes and communities at the time. More importantly, this thesis offers an alternative geographical perspective on 1970s Italian art, one that challenges the pastoral myths that were constructed in the country's metropolitan centres.
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MARI, CHIARA. "ARTISTI E RAI 1968 - 1975. LA TELEVISIONE PUBBLICA ITALIANA COME SPAZIO D'INTERVENTO ARTISTICO." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2015. http://hdl.handle.net/10280/6145.
Full textAbstract:
La tesi analizza le collaborazioni di alcuni protagonisti della ricerca artistica contemporanea con la Rai tra gli anni Sessanta e Settanta. Dopo un capitolo introduttivo che ripercorre nelle sue linee principali le origini del dibattito critico italiano intorno al tema dei rapporti fra artisti e televisione, lo studio si concentra sul periodo 1968-1975, quando da un lato la Rai si apre maggiormente all’attualità artistica, dall’altro gli sviluppi dell’arte in direzione ambientale e performativa e le prime sperimentazioni video creano le premesse per interventi negli spazi della televisione pubblica. Il dialogo aperto da queste collaborazioni è particolarmente significativo perché rovescia la prospettiva con cui la Rai ha prevalentemente guardato l’arte contemporanea. La ricerca artistica si insinua nella programmazione ordinaria, oltre i confini del programma specialistico sull’arte, innescando riflessioni che vanno sempre al di là di un contributo “decorativo”, scenografico, educativo o divulgativo. Gli interventi artistici pensati per gli schermi Rai sono specchio di un contesto culturale assai più ampio e la loro analisi permette uno sguardo trasversale sul panorama artistico a cavallo dei due decenni, aprendo direzioni di riflessione nelle storie dell’arte più note di quegli anni e nella storia della televisione culturale italiana.This thesis investigates the collaboration between leading figures of contemporary art and Italian public broadcaster Rai in the 1960s and 1970s. The opening chapter provides an overview of the early debates in Italian art criticism on the relationship between artists and television. The study then focuses on the period 1968-1975. On the one hand, Rai was increasingly opening up to contemporary art during this time; on the other, the emergence of environment and performance art and the early experimentations with video were creating the conditions for artists to work in the space of public television. The exchanges arising from these collaborations are particularly significant because they reverse Rai’s prevalent approach to contemporary art. By going beyond specialist cultural programming and creeping into ordinary programmes, art makes a contribution which always transcends a merely ‘decorative’, scenographic or educational purpose. Artists’ work for Rai reflects a much wider cultural context, and its analysis offers a broad view of the art scene at the turn of the decades, providing new directions for exploration of the more well-known art histories of those years and of the history of cultural television programming in Italy.
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MARI, CHIARA. "ARTISTI E RAI 1968 - 1975. LA TELEVISIONE PUBBLICA ITALIANA COME SPAZIO D'INTERVENTO ARTISTICO." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2015. http://hdl.handle.net/10280/6145.
Full textAbstract:
La tesi analizza le collaborazioni di alcuni protagonisti della ricerca artistica contemporanea con la Rai tra gli anni Sessanta e Settanta. Dopo un capitolo introduttivo che ripercorre nelle sue linee principali le origini del dibattito critico italiano intorno al tema dei rapporti fra artisti e televisione, lo studio si concentra sul periodo 1968-1975, quando da un lato la Rai si apre maggiormente all’attualità artistica, dall’altro gli sviluppi dell’arte in direzione ambientale e performativa e le prime sperimentazioni video creano le premesse per interventi negli spazi della televisione pubblica. Il dialogo aperto da queste collaborazioni è particolarmente significativo perché rovescia la prospettiva con cui la Rai ha prevalentemente guardato l’arte contemporanea. La ricerca artistica si insinua nella programmazione ordinaria, oltre i confini del programma specialistico sull’arte, innescando riflessioni che vanno sempre al di là di un contributo “decorativo”, scenografico, educativo o divulgativo. Gli interventi artistici pensati per gli schermi Rai sono specchio di un contesto culturale assai più ampio e la loro analisi permette uno sguardo trasversale sul panorama artistico a cavallo dei due decenni, aprendo direzioni di riflessione nelle storie dell’arte più note di quegli anni e nella storia della televisione culturale italiana.This thesis investigates the collaboration between leading figures of contemporary art and Italian public broadcaster Rai in the 1960s and 1970s. The opening chapter provides an overview of the early debates in Italian art criticism on the relationship between artists and television. The study then focuses on the period 1968-1975. On the one hand, Rai was increasingly opening up to contemporary art during this time; on the other, the emergence of environment and performance art and the early experimentations with video were creating the conditions for artists to work in the space of public television. The exchanges arising from these collaborations are particularly significant because they reverse Rai’s prevalent approach to contemporary art. By going beyond specialist cultural programming and creeping into ordinary programmes, art makes a contribution which always transcends a merely ‘decorative’, scenographic or educational purpose. Artists’ work for Rai reflects a much wider cultural context, and its analysis offers a broad view of the art scene at the turn of the decades, providing new directions for exploration of the more well-known art histories of those years and of the history of cultural television programming in Italy.
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Siracusa, Giulia <1996>. "Performance e identità queer. Tre artist* italiane a confronto: Silvia Calderoni, Giorgia Ohanesian Nardin e Silvia Gribaudi." Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2022. http://hdl.handle.net/10579/21762.
Full textAbstract:
Silvia Calderoni, Giorgia Ohanesian Nardin e Silvia Gribaudi sono tre artist* e performer italian* note a livello internazionale e attiv* che, con le loro performance, affrontano questioni identitarie e in particolare di genere. Quest* artist* portano in scena le loro soggettività intrecciando autobiografia e rappresentazione a partire dalle riflessioni messe in campo dalle teorie di genere e dagli studi femministi. I loro lavori trattano questioni cruciali per le società contemporanee e che sono divenuti centrali anche nel dibattito politico italiano. La tesi presenta e contestualizza le loro poetiche e analizza alcuni dei lavori che hanno presentato in festival e teatri per illuminare come la performance contribuisca a porre domande e a proporre visioni da dibattere ben oltre la sua esistenza sulla scena.
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Scanferlin, Federica <1973>. "DIE MUNCHNER AKADEMIE: GLI ARTISTI ITALIANI A MONACO, LA NASCITA DELLA SECESSIONE, IL NAZISMO." Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2019. http://hdl.handle.net/10579/14760.
Full text
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Bruni, Cecilia <1997>. "Death effect: uno studio empirico di regressione edonica per artisti italiani di arte contemporanea." Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2021. http://hdl.handle.net/10579/19934.
Full textAbstract:
La peculiarità del mercato dell’arte si esplica primariamente nella molteplicità di fattori che modellano le quotazioni al momento della vendita all’asta. Questo studio si propone di analizzare specificatamente le dinamiche di prezzo delle opere d’arte di artisti deceduti, allo scopo di studiare il fenomeno del death effect. L’analisi è stata sviluppata, in una prima parte, a partire da un’approfondita revisione della letteratura scientifica condotta attorno all’argomento, nella quale è stato evidenziato il passaggio dalla mera inclusione dello status dell’artista come variabile dummy nei modelli di regressione, al riconoscimento del death effect come fenomeno separato. Il death effect non è solo stato declinato attraverso le implicazioni della domanda collezionistica e delle caratteristiche dell’offerta artistica, ma anche dal versante psicologico. Successivamente, è stato sviluppato un modello di regressione edonica; l’indagine si è concentrata su artisti italiani deceduti, che sono stati selezionati tra i Top 1000 contemporary artists by auction revenue. Infine, pensando a possibili analogie con la finanza, si è dedicata la parte finale della tesi al fenomeno del death effect nell’ambito del decesso dei vertici dirigenziali delle aziende quotate in borsa.
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Lamouche, Emmanuel. "Fondeurs, artistes et artisans du bronze à Rome : 1585-1625." Amiens, 2013. http://www.theses.fr/2013AMIE0013.
Full textAbstract:
Basée sur de nombreux documents d'archives, la recherche tente de clarifier la situation des fondeurs de bronze qui travaillaient sur les chantiers officiels. Ces personnages, dont l'activité se situe au croisement de l'art et de la technique, de la sculpture et de la production d'objets du quotidien, sont méconnus et furent longtemps négligés, mais bénéficient depuis quelques années d'un regain de curiosité de la part du public et des chercheurs. Techniciens et créateurs, artistes et artisans, ils exigent pour être étudiés une remise à plat des catégories traditionnelles de l'histoire de l'art, un décloisonnement général de ses limites. La thèse prend pour fil directeur ce principe, qui pousse à considérer les fondeurs comme des personnages autonomes, notamment par rapport aux sculpteurs. Moins un panorama de l'art du bronze romain qu'un aperçu de la vie et du travail d'une communauté dans un moment particulièrement fertile de l'histoire de l'art, la présente recherche vise ainsi, à travers l'étude des grands chantiers officiels, des commandes privées et de la production des ateliers, à comprendre et à situer les fondeurs de bronze romains dans le contexte de leur époque.
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Frétigny-Ryczek, Marie. "L'Ecole romaine de 1918 à nos jours : histoire d'une fortune critique." Thesis, Paris, Institut d'études politiques, 2013. http://www.theses.fr/2013IEPP0051/document.
Full textAbstract:
Cette thèse de doctorat ne vise pas tant à questionner la pertinence de la formule d'École romaine (Scuola Romana) appliquée à un groupe de peintres et de sculpteurs actifs à Rome dans l'entre-deux-guerres qu'à tenter de comprendre le succès de cette étiquette jusqu'à nos jours. Différentes méthodes sont utilisées pour aborder les écrits de critique d'art et les discours scientifiques, mais aussi les productions textuelles plus liées à la fiction et au témoignage. D'autre part, ce travail analyse les carrières singulières des artistes ainsi que le devenir des œuvres afin de replacer l'École romaine par rapport à une histoire du goût en Italie et au-delà. L'étude suit une progression chronologique. Elle porte d'abord sur la réception de l'École romaine du temps de son activité, entre 1918 et 1945, puis interroge la place des artistes du mouvement dans l'Italie de l'après-Seconde Guerre mondiale, dans un contexte marqué par les divisions politiques. Enfin, à partir des années 1980, l'on assiste à une tentative de revalorisation marchande de l'École romaine sans précédent. Il s'agit alors d'évaluer les résultats de cette action et de comprendre ce qui l'a rendue possible. Les questions de la modernité artistique ainsi que celles des liens de la scène artistique romaine avec le fascisme puis avec la mémoire du régime sont au cœur de cette recherche, constituant des approches neuves pour étudier un objet encore mal connu en FranceThis PhD thesis questions the label « Ecole romaine » (also known as Scuola romana) used to designate a group of painters and sculptors in Rome between 1918 and 1945. We aim to understand the reasons for the success of this expression until now. We use various methods in order to investigate the discourses of both art critics and scholars as well as more fictional texts, often written as testimonies. Furthermore, this work analyses the singular career of each artist and the reception of their works in order to consider the Ecole Romaine within a history of taste in Italy and abroad. Our study follows a chronological development. First, we analyse the reception of the School when active, between 1918 and 1945. Then, we examine the place of our artists in post-war Italy, in a context of great political divisions. Finally, we study how, in the early 1980s, various actors on the artistic scene tried to raise the value of the Ecole Romaine's works on the art market. What were the results of their attempt, and to what extent this renewal of interest had a lasting impact, especially in the museums field ? The questions of artistic modernity and of the relationship between the Ecole Romaine and the fascist regime are central in this research. These constitute new approaches to a theme which has remained relatively unknown outside of Italy
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Bianchi, Valentina <1994>. "Artisti contemporanei giapponesi in Italia: le esperienze di Kiyohara O’Tama, Shimamoto Shōzō e Izumi Ōki." Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2019. http://hdl.handle.net/10579/16067.
Full textAbstract:
Con questo elaborato si vuole analizzare la presenza di artisti giapponesi attivi in Italia, in particolare nel ventesimo secolo. Nel primo capitolo si vuole introdurre la vicenda storica dell'arte giapponese in Italia e le prime esposizioni e collezioni che la rappresentavano. Nei capitoli seguenti, Kiyoahra O’Tama, Shimamoto Shōzō e Izumi Ōki sono i tre principali artisti di cui si tratta, date le loro particolari caratteristiche, la specificità del loro rapporto con l'Italia e il momento storico in cui hanno operato. Di ogni artista viene descritta la produzione e partecipazione alla scena artistica italiana: nel primo caso si presenta il raro esempio di un'artista donna giapponese in Italia alla fine del diciannovesimo secolo, nel secondo le ultime performance italiane di un ex componente del Gutai, nel terzo la ricerca sperimentale di una scultrice giapponese che tutt'ora lavora a Milano. Tutti e tre gli artisti presi in esame hanno espresso in modo più o meno esplicito la volontà di creare canali di comunicazione tra le due culture, tra i due modi di intendere l’arte. In conclusione, si è cercato di individuare nelle tre esperienze estetiche elementi di eventuale "giapponesità", discutendone la nozione e mettendo in luce l'individualità degli artisti.
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Perazzi, Barbara. "Proposta di sopratitolaggio dallo slovacco in italiano dello spettacolo teatrale “Michelangelo – Affresco sul cammino di un artista”." Bachelor's thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2015. http://amslaurea.unibo.it/9223/.
Full textAbstract:
Questa tesi si prefigge lo scopo di rendere possibile la comprensione ad un pubblico italiano dello spettacolo teatrale in lingua slovacca Michelangelo – Freska o ceste umelca (Michelangelo – Affresco sul cammino di un artista) attraverso la sopratitolazione. Il regista della rappresentazione teatrale, Peter Weinciller, oltre a dirigere la compagnia Teatro Colorato sul territorio slovacco, è riuscito a portare le opere di successo anche all’estero, per cui si è reso necessario l’ausilio di un mezzo che potesse renderlo possibile.
Per poter compiere questa mediazione, ci si è avvalsi dei sopratitoli, uno strumento di recente introduzione nel mondo della traduzione audiovisiva. Questa tecnica, che deriva dalla più conosciuta sottotitolazione, permette di rendere accessibile ad un pubblico mondiale rappresentazioni teatrali in lingua originale.
Durante il lavoro si è cercato di capire a fondo il testo di partenza per poter rendere nella miglior maniera possibile il contenuto e le emozioni che include e che intende suscitare. Nonostante le difficoltà incontrate nella traduzione dal punto di vista linguistico, si è cercato di rendere fruibile al pubblico la migliore mediazione possibile dalla lingua slovacca, essendo comunque consapevoli che il soggetto e la collocazione temporale e spaziale dell’opera abbiano avvantaggiato un pubblico italiano. In conclusione, si è riusciti a proporre un lavoro che ha permesso una perfetta mediazione di uno spettacolo che altrimenti non avrebbe avuto la possibilità di essere rappresentato su territorio non slovacco.
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Duran, Adrian R. "Il Fronte Nuovo delle Arti realism and abstraction in Italian painting at the dawn of the Cold War, 1944--1950 /." Access to citation, abstract and download form provided by ProQuest Information and Learning Company; downloadable PDF file 0.87 Mb., p, 2006. http://gateway.proquest.com/openurl?url_ver=Z39.88-2004&res_dat=xri:pqdiss&rft_val_fmt=info:ofi/fmt:kev:mtx:dissertation&rft_dat=xri:pqdiss:3220804.
Full text
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Gallarini, L. "I ROMANZI DEGLI ARTISTI. CONFLITTI GENERAZIONALI E DI 'GENERE' NELL'OPERA DI GIUSEPPE ROVANI." Doctoral thesis, Università degli Studi di Milano, 2013. http://hdl.handle.net/2434/218730.
Full textAbstract:
In his novels, the Italian writer Giuseppe Rovani (1818-1874) expressed the hopes and disillusions of the young men born after the Battle of Waterloo, and recounted their generational fight against the “cruel fathers”, who were considered guilty of having betrayed the Revolution of Bonaparte. The rejection of the patriarchal authority was mated by Rovani with the proposal of a new merit-based society, to be built around a middle class of young people dedicated to a free and disinterested artistic activity. Later, this suggestion was met with enthusiasm by the young members of the art movement "Scapigliatura", who raised to fame after the end of the Risorgimental riots and the unification of Italy. However, the loyalty to the old Napoleonic world view prevented Rovani from understanding his own contemporary times, and thus prevented him from going far beyond the historical novel.
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Cogo, Riccardo <1993>. "Branding nell’industria musicale indipendente italiana: come trasformare un artista in un brand e l'importanza di una strategia di branding." Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2019. http://hdl.handle.net/10579/15255.
Full textAbstract:
Il branding nell’industria musicale indipendente italiana sembra essere diventato uno degli strumenti di marketing più di tendenza per la distribuzione e promozione del prodotto e servizio musica.
I consumatori vedono nei generi musicali un capitale di valori e tendenze, una forma di associazione tra persone che condividono principi e che sentono riflettere il proprio stato d’animo. Gli artisti diventano così i portavoce di un movimento.
La musica, e i valori che comunica l’artista, vengono racchiusi nel suo brand che si esplicita attraverso il suo nome d’arte e diventa lo stemma sotto il quale l’audience si unisce e comunica con l’artista. La brand image di un artista è così il simbolo che racchiude tutta l’essenza di un’artista.
Da parte sua l’artista ha l’obbligo della coerenza di quei valori che lo rendono unico e distinguibile dagli altri artisti e il dovere di comunicare sé stesso attraverso i canali di comunicazione messi a disposizione dall’industria musicale. L’obiettivo dell’artista brand è aumentare la sua awareness, creare legami con l’audience per poter incrementare le vendite dei prodotti e aumentare la sua notorietà. Senz’altro per quello che sono le caratteristiche di un artista indipendente, internet e le nuove tecnologie digitali rappresentano il miglior strumento per comunicare la brand equity in termini di efficacia ed efficienza.
Nel processo di creazione del brand e nella fase successiva di gestione, l’artista, l’industria musicale e l’audience, cooperano tra loro. Queste tre figure rappresentano l’insieme degli stakeholder che relativamente hanno funzioni e obiettivi diversi ma è proprio grazie al legame che intercorre tra essi che l’artista si trasforma in un brand e si parlerà dunque di co-branding.
Con queste premessa, è interessante capire come l’artista e il suo management gestiscono il brand ma soprattutto è interessante individuare la proprietà del brand.
Metodologia: Partendo da uno studio del background teorico della materia, verrà fatta una descrizione approfondita del concetto di brand e di branding, individuando gli stakeholder che influiscono nel processo di creazione e gestione del brand. Al fine di realizzare ciò verranno studiati case studies passati e realizzate interviste con etichette discografiche, manager e agenzie di booking per un’analisi qualitativa.
Scoperte: I musicisti possono essere pensati come un brand da gestire al fine di coltivare e comunicare un’immagine di loro stessi, come un’insieme di valori nei quali l’audience si rispecchia. Il brand è il risultato delle azioni compiute dagli stakeholder nella rete di relazioni che intercorrono tra artista, industria musicale e audience.
Parole chiave: Brand, Branding, Co-branding, Industria musicale indipendente italiana, Brand Artist.
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Baker, Donna Tsuruda. "The artistic and sociological imagery of the merchant-banker on the book covers of the Biccherna in Siena in the early Renaissance /." Thesis, Connect to this title online; UW restricted, 1998. http://hdl.handle.net/1773/6244.
Full text
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Rufato, Luciana Marques. "A representação feminina em Foi assim e La strada che va in città." Universidade Federal de Juiz de Fora, 2013. https://repositorio.ufjf.br/jspui/handle/ufjf/1498.
Full textAbstract:
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A presente dissertação busca mostrar, através da análise das personagens femininas dos romances Foi assim e La strada che va in città, de Natalia Ginzburg, a influência que os paradigmas da sociedade patriarcal da década de 1940 exerciam sobre a mulher e como esses afetavam o seu modo de vida. Com base nas teorias de Simone de Beauvoir, que tratam da diferença entre homens e mulheres, debateremos a visão crítica da autora italiana em relação à exaltação do masculino em detrimento do feminino. Objetivamos também, desmitificar a questão da inferioridade da autoria feminina sob a ótica da Crítica Feminista (SHOWATER, 1994).
This thesis intends to show, through the analysis of the female characters in the novels Foi assim and La strada che va in città, by Natalia Ginzburg, the influence that the paradigms of patriarchal society of the 1940‟s had on women and how they affected their lives. Based on the theories of Simone de Beauvoir, which treat the differences between men and women, we discuss the Italian author‟s critical view in relation to the exaltation of the masculine over the feminine. We also aim to demystify the subject of inferiority concerning female authorship from the perspective of Feminist Criticism (SHOWATER, 1994).
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Elen, Albert J. "Italian late-medieval and Renaissance drawing-books from Giovannino de'Grassi to Palma Giovane : a codicological approach /." Leiden : A.J. Elen, 1995. http://catalog.hathitrust.org/api/volumes/oclc/33228704.html.
Full text
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Renard-Foultier, Raphaelle. "L’Académie de France à Rome (1921-1971). Des artistes et une institution garants de la tradition classique face à la modernité." Electronic Thesis or Diss., Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040127.
Full textAbstract:
Dernier bastion de la tradition classique, l’Académie de France à Rome connaît, depuis le milieu du XIXᵉ siècle, une forte remise en cause de sa position dominante dans le système des Beaux-Arts français. Le renversement de la hiérarchie des valeurs esthétiques, l’inflation du nombre de créateurs et le changement de leur statut modifient profondément le paysage de l’art et semblent placer à l’arrière-garde du XXᵉ siècle l’institution et ses créateurs. L’État, autorité de tutelle, adopte une position ambivalente dans ses rapports à l’Académie de France : s’il ne l’insère ni dans ses projets de politique culturelle sur le territoire national ni dans sa politique de rayonnement culturel en Italie, il continue à soutenir les Grands Prix par le biais de commandes et d’achats publics. La précipitation de ce système va intervenir dans les années 1960 avec, en premier lieu, la nomination de Balthus à la tête de l’institution par Malraux et les réformes des concours de Rome. Cependant, ce sont les événements du printemps 1968 qui vont marquer un coup d’arrêt à cette organisation en légitimant la suppression des Grands Prix et en dépossédant l’Académie des Beaux-Arts de ses prérogatives, initiant ainsi une refonte complète et durable de l’institutionLast bastion of the classical tradition, the French Academy in Rome has known, since the 19th century, a strong calling into question of its dominant position in the system of the French Fine Arts. The reversal of the hierarchy of values in art, the increase of the number of creators and the change in their status deeply affected the Art scene and seemed to leave the institution and its creators as the rearguard of the 20th century. The State, supervisory authority, adopted an ambivalent position in its relationship with the French Academy. Although it did not include it neither in its cultural policy projects on the national territory nor in its cultural influence policy in Italy, it still went on supporting the Grands Prix by means of orders and public purchase. The haste of this system will take place in the sixties with, at first, the appointment of Balthus at the head of the institution by Malraux and the reforms of the contests of Rome. However, the events of the Spring of 1968 will put an end to this organization in legitimizing the suppression of the Grands Prix and in dispossessing the Academy of Fine Arts from its prerogatives, initiating a complete and lasting recoinage of this institution
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Renard-Foultier, Raphaelle. "L’Académie de France à Rome (1921-1971). Des artistes et une institution garants de la tradition classique face à la modernité." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040127.
Full textAbstract:
Dernier bastion de la tradition classique, l’Académie de France à Rome connaît, depuis le milieu du XIXᵉ siècle, une forte remise en cause de sa position dominante dans le système des Beaux-Arts français. Le renversement de la hiérarchie des valeurs esthétiques, l’inflation du nombre de créateurs et le changement de leur statut modifient profondément le paysage de l’art et semblent placer à l’arrière-garde du XXᵉ siècle l’institution et ses créateurs. L’État, autorité de tutelle, adopte une position ambivalente dans ses rapports à l’Académie de France : s’il ne l’insère ni dans ses projets de politique culturelle sur le territoire national ni dans sa politique de rayonnement culturel en Italie, il continue à soutenir les Grands Prix par le biais de commandes et d’achats publics. La précipitation de ce système va intervenir dans les années 1960 avec, en premier lieu, la nomination de Balthus à la tête de l’institution par Malraux et les réformes des concours de Rome. Cependant, ce sont les événements du printemps 1968 qui vont marquer un coup d’arrêt à cette organisation en légitimant la suppression des Grands Prix et en dépossédant l’Académie des Beaux-Arts de ses prérogatives, initiant ainsi une refonte complète et durable de l’institutionLast bastion of the classical tradition, the French Academy in Rome has known, since the 19th century, a strong calling into question of its dominant position in the system of the French Fine Arts. The reversal of the hierarchy of values in art, the increase of the number of creators and the change in their status deeply affected the Art scene and seemed to leave the institution and its creators as the rearguard of the 20th century. The State, supervisory authority, adopted an ambivalent position in its relationship with the French Academy. Although it did not include it neither in its cultural policy projects on the national territory nor in its cultural influence policy in Italy, it still went on supporting the Grands Prix by means of orders and public purchase. The haste of this system will take place in the sixties with, at first, the appointment of Balthus at the head of the institution by Malraux and the reforms of the contests of Rome. However, the events of the Spring of 1968 will put an end to this organization in legitimizing the suppression of the Grands Prix and in dispossessing the Academy of Fine Arts from its prerogatives, initiating a complete and lasting recoinage of this institution
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Bova, Francesca <1987>. "Lo status sociale degli artisti in Europa: confronto tra le politiche sociali a protezione delle professioni artistiche tra Belgio e Italia." Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2012. http://hdl.handle.net/10579/1951.
Full textAbstract:
La tesi intende indagare la posizione socio-economica degli artisti europei attraverso la storia fino ai giorni nostri; dare una panoramica sulle leggi vigenti, a livello intrenazionale ed europeo in ambito di protezione dei diritti economici e di sicurezza sociale, relativi alle professioni artistiche e, in ultima istanza, confrontare due casi particolari di regolamentazioni riguardanti la sicurezza sociale (sussidio di disoccupazione, pensioni, mobilità ecc): quello del Belgio e quello italiano. Il primo più incline a tenere in considerazione le particolari condizioni della professione artistica, il secondo più carente e anacronistico tanto da impedire, nella maggior parte dei casi, l'autonomia economico-sociale di questa categoria professionale.
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Alex, Barbara. "Présences étrangères à Rome à la fin du XVIIIe siècle (1779-1793). Les artistes dans les paroisses du centre historique d’après les "Stati d’Anime"." Montpellier 3, 2009. http://www.theses.fr/2009MON30005.
Full textAbstract:
Considérée comme l'Académie de l'Europe à la fin du XVIIIe siècle, Rome, capitale des Arts, a attiré aussi bien les voyageurs européens faisant leur Grand Tour, que les artistes italiens et étrangers souhaitant parachever leur formation. Berceau du « vrai style », la ville est le témoin d'un épisode privilégié dans l'histoire de l'art : un moment intense d'échanges et d'influences, au niveau international. Cette étude propose de le redécouvrir en s'appuyant sur une source passionnante : les Stati delle Anime, registres paroissiaux recensant tous les habitants de Rome. L'examen de plusieurs paroisses du centre historique de la Ville Éternelle a permis de retracer tout un réseau de cohabitations et de voisinages artistiques, illustrant le rôle capital de cette Rome cosmopolite et de son milieu artistique, dans la diffusion du NéoclassicismeRegarded as the Academy of Europe at the end of the Eighteenth Century, Rome, the capital of arts has attracted European travellers on their Grand Tour as well as Italian and foreign artists wishing to complete their training. Cradle of the « genuine style », the city witnessed a privileged episode in the history of art : an intense moment of exchanges and influences at international level. The aim of this study is to rediscover it by grounding itself on a exciting source : the Stati delle Anime, which were parish registers containing the names of all the inhabitants of Rome. The examination of several parishes of the historical centre of the Eternal City made it possible to trace back a whole network of cohabitations and artistic neighbourhoods illustrating the major part played by that cosmopolitan Rome and by her artistic milieu in the spreading of neoclassicism
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Janson, Marina. ""La scienza in cucina e l'arte di mangiar bene" di Pellegrino Artusi. Proposta di glossario culinario italiano-russo." Master's thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2015. http://amslaurea.unibo.it/8251/.
Full textAbstract:
L'obiettivo della tesi è la compilazione del glossario culinario italiano-russo che “racchiudere” termini culinari artusiani e propone una versione russa basandosi anche sulla traduzione parziale del libro in lingua russa.
La tesi si divide in sette parti: introduzione, capitoli primo, secondo, terzo e quarto, conclusione e bibliografia. Il primo capitolo introduce la figura di Pellegrino Artusi con brevi cenni sulla sua vita e tratteggia, altresì, le peripezie ed il successo internazionale della sua opera ed il suo approdo in Russia.
Il secondo capitolo è dedicato alla ricerca terminologica e alle fasi propedeutiche alla creazione del glossario. Inoltre, vengono spiegate le risorse usate per la creazione dei corpora. Avendo a disposizione la traduzione parziale de “La scienza in cucina e l'arte di mangiar bene” in russo (traduzione di I. Alekberova) fornita dalla Casa Artusi, si cerca di spiegare la scelta dei termini italiani messi a confronto con quelli esistenti nella traduzione russa.
Il terzo capitolo introduce il glossario stesso preceduto da una breve spiegazione. Ogni “entrata” contiene il termine, la sua categoria grammaticale e la sua definizione in entrambe le lingue, seguita nella maggior parte dei casi dalle collocazioni o dagli esempi d'uso oppure dai sinonimi.
Il quarto capitolo presenta commenti alla compilazione del glossario. Qui vengono analizzati i problemi riscontrati durante la fase compilativa, si presentano le soluzioni trovate e si forniscono esempi concreti. Ci sono anche commenti alle voci non presenti nel glossario.
Infine, vi è una breve conclusione del percorso affrontato seguita dalla bibliografia e dalla sitografia.
ENGLISH
The purpose of this dissertation is to present a bilingual Italian-Russian glossary based on the culinary terms drawn from Artusi's cooking book "The Science of Cooking and the Art of Fine dining". The dissertation consists of an introduction, 4 chapters, conclusions and a list of bibliography. An introduction presents an overview of the entire dissertation. The first chapter includes a presentation of Pellegrino Artusi, brief introduction to his life, his book and the success it has had around the world and mainly in Russia. The second chapter focuses on the creation and use of comparable and parallel corpora that have been created ad hoc for the purpose of the glossary. It also describes the different programs that have been used in order to select the terminology. The third chapter presents the structure of the bilingual culinary glossary followed by the glossary itself. Each entry contains the term, its gramatical category and the definition in both languages followed by, in most but not all cases, collocation, synonyms and additional notes. The fourth chapter presents an analysis of the compilation of the glossary combined with comments and examples. This chapter is followed by final conclusions of the present dissertation. The last part contains a bibliography that includes all the resources that have been used for the completion of this dissertation followed by the webliography.
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CALIPARI, Jessica. "La rappresentazione dell’atelier d’artista in Italia nel XIX secolo." Doctoral thesis, Scuola Normale Superiore, 2019. http://hdl.handle.net/11384/106404.
Full text
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Métaux, Sandra. "La désinvolture : Esthétique et éthique de l'art (de vivre) postmoderne. L'art contemporain italien au regard de la "Sprezzata desinvoltura" de Baldassar Castiglione." Thesis, Pau, 2012. http://www.theses.fr/2012PAUU1001/document.
Full textAbstract:
L’Italie, berceau de la sprezzata desinvoltura de Castiglione, est assurément le pays où l’ambiguïté des relations entre art, politique et images médiatiques est la plus forte. Le pavillon Italien des biennales de Venise de 2009 et 2011 illustre ce jeu complexe des apparences, qui « fait des mondes » ou « illumine des nations ». En relisant l’histoire de l’art à travers le prisme du concept de Castiglione, la thèse nous donne à voir que le monde (de l’art) est lui-même l’effet de l’ambivalence de cette désinvolture. Loin d’avoir assujetti l’art à leurs concepts, les grands hommes, qu’ils soient rois, philosophes ou hommes d’affaires seraient des effets de cette désinvolture de l’art. Comme Monsieur Jourdain, ils feraient de l’art sans le savoir. Exit Machiavel ! Il est aujourd’hui urgent de penser cette « ruse de l’art » qui mène le monde. Tel est l’enjeu fondamental de cette thèse qui, s’appuyant sur le schème nietzschéen de l’éternel retour, distingue plusieurs figures de la désinvolture, historiques, philosophiques et esthétiquesItaly, the cradle of Castiglione’s sprezzata desinvoltura, is undoubtedly the country where the ambiguous relationship between art, politics and media is the strongest. The Italian pavilion of the Venice Biennale in 2009 and 2011 illustrates the complex game of appearances, which are “making worlds" or "lighting up nations." Reading again the history of art through the prism of Castiglione’s concept, the thesis shows us that the world (of art) is itself the effect of this “disinvoltura” ambivalence. Far from having subjugate art to their concepts, the great men, whether kings, philosophers or businessmen are the effects of this casualness (“desinvoltura”) of art. Like Monsieur Jourdain, they would make art without knowing it. Exit Machiavelli! It is now urgent to think this "ruse of art" that leads the world. These are the fundamental stakes of this thesis, that basing itself on the Nietzschean eternal return schema, distinguishes several casualness figures, historical, philosophical and aesthetic
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REMOTTI, GIORGIO. "I RAPPORTI TRA AUTORI, ARTISTI E COLLECTING L'apparente antitesi tra efficienza e solidarietà nel quadro italiano di recepimento della direttiva UE n. 26 del 2014." Doctoral thesis, Università degli studi di Pavia, 2018. http://hdl.handle.net/11571/1214792.
Full textAbstract:
La tesi si occupa dei rapporti tra i titolari dei diritti d’autore e le società di gestione collettiva. Il tema è oggi in una fase di riforma a causa dell’introduzione della direttiva UE n. 26 del 2014. L’intervento del legislatore europeo incide fortemente sull’assetto attuale del modello di gestione collettiva presente in molti ordinamenti europei e quindi sul sistema di diritto d’autore. In particolare il modello proposto dalla direttiva abbandona la logica corporativa e associativa con funzioni solidaristiche, che aveva connotato le prime esperienze di gestione collettiva per abbracciare un sistema dedicato ed efficientista atto a perseguire finalità economiche. Il principale indizio di questo cambiamento si rinviene nell’art. 3 della direttiva, in cui si prevede l’introduzione della possibilità di perseguire finalità lucrative per gli organismi di gestione collettiva e che addirittura per le entità di gestione indipendente costituisce un requisito essenziale.
Il mutamento del sistema di gestione collettiva incide sulle funzioni a cui è preordinato. Nel sistema tradizionale di gestione collettiva emergeva una funzione di particolare rilevanza nel sistema di diritto d’autore, vale a dire quella di assicurare una remunerazione sufficiente ad autori e artisti, non strettamente determinata dalle sole regole di mercato ma secondo criteri di giustizia distributiva informati da una dimensione solidaristica. Nel nuovo sistema, invece, perdono rilievo proprio le funzioni solidaristiche volte – anche – ad assicurare una remunerazione equa ad autori e artisti. Il rischio che ne discende è quello di pregiudicare le funzioni stesse che sottendono alle regole attributive dei diritti d’autore. E in particolare di intaccare quel meccanismo incentivante alla produzione e divulgazione delle opere culturali che vede nell’equa remunerazione il giusto premio che l’ordinamento riserva a ciascun autore o artista che abbia concretamente contribuito al progresso e allo sviluppo culturale e sociale.
Si presenta allora l’esigenza di assicurare anche nel nuovo sistema di gestione collettiva, la funzione in parola. Nell’ordinamento italiano tale funzione trova un addentellato nell’art. 36 Cost. Ciò consente di interpretare l’accordo negoziale intercorrente tra titolare dei diritti e collecting sulla base di un principio di giustizia distributiva. E tale previsione può costituire il fondamento sistematico per giustificare l’estensione di alcuni rimedi previsti dall’ordinamento ai rapporti in esame, come ad esempio, quelli previsti nelle ipotesi di abuso di dipendenza economica.
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Castilho, Fernando Moreira de. "Através das paredes : a cenografia como escrita alegórica." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2014. http://tede.udesc.br/handle/handle/1287.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2014-07-01Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This research aims to analyze the theatrical stage design in relation to the scenic area as image and significant object. The Italian stage expresses a kind of representation grounded in classic patterns which became hegemonic through more than four centuries. As drama‟s plastic fundament, set design mediates text and visuality based on the key-concept of "mimesis" and offers itself to analysis from the perspective of the baroque allegory and the concept of frame as scenic and architectural condition. The concept of "allegory" is the radiating center of the scenographic language in use on Italian stage and its space; and the concept of "dialectical image" concludes his critique. The scenography of Vida and Esta Criança (companhia brasileira de teatro, Curitiba/Brazil, 2010 and 2012) are analyzed from these concepts in the context of history and theory of theater and arts.
Esta pesquisa pretende analisar a cenografia teatral em relação ao espaço cênico enquanto sua imagem e objeto significante. O palco italiano expressa uma forma de representação pautada em padrões clássicos que se tornou hegemônica durante mais de quatro séculos. Enquanto suporte plástico do drama, a cenografia faz a mediação entre texto e visualidade partindo da mimese e se abre à análise da perspectiva, da alegoria barroca e da moldura como condição cênica e arquitetônica. O conceito de alegoria é o centro irradiador da linguagem da cenografia de palco italiano e seu espaço; e o conceito de imagem dialética arremata a crítica. As cenografias do espetáculo Vida e Esta Criança (companhia brasileira de teatro, Curitiba, 2010 e 2012)1 são analisadas a partir destes conceitos e no contexto da história e da teoria do teatro e da arte.
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ZAFFARONI, LORENZO GIUSEPPE. "La Legittimazione Artistica della Fotografia in Italia." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2021. http://hdl.handle.net/10280/96755.
Full textAbstract:
Attraverso un ampio studio di campo, il contributo propone un'analisi sociologica della fotografia in Italia e della sua parziale legittimazione artistica. Prendendo in considerazione sia lo sviluppo storico del campo della fotografia artistica in Italia che la sua condizione contemporanea, lo studio si concentra sui processi attraverso cui diversi attori e istituzioni promuovono la legittimità e lo status della fotografia come arte. Combinando la sociologia dell'arte e dei processi culturali con gli studi organizzativi, la ricerca sviluppa un quadro interpretativo che delinea la relazione tra legittimazione, categorizzazione sociale e processi di valutazione culturale.
La ricerca, adottando la metodologia della Constructivist Grounded Theory, raccoglie e analizza diverse fonti: interviste faccia a faccia con fotografi, critici, storici, curatori, galleristi, direttori di musei e collezionisti italiani; note etnografiche raccolte durante l'osservazione partecipante di vari eventi di arte e fotografia, come festival, fiere, presentazioni, visite a musei e aperture di gallerie; risultati d'asta (2009-2020) e analisi di mercato disponibili; dati secondari, come libri di storia e opere critiche sulla fotografia italiana, documenti di archivio e comunicati stampa.
I risultati mostrano che la fotografia in Italia sta ancora lottando per assicurarsi uno statuto di forma d'arte legittima a causa di processi storici e dinamiche socio-economiche che rafforzano il confine simbolico tra il mondo professionale della fotografia e quello legittimo dell'arte contemporanea. Rispetto ad altri paesi europei, il campo della fotografia artistica è emerso tardi, solo alla fine degli anni '70, in seguito all'emergere di tre spazi di opportunità favorevoli, in particolare la crisi del fotogiornalismo italiano. Di conseguenza, i membri del campo della fotografia artistica hanno sviluppato strategie di mobilitazione delle risorse e di teorizzazione di un'ideologia legittimante ancora in fase di sviluppo.
Inoltre, il contributo teorizza tre processi di legittimazione che, agendo in combinazione tra loro, stabiliscono le condizioni per la completa legittimazione della fotografia come arte: differenziazione, emulazione e sublimazione. Questi processi, discussi alla luce di esperienze empiriche di legittimazione sia completa che parziale, mostrano che il campo della fotografia occupa una posizione di "inclusione segregata" all'interno delle istituzioni artistiche, poiché persiste ancora una contestata identificazione della fotografia come arte.Through an in-depth field study, this thesis provides a sociological analysis of photography in Italy and its partial artistic legitimation. Taking into account both the historical development of the field of art photography in Italy and its contemporary condition, the study focuses on the processes through which different actors and institutions promote the legitimacy and status of photography as art. Combining the sociology of art and cultural processes to organisation studies, the study develops an interpretative framework that spells out the relationship between legitimation, social categorisation and cultural evaluation processes. Adopting the Constructivist Grounded Theory methodology, the research collects and analyses different sources: face-to-face interviews with photographers, critics, historians, curators, gallery owners, museum directors and Italian collectors; ethnographic notes collected during participant observation of various art and photography events, such as festivals, fairs, presentations, museum visits and gallery openings; auction data (collected from 2009 to 2020) and extant market analyses; secondary textual data, such as history and critical works on Italian photography, archival records and press releases. The results show that photography in Italy is still struggling to secure its status as a legitimate art form due to historical processes and socio-economic dynamics that reinforce the symbolic boundary between the professional world of photography and the legitimate world of contemporary art. Compared to other European countries, the field of artistic photography emerged late, only at the end of the 1970s, following the emergence of three favourable opportunity spaces, notably the crisis of Italian photojournalism. As a result, members of the field of artistic photography developed strategies of resource mobilisation and theorisation of a legitimising ideology that are still ongoing today. In addition, the contribution theorises three processes of legitimation which, acting in combination with each other, establish the conditions for the complete legitimation of photography as art: differentiation, emulation and sublimation. These processes, discussed in the light of empirical experiences of both full and partial legitimation, show that the field of photography occupies a position of "segregated inclusion" within art institutions, as a contested identification of photography as art still persists.
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ZAFFARONI, LORENZO GIUSEPPE. "La Legittimazione Artistica della Fotografia in Italia." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2021. http://hdl.handle.net/10280/96755.
Full textAbstract:
Attraverso un ampio studio di campo, il contributo propone un'analisi sociologica della fotografia in Italia e della sua parziale legittimazione artistica. Prendendo in considerazione sia lo sviluppo storico del campo della fotografia artistica in Italia che la sua condizione contemporanea, lo studio si concentra sui processi attraverso cui diversi attori e istituzioni promuovono la legittimità e lo status della fotografia come arte. Combinando la sociologia dell'arte e dei processi culturali con gli studi organizzativi, la ricerca sviluppa un quadro interpretativo che delinea la relazione tra legittimazione, categorizzazione sociale e processi di valutazione culturale.
La ricerca, adottando la metodologia della Constructivist Grounded Theory, raccoglie e analizza diverse fonti: interviste faccia a faccia con fotografi, critici, storici, curatori, galleristi, direttori di musei e collezionisti italiani; note etnografiche raccolte durante l'osservazione partecipante di vari eventi di arte e fotografia, come festival, fiere, presentazioni, visite a musei e aperture di gallerie; risultati d'asta (2009-2020) e analisi di mercato disponibili; dati secondari, come libri di storia e opere critiche sulla fotografia italiana, documenti di archivio e comunicati stampa.
I risultati mostrano che la fotografia in Italia sta ancora lottando per assicurarsi uno statuto di forma d'arte legittima a causa di processi storici e dinamiche socio-economiche che rafforzano il confine simbolico tra il mondo professionale della fotografia e quello legittimo dell'arte contemporanea. Rispetto ad altri paesi europei, il campo della fotografia artistica è emerso tardi, solo alla fine degli anni '70, in seguito all'emergere di tre spazi di opportunità favorevoli, in particolare la crisi del fotogiornalismo italiano. Di conseguenza, i membri del campo della fotografia artistica hanno sviluppato strategie di mobilitazione delle risorse e di teorizzazione di un'ideologia legittimante ancora in fase di sviluppo.
Inoltre, il contributo teorizza tre processi di legittimazione che, agendo in combinazione tra loro, stabiliscono le condizioni per la completa legittimazione della fotografia come arte: differenziazione, emulazione e sublimazione. Questi processi, discussi alla luce di esperienze empiriche di legittimazione sia completa che parziale, mostrano che il campo della fotografia occupa una posizione di "inclusione segregata" all'interno delle istituzioni artistiche, poiché persiste ancora una contestata identificazione della fotografia come arte.Through an in-depth field study, this thesis provides a sociological analysis of photography in Italy and its partial artistic legitimation. Taking into account both the historical development of the field of art photography in Italy and its contemporary condition, the study focuses on the processes through which different actors and institutions promote the legitimacy and status of photography as art. Combining the sociology of art and cultural processes to organisation studies, the study develops an interpretative framework that spells out the relationship between legitimation, social categorisation and cultural evaluation processes. Adopting the Constructivist Grounded Theory methodology, the research collects and analyses different sources: face-to-face interviews with photographers, critics, historians, curators, gallery owners, museum directors and Italian collectors; ethnographic notes collected during participant observation of various art and photography events, such as festivals, fairs, presentations, museum visits and gallery openings; auction data (collected from 2009 to 2020) and extant market analyses; secondary textual data, such as history and critical works on Italian photography, archival records and press releases. The results show that photography in Italy is still struggling to secure its status as a legitimate art form due to historical processes and socio-economic dynamics that reinforce the symbolic boundary between the professional world of photography and the legitimate world of contemporary art. Compared to other European countries, the field of artistic photography emerged late, only at the end of the 1970s, following the emergence of three favourable opportunity spaces, notably the crisis of Italian photojournalism. As a result, members of the field of artistic photography developed strategies of resource mobilisation and theorisation of a legitimising ideology that are still ongoing today. In addition, the contribution theorises three processes of legitimation which, acting in combination with each other, establish the conditions for the complete legitimation of photography as art: differentiation, emulation and sublimation. These processes, discussed in the light of empirical experiences of both full and partial legitimation, show that the field of photography occupies a position of "segregated inclusion" within art institutions, as a contested identification of photography as art still persists.
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SURDI, ELENA. "Antonio Rubino tra le pagine dei periodici per ragazzi: un artista ironico nel periodo fascista." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2013. http://hdl.handle.net/10280/1670.
Full textAbstract:
Lo scrittore ed illustratore Antonio Rubino (1880-1964) fu artista di rilievo nel panorama letterario infantile del Novecento, prolifico nell’ideare opere connotate da forte ironia e da soluzioni espressive multimediali. La ricerca dà risalto a quanto pubblicato dall’artista sanremasco sulle pagine dei periodici per ragazzi nella prima metà del XX secolo, settore ad oggi privo di uno studio sistematico. Si tratta di un punto di vista favorevole a far emergere i contenuti trasmessi dall’autore al destinatario infantile, nonché a fare luce sul controverso rapporto con il fascismo e a tratteggiare l’evoluzione multimediale della sua produzione per l’infanzia. La definizione di una poetica rubiniana, che colga le matrici artistiche e le peculiarità ironiche della sua arte, conduce ad una riflessione educativa che interroghi la responsabilità assunta da Rubino nei confronti dell’infanzia lettrice.The writer and illustrator Antonio Rubino (1880-1964) was a significant artist in the children’s literary panorama of the twentieth century. His works are connoted by strong irony and multimedia expressive solutions. This research is focused on Rubino’s works edited on children’s periodicals in the first half of the 20th century, a field that hasn’t been systematically studied yet by critics. This ideal point of view highlights the contents transmitted by the author to the young reader, underlines the relationship between the artist and the fascism and delineates the multimedia evolution of his children’s production. The analysis of the Rubino’s artistic thought, influenced by the contemporary trends, shows the peculiarities of his ironic style. It also guides to an educative consideration that examines the responsibilities of the author for young readers.
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SURDI, ELENA. "Antonio Rubino tra le pagine dei periodici per ragazzi: un artista ironico nel periodo fascista." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2013. http://hdl.handle.net/10280/1670.
Full textAbstract:
Lo scrittore ed illustratore Antonio Rubino (1880-1964) fu artista di rilievo nel panorama letterario infantile del Novecento, prolifico nell’ideare opere connotate da forte ironia e da soluzioni espressive multimediali. La ricerca dà risalto a quanto pubblicato dall’artista sanremasco sulle pagine dei periodici per ragazzi nella prima metà del XX secolo, settore ad oggi privo di uno studio sistematico. Si tratta di un punto di vista favorevole a far emergere i contenuti trasmessi dall’autore al destinatario infantile, nonché a fare luce sul controverso rapporto con il fascismo e a tratteggiare l’evoluzione multimediale della sua produzione per l’infanzia. La definizione di una poetica rubiniana, che colga le matrici artistiche e le peculiarità ironiche della sua arte, conduce ad una riflessione educativa che interroghi la responsabilità assunta da Rubino nei confronti dell’infanzia lettrice.The writer and illustrator Antonio Rubino (1880-1964) was a significant artist in the children’s literary panorama of the twentieth century. His works are connoted by strong irony and multimedia expressive solutions. This research is focused on Rubino’s works edited on children’s periodicals in the first half of the 20th century, a field that hasn’t been systematically studied yet by critics. This ideal point of view highlights the contents transmitted by the author to the young reader, underlines the relationship between the artist and the fascism and delineates the multimedia evolution of his children’s production. The analysis of the Rubino’s artistic thought, influenced by the contemporary trends, shows the peculiarities of his ironic style. It also guides to an educative consideration that examines the responsibilities of the author for young readers.
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Locci, Sara. "La correspondencia entre Isabella d'Este y Lucrezia Borgia : arte, piedad y linaje en las cortes del renacimiento italiano." Doctoral thesis, Universidad de Murcia, 2015. http://hdl.handle.net/10803/361108.
Full textAbstract:
La decisión de ocuparme de un tema que abarca al mismo tiempo dos personajes distintos, es imputable principalmente a mi fuerte interés por el patronazgo femenino renacentista, y en segundo lugar, al hecho que las dos figuras tratadas, aunque muy estudiadas singularmente, nunca han estado realmente profundizadas en cuanto cuñadas y, por ese motivo, fuertemente afines. Analizando la bibliografía relativa a la relación existida entre Isabella d’Este y Lucrezia Borgia, de hecho resultada más bien lagunosa, y encontrando en archivo una surtida correspondencia que les pertenece, he pensado en intentar alumbrar aquella parte de su historia con una pieza más, demorándome sobre la manera con el que se relacionaron a la hora de afrontar aquellos aspectos de su vida que las obligabas a confrontarse. Teniendo en cuenta que la bibliografía existente concuerda en aseverar que Isabella tenía en gran antipatía su cuñada, mi curiosidad, ya desde el principio, consistía en averiguar si realmente Isabella era tan envidiosa de Lucrezia, y si así fuera, cómo se relacionó con ella a lo largo de los diez y siete años en el que fueron parientes y con cuales consecuencias bajo varios puntos de vista. El resultado de la investigación me ha llevado a individuar tres grandes temas que las vieron, con factores distintos, estrechamente conectadas; el primer tema es aquello ligado al patronazgo de cultura que, puesta la posición de Isabella en querer ser recordada cual única primera dama de su tiempo, las ve netamente en contraposición, con, por un lado, intelectuales y humanistas empeñados en tejer las laudes de ambas, y por otro, la evidente aversión demostrada por Isabella hacia Lucrezia, que en vano intenta establecer un dialogo erudito con la cuñada. En segundo lugar, la investigación ha evidenciado inesperados puntos de unión por lo que se refiere al tema de la religión y sus distintas facetas, de que estaba cargada toda la sociedad renacentista; partiendo por dos posiciones muy distintas, es posible ver los diferentes aproches de ambas en algunas circunstancias claves ligadas al mundo eclesiástico. En fin, el enfoque se ha desplazado sobre los asuntos estrechamente inherentes a su posición en seno a sus familias, resaltando temas familiares y de gestión del propio deber cuales señoras de sus estados. La investigación ha conducido a resultados interesantes e inesperados, sobre todo cuando la historia oficial se ha mezclado con la historia intima de las dos mujeres, ligada a su intercambio epistolar. Al término de esta investigación que ha abarcado un largo lapso de historia a caballo entre siglo XV y siglo XVI Y Analizando el intercambio epistolar, notamos que la correspondencia está sostenida principalmente por Lucrezia, que parece sufrir de una forma de grafomanía unida a su necesidad de resultar agradecida a Isabella. Como visto, por su parte Isabella resulta haber escrito pocas cartas a Lucrezia, dejando frecuentemente que fuese un miso a transmitirle el mensaje, y los temas que toca son a menudo muy convencionales, denotando cierta frialdad hacía ella. Una particularidad que sobresale es que si entre Isabella y Alfonso la correspondencia resulta constante y rica de temas de grande interés cultural y artístico, o sea los temas favoritos de Isabella, con Lucrezia, este tipo de contenido falta completamente. La única ocasión en la que tratan de un artista en su correspondencia es justo al principio, cuando Lucrezia todavía se ilude, considerando la extracción humanística e intelectual de ambas, de poder empezar una relación de cualidad con su cuñada, que de hecho hará exactamente lo contrario de lo que ella espera, escribiendo poco y tocando temas de escaso interés. En conclusión, podemos decir que en un periodo de grande fervor cultural y verdadero receptáculo de ilustres personajes, dos damas de dos grandes familias se han distinguido, y que con más o menos fortuna critica han llegado hasta nuestro días, casi como dos heroínas. Detrás de la imagen que nos han dejado, sin embargo se celan, antes que todo, dos mujeres extraordinarias, que han sabido distinguirse en una sociedad mandada por los hombres, imponiéndose cuando la situación lo requería, y utilizando también astucias típicamente femeninas para obtener los resultados esperados. A través de su intercambio epistolar sobresalen totalmente estas dos mujeres; empeñadas a veces con la rutina cotidiana, a veces con problemas a menudo más grandes que ellas, y aunque podemos tal vez lamentar de la escasa complicidad demostrada, podemos por otra parte verlas en toda su humanidad y fragilidad, reconociendo en ellas defectos y valor, y seguramente apreciándolas ambas, por lo que han sido y también por lo que no han sidoENGLISH ABSTRACT The decision to deal with a subject that covers simultaneously two different characters, is attributable mainly to my strong interest in Renaissance female patronage, and secondly, at the fact that the two figures treated, although very studied singularly, have never been really deepened as sisters in law and, for that reason, strongly related. Analyzing the literature on the relationship existed between Isabella d'Este and Lucrezia Borgia, in fact turned out rather lacunose, and finding a stocked correspondence on file that belongs to them, I thought of trying to illuminate that part of their history with another piece, linger myself on the manner in which they were related to tackling those aspects of their life that obligate them to confront. Given that the literature is consistent in asserting that Isabella had a great dislike to her sister in law, my curiosity, from the beginning, was to find out if you really Isabella was so jealous of Lucrezia, and if so, how he related to her over the seventeen years in which they were relatives and which been the consequences under various viewpoints. The result of research has led me to single out three issues that saw, with different, closely connected factors; the first issue is that linked to patronage of culture, considering Isabella in the position of wanting to be remembered that only first lady of her time, seen clearly in contrast, with one hand, intellectuals and humanists determined to weave the praises of both, and secondly, the apparent aversion demonstrated by Isabella to Lucrezia, who vainly tries to establish a dialogue with the sister in law. Second, research has shown unexpected attachment points so it addresses the issue of religion and its various facets, that was charged full Renaissance society; starting with two very different positions, it is possible to see the different approaches of both in some key factors linked to the ecclesiastical world. Finally, the focus has shifted on closely associated with their position in matters within their families, highlighting family management and ladies of their states which own duty issues. The research has led to interesting and unexpected results, especially when the official story has been mixed with the intimate story of two women, linked to their epistolary exchange. Upon completion of this investigation that has spanned a long period of history straddling and analyzing the exchange of letters XV and XVI century, we note that the correspondence is mainly supported by Lucrezia, who seems to suffer from a form of graphomania due to her need to be grateful to Isabella. As seen, meanwhile Isabella is having written few letters to Lucrezia, often leaving it to be a messenger to convey the message, and the issues it raises are often very conventional, denoting a certain coldness from her. One feature that stands out is that if between Isabella and Alfonso correspondence is consistent and rich themes of great cultural and artistic interest, that is the favorite themes of Isabella, with Lucrezia, this type of content is completely missing. The only time they treat an artist in their correspondence is just at the beginning, when Lucrezia deluding herself, still considering the humanistic and intellectual extraction of both, she can begin a relationship of quality with her sister in law, who in fact do exactly the contrary to what she expected, writing and playing some topics of little interest. In conclusion, we can say that in a period of great cultural fervor and true cradle of famous people, two women of illustrious families have distinguished, and with more or less success criticism have come down to our days, almost as two heroines. Behind the image we have left, however conceal, first of all, two extraordinary women who have managed to distinguish itself in a society controlled by men, beating when the situation required, and also using typically feminine wiles to get the expected results. Through their epistolary exchange these two women stand completely; engaged sometimes daily routine, sometimes with problems bigger than they often, and although we may lament the lack proven complicity, can moreover see them in all their humanity and frailty, recognizing these shortcomings and value, and surely appreciate them both for what they have been and what they have not been
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Hogetop, Denise Nauderer. "O s?ndi em italiano na frase fonol?gica reestruturada." Pontif?cia Universidade Cat?lica do Rio Grande do Sul, 2011. http://tede2.pucrs.br/tede2/handle/tede/2006.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2015-04-14T13:38:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2011-01-06Este estudo apresenta uma an?lise do s?ndi em italiano em fronteira de palavras. Segundo Bisol (1996a, 1996b, 2003), o s?ndi ? um processo de ressilaba??o, que ocorre na juntura de dois itens lexicais, motivado pelo choque de n?cleos sil?bicos. Do apagamento de uma das s?labas resultam elementos flutuantes que, ao serem licenciados prosodicamente, geram fen?menos de s?ndi: degemina??o, elis?o e ditonga??o. Os aspectos a serem analisados s?o o papel do acento principal da frase fonol?gica e o papel da morfologia no processo. Em italiano, a ditonga??o, a elis?o e a degemina??o ocorrem livremente, quando duas vogais s?o ?tonas; no entanto, se a segunda vogal for portadora de acento principal, a elis?o e a degemina??o s?o bloqueadas. Frases bloqueadas, se reestruturadas pelo acr?scimo de uma palavra, sobre a qual recai o acento principal, ficam liberadas para a aplica??o da regra. No entanto, outro obst?culo existe no italiano, pois a primeira vogal da sequ?ncia VV pode ser morfema de plural, o qual tende a ser preservado. Esta pesquisa limita-se ao contexto de fronteira de palavras lexicais dentro da frase fonol?gica, considerando a sua poss?vel reestrutura??o. Em l?ngua italiana, os fen?menos de s?ndi foram objeto de estudos de Nespor (1987, 1990, 1993) e Nespor e Vogel (1982, 1986), na perspectiva da teoria pros?dica e de Garrapa (2006, 2007) na perspectiva da OT. No portugu?s brasileiro, os fen?menos de s?ndi foram estudados por Sousa da Silveira (1971), Bisol (1996a, 1996b, 2003), Tenani (2002), entre outros. Este trabalho fundamenta-se nos princ?pios da Teoria Pros?dica e da Teoria da Otimidade. A primeira define especificamente o dom?nio da frase fonologia e a segunda prov? um conjunto de restri??es, entre as quais, as de fidelidade que controlam a rela??o entre input e output e as de marca??o que se referem ? boa forma??o do output. Para dar conta desses resultados, valemo-nos da restri??o conjunta proposta por Bisol (2003) para o portugu?s brasileiro, respons?vel por controlar o s?ndi voc?lico em limite de palavras, em que V2 ? portadora de acento frasal e, para controlar o papel da morfologia dos plurais do italiano propomos uma hierarquia na qual a restri??o MaxMorphPl ocupa um lugar alto no ranqueamento. Argumentamos que a intera??o entre restri??es fonol?gicas e morfol?gicas ? respons?vel pelo mapeamento dos resultados no italiano.
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Capriotti, Marco. "L’improvvisazione poetica nel Settecento italiano : un catalogo (1690-1800)." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL100.
Full textAbstract:
Cette recherche se propose de valoriser le rôle et l’importance des pratiques orales dans la culture littéraire italienne du XVIIIe siècle, avec une attention particulière au phénomène de l’improvisation poétique savante. Puisque l’oralité est une dimension inaccessible, cette thèse consiste en un Catalogue de plusieurs sortes de témoignages, trouvés dans des manuscrits et également dans des textes imprimés, classées dans des fiches individuelles. Nous avons classé 249 différents sujets, dont nous avons recherché les données biographiques pour définir les dates de naissance et de mort, les lieus de naissance, classes sociale (noblesse, clergé, troisième état), genres, professions (si exercées), titres de noblesse (si possédés), ordres religieux d’appartenance (si réguliers). Afin de limiter le travail au XVIIIe siècle, nous avons établi de prendre en considération toutes témoignages relatives à sujets morts après 1690 (fondation de l’Accademia dell’Arcadia) et nés avant 1785 (parce qu’après cette date, le sujet sera plutôt vécu dans le siècle suivant). Dans l’Introduction les données biographiques sont analysées d’un point de vue chronologique (la distribution des improvisateurs pendant le siècle), géographique (leur distribution dans les cités et les États italiens), sociale (classe et genre). Nous nous occupons ainsi d’analyser lieus, formes et arguments de la poésie improvisée du XVIIIe siècle, espaces et structures des performances, et leur réalisation ; tandis qu’un paragraphe conclusif ouvre des nouvelles perspectives de recherche à partir du travail de thèse. Le Catalogue offre aussi deux annexes : l’une, qui contient des partitions destinées à accompagner les improvisations poétiques ; l’autre, qui offre une table metrique des 177 textes improvisés qui ont été trouvé dans le corpus de cette rechercheThe research aims at retracing the role and importance of oral practices in learned italian culture of XVIII century, focusing on the phenomenon of improvised poetry. Being orality an unreachable dimension, this work is composed by a Catalogue made of different kind of traces, found in manuscripts and printed books, organized in individual sheets. We have counted 249 different subjects, whose biographies have been partially detected in order to determine their dates of birth and death, places of birth, social class (nobility, clergy of third state), gender, profession (if any), degree of nobility (if any), affiliation to religious orders (if any). Only witnesses related to subjects dead after 1690 (date of foundation of Accademia dell’Arcadia) have been taken into account, as well as those born before 1785 (otherwise, they should be considered XIX-century improvisers). The Introduction analyses the biographical data found, from a chronological (the distribution of improvisers during the century), geographical, and social perspective. We analyse also settings, forms, and themes of XVIII-century improvised poetry; places, structures and realization of the performances. A final paragraph is dedicated to new frontiers of research in this domain, taking place from this work. The Catalogue features two annexes, too : the first containing musical partitions for chanted performances ; the second, providing a metrical table of all 177 improvised lyrics found during the research
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Ribeiro, Alessandra Regina. "Aprender italiano: identidade em (re)construção entre língua e cultura em contexto formal." Universidade Estadual do Oeste do Parana, 2005. http://tede.unioeste.br:8080/tede/handle/tede/2322.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2017-07-10T18:55:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1
Alessandra Ribeiro.pdf: 819964 bytes, checksum: 7b15dd5ac115c1d90bde58ed252ad1ed (MD5)
Previous issue date: 2005-12-15This research was based in studies about identity and bilingualism and it has as its main focus descendants of Italian immigrants who live in Cascavel city in the State of Paraná. In this research, these people are classified into young generation - students of Italian - and adult generation - who represent memory aspects of the Italian immigrants history of those who migrate from Rio Grande do Sul to other Brazilian regions. The study carried out in this community let us know some of the linguistic attitudes that these people display towards the Italian language. In order to collect data, an ethnographic approach was adopted by using the following research instruments: a) pre-planned and semi-structured interviews with the students, the adult generation and the school coordinator; b) and a field diary. Through the interviews we tried to elicit from the students and the adult generation the meaning of the Italian language in their lives as well as the links the students establish between the Italian language study and reasons for such formal study; the interviews with the adults generation helped us to understand How the first nuclear family displacements happened. The study shows that the students do not deny their Italian roots but the reasons for studying Italian are due to modern society factors they see in this language the opportunity for social and economic rise. Regarding the adult generation, all the three participants state that the need for finding new places to make a living led them to follow their spouses and other ways. This made them increase their contact with the Brazilian language and culture ending up into a complete assimilation, especially in the case of one participant. However, we may also say that the other two participants have assimilated the Brazilian language and culture in less proportion than the other first as they still try to preserve the Italian language and culture in their family relations.
Esta pesquisa se baseou em estudos sobre identidade e bilingüismo, tendo como foco de análise sujeitos descendentes de imigrantes italianos residentes no município de Cascavel no Paraná. Estes sujeitos se classificam em: geração mais jovem de estudantes de língua italiana e geração mais adulta que compõe aspectos da memória da história dos imigrantes italianos que migraram do Rio Grande do Sul para outras regiões brasileiras. Os estudos realizados na comunidade escolhida, permitiram-nos conhecer algumas das atitudes destes sujeitos em relação à língua italiana. Para a coleta dos dados etnográficos utilizamos três instrumentos de pesquisa: roteiro de entrevista com os alunos, entrevista semi-estruturada com a geração mais velha e o diário de campo onde foram anotadas informações relevantes para esta pesquisa. Através do roteiro de entrevista procuramos detectar o que a língua italiana representa em suas vidas, que relações são estabelecidas entre estudar italiano e preservar a raiz e as razões do aprendizado via curso formal. O estudo evidenciou que estes sujeitos, não negam suas raízes italianas, mas a preocupação com o estudo da língua se dá por outras razões vinculadas à sociedade moderna, vêem nesta língua oportunidades de ascensão social e econômica. O instrumento da entrevista nos auxiliou para melhor compreendermos como se deram os deslocamentos dos descendentes dos primeiros núcleos familiares. Todos os três sujeitos secundários mostraram em seus depoimentos que a necessidade de encontrar novos espaços os estimulou a percorrer outros caminhos acompanhando seus cônjuges. O processo de iniciar uma nova vida em outros espaços fez com que o contato com a língua do país hospedeiro aumentasse. Neste sentido percebemos que houve por parte de uma das entrevistadas a assimilação total com a cultura e a língua dos brasileiros. No entanto, outros dois foram aculturados pela cultura brasileira, mas não completamente. Buscam através de eventos no âmbito familiar e no âmbito social manter vivos traços da cultura de origem.
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Seaman, Leah M. "The depiction of female emotion as seen through the work of Italian Renaissance artists Artemisia Gentileschi and Michelangelo Caravaggios Judith Beheading Holofernes and Artemisia Gentileschi and Cavaliere dArpinos Susanna and the Elders." Marietta College Honors Theses / OhioLINK, 2021. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=marhonors161944857779248.
Full text
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Queiroz, Regina Farias De. "Lendas Amazônicas: uma experiência de tradução do Português para o Italiano." Universidade Federal do Amazonas, 2014. http://tede.ufam.edu.br/handle/tede/3975.
Full textAbstract:
Submitted by Alisson Mota (alisson.davidbeckam@gmail.com) on 2015-06-01T20:39:27Z
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FAPEAM - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Amazonas
Il presente lavoro intende analizzare e discutere le varie tappe del processo di traduzione, secondo la prospettiva decostruttiva, formulata da Derrida (1971;1973;1975). Si applicheranno queste sue teorie allo studio delle narrazioni orali del popolo amazzonico. Il corpo della ricerca si compone di dieci leggende, scritte originariamente in lingua portoghese. I racconti sono stati poi tradotti in italiano e, dal confronto tra le due versioni, è stato sviluppato uno studio riguardo alle difficoltà da gestire nel riportare un testo in un’altra lingua. I principali riferimenti teorici della tesi si troveranno in Gentzler (2009) e nelle sue considerazioni sugli studi contemporanei di traduzione. Un altro riferimento ce lo fornirà D’Achille (2008), con le sue considerazioni sulla struttura dell’italiano contemporaneo. La ricerca, inoltre, cerca di ridurre alle giuste proporzioni il mito secondo il quale il processo di traduzione sia un’attività logocentrica e intende attribuire al traduttore il giusto ruolo di coautore del testo originale.
O presente trabalho tem por objetivo analisar e discutir as etapas do processo tradutório, sob a perspectiva da Desconstrução, formulada por Derrida (1971; 1973; 1975). A aplicação da teoria dar-se-á por meio do estudo de narrativas orais da literatura popular amazonense. Dessa forma, o corpus da pesquisa se compõe de dez lendas amazônicas, escritas originariamente em língua portuguesa. Essas lendas foram traduzidas para a língua italiana e a partir dessa versão procedemos à análise e à discussão, por meio de notas, das dificuldades geradas pelo ato de traduzir. Destacamos como principais referenciais teóricos desta dissertação Gentzler (2009), com suas considerações sobre os estudos contemporâneos de tradução e D’Achille (2006), com a estruturação da arquitetura do italiano contemporâneo. A pesquisa, além de desmitificar a tradução como atividade logocêntrica, atribui ao tradutor o papel de coautor do texto original.
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Caviglia-Brunel, Susanna. "Charles-Joseph Natoire (1700-1777) dessinateur : étude critique et catalogue raisonné." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010569.
Full textAbstract:
Le peintre nîmois Charles-Joseph Natoire (1700-1777) fut l'un des représentants majeurs de la " génération de 1700 ", à côté de Subleyras, Jeaurat, Dandré-Bardon, Frontier, Dumont le Romain, Boucher, Trémolières, Carle Van Loo ou Blanchet. Apprécié au même titre que Boucher par les contemporains, très habile dans les grandes compositions décoratives, dessinateur virtuose et initiateur d'une nouvelle conception du paysage, Natoire tomba presque dans l'oubli au cours des dernières années de sa vie à cause du changement de goût qui se vérifia autour de la deuxième moitié du siècle et de son séjour prolongé à Rome en qualité de directeur de l' Académie de France. Dans notre thèse, nous nous proposons une étude sur Natoire dessinateur à la lumière de ses contacts, directs ou indirects, avec les artistes français et italiens contemporains et de l'influence des théories alors dominantes dans les deux pays où sa carrière se déroula, la France et l'Italie. Nos recherches ont visé par ailleurs à mieux définir les origines du peintre, le situer plus précisément dans le contexte de l' époque, déterminer quelle fut le rôle de ses maîtres Louis Galloche et François Lemoyne, ses références, sa personnalité. Le catalogue raisonné de ses dessins en constitue une partie essentielle
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Brust, Viviane Teresinha Biacchi. "O EFEITO CHAPÉU DE CLEMENTIS : IMAGENS DO SUJEITO IMIGRANTE ITALIANO NA QUARTA COLÔNIA." Universidade Federal de Santa Maria, 2013. http://repositorio.ufsm.br/handle/1/9891.
Full textAbstract:
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível SuperiorThe present work, entitled The Clementis Hat Effect: images of the Italian immigrant subject, has as main objective to consider the memory of the Italian Immigration in the Quarta Colônia through another discursive materiality, the monuments in honor to the immigrants, built from the 50th anniversary of their immigration. Considering these discourses, produced in determined socio-historical moments and in specific production conditions, we view identify possible taking of positions of this subject who sees in/through language, symbolic materiality, pass his question of belonging - or not to a new nation. We part from the metaphor constructed and analyzed by Jean-Jacques Courtine in which Clementis hat refers to memory that can be showed, but can also be erased and still return. In the permanency or not of a memory, power relations are established, ideological issues of the conflicts between symbolic and political, when the iron, wooden and wind languages articulate, acting as invisible barriers in the relation of the subject with the State. Therefore, we propose a sand language in which the memory of immigration remains, though fragmented and dispersed. In this way, through the analysis of the characterized subject position in relation to history and memory - which we denominate Clementis Hat we can identify: the utopia subject position when this subject is moved by the dream of the promised land, that is interrupted because of the immigration conditions; the cleavage subject position, when this subject abdicates their mother tongue and with/because of it, also their history; and the political subject position, where the subject negotiates his place with the State. Our theoretical-analytical movement is the anchor in the Discourse Analysis of French foundation and Brazilian continuity, which has its place in linguistics, historical materialism and psychoanalysis. It is with these fundamentals that we insert ourselves in the linguistic studies, in the line of research Language, Subject and History , where the subject, the discourse and the constitution of meaning is thought.
O presente estudo, intitulado O efeito chapéu de Clementis : imagens do sujeito imigrante italiano, tem como objetivo principal pensar a memória da Imigração Italiana na Quarta Colônia por meio de outra materialidade discursiva, a saber, monumentos em homenagem ao imigrante, construídos na região a partir do cinquentenário da sua imigração. Considerando esses discursos, produzidos em determinados momentos sócio-históricos e em condições de produção específicas, visamos a identificar possíveis tomadas de posições desse sujeito que vê, na/pela língua, materialidade simbólica, perpassar a sua questão de pertencer ou não a uma nova nação. Partimos da metáfora construída e analisada por Jean-Jacques Courtine em que o chapéu de Clementis se refere à memória, a qual pode ser mostrada, mas pode também ser apagada e pode, ainda, retornar. Na permanência ou não de uma memória, estabelecem-se relações de poder, questão ideológica do confronto do simbólico com o político, quando as línguas de ferro, de madeira e de vento também se articulam, funcionando como barreiras invisíveis na relação do sujeito com o Estado. Diante disso, propomos a língua de areia, aquela pela qual a memória da imigração permanece, ainda que fragmentada e dispersa. Através das análises das posições-sujeito caracterizadas em relação com a história e a memória a que denominados de chapéu de Clementis identificamos: a posição-sujeito utopia, quando esse sujeito é movido pelo sonho da terra prometida, o que se interrompe dadas as condições da imigração; a posição-sujeito clivagem, quando esse sujeito é convocado a abdicar de sua língua e, com/por ela, da sua história; e a posição-sujeito político, posição essa do sujeito que negocia, com o Estado, o seu lugar. Nosso movimento teórico-analítico se ancora na Análise de Discurso de fundação francesa e de continuidade brasileira, a qual tem seu lugar no entremeio da linguística, do materialismo histórico e da psicanálise. É com esses fundamentos que nos inserimos nos estudos Linguísticos, na linha de pesquisa Língua, sujeito e história , onde se pensa o sujeito, o discurso e a constituição do sentido.