Academic literature on the topic 'Interactive musique'

Nam June Paik was a pioneering creator of interactive sound art before he became a cult figure in the field of video art. While Paik gradually developed interactive sound art in West Germany, he wrote several articles about contemporary music in Europe. Specifically, a musique concrète article for Korean readers is significant as a seed of his interactive projects. This study examines the content of the music article and articulates the relationship between musique concrète and Paik’s interactive sound projects: Record Shashlik (1963) and Random Access (1963).

English Abstract: Founded in 1987, the Irish Traditional Music Archive (ITMA) is home to the largest, most comprehensive collection of Irish traditional music, song, and dance in the world. Interactive scores are one method used by ITMA to open up the collections to those who cannot read music, as Irish traditional music is primarily an oral tradition. The ITMA Web site is now home to over 10,000 interactive scores taken from out-of-copyright publications and manuscripts. Compositions also feature as interactive scores through the monthly composer series ’Saothar // new compositions for the tradition’. This series highlights the work of a different composer each month and provides a suite of learning resources, including interactive scores, for each composition. French Abstract: Fondées en 1987, les archives de musique traditionnelle irlandaise (ITMA) abritent la plus grande et la plus complète collection de musique, de chansons et de danses traditionnelles irlandaises au monde. Les partitions interactives sont l’une des méthodes utilisées par ITMA pour ouvrir les collections à ceux qui ne savent pas lire la musique, la musique traditionnelle irlandaise étant avant tout une tradition orale. Le site web de l’ITMA propose aujourd’hui plus de 10 000 partitions interactives extraites de publications et de manuscrits non soumis au droit d’auteur. Des compositions sont également présentées sous forme de partitions interactives dans le cadre de la série mensuelle « Saothar // nouvelles compositions pour la tradition ». Cette série met en lumière l’œuvre d’un compositeur différent chaque mois et fournit une série de ressources pédagogiques, y compris des partitions interactives, pour chaque composition. German Abstract: Das 1987 gegründete Irish Traditional Music Archive (ITMA) beherbergt die weltweit größte und umfassendste Sammlung aus traditioneller irischer Musik, Liedern und Tänzen. Da irische traditionelle Musik in erster Linie mündlich überliefert ist, sind interaktive Noten ein Werkzeug, mit dem das ITMA die Sammlungen für diejenigen zugänglich macht, die keine Noten lesen können. Auf der ITMA-Webseite finden sich mittlerweile über 10.000 interaktive Notenausgaben aus urheberrechtlich nicht mehr geschützten Veröffentlichungen und Manuskripten. In der monatli-chen Komponistenreihe „Saothar // neue Kompositionen für die Tradition“ werden auch aktuelle Kompositionen als interaktive Partituren angeboten. Diese Reihe stellt jeden Monat die Arbeit einer/eines Komponistin/Komponisten in den Mittelpunkt und bietet ein Bündel an Lernmaterial für jede Komposition, darunter interaktive Partituren.

Depuis les premières compositions de musique mixte dans les années 1950, la synchronisation des parties instrumentales et électroacoustiques des oeuvres fait partie des préoccupations des compositeurs et interprètes. L’utilisation de systèmes interactifs informatisés permet maintenant de relier intimement ces deux univers musicaux. L’auteure démontre ici comment l’utilisation d’un instrument augmente de capteurs électroniques (l’hyper-flute) permet de capter les gestes de l’instrumentiste et ainsi lui donner la possibilité d’interagir avec l’ordinateur.

Devenu depuis plus d’un demi-siècle facteur idéologique de mythologie quotidienne, le Rock a séduit bon nombre de compositeurs contemporains (John Adams, Luciano Berio, Steve Martland, Theo Loevendie…). Explorant cette problématique, la communication de Pierre Albert Castanet se fonde sur l’histoire contextuelle et interactive du « populaire » et du « savant ». S’attachant notamment à l’instrumentarium symbolique des rockers (orgue électrique, guitare électrique, guitare basse, batterie), l’article se penche sur quelques études de cas allant des musiques de Pierre Henry à Philippe Manoury en passant par celles de Cathy Berberian, György Ligeti ou Tristan Murail…

Résumé En 1966, le compositeur américain La Monte Young et la plasticienne Marian Zazeela développaient l’idée de la Dream House, une installation construite pour durer à partir d’un assemblage de sons électroniques et de lumières colorées. Depuis 1993, et à la suite de multiples créations mondiales plus ou moins prolongées, une Dream House permanente est installée à la MELA Foundation. Après une présentation du dispositif, cet article propose de réfléchir sur l’attitude compositionnelle de Young et Zazeela à partir du mécanisme mental par lequel nous percevons les sons. Plus qu’une conception synesthésique, l’idée générale de ce projet d’envergure semble avant tout reposer sur la question du son continu, elle-même entraînant des phénomènes autrement plus complexes, comme l’exploration de nouveaux « états de conscience » et la quête d’une musique universelle. Il s’agit alors d’aborder les modalités de diffusion de la Dream House d’un point de vue systémique (du grec systêma : « ensemble organisé »), relatif à une approche holistique et interactive entre les constituants sonore et visuel, pour comprendre l’apparition de réactions psychoacoustiques sur le sujet immergé dans un tel environnement.

Cet article se propose de montrer ce que la psychologie récente du développement peut apporter pour la compréhension des phénomènes affectifs de nature temporelle qui sous-tendent l'écoute musicale et ses effets sur l'auditeur. L'article part de l'analyse du phénomène de répétition, tant dans les situations interactives chez le nourrisson que dans les structures les plus élémentaires des langages musicaux. La répétition, dans un cas comme dans l'autre, engendre le temps, la durée, mais y introduit une régularité qui permet au sujet l'anticipation et la maîtrise du futur. Cette régulatité et cette prévisibilité rendent possible la Variation, principe générateur du développement psychologique par les adaptations successives à une réalité changeante, mais aussi principe créateur du développement musical. Cette analyse conduit alors aux concepts centraux développés ici à partir des travaux du psychologue et psychanalyste, Daniel Stern. L'hypothèse est que l'unité d'une expérience interpersonnelle ou interactive chez le très jeune enfant est sa structure temporelle. Sur elle, par la suite, se greffent les expériences sensorielles, motrices et affectives pour construire des représentations intériorisées. Mais ce qui caractérise fondamentalement une expérience affective, c'est sa courbe temporelle, le rythme d'alternance des moments de tension et des moments de détente, c'est sa ligne de tension dramatique, ce que Daniel Stern appellera trame temporelle du ressenti… L'expérience affective, dans la vie relationnelle comme dans la musique, est partagée, communiquée, sur la base d'un accordage affectif qui n'est autre qu'une interrégulation temporelle, cellelà měme qui régit les rapports des musiciens dans le quatuor par exemple. L'article s'achève enfin par des considérations sur la sémiotisation du temps musical et la notion d'enveloppe proto-narrative: celle-ci est définie comme sens d'une trame temporelle du ressenti, orientée par une motivation ou un désir vers un but. La musique apparaî;trait alors comme la représentation de la matrice originelle de toutes les formes symboliques, de toutes les formes de langage, c'est-à-dire de toutes les formes de mise en ordre du temps dans la vie humaine.

L’Institut Jaques-Dalcroze de Genève (IJD), dans le cadre de son projet e-dalcroze 2020, participe aux réflexions autour de l’intégration des technologies numériques dans les pratiques enseignantes de la rythmique. Cette étude présente le retour d’une expérience de conception, développement et tests d’un dispositif numérique à l’interface tangible destiné à l’éducation musicale. L’expérience a été conduite par une équipe interdisciplinaire formée de deux enseignantes de l’IJD, d’un designer d’outils numériques et d’un chercheur post-doc en technologies pour la formation et l’apprentissage. La méthode adoptée pour le développement du dispositif est le design par scénario, une approche interactive et qui favorise l'interdisciplinarité. Dans le but de créer un dispositif numérique dont les caractéristiques facilitent son adoption dans les classes de rythmique de l'IJD, l’équipe a développé un outil numérique sonore, à l’interface tangible. Il s’agit, en l’occurrence, des pads sensibles à la pression de l’élève sur sa face et ouvert aux actions simultanées du groupe élèves-enseignante. Pour compléter le cycle, nous avons testé le dispositif en classe de rythmique pour observer, d’une part, les fonctionnalités techniques et, d’autre part, l’apport du dispositif en tant qu’appui pédagogique à l’enseignement et à l’apprentissage. Cette expérience contribue aux discussions autour de l’adoption pédagogique des technologies numériques.

Abstract Multihop reasoning remains an elusive goal as existing multihop benchmarks are known to be largely solvable via shortcuts. Can we create a question answering (QA) dataset that, by construction, requires proper multihop reasoning? To this end, we introduce a bottom–up approach that systematically selects composable pairs of single-hop questions that are connected, that is, where one reasoning step critically relies on information from another. This bottom–up methodology lets us explore a vast space of questions and add stringent filters as well as other mechanisms targeting connected reasoning. It provides fine-grained control over the construction process and the properties of the resulting k-hop questions. We use this methodology to create MuSiQue-Ans, a new multihop QA dataset with 25K 2–4 hop questions. Relative to existing datasets, MuSiQue-Ans is more difficult overall (3× increase in human–machine gap), and harder to cheat via disconnected reasoning (e.g., a single-hop model has a 30-point drop in F1). We further add unanswerable contrast questions to produce a more stringent dataset, MuSiQue-Full. We hope our datasets will help the NLP community develop models that perform genuine multihop reasoning.1

Cet article explore comment une balade autour des plantes sauvages urbaines permet de nous sensibiliser à la crise écologique. La crise du vivant étant aussi une crise de notre sensibilité au vivant, cette promenade propose de se reconnecter sensoriellement avec des plantes sauvages. Par une interaction sensorielle, ces promenades interrogent notre héritage culturel traditionnel à travers, notamment, les notions de « nature », « mauvaises herbes », « individu » dont l’utilisation joue le rôle d’obstacle dans le développement de notre culture du vivant. Les plantes urbaines résilientes mettent en avant leur adaptabilité face aux défis environnementaux. En utilisant des processus créatifs (musique improvisée) qui miment le processus d’individuation des plantes, la musique permet de charger d’affects la rencontre avec une plante. Cet article offre une perspective holistique sur les plantes, alliant savoir scientifique, engagement écologique, réflexion philosophique et expression artistique.

Ce mémoire traite des modèles génératifs profonds appliqués à la génération automatique de musique symbolique. Nous nous attacherons tout particulièrement à concevoir des modèles génératifs interactifs, c'est-à-dire des modèles instaurant un dialogue entre un compositeur humain et la machine au cours du processus créatif. En effet, les récentes avancées en intelligence artificielle permettent maintenant de concevoir de puissants modèles génératifs capables de générer du contenu musical sans intervention humaine. Il me semble cependant que cette approche est stérile pour la production artistique dans le sens où l'intervention et l'appréciation humaines en sont des piliers essentiels. En revanche, la conception d'assistants puissants, flexibles et expressifs destinés aux créateurs de contenus musicaux me semble pleine de sens. Que ce soit dans un but pédagogique ou afin de stimuler la créativité artistique, le développement et le potentiel de ces nouveaux outils de composition assistée par ordinateur sont prometteurs. Dans ce manuscrit, je propose plusieurs nouvelles architectures remettant l'humain au centre de la création musicale. Les modèles proposés ont en commun la nécessité de permettre à un opérateur de contrôler les contenus générés. Afin de rendre cette interaction aisée, des interfaces utilisateurs ont été développées ; les possibilités de contrôle se manifestent sous des aspects variés et laissent entrevoir de nouveaux paradigmes compositionnels. Afin d'ancrer ces avancées dans une pratique musicale réelle, je conclue cette thèse sur la présentation de quelques réalisations concrètes (partitions, concerts) résultant de l'utilisation de ces nouveaux outils
This thesis discusses the use of deep generative models for symbolic music generation. We will be focused on devising interactive generative models which are able to create new creative processes through a fruitful dialogue between a human composer and a computer. Recent advances in artificial intelligence led to the development of powerful generative models able to generate musical content without the need of human intervention. I believe that this practice cannot be thriving in the future since the human experience and human appreciation are at the crux of the artistic production. However, the need of both flexible and expressive tools which could enhance content creators' creativity is patent; the development and the potential of such novel A.I.-augmented computer music tools are promising. In this manuscript, I propose novel architectures that are able to put artists back in the loop. The proposed models share the common characteristic that they are devised so that a user can control the generated musical contents in a creative way. In order to create a user-friendly interaction with these interactive deep generative models, user interfaces were developed. I believe that new compositional paradigms will emerge from the possibilities offered by these enhanced controls. This thesis ends on the presentation of genuine musical projects like concerts featuring these new creative tools

Ce mémoire traite des modèles génératifs profonds appliqués à la génération automatique de musique symbolique. Nous nous attacherons tout particulièrement à concevoir des modèles génératifs interactifs, c'est-à-dire des modèles instaurant un dialogue entre un compositeur humain et la machine au cours du processus créatif. En effet, les récentes avancées en intelligence artificielle permettent maintenant de concevoir de puissants modèles génératifs capables de générer du contenu musical sans intervention humaine. Il me semble cependant que cette approche est stérile pour la production artistique dans le sens où l'intervention et l'appréciation humaines en sont des piliers essentiels. En revanche, la conception d'assistants puissants, flexibles et expressifs destinés aux créateurs de contenus musicaux me semble pleine de sens. Que ce soit dans un but pédagogique ou afin de stimuler la créativité artistique, le développement et le potentiel de ces nouveaux outils de composition assistée par ordinateur sont prometteurs. Dans ce manuscrit, je propose plusieurs nouvelles architectures remettant l'humain au centre de la création musicale. Les modèles proposés ont en commun la nécessité de permettre à un opérateur de contrôler les contenus générés. Afin de rendre cette interaction aisée, des interfaces utilisateurs ont été développées ; les possibilités de contrôle se manifestent sous des aspects variés et laissent entrevoir de nouveaux paradigmes compositionnels. Afin d'ancrer ces avancées dans une pratique musicale réelle, je conclue cette thèse sur la présentation de quelques réalisations concrètes (partitions, concerts) résultant de l'utilisation de ces nouveaux outils
This thesis discusses the use of deep generative models for symbolic music generation. We will be focused on devising interactive generative models which are able to create new creative processes through a fruitful dialogue between a human composer and a computer. Recent advances in artificial intelligence led to the development of powerful generative models able to generate musical content without the need of human intervention. I believe that this practice cannot be thriving in the future since the human experience and human appreciation are at the crux of the artistic production. However, the need of both flexible and expressive tools which could enhance content creators' creativity is patent; the development and the potential of such novel A.I.-augmented computer music tools are promising. In this manuscript, I propose novel architectures that are able to put artists back in the loop. The proposed models share the common characteristic that they are devised so that a user can control the generated musical contents in a creative way. In order to create a user-friendly interaction with these interactive deep generative models, user interfaces were developed. I believe that new compositional paradigms will emerge from the possibilities offered by these enhanced controls. This thesis ends on the presentation of genuine musical projects like concerts featuring these new creative tools

Des projets de science participative (SP) ont stimulé la recherche dans plusieurs disciplines au cours des dernières années. Des citoyens scientifiques contribuent à cette recherche en effectuant des tâches cognitives, favorisant l'apprentissage, l'innovation et l'inclusion. Bien que le crowdsourcing ait servi à recueillir des annotations structurelles en musique, la SP reste sous-utilisée pour étudier l'expressivité musicale. On introduit un nouveau protocole d'annotation pour capturer la prosodie musicale, associée aux variations acoustiques introduites par les interprètes pour rendre la musique expressive. Notre méthode descendante, centrée sur l'humain, donne la priorité à l'auditeur dans la production d'annotations des fonctions prosodiques de la musique. On se concentre sur la segmentation et la proéminence, qui véhiculent la structure et l'affect. Ce protocole fournit un cadre de SP et une approche expérimentale pour réaliser des études systématiques et extensibles. On met en œuvre ce protocole d'annotation dans CosmoNote, un logiciel web personnalisable, conçu pour faciliter l'annotation de structures musicales expressives. CosmoNote permet aux utilisateurs d'interagir avec des couches visuelles, y compris la forme d'onde, les notes enregistrées, les attributs audio extraits et les caractéristiques de la partition. On peut placer des frontières de niveaux différents, des régions, des commentaires et des groupes de notes. On a mené deux études visant à améliorer le protocole et la plateforme. La première, examine l'impact des stimuli auditifs et visuels simultanés sur les frontières de segmentation. On compare les différences dans les distributions de frontières dérivées d'informations intermodales (auditives et visuelles) et unimodales (auditives ou visuelles). Les distances entre les distributions unimodales-visuelles et intermodales sont plus faibles qu'entre les distributions unimodales-auditives et intermodales. On montre que l'ajout de visuels accentue les informations clés et fournit un échafaudage cognitif aidant à marquer clairement les frontières prosodiques, bien qu'ils puissent détourner l'attention de structures spécifiques. À l'inverse, sans audio, la tâche d'annotation devient difficile, masquant des indices subtils. Malgré leur exagération ou inexactitude, les repères visuels sont essentiels pour guider les annotations de frontières en interprétation, ce qui améliore les résultats globaux. La deuxième étude utilise tous les types d'annotations de CosmoNote et analyse comment les participants annotent la prosodie musicale, avec des instructions minimales ou détaillées, dans un cadre d'annotations libres. On compare la qualité des annotations entre musiciens et non-musiciens. On évalue la composante de SP dans un cadre écologique où les participants sont totalement autonomes dans une tâche où le temps, l'attention et la patience sont valorisés. On présente trois méthodes basées sur des étiquettes d'annotation, des catégories et des propriétés communes pour analyser et agréger les données. Les résultats montrent une convergence dans les types d'annotations et les descriptions utilisées pour marquer les éléments musicaux récurrents, pour toute condition expérimentale et aptitude musicale. On propose des stratégies pour améliorer le protocole, l'agrégation des données et l'analyse dans des applications à grande échelle. Cette thèse enrichit la représentation et la compréhension des structures en musique interprétée en introduisant un protocole et une plateforme d'annotation, des expériences adaptables et des méthodes d'agrégation et d'analyse. On montre l'importance du compromis entre l'obtention de données plus simples à analyser et celle d'un contenu plus riche, capturant une pensée musicale complexe. Notre protocole peut être généralisé aux études sur les décisions d'interprétation afin d'améliorer la compréhension des choix expressifs dans l'interprétation musicale
The proliferation of citizen science projects has advanced research and knowledge across disciplines in recent years. Citizen scientists contribute to research through volunteer thinking, often by engaging in cognitive tasks using mobile devices, web interfaces, or personal computers, with the added benefit of fostering learning, innovation, and inclusiveness. In music, crowdsourcing has been applied to gather various structural annotations. However, citizen science remains underutilized in musical expressiveness studies. To bridge this gap, we introduce a novel annotation protocol to capture musical prosody, which refers to the acoustic variations performers introduce to make music expressive. Our top-down, human-centered method prioritizes the listener's role in producing annotations of prosodic functions in music. This protocol provides a citizen science framework and experimental approach to carrying out systematic and scalable studies on the functions of musical prosody. We focus on the segmentation and prominence functions, which convey structure and affect. We implement this annotation protocol in CosmoNote, a web-based, interactive, and customizable software conceived to facilitate the annotation of expressive music structures. CosmoNote gives users access to visualization layers, including the audio waveform, the recorded notes, extracted audio attributes (loudness and tempo), and score features (harmonic tension and other markings). The annotation types comprise boundaries of varying strengths, regions, comments, and note groups. We conducted two studies aimed at improving the protocol and the platform. The first study examines the impact of co-occurring auditory and visual stimuli on segmentation boundaries. We compare differences in boundary distributions derived from cross-modal (auditory and visual) vs. unimodal (auditory or visual) information. Distances between unimodal-visual and cross-modal distributions are smaller than between unimodal-auditory and cross-modal distributions. On the one hand, we show that adding visuals accentuates crucial information and provides cognitive scaffolding for accurately marking boundaries at the starts and ends of prosodic cues. However, they sometimes divert the annotator's attention away from specific structures. On the other hand, removing the audio impedes the annotation task by hiding subtle, relied-upon cues. Although visual cues may sometimes overemphasize or mislead, they are essential in guiding boundary annotations of recorded performances, often improving the aggregate results. The second study uses all CosmoNote's annotation types and analyzes how annotators, receiving either minimal or detailed protocol instructions, approach annotating musical prosody in a free-form exercise. We compare the quality of annotations between participants who are musically trained and those who are not. The citizen science component is evaluated in an ecological setting where participants are fully autonomous in a task where time, attention, and patience are valued. We present three methods based on common annotation labels, categories, and properties to analyze and aggregate the data. Results show convergence in annotation types and descriptions used to mark recurring musical elements across experimental conditions and musical abilities. We propose strategies for improving the protocol, data aggregation, and analysis in large-scale applications. This thesis contributes to representing and understanding performed musical structures by introducing an annotation protocol and platform, tailored experiments, and aggregation/analysis methods. The research shows the importance of balancing the collection of easier-to-analyze datasets and having richer content that captures complex musical thinking. Our protocol can be generalized to studies on performance decisions to improve the comprehension of expressive choices in musical performances

Cette thèse pose la question de la relation entre l’expressivité des outils de programmation informatique et la création musicale sous l’angle de l’expression du « temps ». Nous avons basé notre réflexion sur le temps à l’aide du concept bergsonien de « durée » qui n’existe que dans la conscience de celui qui perçoit en opposition au temps objectif qui est celui des horloges, indépendant des consciences. Nous avons choisi de nous inscrire dans la tradition de la musique écrite, c’est-à-dire préconçue sous une forme figée qui permet au compositeur d’évaluer le contenu esthétique de son travail. Parmi différentes possibilités de mise en œuvre la durée, nous nous sommes orientés vers les musiques interactives, c’est-à-dire contrôlées sur scène en partie par l’audience. Nous avons élaboré une méthode de composition qui repose sur trois concepts : des « éléments musicaux de base » qui sont de courtes phrases musicales, des « groupes » de ces éléments de base et des « orchestrations ». Les groupes sont mis à la disposition de l’audience qui participe à la concrétisation de la musique en sélectionnant tel ou tel élément de base ou en répondant à des choix qui lui seront proposés. La façon dont les groupes sont mis à la disposition de l’audience constitue « l’orchestration » qui est mis en œuvre au moyen du langage réactif synchrone HipHop.js. Ce langage combine la programmation d’automates complexes adaptée à notre concept d’orchestration avec la programmation Web particulièrement adaptée à la mise en œuvre d’interactions à grande échelle. Nous avons alimenté cette recherche par différentes expériences et productions musicales au moyen d’une plateforme logicielle baptisée Skini
This thesis raises the question of the relationship between the expressiveness of computer programming tools and musical creation from the perspective of the expression of "time". We have based our reflection on time using the Bergsonian concept of "duration" which exists only in the consciousness of the perceiver as opposed to the objective time, which is that of clocks, independent of consciousness. We have chosen to follow the tradition of written music, i.e. preconceived in a fixed form that allows the composer to evaluate the aesthetic content of his work. Among the various possibilities of implementing duration, we have oriented ourselves towards interactive music, i.e. music that is controlled on stage, in part by the audience. We developed a method of composition based on three concepts: “basic musical elements” which are short musical phrases, “groups” of these basic elements, and “orchestrations”. The groups are made available to the audience who participates in the realization of the music by selecting one or another basic element or by responding to choices that will be proposed to them. The way in which the groups are made available to the audience constitutes the “orchestration” which is implemented by means of the synchronous reactive language HipHop.js. This language combines the programming of complex automata adapted to our orchestration concept, with web programming particularly adapted to the implementation of large-scale interactions. We fed this research with different experiments and musical productions using a software platform called Skini

La musique est une pratique culturelle permettant aux êtres humains d'exprimer sensiblement leurs intentions à travers le son. L'apprentissage machine définit un ensemble de modèles permettant de nouvelles formes d'expression au sein desdits systèmes interactifs musicaux. Cependant, en tant que discipline informatique, l'apprentissage machine demeure essentiellement appliquée à la musique du point de vue des sciences de l'ingénieur, qui, très souvent, conçoit les modèles d'apprentissage sans tenir compte des interactions musicales prenant place entre humains et systèmes. Dans cette thèse, j'envisage la possibilité de mener des pratiques de design avec l'apprentissage machine pour les systèmes interactifs musicaux. Je soutiens que l'apprentissage machine doit avant tout être situé au sein d'un contexte humain afin d'être conçu et appliqué au design de systèmes interactifs musicaux. Pour défendre cette thèse, je présente quatre études interdisciplinaires, dans lesquelles j'introduis des modèles intermédiaires d'apprentissage, dits modèles-prototype, au sein de méthodes de conception centrées humain, afin d'appliquer l'apprentissage machine à quatre tâches musicales situées : le mapping mouvement-son, l'exploration sonore, l'exploration de la synthèse, et l'interaction musicale collective. À travers ces études, je montre que les modèles-prototype permettent de générer des idées de design pour l'apprentissage machine en amont de la phase d'ingénierie desdits modèles, ce en lien étroit avec les utilisateurs potentiels de ces systèmes. Je montre également que les systèmes d'apprentissage machine centrés humain résultant de ce processus de conception rendent possible des processus dynamiques d'expression entre les humains et les machines, allant au-delà de la création d'artefacts musicaux statiques. Je propose de nommer co-expression ces processus d'interaction musicale entre des êtres humains - faisant preuve d'un élan expressif et créatif quelque soit leur expertise musicale - et des machines - dont les capacités d'apprentissage peuvent être perçues comme expressives du point de vue de l'humain. En outre, je présente cinq systèmes interactifs musicaux conçus avec lesdits modèles-prototypes, et relate leurs restitutions publiques au sein d'ateliers, expositions, installations et performances. Par une approche réflexive, je montre que les contributions musicales apportées par des pratiques de design avec l'apprentissage machine peuvent, à terme, complémenter les contributions scientifiques apportées par les méthodes de conception centrées humain. Ainsi, je suggère que la recherche musicale peut être menée par le design de dispositifs interactifs musicaux, c'est-à-dire, par la réalisation technique d'artefacts esthétiquement fonctionnels remettant en cause les normes culturelles régissant l'informatique et la musique
Music is a cultural and creative practice that enables humans to express a variety of feelings and intentions through sound. Machine learning opens many prospects for designing human expression in interactive music systems. Yet, as a Computer Science discipline, machine learning remains mostly studied from an engineering sciences perspective, which often exclude humans and musical interaction from the loop of the created systems. In this dissertation, I argue in favour of designing with machine learning for interactive music systems. I claim that machine learning must be first and foremost situated in human contexts to be researched and applied to the design of interactive music systems. I present four interdisciplinary studies that support this claim, using human-centred methods and model prototypes to design and apply machine learning to four situated musical tasks: motion-sound mapping, sonic exploration, synthesis exploration, and collective musical interaction. Through these studies, I show that model prototyping helps envision designs of machine learning with human users before engaging in model engineering. I also show that the final human-centred machine learning systems not only helps humans create static musical artifacts, but supports dynamic processes of expression between humans and machines. I call co-expression these processes of musical interaction between humans - who may have an expressive and creative impetus regardless of their expertise - and machines - whose learning abilities may be perceived as expressive by humans. In addition to these studies, I present five applications of the created model prototypes to the design of interactive music systems, which I publicly demonstrated in workshops, exhibitions, installations, and performances. Using a reflexive approach, I argue that the musical contributions enabled by such design practice with machine learning may ultimately complement the scientific contributions of human-centred machine learning. I claim that music research can thus be led through dispositif design, that is, through the technical realization of aesthetically-functioning artifacts that challenge cultural norms on computer science and music

La plupart des scénarios multimédia interactifs sont basés sur des spécifications informelles, il n'est donc pas possible de vérifier formellement des propriétés de ces systèmes. Nous préconisons la nécessité d'un modèle général et formel. Partitions interactives est un formalisme pour décrire des scénarios multimédia interactifs. Nous proposons une nouvelle sémantique pour les partitions interactives basée sur les structures d'événements temporisés. Avec une telle sémantique, nous pouvons spécifier des propriétés pour le système, en particulier, des propriétés sur les traces, qui sont difficiles à préciser avec la programmation par contraintes. Nous présentons également une sémantique opérationnelle des partitions interactives basée sur le calcul non-déterministe, temporisé, concurrent, par contraintes (ntcc) et nous rapportons la sémantique operationelle à la semantique en structures d'événements temporisés. Avec la sémantique opérationnelle, nous pouvons décrire formellement le comportement d'un scenario dont les durées des objets temporels peuvent être des intervalles d'entiers arbitraires. La sémantique opérationnelle est obtenue à partir de la sémantique en structures d'événements temporisés de la partition interactive. Pour fournir une telle traduction, nous avons d'abord défini la forme normale d'une structure d'événements temporisés, dans laquel les événements liés avec une durée zéro sont regroupés en un seul. Nous avons également défini la notion de structures d'événements temporisés répartissables, de telle sorte que son graphe de contraintes peut être expédié en se fondant uniquementsur la propagation locale. Nous croyons que la sémantique opérationnelle basée sur ntcc offre certains avantages par rapport à la sémantique des partitions interactives basée sur des réseaux de Petri; par exemple, les durées des objets temporels peuvent être des intervalles d'entiers arbitraires, tandis que dans la plupart des modèles de partitions interactives, les intervalles ne peut être utilisés que pour représenterles relations telles que l'égalité et les inégalités. Nos modèles ntcc de partitions interactives sont exécutés en utilisant Ntccrt, un interprète temps réel pour ntcc. Nos modèles peuvent également être vérifiés automatiquement en utilisant ntccMC, un vérificateur pour ntcc, de temps borné, basée sur les automates finis, que nous introduisons dans cette thèse. En utilisant ntccMC, nous pouvons vérifier des propriétés de logique de temps linéaire avec des contrantes (CLTL). Dans cette thèse, nous introduisons deux extensions du formalisme de partitions interactives:(1) l'une pour gérer le traitement audio en utilisant le langage de programmation français Faustet (2) l'autre pour traiter des condition et des branchements, permettant de spécifier des choix et des boucles. Pour la première extension, nous présentons une sémantique basée sur les structures d'événements temporisés et des idées sur la façon de définir une sémantique opérationnelle. Pour la deuxième extension, nous présentons une mise en oeuvre et la comparaison des résultats du jitter relative moyenne d'une implémentation d'un arpège base sur l'algorithme de Karplus-Strong par rapport aux implémentations existants écrits dans Pure Data. Nous définissons aussi un format de sauvegarde XML pour les partitions interactives et pour la extension avec branchement conditionnel. Un format de sauvegarde est crucial pour assurer la persistance des partitions
Technology has shaped the way on which we compose and produce music. Notably, the invention of microphones and computers pushed the development of new music styles in the 20th century. In fact, several artistic domains have been benefiting from such technology developments ; for instance, Experimental music, non-linear multimedia, Electroacoustic music, and interactive multimedia. In this dissertation, we focus on interactive multimedia.Interactive multimedia deals with the design of scenarios where multimedia content and interactive events are handled by computer programs. Examples of such scenarios are multimedia art installations, interactive museum exhibitions, some Electroacoustic music pieces, and some Experimental music pieces. Unfortunately, most interactive multimedia scenarios are based on informal specifications, thus it is not possible to formally verify properties of such systems. We advocate the need of a general and formal model. Interactive scores is a formalism to describe interactive multimedia scenarios. We propose new semantics for interactive scores based on timed eventstructures. With such a semantics, we can specify properties for the system, in particular, properties about traces, which are difficult to specify as constraints. In fact, constraints are an important part of the semantic model of interactive scores because the formalism is based on temporal constraints among the objects of the scenario. We also present an operational semantics of interactive scores based on the non-deterministic timed concurrent constraint (ntcc) calculus and we relate such a semantics to the timed event structures semantics. With the operational semantics, we formally describe the behavior of a score whose temporal object durations can be arbitrary integer intervals. The operational semantics is obtained from the timed event structures semantics of the score. To provide such a translation, we first define the normal form of a timed event structure in which events related with zero-duration delays are collapsed into a single one. We also define the notion of dispatchable timed event structures. Event structures such that its constraint graph can be dispatched by relying only on local propagation.We believe that operational semantics in ntcc offers some advantages over existing Petri nets semantics for interactive scores; for instance, the duration of the temporal objects can be arbitrary integer intervals, whereas inprevious models of interactive scores, such durations can only be intervals to represent equalities and inequalities. In this dissertation, we also introduce two extensions of the formalism of interactive scores : (1) one to handle audio processing using the Fast AUdio Stream (Faust) languageand (2) another one to handle conditional branching, allowing designers to specify choices and loops. For the first extension, we present a timed event structures semantics and ideas on how to define operational semantics. For the second extension, we present an implementation and results comparing the average relative jitter of an implementation ofan arpeggio based on Karplus-Strong with respect to existing implementations of Karplus written in Pure Data. We also define a XML file format for interactive scores and for the conditional branching extension. A file format is crucial to assure the persistence of the scores. Ntcc models of interactive scores are executed using Ntccrt, a real-time capable interpreter for ntcc. They can also be verified automatically using ntccMC, a bounded-time automata based model checker for ntcc which we introduce in this dissertation. Using ntccMC, we can verify properties expressed on constraint linear-time logic. Ntcc has been used in the past, not only for multimedia interaction models, but alsofor system biology, security protocols and robots

Conçus pour une utilisation avec la souris et le clavier, les outils aidant à la productivité et à la créativité sont puissants sur les ordinateurs de bureau, mais leur structure devient un obstacle lorsqu'ils sont transposés sur des surfaces interactives offrant une saisie tactile et au stylet.En effet, les opportunités offertes par le stylet en termes de précision et d'expressivité ont été démontrées dans la littérature sur en IHM. Cependant, les outils de productivité et de créativité nécessitent une refonte minutieuse exploitant ces propriétés uniques pour tirer parti de l'intuitivité qu'ils offrent, tout en conservant les avantages liés à la structure. Cette articulation délicate entre le stylet et la structure a été négligée dans la littérature.Mon travail de thèse se concentre sur cette articulation à travers deux cas d'utilisation afin de répondre à la question de recherche générale : « Comment concevoir des interactions basées sur le stylet pour la productivité et la créativité sur des surfaces interactives ? » Je considère que la productivité dépend de l'efficacité, tandis que la créativité repose à la fois sur l'efficacité et la flexibilité, et j'explore des interactions qui favorisent ces deux dimensions.Mon premier projet, TableInk, explore un ensemble de techniques d'interaction basées sur le stylet et conçues pour les logiciels de tableurs, et propose des lignes directrices pour promouvoir l'efficacité sur les surfaces interactives. Je commence par analyser les logiciels commerciaux et par mener une étude d'élicitation pour comprendre ce que les utilisateurs peuvent faire et ce qu'ils aimeraient faire avec les tableurs sur des surfaces interactives. Sur la base de ces analyses, je conçois des techniques d'interaction qui exploitent les opportunités offertes par le stylet pour réduire les frictions et permettre plus d'opérations par manipulation directe sur et à travers la grille. Je prototype ces techniques d'interaction et mène une étude qualitative auprès d'utilisateurs qui effectuent diverses opérations sur tableurs avec leurs propres données. Les observations montrent que l'utilisation du stylet pour contourner la structure constitue un moyen prometteur de favoriser l'efficacité dans un outil de productivité.Mon deuxième projet, EuterPen, explore un ensemble de techniques d'interaction basées sur le stylet, et conçues pour les logiciels de notation musicale, et propose des lignes directrices pour promouvoir à la fois l'efficacité et la flexibilité sur les surfaces interactives. Je commence par une série de neuf entretiens avec des compositeurs professionnels afin de prendre du recul et de comprendre à la fois leur processus de réflexion et leur processus de travail avec leurs outils actuels sur ordinateur de bureau. Sur la base de cette analyse double, j'élabore des lignes directrices pour la conception de fonctionnalités ayant le potentiel de promouvoir à la fois l'efficacité pour les opérations fréquentes ou complexes et la flexibilité dans l'exploration des idées. Ensuite, je mets en œuvre ces lignes directrices à travers un processus de conception itératif : deux phases de prototypage, un atelier de conception participative et une série finale d'entretiens avec huit compositeurs professionnels. Les observations montrent qu'en plus d'utiliser le stylet pour profiter de la structure afin de favoriser l'efficacité, tirer parti de ses propriétés pour briser temporairement la structure constitue un moyen prometteur de promouvoir la flexibilité dans un outil de soutien à la créativité.Je conclus ce manuscrit en discutant de différentes manières d'interagir avec la structure, en présentant un ensemble de recommandations pour soutenir la conception d'interactions basées sur le stylet pour les outils de productivité et de créativité, et en élaborant sur les applications futures que cette thèse ouvre
Designed with the mouse and keyboard in mind, productivity tools and creativity support tools are powerful on desktop computers, but their structure becomes an obstacle when brought to interactive surfaces supporting pen and touch input.Indeed, the opportunities provided by the pen for precision and expressivity have been demonstrated in the HCI literature, but productivity and creativity tools require a careful redesign leveraging these unique affordances to take benefit from the intuitiveness they offer while keeping the advantages of structure. This delicate articulation between pen and structure has been overlooked in the literature.My thesis work focuses on this articulation with two use cases to answer the broad research question: “How to design pen-based interactions for productivity and creativity on interactive surfaces?” I argue that productivity depends on efficiency while creativity depends on both efficiency and flexibility, and explore interactions that promote these two dimensions.My first project, TableInk, explores a set of pen-based interaction techniques designed for spreadsheet programs and contributes guidelines to promote efficiency on interactive surfaces. I first conduct an analysis of commercial spreadsheet programs and an elicitation study to understand what users can do and what they would like to do with spreadsheets on interactive surfaces. Informed by these, I design interaction techniques that leverage the opportunities of the pen to mitigate friction and enable more operations by direct manipulation on and through the grid. I prototype these interaction techniques and conduct a qualitative study with information workers who performed a variety of spreadsheet operations on their own data. The observations show that using the pen to bypass the structure is a promising mean to promote efficiency with a productivity tool.My second project, EuterPen, explores a set of pen-based interaction techniques designed for music notation programs and contributes guidelines to promote both efficiency and flexibility on interactive surfaces. I first conduct a series of nine interviews with professional composers in order to take a step back and understand both their thought process and their work process with their current desktop tools. Building on this dual analysis, I derive guidelines for the design of features which have the potential to promote both efficiency with frequent or complex operations and flexibility in regard to the exploration of ideas. Then, I act on these guidelines by engaging in an iterative design process for interaction techniques that leverage the opportunities of the pen: two prototyping phases, a participatory design workshop, and a final series of interviews with eight professional composers. The observations show that on top of using the pen to leverage the structure for efficiency, using its properties to temporarily break the structure is a promising mean to promote flexibility with a creativity support tool.I conclude this manuscript by discussing several ways to interact with structure, presenting a set of guidelines to support the design of pen-based interactions for productivity and creativity tools, and elaborating on the future applications this thesis opens

Cette thèse propose l’introduction de scénarios temporels pour guider ou composer l’improvisation musicale homme-machine. Ce travail étudie la dialectique entre planification et réactivité dans les systèmes interactifs dédiés à l’improvisation : des systèmes informatiques pouvant générer de la musique en relation directe avec le contexte produit par une situation de concert. On cherche ici à appréhender l'improvisation pulsée et dite « idiomatique ». En s’appuyant sur l’existence d’une structure formalisée antérieure à la performance dans de nombreux répertoires improvisés (une « grille d’accords » par exemple) ces travaux proposent : un modèle d’improvisation guidée par un « scénario » introduisant des mécanismes d’anticipation ; une architecture temporelle hybride combinant anticipation et réactivité et permettant la synchronisation du rendu multimédia avec une pulsation non métronomique ; et un cadre pour composer des sessions d’improvisation idiomatique ou non à l’échelle du scénario en exploitant la généricité des modèles. Ces recherches ont été menées en interaction constante avec des musiciens experts, en intégrant pleinement ces collaborations au processus itératif de conception des modèles et architectures. Ceux-ci ont été implémentés dans le système ImproteK, utilisé à de nombreuses reprises lors de performances avec des improvisateurs. Au cours de ces collaborations, les sessions d'expérimentations ont été associées à des entretiens et séances de réécoute afin de recueillir de nombreuses appréciations formulées par les musiciens pour valider et affiner les choix technologiques
This thesis focuses on the introduction of authoring and controls in human-computer music improvisation through the use of temporal scenarios to guide or compose interactive performances, and addresses the dialectic between planning and reactivity in interactive music systems dedicated to improvisation. An interactive system dedicated to music improvisation generates music on the fly, in relation to the musical context of a live performance. We focus here on pulsed and idiomatic music relying on a formalized and temporally structured object, for example a harmonic progression in jazz improvisation. The same way, the models and architecture we developed rely on a formal temporal structure. This thesis thus presents: a music generation model guided by a ''scenario'' introducing anticipatory behaviors; an architecture combining this anticipation with reactivity using mixed static/dynamic scheduling techniques; an audio rendering module to perform live re-injection of captured material in synchrony with a non-metronomic beat; and a framework to compose improvised interactive performances at the ''scenario'' level. This work fully integrated frequent interactions with expert musicians to the iterative design of the models and architectures. These latter are implemented in the interactive music system ImproteK that was used at various occasions during live performances with improvisers. During these collaborations, work sessions were associated to listening sessions and interviews to gather numerous judgments expressed by the musicians in order to validate and refine the scientific and technological choices

Cette thèse propose l’introduction de scénarios temporels pour guider ou composer l’improvisation musicale homme-machine. Ce travail étudie la dialectique entre planification et réactivité dans les systèmes interactifs dédiés à l’improvisation : des systèmes informatiques pouvant générer de la musique en relation directe avec le contexte produit par une situation de concert. On cherche ici à appréhender l'improvisation pulsée et dite « idiomatique ». En s’appuyant sur l’existence d’une structure formalisée antérieure à la performance dans de nombreux répertoires improvisés (une « grille d’accords » par exemple) ces travaux proposent : un modèle d’improvisation guidée par un « scénario » introduisant des mécanismes d’anticipation ; une architecture temporelle hybride combinant anticipation et réactivité et permettant la synchronisation du rendu multimédia avec une pulsation non métronomique ; et un cadre pour composer des sessions d’improvisation idiomatique ou non à l’échelle du scénario en exploitant la généricité des modèles. Ces recherches ont été menées en interaction constante avec des musiciens experts, en intégrant pleinement ces collaborations au processus itératif de conception des modèles et architectures. Ceux-ci ont été implémentés dans le système ImproteK, utilisé à de nombreuses reprises lors de performances avec des improvisateurs. Au cours de ces collaborations, les sessions d'expérimentations ont été associées à des entretiens et séances de réécoute afin de recueillir de nombreuses appréciations formulées par les musiciens pour valider et affiner les choix technologiques
This thesis focuses on the introduction of authoring and controls in human-computer music improvisation through the use of temporal scenarios to guide or compose interactive performances, and addresses the dialectic between planning and reactivity in interactive music systems dedicated to improvisation. An interactive system dedicated to music improvisation generates music on the fly, in relation to the musical context of a live performance. We focus here on pulsed and idiomatic music relying on a formalized and temporally structured object, for example a harmonic progression in jazz improvisation. The same way, the models and architecture we developed rely on a formal temporal structure. This thesis thus presents: a music generation model guided by a ''scenario'' introducing anticipatory behaviors; an architecture combining this anticipation with reactivity using mixed static/dynamic scheduling techniques; an audio rendering module to perform live re-injection of captured material in synchrony with a non-metronomic beat; and a framework to compose improvised interactive performances at the ''scenario'' level. This work fully integrated frequent interactions with expert musicians to the iterative design of the models and architectures. These latter are implemented in the interactive music system ImproteK that was used at various occasions during live performances with improvisers. During these collaborations, work sessions were associated to listening sessions and interviews to gather numerous judgments expressed by the musicians in order to validate and refine the scientific and technological choices

Cette thèse vise à établir un système informatique permettant le calcul de structures musicales, leurs représentations/manipulations à un niveau compositionnel, ainsi que leurs diffusions interactives. Elle constitue une étude à la croisée de multiples domaines informatiques : la modélisation des systèmes discrets, l'ordonnancement, la conception logicielle ou encore les interfaces homme-machine. Nous proposons une architecture dans laquelle la modification des programmes peut affecter leurs sorties, y compris durant la phase de restitution, tout en conservant les avantages compositionnels d'une approche temps-différé. Nous introduisons également de nouveaux outils pour planifier leur exécution grâce à la conception de scenarios dynamiques, que nous appelons la meta-composition. Les mécanismes de calcul et de restitution sont entremêlés : la restitution peut être affectée par des calculs qu'elle a elle-même déclenchés. Les différents résultats décrits dans ce manuscrit sont implantés dans le logiciel de composition OpenMusic, qui peut alors modéliser les ¿uvres à la fois comme des structures musicales et comme des programmes en continuelle exécution
This thesis aims at designing a computer system enabling the computation of musical structures, their presentation/handling on a compositional side, and their interactive rendering. It is a study at the crossroads between several computer science research fields : discrete systems modeling, scheduling, software design and human-computer interfaces. We propose an architecture where program editing can affect their outputs, including during the rendering phase, while preserving the compositional benefits of a deferred-time approach. Compositions are therefore considered as continually running programs, where computation and rendering mechanisms are interleaved. We introduce new tools and interfaces to arrange their execution through time thanks to dynamic temporal scenario scripting, which we call meta-composing. The different results described in this manuscript are implemented in the computer-aided composition environment OpenMusic

AbstractAlgorithms and related technologies are widely used for many musicology-related tasks, such as music analysis or even music composition. The use of algorithms in music analysis may be crucial for a deeper understanding of music theory and history, yet experiential knowledge is proposed here as a more interactive way to take a journey through music history and, more specifically, the evolution of electroacoustic music. From acousmatic music to serialism and from Musique Concrète and Elektronische music to Post-Schaefferian Electronica, numerous techniques have been developed for sound generation and manipulation. In this chapter, SuperCollider is used as a tool to create an interactive composition and to provide a walkthrough of electroacoustic music through live coding. The musicological aspects of the different composition techniques of this music style are explored through their integration into the algorithmic composition.

Il est assez commun aujourd’hui d’entendre de la musique totalement intégrée à différents dispositifs et stratégies de communication. En politique, l’utilisation de la musique n’est pas quelque chose de nouveau. La musique permet, par exemple, de refléter un ordre politique (Dompnier 1996), de rythmer les cérémonies officielles (Fleurdorge 2009), de désigner un ennemi et/ou de légitimer une hégémonie culturelle (Schnapper 2004), d’être le médium et/ou le lieu de la contestation politique (Balasinski et Mathieu 2006) ou encore d’induire des émotions qui seront ensuite transformées en dispositions/comportements politiques (Traïni 2008; Jeandemange 2017). Ainsi, qu’ils soient de droite ou de gauche, tous les prétendants à la conquête ou à la conservation du pouvoir utilisent de la musique pour faire campagne. Cet article vise à montrer comment opérer une analyse sémantique des interactions entre musique et image dans les dispositifs de communication (politique) comme élément constitutif d’une expression politique. Comment traiter la musique dans son interaction avec les images, les discours et les représentations symboliques des clips de campagne électorale ?

Chapter 4 explores the sensuous dimension of contemporary soundtracks through examples of soundtrack musicality drawn from diegetic sounds such as physical activities, walking, or environmental sounds. The chapter argues that the overall musical effect produced by the interaction between repetitive sound and rhythmicized visual movement creates musicality of an inherently cinematic nature, a type of audiovisual musique concrète. This approach is theorized through the concept of the erotics of art, contending that the practice of blurring the boundaries between music and the soundtrack’s other elements is intimately connected to the emergence of a trend that emphasizes the sensuousness of film form—its sonic and visual textures, composition, rhythm, movement, and flow—without confusing it with sensory overload.

Abstract The use of live music has become a regular feature in children’s hospitals across Europe, the United States, and Australia. This is an emerging field that is primarily based on practice and still needs significant research and theory to inform its development. The chapters in the section discuss various current aspects of music in hospitals. The case study of Musique et Santé, a leading organization that has shaped the practice of live music in pediatric hospitals in Europe, argues for the importance of addressing children’s cultural needs while in hospitals, through a cultural action that lies at the intersection of music performance, music as informal education, and music as health. The importance of the role of professional musician is discussed through in-depth case studies, highlighting how family and hospital staff become part of the musical interaction. Finally, the roles of the musician in hospital and the music therapist are clarified through an analysis of the many layers of music interventions and the different domains of practice for music in hospitals.

Abstract Already a formed composer upon his arrival in France in 1989, Edmund Campion began working with Gérard Grisey and interacting with other key figures and institutions in the Paris contemporary music scene. Beset by the powerful and contradictory forces shaping musical life in Paris at the time, Campion pursued an independent musical project, one that embedded many influences from the so-called spectral school. With a growing interest in computer-assisted composition, he was drawn to Gérard Grisey's overall thinking and practice, particularly his approach to time in music. Campion undertook a reworking of his musical identity, integrating some of the ideas and techniques of Grisey, while immersing himself in the rich musical communities throughout Paris. His music transformed in unexpected ways as he sought to translate and synthesize new influences. He describes his experiences and compositional transformations within the context of the confluence of competing musical concerns represented by the Paris Conservatory, the Groupe de Recherches Musicales (GRM), and Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique (IRCAM).

The Mevlevi musicians had been among the principal pracitioners and theorists of music within Anatolia during the 15th century. They continued these skills in Ottoman Istanbul from the early 17th to the 20th centuries. Mevlevis wrote books of musical theory dealing with what they termed ‘the science of music,’ roughly equivalent to the Western term ‘ars musicae’ or ‘art of music.’ In the pre-Ottoman period they had practiced a musical art linked to Greater Iran. As court patronage for art music declined by the later 16th century in both Iran and Turkey, Mevlevis played a leading role in Istanbul as performers and teachers. In addition, they were among the leaders in creating a Turkish poetic ‘avant garde’, responding to the new ‘fresh style’ of Persian poetry, coming mainly from Mughal India. Ibrahim Cevri (d. 1654) was one of the most influential of these Turkish poets. By the early 18th century, Mevlevis were creating a new musical discourse, and also experimenting with forms of indigenous musical notation. By the end of the 17th, and continuing into the ‘long’ 18th century, they became the principal means through which secular musicians and cantors of the Greek Church and the Sephardic Synagogue became acquainted with the ‘science of music’ in its Ottoman form. The interaction particularly with the Church cantors (psaltes) led to structural changes within certain genres of Greek Church music and within the core repertoire of Ottoman court music.