Dissertations / Theses: 'Instruments de musique – Facture (instruments de musique) – Histoire'

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Liavas, Lambros. "La Lira piriforme en Crète et dans le Dodécanèse facture, histoire et implications sociales." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb375991909.

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Grévrend, Isabelle. "Les orgues néoclassiques en Normandie : études de la facture instrumentale et de l'écriture musicale : études historiques et analyses techniques de quelques instruments normands." Rouen, 2006. http://www.theses.fr/2006ROUEL533.

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Abstract:

La présente étude traite des éléments caractéristiques de la facture instrumentale et de l'écriture musicale en matière d'orgue néoclassique, ainsi que de l'origine historique de ce style. A ces explications s'ajoutent un glossaire et deux index. La période concernée par ce style se déploie entre les années mille neuf cent trente et les années mille neuf cent soixante dix. En regard de ces généralités, des analyses historiques et techniques, avec annexes documentaires et iconographiques sur les régions de Basse- et Haute-Normandie, viennent apporter des précisions en ce qui concerne la facture, et des extraits musicaux mettent en lumière les explications à propos de procédés de composition
This studying deals with characteristic elements of the instrumental technique and musical composition as regards neoclassical organ, as well as the historical origin of this style. With these explanations add a glossary and two indexes. The concerned period opens out between the nineteen-thirties years and the nineteen-seventies years. In comparison with these generalities, historical and technical analyses, with documentary and iconographical appendices from Basse- and Haute-Normandie, are providing precisions concerning the instrumental technique. Some musical extracted shed light on explanations about composition process

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Marconi, Emanuele. "Le Musée des instruments à vent de La Couture-Boussey : genèse et développement d'un musée ouvrier." Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2024. http://www.theses.fr/2024SORUL039.

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Abstract:

Le Musée des instruments à vent de La Couture-Boussey (département de l'Eure, Normandie) a été fondé en 1888 par les membres de la « Chambre Syndicale des Ouvriers en Instruments de Musique (Finisseurs) ». Seul exemple de son époque de musée français dédié à la facture instrumentale, il fut fondé à la fois dans le mouvement d'un intérêt croissant vers les collections publiques d'instruments de musique qui prend forme au début de ce siècle, et dans le contexte des luttes ouvrières des années 1880. Son objet est de valoriser et perpétuer le savoir-faire des facteurs du bassin couturiot, un ensemble d'une dizaine de villages aux alentours de La Couture-Boussey, épicentre de la manufacture d'instruments à vent en bois depuis le début du XVIIe siècle. Son histoire, caractérisée par une alternance de périodes d'activités et d'abandon, reflet des dynamiques socio-économiques du village, peut être lue au travers des principaux événements du XXe siècle : les deux guerres mondiales, la crise des années 1930, le boom économique des années 1950 et 1960 et, enfin, la globalisation du marché et la fermeture des entreprises. Élaborée à partir de nombreuses sources d'archives rassemblées et pour la plupart inconnues à ce jour, cette thèse aborde successivement, avec une approche et des résultats inédits, l'histoire de la facture d'instruments à vent à La Couture-Boussey, la déconstruction des mythes de ses origines, les grèves à l'origine de la création du Syndicat, l'histoire du Musée, et celle de ses collections d'instruments et d'outils, de sa bibliothèque, tout en soulignant son rôle de premier plan au niveau européen, en cette fin du XIXe siècle, dans la réalisation de copies d'instruments de musique anciens (facsimilés) qui constituent une partie fondatrice de sa collection
The La Couture-Boussey Wind Instrument Museum (Eure Department, Normandy) was founded in 1888 by members of the “Chambre Syndicale des Ouvriers en Instruments de Musique (Finisseurs)”. The only example of its time as a French museum dedicated to music instrument making, it was founded both in connection with the growing interest in public collections of musical instruments which took shape at the beginning of this century, and in the context of the workers' strikes of the 1880s. Its purpose is to promote and perpetuate the know-how of the makers of the La Couture basin, a group of about ten villages around La Couture-Boussey, epicentre of the manufacture of woodwinds since the beginning of the 17th century. Its history, characterized by alternating periods of activity and abandonment, reflecting the socio-economic dynamics of the village, can be read through the main events of the 20th century: the two World Wars, the crisis of the 1930s, the economic boom of the 1950s and 1960s and, finally, the globalization of the market and the closure of businesses.Developed from numerous archival sources collected and for the most part unknown to date, this thesis successively addresses, with an approach and new results, the history of the making of woodwinds in La Couture- Boussey, the deconstruction of the myths of its origins, the strikes at the origin of the creation of the Union, the history of the Museum, and that of its collections of instruments and tools, of its library, while highlighting its leading role at the European level, at the end of the 19th century, in the creation of copies of old musical instruments (facsimiles) which constitute a founding part of his collection

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Razafindrakoto, Jobonina. "La valiha de Madagascar : tradition et modernité en Imerina de 1820 à 1995 (études organologique, acoustique et socio-historique)." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040049.

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Abstract:

Dès sa formulation comme projet scientifique, l'ethnomusicologie s'est intéressée aux similitudes entre le langage parlé et le langage musical. Or, nous pouvons considérer que l'instrument de musique fait aussi partie de la production musicale. C'est donc à partir de cet objet sonore (dont l'organologie permet d'étudier la structure) que nous avons conçu une approche possible de la culture malgache. Largement répandue à Madagascar sous diverses appellations, la valiha est un instrument séculaire qui a pu se maintenir jusqu'à nos jours au prix de transformations organologiques et sociologiques multiples. Son étude en Imerina, région des Hautes Terres centrales de l'île aujourd'hui fortement acculturée à l'occident, révèle un singulier paradoxe entre tradition et modernité. Ainsi, notre monographie de la valiha tente d'éclairer l'évolution des pratiques sociales et musicales observées de 1820 à 1995 en Imerina. D'une part, nous avons privilégié la perspective historique afin de rendre compte des modalités d'adaptation de la population Merina face au changement. D'autre part, nous avons choisi des spécialités afférentes à l'ethnomusicologie comme l'acoustique musicale (qui permet d'expliquer les manières de façonner l'instrument et ses sonorités) et la sémiologie (qui permet d'expliquer le mode de représentation symbolique de l'instrument. ) Cette diversification des outils de description et d'analyse a été nécessaire pour faire une synthèse sur la valiha. Synthèse qui nous donne une connaissance plus approfondie sur l'authenticité de la culture malgache. (Doc Thèses)
Ethnomusicology, as a scientific project, was, from the beginning, interested in similarities between spoken and musical languages. As a matter of fact, we may consider the musical instrument as a part of the musical production. So, we established a possible approach of the Malagasy culture based upon the acoustic object itself (organology allowed us to study its structure). Widespread in Madagascar, under different names, valiha is a secular instrument which came to us through many organologic and sociologic transformations. Made in Imerina, central highlands of the island, today very occidentalised, this study reveals a surprising paradox between tradition and modernity. That way, our monography on valiha tries to enlighten evolution of musical practices reported in Imerina from 1820 to 1995. On the one hand, we emphasized the historical point of view to point out how Merina people adapt themselves to change. On the other hand, we choosed specialities related to ethnomusicology like musical acoustics (which explains how the instrument and their sonorities are built) and semiology (which explains how the instrument can be symbolized). This wide set of descriptive and analytic tools had to be used to achieve this synthetic work on valiha. This synthesis gave us a thorough knowledge of Malagasy culture authenticity

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Vandervellen, Pascale. "La facture du piano dans les provinces belges des origines à 1851." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2007. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210716.

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Abstract:

L’étude fournit un panorama exhaustif de la facture du piano dans les provinces belges. Elle s’étend de 1761, année de la première référence écrite au piano, à 1851, date jalon marquée par l’industrialisation progressive des techniques et la standardisation des modèles. Entre ces deux dates, le dépouillement des almanachs permet de dénombrer plus d’une centaine de facteurs, majoritairement actifs à Bruxelles. Ils possèdent, suivant les registres des patentables, de petits ateliers. L’examen des instruments conservés montre que la production est de qualité. Elle relève à part entière de l’artisanat et est centrée sur les modèles domestiques – pianos carrés et pianos droits. En 1850, elle avoisine 1 750 instruments par an. Une cinquantaine de brevets d’invention liés au piano sont déposés. Ils témoignent, tout comme la participation croissante des facteurs aux expositions des produits de l’industrie, de la formidable énergie qui mobilise la facture du piano durant la période considérée.
Doctorat en Histoire, art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Mathis, Thierry. "Le clavecin en France aux XVIIe et XVIIIe siècles : découvertes organologiques et nouvelles techniques de l’interprétation." Thesis, Strasbourg, 2013. http://www.theses.fr/2013STRAC011.

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Abstract:

La musique française pour clavecin des XVIIe et XVIIIe siècles est-elle jouée de nos jours telle qu’elle devrait l’être ? De quelles sources disposent musicologues et musiciens pour approcher au plus près l’authentique sonorité du clavecin, la technique de son jeu, et la compréhension de son répertoire ? Cette approche nous a conduit à discerner neuf points déterminants, essentiels à la compréhension de la facture du clavecin. La mesure d’octave des claviers français de l’époque était inférieure à celle des instruments des pays voisins, et notamment inférieure à celle appliquée dans la facture de nos jours. Pour mémoire, cette mesure conditionne l’écartement entre le pouce et l’auriculaire, lequel écartement influence le jeu. Si l’écart est de moindre taille, les doigts sont plus rapprochés, et de ce fait, la main gagne en décontraction. Le jeu à la française se distingue aussi depuis ses origines par l’extrême souplesse de l’harmonisation, le peu de tension des cordes et le diapason bas (le La3 à 392 – 406 Hz). Par ailleurs, nous avons pu révéler l’existence de clavecins à trois claviers, la présence du seize pieds et du jeu nasal dans certains instruments (alsaciens notamment), et la paternité française de l’éclisse courbe en forme de « S ». Concernant les claviers, l’évolution de l’ambitus de l’instrument depuis le début du XVIIe jusqu’à la fin du XVIIIe siècle est bien connue des musicologues et des musiciens. Toutefois, aucune étude de cette évolution n’a été réalisée pour démontrer l’élargissement des claviers depuis le premier livre imprimé en 1670, les pièces de clavecin de Chambonnières, jusqu’à l’ambitus définitif des cinq octaves imposées dans les pièces de clavecin en concerts de Rameau en 1741. Notre étude s’est également étendue aux cordes, par la vérification de leur épaisseur et des matières dont elles étaient faites. Il s’avère que les facteurs de l’époque utilisaient des diamètres inférieurs à ceux des cordes actuelles, et qu’elles n’ont jamais été en cuivre dans les basses. Seul le laiton à forte teneur en cuivre était considéré comme satisfaisant pour la sonorité des cordes les plus graves. Quant aux cordes des trois cinquièmes supérieurs du clavier, elles étaient faites en fer mou qui n’avait qu’une faible tension. Il va sans dire que l’acier, employé de nos jours, était inconnu à cette époque. Enfin, il est admis aujourd’hui que le clavecin, une fois le tempérament posé, s’accorde en octaves pures, alors qu’il en était tout autrement au XVIIIe siècle, ainsi que nous l’avons établi à travers un texte de Corrette
Is French harpsichord music of the 17th and 18th centuries played today as it should be ? What sources can help musicologists and musicians to reproduce the authentic harpsichord sound and playing techniques of that epoch, and understand its repertoire, as faithfully and fully as possible ? The mere fact that this music went unplayed for so long prompts that question. In fact, the harpsichord was forgotten overnight. The favoured instrument of court and fashionable society under the ancien régime, it had aristocratic associations which doomed it when the Revolution came. A century later, in June 1889, the noble, silvery sound of its plucked strings made a first, hesitant comeback, thanks to Louis Diémer. But it was only in the 20th century, between the two world wars, that Wanda Landowska’s tireless enthusiasm gave this baroque keyboard instrument a new lease of life. Interest in building “old-style” harpsichords, using traditional techniques, first developed in the late 1950s, and their popularity has grown steadily ever since. Today’s enthusiasts want to go back to the origins, and revive old ideas and techniques, but they still have a long way to go. At an earlier stage, techniques used in making pianos were extended to harpsichords - and some of these “alien” elements and additions are still present. We felt the time had come to clarify the picture by consulting certain contemporary texts, which had been unduly neglected. We found indeed that these were at odds with twentieth- century improvements, had been mistranslated or misunderstood, or were, quite simply, hard to find.Anyone wishing to form an idea of the original harpsichord sound must start with organology, and the various instruments used by French musicians in the 17th and 18th centuries offer valuable clues. X-ray examination reveals their design and shows how they were regulated (keys, jacks, plectra).Thanks to this approach, we have identified nine essential factors which illuminate the design and construction of these instruments. French manuals of the time had a narrower octave span than those of instruments made in neighbouring countries - or today. Span, of course, determines the distance between thumb and little finger, which itself affects playing. The smaller the gap, the closer the fingers, and the more relaxed the hand. From the beginning, the French sound was also distinguished by its highly flexible harmonies,low-tension strings and low pitch (A3 at 392-406 Hz.). We also found that some harpsichords had three manuals, that some (particularly Alsatian instruments) had 16 foot stops and a lute stop, and that the S-shaped bentside was a French innovation. Musicologists and musicians already know in general terms how manuals evolved from the early 17th to the late 18th century, but no specific research has been done on the process by which they became wider, between 1670, when the first book, Chambonnière’s Pièces de clavecin, was published, and 1741, when Rameau’s Pièces de clavecin en concerts made five octaves the norm.We have also studied strings, their thickness and the materials of which they were made. We have found that string diameter was smaller than it is now, and that bass strings were never made of copper. Only brass with high copper content was thought to give the deeper strings a satisfactory sound. Strings on the upper three-fifths of the manual were made of soft iron, which had little tension. Steel, which is used today, was obviously unknown.Finally, harpsichords, once their temperament is established, are today tuned in pure octaves –which, as a text by Corrette has shown us, was far from being the case in the 18th century

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Koppe, Dominique. "La trompette dans la seconde moitié du vingtième siècle : facture, technique et interprétation." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040198.

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Abstract:

Au dix-huitième siècle, les compositeurs traitèrent la trompette en marge des instruments à cordes, encore considérés comme base de l'orchestre. En revanche, au dix-neuvième siècle, la facture et les musiciens eux-mêmes développèrent des possibilités nouvelles. Les compositeurs eurent alors, avant tout, le souci de fondre la trompette dans la masse orchestrale, désormais polychrome, et de se servir d'elle pour renforcer la dynamique, pour enrichir l'écriture et pour trouver de nouveaux plans sonores. Les divers courants esthétiques du début du vingtième siècle ont confirmé ce rôle de premier plan de la trompette dans le domaine concertant comme dans celui de la musique de chambre. La trompette a ainsi gardé la faveur d'un triumvirat désormais inséparable : le facteur, le musicien et le compositeur. A partir de l'observation des trompettistes du Berliner Philharmonisches Orchester, du Boston Symphony Orchestra, du Chicago Symphony Orchestra, de l'Orchestre philharmonique de Radio France, de l'orchestre de l'Opéra de Paris et du Wiener Philharmonische Orchester, l'auteur se propose d'étudier les rapports entre la facture, la technique et l'interprétation dans la seconde moitié du vingtième siècle
During the eighteenth century, composers used to consider the trumpet as a fringe instrument cut off from the strings, the latters being dealt with as the foundation of the orchestra. In the nineteenth century, on the contrary, the making of this neglected instrument as well as the concern of musicians themselves, worked towards giving a less subdued lighting on trumpets and opened new developments for them. Several aesthetics trends of the early 1900s strengthened the position of the trumpet as a key instrument among soloists but equally in the circle of chamber music. Nowadays the trumpet still retains favour with an inseparable threesome composed of the maker, the performer, and the composer. The writer of this thesis sets out to study the link between the making, the technique and the rendering of the trumpet during the second half of this century thanks to the observation of the Berliner Philharmonische Orchester, the Boston Symphony Orchestra, the Chicago Symphony Orchestra, the Orchestre Philharmonique de Radio France, the Orchestre de l'Opéra de Paris and the Wiener Philharmonische Orchester

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Lefeuvre, Gilbert. "Les instruments de musique dans la vie quotidienne de la picardie au xvieme siecle." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040268.

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Abstract:

La premiere partie de cette etude sur les instruments de musique dans la vie quotidienne de la picardie au xvie siecle, presente la situation organologique dans les ouvrages theoriques du xvie et du debut du xviie siecles, confronte l'ensemble de ces elements au patrimoine instrumental expose dans les collections publiques des musees instrumentaux de paris et de bruxelles. La deuxieme partie composee de ix chapitres, definit la pratique instrumentale en picardie pendant cette periode en fonction de son role dans la societe ou plus precisemment etudie la place qui revient aux instruments de musique dans les differents aspects de l'activite humaine : les instruments lies a la fonction publique, les instruments utilises par les confreries, les instruments presents dans les entrees royales, les instruments dans la musique militaire et les sonneries de chasse, les instruments de musique dans la musique religieuse, les instruments dans la musique populaire, les instruments dans les interieurs bourgeois, la reconstitution du repertoire. Dans la troisieme partie composee de deux chapitres : "de l'organologie a la facture instrumentale", il nous a paru essentiel de passer de l'analyse a une realite sonore propre a cette etude. La realisation de deux instruments, une guitare renaissance a quatre choeurs et une vieille a roue dite henri ii a ete possible a partir d'originaux conserves dans les musees. Cette coherence entre le travail de recherche et la fabrication artisanale peut-etre l'espoir prometteur pour de nombreux ensembles de musique ancienne et permettre a leurs musiciens de jouer sur des copies d'instruments fidelement reproduits
The first part of this musical instruments in picardie daily life during the xvi c. Study presents the organisation shart in the theoratical works of xvi c. And begining of xvii c. Compares these whole elements to the instrumental patrimony shown in paris an brussels instrumental art galleries public collections. The second part, 9 chapters made up, describes the picardie instrumental practising during this period according to its society part or exactly studies the place that returus to the musical instruments in human activity different sides : instruments linked to public function, the brotherhood used instruments founded in the royal halls entrances, the army music and hunting sound instruments, the church music musical instruments, the popular music instruments, the middle class interior instruments, the repertoire reconstitution. In the 3d part, 2 chapters made up : "from the organisation chart to the instrumental making", we did think it essential to change four analysis to a suitable resouding reality for this study. The 2 instruments achievement, one 4 chorus renaissance guitar and one henry the 2nd, kinf of france, hurdy gurdy has been possible from originals kept in art galleries. The coherence between the work research an the making can be the promising hope for many old music ensembles an allows their musicians to play on faithfully reproduced copy instruments

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Eveno, Pauline. "L' impédance d'entrée pour l'aide à la facture des instruments de musique à vent : mesures, modèles et lien avec les fréquences de jeu." Paris 6, 2012. http://www.theses.fr/2012PA066502.

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Abstract:

Ce travail porte sur l’évaluation et le choix de descripteurs objectifs pertinents du point de vue de la qualité des instruments de musique à vent. Il s’inscrit dans le cadre d’un projet collaboratif de développement d’une plate-forme d’aide à la facture instrumentale. Le travail s’appuie essentiellement sur la notion d’impédance d’entrée. Une étude comparative de différentes méthodes de calcul d’impédance d’entrée de pavillons sont confrontées à l’expérience. Les résultats montrent que les méthodes utilisant la théorie des lignes en abscisse curviligne et un modèle de rayonnement adapté, permettent d’obtenir les fréquences de résonance avec une précision de l’ordre de 8 cents. Au-delà de la fréquence de coupure, les méthodes numériques sont plus proches de la mesure mais les hautes fréquences ont une influence mineure sur les fréquences de jeu. Par ailleurs une étude sur les “résonateurs” de tampons de saxophone révèle que ceux-ci doivent être considérés comme des “raidisseurs”. A partir d’enregistrements en situation de jeu, il apparaît que la présence ou non de “résonateurs”, causant une différence visible sur l’impédance d’entrée, est aussi perceptible par le musicien. Enfin, une analyse comparative entre fréquences de résonance et fréquences de jeu d’une trompette à branche d’embouchure paramétrable a été conduite avec plusieurs musiciens. Après analyse statistique des résultats, il apparaît que la fréquence de jeu est contrôlée par la fréquence de résonance à 8 cents près, valeur de l’ordre de grandeur de la répétabilité des musiciens. Pour les trompettes, les fréquences de résonance semblent donc être des descripteurs pertinents de l’intonation de l’instrument
This work deals with the evaluation and the choice of relevant objective descriptors of the wind instruments quality. It is part of a collaborative project which aims at developping a platform helping instruments making. The work is essentially based on the notion of input impedance. A comparative study of different calculation methods for the input impedance of horns are compared with the measurement. Results show that the transmission line method used with curvilinear abscissa and a suitable model of radiation, allows predicting resonance frequencies with an accuracy of 8 cents. Above the cutoff frequency, numerical methods are closer to the measurement but high frequencies have a minor influence on playing frequencies. Furthermore, a study on the pad “resonators” of a saxophone shows that they have to be considered as “stiffeners”. The presence or absence of “resonators” can cause visible differences on the input impedance of the instrument, which can also be perceived by the musician in playing conditions. Finally, an analysis comparing the resonance frequencies and the playing frequencies of a trumpet with a parametrized leadpipe was led with various musicians. After a statistical analysis of the results, the playing frequency appears to be controlled by the resonance frequency, with a 8 cents precision, which is the order of magnitude of the musician repeatability. For the trumpets, the resonance frequencies seem to be suitable descriptors of the instrument intonation

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Mohamad, Barzan. "Les instruments de musique du Kurdistan et leur rôle dans la tradition." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040085.

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Abstract:

La thèse est consacrée à l'étude des instruments de musique des quatre parties du Kurdistan (Iran, Irak, Turquie et Syrie). Les instruments témoignent aujourd’hui encore de plusieurs siècles d’histoire du Moyen-Orient et attestent leurs liens avec la Mésopotamie, les croyances de l’ancien Iran et les cultures d’Islam. Cette étude examine plus particulièrement l’aspect historique et symbolique de la musique, la fabrication et les matériaux des instruments ainsi que leur organologie. Ce travail propose une classification des instruments en fonction de leur utilisation dans le domaine sacré et le monde profane, (certains étant exclusivement joués par les confréries soufies lors des cérémonies)
This body of research is devoted to the study of the musical instruments of the four parts of Kurdistan region, which is divided between Iran, Iraq, Turkey and Syria. The instruments encompass several centuries of Middle Eastern history and attest their bonds with Mesopotamia, with the beliefs of old Iran and the culture of Islam. This study more particularly examines the historical aspect and symbolic system of the music, the construction and materials of the instruments and their organology. This work proposes a classification of the instruments according to their use in the profane and sacred world, (some being exclusively played by Sufi brotherhoods during their ceremonies)

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Sarrasin, Francine. "La representation des instruments de musique : iconographie de la vie culturelle au canada." Paris, EHESS, 1986. http://www.theses.fr/1986EHESA112.

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Abstract:

Ma these porte sur la representation des instruments de musique dans l'art canadien. Plus de trois cents oeuvres (peintures, gravures, dessins) ont ete prealablement repertoriees dans les grands musees de l'est canadien (ottawa, montreal, quebec, toronto. . . ). Bien qu'incomplet, cet inventaire a servi d'element declencheur pour la repartition des divers chapitres et le travail analytique. Sur le plan methodologique, l'etude du "comment" de la representation, associee au caractere specifique du motif choisi (instrument de musique), ouvre le champ d'intervention a plusieurs disciplines. L'iconologie comme methode de base rejoint, au niveau des oeuvres, les connotations historiques et sociologiques de meme que les references musicales, ethnologiques et philosophiques. La demarche multidisplinaire et l'analyse comparative permettent de capter au mieux la polysemie du sujet traite. Une des hypotheses de base est que l'instrument de musique, comme motif iconographique, est, d'emblee, porteur de signification culturelle. Il s'avere que le caractere "canadien" se livre davantage avec le contenu des trois premiers chapitres: -l'instrument des fetes et rejouissances populaires: le violon de violoneux; - les instruments de plein air: la fanfare britannique et la musique amerindienne; - la femme pianiste. Les trois derniers chapitres, plus universels de contenu, revelent l'artiste et la pensee avant le documentaire. Il s'agit de: -l'instrument de musique dans le portrait; -le symbolisme de l'instrument de musique: de la mythologie au decor d'eglise; -instrument de musique et vie silencieuse: objet de nature morte. Jouant dans les premieres scenes, l'instrument montre devient de plus en plus silen- cieux a partir du chapitre sur le portrait. La musique qu'il faut entendre passe a- lors tres souvent au sein de la representation plutot que dans le motif montre. Il y a donc, sur le plan de la musique, un chiasme entre le represente et la repre- sentation
My thesis is based on the analysis of musical instruments in canadian works such as paintings, drawings, etchings. . . I have previously listed more than three hundred of the latter from the great eastern canadian museums (national gallery of canada, fine arts museum of montreal, museum of quebec, royal ontario museum. . . ). This inventory is not exhaustive but significant enough to layout the different chapters and set off the process of analysis. On the methodological point of view, the study of the different kinds of representations and the specific character of the chosen iconographic theme (the musical instrument), extend the area of my investigations. The iconology remains the principal way of my intervention but is frequently linked with the historical or sociological study, with the musical, ethnological or philosophical reference. The use of several methods of working in different specialized fields is a good way to circumvent the polysemic meaning of the subject which is concerned. One of the basic hypotheses is that the musical instruments, as figured in paintings, reveal something about the cultural reality. The canadian specification expresses itself principally with the instruments of the three first chapters: the instrument used in merrymaking: the fiddler's violin; -the instruments played outdoors: the military brittain wind-band and the indians' music; -the woman pianist. The three last chapters discuss a more universal subject. They are about the musical instrument in the portrait, the symbolism of the mythological lyre and of religious instruments and about still-life. The musical instruments which are played on in the first scenes become progressively silent. About this music, the representation takes over from which is represented

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Fritsch, Philippe. "Les ateliers alsaciens et saxon de la dynastie des Silbermann : étude des "Claviers"." Tours, 1996. http://www.theses.fr/1996TOUR2017.

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Abstract:

L'importance de la famille Silbermann au XVIIIème siècle dans le développement des instruments à clavier et cordes est historiquement avérée. Contrairement aux orgues, les instruments à cordes des Silbermann, les "claviers" sont méconnus car rarement signés. La présente étude a permis d'établir l'attribution de plusieurs clavecins et clavicordes aux différents facteurs de cette famille. L’étude des unités de mesure employées par les ateliers Silbermann constitue le fondement de la méthode ; il permet non seulement de reconnaître dans quel atelier - alsacien ou saxon fut construit tel ou tel instrument mais aussi dans lequel il fut conçu. La facture établit la chronologie. L’étude comparative des clavecins, épinettes, clavicordes et fortepianos a permis de déterminer quels furent leurs diapasons, conséquemment aussi leur destination musicale
The study of measuring-units used during the 18th century in the Silbermann-workshops, both in Alsace and Saxony, has led to the identification of several unsigned harpsichords and clavichords. Links could then be established between both countries, leading to a new concept, that of a specific instrument-making tradition: the Saxon-Alsatian school, or Silbermann-school. The comparative analysis has been extended to the different aspects of craftmanship concerning all stringed keyboard-instruments including fortepianos and spinets. Some antique techniques have been discovered, especially in terms of design. Follows a new approach of pitch and instrumental function

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Wilmotte, Marie-Hélène. "La flûte traversière et le système Böhm : 200 ans d'histoire, d'enjeux et d'enseignement : du début de XIXe siècle au début du XXIe siècle." Rouen, 2009. http://www.theses.fr/2009ROUEL001.

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Abstract:

La flûte Böhm a connu un formidable essor depuis sa création. Le propos de ce travail est de déterminer la place occupée par les nouvelles flûtes dans la création musicale du XIXe siècle à nos jours, en étudiant les innovations organologiques, les enjeux et les enrichissements musicaux et pédagogiques intrinsèquement liés. Les rencontres multipolaires de métallurgistes, spécialistes en traitements de surfaces, de facteurs, de compositeurs, de pédagogues et d'interprètes nous permettent d'approcher l'étude de la facture de la flûte traversière au XXe siècle de manière très complète, aboutissant sur des propositions d'innovations et d'expériences futures. La démonstration de la thèse porte sur les implications croisées de l'évolution du système Böhm, la création musicale, l'enseignement et l'évolution de la facture de la flûte traversière, et le lien de cet instrument au concept d'art-science
During 1960s, the instrument still develops : creation of instruments which can reach(affect) surprising tessituras, development of flutes intended for the youngest pupils. . . The comment of this work is to determine the place occupied by the new flutes in the musical creation of the XIXth century in our days, by studying the organologiques innovations, the stakes and the intrinsically connected musical and educational enrichments, as testimony of a tremendous vitality of the traverse flute. The multipolar meetings of metalworkers, specialists of surface treatments, factors of flutes, composers, teachers and interpreters allow us to approach the study of the invoice of the traverse flute in the XXth century in a very complete way, succeeding on propositions of innovations and future experiments. The crossed involvements of the evolution of the system Böhm on the musical creation, the education and the evolution of the invoice of the traverse flute, and al's link flute Böhm in the concept of art-science are demonstrated

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Tiffou, Augustin. "Le basson en France au XIXème : facture, théorie et répertoire." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040260.

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Abstract:

Cette étude tente de mettre en lumière l'environnement dans lequel a évolué le basson en France au XIXe siècle. L'instrument, dans un état primitif au début du XIXe siècle, a subi de nombreuses modifications et trouve à la fin de ce siècle une stabilité dans sa facture, une plus grande homogénéité sonore, un plus grand volume sonore, lui conférant ainsi une place stable au sein de l’orchestre. Mais, deux systèmes sur le basson se développent parallèlement à cette époque : le système allemand et le système français. Si plusieurs recherches traitent du basson, grand nombre d'entre elles écrites en anglais traitent plus particulièrement de l'instrument de type allemand. Aussi, cette étude s'efforce-t-elle de faire état de la situation de l'instrument de type français. Les trois champs abordés dans cette étude, la facture, la théorie et le répertoire, donnent, dans son ensemble, une idée plus précise sur l’état du basson en France au XIXe siècle. Enfin, de nos jours, la préférence pour le système allemand est incontestable et s'il advenait que le système de type français vienne à disparaître un jour, cette étude permettra de le garder en mémoire
This research tries to bring light on the environment in which the bassoon took place in France during the 19th century. The instrument, in a primitive form at the beginning of the 19th century, endures multiple modifications and finds at the end of the same century a manufacturing stability, a more homogeneous sound, a greater volume sound, giving the instrument a steady place in the orchestra. But, two bassoons systems were developed side by side at this time: the German system and the French system. Even though there are researches on the bassoon, many of them concern the German one. For these reasons, this research tries to give a better idea of the situation of the French bassoon. The three parts of this research (the manufacturing, the theory and the repertoire) should give a more precise idea of the condition of the bassoon in France during the 19th century. Finally, the preference given these days to the German system is obvious and if the French system has to disappear one day, this research will keep it in mind

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Karami, Elham. "Effet de traitements thermiques modérés et de revêtement sur les propriétés vibratoires des bois d’Epicéa et de Mûrier." Thesis, Montpellier, 2016. http://www.theses.fr/2016MONTT340/document.

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Abstract:

Le bois est couramment utilisé pour la fabrication d’instruments de musique. Les procédés employés consistent souvent en traitements modifiant le matériau en volume ou en surface. Ce travail s’est focalisé sur deux espèces employées dans les instruments à cordes et représentatives de différentes cultures: L’épicéa (Picea abies Karst.) utilisé en Europe et le Mûrier blanc (Morus alba L.) utilisé en Iran. Pour chacune l’effet d’un traitement thermique modéré (<150°C) et d’un revêtement par vernis sur plusieurs propriétés physiques et mécaniques ont été étudiés. Les principaux résultats sont les suivants. A la différence de l’Epicéa, le Mûrier présente un très faible degré d’anisotropie mécanique. Chez les deux espèces, le traitement thermique entraîne une forte chute dde l’amortissement, particulièrement dans la direction radiale pour l’Epicéa, ainsi que du taux d’humidité d’équilibre, sans dégradation marquée comme indiqué par la faible perte de masse. Toutefois, après reconditionnement à haute humidité, une part importante de la modification est récupérée. L’application d’un vernis à base solvent sur le Mûrier entraîne une rigidification continue, tandis que la forte augmentation de l’amortissement observée après l’application est suivie par un retour au bout d’environ 2 mois aux niveau du bois non traité. Pour l’Epicéa, des vernis à base d’huile siccative ont été appliqués et divers paramètres du procédé ont été testé. Dans ce cas la cintétique de stabilisation des propriétés est très lente et des variations notables continuaient à être observée au bout de 5 mois
Wood is commonly used for making musical instruments. During the process it is often subjected to treatments, that either modify its volume or its surface properties. Two species used for for string instruments were studied, representative of different cultures: Spruce (Picea abies Karst.) used in Europe and White Mulberry (Morus alba L.) used in Iran. For each of them the effect of thermal treatment at moderate temperature (<150°C) and of coating on various physical and mechanical properties was studied. The main results are as follows. In contrast to Spruce, Morus has a very low degree of mechanical anisotropy. For both species, thermal treatment induces a strong decrease in damping, especially in R direction for Spruce, and equilibrium moisture content, without marked degradation as indicated by the very small weight loss. However, after reconditioning at high humidity, a significant part of the changes is recovered. The application of a solvent-based varnish on Morus induces a continuous stiffening, while a very strong increase in damping after application is followed, after about 2 months, by a return to values close to those of untreated wood. For Spruce, siccative oil based varnish was applied and several parameters of the process were tested. In this case, the kinetics of property stabilisation are very slow and significant changes were still observable after 5 months

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Vauthrin, Camille. "Acoustique et respiration dans le jeu musical des instruments à vent : application aux flûtes." Thesis, Paris 6, 2015. http://www.theses.fr/2015PA066388/document.

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Abstract:

Cette thèse présente une étude acoustique des instruments de musique de type flûte, enrichie par l'analyse de la respiration chez les flûtistes.Le flûtiste acquiert au cours de son parcours musical un contrôle expert du jeu de son instrument. Les contrôles développés par le musicien dépendent des libertés et contraintes apportées par son expertise musicale, sa physiologie respiratoire, la consigne musicale et la réponse acoustique de la flûte. Etudier les techniques de jeu nécessite de considérer le flûtiste et son instrument comme un ensemble.D'une part, ce travail porte sur l'étude de la réponse acoustique de la flûte à travers deux études: l'une concernant l'apport de l'acoustique linéaire lors de la conception d'un nouvel instrument par un facteur, l'autre portant sur l'influence de la position des lèvres du flûtiste. Ce travail permet de mettre en lumière les irrégularités du comportement acoustique de la flûte selon le doigté et amène à étudier comment le flûtiste les compense.D'autre part, nous étudions les stratégies respiratoires développées par le musicien au cours du jeu, afin d'obtenir une analyse et une compréhension fines des relations entre les paramètres de contrôle respiratoires et aéro-acoustiques dans un contexte musical. Nous répondons à deux questions : comment le flûtiste adapte sa respiration aux consignes musicales, et quand commence le jeu musical. Enfin, nous nous sommes intéressés aux efforts respiratoires développés par le musicien, en termes de travail et puissance. Une nouvelle question est posée : comment le flûtiste met à profit son système respiratoire afin de réaliser et/ou de faire entendre une intention musicale
This thesis presents an acoustical study of flute-like instruments, which is developed by the analysis of flautist’s breathing. The flautist acquires during his musical background an expert control of his instrument. The control developed by the musician directly depends on the freedoms and constraints provided by the musician musical expertise, his respiratory physiology, the musical tasks and the acoustic behavior of the flute. Studying the playing techniques requires us to consider the flautist and the instrument as a whole.First, this work focuses on the study of the acoustic response of the flute through two studies: one on the contribution of the linear acoustics in the design of a new instrument with a flute-maker, the other on the influence of the position of the flautist’s lips. This work allows us to highlight irregularities in the acoustic behavior of the flute according to the fingerings, and leads us to study how the flautist compensates them. Secondly, we study the respiratory strategies developed by the musician while playing, in order to obtain detailed analysis and understanding of relationships between respiratory and aeroacoustic control parameters in a musical context. We answer two questions: how does a flute player adapt his breathing and playing to musical tasks, and when does the musical playing begin. Finally, we were interested in the respiratory efforts developed by the musician, in terms of work and power. A new question is asked: how does the flautist use his respiratory system in order to achieve and/or to highlight a musical intention

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Gétreau, Florence. "Le Musée instrumental du Conservatoire de Musique de Paris : Histoire et formation des collections." Paris 4, 1990. http://www.theses.fr/1990PA040405.

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Mohammad, Salah. "L'organisation mélodique et rythmique des Maqamat irakiens." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040121.

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Abstract:

Cette recherche a pour but d'étudier et d'analyser le maqâm irakien et de le présenter comme la forme musicale-vocale la plus parfaite et la plus achevée du patrimoine musical irakien. Dans une première étape, elle expose: la définition du maqâm, son origine, ses circonstances sociales et la composition de ses concerts (fusul) et de son orchestre (al-djalghi al-baghdadi). Cet orchestre est composé d'un chanteur et de quatre musiciens-instrumentistes qui jouent respectivement de la cithare sur table, de la vièle à pique, du tambour-gobelet, du tambour sur cadre et des naqqara. . . Elle expose aussi les écoles des "maitres" du maqâm (les chanteurs et les musiciens), écoles qui couvrent six générations (1775-1985). Ensuite, nous avons analysé les tétracordes et les modes constitutifs de la musique arabe en général et la musique irakienne en particulier. Nous avons classé ces tétracordes en 3 groupes (diatonique, chromatique et enharmonique) et ces modes en six groupes (rast, bayat, nahawand, kurd, 'ajam et un groupe pour les modes "hors classification") cette analyse mélodique est complétée par l'analyse des rythmes qui accompagnent l'exécution du maqâm et celle des chansons complétives. Dans une dernière étape, nous avons analysé 6 maqamat principaux (rast, bayat, nahawand, saba, hujaz-diwan et 'awj) en nous basant sur 5 éléments fondamentaux (le mode, la succession des notes structurelles, le processus mélodique, la notation et les principaux types d'ornementation du chanteur). Nous y avons joint une liste analytique englobant tous les maqamat irakiens. Dans notre étude, nous avons présenté l'organisation mélodique et rythmique des maqamat irakiens en insistant sur le côté technique et non historique. Cette approche nous a permis d'aboutir, dans les trois derniers chapitres à l'analyse et à la classification, ci-dessus mentionnées, et qui constituent une nouvelle tentative analytique de la musique arabe en général et le maqâm irakien en particulier
This research aims at studying and analyzing the Iraqi maqam, and at presenting it as the most perfect, the most complete form in oral music of the musical heritage from Irak. In a first part, it sets out: the definition of the Iraqi maqam, its origin, its social background and the composition of its concerts and of its orchestra. This orchestra is composed of a singer and four musicians who respectively play the santur, the joza, the tabla, the riq and the naqqara. It also presents the schools of "masters" in Iraqi maqam (the singers and the musicians). Those schools developed for 6 generations (1775-1985). Then, we analyzed the tetrachords and the mods which are the constituent elements of Arab music as a whole and of Iraqi maqam in particular. We've classified these tetrachords in three groups (diatonic, chromatic and unharmonic) and these mods in six groups (rast, bayat, nahawand, kurd, 'ajam and one group for those out of classification). This melodic analysis is completed by that of the rhythms accompanying the performance of the Iraqi maqamat and that of the songs which complete them. In the last part, we've analyzed six main maqamat (rast, bayat, nahawand, saba, hujaz-diwan and 'awj); our analysis is founded on five basic elements (the mode, the successive constitutive notes, the melody process, the notation and the principal types of ornamentation of the singer). We joined an analytic list including all the Iraqi maqamat. In this study, we've presented the melodic and rhythmic organization of the Iraqi maqamat, laying the accent on the technical aspect of this music and not the historical one

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Eveno, Pauline. "L'impédance d'entrée pour l'aide à la facture des instruments de musique à vent : mesures, modèles et lien avec les fréquences de jeu." Phd thesis, Université Pierre et Marie Curie - Paris VI, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00787322.

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Abstract:

Ce travail porte sur l'évaluation et le choix de descripteurs objectifs pertinents du point de vue de la qualité des instruments de musique à vent. Il s'inscrit dans le cadre d'un projet collaboratif de développement d'une plate-forme d'aide à la facture instrumentale. Le travail s'appuie essentiellement sur la notion d'impédance d'entrée. Une étude comparative de diff érentes méthodes de calcul d'impédance d'entrée de pavillons sont confrontées à l'expérience. Les résultats montrent que les méthodes utilisant la théorie des lignes en abscisse curviligne et un modèle de rayonnement adapté, permettent d'obtenir les fréquences de résonance avec une précision de l'ordre de 8 cents. Au-delà de la fréquence de coupure, les méthodes numériques sont plus proches de la mesure mais les hautes fréquences ont une influence mineure sur les fréquences de jeu. Par ailleurs une étude sur les "résonateurs" de tampons de saxophone révèle que ceux-ci doivent être considérés comme des "raidisseurs". A partir d'enregistrements en situation de jeu, il apparaît que la présence ou non de "résonateurs", causant une différence visible sur l'impédance d'entrée, est aussi perceptible par le musicien. Enfin, une analyse comparative entre fréquences de résonance et fréquences de jeu d'une trompette à branche d'embouchure paramétrable a été conduite avec plusieurs musiciens. Après analyse statistique des résultats, il apparaît que la fréquence de jeu est contrôlée par la fréquence de résonance, à 8 cents près, valeur de l'ordre de grandeur de la répétabilité des musiciens. Pour les trompettes, les fréquences de résonance semblent donc être des descripteurs pertinents de l'intonation de l'instrument.

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Vigreux, Philippe. "La darbuka : histoire, organologie, ethnomusicologie d'un instrument de percussion." Paris 10, 1997. http://www.theses.fr/1997PA100120.

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Abstract:

Premiere partie: les tambours en gobelet en ceramique des civilisations anciennes: allemagne du centre (chalcolithique), orient ancien, palestine, anatolie, egypte, inde, amerique centrale. Haut moyen-age arabe: les ancetres supposes (kabar, qar'a, dirrij). La darbuka dans les textes. Position de la loi musulmane vis-a-vis des instruments de percussion. L'etymologie du mot drbkt / drbwkt. Deuxieme partie: la filiation des tambours en gobelet: divers schemas evolutionnistes. Caracteristiques sonores des tambours en gobelet (etude acoustique). La fabrication de la tabla au caire (la poterie, la decoration la peau). Typologie des formes existantes. Troisieme partie: role de la darbuka dans les ceremonies familiales (naissance, circoncision, mariage). La darbuka comme instrument privilegie des femmes. Percees recentes de la darbuka dans la musique savante et confrerique: le cas tunisien. Technique et discours: essais de definition (exemples musicaux)
First part: the earthenware goblet drums in the ancient world: central germany (chalcolithic period), ancient orient, palestine, anatolia, egypt, india, central america. High arabic middle-ages: the supposed ancestors (kabar, qar'a, dirrij); the darbuka in the texts. Position of islamic law towards percussion instruments. The etymology of the word drbkt / drbwkt. Second part: the goblet drums' line of development: some evolutionistic patterns. The sounding caracteristics of the goblet drums (an acoustic report). The making of the tabla in cairo (the pottery, the ornamentation, the skin). A typology of the extant shapes. Third part: the role of the darbuka in the family celebrations (birth, circoncision, weddings). The darbuka as a women's instrument. New steps of the darbuka into the high music of the cities and brotherhood music: the tunisian example. Technics and improvisation language: towards a definition (musical examples)

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Gétreau, Florence. "Histoire des instruments et représentations de la musique en France : une perspective disciplinaire dans le contexte international." Habilitation à diriger des recherches, Université François Rabelais - Tours, 2006. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00088086.

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Abstract:

L'ORGANOLOGIE est l'étude des instruments de musique. Constituant une branche de la musicologie, elle entretient un lien consubstantiel avec les sources musicales et fait appel à différents champs disciplinaires parmi lesquels on peut mentionner la connaissance technique des instruments, la facture instrumentale, l'acoustique, l'histoire des techniques, l'étude des traités théoriques mais aussi l'histoire des collections et de la restauration. Elle s'intéresse aussi à la classification des instruments, à leur origine, leur évolution, leurs variantes mais aussi à leur usage musical et leur symbolique.
Ce mémoire pour l'habilitation est introduit par une présentation historiographique de cette branche de la musicologie. En effet, si les grands traités théoriques français de Marin Mersenne, de Pierre Trichet, de Diderot et d'Alembert notamment, constituent le socle de connaissances de tout organologue, l'étude des instruments de musique en tant que discipline apparaît en France au XIXe siècle avec les travaux de F.J. Fétis. Des figures comme celles de Pontécoulant, de Constant Pierre, d'André Schaeffner l'ont ensuite fortement structurée. C'est donc dans la perspective de ces pionniers et de leurs plus lointains successeurs appartenant souvent au cercle des disciples de Norbert Dufourcq, qu'est placée la réflexion. L'établissement d'une bibliographie des travaux portant sur la France montre la difficulté des chercheurs français, à quelques exceptions près, à s'affirmer dans le contexte international au moment où se mettent en place les tribunes spécialisées, tel le Galpin Society Journal.
Etudier les caractéristiques organologiques des instruments dans une perspective analytique et descriptive (catalogues), mais aussi interprétative (histoire du goût, évolution des sensibilités), reconstituer l'œuvre de facteurs ayant travaillé en France, notamment aux XVIIe et XVIIIe siècles (monographies), éclairer le contexte social et statutaire du métier de facteur d'instruments, contribuer à l'histoire des collections d'instruments en France, et aussi à l'histoire de la conservation et de la restauration, voilà autant d'axes développés dans ce bilan de travaux personnels et collectifs : ils ont été approfondis lors de colloques internationaux et en créant une revue spécialisée française, Musique-Images-Instruments, soutenue par le Ministère de la Culture et le CNRS.

L'ICONOGRAPHIE musicale constitue le deuxième champ disciplinaire présenté dans ce travail. Centrée sur l'étude des représentations de la musique dans les arts visuels en Occident moderne, elle ne concerne pas que l'évolution de l'instrumentarium à travers les images qui en ont été données mais aussi la pratique de la danse et des arts du spectacle.
Si les pionniers de cette discipline au XIXe siècle en France ont consacré leurs travaux au Moyen Age, l'intérêt pour les œuvres du musée du Louvre, pour les portraits de musiciens, pour l'inspiration musicale de certains peintres, se développe progressivement au début du XXe siècle. La figure d'Albert Pomme de Mirimonde (dont les publications s'étendent de 1960 à 1984) est centrale tant il a exploré de thématiques et de collections françaises. Le bilan des travaux français, préparé dans le cadre de ce mémoire, permet de souligner l'intérêt des chercheurs pour certains sujets de prédilection parmi lesquels par exemple les œuvres de Watteau ou de Fantin-Latour.
Que ce soit dans des travaux personnels ou collectifs, nous avons développé au cours des vingt dernières années des thématiques mettant en évidence l'évolution de pratiques et de goûts musicaux particuliers : la mode des instruments champêtres (musettes, vielles à roue, tambourins-bourdons), la signification sociale de la pratique du luth, de la viole et du clavecin. Des portraits de musiciens de premier plan ou moins célèbres ont été analysés, voire identifiés. L'évolution de certains instruments, sur la base des sources visuelles conjuguées aux sources d'archives et musicales, a pu être mise en lumière (notamment l'émergence du cor d'orchestre en France au XVIIIe siècle ou l'évolution des archets). L'encadrement de travaux collectifs (inventaires systématiques des tableaux musicaux du Louvre ; publications d'études régionales) a pu se développer dans des catalogues d'exposition et dans la revue Musique-Images-Instruments dont les 8 volumes déjà parus ont été ouverts à des chercheurs chevronnés et des étudiants avancés. Celle-ci a contribué à une collaboration disciplinaire mêlant travaux d'organologie et d'iconographie musicale et replaçant la contribution des chercheurs français dans un contexte international.

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De, Putter Éric. "Les trois fonctions indoeuropéennes et l'instrument de musique : lectures de mythologies trifonctionnelles et de leurs héritages, en fonction de la place structurelle et du rôle symbolique de l’instrument de musique." Strasbourg, 2009. http://www.theses.fr/2009STRA1050.

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Abstract:

D'un point de vue méthodologique, mythe et musique répondent à des préoccupations semblables par des modes opératoires comparables. Ces pratiques structurent la société. L'instrument de musique à cordes est un symbole récurrent de la première fonction dans le cadre de l'idéologie trifonctionnelle indo-européenne. Il a été trouvé dans les textes de l'Iran, de l'Inde, de la Grèce, de Rome, de l'Arménie, des espaces celtique, germanique et scandinave. Il a également laissé des traces dans des textes du Caucase. Ce symbole se retrouve dans des textes qui ne sont pas indo-européens comme la Bible Hébraïque ou le Kalevala finlandais. Il est le marqueur d'un transfert culturel ou d'une contamination. Le symbole de l'instrument de musique est signifiant de par sa nature d'instrument à cordes, souvent dans un contexte de processus de civilisation et il pourrait être en rapport étroit avec le concept du temps. Le tableau récapitulatif présenté en annexe synthétise un grand nombre de structures trifonctionnelles étudiées par les spécialistes
Methodologically, myth and music answer to similar concems by comparable operation. These practices structure the society. The musical instrument is a reCUITent symbol of the fust function into the trifunctional Jndo-European ideology. Ft has been found in texts from Iran, India, Greece, Rome, Armenia, and from Celtic, Germanic and Scandinavian cultures. It also left sorne marks in texts from the Caucasus. This symbol is present in sorne texts which are not Indo-European, like into the Hebraic Bible or into the Finnish Kalevala. It is the marker of a cultural transfer or of a contamination. The symbol of the musical instrument is meaningful because of its nature of stringed instrument, often in a context of civilisation process and it could be connected with the concept of time. The summary table presented in the appendix synthesizes most of the trifunctÏonal structures studied by scholars

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Sabbagh, Grégoire. "La domination de la gamme pythagoricienne sur les instruments à sons fixes : ou l'absence de la gamme tempérée dans les instruments à sons fixes : ou de l'indentité de la gamme utilisée en Occident." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010553.

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Abstract:

Cette thèse contient la base de la musique et l'alphabet musical général ainsi que l'alphabet de toutes les musiques du monde. L'alphabet de la musique est une loi physique naturelle, personne ne peut le modifier ni le changer sans altérer la base même de la musique. Malgré les lois fixés et très précises à travers l'histoire certains musiciens ont cru qu'ils ont vraiment pu modifier l'alphabet musical pour le mieux et l'intérêt de la musique et ses utilisateurs. Leurs propositions sont devenus des lois irrévocables. Cette recherche porte des explications détaillés avec des analyses approfondies puis elle démontre la vérité et donne les solutions adaptées à tous les problèmes, dont la musique occidentale serait le premier bénéficiaire.

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Merati, Mohammad Ali. "Les formes fondamentales de la musique kurde d’Iran et d’Irak : hore, siâw-çamane, danses, maqâm." Thesis, Paris 10, 2015. http://www.theses.fr/2015PA100075/document.

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Abstract:

L’examen de différentes formes d’expression vocales et instrumentales kurdes d'Iran et d'Irak, liées à quatre dialectes, permet de dégager un idiom commun de la musique traditionnelle kurde, avec sa grammaire modale et rythmique. Cette recherche s'appuie sur des enquêtes dans les régions kurdes d’Iran et d’Irak et sur la collecte d'une centaine d'heures d’enregistrements de mélodies vocales et instrumentales. Elle prend en compte la diversité linguistique et religieuse ainsi que la place de la musique, de la poésie, de la danse et des instruments et fait apparaître une certaine unité au-delà de la diversité des formes
The study of the various types of Iranian and Iraki Kurdish vocal and instrumental types of expression, associated to four forms of language, enables to delinate the commonalities within traditional Kurdish music, its rythms and modes. The research is based on detailed investigations performed on-site in Kurdish speaking regions of Iran and Irak as well as on more than hundred hours of recordings. Beyond the large diversity of expression resulting from linguistic and religious diversity, local specificies in the use of instruments and from the different roles played by poetry and dance in musical expression, the study eventually reveals the common roots of Kurdish music

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Chen, Han-Jin. "Les quintettes pour instruments à vent d'Antoine Reicha." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040326.

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Abstract:

Antoine Reicha (1770-1836), compositeur, pédagogue et théoricien, naturalise français, était originaire de Bohème. Pares avoir fait son apprentissage musical avec son oncle Joseph Reicha dans les cours princières d'Oettingen-Wallerstein en souabe et de Cologne à Bonn, où il fut l'ami et le collègue de Beethoven, il se déplaça successivement à Hambourg, Paris et Vienne pour tenter sa chance; sa première vocation fut l'art lyrique, mais sans succès. En 1808, il se retrouva à Paris, et s'y installa définitivement. Enfin il acquit une renommée européenne grâce à ses vingt-quatre quintettes pour instruments à vent. Héritier d'une tradition d'émigration de musiciens originaires de Bohème, le caractère éclectique de Reicha fut très européen : il sut adapter, au moyen de son enseignement, de ses traites théoriques, et de ses compositions, la tradition musicale d'Outre-Rhin à l'expression instrumentale française; cet esprit du fusionnement des courants germaniques et français fut bien incarné dans ses quintettes à vents, dans lesquels il sut tirer parti du Harmoniemusik allemand, de la musique de chambre viennoise et de celle parisienne. De plus, Reicha sut profiter d'une situation favorable - l'essor des instruments à vent et l'épanouissement de la virtuosité des instrumentistes à vents du début du XIXe siècle - pour promouvoir ses quintettes, qui deviendront désormais le genre principal de la musique de chambre à vents
Antoine Reicha (1770-1836), composer, teacher and theorist, a naturalized French citizen, originated from Bohemia. After studying music with his uncle Joseph Reicha in the princely courts of Oettingen-Wallerstein in Swabia and Cologne in Bonn, where he was a friend and colleague of Beethoven, he moved first to Hamburg and then to Paris and Vienna to seek his fortune : he first turned to opera, but unsuccessfully. In 1808, he was in Paris where he settled permanently. He finally secured his reputation in Europe with his twenty-four woodwind quintets. Inherited from a tradition of emigration of musicians originating from bohemia, the eclectic character of Reicha's works was very European : through his teaching, treatises and compositions, he adapted German musical tradition to the expression of French instrumental music; this blending of German and French musical currents is embodied in his quintets in which he drew on German Harmoniemusik as well as on Viennese and Parisian chamber music. Moreover, Reicha took advantage of the rapid development of wind instruments and the growing virtuosity of wind instrument players at the beginning of the 19th century to promote his quintets which thereafter became the main genre of chamber music for woodwind

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Journeau, Alexandre Véronique. "La cithare chinoise qin : texte, image, musique." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040115.

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Abstract:

La cithare chinoise qin est un paradoxe à plusieurs facettes : Simplicité de facture mais richesse de timbres et complexité de modes : la présentation de l'instrument est suivie d'un étude approfondie des modes musicaux chinois, et de leur organisation en système à connotation cosmologique. Simplicité de notation musicale mais complexité du jeu : les doigtés de trois traités chinois d'époques différentes sont traduits et comparés, avec une traduction inédite en français des 33 métaphores poétiques et picturales à l'appui du geste. Simplicité des mélodies mais difficultés de transcriptions : un modèle de transcription musicale sur portée en conservant l'écriture en tablature des sources anciennes est proposé dans une problématique musicologue versus interprète. Au delà des aspects techniques théoriques et pratiques dévoilant une richesse méconnue du public ordinaire, le connaisseur de la cithare qin est souvent aussi poète et calligraphe, ce qui explique en partie pourquoi, malgré une trace du qin dans les civilisations babylonienne et grecque de l'antiquité, cet instrument est resté spécifiquement chinois
The Chinese zither qin is an instrument of many paradoxes: The manufacture of the instrument is not complicated but sonorities are numerous and modes are complex: after a presentation of the instrument itself, we focus in depth on the terminology of Chinese musical modes. The musical notation is not complicated but the play is subtle: we translate and compare fingerings from three Chinese manuals, including a translation of the pictorial and poetical metaphors. Melodies are not complicated but transcriptions are hard to achieve: a proposal of transcription from original tablatures is made with the point of view of the tension between musicologist and performer. Beyond the theoretical and practical technical aspects which reveal a richness unknowned by an ordinary public, a connoisseur of qin zither is often also poet and calligraph, that is the reason why, despites some tracks in the Babylonian and Greek civilizations during the Antiquity, this instrument has remain specifically a Chinese one

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You, Li-Yu. "Facture et jeu de la cithare chinoise qin sous la dynastie des Tang." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040220.

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Abstract:

Au croisement de la sinologie, de la philologie, de l’histoire, de la musicologie, de l’organologie et de la pratique instrumentale, cette recherche se donne pour objet d’approfondir notre connaissance de la facture et des techniques de jeu de la cithare chinoise qin sous la dynastie des Tang (618-907) en traduisant et analysant des sources peu exploitées de cette période, à savoir le traité Tang Chen Zhuo zhifa 唐陳拙指法 (Techniques de jeu [du qin] par Chen Zhuo des Tang) et 1468 poèmes évoquant cet instrument. En complément d’autres sources anciennes, l’étude du corpus des poèmes précise notamment l’origine des matériaux utilisés pour le qin, l’usage d’accessoires, l’identification de luthiers amateurs et professionnels, la constitution du répertoire, l’emploi et l’évolution des partitions.La traduction et édition critique du Tang Chen Zhuo zhifa sert de support à un travail d’inventaire et d’analyse typologique des gestes décrits dans ce traité. Les techniques de jeu de l’époque s’y révèlent dans leur étendue et leur diversité.Afin d’en faciliter leur compréhension, plusieurs doigtés font l’objet des reconstitutions filmées, conservées sur le DVD en annexe. Des analyses d’acoustique musicale effectuées sur une sélection de techniques se sont également avérées riches d’enseignements en révélant les fondements concrets et subtils sous-jacents au jeu du qin à l’époque des Tang
At the intersection of sinology, philology, history, musicology, organology and instrument playing, this research aims at broadening our knowledge of how the qin Chinese zither was made and played throughout the Tang dynasty (618-907). The research draws on often overlooked or untapped sources of information from this period such as the Tang Chen Zhuo zhifa 唐陳拙指法 treatise (Qin Playing techniques by Chen Zhuo) and 1468 poems in which the instrument is referred to.Study of the body of poems and ancient texts sheds light on the origin of the materials used to make the instrument and how accessories were used, drawing a distinction between amateur and professional instrument makers and explaining how a repertoire is built and how sheet music was read and evolved over time.The translation and critical edition of Tang Chen Zhuo zhifa serve as a basis for an inventory and typological analysis of the techniques described in the treatise, which illustrates the wide range and different styles of playing. Some of the fingerings were filmed and recorded on a DVD included here in appendix. Analyses of the musical acoustics of a selection of techniques provide valuable insights into both the groundings and the subtlety of qin playing during the Tang period

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Cristiá, Cintia. "Xul Solar et la musique." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040197.

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Abstract:

L'étude de la musique dans la vie et l'oeuvre de Alejandro Xul Solar (Argentine, 1887-1963) révèle des facettes nouvelles d'une personnalité toute particulière. Peintre, écrivain et linguiste, mais aussi astrologue et inventeur, Xul Solar a étudié de nombreuses disciplines. L'aspect sonore s'intègre dans un complexe réseau de connaissances qui trouve forme plastique dans ses aquarelles et huiles, son théâtre de marionnettes, sa variation des échecs. Les notations musicales développée, ainsi que les claviers modifiés pour les accueillir, sont le produit d'une profonde réflexion sur la correspondance des arts. Ses travaux linguistiques et ésotériques n'échappent pas à l'influence de la musique. Pour éclaircir les enjeux de ce sujet, cette thèse l'aborde dans trois étapes: dans un premier temps, la biographie de l'artiste est présentée en trois chapitres, mettant en relief le rôle de la musique dans sa vie (héritage familial, études, rapport avec des musiciens, influence du milieu, goûts musicaux, collection musicale, etc. . . ). Dans un deuxième temps, ses recherches sur des aspects liés au musical, notamment sur la notation, l'organologie et l'application de la correspondance des arts, sont organisées dans les trois chapitres suivants. Dans un troisième temps, enfin, les interférences musicales dans son oeuvre picturale sont décelées au moyen de son analyse, parfois accompgnée des interprétations plus ou moins audacieuses, d'une trentaine de tableaux liés au musical. Le travail et la figure de xul Solar sont mis en valeur en les plaçant chaque fois dans leur contexte historique et esthétique
The study of music in the life and work (Argentine, 1887-1963) reveals new aspects of a very particular personality. Painter, writer and linguist, but also astrologist and inventor, Xul Solar studied many subjects. The sound is integrated into a complex tissue of knowledge that finds visual form in his watercolours, drawings and oil paintings, in his puppet theatre, in his variation of chess. The invented musical notation systems, as well as the keyboards modified to allow their application, are the result of deep thought on the interralation between the arts. His linguistic and esoteric works also show the inluence of music. In order to clarify the implications of this subject, this dissertation approaches it in three stages: firstly, the biography of the artist is presented in three chapters, emphazing the role that music played in hid life (family heritage, studies, musical relations, influence of the milieu, musical affinities, collections, etc. ). Secondly, his investigation on music relatd aspects, such as notation, organology and the application of the interrelation of the arts, are organised in the three following chapters. Finally, the presence of music in his pictorial work is studied in the third part, by means of the analysis, sometimes accompanied by more or less audacious interpretations, of some thirty music related paintings. Xul Solar's figure and work are at every stage placed in the historical and aesthetic context in order to comprehend their real value

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Cabanes, Gilles. "Analyser des oeuvres mixtes en fonction de leur nature : éléments de réflexion et propositions." Pau, 2008. http://www.theses.fr/2008PAUU1009.

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Abstract:

Le vingtième siècle a vu l’émergence d’un nouveau type d’œuvres musicales issu de l’utilisation de l’électricité et d’outils technologiques inédits dans la musique savante occidentale. Des années 50 à aujourd’hui s’est construit un riche répertoire d’œuvres alors regroupées dans la catégorie générale des musiques électroacoustiques. Parmi celles-ci se trouvent les œuvres dites « mixtes » dont la particularité réside dans la rencontre entre la séculaire tradition instrumentale et les nouveaux horizons apportés par l’univers électroacoustique. Ce travail de recherche se propose de construire une démarche analytique pour aborder des œuvres mixtes. Pour ce faire, il est nécessaire de s’entendre, parmi les multiples approches possibles, sur les objectifs (que veut-on analyser ?) et la (ou les) méthode (comment analyser ce que l’on veut ?). De plus, l’étendue des problématiques posées par le projet de cet ouvrage ne réside pas seulement dans ces questions mais aussi dans la spécificité du répertoire à analyser. C’est pourquoi ce travail se centre, dans un premier temps, sur l’étude des fondements des œuvres de musique savante occidentale, dans leur évolution jusqu’à nos jours, de manière à approcher au plus près la nature des œuvres mixtes au sein de leur contexte artistique. Ce n’est qu’une fois ces deux champs envisagés (nature des œuvres mixtes/objectifs et méthodes d’analyse) que prend place l’analyse d’extraits d’œuvres, caractéristiques du genre, orientée selon deux perspectives : l’analyse axée sur les causes des sons d’une œuvre et l’analyse axée sur les relations morphologiques et structurelles entre les sons issus des instruments et ceux provenant des haut-parleurs
During the XXth century, new types of musical works appeared from the use of electricity and technological tools unknown in occidental music. A vast repertory of works has been developing from the 50’s to nowadays constituting the general category of electroacoustic music. More specifically, what were then named the mixed works originally combine the secular instrumental tradition with the new electroacoustic conception. This research work proposes to set up an analytical approach specific to these mixed works. In that sense, it is necessary to precisely define what the aims are (what is analyzed?) and what the method is (how can it be analyzed?). Besides, the stakes of the various questions studied in this work deal not only with these previous points but also with the specificity of the repertory to be analyzed. That is the reason why this work first focus on the fundamentals of occidental music from their evolution to nowadays. The point of the first part is indeed to define as precisely as possible the nature of mixed works according to their artistic background. Once this two axes set up (nature of the mixed works and methods of analysis), the work will focus on the analysis of various extracts of works which well exemplify the category. These analysis are articulated according to two major perspectives: the analysis of the causes of the sounds in a work and the analysis of the morphologic and structural relations between the sounds either produced by instruments or speakers

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Chakroun, Haythem. "Spatialisation de la musique et musicalisation de l'espace, du réel imaginaire au virtuel réel : nouvelle conceptualisation pour identifier le üd." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040130.

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Abstract:

Il s'agit d'une problématique très complexe liée à une difficulté existentielle d'un instrument de musique arabe appelé ûd, cet instrument est en voie de disparition ! La critique moderne propose des hypothèses multiples et souvent simplement idéologiques ou épidermiques. La réalité est bien au-delà. Cet instrument comporte ses moyens d'expression, ses richesses de pensée et d'imagination, ses secrets techniques, ainsi qu'une structure d'évolution historique qui a débarqué chaotiquement depuis quelques siècles sur un territoire ayant une situation identitaire et phénoménologique critique, qui ne fait référence qu'à un réel immobilisme, désintérêt et atonie ! La quête et l'exploration d'une telle réalité actuelle devraient passer systématiquement par une grammaire interdisciplinaire où le dialogue serait une première clef. Le monologue, en ce sens, est un non-sens. Spatialisation de la musique et musicalisation de l'espace, du réel imaginaire au virtuel réel : une idée de coexistence / coi͏̈ncidence qui procède d'une forte interférence entre des structures sonores et des espaces structurés pour arriver à une musique virtuosement virtuelle. Le virtuel dans ce contexte est fondamentalement dépendant d'un actuel, d'une présence, d'une réalité. Ce virtuel technologique est une stratégie consciente d'une représentation globale et d'un nouveau moyen d'expression encore expérimentale, hybride mais tournée vers l'authenticité du geste de l'interprète et de la perception. La substance informationnelle produite à l'origine est traitée par une chaîne de traitement du signal électroacoustique en temps réel qui s'identifie par son caractère langagier abstrait. L'interface est une partie intégrante de l'oeuvre, le résultat de l'expérience ne sera plus une musique stationnaire, mais plutôt une " musique spatiale "
This Thesis investigates a complex research problem linked to the existential difficulty of an Arabic musical instrument known as the û, an instrument which is in away of disparition. Modern critics suggest multiple hypotheses that often prove simply ideological or superficial. However, reality is beyond and more complicated. This instrument involves its own expression means, richness of ideas and imagination, and secret techniques. In addition, it presents a historical evolution structure that disembarked chaotically few centuries ago on a territory characterized by a critical identity and phenomenological situation, which refers to a real stagnation, disinterestedness and atony. Research and exploration of such a reality should systematically pass through a multidisciplinary grammar where the dialogue becomes the first key. In this sense, the monologue becomes meaningless. Spatialisation of music and musicalisation of space, from imaginary reality to real virtual : a coexistence /coincidence concept which proceeds from a strong interference between sound structures and structured spaces to reach a virtuosely virtual music. The virtual in this context basically depends on a real present. This technological virtual is a conscious strategy of the global representation and a new means of expression which is still experimental and hybrid but aiming the authenticity of the interpreter's gesture and of perception. The information originally produced, is treated in real-time by a musical data processing station, characterized by its abstract language. The interface is an integrated part of work-study. The result of the experience will no more be a stationary music but rather a "spatial music"

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Viala, Romain. "Towards a model-based decision support tool for stringed musical instruments making." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2018. http://www.theses.fr/2018UBFCD002.

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Abstract:

Ce travail de thèse propose un transfert de méthodes industrielles et de recherche que sont le prototypage virtuel et la caractérisation mécanique des structures vers l'artisanat d'art : la fabrication des instruments de musique à cordes, plus particulièrement la guitare et le violon.Ce domaine, historiquement éminemment empirique, est étudié ici avec des critères objectifs. Le travail porte principalement sur le comportementmécanique vibratoire de ces instruments de musique. Le comportement mécanique du matériau utilisé (bois de lutherie) est tout d'abord étudié, et une méthode non-destructive proposée et appliquée à l'épicéa et à l'érable. La fiabilité des modèles numériques et ensuite étudiée par des méthodes de vérification et de validation de modèle, habituellement utilisées dans les domaines industriels et de recherche Les modèles développés sont ensuite utilisés en support à l'étude de phénomènes complexes de l'acoustique musicale appliquée au violon et à la guitare. Pour finir, l'utilisation de ces méthodes numériques pour une application concrète en facture instrumentale (prise de décision en milieu incertain, innovation de la géométrie et des matériaux) est proposée
This work proposes a methodology for the transfer of industrial and research domain methods toward arts and crafts domain. The virtual prototyping and mechanical characterization of materials are used for the stringed musical instruments making domain. The works is adressed to the guitar and violin making. This domain is historically driven by empricism and it is studied here using objective criteria. The main topic is the mechanical vibratory behaviour of musical instruments. Firstly, the mechanical behaviour of the material used (tonewood) is studied. A non-destructive methodology is proposed and applied on spruce and maple species. The reliability of the numerical models is studied by method usually used in industry and research, the verification and validation process. The models developed are used as a support for the study of complex phenomena in musical acoustics. Finally, the utilization of numerical method for a practical application in instrument making (decision support under uncertainties, geometric and material optimization) is proposed. The methodology for a transfer to art and crafts domain is discussed

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Dias, Correia Filipe Elsa. "Les tendances de la musique mixte en France depuis 1981." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL005.

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Abstract:

La musique savante occidentale a toujours bénéficié des avancés technologiques disponibles dans chaque époque. L’influence de ceux-ci s’est révélée au niveau de la facture instrumentale ayant comme conséquence d’abord, l’élargissement du langage musical et compositionnel et, par la suite, demandant de l’instrumentiste un travail d’adaptation à des nouvelles techniques de jeu et d’interprétation. Le rapide développement technologique qui a marqué le XXe siècle, a poussé cette situation à des limites jusqu’alors inconcevables. La musique mixte, un nouveau genre qui associe la musique électroacoustique aux instruments acoustiques, y trouve son origine. Notre thèse propose une étude sur les tendances de la musique mixte en France depuis 1981. Premièrement, nous analyserons les principaux concepts inhérents au sujet ainsi que leurs problématiques. Ensuite, nous nous orienterons vers l’organisation de l’environnement social, économique, politique, culturel et musical existant en France qui a permit le développement de ce genre musical. Finalement, nous nous attacherons à l’idée de recherche musicale pour tracer les lignes principales des tendances de la musique mixte en France depuis 1981. Pour cela nous utiliserons des œuvres musicales qui sont représentatives de ce travail pluridisciplinaire qui caractérise la recherche musicale
Western scholarly music has always benefited from the technological advancements available in each era. The influence such has proved to be, at the instrumental level, resulting initially in the broadening of the musical and compositional language and, subsequently, requiring the instrumentalist to adapt to new playing and interpretation techniques. The rapid technological development which marked the twentieth century pushed this situation to limits previously inconceivable. This is the origins of mixed music, which is a new kind of music that combining electro-acousitc music and acoustic instruments. Our thesis proposes a study on the trends of mixed music in France since 1981. First, we will analyze the main concepts inherent to the subject as well as their issues. Then, we will head towards the organization of the social, economic, political, cultural and musical environment existing in France which allowed the development of this musical genre. Lastly, we will focus on the idea of musical research to trace the main lines of mixed music trends in France since 1981. To do so, we will use musical works that are representative of this multidisciplinary work wich characterizing musical research

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Mansour, Rym. "L'utilisation du piano dans la musique arabe du XXème siècle : organologie et analyse." Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSE2093.

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Abstract:

La musique arabe se distingue par une riche diversité modale. Par ses quarts de tons inclus dans plusieurs modes, ses ornementations effectuées dans le jeu des interprètes et ses timbres spécifiques, son exécution devient une sorte de handicap forcé par ses modes particuliers qui sont souvent en dehors du système musical tempéré. Cela n’empêche pas la présence et l’usage du piano dans la musique arabe que ce soit en accompagnement (instrumental ou vocal) dans un groupe ou « takht » arabe ou même en solo. Cette problématique a été traitée de manière plus globale. L’étude de la relation entre Occident et Orient relève d’un défi pour énumérer le détail d’une acculturation très vaste et pluridisciplinaire (musicale, théâtrale, cinématographique, sociale, politique…) Dans plusieurs ouvrages et plusieurs recherches, l’interaction musicale entre ces deux mondes a été traitée de manière générale. Par conséquent, nous trouvons que le traitement précis et ciblé de notre recherche se présente dans l’étude de l’insertion du piano dans la civilisation arabe en premier lieu puis dans la musique arabe en second lieu. La fusion entre une icône de l’occident et une musique à caractère modal, voire ethnique, est impressionnante ce qui nous amène à traiter ce phénomène dans une thèse
Arabic music is characterized by a rich modal diversity. For its quarter tones included in several modes, ornamentation made while playing special stamps, its execution becomes a kind of disability forced by its particular modes that are often outside the tempered musical system. This does not preclude the presence and use of piano in arabic music whether in accompaniment (instrumental or vocal) in a group or arabic "takht" or even solo. This issue was addressed more comprehensively. The study of the relationship between West and East is a challenge to list the details of a very broad and multidisciplinary acculturation (music, theater, film, social, political ...) In several books and several research projects, musical interaction between these two worlds has been treated in general. Therefore, we find that specific and targeted treatment of our research is presented in the study of the insertion of the piano in the Arab civilization at first and then in arabic music. The merger between an icon of the West and a music modal character, even ethnic, is impressive which brings us to treat this phenomenon in a thesis

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Nguyen, Hoang hau. "L'influence de la musique asiatique sur la composition chez Claude Debussy." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040160.

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Abstract:

L’interférence et interaction Europe-Asie sur le plan culturel et artistique qui s’est épanouie durant le XIXe siècle a ouvert une nouvelle réserve de nouveaux matériaux pour la création littéraire et artistique. De cet échange chacun des deux continents a retiré pour lui-même des éléments qui lui étaient bénéfiques aux points de vue littérature, peinture, musique, architecture, et même religion... La thèse intitulée “Influence de la musique asiatique sur la composition chez Claude Debussy” est entreprise dans le but de rechercher les ingrédients exotiques exploités avec grande délicatesse et sensibilité par Debussy – homme progressiste ouvert aux courants nouveaux, symbole de l’Impressionnisme en musique et surtout grande célébrité pour ses nouvelles limites en timbres. L’analyse d’environ 140 œuvres officiellement publiées de Debussy confirme sa grande réussite dans la mise en œuvre des matériaux musicaux Asiatiques. D’autre part, la thèse se propose aussi de montrer cet autre aspect de Debussy, à savoir qu’il était la somme harmonieuse de l’esthéticisme dans l’art Japonais, de la pureté des échelles traditionnelles, et de la témérité dans l’emploi de timbres nouveaux provenant des instruments Asiatiques
The cultural and artistic interference and interaction that flowered during the 19th century between Europe and Asia brought a new enormous storage of artistic material at the disposal of European artists. Both continents derived from it materials useful to them in terms of literature, paintings, music, architecture and even religion... The present thesis, “Influence of Asian music on Claude Debussy’s composing”, aims at spotting out exotic materials subtly and sensitively brought into play by Debussy – a progressist spirit open to new trends, symbol of Impressionism in music and, above all, top celebrity for his setting of the new limits for timbres. Analysis of 140 Debussy’s officially published works confirms his success in using Asian materials for his music. Moreover, the thesis also manage to bring into light this other aspect of Debussy, as the final and successful product from the blend between Japanese estheticism, purity of the traditional scales and boldness in the use of new timbres from Asian instruments

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Nubel, Jonathan. "Les cordes baroques dans la création musicale d'aujourd'hui : état des lieux, enjeux, perspectives." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2007. https://publication-theses.unistra.fr/restreint/theses_doctorat/2007/NUBEL_Jonathan_2007.pdf.

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Abstract:

Depuis quelques années, les compositions nouvelles pour instruments baroques se sont multipliées. Rares sont aujourd'hui les grands ensembles de musique ancienne qui n'ont pas abordé au moins une fois le répertoire contemporain. Les cordes baroques, c'est-à-dire la famille des violons baroques et les violes de gambe, sont particulièrement mis à l'honneur. Un corpus de 180 oeuvres a été élaboré, à partir duquel sont dégagées des tendances générales : origine géographique, profils des compositeurs et des interprètes, dédicaces, titres. Après une définition organologique précise des instruments concernés, une sélection d'oeuvres permet d'explorer les techniques de jeu et d'écriture spécifiques à ce répertoire. L'historique et la philosophie du jeu sur instruments anciens sont évoqués afin de replacer ces oeuvres dans leur contexte. Une réflexion est alors menée sur les limitations inhérentes aux instruments et sur les moyens de les dépasser pour assurer à ce répertoire en expansion un développement à la fois quantitatif et qualitatif
Since some years, new works for baroque instruments have flourished. Only a few important early music groups have not, at least one time, adressed in contemporary music. The baroque strings, i. E. The family of baroque violins ans the violas da gamba, are specially favored. A 180 works corpus have been compiled, from which general tendencies have been drawed : geographical origins, composers profiles, performers profiles, dedications, titles. After a precice organological definition of the instruments, a works selection allows to explore playing techniques and compositional techniques in use in the pieces. The history and philosophy of the early instruments playing are brought up for put back these works on their context. This is followed by a reflection about the inherent limitations of instruments and the means to go beyond the limits to assure a developpment at the same time in quantitative and qualitative terms to this expanding repertory

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Normand, Marie-Astrid. "La manufacture d'orgues Krischer." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040070.

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Abstract:

Au cours du XIXe siècle, la facture d'orgue française s'épanouit. Des petites manufactures, comme celle des Krischer à Rouen, prospèrent malgré l'influence des plus grandes. Facteur d'orgue le plus réputé, Aristide Cavaillé-Coll construit presque tous les grands instruments français de l'époque. La facture d'orgues fait partie des professions où le savoir se transmet de génération en génération : ce fut le cas des facteurs Isnard ou Cavaillé-Coll. Il en sera même pour la famille Krischer : depuis Henry-Jean Krischer jusqu'à ses arrières petits-enfants, on peut relever au moins sept personnes qui ont pratiqué ce métier. Fils d'une famille originaire de Nideggen, près d'Aix-la-Chapelle, Jean-Hubert Krischer est facteur d'orgue à Paris, père de deux facteurs d'orgues : Marie-Joseph, et Hubert François. Ce dernier a notamment travaillé dans les ateliers parisiens des manufactures Merklin, Cavaillé-Coll et Martin, avant de monter sa propre fabrique en 1873 à Rouen, où ses descendants (Georges, Henry, Ernest et Paul) apprendront le métier. Dans cette thèse, plusieurs points seront abordés pour définir les esthétiques des instruments des Krischer : après avoir présenté toute la famille de ces facteurs d'orgues, nous nous intéresserons à l'épanouissement de cette manufacture d'orgues en France, en étudiant ses activités depuis 1860 jusqu'environ 1934. Nous décrirons aussi les instruments ayant eu des contacts avec ces facteurs, en notant les caractéristiques générales et les aspects typiques des instruments Krischer. Enfin, après la disparition des Krischer, nous poursuivrons l'étude de leurs orgues jusqu'à nos jours, en présentant comment ils survivent ou non dans l'Histoire
In the XIXth century, the French organ building expanded. Small manufactures, like the Krischer manufacture in Rouen, flourished in spite of the influence of larger manufactures. Regarded as the most renowned organ builder, Aristide Cavaillé-Coll built almost all the French large instruments at that time. The organ building belongs to those trades for which knowledge is transmitted from generation to generation, as it was the case for the Isnard or the Cavaillé-Coll builders. It was the same for the Krischer family: since Henry-Jean Krischer up to his great-grandchildren, we can pick out at least seven people who practised this trade. Jean-Hubert Krischer, who was the son of a family native to Nideggen near Aix-la-Chapelle, was an organ builder in Paris and was the father of two organ builders, Marie-Joseph, and Hubert François. The latter had more particularly worked in the Parisian workshops of the Merklin, Cavaillé-Coll and Martin manufactures, before creating his own manufacture in Rouen in 1873, where his descendants (Georges, Henry, Ernest and Paul) would learn the job. In this thesis, several points will be approached to define the aesthetics of the Krischer instruments: after having introduced the whole family of these organ builders, we will be interested in the expansion of this organ manufacture in France, by studying its activities from 1860 to approximately 1934. We will also describe all the instruments, by noting their characteristics of the Krischer instruments. Finally, after the disappearance of the Krischer manufacture, we will continue the study of the history of their organs until now, by showing how they did survive or not in History

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Brémaud, Iris. "Diversité des bois utilisés ou utilisables en facture d'instruments de musique : étude expérimentale des propriétés vibratoires en direction axiale de types de bois contrastés en majorité tropicaux : relations à des déterminants de microstructure et de composition chimique secondaire." Phd thesis, Université Montpellier II - Sciences et Techniques du Languedoc, 2006. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00548934.

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Abstract:

L'objectif est de mieux connaître les bois, surtout denses et tropicaux, utilisés dans les instruments, et de proposer une aide pour la diversification en lien avec des problèmes d'approvisionnement durable. Le travail adopte deux approches complémentaires : caractérisation de la diversité des bois utilisés ou utilisables en facture instrumentale (espèces, propriétés vibratoires) ; étude des déterminants microstructuraux et chimiques (extractibles) des propriétés importantes. Une base de données « espèces ligneuses - usages en facture » est dessinée et a commencé à être implémentée par des informations de factures traditionnelles extra-Européennes. Les propriétés vibratoires élémentaires (module d'élasticité spécifique et coefficient d'amortissement dans la plage de fréquences 200-600Hz) en direction axiale, la teneur en eau à l'équilibre (à 20°C et 65% HR) et les paramètres de couleur CIELab et CIELCh sont déterminées sur 1400 éprouvettes de petites dimensions couvrant 60 espèces et 70 types de bois, dont 70% de feuillus tropicaux. Une moitié est fournie par des facteurs d'instruments, l'autre est présélectionnée sur des critères liant propriétés mécaniques, chimiques et physiques. Les relations entre propriétés sont analysées et les essences classées en groupes de similitude par analyses multivariables. Les extractibles du bois de coeur sont responsables de très faibles amortissements et teneurs en eau sur la majorité des bois tropicaux étudiés. Des modèles prédictifs simples sont proposés qui expliquent sur les essences étudiées de 85 à 90% de la variabilité observée des coefficients d'amortissement. Les relations entre propriétés physico-mécaniques et angle des microfibrilles sur des bois normaux et de compression de 3 résineux sont globalement cohérentes avec la littérature mais les bois de compression ont –à module spécifique donné- de plus faibles amortissements que les bois normaux. Les bois de coeur de deux espèces de Papilionaceae (Pterocarpus soyauxii Taub. ‘Padouk' et P. erinaceus Harms. ‘Vèn') sont comparés à l'état natif puis extraits par différents solvants. Les extraits du Padouk sont -à quantités données- plus efficaces que ceux du Vèn pour diminuer l'amortissement et inversement pour la teneur en eau. Des hypothèses sont émises sur les mécanismes possibles.

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Le, Guevel Yves. "La musique traditionnelle instrumentale canadienne-française en milieu urbain : le cas de Québec (1930-1960)." Master's thesis, Université Laval, 1997. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28433.

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Dieterlen, Michel. "L'harmonium." Reims, 1996. http://www.theses.fr/1996REIML011.

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Abstract:

L'auteur, dans sa thèse l'harmonium, retrace d'abord l'évolution politico-économique de la France, sous les divers régimes qui se sont succédés entre 1810 et 1914, période qui limite son étude. Puis il dresse un tableau du contexte technique et culturel de ce siècle. Apres avoir décrit les principes de l'anche libre, les recherches a propos de l'orgue expressif sont évoquées, permettant ainsi d'aborder un important chapitre consacre a l'organologie ou harmoniologie de la plupart des types d'harmoniums. L'ensemble des brevets pris pour l'instrument sont passés en revue. Puis, deux importants chapitres font revivre la montée en puissance de l'industrie française des harmoniums, a partir de l'artisanat pour aboutir aux grandes fabriques et leurs corollaires de problèmes commerciaux, juridiques et financiers. Le répertoire consacre à l'harmonium, qu'il soit de salon ou religieux, est largement aborde, ainsi que son audience en France. D'importantes annexes et des exemples musicaux illustrent le propos. Cette thèse tend à prouver que l'harmonium a été d'abord le jeu expressif du second empire et la voix céleste du XIXème siècle
In this thesis l'harmonium, the author first of all traces the political and economic evolution of France, under the various governments in power between 1810 and 1914, the period covered by this study. Following this, an outline is sketched of the technical and cultural context of that century. Having described the principle of the free reed, research relative to the swell organ is evoked, thus permitting the consecration of a large chapter to the organologie or harmoniologie of most types of harmonium. All patents taken out for the instrument are reviewed. Then, two important chapters bring to life the rise to power of the french harmonium industry starting with craftsman, culminating with great manufacturers and the consequences in terms of commercial, legal and financial problems. The repertoire consecrated to the harmonium is largely discussed, whether it be for private salon or religious purposes along with its audience in France. Extensive annexes and musical examples illustrate the subject. This work has a tendency to prove that the harmonium started off as the jeu expressif of the second empire and became the voix celeste of the nineteenth century

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Khalifa, Mohamed. "Approches organologiques et musicales des rebabs de l’Afrique du nord et du Moyen-Orient." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040159.

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Abstract:

Ancêtre du rebec médiéval, emblème de la musique arabo-andalouse ou encore instrument favori des bédouins arabes pour l’accompagnement de leurs récits et de leurs poèmes, le rebab, sous ses différentes variantes joue encore plusieurs fonctions et rôles qui diffèrent d’un peuple à l’autre et d’une région à une autre. Cette thèse a pour but l’étude approfondie des rebabs de l’Afrique du nord et du Moyen-Orient. Chaque variante de cet instrument est étudiée sur plus d’un plan : historique, organologique, musical et même acoustique. La classification et la muséologie de cet instrument, avec ses différentes variantes, sont aussi abordées dans ce travail. L’intérêt de cette thèse, réside dans l’étude approfondie des différents types de cet instrument, ainsi qu’aux liens existants entre eux, car nous pensons qu’aujourd’hui, tout comme pour le sujet du ‘ūd ou tout autre instrument, il faudrait avoir une approche scientifique globale sur le sujet du rebab
Ancestor of the medieval rebec, the emblem of the Arab-Andalusian music or the favorite instrument of the Arabics Bedouins for the accompaniment of their narratives and their poems, the rebab, under its various variants, still plays several roles and functions which differ from each people and each region. This thesis aims at the in-depth study of the rebabs of North Africa and the Middle East. Every variant of this instrument is studied on more than a plan: history, organology, musical and even acoustic. The classification and the museology of this instrument, with its various variants, are also approached on this work. The interest of this thesis, lives in the in-depth study of the various types of this instrument, as well as in the existing links between them, because we think that today, as for the 'ud or any other instrument, it would be necessary to have a global scientific approach about the rebab

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Vodenitcharov, Yassen. "L'influence des musiques traditionnelles extra-européennes sur les oeuvres de certains compositeurs de la deuxième moitié du XXe siècle." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0159.

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Abstract:

Au XXème siècle, certains compositeurs se sont intéressés à des sources d'inspiration musicale provenant d'un environnement extra-européen, et ce phénomène s'est accentué surtout à partir des années 1960. Cette recherche s'intéresse principalement aux œuvres de compositeurs tels Luciano Berio, John Cage, George Crumb, Morton Feldman, Gyorgy Ligeti, Olivier Messiaen, Harry Partch, Steve Reich, Giascinto Scelsi, Karlheinz Stockhausen, et quelques autres ayant marqué la seconde partie du XXème siècle, et qui utilisent certaines formules rythmiques, certains principes d'organisation modale, des timbres ou des techniques vocales, ainsi que certains aspects formels et conceptuels, provenant de traditions musicales extra-européennes. L'objectif de cette recherche est de démontrer de quelle manière ces éléments musicaux, issus de cultures exra-européennes, ont été assimilés par les compositeurs, afin de devenir partie intégrante de leur propre langage musical, en nous permettant aujourd'hui de parler de la réalisation d’une synthèse
In the twentieth century some composers researched sources of musical inspiration out of Europe, and this phenomenon mainly increased after the sixties. This research is dedicated to the works of composers like Luciano Berio, John Cage, George Crumb, Morton Feidman, Gyorgy Ligeti, Olivier Messiaen, Harry Partch, Steve Reich, Giascinto Scelsi, Karlheinz Stockhausen, and some others, who marked the second part of the twentieth century, and who use some rhythmic formulas, principles of modal organisation, timbres or vocal techniques, as well as some formaI and conceptual aspects, coming from extra-european musical traditions. The purpose of this research is to show the manner by which these musical elements, coming from extra-european cultures, have been assimilated by the composers, to become an integral part of their own language, so that today we can speak about the realisation of a synthesis

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Manzaneque, Gabriel. "Organologie et performance : Induction d'un espace haptique et dichotomie Solmisation/Vectorisation." Thesis, Aix-Marseille, 2012. http://www.theses.fr/2012AIXM3024.

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Abstract:

Dans l'optique d'une organologie de la performance, on commence par élaborer, autour de la notion de système haptique d'un instrument de musique, un cadre taxinomique et une typologie aboutissant à un questionnement sur l'identité conceptuelle d'un instrument-objet. Une approche inductive sur le cas exemplaire de la guitare permet alors de définir une distance potentielle dans l'interaction instrument/instrumentiste ; puis, par modélisation d'extraits de pièces musicales, de considérer l'optimisation gestique comme un argument de distanciation qui consiste en une abstraction dans le champ logique de l'espace haptique (géométrisation). Pour finir, on rend compte de l'aperception du musical par l'instrumentiste, dans le cadre d'une exécution et au travers de son instrument, par un modèle dichotomique où les concepts de processus de solmisation et de vectorisation s'avèrent proportionnels aux aspects stylistiques des œuvres et de leurs interprétations
From the perspective of an organology of performance, we first developed, around the concept of haptic system for a musical instrument, a taxonomic framework and typology leading to a questioning about the conceptual identity of an instrument-object. An inductive approach to the exemplary case of the guitar allows us to define a potentially distance in the interaction instrument/instrumentalist ; then, by modeling excerpts of musical works, to consider gestural optimization as an argument of distancing which is an abstraction in the logical field of haptic space (geometric). Finelly, we report the apperception of musical by the instrumentalist, as part of a performance and through his instrument, with a dichotomic model where the concepts of solmisation process and vectorization are proportional to the stylistic aspects of the works and their interpretations

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Roy, Sylvain. "Le rubâb afghani, étude historique, musicologique et organologique d'un luth d'Asie Centrale." Thesis, Paris 10, 2017. http://www.theses.fr/2017PA100154.

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Abstract:

La présente thèse porte sur la circulation du rubâb afghan en Asie Centrale et en Occident. Elle s'inscrit dans une perspective anthropologique et historique dont l'objet est de rendre compte de l'évolution organologique et typologique de l'instrument, dans différents pays où il est pratiqué. L'accent est mis sur la genèse de ce luth à table en parchemin, notamment à partir d'analyses comparatives de la morphologie des différents rubâbs centrasiatiques. Grâce à des modélisations et une approche expérimentale innovante, on a examiné les relations structurelles et typologiques entre cet instrument et les autres rubâbs ou luths similaires. On a ainsi pu constater qu’il n’y a aucune filiation entre ces instruments et le rubâb afghan. Un examen approfondi de certaines vièles de ces régions met en évidence des similitudes frappantes avec l’instrument. On a tenté d'apporter une réponse quant à une éventuelle parenté de la vièle jusqu'au luth, hypothèse qui est également envisagée sous l'éclairage de données historiques, philologiques et organologiques. L'analyse comparative des différents instruments repose sur une abondante source iconographique, accompagné de modélisations et d'expérimentations organologiques. Cette recherche souligne les différents types de rubâb afghan, mises en relation avec les exigences des différents répertoires où ils sont utilisés. Enfin on a abordé la pratique du rubâb afghan en Occident, ce qui pose la question des nouveaux moyens mis en œuvre pour assurer une transmission du savoir et des savoir-faire, en l'absence de contact direct ou suivi avec un maître
This thesis focuses on the diffusion of the Afghan rubâb in Central Asia as well as in the occidental Western countries. It is part of an anthropological and historical perspective, which tends account the organological and typological evolution of the instrument in the different countries where it is practiced. The emphasis is placed on the genesis of the parchment sounding board lute, in particular through morphological comparative analyses of various rubâbs bodies from Central Asia. Thanks to the modelings and an innovative and experimental approach we examined the structural and typological relationships between this instrument and other rubâbs or similar lutes. It has thus been found that there is no filiation between these instruments and the Afghan rubâb. A closer look at some of the bowed lutes from these areas highlights striking similarities with the Afghan rubâb. An attempt has been made to answer the question of a possible relationship between one bowed lute and the Afghan rubâb, a hypothesis which is also considered in the light of historical, philological and organological data. The comparative analysis of the various instruments is based on an abundant iconographic source, accompanied by modeling and organological experiments. This research results in a typology of the Afghan rubâbs, in relation with the requirements of the different repertoires where they are used. Finally, the practice of rubâb in the West has been discussed, under the question of the new means used to ensure the transmission of knowledge and know-how with the absence of direct contact with or follow-up with a master

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Contri, Fabrice. "Etre compositeur en Inde du sud : le krti chez les saints poètes musiciens de la Trinité carnatique." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040116.

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Abstract:

La présente étude aborde la problématique de la fonction et du statut du compositeur - comme celle de son influence et de son style - au sein de la tradition musicale classique de l’Inde du Sud (musique carnatique) à travers ses trois plus grands représentants ou « Trinité carnatique » : Śyāmā Śastri (1762/63 – 1827), Tyāgarāja (1767-1847), Muttusvāmi Dīkṣitar (1775-1835). Elle se concentre sur la forme reine d’un vaste répertoire que ces trois musiciens ont portée à son apogée : le kṛti. Instrument privilégié de la mystique hindoue appelée bhakti, le kṛti est d’abord destiné au chant, ses compositeurs sont aussi poètes et s’il apparaît tout entier dédié à la louange divine, il s’avère aussi le lieu privilégié de l’expression personnelle sur le plan tant littéraire que musical. La création musicale en Inde du Sud est par ailleurs le fruit d'une incessante et subtile alternance entre improvisation et composition : les formes compositionnelles contiennent une part d’ouverture qui en assure non seulement la vie mais aussi la pérennité. Comment le compositeur prend-T-Il en charge le devenir de ses œuvres et de quelles manières ? Comment, tant par ses compositions que par le modèle de son existence même – par le jeu hagiographique – s’inscrit-Il dans le processus créatif, notamment celui de l’interprétation ? En quoi le kṛti, et particulièrement ceux de la Trinité carnatique, constitue un terrain particulièrement favorable pour la dialectique de la fixité et de la mobilité ? Ces éléments de problématique impliquent une approche à la fois historique et anthropologique tout en ouvrant un vaste champ à l’analyse musicale
The topic of this study presents the part and status of a composer – as well as his influence and style – within the traditional classical music in South India (carnatic music) through its three major representatives, so called carnatic Trinity : Śyāmā Śastri (1762/63 – 1827), Tyāgarāja (1767-1847), Muttusvāmi Dīkṣitar (1775-1835). It concentrates on the most radiant aspects of a large repertoire which has been brought to its achievement by these three musicians, the krti. As an essential tool to implement the Indian mysticism so called bhakti, the kṛti’s first purpose is linked to singing; its composers are also poets and though it is entirely dedicated to God’s praise, it appears to be also a unique way for personal expression, on literary as well as musical aspects. In South India, musical creativity is also a subtle and endless combination between improvisation and composition: the composition side remains partly opened which makes it not only vivid but also perennial. How does the composer manage the future evolution of his work and through which arrangements? Where does he stand in the creation process, including interpretation, through his compositions and his own life standard, thanks to hagiography? Why does the kṛti, especially those belonging to the carnatic Trinity, form a particularly favorable field for the dialectic of permanence and change? These aspects of the question need to be treated from a historical as well as anthropological standpoint but keep opened a wide area for musical analysis investigation

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Montandon, Frédérique. "Les représentations sociales de l’éducation musicale par les parents dans le vingtième arrondissement de Paris : étude des stratégies parentales pour l’éducation musicale." Thesis, Paris Est, 2008. http://www.theses.fr/2008PEST0082.

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Abstract:

L’étude des représentations sociales de l’éducation musicale des parents dont les enfants de 3 à 10 ans apprennent la musique, à travers une série d’entretiens, concerne à la fois les choix de cette activité et de l’institution, leurs attentes, ainsi que les significations attribuées à cette pratique. Plusieurs systèmes de représentations se croisent : les représentations sociales de l’éducation en général et de l’éducation musicale en particulier, celles de l’enfant, ou encore celles des structures éducatives. L’éducation musicale s’effectue en France dans le cadre des conservatoires, des cours privés ou dans le milieu associatif. Le 20e arrondissement de Paris, terrain de notre recherche, présente une variété de structures au niveau des approches pédagogiques ainsi que des styles musicaux. Les fonctions et les objectifs attribués à l’apprentissage musical sont analysés selon la structure choisie. Diverses conceptions de l’apprentissage et de l’éducation apparaissent. Celles-ci découlent des représentations sociales de l’enfant, de celles de l’activité extrascolaire. Le paramètre d’une pratique musicale du parent ou de son absence modèle le discours des parents
The study of social representations of musical education by parents for whom children between the ages of 3 and 10 learn music is based through a series of interviews. This study concerns at once the choice of the activity as well as the institution, their hopes and expectations with respect to their practice. It shows that several systems of representations overlap: social representations of education in general - in addition to specific musical education, that of the child, or even more, that of the establishment. Musical education, in France, takes place within the structures of the conservatory, private tutelage or through local associations. Paris’ 20th district, site of this research, offers a variety of structures with respect to pedagogical approach as well as musical style. The use and aim attributed to musical training are analyzed according to the chosen establishement. Several concepts surrounding education and training are emerging. They flow from child social representations and extra-curriculare activities. It is the parameter of parental musical practice or its absence that chapes parental discourse

Dissertations / Theses on the topic 'Instruments de musique – Facture (instruments de musique) – Histoire'

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