Dissertations / Theses on the topic 'I-787'

Syftet med denna kvalitativa studie var att få kännedom i hur lärare i år 1-3 hanterar det ökade ansvaret med att erbjuda sina elever daglig fysisk aktivitet. Ambitionen var även att få insikt i lärarnas kunskaper kring fysiska aktiviteters effekter samt få insyn i deras kunskaper kring Läroplanens (Lpo 94) innehåll rörande daglig fysisk aktivitet. Utifrån semistrukturerade intervjuer kunde slutsatsen dras att alla tio medverkande lärare ansåg att det var betydelsefullt att arbeta med fysiska aktiviteter. Samtliga arbetade i mer eller mindre stor omfattning med fysiska aktiviteter i klassrummet, både som pausmoment och integrerat i undervisningen. Lärarna menade att elevernas behov lämpligen måste styra aktiviteternas omfattning och form. Slutligen var det dock en fråga om prioritet och en avvägning av vad eleverna klarade av som avgjorde mängden. Den ambition som fanns resulterade följaktligen inte alltid i att de fysiska aktiviteterna genomfördes i praktiken.

The main objectives of this thesis were to analyse the relative roles of food availability and predation on the distribution, population dynamics and habitat selection of small mammals in Mediterranean areas of the Iberian Peninsula.
Main results and conclusions
Composition and abundance of small mammals communities can be completely ascertained by using two indirect methods of small mammals sampling, genet scats and barn owl pellets. Both methods reported all the small mammals species known to be present in the study area. Genet scats were used for the first time to study the composition of small mammal communitites with a biogeographical application.
Small mammals species richness was negatively related to a gradient of productivity, which decreased with elevation. The increase of species density along elevation was observed at two spatial scales (plot and elevation belt). Small mammals mean abundance decreased with elevation, and this pattern was may be related to the decreased availability of resources and harsh environmental conditions with elevation.
The interaction between negative feedback (density-dependence) and natural environmental disturbances (seasonal and interannual changes in cumulative rainfall) seem to be relevant forces driving the dynamics of wood mouse populations in Mediterranean forests. The role of intraspecific competition and climate were equally responsible of the strong population oscillations observed during three consecutive years.
All small mammal species studied showed significant associations with gradients of short vegetation cover, either shrubs or herbs, in natural and man-disturbed habitats. Overall, species richness and abundance also showed positive associations with gradients of short vegetation cover. These patterns highlighted the dependence of small mammals on vegetation which provides food and shelter.
Early successional stages supported larger small mammal abundances than unburnt forests after controlling for structural differences between plots. I hypothesised that early successional stages would be favourable habitats to small mammals due to a combination of reduced predation risk (high vegetation cover) and reduced predation pressure (less predators), and unburnt areas would be unfavourable habitats due to a combination of increased predation risk (low vegetation cover) and increased predation pressure (more predators). Fire-related fragmentation could have promoted the isolation of forest predators (owls and carnivores) in unburned forest patches, a fact that could have produced a higher predation pressure for small mammals. Behavioural responses of small mammals to predation were also surmised, with positive associations to vegetation cover in unburnt forests and negative associations in early burned habitats. These changes in small mammal-microhabitat relationships suggest differences in perceived predation risk that may have promoted the observed changes in microhabitat use. Foraging activity of mice shifted spatially and temporally in response to the presence of genets at relevant spatial scales, and decissions about how often and how long to forage were affected by the foraging activity of genets. Summarising, our findings demonstrate that predators have a prominent role in determining the patterns of distribution of mice along the post-fire succession, and that this role is mediated, at least in part, by indirect, behavioural responses of foraging mice to increased predator pressure along such succession.
Effects of grazing on small mammals were mainly due to decreased availability of food and refuges for surviving harsh climatic conditions during winter, but not to food quality or increased predation risk. Taken together, our results indicate that small mammal communities in Mediterranean montane grasslands are bottom-up controlled by interspecific competition for food with cattle and by the limiting role of the availability of winter refuges, whereas top-down control due to generalists predators does not appear to be at work in these systems.

Luminogens are molecules that emit light upon exposure to high-energy light, and fluorophores are one class of luminogens. Applications of fluorophores range from microviscosity sensors to light emitting diodes (LEDs), as well as biosensors, just to name a few. Many of these applications require the fluorophore to be in the aggregate or solid state. Some fluorophores become highly emissive in the aggregate state; these fluorophores are aggregation-induced emission (AIE) luminogens. Currently, very few quantum mechanical mechanisms have been proposed to describe the unique AIE behavior of luminogens. Boron difluorohydrazone (BODIHY) dyes are a new type of AIE fluorophore. The bright emission is from the S>1 excited state (“anomalous” emission) contrary to Kasha’s Rule. Thus, the mechanism Suppression of Kasha’s Rule (SOKR) was proposed to be responsible for the family of BODIHY dyes. We hypothesize that the SOKR mechanism can explain AIE as well as the anomalous emission of other fluorophores. New BODIHY derivatives (para-CO2H BODIHY, aluminum difluorohydrazone (ALDIHY), and paranitro ALDIHY) were predicted to be bright anomalous fluorophores through density functional theory (DFT) and time-dependent DFT (TDDFT) investigations. In addition, a series of anomalous fluorophores were investigated to determine if their photophysical properties could be explained by the SOKR mechanism (azulene, 1,6-diphenyl-1,3,5hexatriene, and zinc tetraphenylporphyrin). Finally, several triazolopyridinium and triazoloquinolinium dyes were computationally investigated by DFT and TDDFT calculations, and an accurate computational model for the large Stokes shifts of these dyes was developed. In conclusion, a better understanding of the photophysical properties through DFT and TDDFT modeling and spectroscopic investigation of hydrazone-based fluorophores has been achieved. In addition, the metal active sites and cofactors of metalloproteins were probed by optical spectroscopy, nuclear magnetic resonance (NMR) spectroscopy, and DFT modeling. In conjunction, these techniques can be used to elucidate the electronic structure responsible for the unique function of these metalloproteins. Specifically, a novel ironsulfur cluster of a metalloprotein that may be involved in endospore formation of Clostridium difficile, CotA, was characterized by magnetic circular dichroism (MCD) spectroscopy. We propose that CotA contains a high-spin [4Fe-4S] cluster and a Rieske [2Fe-2S] cluster. It appears that the multimerization of the protein is related to the cluster conversion at the interface of monomeric subunits where two [2Fe-2S] clusters combine to form the [4Fe-4S] cluster. In addition, a putative cobalamin acquisition protein from Phaeodactylum tricornutum, CBA1, was not expressed at sufficient concentrations in Escherichia coli for spectroscopic investigation. Finally, a new technique was developed using cobalt-59 NMR spectroscopy to better understand the nucleophilic character of cobalt tetrapyrroles, such as cobalamin (vitamin B12), as biological cofactors as well as synthetic catalysts. New insight into the electronic structure provides valuable information related to the mechanism of these metalloproteins.

This essay is a study about school success for immigrant pupils whose ages are between 16 and 19 years when they arrive to Sweden.

The purpose of this study is to examine pupils difficulties in the school and the faktors which affect their success in the school and even possibilities which they can be offered by the school.

This research carried out at two upper secondary schools in the municipality of “Södertälje”. The method which I have used is a qualitative research method which depends on interviews.

The results of the research shows pupils difficulties and the different faktors which influence their success in the school.

My conclusions are that these pupils have many difficulties and to reach a successful schooling, the shcool have to give these pupils a variety of possibilities which builds with pupils self possibilities a foundation for a good and successful schooling.

The research also shows that the both schools are not giving enough possibilities to these pupils. The education system in these schools doesn’t fits for multi – lingual pupils. The pupils in these schools are trying to adapt themselves to the education system.

Today, after a life of nearly thirty years, FORTRAN remains to be a very useful language. FORTRAN is especially strong for specifying data input/output formats. The fact that Ada provides few such facilities motivated this thesis. This thesis reports on work done to provide Ada with a FORTRAN I/O facility. The product of this work is an Ada package which may be compiled as an I/O tool into the user's library. The user may then specify, as described in this thesis, I/O by employing FORTRAN statements.

Biblical mythology as a possible programme for a musical work never attracted Tchaikovsky''s interest. Epistolary heritage also does not give the reason to suppose that the Bible was the composer''s favourite book. Nevertheless, these superficially obvious facts do not settle the question about Tchaikovsky and the Bible.

Through calculations as well as a literature study the purpose of this work was to apply modern energy efficiency measures on an old existing building and on the same time take economical aspects and thermal inside climate into account. The work also carries out a case study on the existing building Lådberga 1:78. The calculations that has been carried out acknowledges a change of the building’s thermal transmittance for each measure that has been simulated as well as a change of the buildings active heating. In order to carry out the comparison between the buildings active heating, before and after applying the modern building measures, the buildings current energy consumption was calculated.  To examine the proposed actions from an economical point of view, the payback method was used. When applying actions that include additional interior insulation, diffusion calculations was used. The energy efficiency action that was calculated to be most financially viable for the building was exchange of the heat system. This action included a change from an existing pellet boiler to a more efficient geothermal heat pump as well as the exchange of four radiators.  The second-best alternative was to add insulation to the attic. Also, one simple yet effective action that could be done in the building to improve the thermal inside climate was to mount sealing stripes around the existing windows. The energy efficiency actions that was found to be least financially viable was exchange of windows, doors as well as adding insulation to the walls. Calculations was carried out through derivatives that has been acknowledged for during the current study. The results that has been reported has been chosen regarding the general understanding of the study as well as the relevance it has on the final results in order to clearly answer the questions at issue. Keywords:   Energy efficiency, active heating, passive heating, transmission, total heat loss, building technics, diffusion, solar heat gain.
Tillgång till energi är i dagens samhälle en viktig del i vardagen. Energi nyttjas bland annat för att värma upp tappvarmvatten och bostäder samt för att förse byggnader med den energi som behövs för att dessa ska uppnå deras planerade funktioner. Krav på tillåten energianvändning finns för nybyggnationer och vid ändring av befintliga byggnader, dock gäller inte dessa krav för byggnader som väsentligt inte ska ändras. I och med detta har äldre byggnader i många fall en högre energianvändning än yngre byggnationer vilken kan minskas genom byggnadstekniska och installationstekniska åtgärder. Då byggnader energieffektiviseras sänks Sveriges totala energianvändning, kostnaderna för byggnadens aktiva uppvärmning minskar och den termiska komforten i en äldre byggnad kan förbättras. Genom beräkningar samt litteraturstudier är syftet med arbetet att i teorin energieffektivisera en äldre befintlig byggnad med hänsyn till ekonomi och avgränsad termisk komfort. Arbetet bygger på en empirisk studie vilken innefattar en fallstudie som har utförts på villan Lådberga 1:78 samt litteraturinsamling. Den datainsamling som har nyttjats för arbetet är fältmätningar, observationer samt dokumentanalyser. De energieffektiviseringsåtgärder som har undersökts i arbetet har valts ut med hjälp av arbetets litteraturstudie och för att undersöka hur olika energieffektiviseringsåtgärder påverkar den aktiva uppvärmningen i Lådberga 1:78 har beräkningar utförts. De beräkningar som har utförts uppvisar förändringar av byggnadens värmegenomgångskoefficienter vid respektive åtgärd samt en förändring av byggnadens aktiva uppvärmning. För att möjliggöra en jämförelse mellan byggnadens aktiva uppvärmning innan utförda åtgärder samt efter utförda åtgärder har även byggnadens energianvändning innan energieffektivisering beräknats. För att undersöka åtgärderna ur ett ekonomiskt perspektiv med hänsyn till återbetalningstid har Payback-metoden nyttjats. Vid åtgärder vilka innefattar tilläggsisolering har diffusionsberäkningar utförts. De åtgärder som har undersökts i arbetet är byggnadstekniska åtgärder i klimatskalet samt byte av värmesystem. Den åtgärd som har beräknats vara den mest lönsamma energieffektiviseringsåtgärden i byggnaden är byte av värmesystem. Åtgärden inkluderar byte från en pelletspanna till en bergvärmepump inklusive byte av fyra radiatorer. Denna åtgärd medför ett inbetalningsöverskott på cirka 18 100 kr/år och återbetalningstiden har beräknats till 10 år. Installationens livslängd har uppskattats vara mellan 20 till 40 år beroende på installationsdel. Den näst mest effektiva energieffektiviseringsåtgärden är tilläggsisolering av byggnadens vindsbjälklag. Denna åtgärd medför ett inbetalningsöverskott på cirka 2700 kr/år och har återbetalningstiden 14 år. Åtgärdens livslängd har uppskattats till minst byggnadens livslängd. Nackdelarna med åtgärderna är att båda leder till en minskad mängd värme till byggnadens kallvind vilket kan leda till fuktproblem, installation av en bergvärmepump påverkar även byggnadens självdragsventilation. De åtgärder som inte är lönsamma vid energieffektivisering av Lådberga 1:78 är byte av fönster, byte av dörrar samt tilläggsisolering av byggnadens träregelytterväggar då dessa åtgärder har återbetalningstider mellan 61 år till 92 år. Ytterligare en åtgärd som inte bör genomföras är tilläggsisolering av byggnadens betongytterväggar inifrån, detta på grund av att den relativa luftfuktigheten mellan isoleringen och betongen blir 100 %. De byggnadsdelar i byggnadens klimatskal vilka inte har undersökts via beräkningar är byggnadens krypgrund samt byggnadens betongplatta på mark. Byggnadens aktiva uppvärmning innan energieffektivisering är enligt beräkningar . För att förbättra den termiska komforten i byggnaden finns det möjlighet att utföra mindre förändringar av byggnadsdelarna i byggnadens klimatskal. Exempel på simpla åtgärder vilka kan utföras i Lådberga 1:78 är montering av tätningslister samt isolerglas på byggnadens fönster samt noggrann drevning runt av byggnadens fönster och dörrar. Nyckelord: Energieffektivisering, aktiv uppvärmning, passiv uppvärmning, transmission, total värmeförlust, diffusion, solenergitillförsel, tilläggsisolering.

Biblical mythology as a possible programme for a musical work never attracted Tchaikovsky's interest. Epistolary heritage also does not give the reason to suppose that the Bible was the composer's favourite book. Nevertheless, these superficially obvious facts do not settle the question about Tchaikovsky and the Bible.

El present treball podria classificar-se dins de l'àmbit de la psicopedagogia i la interpretació, on l'enfocament interdisciplinari pretén millorar les deficiències comunes en l'execució del violí. La recerca de la relació entre els enfocaments artístic i tècnic en les especialitats com la veu i del violí, conduirà a la seva aplicació pràctica i innovadora a l'aula de violí. El treball de camp es concreta en: la cerca de tots aquells recursos en la tècnica i la interpretació del cant a través d'entrevistes a cantants; en l'assistència en classes de cant; en l'escolta atenta de cantants; en la lectura de literatura específica; i finalment, en l'aplicació de tot això en el treball amb els alumnes de violí, registrant els resultats. L'objectiu principal d'aquesta tesi és investigar i compartir aquest estudi i recerca amb altres músics i persones interessades en el tema, així com despertar una altra consciència per a tots aquells instrumentistes de corda que desitgin incorporar aquest treball en la seva vocació de músic i el professor. És a dir, obrir una nova línia de treball que faciliti i engrandeixi al violinista com a tal, que pugui fer desaparèixer aquestes barreres o impediments que tècnicament de vegades no aconseguim superar, si no des d'una altra visió totalment diferent i innovadora.
El presente trabajo podría clasificarse dentro del ámbito de la psicopedagogía y la interpretación, donde el enfoque interdisciplinario pretende mejorar las deficiencias comunes en la ejecución del violín. La investigación de la relación entre los enfoques artístico y técnico en las especialidades como la voz y del violín, conducirá a su aplicación práctica e innovadora en el aula de violín. El trabajo de campo se concreta en: la búsqueda de todos aquellos recursos en la técnica y la interpretación del canto a través de entrevistas a cantantes; en la asistencia en clases de canto; en la escucha atenta de cantantes; en la lectura de literatura específica; y finalmente, en la aplicación de todo ello en el trabajo con los alumnos de violín, registrando los resultados. El objetivo principal de esta tesis es investigar y compartir este estudio y investigación con otros músicos y personas interesadas en el tema, así como despertar otra conciencia para todos aquellos instrumentistas de cuerda que deseen incorporar este trabajo en su vocación de músico y el profesor. Es decir, abrir una nueva línea de trabajo que facilite y engrandezca al violinista como tal, que pueda hacer desaparecer esas barreras o impedimentos que técnicamente a veces no logramos superar, si no desde otra visión totalmente diferente e innovadora.

This paper deals with the question of when hill forts – or enclosed mountains – were built and to what purpose, by examining two enclosed mountains (RAÄ 78 and 79) in Grödinge parish in the province of Södermanland. A phosphate analysis was conducted to trace anthropogenic activities. The analysis showed only a slight elevation of phosphate content in the soil. A histogram indicated that the elevations were not normally distributed, which could suggest that they were caused by anthropogenic activities. A focus on boundaries is evident in the material, whether it is about erecting physical barriers or the boundary between life and death.

El titol conté tot el que amb aquesta investigació es preten constatar; és a la vegada anunci del tema i indicador de l contingut de la investigació.

Aquest treball se centra en l'estudi del nucli de la cançó de bressol: música i lletra. Està estructurat seguint l'ordre lògic del treball. En primer lloc es presenta la hipòtesi, delimitació i estructura. Segueix una primera part on es tracten els aspectes previs que permeten de situar el tema que, encara que en aquest cas s'estudia des del vessant de la música, permet de ser estudiat des de molts altres aspectes. En la segona part es fa l'estudi de les fonts fent-hi constar la metodologia emprada el tipus de fitxa que s'utilitza i per acabar es fa referència a les diferents tipologies de fonts que se'n dedueixen de l'estudi.

La tercera part està dedicada a l'estudi dels materials, fent primer esment de la metodologia que s'utilitza, i fent descripció de la fitxa d'anàlisi que s'hagué de prepara expressament per a aquesta investigació. Es presenta també en la tercera part l'anàlisi de cada una de les zones estudiades, així com els resultats parcials i un breu comentari als mateixos.

Per acabar es presenten uns comentaris globals al corpus estudiat que ens porten a les conclusions finals.

Per acabar es fa una relació de la bibliografia utilitzada en aquesta investigació.

Pel que fa al contingut el podem resumir com segueix:

Al parlar de la cançó de bressol, cançó que té com a funció principal la de fer dormir els nens, es pensa en un tipus de cançó pausada i monòtona i de ritme poc variat i d'aspecte lingüístic d'arguments tranquilitzants.

Amb tot això se'ns presenta un fenomen musical i literari produït per una activitat humana que pot estudiar-se des de molts punts de vista. En el present treball partim de la següent hipòtesi: La cançó de bressol presenta una tipologia específica amb unes variacions que estan determinades pel contingut del text.

En la realització d'aquest treball s'ha estudiat un corpus de 643 cançons de bressol, procedents de materials publicats, començant amb el "Guipuzkoako dantzak" de Iztueta (1824), primera publicació que es fa a Espanya amb idea de recuperar la música ètnica i acabant amb el "Cançoner tradicional del Baix Camp i del Montsant", treballat per diferents recopiladors i que es publica a començament de 1989.

De les fonts que s'estudien i al quin estudi es dedica tota la segona part del treball a més de treure'n els materials per a l'estudi se'n fa un resum de tipologies que assenyala prou bé les diferencies que hi ha entre la feina d'uns recopiladors o d'altres. Hem pogut ordenar totes les fonts en cinc grans grups:

A) Les que només conten'en músiquesw i lletres de cançons. Prologades i amb índex.
B) Les que pretenen ser un conjunt més complet amb notes aclaridores per a cada cançó i generalmet fetes per zones geogràfiques, amb intenció de preservar els materials de l'oblit i de fer-ne divulgació.
C) Les que presenten algun estudi complet o parcial de les circumstàncies del text o de la música.
D) Les que a més de presentar estudis referents a algun ámbito dels esmentats, contenen també les anàlisis que porten a uns resultats més específics en el que fa al text, melodia, ritme, temàtica, localització, etc.
E) Algunes obres teòriques amb exemples.

Pel que fa a l'estudi del corpus de cançons, podem dir que s'estudia i es fa anàlisi de la lletra i de la música utilitzant la fitxa corresponent, s'arriba a unes conclusions parcials per a després tractar-les en conjunt.

De les anàlisis musicals (melodia i ritme), de les anàlisis literàries i d'algunes observacions que creiem prou interessants i se'n treuen les que presentem com a conclusions finals.

Les conclusions finals havien d'haver determinat una tipologia de cançó amb unes característiques especials que la fessin pròpia per adormir les criaturas. Arribat el moment de veure què ens informava el corpus analitzat, veiem que podem resumir tots els materials en dos grans grups:

1) CANÇONS FONAMENTADES EN DOS SONS PROVOCATS PEL RITME

Conserven els dos sons

S'adornen o completen:

- Al començament.
- En alguns fragments.
- S'adornen de tal manera que es perd la constatació de que estan produïdes per dos sons
- No s'adornen al final. (Els dos sons queden molt clars en les apoiatures)

2) CANÇONS FONAMENTADES EN El RECITATIU PROVOCAT PER LA CONVERSA (INICI DE DIÀLEG) QUE LA MARE O PERSONA QUE CUIDA AL NEN TÉ AMB ELL MENTRE EL VESTEIX O EN D'ALTRES CIRCUMSTÀNCIES.

Es manté el recitatiu:

- Durant tota la cançó.
- Al començament i en alguns fragments.
- Només en fragments interns.
- Mai al final.

El recitatiu es presenta al començament i de vegades es prepara:

- Amb una nota inferior.
- Amb més d'una nota. (La mateixa repetida)
- Perd caracter i acaba fent-se el recitatiu amb la nota qua en principi
semblava ser la preparatòria.

Aquestes dues tipologies generals tenen característiques comuns:

- Cada zona adapta les seves característiques melòdiques pel que fa a
· Intervals d'inici.
· Organització melòdica
· Àmbit.

- Cada zona adapta les seves característiques textuals.
· Onomatopeies.
· Tipus de vers / Tipus d'estrofa.
· Tema
· Idioma.

- Segons el text varia el ritme.
· Quasi tots els finals són descendents, en forma gradual i suau.
· El tempo acostuma a ser tranquil.
· En general estan formades per frases quadrades.
· No són freqüents als períodes melòdics repetits: generalment són diferents.

Amb tot això podem concluir que no és només la música la que dona a aquest tipus da cançó unes característiques especials, perquè qualsevol cançó popular les pot tenir també. S'ha de tenir en compte la circumstància i la forma en què ha estat cantada i adonar-se'n de com ha estat produïda.

No es pot pensar en aquest génere de cançó com en un fenomen estrictamente musical sinò que es dedueix que és quelcom més complexe; és un fenomen etnomusicològic i ha de ser estudiat no només des dels vessants musical i literari sinò també des de la Psicologia, l'Antropologia, la Sociologia, ... etc.
This piece of work is the outcome of a research which has focused on the study of a small part of popular music: cradle songs or lullaby.

The goal was to find the musical core in cradle songs, including both words and music. The starting hypothesis was that this genre of songs could who a specific musical typology, whose variations would be determined by the content of the words; this specific typology would also be able to induce sleep.

In order to determine this typology, we analyzed a corpus of 643 cradle songs, based upon materials that were published since the year 1824 until 1989. We performed the analysis of this material with the aid of a filing card, made for this purpose. From the results of the analysis it can be deduced some specific musical features for cradle songs, which can also be made extensive to other genres of popular music. Therefore, it seems that a specific musical typology for this genre cannot be established, although we can nevertheless conclude that the materials studied can fall into two main groups:
a) Melodies based upon two sounds, which have their origin in the rhythm of rocking.

Within this group we can observe some differences: some pieces keep exclusively these two sounds, while in other cases they appeal ornamented, developed and completed, although never at the end of the melody.

b) Melodies based upon the recitative that arises from the conversation that the mother or person who is lulling the child keeps, with him/her.

In some cases, the recitative mode is maintained through all the melody, and in other cases at the beginning or in some passages, but never at the end.
Even so, the conclusion is that music is not the unique factor that gives this type of sang its special features: we must take also into account the circumstances and the way it is sung, being aware of how the sang has come to produced.
Therefore, we cannot think of this genre of sang as a strictly musical phenomenon, but as something much more complex, a truly ethno-musicological phenomenon.

El objetivo principal de esta investigación es estudiar la música religiosa de los pueblos delValle de Albaida,pues ha sido el género musical menos estudiado. El trabajo es un estudiode ambas, tanto en lo documental como en su transcripción.Uno de los motivos para que me decidiera por el tema de esta tesis doctoral, y así contribuircon mi aportación a divulgar la gran creatividad musical y artística de estos pueblos delValle de Albaida y descubrir la historia de los órganos de sus iglesias y las características delos mismos, así como conocer el nombre de los organeros que trabajaron en losinstrumentos de esta zona.Es interesante el estudio que lleva al conocimiento de los músicos autóctonos que tuvieronuna importancia decisiva en el mundo musical de su época y representan una parte, nadadesdeñable, dentro del conjunto de nuestra historia, no sólo en el ámbito musical valenciano,sino también en el español e incluso algunos en el europeo.El estudio de estos documentos, una vez inventariados y habiendo documentado las fuentesy junto con el conocimiento del contexto social de la época, meha ha permitido valorarlos ensí mismos y en su trascendencia dentro de la cultura valenciana, y en muchas ocasionestambién en la europea.En el capítulo que se inicia después de esta introducción y que figura en el índice con elnúmero I, se trata el Entorno geográfico e histórico de este valle de tan marcado saborvalenciano, sus costumbres y también su toponimiaHe estudiado La Música Religiosa de los siglos XVII- XVIII - XIX y principios del XX,en el Valle de Albaida. . Y dentro de este capítulo, se estudia el interesante fenómeno de lasCapillas Musicales, más o menos importantes, según las poblaciones, en el conjunto de esteterritorio y la participación de sus músicos que contribuían a dar solemnidad a los oficiosreligiosos en los templos de estos pueblos. También la Toponímia de ellos y el origen de losmismos. Estas Capillas de Música estaban dirigidas por un Maestro de Capilla y compuestaspor un grupo de cantores e instrumentistas, y entre ellos había, casi siempre, un organista (yaque en esta época todos los templos importantes gozaban de un órgano); a todos losorganistas se les pagaba por sus servicios; también si las Capillas Musicales eran itinerantes..Así mismo he estudiado el órgano en los pueblos del Valle d Albaida. El órgano hispanoha sido base de estudio de la musicología occidental, y había razones suficientes para que los instrumentos históricos que pertenecieron a los pueblos del Valle de Albaida, casi todosdesaparecidos, fueran objeto de atención y estudio y liberarlos así del olvido. También era degran interés estudiar las figuras de maestros de capilla, organistas y organeros y su influenciaen la organería valenciana y que ello contribuyera a conocer mejor la historia de losinstrumentos de los templos de la comarca, que acompañaron la vida musical religiosa de loshabitantes de ella, así como recuperar la música sacra de los compositores que crearon obraspara ser interpretadas, en muchos casos, en esos órganos; música que logró popularizarse,incluso fuera de los límites de estas tierras.Estudio también la ifluencia de la Estetica Popular en la música rligiosa de estos pueblos.Diferencio entre Canto Popular y el Canto Tradicional Religioso.Incluyo una relación de compositores organistas y maestros de capilla de esta época,relacionados con estos pueblos del Valle de AlbaidaReferente a la música de autor, adjunto en este trabajo partituras, y fotocopias dedocumentos musicales encontrados a lo largo de esta investigación .SePresento un extenso Apéndice Documental, referente a los temas de esta tesis, asi como uníndice de músicos de esta zona.Las conclusiones de esta tesis ilustran tambien los usos y costumbres de los habitantes deestos pueblos en la época estudiada.
The main objective of my research is the study of religious music in the towns ofthe Albaida Valley, in the province of Valencia, since it has been the leaststudied type of music in this area. This work is a study of their popular and theirauthored music and gives both the documentation and the transcription of them.One of the reasons for which I decided on this topic for this doctoral thesis wasto contribute, in my own way, to revealing the great artistic and musicalcreativity of these towns in the Albaida Valley and to discover the history andcharacteristics of the organs in their churches. At the same time it was anopportunity to know the names of the organ makers who worked on theinstruments in this area. This study leads to an understanding of the localmusicians who were decisively important in the musical world of their time andwho played a significant role in our history, not only in the realm of Valencianand Spanish music but in the case of some musicians, in European music aswell.The Hispanic organ has been a basis of study in western musicology and thereare sufficient reasons for why the historical instruments of the Albaida Valleytowns - almost all now gone, should be the subject of attention and study andthus not be forgotten about forever.In my thesis I study the religious music of the XVII - XIX centuries and thebeginnings of the XX century in the Albaida Valley as well as the interestingphenomenon of their Musical Chapels -of varying importance according to thepopulation- as characteristic of this territory and examine the participation of themusicians who contributed to the solemnity of the religious activities in thetemples of these towns. The toponymy and origins of these towns are alsoexamined.My study also includes the influence of popular aesthetics in the religious musicof these towns and the differences between their popular music and theirtraditional religious music.The conclusions of this thesis also illustrate the uses and customs of theinhabitants in the area during the period studied and in the DocumentalAppendix I present an extensive reference on the subjects of this thesis and anindex of the musicians of this area of Spain.

Miguel Asíns Arbó: Música y cinematografía. Análisis músico-visual de sus composiciones en la filmografía de Luis García Berlanga pretende un doble objetivo: ahondar en la figura de un músico paradigmático de su tiempo, y de otra, profundizar en una de sus líneas de producción más original y personal: la música para el cine de Luis García Berlanga.La investigación se ha estructurado en cuatro grandes apartados. En el primero, Asíns Arbó y su contexto, se ubica la figura del compositor. En primer lugar se le sitúa desde un punto de vista sociológico y cultural. Como no podía ser de otra manera, el panorama social y cultural de la posguerra, se constituye como marco ineludible y referencial. Las distintas etapas del franquismo sirven de guía donde situar la producción del músico, y posteriormente del cineasta.La búsqueda de referentes culturales y artísticos en el gris paisaje de los años cuarenta españoles, condicionaron la realidad musical, protagonista del segundo estadio de contextualización. El tercer estadio particulariza la figura de Asíns Arbó, incidiendo tanto en los aspectos biográficos, como en la recepción y valoración de la figura del compositor en la historia de la música española, rastreando fundamentalmente aquellas referencias bibliográficas y noticias publicadas en prensa, citadas en los pié de página correspondientes. Finalmente se presenta una primera aproximación a la poética y estética de su creación, partiendo de los propios textos del compositor, los cuales aparecen, en particular los inéditos, en el apéndice documental VII.4.El segundo apartado, La música de Asíns Arbó, pretende contribuir a una catalogación de la obra, analizar empíricamente los rasgos musicales de diversas composiciones representativas, y definir a partir de ello las características de su lenguaje musical.El tercer apartado, Asíns Arbó y la composición cinematográfica se inicia mostrando las principales características de la cinematografía del período franquista. Se aborda a continuación el marco histórico y estético necesario para encuadrar la producción musical de Asíns Arbó dedicada al cine. Se repasa la figura de los principales compositores cinematográficos, auténticos adalides autodidactas, que marcaron las pautas sonoras de un cine español que renacía con fuerza tras la contienda nacional los clásicos en el cine español y los clásicos del cine español. Tras analizar los antecedentes musicales con los que contaba Miguel Asíns Arbó, el trabajo prosigue mostrando su trayectoria compositiva para el cine, en la que junto a directores como José Antonio Nieves Conde, o José María Forqué, una figura merece especial mención: Marco Ferreri. Luis García Berlanga y Miguel Asíns Arbó, cuarto apartado de la Tesis, nos presenta la figura del cineasta, y el análisis de las composiciones del compositor en su filmografía.Su filmografía supone un sugerente acercamiento a la sociedad retratada, en situaciones cuya cotidianeidad supera a la propia realidad, que pueden ser descritas con su propio adjetivo: berlanguianas. Cuatro fueron las películas en las que Asíns Arbó y García Berlanga colaboraron: Plácido, La muerte y el leñador, sketch de Las cuatro verdades, El verdugo y La vaquilla. Como principales conclusiones puede establecerse que:· El músico Asíns Arbó debe ser considerado como un creador representativo de un momento clave en la historia española del siglo XX. · Asíns Arbó aporta nuevas sonoridades al cine español. · El compositor, con su personal lenguaje, consigue contribuir a un mundo audiovisual que supondrá un modelo, un auténtico paradigma, gracias a la profunda integración de las características musicales con el contexto visual.· Asíns Arbó es mucho más que un músico cinematográfico.
The present work claims a twofold aim: to examine the paradigmatic figure of a musician of his time and also to study in depth one of Asíns' most original and personal lines of production, the music he composed for director Luis García Berlanga's films.The thesis has been structured into four different sections. In the first one 'Asíns Arbó and his context', his character is placed from a sociological and cultural point of view. The different stages of Franco's 40-year regime serve as a guideline to study Asíns' musical and later score compositions.'The Music of Asíns Arbó' tries to help catalogue his work by empirically analysing the musical features of several of his most representative compositions and thus to define from this the characteristics of his musical language.In 'Asíns Arbó and his music compositions for films' Spanish film making under Franco's dictatorship is studied and it is reviewed the figure of the most important scorers, real self-educated master leaders, who paved the way for a Spanish film industry, which rose from the ashes steadily after the Spanish Civil war. After analysing the musical precedents with which Asíns Arbó was provided, the work continues showing his career as a composer of music for the cinema, since he worked for and with directors such as José Antonio Nieves Conde or José María Forqué, highlighting here the special figure of Marco Ferreri.'Luis García Berlanga and Miguel Asíns Arbó', the fourth and last section in this thesis, studies the filmmaker, the former, and also the musical compositions the latter created for his films.

El terme de world music, en moltes ocasions, està associat amb la comercialització de la diferència ja que ofereix la possibilitat de promocionar, principalment, a Europa i als E.E.U.U., músiques i musics procedents de països no occidentals. Músiques que molt sovint són adaptades als gustos occidentals, un procés que les descontextualitza i que afavoreix la seva manipulació. A més a més, aquesta etiqueta acostuma a fixar músiques i pràctiques socio-musicals, negant d’aquesta manera la seva capacitat d’evolució i transformació. El context contemporani caracteritzat per la globalització i la intensitat de la circulació dels fluxos culturals, és l’escenari ideal per la world music. Les qüestions relacionades amb el nexe global-local, amb la modernitat, amb la hibridació, amb la interculturalitat, etc., també afecten a la world music ja que la música inclou al mateix temps pràctiques musicals i pràctiques extra-musicals. La capacitat que tenen els fenòmens musicals per construir i expressar imaginaris i narratives, els converteixen en una excel•lent eina de comunicació i evocació. La música entesa en aquest sentit, posa en contacte diferents actors (músics, públic, productors musicals, etc.), que articulen una escena musical. En aquest cas concret, la world music ha posat en contacte músics i musiques de tota la Mediterrània, marcada històricament per encontres i desencontres constants entre diferents cultures i pobles, així com a molt més agents. Tots ells han articulat una escena musical on es reflecteixen relacions desiguals de poder i que és, al mateix temps, testimoni directe de diferents narratives sobre la identitat, la interculturalitat i la hibridació.
El término de world music, en muchas ocasiones, está asociado con la comercialización de la diferencia ya que ofrece la posibilidad de promocionar, principalmente, en Europa y en los E.E.U.U., músicas y músicos procedentes de países no occidentales. Músicas que en muchas ocasiones son adaptadas a los gustos occidentales, un proceso que las descontextualiza y favorece su manipulación. Además, esta etiqueta acostumbra a fijar músicas y prácticas socio-musicales, negando de esta manera su capacidad de evolución y transformación. El contexto contemporáneo caracterizado por la globalización y la intensidad de la circulación de los flujos culturales, es el escenario ideal para la world music. Las cuestiones relacionadas con el nexo global-local, con la modernidad, con la hibridación con la interculturalidad, etc., también afectan a la world music ya que la música incluye al mismo tiempo prácticas musicales y prácticas extra-musicales. La capacidad que tienen los fenómenos musicales para construir y expresar imaginarios y narrativos, les convierten en una excelente herramienta de comunicación y evocación. La música entendida en este sentido, pone en contacto diferentes actores (músicos, público, productores musicales, etc.), que articulan una escena musical. En este caso concreto, la world music ha puesto en contacto músicos y músicas de todo el Mediterráneo, marcado históricamente por encuentros y desencuentros constantes entre diferentes culturas y pueblos, así como a muchos más agentes. Todos ellos han articulado una escena musical donde se reflejan relaciones desiguales de poder y que es, al mismo tiempo, testimonio directo de diferentes narrativas sobre la identidad, la interculturalidad y la hibridación.
Frequently, the term world music is associated with the marketing of the difference because it offers the possibility of promoting, mainly in Europe and the USA, music and musicians from non-Western countries. Usually, in world music’s market, the non-western music adopts Western commercial music patterns. This process promotes the fixation of musical genres and socio-musical practices and, at the same time, denies the experimentation and innovation. The contemporary context characterized by globalization and the intensity of the circulation of cultural flows, is perfect for the world music. Issues relating to the questions about global-local, modernity, hybridization and multiculturalism, etc., also they affect the world music because music includes musical and extra-musical practices. The music has the ability to build and to express, at the same time, different imaginaries and narratives. Music is an excellent tool of communication. Music understood in this sense, contacted different actors (musicians, audience, music producers, etc.) which articulate a musical scene. In this case, the world music has connected musicians and music from the Mediterranean area, historically characterized by encounters of different intensity between different cultures and peoples, as well as many more agents. All they have articulated a musical scene where unequal power relations are reflected and, at the same time, this musical scene is a direct testimony of different narratives about identity, intercultural processes and hybridization.

El cor marró i la descomposició interna o llocat són dues importants alteracions fisiològiques que apareixen en la pera Blanquilla durant el període de frigoconservació. Aquests dos desordres es caracteritzen primer per l'enfosquiment del cor i després de la polpa. En el llocat aquest enfosquiment és de tipus humit i s'estén de forma ràpida a la totalitat de la polpa. En el cas del cor marró, la polpa presenta un aspecte sec i en aquesta hi ha grans i abundants cavitats.
Encara es desconeixen els factors causants de l'aparició d'aquests dos desordres i els principals mecanismes bioquímics implicats en el seu desenvolupament. L'objectiu d'aquesta tesi ha estat conèixer aquests factors i caracteritzar la via o vies bioquímiques implicades en el desenvolupament del cor marró i del llocat en peres Blanquilla. Concretament, s'ha estudiat com incideixen en la seva aparició una alta concentració de CO2 i el grau de maduresa a la collita. Per a cadascuna d'aquestes condicions es va mesurar la incidència i la severitat del cor marró i del llocat, els productes i els enzims associats amb els metabolismes fermentatiu i antioxidatiu, així com el grau de peroxidació de les membranes. Finalment, es va utilitzar l'anàlisi multivariant per a caracteritzar i diferenciar aquestes dues alteracions en funció dels paràmetres esmentats. A més, amb les tècniques multivariants es pretenia complementar i confirmar els resultats interpretats bioquímicament.
Les dues alteracions van aparèixer en l'atmosfera controlada (AC) d'alt contingut de CO2 però ambdues es van diferenciar en el temps d'aparició. El llocat va aparèixer aproximadament als tres mesos de conservació mentre que el cor marró es va manifestar després d'aquesta data. A més, el llocat també es va presentar en l'atmosfera de fred normal però al final del període de conservació. Els fruits conservats en AC d'alt nivell de CO2, al principi es van caracteritzar per una important disminució de l'àcid ascòrbic (AA) i, posteriorment, per un major estat de peroxidació de les membranes respecte a les altres dues atmosferes. El cor marró és conseqüència dels danys oxidatius que es donen en condicions d'alt CO2 (baix contingut d'AA i insuficient activitat dels enzims antioxidants, ascorbata peroxidasa i catalasa). En canvi, el llocat implica majoritàriament el metabolisme fermentatiu i està altament relacionat amb l'activitat de l'enzim alcohol deshidrogenasa i el contingut d'acetaldehid. També hi intervenen altres metabolismes com l'oxidatiu però en menor grau d'implicació que en el cor marró. L'anàlisi multivariant va confirmar els resultats obtinguts en l'anàlisi bioquímica: el cor marró i el llocat són dos desordres diferents que impliquen vies metabòliques similars però amb diferent grau d'implicació. Els models de predicció construïts a partir dels paràmetres de qualitat indiquen que cap d'aquests paràmetres no pot ser utilitzat com a marcador per a predir o detectar el cor marró i/o el llocat. En canvi, el contingut d'AA pot utilitzar-se com a marcador del cor marró. Aquest desordre es dóna quan s'arriba al contingut llindar d'AA que determina l'inici del desenvolupament però, aquest valor està encara per determinar en peres Blanquilla. Un avançat estat de maduresa a la collita i una atmosfera amb un alt contingut de CO2, determinen l'aparició del cor marró i incrementen les pèrdues d'AA, probablement degudes a la reducció de la seva capacitat antioxidant.
El corazón pardo y la descomposición interna son dos importantes alteraciones fisiológicas que aparecen en la pera Blanquilla durante su período de conservación. Estos dos desórdenes fisiológicos se caracterizan, primero, por un empardecimiento del corazón y, posteriormente, por el de la pulpa. En la descomposición interna este empardecimiento es de tipo húmedo y se extiende rápidamente a toda la pulpa. En cambio, en el corazón pardo los tejidos presentan un aspecto seco con grandes y abundantes cavidades en la pulpa.
Se desconocen aún los factores causantes de la aparición de los dos desórdenes y los principales mecanismos bioquímicos implicados en su desarrollo. El objetivo de esta tesis ha sido conocer estos factores, así como caracterizar la vía o vías bioquímicas implicadas en el desarrollo del corazón pardo y de la descomposición interna en peras Blanquilla. Concretamente, se ha estudiado cómo inciden en su aparición una alta concentración de CO2 y el grado de madurez a la cosecha. Para cada una de estas condiciones se determinó la incidencia y la severidad de cada alteración, los productos y las enzimas asociadas con el metabolismo fermentativo y antioxidativo, así como el grado de peroxidación de las membranas. Finalmente, se utilizó el análisis multivariante para caracterizar y diferenciar las dos alteraciones en función de los parámetros citados. Además, con las técnicas multivariantes se pretendía complementar y caracterizar los resultados interpretados bioquímicamente. Las dos alteraciones aparecieron en la atmósfera controlada (AC) de alto nivel de CO2, pero se diferenciaron en el tiempo de aparición. La descomposición interna apareció aproximadamente a los tres meses de conservación, mientras que el corazón pardo se manifestó con posterioridad a esta fecha. Además, la descomposición interna también se presentó en la atmósfera de frío normal, pero al final del período de conservación. Los
frutos conservadoss en la AC de alto nivel de CO2, al principio se caracterizaron por una importante disminución del ácido ascórbico (AA) y, posteriormente, por un mayor estado de peroxidación de las membranas respecto a las otras dos atmósferas. El corazón pardo es consecuencia de los daños oxidativos que se dan en condiciones de alto CO2 (bajo contenido de AA e insuficiente actividad de las enzimas antioxidantes, ascorbata peroxidasa y catalasa). En cambio, la descomposición interna está altamente relacionada con la enzima alcohol deshidrogenasa y el contenido de acetaldehido y, por tanto, implica mayoritariamente el metabolismo fermentativo. Además, en su desarrollo intervienen otros metabolismos, como el oxidativo, pero en menor grado que en el corazón pardo. El análisis multivariante confirmó los resultados obtenidos en el análisis bioquímico: que el corazón pardo y la descomposición interna son dos desórdenes fisiológicos distintos que implican vías metabólicas similares, pero con diferente grado de implicación. Los modelos de predicción construídos a partir de los parámetros de calidad indican que ninguno de estos parámetros puede utilitzarse como marcador para predecir y/o detectar ni el corazón pardo ni la descomposición interna. En cambio, el contenido de AA sí puede utilizarse como marcador del corazón pardo. Esta alteración se manifiesta cuando el contenido de AA disminuye por debajo de un determinado nivel, valor que en peras Blanquilla aún está por determinar. Un avanzado estado de madurez a la cosecha y una AC de alto contenido de CO2 determinan la aparición del corazón pardo e incrementan las pérdidas de AA, probablemente debidas a la reducción de su capacidad antioxidante.
Brown heart and core browning are two important post harvest disorders that occur in Blanquilla pear during storage. These two disorders are characterised by browning first the core and later the flesh. Core browning appears as brown areas in the mid-cortex of the flesh and the lesions subsequently tend to extend and may affect the entire pulp. In the case of brown heart, the tissue is dry and large and/or numerous cavities are formed in the pulp.
The factors and the underlying biochemical mechanisms involved in the development of these disorders remain unclear. The aim of this thesis was to determine and characterise the biochemical pathways involved in the development of brown heart and core browning in Blanquilla pears. More exactly, we studied the effects of high CO2 concentration and harvest date on the disorders incidence. For each condition, the incidence and the damage percentage for each kind of disorder was correlated with the products and the enzymes involved in fermentative and oxidative metabolism. Multivariate analysis was used to characterise and differentiate the two disorders and was used to complement and confirm the biochemical results. Core browning and brown heart were observed when the fruits were stored at high CO2 concentration but appeared at different time. Core browning appeared first, after 3 months of storage and brown heart later. Fruits kept in air developed core browning but at the final of storage. Fruits stored at high CO2 concentration, exhibited first an important decrease in ascorbate level (AA), and later lipid peroxidation. Brown heart is the consequence of oxidative damage which appeared at high CO2 (low level of ascorbate and insuficient activity of antioxidants enzymes, ascorbate peroxidase and catalase). In contrast, core browning correlated with alcohol deshidrogenase activity and acetaldehyde content, a result that showed that fermentation is probably an underlying metabolism in the core browning incidence. Oxidative process could also be involved in core browning, but to a lesser extent than in brown heart. Multivariate analysis confirm these biochemical results and indicate that core browning and brown heart are two different disorders involving similar metabolic pathways but at a different level. According to the prediction model obtained using quality parameters, we conclude that none of these parameters may predict brown heart and core browning disorders. However, the AA level can be a marker of brown heart. This disorder is initiated when an AA dropped below a certain threshold, which remain to be determined in Blanquilla pears. Advanced maturity of fruits at harvest and storage in high CO2 determine the appearance of brown heart and increase the loss of AA, perhaps through a reduction in antioxidant capacity.

Växtväggen i byggnaden på Teknikringen 78A var en utgångspunkt i detta examensarbete där ett samarbete mellan KTH, Vertical plants system och examenstagare skedde. Arbetet gick ut på att undersöka växtväggen och studera olika påverkande faktorer. I dagsläget är det väldigt många faktorer och grundkällor som påverkan miljön vi lever i, inom byggbranschen sker dagligen utsläpp av farliga föroreningar som påverkar miljön och försvagar naturen. Av detta skäl valdes en miljövänlig alternativ lösning att studeras, nämligen växtväggar inomhus. För att ge en enkel förståelse för läsaren av rapporten har arbetet börjats med en internationell jämförelse mellan tre ledande företag inom området för växtväggar vars unika system undersöktes. Dessa tre var Nedlaw, Naava och Vertical Plants System AB. Därefter studerades olika miljöcertifieringssystem från SGBC och valet hamnade på BREEAM-SE. BREEAM-SE ett system som behandlar frågor inom såväl energianvändningen och inomhusluftkvalitet som är två betydande faktorer som påverkas av en växtvägg. Studien gick ut på att undersöka olika indikatorer inom områden och växtväggens förmåga att bidra vid poänggivning vid certifiering av en byggnad. Vidare gjordes en djupgående studie på kyleffektbehovet i byggnaden på Teknikringen 78A med olika mätvärde från företaget som monterade växtväggen i byggnaden samt fastighetsägaren Akademiska hus. Med hjälp av mätvärden kunde en slutsats dras om att växtväggar verkligen har ett märkbart kyleffektbidrag i byggnaden som i sin tur medförde en sänkning av kyleffektbehovet med minst ca 10% utan fläkt och ca 20% med fläkt. Därtill presenterades resonemanget om sänkning av ventilationsrörens dimension i byggnaden för att undersöka om man kan få ut ekonomiska- och miljöbesparingar med hjälp av en växtvägg eller inte. Resultatet visade att man kan spara upp till 36%. Slutligen utfördes en studie på alla för- och nackdelar av växtväggar inomhus med huvudfokus på växternas miljö- och hälsoeffekt i allmänhet. Detta gjordes mot bakgrunden att det faktiskt saknas tillgång till en detaljerad information och kunskap om växtväggar trots stor efterfråga i marknaden. Resultatet av studien visade att växter i sig innehåller många fördelar på det fysiska och psykiska hälsan, miljön och på samhället i stort. Tillika visade det sig att en växtvägg uppfyller en betydande estetisk funktion i en lokal. Rapporten avslutades med en sammanställning av alla resultat kring de olika delarna som presenterades i arbetet. Slutligen visade det sig att en växtvägg är en livslång investering på hälsan och miljön som bör beaktas oftare och bli större inom en bransch som denna då bygg står för utsläpp av många miljögifter.
The plant wall in the building at Teknikringen 78A was a starting point for this project, where collaboration between KTH, Vertical plants and examiners took place. The main focus was about exploring the plant wall and studying various influencing factors. There are many factors and sources that affect the environment we live in. Within the construction industry, daily emissions of hazardous pollutants affect the environment and diminish nature. For this reason, an environmentally friendly alternative solution like indoor plant walls was chosen to be studied. To provide a simple understanding for the reader of this report, work has begun with an international comparison of three leading companies in the field of plant walls whose unique systems were investigated. These three were Nedlaw, Naava and Vertical Plants System AB. Thereafter, various environmental certification systems were studied from the SGBC and the choice ended at BREEAM-SE. BREEAM-SE is a system that treats areas such as energy and indoor air quality issues, which are two significant factors influenced by a plant wall. The study was about investigating different indicators in areas and the plant wall's ability to contribute to scoring for the certification of a building. In addition, a thorough study of the cooling efficiency requirement was made in the building at Teknikringen 78A with different measurement values from the company that mounted the plant wall in the building and the property owner Akademiska hus. Using measurements, a conclusion could be drawn that plant walls really have a noticeable cooling effect contribution in the building, which in turn resulted in a reduction of the cooling efficiency requirement by at least about 10% without fan and about 20% with fan. In addition, the reasoning was presented about reducing the ventilation pipes dimension in the building to investigate whether or not to obtain economic and environmental savings using a plant wall. The result showed that you can save up to 36%. Finally, a study was conducted on all the benefits and cons of indoor plant walls, with focus on the environmental and health effects of the plants in general. This was done by the fact that there is actually no access to detailed information and knowledge of plant walls despite high demand in the market. The result of the study showed that plants in themselves contain many benefits to physical and mental health, the environment and society. Additionally, it appeared that a plant wall fulfills a significant aesthetic function in a local area. This report was completed with a summary of all results about the various parts presented above. Finally, it turned out that a plant wall is a lifelong investment in health and the environment and should be considered more often and become larger in an industry like this, since buildings branch is a brunch were a lot of emissions released into the environment.

"La crítica musical en la prensa diaria valenciana: 1912-23" es una tesisdoctoral que ofrece una visión crítica de la historia de la crítica musical en laprensa diaria valenciana durante el período que acontece entre 1912 y 1923. Elámbito cronológico de este trabajo de investigación no es gratuito, secircunscribe a la época en la que se produce la eclosión de la crítica musicalcomo actividad periodística cotidiana. Esto sucede así por la confluencia devarios factores que revitalizan considerablemente la oferta musical en la ciudadde Valencia: la creación de la Sociedad Filarmónica de Valencia (se funda afinales de 1911 y arranca su singladura en 1912) y la fundación de la Orquestade Cámara de Valencia (1915) y la Orquesta Sinfónica de Valencia (1916).El estudio del contexto histórico-musical de la sociedad valenciana de finalesdel siglo XIX y principios del siglo XX es uno de los aspectos más interesantesde esta investigación. Aporta la perspectiva previa necesaria para comprendery valorar el papel de la crítica musical en un entorno social que evoluciona,durante este período, desde la influencia absoluta de la ópera a lo largo de lacenturia decimonónica hasta el despegue de los géneros camerístico ysinfónico en la segunda década del s. XX.La metodología de trabajo es una de las aportaciones novedosas de esta tesisdoctoral. La metodología utilizada para estudiar la crítica musical que se ejerciódurante estos años en los diarios valencianos ha partido de la investigaciónhemerográfica. Así pues, los periódicos han sido la principal fuente documentala la vez que objeto de estudio. Ocho diarios -los más importantes que seeditaban en aquellas fechas- se han escrutado detenidamente para podercompilar los textos de crítica musical publicados en sus páginas: LasProvincias, El Mercantil Valenciano, El Pueblo, Diario de Valencia, La Voz deValencia, La Correspondencia de Valencia, El Correo y Eco de Levante.Otra novedad interesante de este estudio es la opción analítica escogida. Laaplicación de un modelo de análisis propio -formulado a partir de lasaportaciones teóricas de Leopoldo Hurtado, Román de la Calle y RomanJakobson-, permite destripar los entresijos de la crítica musical desde múltiplesángulos. Esta estrategia parte de un axioma: el texto crítico musical, publicadoen la prensa diaria, es el resultante de la yuxtaposición de dos procesoscomunicativos: uno artístico-musical y otro lingüístico que deriva del primero. Apartir del análisis de éste último, el autor accede al conocimiento del ámbitoreferencial que originó ambos procesos. De este modo, ha sido posible estudiarlos roles de los distintos protagonistas activos o pasivos de la función crítica inillo tempore: autores, intérpretes, empresarios, público y los propios críticos.Asimismo, este análisis -desde su doble vertiente formal y de contenido- nosha permitido conocer a los principales críticos musicales de la época (Eduardo López-Chavarri Marco, Bernardo Morales San Martín, Enrique González Gomá,Manuel Palau, Ignacio Vidal, Salvador Ariño, Vicente Marín, Lepoldo Magenti,Enrique Badenes, Francisco Balaguer, etc.) y revelar la manera en que éstosejercían la crítica.El seguimiento minucioso de la actividad de los cronistas musicales duranteestos años revela también un uso ocasional interesado de la función crítica.Algunos testimonios que en esta tesis se exponen evidencian la delgada líneaque a veces separa el ejercicio de la crítica desde los postulados éticos yestéticos que se le suponen y su utilización con otros fines espurios.La investigación ofrece además un detallado catálogo sobre los programasmusicales (intérpretes y repertorio) generados en Valencia durante estos años,clasificados en los siguientes géneros: ópera, zarzuela, música de cámara ysinfónica.
"The musical criticism in the Valencia diary press: 1912-1923" is a doctoral thesis,which offers a critical vision of the musical criticism history in the diary press duringthe marked period. The chronological ambit chosen answers some facts, whichrevitalise considerablely the musical offert in Valencia City during those years: thecreation of the Philharmonic Society of Valencia (it is founded at the end of 1911 andit begins its day's run in 1912) and the foundation of the Orchestra of Camera ofValencia (1915) and the Symphonic Orchestra of Valencia (1916).The preliminary study of the musical-history context, which presents this investigation,has contributed us the necessary perspective to value the role of the critic in theValencia's musical society at the end of the XIX century and at the beginning of theXX century.The methodology of work used it is based in the newspaper investigation. Thenewspapers published in Valencia during this period have supposed the maindocument source and at the same time the object of study in them.The critical texts have been analysed applying a model of own analysis; it isformulated from the theoretic contributions of Leopoldo Hurtado, Román de la Calle yRoman Jakobson. The strategy used started from an axiom: the critical text is theresultant of the juxtaposition of the two-communicative process: the first one ismusical-artistic and the second one is linguistic, which derive from the first. Startingfrom the analysis of this last, the author access to the knowledge of the referentialambit which originates both processes. In this way it has been possible to study theroles of the different active or passive characters of the critical function in illo tempore:author, performer, impresario, public and the own critics. In the same way thisanalysis -from its double formal viewpoint and context- has been allowed us to knowthe main musical critics of the period (Eduardo López-Chavarri Marco, BernardoMorales San Martín, Enrique González Gomá, Manuel Palau, etc.) and reveal theway they performed the critic.Through this investigation we have known too the ethic problems that in occasionsthreatened to whom performed the critical function.

La presente tesis doctoral gira en torno a la biografía del pianista Leopoldo Querol Roso (Vinàros, Castellón, 1899 ¿ Benicàssim, Castellón, 1985). Aprovechando la larga trayectoria del pianista, se inicia con un extenso contexto histórico, cultural y musical, estableciendo numerosos nexos entre algunos de los acontecimientos del siglo XX y la trayectoria de Querol, presente y partícipe en varios de ellos. La segunda parte se centra en su biografía, partiendo de sus antecedentes familiares e infancia en Vinaròs, sus estudios en Valencia, Madrid y París, y su irrupción en el Madrid de los años 30, convirtiéndose en el intérprete de referencia, especialmente, del nuevo repertorio musical. Se realiza un exhausto análisis de su carrera musical, incluyendo las consecuencias que tuvieron la guerra civil y la posguerra, su importante papel en la reactivación de la vida musical tras la contienda, sus giras internacionales, y la importancia dada a los medios de comunicación, siendo el pionero en grabar la integral de la Suite Iberia de Albéniz. No se obvia su faceta docente, investigadora y musicológica, todo lo que le llevó a acumular hacia el final de su vida innumerables títulos, homenajes y menciones honoríficas, finalizando su biografía con su creciente relación con la provincia de Castellón, que culminó con la creación del Certamen Internacional de Guitarra Francisco Tárrega de Benicàssim.

La tesi analitza la trajectòria artística i institucional de l'Orfeó Català vinculada al moviment catalanista, des de la seva creació fins a la reapertura de l'entitat després de la Guerra Civil.

L'Orfeó Català va ser creat a 1891 per Lluís Millet i Pagès i Amadeu Vives. En pocs anys va esdevenir model i estendard del renaixement musical català, gràcies al treball dels músics que col.laboraren amb Lluís Millet per fomentar la música catalana, així com per fer conèixer les grans obres del repertori coral universal. Com a entitat l'Orfeó Català posà les bases per instaurar un moviment musical català a través de la creació de la Revista Musical Catalana (1904-1936), la Festa de la Música Catalana (1904) i la construcció d'un auditori propi: El Palau de la Música Catalana (1908), instruments necessaris, entre altres, per a la normalització de la vida musical, i que li van permetre liderar durant molts anys el món musical català.

Tanmateix, en els primers anys de existència, l'Orfeó Català, va esdevenir símbol del Catalanisme Unitàri, en aconseguir, per mitjà de la cançó popular, fer arribar al poble el sentiment de comunitat nacional. Les visites periòdiques a les poblacions catalanes, hi van contribuir a la creació d'orfeons i cors locals, que seguiren la seva empremta musical i catalanista. A partir de 1901, l'Orfeó Català segueix el programa de la Lliga Regionalista i la seva estrategia moderada i possibilista respecte al fet nacional català. La nostra recerca evidencia ben clarament la vinculació de l'Orfeó Català a l'evolució social del catalanisme polític, i també el posicionament ideològic, conservador i religiós, pel que pren partit en totes i cadascuna de les conjuntures analitzades.

La vinculació cultural i artística de l'Orfeó Català a la història del nostre país i també a l'ambit europeu, és un altre dels elements que hem analitzat en la nostra recerca. Tot i les possibles mancances, el nucli artístic que consolidà l'Orfeó Català, va instaurar un moviment musical català, en gairebé tots els gèneres (si exceptuem el teatre líric), i estaments necessaris per a possibilitar les bases d'una veritable escola nacional.

Aconseguí tanmateix, crear un nou model associatiu popular: els orfeons, model divers a les societats corals claverianes i als orfeons populars que, en paral.lel, es constituïen a Europa. El model orfeònic instaurat per Lluís Millet, acomplia al mateix temps la funció educadora a través de la música, i el perfeccionament artístic dels seus cantaires; fet que propicià el desenvolupament d'un repertori ampli i divers que incloïa desde la senzilla cançó tradicional, a les grans composicions polifòniques i simfòniques de la música universal. Aquest moviment que creix progressivament entre 1900 i 1917, contribuirà poderosament a propagar arreu de Catalunya els ideals cívics, ètics i estètics, defensats per l'Orfeó Català desde els seus orígens. Els cors aproparan aquesta visió identitària a la societat catalana, i de retruc facilitaran la conversió del catalanisme en un moviment nacional, que segueix l'ideari de la Lliga Regionalista.

La darrera etapa analitzada, descobreix les dificultats d'adaptació i supervivència de l'entitat a partir de la Dictadura de Primo de Rivera. Una etapa que continua amb la
II República, la Guerra Civil i la Postguerra, en circumstàncies molt diverses, però que tenen en comú la desaparició, en l'espai polític, d'aquell esperit nacionalista, conservador i religiós que havia donat origen i creixença a l'entitat.
"THE ORFEÓ CATALÀ: CHORAL SONG AND CATALANISM (1891-1951)".


The "Orfeó Català" is the most important choir association in Catalonia. Given the musical, cultural, and even political importance of the choral music movement in Catalonia. This choral society was founded in 1891 by Lluís Millet and Amadeu Vives.

At first, the "Orfeó Català" establishes the basis to restore a musical catalan movement with the "Revista Musical Catalana" edition (1904-1936), the "Palau de la Música Catalana" edification (1904-1908), and the "Festa de la Música Catalana" (1904-1921), celebration. These are some instruments that the musical world needed to normalize the musical life in Barcelona and Catalonia.

The "Orfeó Català" visited Catalan' towns and villages, and became a symbol of catalanism. They are collaborating in the foundation of another choral societies in Catalonia and they are guiding this movement. They get to transfer a common nationalism with the popular song. In this way, the "Orfeó Català" also gets to consolidate national and international prestige; but also there are some difficulties with the Spanish administration, especially in the Primo de Rivera's dictatorship, the Civil War, and the Franco's dictatorship.

This thesis provides an overview of the history of the "Orfeó Català", to link with Catalonia's cultural history, and explains that the role of the Orfeó Català has been paramount for the national music and for the catalan national spirit in the twentieth century.

Manuela Narváez Ferri, July 2005.

Las partituras gráficas y gráficos musicales constituyen un ámbito de la creación artística contemporánea situado entre categorías artísticas. Estas formas de escritura de la música proponen la visualización del sonido, dirigiéndose a los sentidos visual y auditivo y favoreciendo los aspectos sinestésicos del arte. La notación gráfica es un fenómeno relacionado con la creatividad que nace del diálogo y la interacción entre elementos visuales y sonoros. El presente trabajo de investigación pretende abordar el fenómeno de la notación gráfica desde las múltiples vertientes que intervienen en su desarrollo, incidiendo en los factores no sólo musicales sino también artísticos, culturales, filosóficos y políticos que dan lugar a su creación, así como en las principales aportaciones de este tipo de notación. Por otra parte, la mayoría de compositores consagrados a la notación gráfica han dedicado obras y series de partituras al círculo. Ya sea empleado como forma abstracta o como grafismo sobre el cual se disponen los signos convencionales de notación musical, el círculo presenta una especial relevancia en la notación gráfica, utilizándose para la representación visual de acontecimientos sonoros. A partir de esta constatación, la presente investigación se plantea como objetivo descubrir qué relación existe entre el grafismo circular y su traducción sonora en las principales partituras gráficas y gráficos musicales circulares realizados entre los años 1950 y 2010. Los resultados que se obtienen confirman que, pese a responder a conceptos musicales y artísticos muy diversos, existen elementos comunes en la interpretación musical de las partituras circulares realizadas durante el mencionado período de tiempo, conceptos que se repiten proyectados en lo gráfico y lo sonoro. En gran parte de las obras analizadas, la notación circular cumple un propósito estructural, enfatizando visualmente la forma cíclica de las piezas musicales, sus ostinatos y elementos repetitivos, así como la noción de tiempo indefinido. Asimismo, el círculo se convierte en símbolo de concepciones temporales no-lineales presentes en gran parte de la música de la segunda mitad del siglo XX. Dichas concepciones temporales se expresan metafóricamente a través de términos como “tiempo suspendido”, “tiempo interior”, “tiempo propio”, “tiempo de naturaleza cualitativa”, “tiempo atemporal”, “tiempo eterno”, “tiempo vertical”, etc. Las concepciones temporales no-lineales, expresadas simbólicamente por el círculo, favorecen la convergencia de tiempo y espacio. A través del grafismo circular se muestra el aspecto espacial y no sólo temporal de la música. Se comprueba también que, estando la notación gráfica estrechamente relacionada con el concepto de “obra abierta”, el círculo - forma paradójicamente limitada e infinita - ayuda a resolver la dialéctica que se crea en las obras abiertas entre aspectos determinados e indeterminados. El círculo actúa como mediador entre los elementos que el compositor define y aquellos que son dejados a elección del intérprete en cada una de las realizaciones. La notación circular posibilita - cuando el compositor no hace explícito - la elección por parte del intérprete del punto de comienzo de la lectura, así como del sentido de la misma, horario o antihorario. En muchos casos, éste puede decidir también la duración de la obra, que dependerá del número de giros realizados. En el caso de partituras escritas sobre discos o estructuras giratorias, la rotación de la partitura permite cambiar la posición y la lectura de los diferentes parámetros que aparecen en ella. Se concluye, además, que la notación circular presenta una mayor relación con las cualidades circulares del sonido y de la música, y puede ser entendida como una manifestación más de la “circularidad” de la música realizada durante el período temporal citado, puesta de manifiesto en aspectos tales como la estructura circular de un gran número de composiciones musicales, en la puesta en escena de las mismas, en la construcción de auditorios esféricos, etc. Finalmente, se constata que, en la notación circular, la estructura concéntrica es una de las empleadas con mayor frecuencia por los compositores para organizar el material gráfico y sonoro. En las partituras que emplean este patrón gráfico se establecen diferentes asociaciones entre los círculos concéntricos y su realización sonora. Forma parte de la bibliografía consultada más de un centenar de partituras gráficas y gráficos musicales circulares realizados entre los años 1950 y 2010. Una parte importante de la información sobre las obras estudiadas ha sido obtenida a través de la comunicación personal con los propios autores de las obras. Entre los múltiples documentos consultados para la realización de esta investigación destaca también la obra “Notations”, compendio de partituras musicales del siglo XX llevado a cabo por John Cage y Alison Knowles en 1969, así como “Notations 21”, antología de partituras gráficas llevada a cabo en el año 2009 por Theresa Sauer.
Graphic scores and musical graphics constitute a field of contemporary art located between artistic categories. These forms of musical notation make sound visible. They are directed to the visual and auditory senses and favor synaesthetic art aspects. Graphic notation is a phenomenon related to the creativity that comes from dialogue and interaction between visual and sound elements. This research approaches graphic notation from the multiple aspects which are involved in its development, focusing on factors not only musical but also artistic, cultural, philosophical and political that are important in its creation. It is focused as well on the main contributions of this type of notation. Furthermore, composers devoted to graphic notation have dedicated works and series of scores to the circle. Used as an abstract shape or with conventional signs arranged in a circular way, the circle presents special relevance in graphic notation and it is employed for the visual representation of sound events. From this realization, this research wants to find out which is the relationship that exists between the circular graphical shape and its sound translation in the main graphic scores and musical graphics made between the years 1950 and 2010. The results obtained confirm that, despite responding to diverse musical and artistic concepts, there are common elements in the musical interpretation of circular scores created during the mentioned period of time. On the one hand, in most of the works that have been analysed, circular notation serves a structural purpose, visually emphasising the cyclic form of musical pieces, its ostinatos and repetitive elements, as well as the notion of indefinite time. Circular notation often shows the musical structure of the work. On the other hand, the circle becomes symbol of non-linear temporal concepts present in much of the music of the second half of the 20th century. These temporary conceptions are metaphorically expressed through terms such as "suspended time", "inner time", "own time", "time of qualitative nature", "timeless time", "time everlasting", "vertical time", etc. Non-linear temporal conceptions, symbolically expressed by the circle, favor the convergence of time and space. Circular notation shows the spatial aspect of music. It also proves that, if graphic notation is closely related to the concept of "open work", the circle – paradoxically limited and infinite - helps to resolve the dialectic that is created in open works between determinate and indeterminate aspects of the work. The circle acts as a mediator between the elements that are defined by the composer and those who are left at the choice of the performer in each one of the realizations. Circular notation makes also possible - when the composer does not make it explicit - the choice of the starting point of reading, as well as the sense of it, clockwise or counterclockwise. In many cases, it allows also to decide the duration of the work, which will depend on the number of turns that are made. For scores written on disks or rotating structures, the rotation of the score lets the performer change the position and the reading of the different parameters that appear in it. Moreover, circular notation presents a greater relationship with the circular qualities of sound and music, and can be seen as a manifestation of the presence of “circularity” in music during the time period cited. These presence is shown in aspects such as the circular structure of a large number of musical compositions , in the construction of spherical auditoriums, etc. Finally, in circular notation, concentric structure is one of most frecuently used by composers to organize sound and graphic material. In the scores that employ this structure, it is possible to find different associations between the concentric circles and its sound realization. More than a hundred circular graphic scores and musical graphics made between 1950 and 2010 are part of the litterature consulted. An important part of the information about these pieces has been obtained through personal communication with the authors of these works. Among the multiple documents consulted for this research we can also mention the volume “Notations”, a compendium of sheet music of the 20th century conducted by John Cage and Alison Knowles in 1969, as well as “Notations 21”, an anthology of graphic scores carried out in 2009 by Theresa Sauer.

Partint de la qüestió de la crisi de la modernitat, es proposa una reflexió sobre alguns dels camins de l’art contemporani, utilitzant com a clau de lectura de l’experiència artística l’expressió del temps i de la temporalitat. La pregunta a la qual s’intenta donar una resposta és sobre les dimensions en què s’expressa i a les quals dóna forma l’art del nostre temps. Per a això, en la primera part s’analitzen quatre lectures de la qüestió de la modernitat: La barbàrie d’Henry, La crisi de les ciències europees de Husserl, la Dialèctica de la il·lustració de Horkheimer i Adorno, i La fi de la modernitat de Vattimo. Unes lectures que busquen oferir altres sentits, a partir de diferents enfocaments històrics i filosòfics, a l’època de la ‘postmodernitat’. A partir d’aquí, el discurs es centra en la manifestació de la crisi en l’art, seguint també algunes reflexions desenvolupades per Adorno en la Teoria estètica. Després de considerar les revolucions artístiques de la primera meitat del segle XX —en particular l’abstractisme de Kandinsky i de Malèvitx i la música ‘atonal’ de Schönberg—, així com alguns dels moviments d’avantguarda que van protagonitzar una explosió estètica en les dècades dels 50 i els 60, s’arriba així a una anàlisi de l’obra de l’escultor Richard Serra i del compositor Arvo Pärt, l’elecció dels quals, no obstant això, no implica certament la possibilitat de definir una direcció unívoca en l’expressió artística del nostre temps.
Partiendo de la cuestión de la crisis de la modernidad, se propone una reflexión sobre algunos de los caminos del arte contemporáneo, utilizando como clave de lectura de la experiencia artística la expresión del tiempo y de la temporalidad. La pregunta a la cual se intenta ofrecer una respuesta es sobre las dimensiones en que se expresa y a las cuales da forma el arte de nuestro tiempo. Para ello, en la primera parte se analizan cuatro lecturas de la cuestión de la modernidad: La barbarie de Henry, La crisis de las ciencias europeas de Husserl, la Dialéctica de la ilustración de Horkheimer y Adorno, y El fin de la modernidad de Vattimo. Unas lecturas que buscan ofrecer otros sentidos, a partir de diferentes enfoques históricos y filosóficos, a la época de la ‘posmodernidad’. A partir de ahí, el discurso se centra en la manifestación de la crisis en el arte, siguiendo también algunas reflexiones desarrolladas por Adorno en la Teoría estética. Después de considerar las revoluciones artísticas de la primera mitad del siglo XX —en particular el abstractismo de Kandinsky y de Malévich y la música ‘atonal’ de Schönberg—, así como algunos de los movimientos de vanguardia que protagonizaron una explosión estética en las décadas de los 50 y los 60, se llega así a un análisis de la obra del escultor Richard Serra y del compositor Arvo Pärt, cuya elección, sin embargo, no implica ciertamente la posibilidad de definir una dirección unívoca en la expresión artística de nuestro tiempo.
Starting from the crisis of modernity, I propose a reflection on some of the paths of contemporary art, considering the expression of time and temporality an interpretative key for the artistic experience. The question I attempt to answer is on the dimensions in which the art of our time expresses itself, and which it tries to shape. To do this, in the first part four readings of modernity are analyzed: Barbarism by Henry, The Crisis of European Sciences by Husserl, the Dialectic of Enlightenment by Horkheimer and Adorno, and The End of Modernity by Vattimo. Readings that attempt to offer, from different historical and philosophical approaches, other meanings of the age of ‘postmodernity’. Thereafter, the discourse focuses on the manifestation of the crisis in art, following some thoughts developed by Adorno in Aesthetic Theory. After considering the artistic revolutions of the early twentieth century —in particular, the abstractionism of Kandinsky and Malevich and the ‘atonal’ music of Schoenberg—, as well as some of the avant-garde movements who staged an aesthetic explosion in the 50 and 60, I finally analyze the work of the sculptor Richard Serra and the composer Arvo Pärt, whose choice, however, certainly does not imply the possibility of defining a unique path in the artistic expression of our time.
Partendo dalla questione della crisi della modernità, si propone una riflessione su alcuni dei percorsi dell’arte contemporanea, utilizzando come chiave di lettura dell’esperienza artistica l’espressione del tempo e della temporalità. La domanda alla quale si cerca di offrire una risposta è sulle dimensioni nelle quali si esprime e alle quali dà forma l’arte del nostro tempo. In questa direzione, nella prima parte si analizzano quattro letture della questione della modernità: La barbarie di Henry, La crisi delle scienze europee di Husserl, la Dialettica dell’illuminismo di Horkheimer y Adorno, e La fine della modernità di Vattimo. Delle letture che intentano offrire altri significati, a partire da diversi approcci storici e filosofici, all’epoca della ‘postmodernità’. Di qui, il discorso si incentra sulla manifestazione della crisi nell’arte, seguendo alcune riflessioni sviluppate de Adorno nella Teoría estetica. Dopo aver considerato le rivoluzioni artistiche della prima metà del ventesimo secolo —in particulare l’astrattismo di Kandinsky e di Malevič e la musica ‘atonale’ di Schönberg—, così come alcuni dei movimenti di avanguardia che hanno protagonizato una esplosione estetica negli anni 50 e 60, si arriva così ad un’analisi dell’opera dello scultore Richard Serra e del compositore Arvo Pärt, la cui scelta, tuttavia, non implica certamente la possibilità di definire una direzione univoca nell’espressione artistica del nostro tempo.

“L’estètica musical com a Prima Philosophia” formula dialècticament la pregunta sobre la contribució que pot fer l’estètica musical al pensament filosòfic en general, alhora que se interroga també per l’aportació de la filosofia a l’estudi de l’experiència musical en tant que oient, intèrpret o autor. Primerament, a partir del treball d’investigació realitzat en la present tesi podem constatar l’existència d’una realitat musical autònoma en relació al món de las coses representades pel llenguatge, constituint un vertader camp temàtic per al pensament metafísic. D’altra banda, ens ha estat possible contemplar com tota l’ontologia, des dels grecs fins a Heidegger i Gadamer, és una ontologia logocèntrica i fotocèntrica, i que només a partir del gir estètic proposat per Maurice Merleau-Ponty és lícit parlar d’una ontologia que té present en primera instància el cos i allò sensible. Tanmateix, aquest gir queda incomplet al no haver contemplat en tota la seva magnitud i transcendència el fenomen singular que representa la música. Per això, les conclusions de la nostra investigació obren un nou horitzó per a una ontologia completament alliberada del “jou” logo-foto-centrista, resultant més originària, en tant que superadora dels límits que imposa el llenguatge: una ontologia que inscriu en sí mateixa i positivament l’experiència inaugural del silenci. En tercer lloc, la nostra indagació sobre el camp dels sentiments relacionats amb l’experiència musical ens ha revelat l’estructura i constitució dels valors i qualitats estètics i els seus sentiments correlats, de l’escolta i del temps musical, del procés creatiu en la composició i de la comprensió estètica - que es la base per a la interpretació i l’execució musical -. Aquests desvelen l’estructura i la constitució primordial de tot tipus de sentiments i valors humans, de la percepció en general i de la temporalitat, de la creativitat i de l’hermenèutica universals, etc. Fem així un pas decisiu en la fonamentació d’una fenomenologia de la creativitat artística. Finalment, ajudem a esclarir una sèrie de problemàtiques vinculades a la música que secularment han estat objecte de controvèrsies, entre elles: a) la problemàtica sobre la naturalesa de l’obra musical, tant pel que es refereix a allò que pot ser considerat una obra musical – i, por extensió, allò que sigui qualsevol objecte musical - com – i encara més important – allò que NO hauria de ser considerat com a tal; b) la distinció entre allò que pertany a la facticitat històrica de la música d’allò que és de naturalesa universal y no subjecta, per tant, a eventualitats o convencions de cap mena; c) la diferència entre els conceptes universals de consonància/dissonància i els conceptes relatius de concordança y discordança, sotmesos aquests als canvis del gust estètic; d) el significat de la idea d’unitat, de diversitat, d’identitat, de diferencia, etc., aplicats a un objecte o una obra musical; e) la discussió sobre la naturalesa essencialment no lingüística de la musica en la seva realitat, malgrat la possibilitat de que aquesta pugui dotar-se a sí mateixa en un moment històric determinat d’un “món” musical i d’un “llenguatge” representatiu la relació de la qual amb el llenguatge verbal es purament metafòrica, f) la distinció entre el pensament lineal (monòdic), el pensament simultani (harmònico-contrapuntístic) i el pensament serial, així com el descobriment de que tots ells són camps i dimensions experiencials compatibles entre sí - como s’esdevé en el cas de les obres monòdiques de perfil harmònico-contrapuntístic (melodies polifòniques) o de les obres tonals, per exemple, que segueixen un patró serial heptatònic malgrat estar inscrites en el sistema tonal del període de la pràctica comú -; g) la problemàtica de les interpretacions històriques entorn de l’autenticitat d’aquestes, en el sentit d’evidenciar la meta-historicitat que suposa l’historicisme aplicat a la interpretació musical.
“L’estètica musical com a Prima Philosophia” (“Musical Aesthetics as a Prima Philosophia”) explores the extent to which musical aesthetics contributes to philosophical thought in general, and in dialectic relation to the contribution of philosophy to the study of musical experience as a listener, performer or author. Firstly, I attempt to demonstrate the existence of an autonomous musical reality in relation to the world represented by language, which constitutes a truly inspiring thematic field for metaphysical thought. Secondly, I look at how ontology, from ancient Greece to Gadamer through Heidegger, has been logocentric and photocentric: only since the aesthetic shift proposed by Maurice Merleau-Ponty can we talk about an ontology that takes into account primarily the human body and what is sensitive. However, this shift is incomplete as it does not contemplate the significance of the unique phenomenon of music. My investigation opens up a new horizon for an ontology completely liberated from the logo-photo-centric “yoke”; an ontology which has a more originating quality to it, as it overcomes the limits imposed by language and registers in itself the inaugural experience of silence in a positive way. Thirdly, my research on musical feelings reveals the structure and constitution of aesthetic values and qualities and the feelings associated with them. By doing that, we are taking a decisive step forward towards the laying of the foundations of a phenomenology of artistic creativity. Finally, I attempt to shed light on a number of secular unresolved issues related to music, among which the following can be highlighted: a) the nature of a musical work: what can be considered as a musical work and what should NOT be considered as such; b) the distinction between what belongs to the historic facticity of music and what is of a universal nature that is not subject to any eventuality or convention; c) the difference between consonance/dissonance as universal concepts and the relative concepts of concordance and discordance, the latter pair being subject to aesthetic changes; d) the meaning of the ideas of unity, diversity, identity, difference, etc., applied to a musical work; e) the essentially non-linguistic nature of music, despite the possibility that it may sometimes provide itself with a “language” of metaphorical meaning in terms of verbal language; f) the lack of authenticity of historic performances, demonstrating the meta-historicity that historicity applied to music performance really entails.

Rafael Mitjana (1869–1921) desarrolló una importante labor en el campo de la investigación musical, cuyos frutos más conocidos son el «descubrimiento» del Cancionero de Uppsala (Venecia, 1556) y “La musique en Espagne” (1914 y 1920), que es considerada la primera historia de la música española escrita de manera sistemática. Dentro de la obra musicológica de Mitjana destacan también numerosos trabajos sobre música y músicos españoles de los siglos XVI y XVII; por la calidad de sus investigaciones, Mitjana es considerado uno de los padres de la musicología española. Sin embargo, a pesar de la reconocida importancia de esta figura de la música española, poco se sabía hasta ahora sobre su biografía, su trayectoria y su obra como musicólogo, compositor y diplomático. Esta Tesis Doctoral estudia la figura de Rafael Mitjana desde una nueva perspectiva a partir de fuentes primarias localizadas en España y Suecia hasta ahora desconocidas. La Tesis consta de un Estudio dividido en cuatro capítulos (Vol. I) y de once Apéndices (Vol. II, en CD) que contienen la transcripción de 705 documentos (muchos de ellos traducidos del sueco y del francés) y diez partituras autógrafas de Mitjana. En el Capítulo I se ofrece una detallada descripción de las fuentes documentales investigadas en archivos y bibliotecas, entre los que destacan el Archivo del Ministerio de Asuntos Exteriores, en Madrid, la Biblioteca de Catalunya en Barcelona (donde se encuentra la correspondencia con Felipe Pedrell, 1841–1922), la “Kungliga bibliotek-Sveriges national-bibliotek”, en Estocolmo, y la “Uppsala universitetsbibliotek”, en Uppsala. En los Capítulos II y III se reconstruye la biografía y la actividad diplomática de Mitjana a partir de las nuevas fuentes investigadas, revelándose su ambiente familiar y su relación con personalidades del mundo musical, social, artístico y político de Italia, los Países Bajos, Francia, Suecia, Rusia y España. En el Capítulo IV se comentan sus escritos musicológicos y de crítica musical para vincularlos con el pensamiento regeneracionista, así como sus composiciones musicales. La Bibliografía incluye la lista más completa de publicaciones de Rafael Mitjana (110 ítems, muchas de ellas en la prensa diaria hasta ahora desconocidas) y el Catálogo de sus obras musicales. Esta Tesis Doctoral descubre a Rafael Mitjana como musicólogo, compositor y diplomático cosmopolita e internacionalista, aportando una nueva dimensión al estudio de su figura y su obra.
Rafael Mitjana (1869—1921) developed an important role in the field of musical research; his more wellknown achievements are the discovery of the Cancionero de Uppsala (Venecia, 1556) and La musique en Espagne (1914 and 1920), which is considered the first history of Spanish music written in a systematic way. He also conducted several studies on Spanish music and Spanish musicians from the 16th and 17th centuries; due to the soundness of his research Mitjana is considered one of the founders of Spanish musicology. Nevertheless, despite the importance of this personality of Spanish music, very little is known about his biography and his activity as a critic, composer and diplomat. This Doctoral Dissertation studies the personality of Rafael Mitjana from a new perspective after unknown primary sources in Spain and Sweden. This Dissertation is composed by a Study divided into four chapters (Vol. I) and eleven Appendices (Vol. II) which include the transcription of more than 700 documents (many of them translated from the French and the Swedish) and nine musical manuscripts on which the research is based. Chapter I contains a detailed description of the documentary sources investigated in archives and libraries of Spain and Sweden among which stand out the Archivo del Ministerio de Asuntos Exteriores, in Madrid, Biblioteca de Catalunya (correspondence with Felipe Pedrell, 1844--1922), in Barcelona, Kungliga bibliotek-Sveriges nationalbibliotek, in Stockholm, and Uppsala universitetsbibliotek, in Uppsala. Chapters II and III contain the reconstruction of Rafael Mitjana's biography after the new sources investigated; this new biography reveals Mitjana's family environment and his connections with personalities of the musical, social, artistic and political worlds from Italy, Low Countries, France, Sweden and Spain. Chapter IV includes a commentary of Mitjana's writtings as a musicoligist and music critic with the aim of linking him to the regenerationist thought; this chapter also contains the analysis of several musical works by Mitjana. The bibliography contains the most complete list of the 107 published works by Mitjana (many of them unknown in journals) and the catalogue of his musical works. This Doctoral Dissertation reveals the figure of Rafael Mitjana as a cosmopolitan and internationalist musicologist, composer and diplomat, providing a new dimension from which study his figure and his works.

Aquesta recerca analitza les connexions entre intel.ligència musical i intel.ligència espiritual, exemplificades a partir del món audiovisual. S'analitzen els paràmetres que interactuen en ambdues intel.ligències i els efectes en el desenvolupament personal. La recerca aporta una aplicació per a la pràctica pedagògica a través de diverses pel.lícules seleccionades.
Esta investigación analiza las conexiones entre inteligencia musical e inteligencia espiritual, ejemplificadas a partir del mundo audiovisual. Se analizan los parámetros que interactúan en dichas inteligencias y los efectos en el desarrollo personal. La investigación aporta también una aplicación para la práctica pedagógica a través de diversas películas seleccionadas.
This thesis is an investigation about the connections between musical intelligence and spiritual intelligence, brought to practice with examples of the audiovisual world. The criteria that interact between these two kinds of intelligence and their effects on personal development are being analyzed. The research offers an application for practical use in educational environments throughout selected movies.

La tesi se centra en l’anàlisi de les lògiques estructurals que regeixen el funcionament del repertori instrumental per al conjunt de flaüta (flauta de tres forats) i tambor de les illes d’Eivissa i Formentera (illes Pitiüses). Aquest repertori de transmissió oral està format per les sonades de missa (peces interpretades durant la celebració de la litúrgia religiosa), les sonades per ballar (peces per acompanyar les danses) i les gaites (gran conjunt de repertori amb l’única finalitat de deleitar els oïent). L’estudi s’aborda des d’una perspectiva diacrònica i té en compte els canvis experimentats durant el segle XX i fins a principis del segle XXI. Es divideix en dues parts. La primera està centrada en aspectes socials com són les situacions amb presència de música per a flaüta i tambor, els processos de transmissió del repertori o els actors que hi intervenen, a més d’una aproximació a les característiques morfològiques i acústiques d’aquests instruments. La segona part, que constitueix el nucli central de la recerca, se centra en la descripció i la modelització del repertori. L’anàlisi segueix un plantejament estructuralista que es fonamenta en els processos analítics proposats per Nicolas Ruwet, Jean-Jacques Nattiez i Simha Arom, a més d’enriquir-se amb les aportacions de Bernard Lortat-Jacob i Giovanni Giuriati en el camp de la improvisació en les músiques de transmissió oral. Com a resultat de les anàlisis, es proposen dos models de funcionament del repertori: el model d’organització fixada i el model d’organització flexible. El primer es caracteritza per la partició de la seqüència musical en porcions d’extensió fixada i sovint de construcció simètrica, a més d’emprar perfils melòdics amb corbes ben definides i de conducció clara, propis de les melodies vocals i coincident amb els models de construcció melòdica més habituals en la música europea dels últims dos o tres segles. En el model d’organització flexible, en canvi, les seqüències melòdiques s’organitzen en segments d’extensió diferent, sense simetria, i poden presentar processos flexibles deguts a la reiteració variable del propi segment o d’una porció d’aquest, al mateix temps que les configuracions melòdiques, en general, són més curtes, més ornamentades i amb una direccionalitat molt menys previsible. Les mecàniques detectades en el repertori d’Eivissa i Formentera no són exclusives d’aquesta àrea geogràfica, sinó que també es troben, amb major o menor mesura, en altres músiques de transmissió oral de la Mediterrània, així com en determinats repertoris històrics.
The thesis focuses on the analysis of the structural logics that govern the performance of instrumental repertoire for flaüta (three-hole flute) and tambor (drum) set of the islands of Eivissa and Formentera (Pityusic islands). The oral transmission repertoire consists of sonades de missa (pieces played during the celebration of religious liturgy), sonades per ballar (pieces to be played as accompaniment to traditional dances) and gaites (wide set of repertoire for the only purpose of delighting the listener). The study is approached from a diachronic perspective and takes the changes experienced during the twentieth century until the early twenty-first century into account. It is divided into two parts. The first one focuses on social aspects like the situations with presence of music for flaüta and tambor, the processes of transmission of the repertoire or the actors concerned, as well as an approach to the acoustic and morphological characteristics of these instruments. The second part, which constitutes the core of the research, focuses on describing and modeling the repertoire. The analysis is approached from a structuralist point of view based on the analytical processes proposed by Nicolas Ruwet, Jean-Jacques Nattiez and Simha Arom, also enriched with contributions from Bernard Lortat-Jacob and Giovanni Giuriati in the field of improvisation in oral transmission music. As a result of the analysis, we propose two models of functioning of the repertoire: the fixed organizational model and the flexible organizational model. The first of them is characterized by the partition of the musical sequence in steps of fixed length and often of symmetrical construction, as well as the use of melodic profiles with well-defined curves and clear direction, typical of the vocal melodies and matching with the usual melodic construction models in European music of the last two or three centuries. In the model of flexible organization, however, the melodic sequences are organized into segments of different length, without symmetry, and may show flexible processes due to the variable reiteration of the segment itself or a portion of the segment, like the melodic configurations, in general, are shorter, more ornamented and with a much less predictable directionality. The detected mechanics in the repertoire of Eivissa and Formentera are not exclusive to this geographical area, are also found, to a greater or lesser extent, in other music of oral transmission of the Mediterranean, as well as certain historical repertoires.

Aquesta investigació pretén realitzar un estudi sobre els usos de determinades composicions clàssiques preexistents en pel·lícules històriques ambientades a la segona meitat del segle XVIII. Des d’aquesta franja temporal, pretenem demostrar quines són les relacions que es produeixen entre l’anomenada música del classicisme tal i com se la considera de de la musicologia tradicional i les pel·lícules que recreen aquesta època, a saber, la Il·lustració i Revolució respectivament.
Esta investigación pretende realizar un estudio sobre los usos de determinadas composiciones clásicas preexistentes en películas históricas ambientadas en la segunda mitad del siglo XVIII. Desde esta franja temporal, pretendemos demostrar cuáles son las relaciones que se producen entre la llamada música del clasicismo tal y como se le considera desde la musicología tradicional y las películas que recrean esta época, a saber, Ilustración y Revolución respectivamente.
This research looks forward to make a study of the uses of determined preexisting classical composition settled in the second half of the XVIII century in historical movies. From this timeframe, what we hope is to demonstrate which are the relationships that come to life between the classicism music as its considered by traditional musicology and the recreational movies of the Illustration and Revolution respectively.

L'objectiu d'aquesta tesi doctoral és analitzar i valorar les traduccions adaptades a la música de l'obra de Richard Wagner "Die Walküre" al català. La tesi s'ha estructurat partint de les característiques sonores, tant del text original com de les traduccions. Per portar a terme aquest treball a estat necessari realitzar determinats estudis previs. Així doncs, l'estudi de contrast entre el sistema fonològic alemany i el català ens ha permès veure les similituds i les divergències entre la llengua original i la llengua meta. En relació amb les traduccions, hem comprovat que per mantenir el ritme- fidelitat obligatòria tractant-se d'una obra sotmesa a la partitura- la llengua catalana ofereix múltiples recursos lingüístics que permeten la necessària reducció sil·làbica. De totes maneres, en algunes ocasions els traductors han alterat lleugerament el text musical. Per altra part, aquests traductors han aprofitat un gran nombre d'ocasions per reproduir de manera exacta o semblant les sonoritats del text original, arribant fins i tot a crear al·literacions. El fet de que volguessin i aconseguissin reproduir la substància sonora, no va ser un obstacle per descuidar el significat del text. Així doncs, el nostre estudi posa de manifest la qualitat d'unes traduccions que ofereixen una quasi total fidelitat a la sonoritat, al ritme i a la semàntica de l'obra original.
The aim of this PhD thesis is to analyze and to value the translations adapted to the music of Richard Wagner's work "Die Walküre" into Catalan. It has been structured starting from the sound characteristics, from both the original text and also from the translations. To carry out this work certain previous studies were to be necessarily performed. Thus, the contrast study of between the German's and Catalan's phonological systems allowed to see the similarities and differences between the original language and the taget language. As regards the translations, it was verified that in order to support the rhythm- obliged fidelity considering there is music score- the Catalan language offers multiple linguistic resources allowing the necessary syllabic reduction. Occasionally, translators slightly altered music score. These translators, on the other hand, made use of countless occasions to reproduce the sonority of the original text in an exact or similar manner, going so far as to form alliterations. The fact that they were willing and managed to reproduce the sonorous substance, nevertheless, was not an obstacle to neglect the meaning of the text. Thus, this study emphasizes the quality of some translations that offer an almost entire fidelity to the sonority, rhythm and semantics of the original work.

La tesi “La música vocal de Josep Soler. Escrits teòrics i obra musical” és una investigació sobre l’obra vocal de l’autor exceptuant-ne la dramàtica: òpera i oratori, complementada amb una anàlisi sobre el pensament i tècniques musicals, així com sobre el substrat ideològic que fonamenta la seva activitat creadora i la funció de l’artista expressada en innumerables articles i assaigs. La tesi està dividida en una introducció, i tres capítols, més quatre apartats dedicats a les conclusions, la bibliografia, el catàleg dels escrits i la discografia. La introducció es presenten les motivacions que han inspirat la investigació: l’estudi de l’obra de Soler com a continuador del seu mestre Cristòfor Taltabull i la importància de la seva pròpia obra vocal en el context actual. També en aquesta introducció s’assenyalen els objectius: 1. Estudi i anàlisi del pensament filosòfic que sustenta la composició musical de Josep Soler. 2. Estudi i anàlisi dels tres sistemes compositius de compositor: atonalisme, dodecatonisme, i ús de l’acord del Tristany. 3. Elaboració del catàleg de totes les obres vocals de l’autor. El primer capítol està dedicat a l’estat de la qüestió i es desenvolupa amb una anàlisi de totes les publicacions i escrits dedicat a l’obra del compositor separats en tres apartats principal 1. Articles divulgatius publicats a revistes de divulgació cultural o periodístics; 2. Entrevistes. 3. Articles de caire científic o sorgits en l’àmbit universitari. Aquest primer capítol té com a conclusions les següents: 1. Josep Soler ha estat present d’una manera continuada en les publicacions culturals, i ha gaudit d’uns crítics que han posat de relleu la consistència de la seva música. 2. Que al llarg d’aquests anys la seva música no ha tingut canvis estilístics importants i aquesta continuïtat s’ha manifestat en els escrits dels crítics i musicòlegs que han analitzat la seva obra. 3. Que la idea d’un music religiós ha anat evolucionant cap un concepte de músic en la recerca de la Transcendència. 4. Si la seva música no ha sofert canvis dràstics, el seu pensament tampoc i això també es pot comprovar al llarg de les seves entrevistes. El segon capítol està dedicat a l’anàlisi dels sistemes compositius emprats pel compositor: atonalisme, dodecafonisme i ús de l’acord del Tristany. També hi ha un esment especial a l’ús de la teoria del Pitch-Class com a mètode d’anàlisi. El capítol arriba a les següents conclusions: 1. El material base des del qual sorgeix les obres de Soler és d’una gran simplicitat: l’interval de tritó en la música atonal, una sola sèrie però amb un tramat molt compacte i l’acord del Tristany presentat de forma clara o amb petites modificacions notes estranyes, carència d’alguna nota, o altres. 2. Composició directa sense esbossos, ni idees preconcebudes, esquemes, ni plantejaments d’estructura formal i harmònica. 3. Elecció de textos de gran qualitat literària i principalment d’autors no catalans ni espanyols, en els darrers temps redescoberta dels textos de Verdaguer i Llull. 4. Tractament curós de la veuen. Preferència en els inicis per les veus agudes i lleugeres. Absència quasi total del registre de baix en la música de lied. El tercer capítol i nucli central de la tesi és el catàleg de l’obra vocal, no dramàtica, de Josep Soler, El catàleg és divideix en dos apartats principals: obres amb participació de cor, i obres sense participació de cor. El catàleg té una clara vocació per afavorir la interpretació i consta dels següents ítems: 1. Identificació de l’obra per un número de catàleg. 2. Títol de l’obra. 3. Forma musical, principalment lied, cor, cantata. 4. Instrumentació. Indicant tots els instruments de forma clara, i sense abreviatures numèriques. 5. Durada. Normalment proporcionada pel compositor. En el cas d’haver estat enregistrada he utilitzat la que consta en el enregistrament. 6. Idioma i text. El text no solament les referències de l’autor sinó el text complet ja que alguns són de difícil accés i era molt arbitrari seleccionar dels fragments. 7. Data de composició. 8. Manuscrit on està localitzat. 9. Impressió si n’hi ha. Tant privada feta per un copista, com si és comercial. 10. Estrena i circumstancies: data, lloc i intèrprets. 11. Enregistrament si n’hi ha comercial, privat o d’alguna televisió o ràdio pública o privada. 12. Tècnica compositiva. 13. Comentari. Si hi ha alguna característica o vicissitud de la composició que cal destacar. 14. Per últim bibliografia de l’obra, del text o alguna altra qüestió. Aquesta bibliografia per la seva especificitat moltes vegades no està recollida a la bibliografia general. En un dels apartats complementaris hi ha la traducció al català dels textos de les obres. Per últim la tesi es complementa amb una bibliografia, una discografia i un catàleg dels escrits del compositor. Les conclusions finals de la tesi: 1. L’actitud del compositor respecte l’art i la creació es vinculen al significat transcendent d’aquest. Des dels seus inicis és reconegut com un compositor religiós. Els seus manuscrits dels primers anys porten en acabar el lema Laus Deo. Però la presa de consciència, després del seu pas pels jesuïtes, el porten a abandonar el catolicisme i cristianisme com institucions sense perdre els sentit transcendent de l’existència i de l’obra artística. La seva obra és un fidel reflexa d’aquest pensament. Els autors triats per bastir la seva obra vocal en donen testimoni. L’espiritualitat de Rilke, de Rumi, de Verdaguer de Llull. Les tres passions, la infinitat de motets, els Responsoris són la mostra d’aquesta espiritualitat. 2. Originalitat i a la vegada tradició en el seu llenguatge. Soler com a culminació de la música del XIX i principis del XX. La seva estimació per la tradició, pel contrapunt, pels grans mestres de l’època medieval, i la seva voluntat d’expressar sentiments amb la música es conjuguen en un llenguatge que es situa a la cruïlla de la destrucció de la tonalitat i del mon que comportava. 3. Es per la raó anterior què la seva obra és un compendi de pensament i música de l’Europa de principis de segle, sense que això suposi ni conservadorisme progressisme, la seva música està en paral·lel al que va significar Bach al segle XVIII, sense valoracions qualitatives sinó de significat de fi d’una època, compendi, i obertura al futur. 4. La invenció del sistema de l’acord del Tristany suposa una innovació i a la vegada un situar-se en una expectativa d’un futur que desconeix. 5. La magnitud de la obra vocal no dramàtica composta per Soler reafirmen la seva condició de compositor per la veu. La catalogació de la seva obra és una necessitat ineludible a la que intenta respondre aquesta tesi tot esdevenint el seu principal objectiu: la realització d’un catàleg temàtic de l’obra vocal no dramàtica.
The thesis "The vocal music of Josep Soler. Theoretical writings and musical work", is a research on all Soler's vocal work, except for the dramatic one: opera and oratory, complemented by an analysis of musical thought and techniques, as well as the ideological substrate on which he bases his creative activity and the role of the artist expressed in countless articles and essays. The thesis is divided into an introduction, three chapters, and four sections devoted to the conclusions, the bibliography, the catalogue of the writings and the discography. The introduction addresses the motivations that inspire the research: the study of Soler's work as a follower of his teacher Cristòfor Taltabull, and the importance of his own vocal work in the current context. It also states the main goals of the research: 1. Study and analysis of the philosophical thought that supports the musical composition of Josep Soler. 2. Study and analysis of the three Soler's compositional systems: atonality, twelve-tone music, and the use of Tristan chord. 3. Preparation of the catalogue of all the author's vocal works. The first chapter is devoted to the State of the Question and tackles the analysis of all the publications and writings devoted to the work of the composer divided into three main sections: 1. Informative articles published in journals of cultural or general journalism. 2. Interviews. 3. Articles of a scientific nature or arising within the university background. This first chapter comes to the following conclusions: 1. Josep Soler has been regularly publishing in cultural periodicals and has enjoyed good reviews and criticisms highlighting the consistency of his music. 2. Throughout these years his music has not had important stylistic changes and the critics and musicologists who have analysed his work have pointed out this continuity. 3. That the idea of religious music has evolved into a concept of a musician in search of transcendence. 4. While his music has not undergone drastic changes, the same continuity applies to his thoughts, which can be seen in his interviews over the time. The second chapter is devoted to the analysis of the compositional systems used by the composer: atonality, twelve-tone music and use of Tristan chord. There is also a special mention to the use of Pitch-Class theory as a method of analysis. The chapter comes to the following conclusions: 1. The works from Soler come from a very simple basic structure: the interval of tritone in atonal music; a single series but with a very compact plot, and Tristan chord presented clearly or with minor modifications as strange notes, lack of some notes, or other variations. 2. Direct composition without sketches or ideas, schemes or plans of a formal and harmonic structure. 3. Use of texts of great literary quality and mainly of non-Catalan or Spanish authors, although in recent times, he rediscovered some texts by Verdaguer and Llull. 4. Careful voice treatment. Initial preference for high and light voices. Almost complete absence of the low voices in lieder. The third chapter and core part of the thesis is Josep Soler's catalogue of vocal, non- dramatic works. The catalogue is divided into two main sections: works with the participation of a choir, and works without choir. The catalogue has a clear vocation to foster the interpretation and consists of the following items: 1. Identification of the work by a catalogue number. 2. Title of the work. 3. Musical form: mainly lied, choir or cantata. 4. Instrumentation: clearly indicating all required instruments without numerical abbreviations. 5. Duration: normally provided by the composer. Whenever a work has been registered, I give the length stated in the recording. 6. Language and text. The text includes not just the author's references, but also the full text since some of them are difficult to access and it is very arbitrary to select which one to choose. 7. Composition date. 8. Manuscript where it is located. 9. Printed score when available: both private made by a copyist or a commercial one. 10. First performance and its circumstances: date, place and interpreters. 11. Recording when available, be it commercial, private or made by a public or private television or radio station. 12. Compositional technique. 13. Comments when there is any characteristic or vicissitude of the composition that must be highlighted. 14. Finally, bibliography of the work, the text or some other issue. Due to its specificity, sometimes it is not included in the general bibliography. Also in a supplementary section there are Catalan translations of the works texts. Finally, a bibliography, a discography and a catalogue of the composer’s writings complement the thesis. The final conclusions of the thesis are: 1. The attitude of the composer regarding art and creation comes from the transcendent thought of Soler. From his very beginnings, Soler has been received as a religious composer. The manuscripts of his early years end with the motto Laus Deo. However, after his early education at a Jesuit school, his awareness led him to abandon Catholicism and Christianity as institutions, while keeping the transcendence character of the existence and of the artwork. His music is a faithful reflection of this thought and the authors chosen to build their vocal work are a good testimony. In this light, the spirituality of Rilke, Rumi, Verdaguer or Llull; the three passions, the countless motets and the Responsories show this spirituality. 2. Originality within tradition in his language: Soler as a culmination of the final 19th c and early 20th c music. His love for tradition, for counterpoint, for the great masters of medieval times, and willingness to express feelings with music, are conjugated in a language that is placed at the crossroads set up by the destruction of tonality and of the world it implied. 3. Because of these reasons, his work is a compendium of thought and music in Europe at the beginning of the 20th c, which does mean neither conservatism nor progressism. His music follow the lines of what Bach meant in the 18th c, without qualitative valuations, but with the meaning of closing a time, compendium, and opening a new future. 4. The invention of the Tristan chord system is an innovation while, at the same time, puts him in an expectation of exploring an unchartered future. 5. The magnitude of the non-dramatic vocal work composed by Soler clearly confirms his status as a vocal composer. The lack of a real catalogue is the main reason behind this thesis: to make up a complete and documented thematic catalogue of Soler’s non- dramatic vocal work.
La tesis “La música vocal de Josep Soler. Escritos teóricos y obra musical” es una investigación sobre la obra vocal del autor exceptuando la dramática: ópera y oratorio, complementada con un análisis sobre el pensamiento y técnicas musicales, así como sobre el sustrato ideológico que fundamenta su actividad creadora y la función de la artista expresada en innumerables artículos y ensayos. La tesis está dividida en una introducción, y tres capítulos, más cuatro apartados dedicados a las conclusiones, la bibliografía, el catálogo de los escritos del compositor y la discografía. La introducción muestra las motivaciones que han inspirado la investigación: el estudio de la obra de Soler como continuador de su maestro Cristòfor Taltabull y la importancia de su propia obra vocal en el contexto actual. También en esta introducción se señalan los siguientes objetivos: 1. Estudio y análisis del pensamiento filosófico que sustenta la composición musical de Josep Soler. 2. Estudio y análisis de los tres sistemas compositivos de compositor: atonalismo, dodecatonismo, y uso del acorde del Tristán. 3. Elaboración del catálogo de todas las obras vocales del autor. El primer capítulo está dedicado al estado de la cuestión y se desarrolla con un análisis de todas las publicaciones y escritos dedicados a la obra del compositor separados en tres apartados principal 1. Artículos divulgativos publicados a revistas de divulgación cultural o periodísticos 2. Entrevistas. 3. Artículos de cariz científico o surgidos en el ámbito universitario. Este capítulo tiene como conclusiones las siguientes: 1. Josep Soler ha estado presente de una manera continuada en las publicaciones culturales, y ha merecido la atención de unos críticos que han puesto de relevo la consistencia de su música. 2. Que a lo largo de estos años su música no ha tenido cambios estilísticos importantes y esta continuidad se ha manifestado en los escritos de los críticos y musicólogos que han analizado su obra. 3. Que la idea de un músico religioso ha ido evolucionando hacia la idea de un músico a la búsqueda de la Trascendencia. 4. Si su música no ha sufrido cambios drásticos, su pensamiento tampoco y esto también se puede comprobar a lo largo de sus entrevistas. El segundo capítulo está dedicado al análisis de los sistemas compositivos empleados por el compositor: atonalismo, dodecafonismo y uso del acuerdo del Tristán. También hay una mención especial al uso de la teoría del Pitch-Class como método de análisis. El capítulo llega a las siguientes conclusiones: 1. El material base desde el cual surgen las obras de Soler es de una gran simplicidad: el intervalo de tritono en la música atonal, una sola serie pero con un tramado muy compacto y el acorde del Tristán presentado de forma clara o con pequeñas modificaciones: notas extrañas, carencia de alguna nota, u otras. 2. Composición directa sin esbozos, ni ideas preconcebidas, esquemas, ni planteamientos de estructura formal y armónica. 3. Elección de textos de gran calidad literaria y principalmente de autores no catalanes, ni españoles, en los últimos tiempos redescubierta de los textos de Verdaguer y Llull. 4. Tratamiento cuidadoso de la voz. Preferencia en los inicios por las voces agudas y ligeras. Ausencia casi total del registro de bajo en la música de lied. El tercer capítulo y núcleo central de la tesis es el catálogo de la obra vocal, no dramática, de Josep Soler, El catálogo es divide en dos apartados principales: obras con participación de coro, y obras sin participación de coro. El catálogo tiene una clara vocación para favorecer la interpretación y consta de los siguientes ítems: 1. Identificación de la obra por un número de catálogo. 2. Título de la obra. 3. Forma musical, principalmente lied, coro, cantata. 4. Instrumentación. Indicando todos los instrumentos de forma clara, y sin abreviaturas numéricas. 5. Duración. Normalmente proporcionada por el compositor. En el caso de haber sido grabada he utilizado la que consta en la grabación. 6. Idioma y texto. El texto no solamente las referencias del autor sino el texto completo puesto que algunos son de difícil acceso y el autor era muy arbitrario en las selecciones 7. Fecha de composición. 8. Manuscrito donde está localizado. 9. Publicación si hay. Tanto privada, hecha por un copista, como sí es comercial. 10. Estreno y circunstancias: fecha, lugar e intérpretes. 11. Grabación si hay comercial, privado o de alguna televisión o radio pública o privada. 12. Técnica compositiva. 13. Comentario. Si hay alguna característica o vicisitud de la composición que hay que destacar. 14. Por último bibliografía de la obra, del texto o alguna otra cuestión. Esta bibliografía por su especificidad muchas veces no está recogida a la bibliografía general. En uno de los apartados complementarios hay la traducción al catalán de los textos de las obras. Por último la tesis se complementa con una bibliografía, una discografía y un catálogo de los escritos del compositor. Las conclusiones finales de la tesis: 1. La actitud del compositor respecto al arte y la creación se vinculan al significado trascendente de éste. Desde sus inicios es reconocido como un compositor religioso. Sus manuscritos de los primeros años terminan con el lema Laus Deo. Pero la toma de conciencia, después de su paso por los jesuitas, lo llevan a abandonar el catolicismo y el cristianismo como instituciones sin perder el sentido trascendente de la existencia y de la obra artística. Su obra es un fiel reflejo de este pensamiento. Los autores elegidos para construir su obra vocal dan testimonio. La espiritualidad de Rilke, de Rumi, de Verdaguer de Llull. Las tres pasiones, la infinidad de motetes, los Responsorios son muestra de esta espiritualidad. 2. Originalidad y a la vez tradición en su lenguaje. Soler como culminación de la música del XIX y principios del XX. Su estimación por la tradición, por el contrapunto, por los grandes maestros de la época medieval, y su voluntad de expresar sentimientos con la música se conjugan en un lenguaje que se sitúa en el cruce de la destrucción de la tonalidad y del mundo que comportaba. 3. Es por esta razón anterior que su obra es un compendio de pensamiento y música de la Europa de principios de siglo, sin que esto suponga ni conservadurismo, ni progresismo, su música está en paralelo a lo que significó Bach al siglo XVIII, sin valoraciones cualitativas, sinó de significado, de fin de una época, compendio y apertura al futuro. 4. La invención del sistema del acorde del Tristán supone una innovación y a la vez un situarse en una expectativa de un futuro que desconoce. 5. La magnitud de la obra vocal no dramática compuesta por Soler reafirman su condición de compositor para la voz. La catalogación de su obra es una necesidad ineludible a la que intenta responder esta tesis convirtiéndose en su principal objetivo: la realización de un catálogo temático de la obra vocal no dramática.

La Tesis analiza la trayectoria artística de la Banda Municipal de Valencia desde el año 1903 hasta finales del año 2002 y su aportación a la historia de la música valenciana. Primeramente, el autor hace un estudio sobre las agrupaciones de viento y percusión desde sus orígenes hasta la actualidad. Este análisis siempre ha sido enfocado desde el punto de vista de los grupos de músicos profesionales al servicio de los ayuntamientos, es decir, hacia las bandas o conjuntos municipales. Por ello, también hay un apartado dedicado a la formación de las primeras bandas municipales en la historia de España.En un segundo apartado se trata los diferentes aspectos sociales, musicales, culturales y políticos en la Valencia del cambio del siglo XIX al XX, época en que se creó la Banda Municipal. Tras analizar las primeras oposiciones de la Banda Municipal, el autor aborda un estudio económico sobre los sueldos de los primeros profesores de la agrupación. A continuación, se estudia a cada uno de los directores que han estado al frente de la Banda Municipal de Valencia. No es una biografía de cada uno de ellos, sino la labor ejercida por éstos durante su etapa al frente del colectivo. Desde su fundación hasta la actualidad han pasado los siguientes directores titulares: Santiago Lope, Emilio Vega, Luis Ayllón, Emilio Seguí, Antonio Palanca, José Ferriz, Juan Garcés, Julio Ribelles y Pablo Sánchez Torrella.En otro capítulo se hace una valoración de la participación de la Banda Municipal en los Certámenes de Bandas de la Feria de Julio de Valencia desde 1903 hasta el 2002. Para ello, se ha establecido una comparación entre la municipal valenciana y las bandas de mayor número de plazas. De esta forma, podemos observar los directores que estaban a la moda en cuanto a estilos y géneros musicales. Por otro lado, hay un estudio entre las relaciones existentes entre la Banda Municipal y el Conservatorio, ya que muchos profesores de la agrupación también ejercieron simultáneamente la docencia en el Conservatorio hasta el año 1986, fecha en que apareció la Ley de Incompatibilidades. Así, los profesores que compaginaban simultáneamente sus menesteres en la Banda y en el Conservatorio tuvieron que elegir entre un sitio u otro. También el autor hace una investigación sobre la Banda Municipal de Valencia como la principal promotora de la música bandística en la Comunidad Valenciana. En este apartado se hace un estudio sobre todos los profesores que han pasado por la Banda Municipal y al mismo tiempo han dirigido bandas de música de carácter aficionado. El último capítulo de esta Tesis Doctoral está dedicado al estudio estético y estilístico de una composición o transcripción musical de cada director que ha ocupado la titularidad al frente de este colectivo.Cierra la investigación un apéndice documental donde se ha incluido la documentación más importante que hemos encontrado a lo largo de estos casi cien años de labor artística, como diversas plantillas de la agrupación, programas de conciertos, el Reglamento de la Banda Municipal en el año 1903, así como diversos documentos importantes.
The Thesis analyzes the artistic career of the Municipal Band of Valencia since 1903 and its contribution to the valencian music history.At First, the author makes an study about the winds groups and percussion from its origins up to the current times. After that, the author treats the different social, musical, cultural and political aspects of Valencia since the end of the century XIX. After analyzing the first oppositions to join the Band, the author approaches an economic study on the salaries of the first teachers of the group. Also, is studied each of the directors who have been at the head of the Municipal Band of Valencia. It is not a biographic work of each of them, its just only a recopilation of their labor during his stage at the head of the group. In another part of this work, there is an evaluation since 1903 until 2002 about the participation of the Municipal Band in the Certamen de la Feria de Julio de Valencia. In that way, we have known which director was fashioned talking about styles and musical genres. On the other hand, there is a study between the Municipal Band and the Conservatoire, since many teachers of the group also exercised simultaneously the teaching in the Conservatoire until the year 1986, date in which the Law of Incompatibilities appeared. In this way, the teachers who were arranging simultaneously his occupations in the Band and in the Conservatoire had to choose between one place or other. Also the author does an investigation of the Municipal Band of Valencia as the principal promoter of the band music in the Valencian Country. In this part are studied all the teachers who have passed for the Municipal Band and at the same time directed amateur music bands.The last chapter is dedicated to the aesthetic and stylistic study of the composition or musical transcription of every director who occupied the ownership at the head of this group.

La situación actual del mundo pianístico español es un tanto contradictoria. Acabados sus estudios superiores, un pianista se enfrenta a diversas salidas profesionales. Por una parte está la realidad concertística, por otra la pedagógica y por último la de pianista acompañante. La formación en el grado superior de piano se presupone que le capacita para todas estas opciones profesionales, ya sea eligiendo la vía interpretativa o la pedagógica. Sin embargo, para trabajar como pianista acompañante no recibe apenas formación y mucho menos especializada. He aquí la contradicción, pues en el terreno laboral se le exige una aplicación para la que no ha recibido adecuada formación.

Éste es el motivo fundamental para la redacción de la presente investigación. Hemos podido comprobar en primera persona, tanto como estudiante como profesional, la realidad que acabamos de relatar, con unas carencias e incoherencias de índole legislativa y pedagógica. Por ello el objetivo fundamental es el de proponer un currículum específico para esta especialidad de pianista acompañante que dé cabida a esta demanda profesional.

Para ello definimos qué es un pianista acompañante, en qué centra su actividad profesional y cuál es su trayectoria a través de la historia de la música. Con ello podremos establecer las necesidades formativas.

Posteriormente dedicamos un amplio estudio al estado de la cuestión, donde hemos podido constatar el vacío legislativo y pedagógico existente en España en esta materia. Sin duda uno de los apartados más importantes es la realidad profesional del pianista acompañante, donde apreciamos incongruencias y falta de ordenación en torno a la figura del pianista acompañante. Esta situación es la que nos dirige a la necesidad de reclamación de la existencia de una especialidad propia y diferenciada que forme adecuadamente al pianista acompañante, pues en el terreno laboral existe una gran y variada demanda de puestos de trabajo en este campo. Paralelamente también reclamamos una mejor y adecuada organización profesional, pues hemos podido comprobar la ausencia de ordenación en este terreno en España.

Seguidamente y una vez analizado todo lo relativo al acompañamiento al piano en España, hemos examinado fuera de nuestras fronteras qué ocurría en relación con este tema y de qué manera se organizan estos estudios en Europa y el resto de continentes.

Con estas premisas y dejando patente a través de cada una de ellas la necesaria existencia de la especialidad de pianista acompañante, nos hemos dispuesto a redactar nuestra propuesta de estudio para un pianista acompañante y su futura integración en la sociedad musical. Dicha integración pasa por la correcta ordenación y denominación de su especialidad en los distintos centros de enseñanza, así como una apropiada actuación en el mundo liberal de la música. Asimismo hemos definido las competencias y perfiles que debe reunir un pianista acompañante una vez finalizados dichos estudios.

Por todo ello podemos concluir que este estudio es un proyecto con marcado carácter social de índole innovadora y absolutamente viable, pues mediante su aplicación asegura el desarrollo de la educación musical y facilita el emprendimiento.

Since 1994, and for the first time in Spain, the Disney dealer Buenavista Pictures has been providing the videotapes Welcome to Disney Classics. They contain the original versions with subtitles in English. This paper focuses on forty-seven songs from sixteen Disney animated films and analyses them from the perspective of English discourse. The choice of songs under analysis was unsystematic. When the project of this study was begun, there were sixteen issues available. This researcher considers that the material - both in quantity and quality - is highly significant and represents the development of Disney lyrics from their beginnings to this day.
The words of these songs are, according to this researcher, a unique source of magic inspiration. They bring hope, fantasy and patterns of behaviour to children and teenagers, as well as humour and entertainment to adults. This collection of the most famous songs conveys an image of the man - Walt Disney, whom many consider as el "Mago de las cintas de los dibujos animados" (Universitas 1949: 395-405) or el "Mago de Burbank" (Fonte & Mataix, 2000) - and whose films have had an incalculable influence on our generations (1937-1996), merchandising and culture. Disney Lyrics are "magic words" that continue to attract, astonish or enchant the audience.

Aquest treball vol ser una eina de consulta amb tota la informació tècnica del doblatge al català dels Clàssics de Walt Disney. Mitjançant el testimoni de professionals en la direcció, traducció i ajust de les pel•lícules, es dibuixa la seva trajectòria històrica començant pels antecedents musicals dels anys seixanta fins a l’estrena de l’últim Clàssic en català de l’actualitat –juliol del 2019–. L’estudi de camp inclou l’elaboració de dues taules on hi figuren totes les dades tècniques recollides fins avui dia, i se n’afegeixen algunes d’interès. La recerca es centra també en vessar llum sobre els orígens del doblatge Disney en català, així com sobre els motius de la seva aparició. L’estudi acaba concloent, mitjançant un document sonor inèdit, que el primer contingut Disney doblat al català és del 1986, i reflexiona sobre l’augment de la presència del doblatge amateur a les xarxes socials.
El presente trabajo pretende ser una herramienta de consulta con toda la información técnica del doblaje al catalán de los Clásicos de Walt Disney. A través del testigo de profesionales en la dirección, traducción y ajuste de las películas, se dibuja su trayectoria histórica empezando por los antecedentes musicales de los años sesenta hasta el estreno del último Clásico en catalán en la actualidad –julio 2019–. El estudio de campo incluye la elaboración de dos tablas en las que figuran todos los datos técnicos recogidos hasta la fecha, y se añaden algunos de interés. La investigación se centra igualmente en dilucidar los orígenes del doblaje Disney en catalán, así como los motivos de su aparición. El estudio acaba concluyendo, mediante un documento sonoro inédito, que el primer contenido Disney doblado al catalán es de 1986, y reflexiona sobre el aumento de la presencia del doblaje amateur en redes sociales.
This paper will provide with all the technical information about the Catalan dubbing of the Disney Classics. The timeline is drawn beginning with the musicals from the sixties until the last present Classic in Catalan –July 2019– through the witness of professionals in direction, translation and adjustment. The field study includes the making of two tables that gather all the technical data recollected until today, adding others of interest. The research also focuses on uncovering the origin of the Disney Catalan dubbing and the reasons behind its creation. This study concludes, by providing with an unpublished audio document, that the first Disney content dubbed in Catalan dates back to 1986, and it also discusses the increase of amateur dubbing in social media.

The goal of this work was to create an application providing the user with an option of creating interesting and realistic looking montages in few easy steps using a mobile phone. The focus is on simplicity, user friendliness and the speed with which the final montage can be obtained. The work discusses available approaches to building such application, the algorithms needed and also the problems with the implementation of computer vision algo- rithms on a mobile device. It also discusses possible options for speeding up the algorithms through parallelization on newer devices running the iOS operating system.

Esta Tesis Doctoral explora la cultura musical del mundo ibérico renacentista a través del estudio de artes de canto en lengua vernácula impresas entre 1492 y 1626 y de su relación con las mujeres de la época. La Tesis consta de siete capítulos, estructurados en dos partes (Vol. I), y de veinte apéndices (Vol. II). La primera parte (Capítulos I al IV) muestra que las características por las que estos libros que contenían los rudimentos de la música han sido infravalorados hasta ahora por la historiografía musical son precisamente las mismas que demuestran que respondían a una necesidad pedagógica y a la demanda de manuales asequibles, breves y prácticos por parte de un amplio mercado. Las artes de canto se imprimieron en tiradas de miles de ejemplares y eran vendidas a bajo precio, tuvieron una enorme circulación en la Península Ibérica y el Nuevo Mundo, y contribuyeron al incremento y la difusión de la educación musical en contextos educativos diferenciados (la iglesia, la universidad y el ámbito privado), así como entre grupos sociales hasta entonces excluidos del aprendizaje de los fundamentos de la música. El Arte de canto llano (Sevilla, 1530) de Juan Martínez emerge como el tratado de música del mundo hispánico más difundido geográfica y cronológicamente en el siglo XVI e inicios del XVII, pero del que casi nada se sabía. En la segunda parte (Capítulos V al VII), las conexiones entre estos libros de música y mujeres muestran que las áreas de superposición entre lo privado y lo público y entre lo oral y lo escrito permiten desafiar la invisibilidad de las mujeres en documentos históricos y vislumbrar trazas no sólo de la cultura musical de las mujeres de la época, sino también de la importancia de la música en la vida cotidiana. Se utiliza una diversidad de fuentes (artes de canto, libros de conducta, documentos inquisitoriales, literatura, correspondencia e inventarios de bienes, entre otras), a través de las cuales se ha podido documentar la relación con la música de, entre otras, Catalina de Zúñiga, VI Condesa de Lemos, Isabel de Plazaola, e Isabel de Aragón, IV Duquesa del Infantado. Empleando metodologías de la musicología tradicional junto a otras tomadas de los historiadores del libro y de la cultura popular, esta Tesis Doctoral presenta una panorámica de la vida musical de la época a través del prisma de doble alteridad que supone el estudio de las artes de canto, generalmente consideradas carentes de interés, y de su relación con las mujeres, insuficientemente representadas en la historiografía musical.
This dissertation explores the musical culture of the Renaissance Iberian world through both the study of small-format treatises in the vernacular containing the rudiments of music –known as artes de canto– printed between 1492 and 1626, and the nexuses between them and women. The dissertation consists of seven chapters, structured into two parts (Volume I), and twenty appendixes (Volume II). Part I (Chapters I to IV) shows that the arte de canto, until now generally overlooked or undervalued in music historiography, was produced in print runs of thousands of copies and sold for a low price; it had a broad circulation in the Iberian Peninsula and the New World, contributing to the spread of musical literacy in distinct didactic contexts (churches, universities, private settings) and among social groups until then excluded from learning the rudiments of music. The little known Juan Martínez’s Arte de canto llano (Seville, 1530) emerges as the most circulated music book in the Hispanic world during the sixteenth and seventeenth centuries. The aim of Part II (Chapters V to VII) is to approach the musical life of the sixteenth-century Iberian world through the exploration of women’s contributions, thus broadening the field of historical research. The study of some connections between music books and women shows that the points of overlap between the private and the public spheres, on the one hand, and the written and the oral music transmission, on the other hand, not only make women’s musical practices visible, but also offer new vistas on the popular culture of the age. Through a variety of source materials (artes de canto, conduct manuals, Inquisition records, literature, letters and inventories of goods, among others) it has been possible to document the musical activities of women such as Catalina de Zúñiga, VI Countess of Lemos, Isabel de Plazaola, and Isabel de Aragón, IV Duchess of the Infantado. Combining methodologies from traditional musicology with those borrowed from book history and popular culture, this dissertation analyzes music in the culture of the Renaissance Iberian world through the prism of double Otherness involved in studying the ‘other’ music books –that is the undervalued artes de canto– and their connections to women of that period.

Testigos Cristianos de Jehová (TCJ) y música no son dos conceptos que se hayan relacionado con frecuencia. De hecho, más bien brilla por su ausencia en la casi totalidad de la bibliografía que sobre este grupo religioso se ha publicado, e idéntico panorama existe en la bibliografía sobre música y religión. En los más de 130 años de historia de los TCJ la música ha formado parte de la mayoría de sus reuniones, han publicado o usado una quincena de himnarios en inglés y, al menos, seis en español y uno en catalán, han utilizado la música durante varias décadas en su evangelización radiofónica y de casa en casa, han utilizado grandes y pequeñas orquestas y coros, han editado grabaciones sonoras tanto para su uso congregacional como personal... ¿Qué es lo que se conoce de todo esto? ¿Cuáles son, o han sido, sus himnarios? ¿Qué himnos han entonado? ¿Han cambiado estos himnos? ¿Cuál es su procedencia? ¿Qué se conoce sobre sus autores? ¿Cuándo los entonan? ¿Han utilizado o continúan utilizando orquestas y coros? ¿Cuáles son las grabaciones sonoras que han realizado? ¿Quiénes son los personajes que han estado detrás de todo esto? Se podrá creer o no en la existencia e influencia de las divinidades, pero no puede negarse que el ser humano ha invertido, y sigue invirtiendo, mucho esfuerzo tanto en su búsqueda como en su negación y, en ese camino de amor-odio la música y la religión han mantenido una relación muy estrecha. Ignorar la existencia de la música en los TCJ es ignorar una parte importante de su propia historia. Este trabajo pretende acercarse a una de esas realidades tan poco conocidas de los TCJ: la práctica musical en el seno del grupo. Presenta una aproximación histórica a los himnarios que han editado y utilizado y, también, a las personas y diferentes "productos" musicales relacionados (radio, grabaciones, orquestas, etc.). Se estructura en cinco capítulos y cinco anexos. Los capítulos se centran en la justificación del tema de estudio, estado de la cuestión y metodología utilizada (cap. I), una visión general sobre la música, la religión y los TCJ situándolos en su contexto histórico-musical (cap. II), una descripción histórica de sus diferentes himnarios editados en inglés desde 1877 y las fuentes en las que se basaron (cap. III), similar descripción para los editados en español, desde 1919, y en catalán, desde 2008 (cap. IV), y, finalmente, las conclusiones y las fuentes y bibliografía consultadas (cap. V). Los anexos se dividen en dos grandes apartados. Los dos primeros están dedicados exclusivamente al desarrollo histórico del grupo en España (anexo I) y en una ciudad catalana (anexo II), como ejemplo extrapolable al resto de las poblaciones españolas. Los tres anexos restantes están directamente relacionados con las prácticas musicales de los TCJ. Se aporta una serie de listados con los himnos incluidos en los himnarios descritos en los capítulos III y IV (anexo III); se realiza una amplia descripción histórica de las diferentes grabaciones sonoras que han producido los TCJ, el uso que han hecho de la radiodifusión y la música, así como también de orquestas y coros a lo largo de su historia (anexo IV); y el anexo final (anexo V) está dedicado a las personas, a los miembros del grupo que han estado relacionados con las prácticas musicales del mismo con especial dedicación a la figura de M.L. McPhail (1854-1931).
MUSIC AND JEHOVAH’S WITNESSES : HISTORICAL APPROACH TO THEIR HYMNALS AND MUSICAL PRACTICES Over the 130 years of history of Jehovah’s Witnesses (JW’s), music has been part of most of its meetings. They have published or used fifteen hymnals in English and at least six in Spanish and one in Catalan; they have used music for several decades in radio evangelism and from house to house; they have used large and small orchestras and choirs and they have edited sound recordings for both congregational and personal use. What is known about this? What are, or have been, their hymnals? Which hymns have they sung? Have they changed them over the years? Have they ever used or continue to use orchestras and choirs? What kind of sound recordings have they made? Who are the people behind all this? The approach of this paper is to get to know this lesser known aspect of JW’s: Musical practices within the group. It specially takes a historical approach of the hymnals they have edited and used and also of the people and other different "products" related to music (radio, recordings, orchestras, etc.). This thesis is made up of five chapters and five annexes. The chapters focus on the justification, state-of-the-art and methodology used (Chapter I). A general overview of JWs’ historical and musical background (Chapter II). A historical overview of their hymnals published in English since 1877 and the sources used (Chapter III). A similar description for those in Spanish since 1919 and in Catalan since 2008 (Chapter IV). Conclusions, sources and bibliography (Chapter V). The first two annexes deal exclusively with the historical development of the group in Spain (Annex I) and in a Catalan city (Annex II). The three remaining are directly related to the musical practices of JW's. They present a series of lists with the hymns of hymnals described in Chapters III and IV (Annex III). A historical description of sound recordings produced by JW's and the way they have used radio and music as well as orchestras and choirs (Annex IV). The final annex (Annex V) is dedicated to group members involved in its musical practices with special emphasis on the figure of M.L. McPhail (1854-1931).

Els anhels per descobrir els lligams i les premises que vehiculen la música Heavy Metal amb els orígens de la nostra civilització i amb les arrels del nostre llenguatge, han estat els elements més rellevants que han marcat el procés d'anàlisi, i han anat forjant l'articulació de la tesi al llarg de la seva elaboració. El Heavy Metal és una música fortament vital i enèrgica, i els elements mitològics són conductors d' aquesta vitalitat que generen. Determinats moviments i períodes històrics i culturals mantenen un vincle de caràcter transgressor que es manifesta a través dels elements màgics i de la mitologia, sota una forma d' alienació del Món, però també com a manera d' expressar-se de caire reivindicatiu i progressista. El pensament grec clàssic forma part de l' essència del missatge que transmeten les bandes, sobretot des de l’impuls dionisíac, i el llenguatge des del qual aquestes es comuniquen és simbòlic i de caràcter socialitzant. Els trets judeo-cristians són intrínsecs al Heavy Metal, i es manifesten en les bandes tan dins l'àmbit profà com en el sagrat.
Los anhelos por descubrir los vínculos y las premisas que vehiculan la música Heavy Metal con los orígenes de nuestra civilización y con las raíces de nuestro lenguaje, han sido los elementos más relevantes que han marcado el proceso de análisis, y han ido forjando la articulación de la tesis a lo largo de su elaboración. El Heavy Metal es una música fuertemente vital y enérgica, y los elementos mitológicos son conductores de esta vitalidad que generan. Determinados movimientos y períodos históricos y culturales mantienen un vínculo de carácter transgresor que se manifiesta a través de los elementos mágicos y de la mitología, bajo una forma de alienación del Mundo, pero también como forma de expresarse de carácter reivindicativo y progresista. El pensamiento griego clásico forma parte de la esencia del mensaje que transmiten las bandas, sobre todo desde el impulso dionisíaco, y el lenguaje desde el que estas se comunican es simbólico y de carácter socializante. Los rasgos judeocristianos són intrínseco al Heavy Metal, y se manifiestan en las bandas tanto dentro del ámbito profano como en el sagrado.
The desire to discover the links and premises that carry Heavy Metal music with the origins of our civilization and the roots of our language, have been the most relevant elements that have marked the process of analysis, and have been forging the articulation of the thesis throughout its elaboration. Heavy Metal is a strongly vital and energetic music, and the mythological elements are conductors of this vitality that they generate. Certain historical and cultural movements and periods maintain a transgressive link that is manifested through magical elements and mythology, in a form of alienation from the world, but also as a way of expressing oneself in a vindictive and progressive way. Classical Greek thought is part of the essence of the message conveyed by the bands, especially from the Dionysian impulse, and the language from which they communicate is symbolic and socializing. Judeo-Christian thought is intrinsic to Heavy Metal, and manifests itself in bands in both the profane and the sacred realm.

En aquest estudi, emmarcat entre finals del s. XIX fins abans de la Guerra Civil, volem analitzar la relació que hi ha entre la societat barcelonina i els espectacles musicals als quals assistirà. Partim de la base que ens trobem dins d’un període convuls pel replantejament de les idees i els valors, fet que no solament trasbalsarà la vida quotidiana d’aquesta societat, sinó que també es farà patent un canvi que desembocarà en la creació de nous locals d’oci i diversió, els quals oferiran espectacles més d’acord amb la nova forma de pensar i viure i també més adients als gustos musicals i, en general, artístics que aquesta societat demana; tot això sota la influència de les noves tendències artístiques que marcarà París. També els estils musicals seran diferents, perquè harmonies trencadores provinents del Nou Continent confluiran a Europa i canviaran l’estètica musical fins llavors existent. Amb tot, volem arribar a demostrar que aquesta marea pertorbadora dins de l’àmbit social i musical acabarà interrelacionant-se i fusionant-se amb els models artístics ja existents, dels quals en sortirà una concepció musical nova, sense oblidar allò que anomenem “clàssic”.
El principal objetivo del presente estudio consiste en analizar la relación existente entre la sociedad barcelonesa y los espectáculos musicales a los que ésta asistirá, dentro del período de tiempo comprendido entre finales del s. XIX y el inicio de la Guerra Civil española. Se trata de un período convulso debido a un replanteamiento de las ideas y valores existentes y que, no solamente trastocará la vida cotidiana de esta sociedad sino que también se hará patente en la creación de nuevos locales de ocio y diversión que ofrecerán espectáculos que estarán más en consonancia con las nuevas formas de pensar y vivir y, también, con los gustos musicales y artísticos que la sociedad demanda. Todo ello bajo la influencia de las nuevas tendencias artísticas que marcará, principalmente, París. También los estilos musicales serán diferentes debido a armonías transgresoras que provendrán del Nuevo Continente; que confluirán en Europa y que cambiarán la estética musical predominante. En definitiva, se quiere llegar a demostrar que esta marea perturbadora, en el ámbito social y musical, acabará interrelacionándose y fusionándose con los modelos artísticos ya existentes, dando lugar a una nueva concepción musical sin, por ello, olvidar lo que se consideraba como “clásico”.
This study from the late nineteenth century to right before the outbreak of the Civil War aims to analyse the relationship between Barcelonese society and the musical performances they attended. It must be borne in mind that this is a particularly turbulent period marked by the reconsideration of existing ideas and values. Not only did these changes have a deep impact on the day-to-day life of Barcelonese society, but they also paved the way for the emergence of new leisure and entertainment venues which hosted shows more in line with a new way of thinking and living, and which met the musical, and more generally, the artistic demand of society. And all under the influence of new artistic trends determined by Paris. Musical styles changed because ground-breaking harmonies from the New World amalgamated in Europe, thus reshaping existing musical aesthetics. This study attempts to prove that this disruptive wave in the social and musical scene eventually interacted and merged with existing artistic models, resulting in a new musical conception, without putting aside what is considered ‘classic’.

El treball de recerca que he realitzat s'ha centrat en dones compositores, intèrprets i directores d'orquestra. Es tracta d'un anàlisi històric i sociològic de la dona i la seva contribució musical en aquests camps musicals des de l'inici de la participació musical femenina fins al present. Crec que és molt important saber d'on venim i decidir cap on volem continuar caminant. Al segle XX, la musicologia va començar a estudiar les dones en la història de la música i aviat va sorgir la necessitat de recuperar per a la nostra vida musical el llegat d'aquestes artistes. Aviat es van adonar que els seus programes de concerts oferien una història paral·lela de la música de cada època, des del classicisme fins a la música contemporània, passant pel romanticisme o les avantguardes històriques. Aquestes compositores estaven totalment immerses en el llenguatge musical dels respectius períodes històrics, eren en realitat artistes del seu temps. Tot i que penso que hi ha hagut un gran avanç en termes d'igualtat i oportunitats, encara no es parla d'un gran nombre de dones que es dediquin a la composició i / o direcció orquestral, ni tampoc es troben a les aules manuals que incloguin a les brillants compositores, pedagogues, intèrprets ... que hi ha hagut al llarg de la història. Així com tampoc hi ha un nombre important d'obres programades compostes per dones ni dones que portin la batuta i dirigeixin a les més prestigioses orquestres del món. El mateix llenguatge musical continua estant ple d'al·lusions al sexe femení.
El trabajo de investigación que he realizado se ha centrado en mujeres compositoras, intérpretes y directoras de orquesta. Se trata de un análisis histórico y sociológico de la mujer y su contribución musical en estos campos musicales desde el inicio de la participación musical femenina hasta el presente. Creo que es muy importante saber de dónde venimos y decidir hacia dónde queremos continuar caminando. En el siglo XX, la musicología comenzó a estudiar las mujeres en la historia de la música y pronto surgió la necesidad de recuperar para nuestra vida musical el legado de estas artistas. Pronto se dieron cuenta de que sus programas de conciertos ofrecían una historia paralela de la música de cada época, desde el clasicismo hasta la música contemporánea, pasando por el romanticismo o las vanguardias históricas. Estas compositoras estaban totalmente inmersas en el lenguaje musical de los respectivos períodos históricos, eran en realidad artistas de su tiempo. Aunque pienso que ha habido un gran avance en términos de igualdad y oportunidades, todavía no se habla de un gran número de mujeres que se dediquen a la composición y/o dirección orquestal, ni tampoco se encuentran en las aulas manuales que incluyan a las brillantes compositoras, pedagogas, intérpretes… que ha habido a lo largo de la historia. Así como tampoco hay un número importante de obras programadas compuestas por mujeres ni mujeres que lleven la batuta y dirijan a las más prestigiosas orquestas del mundo. El propio lenguaje musical continúa estando repleto de alusiones al sexo femenino.
The research work I have done has focused on women composers, performers and orchestra conductors. I have made a historical and sociological analysis of women and their musical contribution in these musical fields from the beginning of female musical participation to the present. I think it is very important to know where we come from to decide where we want to keep going. In the 20th century, musicology began to study women in the history of music and soon the need arose to restore our musical life to the legacy of these artists. Soon they realized that their concert programs offered a parallel history of the music of each era, from classicism to contemporary music, through romanticism or historical avant-gardes. These composers were totally immersed in the musical language of their respective ages, were actually artists of their time. Although I think there has been a breakthrough in terms of equality and opportunities, there is still a small number of women who are dedicated to orchestral composition and / or conduction, nor are they in manual classrooms that include bright Composers, pedagogues, performers ... that have been throughout history. There is still an insignificant number of works composed by women or women who lead the most prestigious orchestras in the world. The musical language itself has lot of allusions to the female sex.

La proliferación de escritos teóricos e investigaciones en torno la figura de Alejo Carpentier y su novelística se hizo hecho notorio a lo largo de los años 80 e inicios de los años 90. No obstante, y tras un aplacamiento de la fiebre carpenteriana en los últimos años del siglo pasado, cabe apuntar que resulta pobre y exiguo el número de acercamientos de tipo interdisciplinario que se han practicado para con la ensayística de índole musicológica del autor. Con el presente proyecto procedemos, por un lado, a diseccionar, analizar y presentar el ensayo musicológico de Alejo Carpentier, cuya importancia, como una significativa parte de la ensayística general del autor cubano, ha sido devaluada por los integrantes del aparato crítico; y a examinar, por otro lado, cómo el ensayo musicológico sirve al autor como teoría programática para la consolidación de su novelística ulterior. Procederemos, asimismo, a un ejercicio de intertextualidad relacionando La Música en Cuba, Tristán e Isolda en Tierra Firme, Del folklorismo musical, América Latina en su música y Los orígenes de la música y la música primitiva con variadas novelas de Carpentier donde también se desarrollan y se hermanan los conceptos de música, transculturación, aculturación y nacionalismo, entre otros.
The popularization of essays and theories that deal with Carpentier took place throughout the 80's and early 90's. However, after a smooth fever about Carpentier in the recent years of the last century, the number of such interdisciplinary approaches, which have already been made to the musical essays of the author, is, by far, poor and meagre. With this project we proceed, on the one hand, to dissect, analyze and present Carpentier’s musical essays, the importance of which, as a significant part of the general essays by the Cuban author, has so far devalued by the members of the critical apparatus; and to examine, on the other hand, how the musical essay is used by the author as a programmatical theory for the consolidation of his subsequent narrative. We will also proceed to an exercise in intertextuality linking La música en Cuba, Tristán e Isolda en Tierra Firme, Del folklorismo musical, América Latina en su música and Los orígenes de la música y la música primitiva with various other novels by Carpentier, which also develop and connect concepts such as music, transculturation, acculturation and nationalism, among others.

El avance en las formas musicales propugnadas por el maestro alemán, sino que sus teorías estéticas a irrupción del wagnerismo en la Europa de su tiempo, fue uno de los fenómenos artísticos y culturales más significativos de la segunda mitad del siglo XIX. Éste no se limitó únicamente a un y escenográficas trascendieron las fronteras teatrales para alcanzar a otros campos como el literario o el de las artes plásticas, tal y como se abordará en el desarrollo de la tesis. Muchos de estos artistas e intelectuales (franceses, ingleses, belgas, rusos, norteamericanos, italianos, españoles, etc.) seducidos por la estética wagneriana, contribuyeron a integrar la iconografía y el mundo mítico de las óperas de Wagner en patrimonio común de la civilización occidental. Este fenómeno fue posible gracias a la nueva ordenación en la jerarquía de las artes producida en el siglo XIX y que llevó a la música y a la pintura –hasta entonces considerada en un plano inferior respecto a la poesía y a la arquitectura- a encabezar este nuevo orden, hecho que afectó favorablemente a la difusión de las teorías artísticas de Wagner tal y como veremos. El Romanticismo alemán con las figuras de Schiller, Caspar David Friedrich o Philip Otto Runge participaron en este nuevo postulado que pronto fue divulgado por toda Europa, agregándose igualmente la figura principal del pintor francés Eugène Delacroix que la convirtió en pilar básico de su teoría artística. Pero, sin lugar a dudas, fue la presencia del músico alemán Richard Wagner (1813-1883), quien mejor desarrolló e influencia tuvo en la estética de su tiempo por esta preeminencia de la música y la pintura sobre las demás artes, y particularmente de la música sobre el resto. Wagner convirtió a la idea de la Gesamtkunstwerk (obra de arte total) –partiendo de la sinestesia como origen-, en el sujeto fundamental de toda su obra musical y estética. Esta se podría definir como la síntesis y unión de todas las artes integradas bajo la dirección de la música, que conduce a la realización de una obra original, de un modelo ideal y superior. El nuevo ideario artístico obtuvo, de este modo, un reconocimiento favorable en las diversas manifestaciones estéticas desde los años sesenta hasta las primeras décadas del siglo XX y, esencialmente bajo las formas del simbolismo. Es por tanto que al dar título a la tesis como El reflejo de Wagner en las artes plásticas españolas, no se va a circunscribir únicamente el campo de estudio exclusivo de la interpretación iconográfica e iconológica de los personajes de las óperas de Wagner, si no que se va a extender a un objetivo más amplio que sirva para analizar, social y culturalmente, el fenómeno wagneriano desde sus condicionantes ideológicos a los artísticos, haciendo una valoración objetiva de la influencia marcada o no del wagnerismo en España y muy especialmente en las artes plásticas. Después de la consulta e información variada y múltiple recogida durante estos años, la organización de la tesis ha sido un tanto complicada, máxime cuando contando con todo el material recogido, era imposible determinar la síntesis fijada y que no dificultara el objetivo final de la misma, fijada desde un inicio y que se centraba en el estudio de la iconografía wagneriana desde la composición y difusión de la ópera de Wagner en Europa y su posterior llegada a España, principalmente presentada bajo su forma plástica. Comprender el porqué de la importancia otorgada por Richard Wagner a la puesta en escena –fundamental a la hora de concebirse más tarde el prototipo iconográfico-, así como establecer a manera de diccionario temático-iconográfico y simbólico, el estudio analítico de cada ópera desde Rienzi a Parsifal, así como la propia hagiografía derivada por el propio músico. En el estudio de cada ópera y cada personaje, se establecen unas pautas principales: parentesco y origen, atributos, mitos relacionados, principales obras/ejemplos plásticos. Con esta base, sería fácil establecer el reflejo de Wagner en las artes plásticas españolas, definiendo a través del catálogo de imágenes desde el estreno de Rienzi (1876) en el Teatro Real al de Parsifal (1913/14). Un último apartado incide en varios artistas que se convierten en los protagonistas más relevantes de la iconografía wagneriana española, como son Rogelio de Egusquiza, Mariano Fortuny y Madrazo y Adrià Gual, además de en su vertiente coleccionista y promotor la delmusicólogo Joaquim Pena. En un principio, el campo de exploración estaba acotado entre dos fechas bien delimitadas, por una parte el estreno de la primera ópera de Wagner en España (1876, Rienzi en el Teatro Real de Madrid) y el último estreno con Parsifal (Teatro del Liceo, 1913, Madrid, 1914). En el estudio sobre el wagnerismo en España era fácil trabajar con la acotación por épocas, delimitadas por acontecimientos histórico- sociales determinantes que básicamente se fijaban en dos grandes etapas el período de la Restauración (1875-1902) momento en el que comienzan a estrenarse las primeras óperas del período romántico de Wagner (Der fiegende Holländer, Tannhäuser, Lohengrin) a Tristan und Isolde o Die Walküre (estrenadas en 1899 en el Liceo) y que supuso el gran estallido del wagnerismo en Cataluña. A partir de 1901, marcado por el cambio histórico-político del comienzo del reinado de Alfonso XIII, se sucedió la definitiva difusión y aifanzamiento del wagnerismo en España, con las constituciones de las Asociaciones Wagnerianas (1901 –Barcelona; 1911 Madrid) a la representación de su gran obra Der Ring des Nibelungen y los homenajes en 1913 al centenario de su nacimiento (Festivales Wagner, Teatro del Liceo). En el análisis del wagnerismo catalán, los acontecimientos políticos propios de la Cataluña de la época con la Reinaxença, y más tarde los movimientos anarquistas y el nacionalismo catalán influirán significativamente en la presentación de los prototipos wagnerianos. No obstante, he de remarcar que en los capítulos 2, Wagner, hombre de teatro y 3, La iconografía wagneriana. Wagner como generador de imágenes literarias y musicales, los acontecimientos históricos han pasado a un segundo término, porque era necesario sintetizar el origen y significado de la iconografía sin prolongar más el estudio, y era conveniente la explicación a través de acontecimientos importantes como la creación del Festspielhaus de Bayreuth (estrenos de Der Ring des Nibelugen, 1876 y Parsifal, 1882), y la herencia del espectáculo wagneriano con Cósima Wagner y Bayreuth como exportador del wagnerismo. Bajo el título Reflejo de Wagner en las artes plásticas españolas. De la Restauración a la Primera Guerra Mundial, he intentando englobar por una parte, la iconografía wagneriana desde su origen –con la difusión y proyección de los modelos wagnerianos desde Bayreuth- hasta su aceptación por los pintores españoles, creando una iconografía propia. Igualmente, estudiar la evolución de la iconografía wagneriana en España, desde los primeros estrenos y sus testimonios plásticos, hasta el año 1914 que supone el fn de una era, la del primer wagnerismo en España –que acaba con el estreno de Parsifal y el comienzo de la Primera Guerra Mundial-.

La presente investigación tiene como objetivo general conocer los orígenes y el desarrollo de las colonias musicales en España, así como los ámbitos y dimensiones formativas presentes en las mismas. De esta forma, y a través de una metodología fundamentada en el paradigma interpretativo, de carácter descriptivo y exploratorio, combinando datos cualitativos y cuantitativos, implicando la recolección, análisis y vinculación de dichos datos, podemos afirmar que las colonias musicales son una evolución de las actividades artísticas, en concreto musicales, que siempre han acompañado, desde sus inicios, a las colonias escolares. Respecto al origen de las colonias musicales, éste se sitúa en Cataluña, propiciado por una asentada red de Orfeones además de una reconocida tradición excursionista. De esta forma, y a causa de la influencia ejercida por el movimiento coral internacional A Coeur Joie, se organizaron en 1968 las primeras colonias musicales en España de manos de l’Orfeó Lleidatà y su director Lluís Virgili, con la intención de recuperar y transmitir, a través de las actividades corales, las costumbres y la lengua catalana. Posteriormente, el desarrollo de las colonias musicales fue desigual en el resto del estado, manteniendo Cataluña la hegemonía sobre la organización de éstas, a pesar de que en los últimos 20 años se ha observado una propagación por el resto de España y en especial por la mitad norte. A través de un pormenorizado estudio de campo, presentamos las características de las mismas en la actualidad, tanto a nivel técnico como lo referenciado a las dimensiones artísticas presentes. Dicho estudio nos muestra las colonias como una actividad formativa complementaria a la que el alumnado participante recibe durante el curso lectivo, con unas características intrínsecas que la diferencian de cualquier otra tipología educativa centrada en el desarrollo artístico. Dicha diferenciación se debe, principalmente, a la convivencia entre los diferentes agentes implicados. Por otro lado, y a través de la aplicación de una serie instrumentos de recogida de datos, ofrecemos el perfil competencial de los asistentes a unas colonias de música.
This research aims to understand the origins and development of musical camps in Spain, as well as areas and educational dimensions in them. In this way, and through a methodology based on the interpretive paradigm, descriptive and exploratory, combining qualitative and quantitative data, involving the collection, analysis and linkage of these data, we can say that musical camps are an evolution of the art's activities, music in particular have always accompanied, from the beginning, to school camps. Regarding the origin of musical camps, that is in Catalonia, led by an established network of choruses along with a recognized hiking tradition. Thus, because of the influence exerted by the international choral movement A Coeur Joie, the first music camps in Spain are the camps of l'Orfeó Lleidetà and his director Lluís Virgili, organized in 1968, with the intention of retrieving and transmitting, through choral activities, customs and language of Catalonia. Subsequently, the development of musical colonies was uneven in the rest of the state, maintaining Catalonia the hegemony over the organization of these, although in the last 20 years have seen a spreading through the rest of Spain and in particular by the northern half. Through a detailed field study, we present the characteristics of them today, both technically as referenced to the artistic dimensions present. This study shows the colonies as a complementary training activity to which the participating students receive during the school year, with intrinsic characteristics that differentiate it from any other educational typology focused on artistic development. Such differentiation is mainly due to the coexistence of different stakeholders. On the other hand, and through the implementation of a number of data collection instruments, we offer the skills profile of the persons of a music camps.

Esta tesis se propone el estudio de las líneas fundamentales del pensamiento de Ernest Ansermet (1) en lo que concierne principalmente a la constitución de la música en la consciencia del hombre. Trata, por tanto, de mostrar, siguiendo la estela de las indagaciones de Ansermet, cómo la música surge originariamente de la relación que se establece entre las estructuras de la consciencia y las estructuras del mundo de los sonidos. El núcleo de nuestro discurso apoya la idea ansermetiana de que la experiencia de la música es originariamente inmediata o, para decirlo en términos fenomenológicos, se torna inmediata en el acto de la vivencia de la obra. Es una “Erlebnis”, una experiencia que presupone el acto constituyente del yo en el sentido de un a priori que se brinda a la subjetividad como un acto ante-comprensivo dado al mismo tiempo que el objeto de la experiencia. Por tanto, todo sobrevuelo cognoscente que pretenda explicar el proceso de la experiencia de la música –puesto que la música, como objeto estético pensado o vivido, implica necesariamente su formación misma en cuanto proceso– quedará atrapado en aquello que la música es, o se le atribuye, una vez ha sido ya realizada. El lugar en el que la música se produce es el de una espacio-temporalidad imaginaria que viene a ser proyección del espacio psíquico del hombre en el espacio que nos envuelve y, en consecuencia, expansión de nuestro tiempo interno en un espacio sonoro asimismo imaginario, constitutivo del tiempo propio de la música. El espacio-tiempo musical es, de este modo, un espacio estructurado hecho, indefectiblemente, de correspondencias tonales, las únicas que, según Ansermet, garantizan la comprensión unitaria del fenómeno primigenio de la música. Porque es en el marco de la tonalidad donde puede darse la actividad afectiva de la consciencia, actividad encargada del engranaje que se produce entre la consciencia auditiva y la consciencia musical. Así, la tonalidad es, para Ansermet, la condición inexcusable del sentido de la música. Su particular apropiación del método fenomenológico se efectúa, de este modo, en el descubrimiento mismo de la naturaleza espacio-temporal de la música. Y es, en correspondencia, el encuentro con la espacio-temporalidad musical lo que le conduce a la adopción de la fenomenología. El objeto de la fenomenología de Ansermet es, por tanto, el espacio musical y, por extensión, el espacio-tiempo. No es un espacio acústico o sonoro (el punto del espacio físico donde situamos la emisión del sonido), ni un espacio subjetivo y psicológico (la sucesión y acumulación de hechos psíquicos), sino un espacio imaginario que para la consciencia es evidente y real. Lugar propio de una consciencia que oye y que habita los sonidos significándolos, el espacio musical se conforma a la vez al transitar en él la música. Si la consciencia musical, como consciencia espacio-temporal es consciencia tonal, el agente de esta transfiguración se produce en el campo de la consciencia imaginante (conscience imageante), en el sentido expresado por Sartre en L´imaginaire y L´être et le néant. En una primera acepción, la consciencia imaginante sartreana es consciencia intencional, concepto fundamental de la filosofía de Husserl (en un segundo aspecto, se nutrirá del Dasein heideggeriano). A partir de la lectura de Husserl y Sartre, Ansermet adoptará la fenomenología convirtiéndola en original “mirada” filosófica y particular herramienta metodológica de su pensamiento. Desde los procesos de la reflexión a la trascendencia de la forma, pasando por la aparición de la música en los sonidos y la descripción del tiempo de la música, nuestro trabajo espera contribuir, partiendo de Ansermet, a los estudios que, sobre la música, se han venido realizando desde la perspectiva fenomenológica. //1// Ernest Ansermet (Vevey [Suiza], 1883 - Ginebra, 1969), director de orquesta, fundador de la Orquesta de la Suisse Romande, director permanente de esta agrupación y matemático de formación, fue además un conspicuo pensador que se interesó tanto por los problemas de orden filosófico que le planteaban sus interrogaciones acerca de la música como por el propio hecho musical en sí mismo considerado. Su texto principal, Les fondements de la musique dans la conscience humaine, viene a ser un resumen sistemático de todas aquellas inquietudes e interrogaciones.
This thesis intends to examine the fundamental lines of thought of Ernest Ansermet(1), principally concerning the constitution of music in human consciousness. The study therefore aims to demonstrate, by pursuing the arc of Ansermet’s inquiries, how music has its origins in the relationship that is established between structures in consciousness and those from the world of sounds. The place where music occurs is one of an imaginary space-temporality resulting from the projection of our psychic space upon the space that surrounds us, and consequently, the expansion of our internal sense of time into a sonic space, likewise imaginary, one based on the time of the music itself. This musical space-time is therefore a structured space necessarily consisting of tonal correspondences, the only ones, according to Ansermet, that ensure a holistic understanding of the essential phenomenon of music. This is because within a framework of tonality, the emotional activity of consciousness can succeed, an activity responsible for the engagement produced between the auditory and musical consciousnesses. Thus, tonality becomes for Ansermet the inexcusable condition for the meaning of music. Musical consciousness is thus tonal consciousness. The agent in this transfiguration is the imaginary consciousness (conscience imageante), expressed by Sartre in L´imaginaire and L´être et le néant. In an initial sense, the Sartrean imaginary consciousness is an intentional consciousness, a fundamental concept in the philosophy of Husserl (in a secondary consideration, it would be derived from the Heideggerian Dasein). From the reading of Husserl and Sartre, Ansermet would adopt the idea of phenomenology and convert it into an original philosophical “view” and a methodological tool for his own thought. From the processes of reflection to the transcendence of form, by way of the appearance of music in sound and the description of time in music, our work aims to further Ansermet’s ideas and contribute to studies on music that have been made from a phenomenological perspective. //1// Ernest Ansermet (Vevey [Switzerland], 1883 - Geneva, 1969), orchestra conductor, founder and musical director of the Orchestre de la Suisse Romande, and a trained mathematician, was also an remarkable thinker who took great interest both in the philosophical issues posed to him by questions regarding music as well as music itself. His main written work, Les fondements de la musique dans la conscience humaine, consisted of a systematic overview of all those concerns and inquiries.

Aquesta tesi doctoral se centra en la recuperació i estudi de la figura del músic valencià, de Silla, Francisco Antich Carbonell, en les seves facetes de compositor, organista, pedagog i editor musical. La finalitat d'aquesta tesi és donar a conèixer la trajectòria personal i la contribució al patrimoni musical valencià d'aquest músic de qui va ser mestre de compositors i personalitats tan rellevants de la historiografia musical del nostre país com Eduardo López-Chavarri Marco, Rafael Rodríguez Albert o Joaquín Rodrigo. L'estudi de les obres que es conserven actualment en els diferents arxius i biblioteques de València, m'ha permès elaborar un complet catàleg de producció musical, a través del qual podem conèixer les característiques musicals i tècniques de cadascuna d'elles, així com els manuscrits i les edicions impreses, i localitzar en quins arxius i biblioteques podem trobar cada obra, la qual cosa unit a aspectes d'escriptura i transcripció, ens ofereixen una gran font d'informació sobre les seves obres. Això ens ha permès també trobar obres noves que no havien estat abans citades en altres biografies o catàlegs musicals d'aquest músic i compositor. La col·laboració musical de Francisco Antich Carbonell amb un altre músic i compositor, Gervasio Mariano Pérez Sánchez de Requena -més conegut com Mariano Pérez Sánchez-, m'ha permès endinsar-me en la faceta de la composició musical escènica, de temàtica profana, de Francisco Antich Carbonell. Al meu entendre aquest músic de Silla, hauria d'ocupar un lloc destacat en la música valenciana i espanyola.
Esta tesis doctoral se centra en la recuperación y estudio de la figura del músico valenciano, de Silla, Francisco Antich Carbonell, en sus facetas de compositor, organista, pedagogo y editor musical. La finalidad de esta tesis es dar a conocer la trayectoria personal y la contribución al patrimonio musical valenciano de este músico de quien fue maestro de compositores y personalidades tan relevantes de la historiografía musical de nuestro país como Eduardo López-Chavarri Marco, Rafael Rodríguez Albert o Joaquín Rodrigo. El estudio de las obras que se conservan actualmente en los diferentes archivos y bibliotecas de Valencia, me ha permitido elaborar un completo catálogo de producción musical, a través del cual podemos conocer las características musicales y técnicas de cada una de ellas, así como los manuscritos y las ediciones impresas, y localizar en qué archivos y bibliotecas podemos encontrar cada obra, lo que unido a aspectos de escritura y transcripción, nos ofrecen una gran fuente de información sobre sus obras. Eso nos ha permitido también encontrar obras nuevas que no habían estado antes citadas en otras biografías o catálogos musicales de este músico y compositor. La colaboración musical de Francisco Antich Carbonell con otro músico y compositor, Gervasio Mariano Pérez Sánchez de Requena -más conocido como Mariano Pérez Sánchez-, me ha permitido adentrarme en la faceta de la composición musical escénica, de temática profana, de Francisco Antich Carbonell. En mi opinión este músico de Silla, debería ocupar un lugar destacado en la música valenciana y española.
This thesis doctoral focuses on the recovery and study of the figure of the Valencian musician, of Silla, Francisco Antich Carbonell, in his facets of composer, organist, pedagogo and musical editor. The purpose of this thesis is to make known the personal trajectory and contribution to the Valencian musical heritage of this musician of whome he was the teacher of composers and personalities as relevant in the musical historiography of our country as Eduardo López-Chavarri Marco, Rafael Rodríguez Albert or Joaquín Rodrigo. The study of the works that are currently preserved in the different archives and libraries of Valencia, has allowed me elaborate a complete catalogue of musical production, through which we can know the musical and technical characteristics of each one of them, as well as the manuscripts and the printed editions, and locate in which files and libraries can find each work, which together with aspects of writing and transcription, offer us a great source of information about his works. That has also allowed us to find new works that had not previously been mentioned in other biographies or musical catalogues of this musician and composer. The musical collaboration of Francisco Antich Carbonell with another musician and composer, Gervasio Mariano Pérez Sánchez of Requena –better known as Mariano Pérez Sánchez-, has allowed me to delve into the facet of Francisco Antich Carbonell's stage music composition. In my opinion this musician of Silla, should occupy a prominent place in the Valencian and Spanish music.

Estudio de la biografía y obra del compositor valenciano Amancio Amorós Sirvent (Agullent,Valencia,1854-Sant Cugat del Vallés, Barcelona, 1925) en el contexto del ambiente histórico-musical de Valencia a finales del siglo XIX y principios del XX. La Tesis consta de dos volúmenes y un total de 1024 páginas. El primer volumen contiene el estudio propiamente dicho, e incluye cinco capítulos y la relación de fuentes y bibliografía consultadas. En el Capítulo 1 se ofrece un panorama general de la vida musical en la Valencia de finales del XIX y principios del siglo XX en el que, además de revisar y reelaborar los datos tomados de la bibliografía pre-existente, se aporta información nueva sobre algunas importantes instituciones musicales valencianas con las que se relacionó el compositor. El Capítulo 2 se dedica a la biografía de Amancio Amorós y estudia sucesivamente su etapa formativa y despegue profesional como pianista y compositor, su vinculación con la sociedad Lo Rat Penat (entidad clave en la Renaixença valenciana) y su etapa de madurez, en la que tuvo gran proyección no sólo en la vida musical valenciana, sino también a nivel nacional. El Capítulo 3 se centra en la importante actividad docente de Amancio Amorós, que dio clases en diversas instituciones y en el Conservatorio de Valencia (del que también fue director), y escribió varias obras didácticas dedicadas al solfeo, la armonía y el piano, algunas de ellas de notable éxito editorial y reconocidas expresamente por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. El Capítulo 4 estudia la actividad musicológica de Amancio Amorós, centrándose en dos aspectos: la creación de la Biblioteca Musical Valenciana (1894-1895), publicación promovida por Amorós que supuso un importante impulso a la difusión de obras de compositores valencianos, y la relación de Amorós con Felipe Pedrell. En el Capítulo 5 se presenta un primer estudio de la labor compositiva de Amorós a partir de una selección representativa de obras suyas de diversos géneros musicales: sinfónico, camerístico, pianístico, escénico y religioso; tras describir las coordenadas estéticas en las que se enmarcó la creación del compositor, se analizan veintiuna piezas musicales suyas, seis de ellas editadas por primera vez en esta Tesis. Entre estas obras editadas por primera vez se incluyen algunas de gran formato, como las sinfonías Corina, op. 35 (1883) y la Sinfonía para gran orquesta sobre aires populares de Valencia y su reino, op. 69 (1890). La investigación realizada ha permitido localizar cuarenta y ocho composiciones de Amorós conservadas actualmente en diversos archivos y bibliotecas españolas, y documentar con cierto detalle otras diecisiete composiciones hoy perdidas. La producción de Amorós se sitúa dentro del estilo tardo-romántico europeo, con elementos nacionalistas claramente visibles en algunas obras, en conexión con el movimiento estético de la Renaixença valenciana (que revalorizó el folklore valenciano y la música popular como base de inspiración creativa). En alguna de sus obras religiosas se adentró en las innovaciones del modernismo musical, conectadas con el espíritu reformista del Motu Proprio. El volumen 2 de la Tesis (en CD-Rom) incluye el catálogo completo de la producción musical de Amorós, la edición musical de quince composiciones seleccionadas en el estudio y varios apéndices, entre ellos el inventario de la biblioteca personal de Amancio Amorós depositada en la Biblioteca de Catalunya por su hijo, José Vicente Amorós Barra, la edición crítica de tres lecciones de solfeo inéditas de Amorós (Lecciones de Solfeo manuscrito a una y dos voces), la reproducción de los tres volúmenes localizados de la Biblioteca Musical Valenciana y otros materiales y documentos relacionados con la investigación.
Study of the life and work of the Valencian composer Amancio Amorós Sirvent (Agullent, Valencia, 1854-Sant Cugat del Vallés, Barcelona, 1925) in the urban context of the city of Valencia. The Doctoral Dissertation (Ph.D.) is articulated in two volumes. Volume 1 includes five chapters, list of sources, and bibliography. Chapter 1 is an overview of musical life in Valencia at the end of the 19th century and the beginning of the 20th century, with a revision of previous literature and new information. Chapter 2 studies the biography of Amancio Amorós, from the beginning of his career as a pianist and composer to his mature period, when he became a very important figure in the musical life of Valencia. Chapter 3 examines the work of Amancio Amorós as a teacher in several Valencian institutions and as director of the Conservatorio de Valencia, where he had a very important role; particular attention has been devoted to the didactic works by Amorós about theory of music (“solfeo”) and piano. Chapter 4 studies the musicological activity of Amancio Amorós, examining the Biblioteca Musical Valenciana, a publication he promoted in 1894-1985, and the relationships between Amorós and Felipe Pedrell. Chapter 5 presents a first approach to the music by Amorós, analyzing a representative selection of twenty-one of his works in different genres: symphonic music, chamber music, piano, theatrical and religious music. The study reveals that he used a late Romantic style, incorporating in some works nationalistic elements in connection with the “Renaixença”, the movement that encouraged the use of Valencian folklore and traditional music of the region as a base of new creative inspiration. Some of his religious compositions incorporated a more modern language, connected with the reformist ideas of the Motu Proprio. Volume 2 of the Dissertation includes the complete catalogue of the musical production of Amancio Amorós, the edition of fifteen compositions analized in the study and twenty-two appendices.

Esta tesis doctoral es relativa al concepto de repertorio, concretamente a su aplicación y uso en la producción musical para flauta travesera. Se trata de una investigación que pretende cuestionar y justificar el por qué y el cómo dentro de las obras disponibles para ser tocadas algunas han adquirido durante el siglo XX, una supremacía que las ha convertido en obras habituales, mientras otras aparecen en pocas ocasiones o quizá nunca en el repertorio de los intérpretes. A través de esta investigación se pretende establecer si existe o no una fórmula que garantice no solo el éxito de la obras sino su proyección y perdurabilidad como obra destacada dentro del repertorio, así como también revisar el término ¿repertorio¿ para observar si necesita definiciones más precisas.

El present treball de recerca té per objecte examinar la creativitat artística i cultural, la seva traducció, recepció i promoció en diferents contextos. S'aborda els conceptes més rellevants relacionats amb aquests temes. Com a treball de camp s'ha assegurat la presència dels artistes catalans tant en els festivals internacionals i els mitjans de comunicació com a les xarxes socials, els portals i les pàgines web dedicades a la música. L'últim capítol està dedicat a les conclusions. L'estudi que s'ha realitzat confirmar, com era d'esperar, que l'art té unes arrels molt profundes en les cultures locals de les quals sorgeix i alhora disposa de la força per despertar emocions en tots els éssers humans. Aquestes qualitats podrien convertir-lo en un instrument idoni per mantenir el diàleg intercultural. No obstant això, per assegurar l'entesa mútua és necessària la presència dels gestors culturals i artístics competents.
El presente trabajo de investigación tiene por objeto examinar la creatividad artística y cultural, su traducción, recepción y promoción en diferentes contextos. Se aborda los conceptos más relevantes relacionados con estos temas. Como trabajo de campo se ha asegurado la presencia de los artistas catalanes tanto en los festivales internacionales y los medios de comunicación como en las redes sociales, los portales y las páginas web dedicadas a la música. El último capítulo está dedicado a las conclusiones. El estudio que se ha realizado confirmó, como era de esperar, que el arte posee unas raíces muy profundas en las culturas locales de las cuales surge y a la vez dispone de la fuerza para despertar emociones en todos los seres humanos. Estas cualidades podrían convertirlo en un instrumento idóneo para mantener el diálogo intercultural. Sin embargo, para asegurar el entendimiento mutuo es necesaria la presencia de los gestores culturales y artísticos competentes.
This research aims to examine artistic and cultural creativity, translation, reception and promotion in different contexts. The experience as a cultural manager presents us many questions about cultural differences, communication and entertainment. In the first part we present some-several issues related to those topics. As the practical part of our investigation we have ensured the presence of Catalan artists at different international music festivals, the mass media, social networks, portals and websites dedicated to music. In the last part we plant the conclusions. As expected, the study we have done confirmed that art has very deep roots in local cultures and, at the same time, it has the power to awaken emotions in all human beings. These qualities could make it an ideal instrument to maintain intercultural dialogue. However, to ensure mutual understanding, it is necessary to provide the presence of qualified cultural and artistic managers.

Desde la desamortización de conventos a partir de 1835, la ciudad de Barcelona vivió una ingente eclosión teatral a partir de los edificios religiosos convertidos en locales para espectáculos. Ello hizo perder los privilegios del antiguo Teatro de la Santa Cruz, denominado a partir de entonces como Teatre Principal, para hacer frente a la rivalidad sostenida con otros teatros, como el Liceu o el Nou. La tesis demuestra, además, que la evolución del gusto del público bardelonés empieza a derivar hacia las nuevas olas impuestas por el romanticismo italiano (Verdi) y francés. Asimismo se compara el gusto del público con la prensa, particularmente la prensa, no siempre de acuerdo con la modernidad estética. El trabajo reconstruye el día a día de vida operística en la Barcelona de la mitad del siglo XIX, con una incipiente vida concertística condicionada igualmente por la ópera. Asimismo, se desmienten las teorías sobre las rivalidades entre públicos de distintos teatros.