Dissertations / Theses on the topic 'Guerre et théâtre'
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Larraz, Emmanuel. "Théâtre et politique pendant la Guerre d'Indépendance espagnole, 1808-1814." Dijon, 1987. http://www.theses.fr/1987DIJOL006.
Full textAbstract:
Etude des relations complexes entre théâtre et politique au cours de la guerre d'indépendance espagnole: 1808-1814. Le théâtre joue à cette époque un rôle de premier plan dans la diffusion de l'idéologie, aussi bien dans l’Espagne occupée par les troupes de Joseph Bonaparte que dans l’Espagne insurgée. Dans l’Espagne occupée le postulat de la supériorité du théâtre français, défendu par les partisans de napoléon et de Joseph Bonaparte, servait à légitimer le mythe de la régénération du vieux royaume. Dans l’Espagne insurgée les pièces satiriques antifrançaises et les œuvres d'exaltation patriotique attiraient les foules qui accouraient pour communier dans la célébration d'une nouvelle croisade. Les "libérales", partisans d'une monarchie constitutionnelle, utilisèrent également le théâtre pour tenter de populariser leurs idées que combattaient les "servilles", défenseurs de l'absolutisme. Le théâtre est étudié dans cette perspective, moins comme un genre littéraire que comme un puissant instrument de propagandeAn investigation into the relationships between drama and politics during the Spanish independency war: 1808-1814. At this period, drama plays an outstanding part in the spreading of ideology, in Spain occupied by the Joseph Bonaparte armies as well as in insurgent Spain. In occupied Spain, the assumption of the superiority of French drama advocated by the followers of Napoleon and Joseph Bonaparte, contributed to vindicate the myth of the regeneration of the old kingdom. In insurgent Spain, the satirical anti French plays and the works of patriotic fervor drew crowds that rushed to a mass celebration of a new crusade. The "liberales" that championed constitutional monarchy, used equally drama to popularize their ideas which were fought against by the "serviles", defenders of absolutism. Drama is explored in a critical perspective which lays the emphasis less on the literary genre as on the powerful instrument of propaganda that drama proved to be
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Robitaille, Marie-Josée. "Louis-Marcel Raymond, critique de théâtre et promoteur des écrivains français pendant la Deuxième Guerre mondiale et l'après-guerre." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/MQ61831.pdf.
Full text
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Abuín, González Angel. "Le narrateur au théâtre : approche sémiologique du théâtre espagnol d'après-guerre (Antonio Buero Vallejo et Alfonso Sastre)." Dijon, 1993. http://www.theses.fr/1993DIJOL002.
Full textAbstract:
Nous parlons de narrateur au théâtre pour désigner un phénomène spécifique dans la dramaturgie espagnole récente: un personnage, sur scène, commence à raconter une histoire qui va être la représentation elle-même, définie alors comme la traduction en images, sons et mouvements de ses paroles. Le narrateur fonctionne comme un intermédiaire de plus dans le processus de communication théâtrale, à mi-chemin entre l'auteur, les personnages-acteurs qui jouent leur histoire, et le spectateur. Les répercussions théoriques de cette pratique dramatique sont immenses: songeons à l'altération du concept même d'énonciation théâtrale ou à la création de multiples possibilités dans la composition de la structure dramatique. Le théâtre anglo-saxon (Miller, Wilder, T. Williams. . . ), français (Claudel) et surtout le théâtre épique de Brecht ont influencé de diverses manières le théâtre espagnol, essentiellement à travers l'œuvre de Buero - théorique, sur les conceptions théâtrales de Brecht, et dramatique - et de Sastre, dont la première période s'inscrit dans la plus pure tradition "épique". Sastre et Buero utilisent enfin le narrateur comme moyen de rupture avec le théâtre conventionnel réaliste, comme facteur de distanciation. Il s'intègre ainsi dans un processus de manipulation des signes théâtraux qui vise à modifier la compétence littéraire du public, les règles d'interprétation grâce auxquelles le spectateur juge le spectacleWe call narrator in theater a specifical phenomenon in recent Spanish drama: a character, on stage, begins to tell a story which turns out to be the performance itself, then defined as a translation of his words into images, sounds and motion. The narrator works as a go-between in the process of theatrical communication, half way between the author, the characters who enact their story and the spectator. The principles that we can draw from this dramatic practice are very important - for instance, the alteration of the concept of theatrical voicing or the creation of many possibilities in the composition of the dramatic structure. The Anglo-Saxon drama (A. Miller, T. Wilder, Tennessee Williams. . . ), the French stage (Claudel) and above all Brecht’s epical theater have in many ways influenced the Spanish drama, lost of it through Alfonso Sastre's and Antonio Buero Vallejo's works. Sastre and Buero also use the narrator character as a means of breaking away from conventional realistic drama, as a distanciation factor. Such character is thus part and parcel of a more general manipulating process of theatrical signs, which aims at altering the liberary competence of the audience, the interpreting rules accordign to which the spectator judges the play
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Devaux, Patricia. "Le théâtre de la guerre froide en France : 1946-1956." Paris, Institut d'études politiques, 1993. http://www.theses.fr/1993IEPP0029.
Full text
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Peslin, Daniela. "Le Théâtre des Nations : (1957-1968) : Premier Festival International de Théâtre après la deuxième guerre mondiale." Paris 3, 2008. https://faraway.parisnanterre.fr/login?url=https://www.vlebooks.com/vleweb/product/openreader?id=UPN&accId=9224405&isbn=9782296214781&uid=^u.
Full textAbstract:
Le Théâtre des Nations fut le lieu unique de confrontation des créations théâtrales, lyriques et chorégraphiques internationales de 1957 à 1968. Ce plus grand festival de théâtre du monde concentra les forces capables de perpétuer les valeurs du théâtre et de bouleverser les structures traditionnelles du répertoire. Après le traumatisme de la seconde guerre mondiale, il contribua à l’émergence en France et en Europe d’une volonté d’ouverture sur le monde. Il accueillit de grands auteurs qui, par la confrontation de leurs projets sur la scène parisienne, confirmèrent l’existence d’une communauté internationale du Théâtre. Alors inconnus, la plupart sont aujourd’hui les grands maîtres du XXe et du XXIe siècle. En accueillant de même certains créateurs révolutionnaires, il fera souffler un vent de jeunesse et de liberté préfigurant les événements de Mai 68. L’analyse des événements précurseurs permet de comprendre les conditions de son institutionnalisation et la définition de ses trois missions qui ont permis d’explorer en onze ans un champ illimité de culture au bénéfice des professionnels, des artistes et des spectateurs: la découverte des traditions théâtrales majeures venues de quatre continents, la recherche de nouvelles formes scéniques, et la consécration des troupes les plus prestigieuses. L’étude du Théâtre des Nations exige aussi d’adopter une approche sociologique et historique car il fut impliqué dans les grandes questions de l’époque, entre autres la reprise des relations politiques et diplomatiques d’après guerre, et la reconnaissance des droits d’artistes originaires de régimes totalitaires ou d’anciennes colonies. Le plus international de tous les festivals internationaux, le Théâtre des Nations reste ce qu'il a toujours été, un défi au mondeThe Theatre of Nations - Théâtre des Nations - was the unique place of confrontation of international theatrical, lyric and choreographic creations from 1957 till 1968. The biggest festival of theatre in the world concentrated forces able to perpetuate the values of theatre and to change the structures of theatre directory in depth. After the traumatism of World War II, this Festival contributed to launch in Europe a will of opening to the world. By welcoming authors challenging their visions on the Parisian stages, it confirmed the actuality of an international community of theatre. Barely known at the time, most of these authors are today the grand masters of the XXth and XXIst century. By receiving also revolutionary creators, the festival blew a wind of youth and freedom forecasting May 68 events. The analysis of previous similar attempts helps to understand the context of its emergence and the definition of its three missions which allowed exploring in eleven years an endless field of culture for the benefit of the professionals, the artists and the audience: the discovery of the major traditions coming from four continents, the research of new forms of scenic arts, and the consecration of the most prestigious theatre companies. A sociological and historical approach helps also to analyze this phenomenon which was involved in the biggest questions of its time, among them the after war resumption of political and diplomatic relationships, and the recognition of the rights of artists born in totalitarian countries or ancient colonies. The most international of all international festivals remains what it always was, a challenge to the world
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Audhuy, Claire. "Le théâtre dans les camps nazis : réalités, enjeux et postérité." Thesis, Strasbourg, 2013. http://www.theses.fr/2013STRAC029.
Full textAbstract:
Cette thèse de doctorat est le fruit de trois années de recherches sur le théâtre dans les camps nazis. Ce travail traite principalement des camps en Allemagne, tout en y adjoignant trois exceptions : le ghetto de Theresienstadt, le camp de transit de Westerbork, ainsi que le camp d’Auschwitz-Birkenau. Selon la spécificité de chaque camp, les créations furent officielles ou clandestines, servirent à la propagande nazie ou au contraire œuvrèrent à mener une lutte contre le national-socialisme ou pour la survie des prisonniers. Ces différences de conditions permettent de comprendre pourquoi la création artistique a pu être plus prolifique dans certains lieux. C’est dans ces camps que les prisonniers et déportés, hommes et femmes, appartenant ou non au monde du spectacle, choisirent le théâtre pour s’exprimer, depuis le spectacle Cirkus Conzentrazani donné en août 1933 jusqu’au Kazet Théâtre ou à Zebra, deux troupes concentrationnaires donnant des pièces dans les camps dans les jours suivant la Libération, en 1945. Le travail s’appuie sur de très nombreux témoignages (une trentaine d’interviews réalisées expressément pour cette thèse), des archives (une vingtaine de pièces inédites et traduites pour ce doctorat) et des fonds privés (correspondances, manuscrits). Nous souhaitons tenter de dresser le portrait de ces créations théâtrales, qu’elles aient été imaginées, écrites, jouées, qu’elles soient parties en tournées ou non. L’initiative fut parfois si éloignée de nos attentes classiques du théâtre qu’il est délicat de parler de création théâtrale ou même de théâtre tout simplement. Nous nous intéresserons aux réalités, aux enjeux et à la postérité de ces initiatives créées dans un environnement extrême qui remet en question la possibilité d’existence d’un quelconque théâtre mais aussi la survie même de l’homme. Une initiative de l’extrême qui n’aurait pas dû êtreThis PhD is the result of 3 years of research on theater in the nazi camps. It deals mainly with the plays performed and written in the German camps, and three other camps: the Therensienstadt ghetto, the Westerbork transit camp, and the Auschwitz-Birkenau camp. Depending on the specificity of each camp, the creations were official or clandestine, and either served the nazi propaganda or contributed to the prisoners’ survival and resistance to national-socialism. Those differences in the living conditions enable us to understand why artistic creation was more prolific in some places. In those camps, male and female prisoners and deportees who did or did not belong to the world of show business, chose theater as a means to express themselves as early as August 1933 with the Cirkus Conzentrazani, and also after the war, with the Kazet theater or Zebra, two concentrationary theater troupes which performed plays in the camps during the days that followed the Liberation in 1945.This work explores the information contained in many interviews ( about 30 interviews which were conducted especially for this thesis), archives ( about twenty previously unpublished plays translated for this study), and private funds ( letters, manuscripts). We wish to attempt to draw a portrait of these theatrical creations, whether they were imagined, written, performed in the camps or on tour. The initiative the prisoners took was often so remote from our traditional conception of theater that it is delicate to talk about theatrical creation or even theater. We will focus on what happened, what was at stake and the posterity of these initiatives created in an extreme environment which questions the very possibility of doing theater but also man’s survival. It was an extreme experience which should never have been
Die Vorliegende Doktorarbeit ist das Ergebnis dreijähriger Forschung über das Theater in den Konzentrationslagern des Zweiten Weltkriegs.Dabei geht es hier vor allem um Lager in Deutschland, mit drei Ausnahmen: dem Getto Theresienstadt, dem Durchgangslager Westerbork und dem Lager Auschwitz-Birkenau. Je nach Besonderheit des jeweiligen Lagers fand das künstlerische Schaffen offiziell oder im Verborgenen statt, diente der Nazipropaganda oder trug ganz im Gegenteil zum Kampf gegen den Nationalsozialismus oder zum Überleben der Gefangenen bei. Aufgrund dieser unterschiedlichen Bedingungen versteht man, warum das künstlerische Schaffen an manchen Orten ergiebiger war, an anderen sehr viel sporadischer stattfand. Die Gefangenen und Deportierten, Männer und Frauen, unabhängig davon, ob sie aus der Welt der darstellenden Künste kamen oder nicht, machten in den Lagern Theater, um sich zu äußern, von der Vorstellung 'Cirkus Conzentrazani' im August 1933 an bis zum 'Kazet Theater oder Zebra', zwei KZ-Theatertruppen, die 1945 nach der Befreiung im Lager Stücke aufführten. Die Arbeit stützt sich auf zahlreiche Zeugenaussagen (aus etwa dreißig speziell für diese Doktorarbeit geführten Interviews), auf Archivdokumente (ungefähr 20 unveröffentlichte und für diese Doktorarbeit übersetzte Stücke) und private Bestände (Korrespondenz und Manuskripte). Die vorliegende Arbeit möchte ein Bild von diesen Theaterproduktionen zeichnen, ob sie nur ausgedacht, schriftlich fixiert oder gespielt worden waren oder als solche auf Tournee gingen. Vom satirischen Kabarett bis hin zur ätzend-scharfen Revue über Neuinterpretationen von Klassikern oder autobiographische Stücke haben die in den Lagern schaffenden Künstler in vielen Stilrichtungen gearbeitet. Manchmal war das Unterfangen so weit von unseren klassischen Vorstellungen von Theater entfernt, dass es schwierig ist, von Theaterschaffen oder überhaupt von Theater zu reden. In Verbindung mit Lager hat sich das Theater neu erfunden. Das Hauptaugenmerk dieser Arbeit richtet sich auf die Fakten, Probleme und Nachwirkungen dieser Unternehmungen, die in einem extremen Umfeld entstanden sind, das die Möglichkeit von Theater überhaupt, aber auch das Überleben von Menschen generell in Frage stellt. Unternehmungen in einer unglaublichen Extremsituation. Warum sind Menschen in einem Lager schöpferisch tätig – wie und für wen?
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WAJSBROT, DIT LESCOT DAVID. "Dramaturgies de la guerre, de heinrich von kleist a edward bond." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030029.
Full textAbstract:
Georges bernanos (1888-1948, francais) et miguel de unamuno (1864-1936, espagnol), partageant le meme sentiment tragique de l'existence, ont confronte les illusions et les mensonges de leur siecle a la seule question du destin metaphysique de l'homme. La foi dans le dieu chretien leur est apparue comme la seule reponse a l'angoisse et a la tentation du desespoir. Deux grandes oeuvres (romans, pamphlets, articles de presse, essai philosophique, theatre, poesie) explorent tous les domaines de l'action humaine (philosophie, politique, individu, societe, religion) a la lumiere de cette exigence. Une distance essentielle differencie le croyant (bernanos), anime d'une foi surnaturelle, et <
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Martínez-Michel, Paula. "La censure dans le théâtre espagnol de l'après-guerre : le cas d'Alfonso Sastre." Dijon, 2000. http://www.theses.fr/2000DIJOL013.
Full textAbstract:
La censure dans le théâtre espagnol de l'après-guerre. Le cas d'Alfonso Sastre présente l'action de la censure franquiste sur l'oeuvre d'un des écrivains les plus polémiques du théâtre de la période concernée, Alfonso Sastre. Le volume principal est constitué d'une première partie où l'on présente le contexte historique et littéraire qui permet de situer l'oeuvre de l'auteur ainsi que les caractéristiques essentielles de l'appareil légal de la censure. Ensuite dans une deuxième partie l'on analyse la censure sur chacune des pièces d'Alfonso Sastre lors de la publication ainsi que lors de la représentation. Puis, dans une troisième partie, l'on détermine les principales lignes d'action de la censure. Les deux volumes d'annexes réunissent des textes juridiques concernant la censure espagnole et des documents historiques relatifs à la publication et à la représentation des pièces -jusqu'en 1975- trouvées aux archives d'Alcala de Henares.
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Asso, Annick. "Le théâtre du génocide : étude des représentations de la Shoah et des génocides arménien, rwandais et bosniaque dans le théâtre de l’après-guerre à nos jours." Aix-Marseille 1, 2009. http://www.theses.fr/2009AIX10081.
Full textAbstract:
La représentation de la Shoah et des génocides arméniens, rwandais, bosniaque au théâtre depuis l’après-guerre délimite le cadre de notre thèse consacrée, pour une large part, à l’intrusion massive du récit dans des productions théâtrales allant de l’adaptation de témoignages aux formes les plus élaborées du théâtre documentaire défini par E. Piscator et P. Weiss, du théâtre-récit à l’adaptation de récits autobiographiques monologués. Ce système de formes « non-dramatiques », selon la terminologie de P. Szondi, exclut généralement l’image, en tant qu’archive et en tant que reconstitution scénique. Pourtant, la monstration est une composante du théâtre du génocide, mettant en jeu des expérimentations diversifiées, de C. Delbo à J. Grotowski, d’A. Miller à J. Semprun. Entre récit et monstration, émerge un théâtre de la « survivance » qui révèle les mécanismes traumatiques et tend à les résoudre pour envisager une clôture du travail de deuil chez J. -C. Grumberg, G. Tabori, A. Gatti ou R. Kalinoski.
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Saleh, Louaï. "Le théâtre politique arabe dans le Proche-Orient entre la guerre de 1967 et celle de 1973." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030135.
Full textAbstract:
La défaite des pays arabes contre Israël en juin 1967 a choqué profondément le peuple arabe. Les dramaturges dans le Proche-Orient ont cherché les causes qui ont mené leurs pays à cette catastrophe. Ils ont dû exprimer une révision critique générale sur des questions considérées comme des sujets tabous, inabordables et sacrés. De nombreuses pièces de théâtre ont été écrites dans le but d'interroger sur les causes permettant d'expliquer la défaite, sur celles qui condamnaient la société arabe à rester figée dans une situation arriérée, et sur les véritables raisons qui empêchent les sociétés arabes de réaliser leur modernité et de connaître un réel progrès. Cette défaite a eu également un impact direct sur la dramaturgie. Le théâtre s'est retrouvé alors au cœur de la politique. Une série de pièces ont exprimé une certaine sympathie pour la cause et la résistance palestinienne et d'autres pour la solidarité avec les mouvements de libération dans le monde. Saad Allah Wannous, Mahmoud Diyâb, Mustaphâ al-Hallâj, Muhammad al-Mâghout, Mîkhâél Roumân, Alfred Faraj, Youssef Idrîss, Jalâl Khoury, ‘Issâm Mahfouz, Sa'd al-Dîn Wahbeh, ‘Alî Sâlem, ‘Abd al-Rahman al-Charqâwî et d'autres : tous ces dramaturges ont essayé à travers leurs œuvres de trouver des réponses à ces questions d'ordre politico-culturel. Ils ont tenu pour en partie responsable l'absence de démocratie, et la répression pratiquée par les autorités dans ces paysThe defeat of the Arab countries against Israel in June 1967 deeply shocked the Arab people. The dramatists of the Near East looked for the reasons that led their countries to this disaster. They had to perform a general critical reappraisal of questions considered as sacred and taboo. Many plays were written with the intention of questioning about the causes of the defeat, the causes which condemned the Arab society to remain set rigidly in an outdated situation, and the true reasons which prevented the Arab societies from realizing their modernity and experiencing real progress. The theatre then ended up in the heart of politics. A series of plays expressed some sort of sympathy for the Palestinian cause and resistance, and others for solidarity with liberation movements worldwide. This defeat also had a direct impact on dramatists. Saad Allah Wannous, Mahmoud Diyab, Mustapha al-Hallaj, Muhammad al-Maghout, Mikhael Rouman, Alfred Faraj, Youssef Idriss, Jalal Khoury, ‘Issam Mahfouz, Sa'd al-Din Wahbeh, ‘Ali Salem, ‘Abd al-Rahman al-Charqawi, and others: through their works, all these dramatists tried to find answers to these questions of a politico-cultural nature. They held the absence of democracy and the repression exerted by the authorities of these countries as partially responsible for the situation
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François, Jean-Claude. "Le theatre allemand de l'apres-guerre (1945-1950) : traditions et novations." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080154.
Full textAbstract:
Cette these etudie la renaissance de la vie theatrale en allemagne, apres la seconde guerre mondiale et l'effondrement du regime nazi, sous un double aspect : la nature du repertoire (das drama) et le fonctionnement de l'appareil theatral (das theater). La premiere partie decrit les conditions materielles, politiques et morales de cette renaissance dans le contexte de l'occupation et de la guerre froide. Les principaux debats de cette periode (la denazification, le retour des exiles, la reeducation du peuple allemand) sont evoques dans leur rapport avec la vie theatrale. La seconde partie est consacree au repertoire issu de l'exil des auteurs dramatiques antinaziz. Cinq grands noms (wolf, bruckner, brecht, zuckmayer, weisenborn) emergent d'un ensemble tres divers dans le fond comme dans la forme. A propos de cinq grandes pieces, l'etude suit de tres pres le chemin qui conduit des intentions premieres de l'auteur a l'ecriture de la piece et a sa reception (qui varie selon les mises en scene, les lieux, les publics). Elle s'appuie sur une documentation jusqu'ici non utilisee (memoires, lettres, critiques theatrales des differents journaux de berlin et d'autres villes). Un bilan des pieces representees au cours de cette periode (une vingtaine d'auteurs)fait apparaitre les reussites et les echecs dans la "rehabilitation" des dramaturges antinazis exiles. Une troisieme partie concerne le repertoire dramatique etranger et les auteurs que les puissances d'occupation font connaitre a un public avide de nouveautes apres douze annees d'autarcie. La nature de la politique culturelle suivie dans chacune des zones influe sur le choix des auteurs, surtout des qu'il s'agit de sujets "politiques". Mais a berlin, la ville aux quatre secteurs, on peut voir sans entraves tout ce que les quatre puissances ont a offrir : wilder, sartre et simonov declenchent dans l'opinion et la presse des debats passionnes. La quatrieme partie etudie la production dramatique de langue allemande. Il existe certes une generation de jeunes auteurs, mais, mis a part borchert, ils ont une ecriture plutot traditionnelle. Les novations viennent "de l'exterieur". Avec brecht, qui oppose un langage dramatique et scenique nouveau aux tenants du naturalisme. Avec les jeunes suisses frisch et durrenmatt, qui font entendre un ton nouveau, plus sceptique et qui renouvellent les genres en les melant (parabole onirique et farce historique)This thesis makes a study of the revival of theatrical life in germany after world war ii and the collapse of the nazi regime from two points of view : the nature of the repertory (das drama) and the apparatus of the theater (das theater). The first part describes the material, political as well as moral conditions of this revival in the context of the foreign occupation and the cold war. Major debates during that period of history (denazification, the return of exiled, the reeducation of the german people) are evoked in relation to the atrical scene. The second part is dedicated to the repertory which took roots in the exile of antinazi playwrights. There are five outstanding wawes in a group of authors in which variety can be found in the form as well as in the substance : wolf, bruckner, brecht, weisenborn, zuckmayer. In reference to five famous plays, this study focuses closely on the path which leads from the origininal intentions of the authors to the writing of the play as well as well as to the degrees of acceptance of this work - which vary according to the production, the places of performance and the audience. It is founded upon documents which, to this day, have not been quoted (dissertations, letters, critical material about theater published in newspapers in berlin and other cities. A third part lay stress on the foreign drama repertory and the authors that thanks to the armies of occupation - have been brought to the knowledge of an audience who could fancy novelties after a period of 12 years of autarky. Cultural policies in each of the occupied zones influence the choice of the authors, especially in the case of "political"subjects. In berlin, the four-zones-city, wilder, sartre and simonow sparked off passionate debates in the press as well as in the public opinion. The fourth part emphasizes the production of drama in the german language. It is indeniable that exists a new generation of young authors but, except for borchert, their literary art is rather traditional. Innovations come from "outside". This is the case for brecht who opposes a new langage of the drama and of the stage to the champions of naturalism. This is also the case for the young swiss authors frisch and durrenmatt who gave birth to a form of writing which is innovative and tainted with skepticism. They also renew styles by blending them - imaginary parable and historic farce among others
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Karsenti, Tiphaine. "Le détour troyen : formes et fonctions de la matière troyenne dans le théâtre français des guerres de religion et la fin du règne de Louis XIV." Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100183.
Full textAbstract:
Le mythe de Troie fournit plus de sujets aux dramaturges français des XVIe et XVIIe siècles que toutes les autres fables antiques. L’étendue exceptionnelle de cette légende, le nombre de ses personnages et de ses séquences, la variété des points de vue qu’elle autorise et des problématiques qu’elle met en jeu contribuent à expliquer ce phénomène. Mais cette étude s’attache à montrer comment les structures et l’héritage spécifiques du mythe troyen en font une matrice apte à traduire les problématiques singulières d’une époque qui voit se transformer profondément son modèle culturel et son modèle politique : dans la deuxième moitié du XVIe siècle naissent à la fois le théâtre et l’État modernes. L’utilisation de la matière troyenne dans les différentes formes dramatiques au cours du siècle et demi qui suit cette double naissance s’éclaire ainsi à la lumière de l’évolution des débats esthétiques, politiques et éthico-théologiques qui accompagnent la transition culturelle alors à l’œuvreThe myth of Troy provided more subject matter to 16th and 17th century French playwrights than any other ancient fable. The exceptional scope of this legend, the multitude of its scenes and characters, and the variety of available themes and viewpoints can partly explain this phenomenon. Yet this study seeks to demonstrate how the Trojan myth, through its unique legacy and structure, served as a model for exploring the problematics of an era marked by massive political and cultural transformation : the second half of the 16th century saw the birth of both the modern State and the modern theatre. Throughout the 150-year period which followed this simultaneous development, the use of the Trojan theme in different dramatic contexts can be understood in the light of the progression of aesthetic, political, ethical and theological ideas that accompanied the cultural transition at hand
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Blin, Fanny. "Les Antigones espagnoles : modalités esthétiques et idéologiques des reprises de la figure mythique, de la Guerre Civile à la Transition." Thesis, Bordeaux 3, 2017. http://www.theses.fr/2017BOR30024.
Full textAbstract:
En réponse au traumatisme de la division nationale suscitée par la guerre civile et cristallisée pendant le franquisme, la figure d’Antigone resurgit avec force dans la dramaturgie espagnole. Le parcours de résistance de cette héroïne grecque devient, sous la plume des auteurs espagnols du XXème siècle, l’emblème de la « juste mémoire » (Ricœur, 2000). Partant de l’hypothèse que le corpus des Antigones espagnoles constitue un ensemble relevant d’une dynamique commune de relecture de l’histoire, cette thèse recherche, à travers un travail comparatif des structures et des symboliques, la cohérence des versions catalanes, galiciennes et castillanes, de l’exil comme de l’intérieur, pour la période comprise entre 1936 et 1989. Dix-huit pièces sont ainsi mises en perspective pour démontrer la conquête de discours mémoriels et compensatoires à partir des sources hypotextuelles que constituent la tragédie de Sophocle, mais aussi les autres versions théâtrales du mythe. La première partie examine les procédés de réécriture du mythe, de l’histoire et de la tragédie, pour qualifier les pièces et déterminer un éventuel noyau mythique ou un schéma référentiel récurrent. La notion de « (re)configurations contemporaines » au prisme du contexte politique émerge alors pour désigner les objets de ce travail. La deuxième partie analyse les convergences esthétiques et les motifs récurrents dans les textes, car les Antigones espagnoles contemporaines placent au centre de la scène la métaphore de la marge pour figurer l’exclusion politique, ou encore celle du chemin pour représenter les destins brisés et l’exil. Fondamentalement, ces œuvres forgent un tombeau littéraire pour les défunts oubliés, mais aussi un monument en l’honneur des invisibles. La dimension esthétique de cette place théâtrale compensatrice ouvre une réflexion sur son sens cathartique dans une société en recomposition pendant la Transition. En effet, le troisième volet de cette thèse est centré sur la théâtralisation de l’histoire : il s’agit d’étudier les dispositifs de déconstruction des récits nationaux à travers les différents réagencements du mythe des Labdacides. Cette clé de lecture révèle les stratégies de démythification-remythification qui président aux nouvelles charges sémantiques des épisodes mythiques, dépeignant un autoportrait déformant de la communauté espagnole en crise. À l’horizon de ces pratiques de réécriture, se lit la conception d’une époque historique comme une épopée, que la parole cérémonielle et le dispositif scénique peuvent contribuer à purger, par une distance qui englobe un large prisme, de la sacralité au grotesqueEchoing the traumatic conflict within the nation caused by the Civil War and crystallized during Franco’s era, Antigone’s reappearance was extremely intense in Spanish dramatic creation. In contemporary rewritings, the resistance of this tragic character from Greek mythology turned out to be the emblem of a “fairer memory” (Ricoeur, 2000). This work asserts that the Spanish Antigones converge and share a common signification when it comes to rewriting History; and resorts to a comparative study of structures and symbols to shed light on the continuity between the Castilian, Catalan and Galician versions, between those written in exile or not, from 1936 to 1989. In order to establish the common dynamic, eighteen plays are compared, whose key idea is to create a memorial and a redeeming discourse based on the Greek sources but also inspired by other versions of the tragedy. Therefore, the first part examines the strategies implemented to rearrange the mythical pattern, the historical context and the tragic genre. This leads to the conclusion that there is no permanent mythical core nor a fully recurrent referential scheme. As such, the notion of “contemporary (re)configurations” through the prism of politics seems relevant to describe the rewritings. The second part analyses the aesthetic convergences and the recurring themes and metaphors throughout the texts and concludes that in the contemporary Spanish Antigones, the image of the margins embodying exclusion takes on centre stage while the image of the path is resorted to in order to evoke broken destinies and exile. Basically, these plays create a literary tomb for the forgotten deceased but also a monument in honour of the invisible –alive– ones. The aesthetic dimension of this compensatory play requires a reflection upon its cathartic sense in a transforming society during the Transition to democracy. Indeed, the third part of this work focuses on the dramatization of History, making it crucial to study the scenic devices that dismantle the official stories and political myths. This reveals the strategies of “demystification” followed by new mythifications that portray a distorting image of the Spanish community in crisis. Ultimately, these practices of rewriting show that the playwrights conceived their time as an epic and mythical phase which could be purged by theatrical ceremonial thanks to a distancing effect that covers a large prism, from sacred to grotesque
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Cau, Nathalie. "« La terre seule reste en place » : performances et représentation dans les communautés de personnes déplacées entre 1945 et 1952." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100028.
Full textAbstract:
De 1945 à 1956, les « personnes déplacées » (réfugiés volontaires ou exilés par les déportations, les persécutions et le projet d’extermination) ont vécu sous la garde des autorités internationales dans les centres initialement ouverts par l’UNRRA (United Nations Relief and Rehabilitation Administration). En attente d’un retour toujours plus hypothétique ou d’un visa d’émigration, la majorité de ces milliers de DPs, ainsi que les a baptisés la pudeur de l’administration internationale, se trouvait sur le sol allemand. Parmi eux se trouve une petite proportion de rescapés de la destruction des Juifs d’Europe bientôt rejointe par les « infiltrés », fuyant l’antisémitisme persistant à l’Est ou revenus d’exil. Privés de l’espoir d’un retour à la vie antérieure à la destruction et espérant une émigration prochaine qui se fait attendre, les DPs juifs vivent en Allemagne un temps suspendu tandis que se modifient les équilibres internationaux jusqu’à la guerre froide. Dans cet intervalle, voué à l’attente et à l’inactivité forcée, dans la promiscuité et la misère de la vie du camp DP, des hommes, des femmes et des enfants ont fondé une société singulière. La présente recherche s’intéresse à la représentation de cette communauté par elle-même. Autobaptisée She’erit Hapletah, ceux qui restent survivant, elle naît et se dévoile au travers de performances variées. Dernière expression d’une culture yiddish foisonnante en Europe, elle se concentre sur les zones britannique et américaine d’occupation de l’Allemagne. Cette étude s’attache aux performances DP entre 1945 et 1952, date du transfert de la responsabilité des réfugiés de l’autorité internationale vers la RFATwo weeks after the VE-Day, a group of survivors performed a show in the displaced persons camp of Belsen singing and playing the life they endured in the sadly famous concentration camp nearby and the life before it all happened just as the future they wanted up to now. This theatre was the first of dozens of Jewish theatre groups to perform shows all over Germany in DP camps where refugees from the non-enemy nations and victims of the Holocaust were waiting in the hope of a next emigration to Palestine or the United States. They lived in camps opened by the United Nations Relief and Rehabilitation Administration (UNRRA), behind gates or even barbed-wires of the “assembly centers”, controlled by military forces. Opened in 1945, the last assembly center closed down no less than eleven years later. While waiting on the “cursed soil” of Germany, the Jewish DPs, unable orunwilling to work for or even in Germany, dedicated their time to perform and represent themselves, not only on the theatre, but also in sport events, bals, ritual plays and every imaginable kind of performance. This research focuses on the Jewish DPs temporary settled in West Germany and the way they built up a new life by performing the past and the next future in Eretz Israel. This work interrogates the possible significances of the performances in Yiddish just after the Holocaust and the way survivors dealt with their past in the present of the new camp. After 1948, the rate of the DPs in Germany progressively decreased, the cultural, artistic and politic experiences disappeared at the same time, therefore, this work ends up in 1952 and focuses mainly on the years 1945-1949
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Oiry, Goulven Hervé. "L' Iliade parodique : la comédie française et la ville 1550-1650." Paris 7, 2012. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=https://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=GoyMS01.
Full textAbstract:
Notre propos croise les lettres et l'urbanisme. Il analyse la comédie française des années 1550-1650 sous l'angle de la relation qu'elle entretient à la ville. Les arts poétiques mais aussi les traités architecturaux assignent au théâtre du rire la représentation de la société citadine quotidienne. Farce et comédie de surcroît, avant d'être des genres littéraires bien identifiés, sont des spectacles urbains. La recherche explore dans ses deux premières parties la réciprocité des liens entre le théâtre et la ville. Elle établit que la cité comique est en partie une ville-spectacle, et montre que cette image est à rapporter à une société elle-même en voie de « théâtralisation ». Le rire et la ville renvoient l'un à l'autre ; la comédie se présente comme un révélateur et un catalyseur du processus d'« urbanisation ». La troisième partie envisage la cité comme emboîtement d'échelles. La comédie des années 1550-1650 apparaît dès lors comme un jeu avec les limites urbaines. Déclinant la métaphore de la conquête et du siège, les textes tissent une correspondance entre les portes de la ville, les portes des logis et les sexes des jeunes premières. Sonder les fondements de cette matrice analogique permet d'éclairer le sens de la dramaturgie comique autant que de réfléchir aux fondements symboliques du phénomène citadin. L'imaginaire de la ville-théâtre interroge le rapport qui rattache la libido à la guerre. La comédie, considérée sous l'angle de son fonctionnement spatial, est un siège de ville parodique. Elle engage une réflexion sur l'ordre généalogique pour mettre en scène les fondements du droitThis study stands at the crossroads of arts and town planning. It analyses French comedy from the period 1550-1650 in the light of its relationship to the town. Poetic and architectural arts both assign to the theatre of laughter the representation of everyday city life. What best characterises farce and comedy is not as much their classification as literary genres as the fact that they are both urban shows. The first two parts of our study show that the relationship between theatre and town go both ways. On the one hand, the town of comedy can be defined as a show-town and, on the other hand, society itself was undergoing a process of "dramatisation". Laughter and the town echo each other; comedy both reveals and catalyses the process of "urbanisation". The third part considers the interlocking planes of the town and shows how 1550-1650 comedy plays with the limits of the town. As they unfold the metaphor of siege and conquest, these plays spin a web of connections between city gates, house doors and the genitals of female protagonists. By probing the foundations of this metaphor we can simultaneously clarify the meaning of the art of comedy and reflect on the symbolic foundations of the town. The imaginative world of the theatre-town examines the relationship that connects libido with war. Considering the way it uses space, comedy can be said to stage a parody of a siege. It involves reflection on genealogy in order to present the foundations of the law
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Bouteille-Meister, Charlotte. "Représenter le présent : formes et fonctions de "l’actualité" dans le théâtre d’expression française à l’époque des conflits religieux (1554-1629)." Thesis, Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100133.
Full textAbstract:
Le théâtre ne choisit pas nécessairement le détour pour représenter le temps présent des spectateurs. Souvent négligée voire méprisée par la critique, la mise en scène directe de l’actualité propose pourtant un terrain d’étude fécond du regard que les individus d’une époque portent sur leur existence dans le temps. Vecteur privilégié de la polémique orchestrée par les catholiques et les protestants à l’époque des conflits religieux, le théâtre d’actualité mêle toutes les formes et tous les héritages pour proposer à son public une vision à la fois divertissante et tranchée du présent, propre à conforter la communauté spectatrice dans ses positions. Les formes et les fonctions de ce théâtre évoluent cependant à mesure que l’opposition religieuse se déplace du terrain théologique au terrain politique, et à mesure que l’espoir d’une conciliation laisse place au conflit armé. À la vision eschatologique du théâtre d’actualité protestant qui voit dans le présent une annonce de l’imminente fin du monde et à la tentative désespérée du théâtre d’actualité valois de maintenir la fiction d’un présent doré de concorde succède le constat d’un présent de fer, qui fait de la scène le reflet sanglant d’une actualité particulièrement violente, convoquant son public à l’action. La paix de compromis établie par l’édit de Nantes et le devoir d’oubli qu’elle impose substitue à cet horizon pragmatique un horizon mémoriel : la représentation du présent sur la scène devient un enjeu de « souvenance », alors que se met en marche la légendarisation de l’action pacificatrice de la monarchie bourbonienneDisplaying contemporaneous events on the theatre stage does not necessarily need to involve mythological or historical transposition. Often neglected or even despised by theatre critics, the representation of contemporaneousness, however, offers a particularly fertile field of study when it comes to analysing how individuals reflect on their own existence in Time.During times of religious conflict in Europe, both Catholics and Protestants alike used the stage as a powerful vehicle to stir controversy; situated at the crossroads between multiple forms and influences, theatre can provide its public with a re-presentation of present time both entertaining and critical, designed to strengthen a community’s actual and intellectual unity. What is more, forms and functions of “topicality” on stage evolve and develop further as religious conflict shifts from the theological to the political battleground and hope for reconciliation is overshadowed by escalating armed conflicts.Whilst Protestant topical theatre finds numerous concurrent signs of the imminent end of the world, the topical theatre created and represented at the Catholic Valois court tries desperately to maintain the illusion of a Golden Age of concord; soon thereafter, however, an Age of Iron is acknowledged, in which theatre reflects the violence and bloodthirstiness of its time and calls on the audiences to take action. When the compromise of the edict of Nantes imposes peace and amnesty, this pragmatism is substituted by a drive towards memorialisation: performing the present on stage becomes a matter of remembrance, at a time when the Bourbon monarchy tries to turn the recent past into a legend
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Ameille, Aude. "Aventures et nouvelles aventures de l’opéra depuis la Seconde Guerre mondiale : pour une poétique du livret." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040065.
Full textAbstract:
Le genre opératique a connu une histoire mouvementée depuis la Seconde Guerre mondiale, celle d’une « mort » et d’une « renaissance ». Cette thèse s’attache à déterminer les raisons qui ont conduit compositeurs et spectateurs à délaisser l’opéra après 1945, laissant à penser que le genre allait disparaître, puis celles qui ont amené le retour en faveur de celui-ci à partir du début des années 1980 jusqu’à l’époque présente. À la lumière de ce contexte historique, cette étude propose une poétique du livret moderne et postmoderne, en s’intéressant aussi bien aux conditions concrètes de son élaboration qu’à ses particularités thématiques ou stylistiques. Elle souligne ses spécificités par rapport aux livrets des siècles antérieurs, mais attire également l’attention sur la permanence de certaines caractéristiques. Ce travail contribue ainsi à définir le livret comme un genre littéraire à part entièreOperatic genre has had a turbulent existence since the end of World War II, going through death and revival. This dissertation tries to determine the motivations of composers and spectators who tended to neglect opera after 1945 – time when the genre seemed bound to disappear – and then, the reasons leading to a new interest in opera from the eighties onwards. In the light of this historical context, the present study proposes a poetics of modern and postmodern libretto, studying the concrete conditions of its conception as well as its thematic or stylistic peculiarities. This essay underlines its specificity in comparison with libretto from past centuries, but also draws attention to the persistence of some characteristics. Therefore, this dissertation contributes to the definition of libretto as a full-fledged literary genre
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Tuaillon, David. "Les War Plays d'Edward Bond et leur mise en scène par Alain Françon : invention d'une nouvelle perspective dramaturgique et découverte d'un espace de représentation." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30047.
Full textAbstract:
La trilogie des War Plays (1983-1985) constitue l’œuvre théâtrale majeure d’Edward Bond et marque un tournant dans son écriture ainsi qu’un renouvellement significatif du théâtre épique. Elle traite de l’éventualité d’une guerre nucléaire sous un angle politique et social. Sa mise en scène en France par Alain Françon sous le titre Pièces de guerre (1994-95) fut une étape fondatrice dans la carrière de celui-ci et une date marquante pour le théâtre français contemporain. Le présent travail étudie ces deux œuvres de façon autonome. La première partie est consacrée à l’écriture des War Plays. Après un état des lieux historique de la menace d’une guerre nucléaire au milieu des années 1980, suivi d’un portrait de l’auteur et d’un descriptif de la forme et de la place de son œuvre à l’époque, chacune des trois pièces, Red Black and Ignorant, The Tin Can People et Great Peace est examinée dans les circonstances qui ont amené son écriture, dans ses sources, dans sa composition tant thématique, que narrative discursive ou stylistique, avec une attention particulière au fonctionnement des systèmes de signes dans la perspective de leur propos. La seconde partie est consacrée à la création de Pièces de guerre par Alain Françon. Après un portrait du metteur en scène et de ses collaborateurs, suivi d’une étude de sa mise en scène antérieure de La Compagnie des hommes, elle décrit tous les aspects de la création du cycle pour rendre compte du projet et de la signification de ce spectacle : production, distribution, dramaturgie, traduction, esthétique (décor, costume, lumière, son), répétition, circonstances des représentations, réception publique et critique. Un accent particulier est placé sur le dialogue entre l’auteur et le metteur en scèneThe War Plays trilogy (1983-1985) is Edward Bond’s major dramatic work and a turning point in his writing as well as a significant advance in epic theatre. It deals with the possibility of nuclear war in both a political and a social key. Its French production by Alain Françon as Pièces de guerre (1994-95) was a founding work in his career and a stand out in French contemporary theatre. The present study deals with theses two works autonomously. Part one is about writing The War Plays. After an historical look out of the nuclear holocaust menace in the mid-80s, a description of the author, his work and its place in its time, each play, Red Black and Ignorant, The Tin Can People and Great Peace is examined with the circumstances of its writing, its founds, its thematic, narrative, discursive, stylistic composition, with an emphasis on their semantic system as part of their meaning prospects. Part Two is about producing Pièces de guerre. After a description of the director and its artistic contributors, followed by a study of his previous staging of In the Company of Men, it gives an account of the intentions and meaning of this production by describing every aspect it: organisation, cast, dramaturgical study, translation, aesthetics (set, costume, lights, sounds), rehearsals, circumstances of the performances. A specific emphasis is made on the dialogue between the author and the director
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Torabi, Yama. "State-, nation- et peace-building comme processus de transactions : l'interaction des intervenants et des acteurs locaux sur le théâtre de l'intervention en Afghanistan, 2001-08." Paris, Institut d'études politiques, 2009. http://www.theses.fr/2009IEPP0027.
Full textAbstract:
De nos jours, state-, nation- et peace-building sont des entreprises menées de l’extérieur par des intervenants internationaux ou régionaux. De Hobbes à Weber, la science politique qui a envisagé l’Etat, le contrat social et la paix comme des processus essentiellement endogènes, conclut à un succès limité de telles entreprises. Pourtant, une intervention ne peut se produire sans intervenant extérieur, ni acteur local visé par elle. L’échange entre les deux types d’acteur est inévitablement au fondement de l’entreprise. Mieux encore, l’utilité politique de l’échange permet de constituer et de mobiliser des identités multiples comme celles de belligérants d’hier, de bâtisseurs de paix libérale d’aujourd’hui, d’alliés de la guerre contre le terrorisme, d’alliés géostratégiques d’Etats de la région, de représentants de communautés ethniques, de bâtisseurs d’Etat etc. En faisant appel au consentement local, l’approche d’ « empreinte légère » de l’intervenant de Brahimi en Afghanistan contribue ainsi à l’effervescence d’identités multiples de l’acteur local, mais n’en constitue pas l’unique moteur. D’autres intervenants et d’autres répertoires d’intervention ont mobilisé de telles contributions locales. Si les possibilités d’échange entre intervenants et acteurs locaux sont multiples, les affinités et la sélectivité des rapports qui s’opèrent ainsi ne vont pas forcément vers le renforcement du contrat social, la consolidation de l’Etat ou l’établissement d’une paix durable. Au contraire, elles introduisent des logiques de communautarisation, de distorsion du contrat social, de clientélisme politique et transformation de la guerre dont l’issue échappe aux processus internesContemporary state-, nation- and peace-building are externally-led enterprises initiated by international and regional interveners. From Hobbes to Weber, political science has conceived the State, social contract and peace as chiefly endogenous processes, portraying the limited success of such externally-led enterprises. Yet, any intervention consists of both an intervening element and a local element. The exchange between local actors and interveners is inevitably at the basis of this venture. Even better, the political utility of the exchange allows for the constitution and mobilization of multiple identities: such as yesterday’s belligerents, today’s liberal peace-builders, allies of the war on terror, geostrategic allies of regional states, representatives of ethnic groups, state-builders etc. Calling for ‘local consent’, the ‘light footprint’ of the intervening authority promoted by Brahimi in Afghanistan contributed to the entry of multiple local identities in the intervention arena, without being the unique steer for such a process. Other interveners and intervention repertoires have mobilized local contributions of this nature. If this process paves the way for multiple social transactions between interveners and local actors, the constituted affinities and the selectivity of relationships do not necessary lead to the reinforcement of a social contract, the consolidation of a state and the establishment of a sustainable peace. To the opposite, such relationships exacerbates the logics of communautarian tensions, distorsion of social contract, political clientelism and a transformation of war making it hard to win through international processes
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Nawar, Abdo. "La pratique théâtrale professionnelle de Roger Assaf, médiation d'une histoire singulière." Thesis, Aix-Marseille, 2018. http://www.theses.fr/2018AIXM0471.
Full textAbstract:
Notre thèse est une approche à double objectif : D’abord, comme le titre l’indique, étudier la pratique théâtrale professionnelle de Roger Assaf, médiation d'une Histoire singulière, et à travers son parcours faire la lumière sur l’histoire du théâtre au Liban, qui est aussi l’histoire du Liban et de la région. Ensuite, contribuer d’une certaine façon à sauver « la mémoire collective », et faire de cette thèse une étape dans la constitution d’une archive sur le théâtre au Liban, en puisant les informations et les détails auprès de Roger Assaf, le comédien, le dramaturge, le metteur en scène et l’écrivain, et de fixer dans cette « mémoire collective » des moments exceptionnels recueillis auprès des gens, essence même de l’esprit de l’Association SHAMS qui a constitué le couronnement du parcours artistique et culturel de Roger AssafThis thesis is a dual-purpose approach: First, as the title suggests, study the professional theatrical practice of Roger Assaf, mediated a singular History, and through his journey shed light on the history of theater in Lebanon, which is also the history of Lebanon and the region. Then, contribute in a certain way to save “the collective memory”, and make this thesis a step in the constitution of an archive on the theater in Lebanon, drawing information and details from Roger Assaf, the actor, the dramaturge, the director and the writer, and to fix in this “collective memory” exceptional moments collected from people, the very essence of the spirit of the SHAMS Association which was the culmination of the artistic and cultural journey of Roger Assaf
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Laure, Charlotte. "Tragédies de la décolonisation. Un théâtre écrit en français depuis l'Afrique, la Caraïbe et Madagascar (1942-1992)." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030060.
Full textAbstract:
Choisir le genre dramatique de la tragédie, emblématique de la culture occidentale, pour représenter et accompagner les luttes de décolonisations de l’empire français peut sembler paradoxal. Bien au contraire, nous montrons que cette association d’un genre canonique et d’un sujet politique contestataire est féconde. À partir d’un corpus varié d’une trentaine de pièces écrites en français par des auteurs d’Afrique, de la Caraïbe et de Madagascar dans la deuxième moitié du xxe siècle (1942-1992), notre thèse identifie un phénomène théâtral que nous nommons tragédies de la décolonisation. Le genre de la tragédie permet d’une part de créer des mythes, de célébrer la grandeur des sociétés précoloniales et de mettre en avant les luttes anticoloniales. D’autre part, en tant que genre qui montre des défaites, la tragédie permet de dénoncer l’hypocrisie de la prétendue mission civilisatrice de l’Europe et de révéler les violences et les oppressions du système colonial et esclavagiste, à travers le point de vue de celles et ceux qui les subissent. La spécificité du genre dramatique invite également à interroger ses effets sur le genre social. Enfin, discutant certains biais dans la réception des pièces, nous montrons que le genre dramatique lui-même est renouvelé, notamment dans l’affirmation d’une fatalité qui n’est plus transcendante mais historique, et de laquelle il est possible de s’émanciperIt may seem paradoxical to choose the dramatic genre of tragedy to represent and support the struggles around the decolonization process of the French empire, as it is a symbol of western culture. However, we demonstrate in this thesis the relevance of this combination of a canonical genre with a protest topic. From the study of a diverse corpus of about thirty plays written in French by African, Caribbean, and Malagasy authors in the second half of the 20th century (1942-1992), we identify a theatrical phenomenon that we call "decolonization tragedies". On the one hand, the genre of tragedy allows to create myths, to celebrate precolonial societies and to highlight anti-colonial struggles. On the other hand, this genre allows to display defeats, which enables the indictment of Europe's self-proclaimed civilizing mission, and reveals the violence of the colonial and slavery system from the standpoint of those who suffer it. Moreover, the specific nature of tragedy encourages to examine its impact on gender. Finally, discussing some distortions in the reception of the plays allows us to show that the dramatic genre is being renewed through the affirmation of a destiny that is no longer transcendental, but historical, and from which one can emancipate oneself
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Marché, Claire. "Mémoire des arts et art de la mémoire dans les romans d'après-guerre de Kosmas Politis." Thesis, Paris, INALCO, 2021. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-03789583.
Full textAbstract:
L’enjeu de cette thèse est d’analyser comment l’acte de se remémorer se trouve au cœur des œuvres d’après-guerre de Kosmas Politis (1888-1974), tout comme il sous-tendait la narration d’Eroica, son roman le plus célèbre datant de 1938. En effet, nous étudions la manière dont Politis convoque dans Yiri, À Hatzifrango et Terminus les trames de sous-genres romanesques populaires tels le roman social ou encore le roman sentimental, suscitant chez le lecteur une impression de familiarité renforcée par l’influence dans ces récits des romans lus et souvent traduits par Politis. Les narrations, par des citations ou des allusions intertextuelles à des pièces de théâtre ou à des opéras, références inscrites dans la mémoire du lecteur, deviennent également dramatiques. Le lecteur, prenant le rôle de spectateur, est contraint de constater la précarité de l’existence, du temps et du territoire. Les sociétés disparues du début du XXe siècle ou de l’immédiat avant-guerre sont enfin décrites par des narrateurs-témoins qui se heurtent à la fragilité de leurs souvenirs. Pourtant, l’art musical auquel ils ont recours permet leur perpétuation. Portant ainsi la trace des arts romanesques et dramatiques des époques révolues, les récits d’après-guerre de Politis sont composés selon une mélodie nouvelle qui lui est propre : cette petite musique s’éloigne de la tonalité majeure d’Eroica. Laissant entendre les influences orientales de l’amanès mêlées à des compositions européennes, elle devient moins homogène et plus dissonante. Plus que les arts visuels, c’est donc l’art musical qui est au centre des narrations car il permet de dire la fugacité du temps sans exclure sa possible résurrectionWe intend to analyze how the act of remembering is a central element in the post-war works of Kosmas Politis (1888-1974), as well as it already underlied Eroica’s narration, his most famous novel published in 1938. We thus study the way that Politis introduces in Yiri, In Hatzifrango and Terminus the plots of popular novels such as the social novel or the sentimental novel. These can arouse an impression of familiarity in the reader reinforced by the influence of readings or translations of Politis himself. Moreover, the narrations through intertextual quotes or allusions to theatrical plays and operas, already known to the reader, also become dramatic. The reader, having a spectator’s role, is forced to contemplate the precariousness of existence, time and territory. The societies which have disappeared are at last described by narrator-witnesses who face the fragility of their memories. However, the musical art they use allows these pictures of the past to survive. Therefore, bearing the trace of novels and plays of bygone eras, the post-war stories of Politis are composed according to a new melody. The author’s own music moves away from the major key of Eroica, adopting oriental influences from amanes and mixing with other European musical forms, to become less homogeneous and more dissonant. More than the visual arts, it is musical art that shapes Politis’ postwar novels as it expresses the fleetingness of time without excluding its possible resurrection
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Chantrelle, Laurent. "Émergence d'un théâtre pour enfants moderne dans l'entre-deux-guerres." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080012.
Full textAbstract:
Cette étude sur l’histoire du théâtre pour enfants débute à partir de la période médiévale pour s’achever à la fin de l’année 1939 avec un focus particulier réalisé dans l’entre-deux-guerres. Il s'agit d'étudier la façon dont se crée un théâtre moderne pour enfants en évoquant des racines anciennes. Dans les années 1919 à 1939 un basculement fondamental s’opère dans le champ théâtral enfantin français avec des tentatives qui réclament la présence exclusive dans leurs divertissements de comédiens adultes sur scène. La tendance dans ce genre artistique qui jusqu’alors consiste à produire des spectacles avec des enfants-acteurs seuls ou mêlés à d’autres comédiens âgés se trouve révolutionnée. Deux formes se distinguent dans cet intervalle : une première de type « commerciale » et une autre qui se revendique « d’art ». Deux théâtres synthétisent ces pratiques : le Théâtre du Petit Monde (1919) de Pierre Humble et le Théâtre de l’Oncle Sébastien (1935) de Léon Chancerel. Les nouvelles expériences de théâtre pour l’enfance et la jeunesse entreprises entre les deux conflits mondiaux ne sont pas apparues par hasard, elles sont le fruit d’un long cheminement de la société́ plus prompte à accueillir désormais ces offres contemporaines. La IIIe République procure un contexte favorable en raison notamment d’un intérêt avéré en direction de la jeunesse. Ce pan de la population représente un enjeu de taille pour consolider ou renouveler les idéologies religieuses ou républicaines sources de maintes rivalités. La culture, l’éducation et les loisirs témoignent de cette mutation à cet instant précisThat study about the history of drama for children makes its debuts during the medieval time and finishes at the end of the year 1939, with a specific emphasis during the interwar time. It is about studying the processus of creation of a modern drama dedicated to children while referring to old roots. In the years 1919 to 1939, a fondamental shit occurs in the field of French drama for children, with several attempts using exclusively adults actors on stage. The tendency in this artistic field, which up to that point consists in creating spectacles with children actors alone or combined with other older actors, is revolutionized. During this interval, we can distinguish two different forms of drama : the first one is more popular, and the other claims to be « a work of art ». Two theatres summarize those tendencies : « Le Théâtre du Petit Monde » (1919) of Pierre Humble, and « le Théâtre de l’Oncle Sébastien » (1935) of Léon Chancerel. The new experiments in the drama field for children and youth made between the two world wars, are not the result of a mere coincidence. They are the result of a long development of the society, more inclined now to attend to those modern plays. The third Republic brings a favorable environment, especially with its growing interest towards youth. That part of the population represents an important stake to consolidate or renew the religious or republican ideologies, which are at the heart of many rivalries. Knowledge, education and leisure times are the proof of a shift in society at that precise time
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Doll, Jürgen. "Le théâtre politique dans l'Autriche de l'entre-deux-guerres : de l'agit-prop social-démocrate au théâtre dialectique de Jura Soyfer." Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA080759.
Full textAbstract:
La these se propose de donner une vue d'ensemble du theatre socialdemocrate et de reinterpreter le theatre de jura soyfer. Apres l'etude des differents courants au sein de la critique culturelle et litteraire "austro-marxiste" sont analysees les oeuvres pour choeur parle, premiere ebauche d'un theatre socialiste. Entre 1926 et 1933, le cabaret politique, theatre satirique-didactique, developpe, sous une forme specifiquement autrichienne, une dramaturgie qui rappelle le proletkult sovietique et le theatre de piscator et de brecht. En 1932 33, sa demarche est reprise par les troupes de jongleurs rouges. Sous la dictature austrofasciste, une panoplie de cafes-theatres rassemble l'opposition artistique au regime. C'est dans ce cadre que s'exprime le theatre de soyfer, a la fois aboutissement et depassement des experiences social-democrates. Soyfer critique l'ideologie platement rationaliste et oprimiste de la social-democratie, a qui il attribue une part de responsabilite dans l'avenement du fascisme, en lui opposant une dialectique qui integre l'histoire et la pratique humaine. Dialectique par son contenu, ce theatre l'est aussi par sa forme : toute sa dramaturgie est basee sur la relation active entre la scene et le publicThis thesis gives an overview of austrian socialist inspired theatre in the twenties and thirties and throws new light on the work of jura soyfer. First, the different currents of austro-marxist cultural and literary criticism are studied, then the chorus works - the beginnings of socialist theatre-are analysed. Between 1926 and 1933, the viennese political cabaret developed the specifically anstrian variant of international agit-prop. In 1932 33. Its techniques were taken up by the "rote spieler" troupes. During the austro-fascist dictatorship, fringe theatre was the focus of artistic opposition to the regime. Soyfer's theatre, which integrates and makes effectives use of agit-prop techniques, existed within this frameworks. Soyfer criticizes the simple-mindedly optimistic, rational ideology of social democracy - which he thought parly responsable for the rise of fascism-, opposing to it a dialectic incorporating history and human praxis. His theatre was dialectical in both content and form : all of its dramaturgy is based on the active relationship between actors and audience
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Street, Anna. "Comedy of the Impossible : The Power of Play in Post-war European Theatre." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040179.
Full textAbstract:
En retraçant le développement des théories de la comédie dans la philosophie occidentale, cette thèse avance que des préjugés l’ont empêchée d’être reconnue comme un genre littéraire sérieux. Il est montré que la place donnée à la comédie comme genre mineur pendant plus de deux mille ans correspond à un modèle éthique qui affirme, en distinguant le réel de l'Idéal, une vision néo-platonicienne de l'existence. Partant de l’analyse d’un phénomène théâtral précis dans l’Europe de l’après-guerre et à travers de nombreux exemples choisis parmi des pièces de cinq dramaturges différents, cette thèse propose trois principaux critères de la comédie : le statut ontologique des personnages comiques, la relation paradoxale de la comédie au monde des apparences, et son aptitude à permettre l'impossible. Opérant ainsi un renversement total des systèmes de valeurs et remettant en question une vision binaire, la comédie brouille les clivages entre l’abstrait et le concret, le mécanique et l’organique, et au bout du compte entre la vie et la mort. Il est démontré comment ce renversement s’accomplit de manière linguistique, métaphorique ou encore dramaturgique. L’étude conclut que la comédie bouleverse l'ordre socio-symbolique qui repose sur la logique du possibleBy tracing the development of theories of comedy within Western philosophy, this thesis claims that anti-comic prejudices prevented comedy from being recognized as a serious genre. Comedy’s inferior status for over two thousand years is shown to correspond to an ethical model that distinguishes the real from the Ideal and affirms a Neo-Platonic vision of existence. Through numerous examples taken from a particular phenomenon of post-war European theatre comprising five different playwrights, this thesis proposes three primary characteristics of comedy: the ontological instability of comic characters, comedy’s paradoxical relation to the world of appearances, and comedy’s willingness to accommodate the impossible. By throwing binaries into question and promoting a complete reversal of dominant value systems, comedy blurs the lines of distinction between the abstract and the concrete, the mechanical and the organic and, ultimately, between life and death. Demonstrating how this reversal is accomplished linguistically, metaphorically, or dramaturgically, this study concludes that comedy subverts the socio-symbolic order that relies upon the logic of possibility
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Lenzi, Federico. "Désamorcer le mythe : expérimentations littéraires et tradition classique dans le théâtre français de l’Entre-deux guerres." Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040058.
Full textAbstract:
Cette thèse traite de la persistance des modèles classiques dans le théâtre français de l’entre-deux-guerres, en particulier des réécritures qui s’appuient sur les mythes grecs. La recherche est organisé en trois parties. La première partie dresse un panorama sur l’histoire des spectacles, inspirés des mythes grecs, qui se sont épanouis en France, de 1919 à 1944. Dans la deuxième partie on analyse les textes concernant un certain nombre de figures mythiques : Électre, Œdipe, Médée, Antigone, Orphée. On essaye de comprendre selon quelles ‘techniques’ de réappropriation les auteurs (Sartre, Anouilh, Giraudoux, Cocteau, Gide, De Bouhélier, Fabre, Lenormand) ont remodelé la matière classique, et de mesurer la distance qui existe entre leur parcours et le modèle tragique grec. Dans la troisième partie, enfin, on s’attache à dégager les éléments communs à ces exemples de reprise moderne du tragiqueThis thesis focuses on the persistence of classic models in French theatre in the period between the wars, especially on the re-elaborations of the Greek myth. The research has been structured in three parts. The first one traces the history of various plays inspired by the myth, that flourished in France between 1919 and 1944. The second part analyses texts concerning legendary characters, such as Electra, Oedipus, Medea, Antigone, Orpheus. It also tries to understand to what extent the authors in question (Sartre, Anouilh, Giraudoux, Cocteau, Gide, De Bouhélier, Fabre, Lenormand) re-appropriated the classical subject, and to measure the distance between their works and the original Greek models. Finally the third part brings together the findings of this work: the emergence of common traits between different attempts to recover Greek classic elements
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Chevallier-Micki, Sybile. "Tragédies et théâtre rouennais (1566-1640) : scénographies de la cruauté." Thesis, Paris 10, 2013. http://www.theses.fr/2013PA100019/document.
Full textAbstract:
À partir d’un corpus composé d’une quarantaine de tragédies parues en Normandie entre 1566 et 1640, mettant presque toutes en scène des actes de cruauté exercés par des représentants d’altérités exacerbées, ce mémoire de doctorat étudie les particularités scénographiques qui transparaissent dans ces textes, en mettant en évidence la similitude des éléments décrits dans les didascalies internes et dans les rares indications scéniques des œuvres avec les pratiques de l’Hôtel de Bourgogne telles qu’elles sont définies par le Mémoire de Mahelot. Après un rappel des formes et des événements dramatiques joués dans la province, la thèse poursuit par une étude des pratiques éditoriales rouennaises. Une fois établie l’historiographie des guerres de religion et des règnes d’Henri IV et Louis XIII, la thèse observe la manière dont le théâtre normand est contaminé par la production parisienne en voie de normalisation classique, puis disparaît progressivement, ainsi que les scénographies signifiantes qui le caractérisent ou comment leur sens est dévoyé pour célébrer une unité politique, pour laisser place au palais à volonté des drames parisiensBased on a corpus composed of about forty tragedies published between 1566 and 1640 in Normandy, most of which staging acts of cruelty carried out by strongly antagonistic protagonists, this doctorate thesis studies the specific stage designs shown out through those texts. Thus throwing into prominence the existing similarities between the components described in the internal stage directions, the few stage indications of the works, and the practices at the hotel de Bourgogne such as defined in the Mémoire de Mahelot. After recalling the shapes and the dramatic events performed in the province, the thesis goes on studying the editorial practices in Rouen. Historiography of wars of religion and Henri IVth and Louis XIIIth reigns once established, it observes how the Norman theatre is being corrupted by the Parisian production on its move to classical normalization, and then gradually vanishes as well as the meaningful stage designs, demonstrating then how their meaning is being perverted in order to celebrate a political unity, to make way for “palais à volonté” in the Parisian dramas
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Mariet-Lesnard, Vanessa. "Diables et diableries dans le Jeu d’Adam et les mystères de la Passion du XVe siècle : naissance et individuation." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040204.
Full textAbstract:
Les fatistes du théâtre à sujet religieux souhaitent montrer aux spectateurs médiévaux le scénario biblique. Il s’agit de représenter la confrontation du Bien et du Mal dont l’enjeu demeure l’homme. Pour autant,si les Écritures offrent (fournissent, procurent ?) aux auteurs toute la matière iconique des personnages théâtraux de la sphère christique, le diable reste une entité aux contours flous, un profil théologique. La gageure des fatistes est donc de construire le diable, puis ses comparses, afin qu’ils puissent agir sur le hourd :l’amplification, la réécriture et la poétique de ces « théologiens-dramaturges » font naître le diable théâtral.D’œuvre en œuvre, hors de toute considération d’évolution de genre, le personnage diabolique grandit et prolifère jusqu’à apparaître sous de multiples visages individualisés : ceux de la « maisnie infernale ». Dotés d’une corporéité, d’une gestuelle et d’un langage nouveaux, les diables envahissent le hourd pour agir dans et sur le mystère de la Passion. La possibilité ainsi donnée aux diables d’être les serviteurs du message chrétien tout autant que de véritables actants dramatiques et paradramatiques concourt à leur individuation. Même partiellement factice, celle-ci se réalise pleinement dans le rire diabolique. En effet, que le rire provoqué par le mystère de la Passion soit critique ou qu’il serve d’exutoire, son origine est toujours diabolique.On peut alors concevoir que l’aspect divertissant des grandes Passions s’élabore au fil de l’essor diabolique qu’elles proposent. Surtout, on peut imaginer que les germes comiques, gestuels et dramatiques nés avec ces diables fleurissent, même après la fin de la représentation des mystères de la Passion, en d’autres œuvres et à d’autres époquesThe authors of the Passion plays on religious subject want to show the biblical scenario to the medieval audiences. It consists of representing the confrontation between Good and Evil whose main stake remains Man.If the Scriptures offer to their authors all the iconic material of the theatrical characters of the Christlike sphere,the Devil remains an entity with blurred outlines, a theological profile. What is at stake for the authors of thePassion Plays is to build the Devil and its stooges so that they can act on the stage: the magnification, therewriting and the poetics of those “theological playwrights” offer a birth to the theatrical Devil.From work to work, out of any consideration about the evolution of the genre, the diabolic charactergrows and multiplies to the point of appearing under numerous individualized faces: those of the « maisnieinfernale ». Endowed with a new body language, body movements, and language; the devils swept into thestage to act in and on the Passion Plays.The possibility which is offered to the devils of being the servants of the Christian Message as much as beinggenuine dramatic and paradramatic actors contribute to their individuation. This individuation, even partlyartificial, comes entirely true in the diabolic laughter. Whether it is a grating laugh or whether it acts as a kind ofrelease, the laugh provoked by the Passion Plays is always the result of the diabolic amusement.We can then consider that the amusing aspect of the great Passion Plays is worked out in the course ofthe diabolic development it offers. Above all, we can imagine that the dramatic, gestural and comical germswhich were born with those devils bloom even after the end of the representation of the Passion Plays in otherworks but in other periods too
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Herzig, Carine. "L'affaire Guerra : un épisode de la Controverse éthique sur la légitimité du théâtre dans l'Espagne de Charles II : Textes et contextes (1682-1684)." Toulouse 2, 2003. http://www.theses.fr/2003TOU20072.
Full textAbstract:
Cette thèse est centrée sur l'étude d'un épisode particulier de la Controverse éthique sur la légitimité du théâtre en Espagne, la "polèmique de 1682", qui s'est déroulée entre 1682 et 1684, après la sortie de l'Aprobación a la Verdadera Quinta Parte de Comedias de don Pedro Calderón, rédigée par le Père trinitaire Manuel de Guerra y Ribera. Nous nous penchons, dans un premier temps, sur le contexte politique et historique qui a présidé à l'émergence de cet épisode polémique ; dans un deuxième temps, nous faisons une présentation analytique des 21 textes qui en constituent le corpus ; nous essayons, dans un troisième temps, de réinscrire cette polémique dans l'histoire de la Controverse au XVII° siècle, afin d'en dégager les lignes de continuité et les ruptures ; nous proposons enfin, en guise d'Appendice, l'édition modernisée de six des 21 textes qui forment le corpus de la "polémique de 1682"This master's thesis is dedicated to the study of a particular episode of the moral Controversy about the legitimacy of the theater in Spain, called the "1682 polemic", which took place between 1682 and 1684, after the publication of the Aprobación a la Verdadera Quinta Parte de Comedias de don Pedro Calderón, written by the trinitarian Father Manuel de Guerra y Ribera. First, we look into the political and historical context in which this polemical episode is set ; then, we describe and analyse the 21 texts that make up the corpus of the polemic ; later, we try to bring out the continuities and changes of this polemic in the full Controversy's story throughout the Seventeenth century ; finally, we propose, in the Appendix, the modernized edition of six of the 21 texts that constitute the corpus of the "1682 polemic"
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Morel, Ludovic. "Thierry Maulnier : de la Jeune Droite révolutionnaire à l'ordre établi ?" Thesis, Université de Lorraine, 2013. http://www.theses.fr/2013LORR0301.
Full textAbstract:
De l'Action française, qu'il rejoint à la fin des années vingt, à l'Académie française, où il est élu en signe de consécration ultime pour une carrière littéraire remplie d'honneurs, le parcours intellectuel de Thierry Maulnier semble s'inscrire entre ces deux extrémités que sont le combat politique pour l'avènement d'une « révolution aristocratique », au côté d'une Jeune Droite d'inspiration maurrassienne, et l'accès à une certaine notabilité intellectuelle au sein d'institutions garantes de l'ordre établi. Entre les deux se situe le moment de la Libération, qui serait celui où Maulnier se rallie au système, après avoir trahi ses anciens camarades. Cette interprétation commune est toutefois aussi trompeuse que l?étiquette de dissident de l'Action française qui lui a été attribuée jusqu'à présent. Dans les années trente, Thierry Maulnier cherche sa propre voie dans les domaines économiques et sociaux pour trouver une alternative à une démocratie libérale et capitaliste qu'il abhorre, en vagabondant d'un mouvement à un autre, sans jamais quitter les parages de l'Action française. Mais la période de Vichy et l'Occupation allemande entraînent un bouleversement profond dans sa conception du monde, qui le conduit à s'éloigner de Maurras à la Libération. Poursuivant désormais son itinéraire en solitaire, loin d'une Jeune Droite dont il lui arrive de croiser encore quelquefois les animateurs dans certaines revues auxquelles il collabore, il s'engage dans de nouvelles formes d'expression artistiques et intellectuelles, comme le théâtre, sans renier son passé. Mais, au-delà des évolutions politiques réelles, ce parcours intellectuel singulier se caractérise par de nombreuses persistances, visibles dans les combats qu'il mène contre le communisme et le totalitarisme, la décolonisation, et pour la défense d'une civilisation occidentale, dont la crise s'est à ses yeux aggravée. Les soixante années de vie intellectuelle de Maulnier sont une fenêtre ouverte sur l'histoire du vingtième siècle et les mouvements politiques qu'il fréquenteFrom the Action Française Movement, which he joins in the late 20's, to the AcadémieFrançaise, who elect him to a seat with them, and so consecrate his much honored literary career, Thierry Maulnier seems to have navigated between two extreme goals ; namely, promoting an "aristocratic revolution", siding with a "Young Right Movement" inspired by Maurras, and, later on, achieving some intellectual status within the Establishment. Then there comes the year of "Liberation" (of France from the nazi grip), when he is said to have joined in the System, thus betraying his former friends ; however, this well-spread interpretation is as faulty as the label "dissident from the Action Française", that has stuck to him to this day. In the 1930's, Thierry Maulnier explores the economic and social fields to situate himself and to find an alternative for the liberal/capitalistic democracy he cannot stand. The years of Vichy Government, and the German ocupation of France,brought a deep change in his vision of the world, a change that took him away from Maurras ; from then on, he continues his lonely course, far from the Young Right members, though he may meet some of their names in the reviews in which he is a contributor ; he gets involved in other forms of artistic and intellectual expression, such as drama ; yet, he will never reject or denounce his past. In spite of some genuine changes in his political postures, this singular intellectual route displays many persistent ideas, recognizable in his fights against communism, totalitarianism, decolonizing, in his defense of Western civilization that is sinking, according to him. Maulnier's six decades of intellectual life are like a window open on the XXth century history, and on the political trends he is acquainted with
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Gauthier, Marc. "Les fantaisies militaires de Max Auesberger : une représentation théâtrale du mal entre fragments littéraires et vidéo." Mémoire, 2010. http://www.archipel.uqam.ca/3154/1/M11485.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire-création propose une représentation du mal au théâtre par le biais de fragments littéraires adaptés du roman Les Bienveillantes de Jonathan Littell et d'images vidéo créées de toutes pièces. Tant pour des peintres et graveurs qui, tels Jérôme Bosch, Pieter Bruegel l'Ancien ou Albrecht Dürer, ont voulu représenter le démoniaque au début de la Renaissance, que pour des metteurs en scène contemporains comme Guy Cassiers, Jacques Delcuvellerie ou Claude Régy, qui se sont emparés de la folie génocidaire dans Wolfskers, Rwanda 94 et Holocauste: fragments, les artistes ont cherché à donner au mal une forme visuelle à partir de définitions fluctuant selon le contexte sociohistorique. Au fil du temps, ces variations dans l'acception du concept et, par conséquent, dans ses représentations artistiques, portent à croire que le problème n'est pas tant de savoir si le mal peut prendre une forme visuelle que de déterminer si les représentations qui en sont proposées correspondent au fait qu'il est, par définition, sans véritable nature -autrement dit, qu'il est une disposition qui ne peut être fixée, un état en perpétuelle transformation. Ainsi, l'enjeu de notre essai scénique Les fantaisies militaires de Max Auesberger était de faire apparaître ce mouvement infini de métamorphoses du mal et ce, à partir de la prémisse que seule la projection vidéo, au théâtre, peut en rendre compte.
C'est en fonction de cette hypothèse que s'articulent les trois chapitres du présent mémoire. En effet, le premier est consacré à l'analyse de trois cas emblématiques de représentations de génocides au théâtre, soit Mefisto for ever de Cassiers, Rwanda 94 de Delcuvellerie et Holocauste: fragments de Régy. Le deuxième chapitre traite des supports de projection vidéo en tant que matériaux visibles permettant de rendre compte de la vie psychique du personnage de Max Auesberger. Enfin, le troisième chapitre s'articule autour de l'utilisation de l'image vidéo comme outil servant à représenter d'incessantes variations de la notion du mal -et ce, tout en évitant le piège de la monstration et de la tautologie visuelles. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Bourreau, Seconde Guerre mondiale, Mal, Roman, Shoah, Théâtre, Vidéo.
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Amsler, Priscille. "Les espaces de Guerre : essai scénique suivi d'une étude sur la poétique de l'espace et les rapports proxémiques des corps comme écriture scénique d'une oeuvre." Mémoire, 2012. http://www.archipel.uqam.ca/5005/1/M12483.pdf.
Full textAbstract:
Notre recherche vise à considérer le rapport à l'espace comme matière première à la création scénique. Son objectif est de considérer la scène comme un microcosme dans lequel les dynamiques spatiales développent leur propre écriture scénique. Nous nous intéressons à la fois à la relation du corps à l'espace et aux tensions qui circulent entre les corps. Plus particulièrement, nous nous questionnons sur la portée de l'imagination créatrice que peut développer le langage des distances, du « vide-plein » dans un espace scénique dépouillé. Nous nous sommes attachées à la dramaturgie de Lars Norén tout en tentant d'apporter notre part expérimentale et originale. L'essai scénique Guerre s'est donné comme défi de sensibiliser le spectateur au langage spatial et de faire ressortir les tensions principales de l'histoire en partant d'une réflexion sur la territorialité. En complément de notre essai scénique, ce mémoire théorique retrace dans un premier chapitre les fondements de la proxémie afin de mieux comprendre les principes établis par Hall pour les rapporter ensuite à l'espace théâtral. Le second chapitre propose une analyse tridimensionnelle de l'espace en considérant le corps comme un volume spatial. Le principe de l'espace vide est ici développé en tant que lieu propice au développement de l'espace imaginaire du spectateur. Terminer ce chapitre par un développement de la dynamique majeure de la mise en scène, à savoir la circularité, était nécessaire pour ouvrir une réflexion sur un éventuel nouveau rapport proxémique entre les corps, tant des acteurs que des spectateurs. Il nous a semblé pertinent de ne pas séparer, dans ce mémoire, l'aspect théorique de la partie pratique qu'est l'essai scénique de Guerre. C'est ainsi que nous analysons nos choix esthétiques de la création tout au long du mémoire.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : territoire, espace, corps, dynamique spatiale, volume
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Rizea, Odeta Elena. "Recuperación de la memoria histórica en la obra teatral de José Sanchis Sinisterra ¡Ay, Carmela!" Thèse, 2011. http://hdl.handle.net/1866/5459.
Full textAbstract:
Ce mémoire de maîtrise comprend une recherche basée sur l’œuvre dramatique ¡Ay, Carmela !, du dramaturge et directeur du théâtre espagnol contemporain, José Sanchis Sinisterra. Mise en scène pour la première fois en 1987, ¡Ay, Carmela ! est considérée une des plus importantes créations théâtrales représentées depuis l’après-guerre espagnole. Reconnue à l’échelle internationale, ¡Ay, Carmela ! illustre les conséquences de la guerre civile espagnole (1936-1939). À travers l’étude de la structure temporelle et spatiale, ainsi que de l’analyse des caractéristiques des personnages de cette pièce dramatique, le présent travail de recherche essaie de démontrer que les manifestations de la récupération de la mémoire historique se reflètent dans ¡Ay, Carmela !, de telle sorte que la pièce peut être considérée comme précurseur artistique de la « Loi de la mémoire historique » (Ley 52/2007, également appelée la Declaración de reparación y reconocimiento personal). On y retrouve ainsi une forte critique du pacte de silence de la transition démocratique espagnole (1975-1978). Ce travail a comme base méthodologique les outils théoriques de la sémiologie théâtrale (Bobes, García Barrientos, Rubiera) et aussi les écrits de P. Ricœur y de J. Derrida, sur le fonctionnement des mécanismes de la mémoire, de l’oubli et du pardon. Cette recherche se conclut avec une brève étude comparative entre l’œuvre de Sinisterra et l’adaptation cinématographique ¡Ay, Carmela! du réalisateur Carlos Saura.This MA thesis embodies a research undertaken relative to the play ¡Ay, Carmela !, written by José Sanchis Sinisterra, a Spanish playwright and theatrical director. Staged for the first time in 1987, ¡Ay, Carmela ! is considered one of the most important dramas created since the post-war era. This work, which gained international recognition, perfectly illustrates the consequences of the Spanish Civil War (1936-1939). By examining both time and space, as well as analyzing the characters of this play, the present research intends to prove that the manifestations through which historical memory is recuperated throughout the play ultimately transform it into the forerunner to the “Historical Memory Law” (Ley 52/2007, also known as the “Declaración de reparación y reconocimiento personal”). Moreover, this thorough examination of the play will demonstrate within it a strong critique of the Pact of Silence signed during the Democratic Transition (1975-1978). Two main methodological approaches will be used to do so: that of theatre semiotics (specifically the theories of Bobes, García Barrientos, Rubiera) as well as comparisons to the writings of P. Ricœur y de J. Derrida, which will help support the ideas related to the memory, the forgetting and the forgiveness. Finally, this Master’s thesis will end with a short comparative study between the aforementioned play and the movie ¡Ay, Carmela!, directed by Carlos Saura.
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Drouin, Gabrielle. "Transactions, suivi de Dédramatiser le drame : usages et enjeux de l’humour et de la violence du langage dans la pièce Rouge Gueule d’Étienne Lepage." Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/19352.
Full textAbstract:
Mémoire en recherche-créationLe présent mémoire propose d’interroger la construction du récit médiatique dans la fable théâtrale contemporaine. D’abord par une fiction au dispositif épuré, mais au verbe cru et humoristique, la pièce de théâtre Transactions, puis par un essai sur la pièce de théâtre Rouge Gueule d’Étienne Lepage, nous désirons explorer les liens qui unissent le comique et la violence du langage, notamment par des affinités avec le mouvement britannique In-Yer-Face (Sarah Kane) et tels que mis de l’avant par un « personnage-réseau » porteur de discours, en écho à l’« impersonnage » de Jean-Pierre Sarrazac. En ce sens, nous avons convoqué les notions de dialogisme (Bakhtine) hétéromorphe (Hervé Guay), d’esthétique de la divergence (Hervé Guay), de polyphonie (Bakhtine) hétéromorphe (Hervé Guay) et de la mise à mal d’un conflit afin d’expliquer le renouvellement d’une esthétique dramaturgique tout à fait contemporaine, se rapportant à la Toile et dont le spectateur émancipé (Jacques Rancière) devient un actant principal par l’intermédiaire duquel le théâtre prend tout son sens.
This thesis aims to question the construction of the media narrative in the contemporary theatrical fable. First, by analyzing the play Transactions and its sober scenography, yet raw and humorous words, and subsequently examining Étienne Lepage’s Rouge Gueule, we will explore the links between the humor and violence of language. This includes the affinity with the British movement In-Yer-Face (Sarah Kane) as put forward by a "network-character" speech bearer in response to Jean-Pierre Sarrazac’s "non-character". Thus, this paper will study concepts including heteromorph (Hervé Guay) dialogism (Bakhtin), aesthetics of the divergence (Hervé Guay), heteromorph (Hervé Guay) polyphony (Bakhtine) and the redefinition of conflict in order to explain the replenishment of an aesthetic dramaturgy that is quite contemporary, relevant to the Web and in which the emancipated audience (Jacques Rancière) becomes a main actor through which the play takes on its full meaning.
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Côté, Maja. "Chroniques de maux (de l’extrême ordinaire) ; suivi de Attaques à vide : bousculer la situation théâtrale au confluent de l’humour et de l’invective dans la pièce Rouge Gueule d’Étienne Lepage." Thèse, 2014. http://hdl.handle.net/1866/13466.
Full textAbstract:
Alice au pays des merveilles et Nietzsche n'ont en commun ni la dentelle ni la chanson. Quelque chose de beaucoup plus fort les unit toutefois; nous le découvrirons peut-être ce jour où voleront les cochons. Ou à la fin de cette pièce, selon le bon vouloir des principaux-ales intéressé-e-s. Pendant ce temps, du fin fond de leur enclos, ils et elles n'en peuvent plus d'attendre. Leur salut ? L'heure du glas ? Leur heure de gloire ? Grands incapables, pugilistes décadents qui se tuent à ne pas se tuer, se déchaînent dans le verbiage, s'érigeant malgré eux contre toute forme de verve. Combattre cet Autre qui s'immisce insidieusement en soi et qui conduit à la perte du moi. C'est dans une folle lucidité que les égos se dérangent sans échanger, s'attaquent sans s'atteindre, hurlent sans être entendus, dans l'espoir, peut-être, de se réveiller in the land of Nod. Comme l’indique le titre, Chroniques de maux (de l’extrême ordinaire) met en scène une suite de chroniques dans lesquelles les principaux-ales intéressé-e-s témoignent de leur mal-être, et ce, à travers l’exploration de lieux communs. La dramaturgie tente, entre autres, de mettre en place une poésie de l’invective et de l’humour; une esthétique du trash-talking et de la logorrhée. Une importance particulière est accordée au rythme et au langage. L’atmosphère alterne résolument lourdeur et ludisme.
La pièce Rouge Gueule, d'Étienne Lepage, présente une mécanique visant manifestement à
« attaquer » l'Autre, qu’il s’agisse d’un personnage ou du lecteur-spectateur. Les attaques se perpètrent d'une part par un humour cru, influencé par la culture populaire, le trivial; un humour qui fonctionne de manière plutôt classique en convoquant des procédés aisément repérables et sans cesse réutilisés par l'auteur. D’autre part, la mécanique de « combat » se manifeste par l'invective, ainsi que par une violence caractérisée, du début à la fin, par un manque dans la motivation des actions. Ainsi, l’étude Attaques à vide. Bousculer la situation théâtrale au confluent de l’humour et la violence s’intéresse à Rouge Gueule, aux relations qu'entretiennent l’humour et l'univers brutal de la pièce, dans la perspective où l’humour est inextricablement lié à la violence. Une attention particulière est portée sur le personnage type de Lepage de même que sur l’esthétique de « l'arsenal » trash. Cette dernière est analysée afin de mieux circonscrire les attaques : sont-elles des moyens, et le cas échéant, pour parvenir à quelle fin puisque la fable, et donc la « quête », dans le théâtre contemporain est souvent remise en question. Cette étude verra comment les attaques « à vide », sont, chez Lepage, la force motrice de ce que Hans-Thies Lehmann nomme la « situation théâtrale ».Alice in wonderland and Nietzsche have in common neither the lace nor the song. However, something much stronger unites them; we shall discover it maybe this day when pigs will fly, or at the end of this play, according to the goodwill of the characters within. Meanwhile, by the very depths of their enclosure, they can’t wait anymore. For what ? Their salute ? The hour of the knell? Their hour of glory? Tremendous incapables, decadent pugilists who kill themselves trying not to kill themselves, who burst out in verbosity, setting themselves up in spite of themselves against eloquence. Fighting this Other who interferes insidiously in itself and who drives to the loss of the me. It is in a crazy lucidity that egos disturb each other without exchanging, attack without reaching, roar without being heard, in the hope, maybe, of waking up in the land of Nod. As indicated in the title, Chroniques de maux (de l’extrême ordinaire) stages a series of chronicles among which the characters are testifying their ill-being. The language and the situation of utterance of this play without acts, falls within resolutely "poetic-trash" esthetics, and the atmosphere aims to alternate heaviness with playfulness. Rouge Gueule, by Étienne Lepage, presents a structure aiming obviously at "attacking" the Other, whether it is about a character or about a reader-spectator. Attacks commited on the one hand by raw humor, influenced by the popular culture, the trivial; a humor which works in a rather classic way by using processes easily identifiable and ceaselessly reused by the author. On the other hand, the structural design of "fight" shows itself by the invective, as well as by the violence characterized, from the beginning to the end, by a lack in the motivation of the actions. So, this study, Attaques à vide. Bousculer la situation théâtrale au confluent de l’humour et la violence, looks into Rouge Gueule, by being interested in the relations that maintain the humor and the brutal universe of the play, in the perspective where the humor is inextricably connected to the violence. A particular attention is dedicated to the typical character of Lepage as well as the esthetics of the trash "arsenal". The latter is analyzed to better circumscribe the attacks: are they the means, and, if so, to what end considering that the fable, and thus the "quest", in contemporary theater is often questioned. This study will see how, in Lepage’s play, the "vacant" attacks are the driving strength of what Hans-Thies Lehmann appoints the "theatrical situation".