Academic literature on the topic 'Fortunato De Angeli'

O artigo apresenta uma seleção de textos da fortuna crítica italiana de Murilo Mendes, escritos entre 1957 e 1962, por Dario Puccini, Anton Angelo Chiocchio, Luciana Stegagno Picchio, Ruggero Jacobi e Oreste Macrì. Mais do que amostragem, esses textos e autores são emblematicamente apontados como responsáveis pelo primeiro momento dessa recepção e no que trazem de contrapontos à fortuna crítica brasileira do poeta.

This paper critically explores the relationship between the history of modern architecture and restoration of the modern, identifying connections and discrepancies between the contexts of the two disciplines. It finds the cause of the latter in the unstable structure of the history of modern architecture, which is changing rapidly from many points of view. It highlights how this situation can easily lead to problems and controversy over the restoration of the modern and especially over the specific conservation techniques designed to maintain its authenticity. Two famous images of Walter Benjamin are used to quickly underline the contradictions in which restoration may fall, those of the angel of history and of the pearl diver, taking them as a historical paradox. The purpose is also to underline the questions which accumulate around the history of the tradition of the modern.

The operatic diva, a singer of strange songs, and too often a turbulent, unkind girl, haunted the nineteenth-century imagination, as evidenced by the musical tales of E. T. A. Hoffmann and numerous retellings of those tales in theatre, ballet and opera. Each adaptation of Hoffmann's ‘Rat Krespel’, ‘Der Sandmann’ and ‘Don Juan’ reflects an ambivalent attitude towards women performers, whose potent voices make them simultaneously desirable and fearsome. How do these stories about female singers contrive to contain and manage the singing woman’s authority? And how does the prima donna's voice repeatedly make itself heard, eluding and overcoming narrative attempts to shape or contain its turbulent noise?Let me begin with an excerpt from ‘Rat Krespel’ (1818), which might serve as a parable for relationships between female singers and male music lovers in the Romantic imagination. Krespel, a young German musician, travelled in Italy and was fortunate enough to win the heart of a celebrated diva, Angela, whose name seemed only appropriate to her heavenly voice. Unfortunately, her personality was less than heavenly, and when she was not actually singing he found her violent whims and demands for attention very trying. One day, as he stood playing his violin:[Angela] embraced her husband, overwhelmed him with sweet and languishing glances, and rested her pretty head on his shoulder. But Krespel, carried away into the world of music, continued to play on until the walls echoed again; thus he chanced to touch the Signora somewhat ungently with his arm and the fiddle bow.

In recent months, much public attention has been given to the women leaders of developed countries who have done well in containing the coronavirus and ensuring a low rate of infection and death. Such leaders include Jacinda Ardern, Prime Minister of New Zealand; Angela Merkel, Chancellor of Germany; Erna Solberg, Prime Minister of Norway; Katrin Jacobsdottir, Prime Minister of Iceland; Sanna Marin, Prime Minister of Finland; and Tsai Ing-wen, President of Taiwan. In addition to their own expertise, these leaders have been fortunate in being able to rely on the support of well-trained public officials and scientists, adequate financial resources, and well-equipped health facilities. Little has been written, however, about women leaders from developing countries who are trying hard to contain the pandemic. Sadly, in Africa, a continent with 54 states, only Namibia and Togo have women prime ministers, while the only African woman president hails from Ethiopia.This paper briefly examines the work of K.K. Shailaja, Minister of Health and Social Welfare of the state of Kerala in India, and proposes how lessons from her work could be useful for other parts of the developing world, especially in Africa.

La rehabilitación del arte del XVI, en la obra de autores como Dvöràk, Fiedlander o Hauser, presenta el manierismo como arte anticlásico; como expresión de las inquietudes de la época, de la personalidad dividida de los artistas; como un arte antirealista, antihumanista y antiintelectualista. Giulio Romano ha representado para cierta crítica el paradigma de aquella interpretación del manierismo como arte en crisis. Sin embargo el examen de su arquitectura permite comprobar que ésta se mueve dentro de los márgenes del clasicismo; estira hasta el extremo, sin romperla, la cuerda de la arquitectura clásica y abre toda la gama del repertorio. Giulio, por tanto, se permite la licencia, pero, a diferencia de Miguel Angel, no se propone reinventar los elementos arquitectónicos: la originalidad de sus composiciones deriva de la ampliación de los motivos traídos del antiguo. con una predilección por los menos frecuentados, por los detalles peregrinos, por las citas de anticuario. Lo suyo es, como se ha dicho, la búsqueda de una nueva y extravagante manera.

Abstract The impact of neoadjuvant chemotherapy on tumor cells is largely unknown with resistance to therapy remaining a significant challenge. We analyzed 171 chemo-naïve and post-chemotherapy resected patient samples (chemoradiotherapy excluded) using RNAseq and multiplexed immunofluorescence. Neoadjuvant chemotherapy enriched for distinct neoplastic persister phenotypes expressing Classical and Basal-like biomarkers GATA6 and KRT17. The enrichment of GATA6HiClassical-like and KRT17Hi Basal-like cells in post-chemotherapy patient samples was associated with poor survival after mFOLFIRINOX, but not gemcitabine. CYP3A subfamily enzymes (CYP3A4 and CYP3A5) were expressed in GATA6Hi and KRT17Hi persister cells and can degrade mFOLFIRINOX constituent irinotecan. Taken together these data support a model in which pre-existing subpopulations of GATA6Hi (Classical) and/or KRT17Hi (Basal) neoplastic cells emerge after mFOLFIRINOX treatment by expressing CYP3A. The identification of CYP3A-enabled persister cell phenotypes is an important step in the design of effective therapies to overcome drug-tolerance and prevent recurrence after neoadjuvant therapy. Citation Format: Xu Zhou, Roma Kurilov, John P. Neoptolemos, Benedikt Brors, Kai Hu, Teresa Peccerella, Jing-Yu An, Stephanie Roessler, Katrin Pfütze, Angela Schulz, Stephan Wolf, Nicolas Hohmann, Ulrike Heger, Oliver Strobel, Simon T Barry, Christoph Springfeld, Christine Tjaden, Frank Bergmann, Markus Büchler, Thilo Hackert, Franco Fortunato, Peter Bailey. Persister cell phenotypes contribute to poor patient outcomes after neoadjuvant chemotherapy in PDAC [abstract]. In: Proceedings of the AACR Special Conference on Pancreatic Cancer; 2022 Sep 13-16; Boston, MA. Philadelphia (PA): AACR; Cancer Res 2022;82(22 Suppl):Abstract nr A010.

Abstract. Using Cluster multipoint magnetic and plasma measurements we analyze the spatial structure of plasma flow-associated turbulence on 26 September 2005. The fortunate relative configuration of the spacecraft and the plasma flow allowed for the first time to compare the scale evolution of statistical moments both at the boundary and in the central part of the flow at the same time. The simultaneous increase of skewness and kurtosis at the boundary of the plasma flow over the time scale of seconds provides evidence for the existence of nonlocal coupling in flow-associated turbulence in the Earth's plasma sheet.

La ricerca si concentra sull’editore modenese ebreo Angelo Fortunato Formiggini (1878-1938), morto suicida in seguito alla promulgazione delle leggi razziali, proponendosi di valorizzare un aspetto peculiare della sua attività: il progetto, sentito come una missione, di promozione del libro e della cultura italiana all’estero. Da un lato, si indagano le radici profonde degli ideali a fondamento delle sue imprese; dall’altro, le ripercussioni concrete sull’attività editoriale, via via più orientata alla ricerca di contatti che favorissero la diffusione internazionale dei prodotti intellettuali italiani. Il primo capitolo è dedicato alle esperienze giovanili che aprirono la strada all’idea della promozione culturale come chiave per l’affratellamento universale. Il secondo capitolo focalizza le vicende legate all’Istituto per la Propaganda della Cultura Italiana, espressione concreta di tali ideali: il rapporto con istituzioni ed enti che perseguivano scopi simili (Società Dante Alighieri) e l’inevitabile confronto con il nascente regime fascista. Il terzo capitolo scende nello specifico delle scelte editoriali: l’apertura del catalogo agli autori stranieri, il rapporto con i traduttori, gli sforzi impiegati per approdare al mercato librario internazionale. Il quarto capitolo esamina l’inedito «archivio delle recensioni», in sinergia con i carteggi editoriali, per ricostruire i contatti attivati dall’editore con intellettuali e giornalisti che, come lui, agivano da promotori di italianità all’estero. L’ultimo capitolo inquadra i rapporti con il continente americano, crocevia dei flussi migratori italiani e, dunque, terreno fertile per diffondere il libro e la cultura della madrepatria, analizzando il ruolo di Formiggini nella costituzione della biblioteca della Casa Italiana di New York e nell’esperienza delle Italian Book Exhibitions degli anni Venti in America. Il progetto formigginiano naufragò sotto il peso di una mentalità troppo poco imprenditoriale, ma il suo apporto fu cruciale nell’instaurare quel dialogo transnazionale che favorì l’apertura delle frontiere italiane alla circolazione intellettuale e libraria.
The research focuses on the Jewish Modenese publisher Angelo Fortunato Formiggini (1878-1938), who committed suicide after the promulgation of the Fascist laws. It draws attention to a peculiar aspect of his activity: the project of promotion of Italian books and culture abroad. On the one hand, it investigates the origin of the ideals at the foundation of its undertaking; on the other hand, it studies the repercussions on his publishing activity, progressively more oriented towards finding new contacts that would help the international diffusion of Italian works. The first chapter is dedicated to the juvenile experiences that shaped his idea of cultural promotion as a key to universal brotherhood. The second chapter deals with the Institute for the Propaganda of Italian Culture, the concrete expression of such ideals: its relationship with institutions that pursued similar aims (Dante Alighieri Society) and the inevitable confrontation with the raising fascist party. The third chapter deals specifically with editorial choices: the catalog’s opening to foreign authors, the relationship with translators, the efforts made to reach the international book market. The fourth chapter examines the unknown «archive of reviews», together with Formiggini’s correspondence, to reconstruct the publisher's contacts with intellectuals and journalists who acted as promoters of the Italian culture abroad, just like him. The last chapter examines the relations with the American continent: as a crossroad of Italian migratory flows, it was a fertile ground for spreading Italian books and culture. It investigates Formiggini’s role in the constitution of the Italian House Library in New York and in the Italian Book Exhibitions, organized across North America in the Twenties. Formiggini’s project failed because his mentality was not enough entrepreneurial to succeed, but its contribution was crucial in establishing that transnational dialogue which foster the opening of Italian borders to intellectual circulation.

Nell’ottobre del 1921 a Milano nacque la Scuola Superiore di Arte Cristiana Beato Angelico. Responsabili dell’iniziativa: don Giuseppe Polvara, l’architetto Angelo Banfi, il pittore Vanni Rossi, affiancati dallo scultore Franco Lombardi, dai sacerdoti Adriano e Domenico Bernareggi, dall’ingegner Giovanni Dedè, dal professor Giovanni Mamone e dall’avvocato Carlo Antonio Vianello. Gli allievi del primo anno scolastico furono nove, due dei quali (gli architetti don Giacomo Bettoli e Fortunato De Angeli) destinati a restare per lunghi anni nella Scuola come docenti: così avvenne anche col pittore Ernesto Bergagna, iscrittosi l’anno seguente. A partire da quell’avvenimento il contesto italiano dell’arte sacra poté contare su un elemento di indiscutibile novità, destinato nel giro di pochi anni a una rapida, diffusa e pervicace affermazione nella Penisola. La fondazione della Scuola Beato Angelico mise un punto fermo nell’annoso dibattito sul generale declino dell’arte sacra che andava in scena da lungo tempo in Italia così come nei principali Paesi europei. La formula ideata da don Polvara metteva a sistema le proprie esperienze personali, artistiche e professionali con la conoscenza del contesto internazionale, di alcuni modelli esemplari e il confronto con gruppi e singole figure (artisti, critici, uomini di Chiesa) animate dal comune desiderio di contribuire alla rinascita dell’arte sacra. A cento anni dalla sua nascita – e a settanta dalla scomparsa del suo fondatore – la Scuola Beato Angelico (coi laboratori di Architettura, Cesello, Ricamo, Pittura e Restauro) prosegue tuttora nel compito di servire la Chiesa attraverso la realizzazione di arredi e paramenti sacri contraddistinti da una particolare cura dell’aspetto artistico e liturgico, oggetto di ripetute attestazioni di merito e riconoscimenti in ambito ecclesiastico. Ciò che invece finora manca all’appello è un organico tentativo di ricostruzione delle vicende storiche che hanno segnato la genesi e gli sviluppi di questa singolare realtà artistica e religiosa. Scopo di questa tesi è quindi la restituzione di un profilo il più possibile dettagliato e ragionato della storia della Scuola Beato Angelico, tale da riportare questa vicenda al centro di una situazione storica e di un contesto culturale complesso, attraverso una prospettiva di lavoro originale condotta sul filo delle puntualizzazioni e delle riscoperte. Stante il carattere “pionieristico” di questa ricerca, la vastità dei materiali e delle fonti a disposizione e la conseguente necessità di assegnare un taglio cronologico riconoscibile al lavoro si è optato per circoscrivere l’indagine ai decenni compresi tra il 1921 e il 1950, ovvero tra la fondazione della Beato Angelico e la scomparsa di Giuseppe Polvara. Come si vedrà, il termine iniziale viene in un certo senso anticipato dall’esigenza di tratteggiare al meglio gli antefatti e il contesto da cui trae origine la Scuola (tra la fine del XIX e i primi decenni del XX secolo). L’anno assunto a conclusione della ricerca, invece, è parso una scelta quasi obbligata, coincidente col primo avvicendamento alla direzione della Beato Angelico oltre che dalla volontà di escludere dal discorso quanto andò avviandosi negli anni Cinquanta e Sessanta, ossia una nuova e diversa stagione nel campo dell’arte sacra (destinata, tra l’altro, a passare attraverso lo snodo rappresentato dal Concilio Vaticano II e dall’azione di S. Paolo VI), peraltro assai indagata dagli studi storico-artistici. Ciò che ha reso possibile la stesura di questa tesi è il fatto che essa si appoggi, in buona parte, su materiali archivistici inediti o, quantomeno, mai esaminati prima d’ora in modo strutturato. L’accesso ai materiali d’archivio più storicizzati e la loro consultazione (grazie alla disponibilità dimostrata dalla direzione della Scuola Beato Angelico) hanno condizionato in modo determinante la trattazione degli argomenti, la ricostruzione dei quali , in alcuni casi, è sostenuta esclusivamente dai documenti rinvenuti. La nascita della Scuola Beato Angelico non fu un accadimento isolato nel panorama della produzione artistica europea del tempo né un episodio estraneo a quanto, contemporaneamente, si andava dibattendo nel mondo ecclesiastico. La Scuola di Polvara nacque in un’epoca contrassegnata da grande fermento ecclesiale: si pensi agli Ateliers d’Art Sacré fondati da Maurice Denis e George Desvallières a Parigi nel 1919, solo due anni prima della Scuola milanese, i cui aderenti – tutti laici – professavano una religiosità intensa e devota. Ma, soprattutto, il modello determinante e più conosciuto da Polvara fu la Scuola di Beuron (Beuroner Kunstschule), nata nell’omonima abazia benedettina tedesca nell’ultimo quarto del XIX secolo a opera di padre Desiderius Lenz e sul cui esempio ben presto sorsero atelier specializzati nella produzione di arte sacra (arredi e paramenti a uso liturgico) in molte comunità benedettine dell’Europa centrale. L’affinità di Polvara con la spiritualità benedettina è un elemento-chiave della Scuola da lui fondata: dalla regola dell’ora et labora derivò infatti il concetto (analogo) di “preghiera rappresentata” (orando labora). L’organizzazione stessa della Scuola, impostata come in un’ideale bottega medievale dove maestri, apprendisti e allievi collaborano e convivono, riprende lo stile di vita monastico dei cenobi benedettini. Proprio al fine di conservare il più possibile il carattere della bottega medievale, il numero degli allievi ammessi alla Scuola non fu mai troppo elevato, così da mantenere un adeguato ed efficace rapporto numerico tra i discepoli e i maestri. Ancora, da Beuron la Beato Angelico trasse la particolare e inconfondibile forma grafica della lettera “e”, riconoscibile nelle numerose e lunghe epigrafi presenti in tante sue opere. Ultimo elemento in comune tra la Scuola milanese e quella tedesca – ma che si può imputare alla più generale fascinazione per l’epoca medievale – è l’unità di intenti che deve animare tutte le maestranze impegnate a creare un’opera collettiva e anonima ad maiorem Dei gloriam, dove il contributo del singolo autore rimane volutamente nascosto in favore del nome della Scuola. Ciò che differenzia, tuttora, la Scuola da analoghi centri di produzione di arte sacra è il fatto che essa poggi le fondamenta su una congregazione religiosa, la Famiglia Beato Angelico, un’idea a lungo coltivata da Polvara e approvata ufficialmente dall’autorità diocesana fra gli anni Trenta e Quaranta. Dalla comune vocazione alla creazione artistica sacra (“missione sacerdotale” dell’artista) discendono la pratica della vita comunitaria, la partecipazione ai sacramenti e ai diversi momenti quotidiani di preghiera da parte di maestri sacerdoti, confratelli e consorelle artisti, apprendisti, allievi e allieve. L’indirizzo spirituale tracciato dal fondatore per la sua Famiglia agisce ancora oggi a garanzia di una strenua fedeltà nella continuità di un progetto artistico e liturgico unico, messo in pratica da una comunità di uomini e donne legate fra loro dai canonici voti di povertà, castità e obbedienza ma soprattutto da un comune e più alto intento. Appunto per assicurare una prospettiva di sopravvivenza e futuro sviluppo della sua creatura, Polvara ebbe sempre chiara la necessità di mantenere unito l’aspetto della formazione (e quindi la didattica nei confronti degli allievi, adolescenti e giovani) con quello della produzione (spettante all’opera di collaborazione fra maestri, apprendisti e allievi). Dal punto di vista operativo le discipline artistiche, praticate nei vari laboratori in cui si articola la Scuola, concorrono, senza alcuna eccezione e nella citata forma anonima e collettiva, a creare un prodotto artistico organico e unitario, una “opera d’arte totale” che deve rispondere all’indirizzo dato dal maestro architetto (lo stesso Polvara), cui spettano devozione, rispetto e obbedienza. Alla progettazione architettonica viene dunque assegnata grande importanza e ciò comporta che le opere meglio rappresentative della Scuola Beato Angelico siano quegli edifici sacri interamente realizzati con l’intervento dei suoi laboratori per tutte o quasi le decorazioni, gli arredi, le suppellettili e i paramenti (come le chiese milanesi di S. Maria Beltrade, S. Vito al Giambellino, SS. MM. Nabore e Felice, o la chiesa di S. Eusebio ad Agrate Brianza e la cappella dell’Istituto religioso delle figlie di S. Eusebio a Vercelli). Quanto ai linguaggi espressivi impiegati dalla Scuola (il cosiddetto “stile”) si evidenziano la preferenza per il moderno razionalismo architettonico – un tema di stringente attualità, cui Polvara non mancò di dare il suo personale contributo teorico e pratico – e quella per il divisionismo in pittura, debitrice dell’antica ammirazione per l’opera di Gaetano Previati. Dall’interazione di queste due forme si origina un riconoscibile linguaggio, moderno e spirituale al tempo stesso, verificabile negli edifici come nelle singole opere, frutto di una profonda sensibilità che combina il ponderato recupero di alcune forme del passato (ad esempio l’iconografia paleocristiana reimpiegata nei motivi decorativi dei paramenti o nella foggia di alcuni manufatti, dal calice al tabernacolo, alla pianeta-casula) con lo slancio per uno stile moderno e funzionale adeguato ai tempi ma rispettoso della tradizione.
In October 1921, the Beato Angelico Higher School of Christian Art was born in Milan. Responsible for the initiative: Don Giuseppe Polvara, the architect Angelo Banfi, the painter Vanni Rossi, flanked by the sculptor Franco Lombardi, by the priests Adriano and Domenico Bernareggi, by the engineer Giovanni Dedè, by professor Giovanni Mamone and by the lawyer Carlo Antonio Vianello . There were nine pupils in the first school year, two of whom (the architects Don Giacomo Bettoli and Fortunato De Angeli) destined to remain in the School for many years as teachers: this also happened with the painter Ernesto Bergagna, who enrolled the following year. Starting from that event, the Italian context of sacred art was able to count on an element of indisputable novelty, destined within a few years to a rapid, widespread and stubborn affirmation in the Peninsula. The foundation of the Beato Angelico School put a stop to the age-old debate on the general decline of sacred art that had been staged for a long time in Italy as well as in major European countries. The formula conceived by Don Polvara put his personal, artistic and professional experiences into a system with the knowledge of the international context, some exemplary models and the comparison with groups and individual figures (artists, critics, men of the Church) animated by the common desire to contribute to the rebirth of sacred art. One hundred years after its birth - and seventy after the death of its founder - the Beato Angelico School (with the workshops of Architecture, Cesello, Embroidery, Painting and Restoration) still continues in the task of serving the Church through the creation of distinctive sacred furnishings and vestments. from a particular care of the artistic and liturgical aspect, object of repeated attestations of merit and acknowledgments in the ecclesiastical sphere. What is missing from the appeal so far is an organic attempt to reconstruct the historical events that marked the genesis and developments of this singular artistic and religious reality. The purpose of this thesis is therefore the return of a profile as detailed and reasoned as possible of the history of the Beato Angelico School, such as to bring this story back to the center of a historical situation and a complex cultural context, through an original work perspective conducted on thread of clarifications and rediscoveries. Given the "pioneering" nature of this research, the vastness of the materials and sources available and the consequent need to assign a recognizable chronological cut to the work, it was decided to limit the survey to the decades between 1921 and 1950, or between the foundation of Beato Angelico and the death of Giuseppe Polvara. As will be seen, the initial term is in a certain sense anticipated by the need to better outline the background and context from which the School originates (between the end of the 19th and the first decades of the 20th century). The year assumed at the end of the research, on the other hand, seemed an almost obligatory choice, coinciding with the first change in the direction of Beato Angelico as well as the desire to exclude from the discussion what started in the 1950s and 1960s, that is a new and different season in the field of sacred art (destined, among other things, to pass through the junction represented by the Second Vatican Council and by the action of St. Paul VI), which is however much investigated by historical-artistic studies. What made the drafting of this thesis possible is the fact that it relies, in large part, on unpublished archival materials or, at least, never examined before in a structured way. Access to the most historicized archive materials and their consultation (thanks to the availability shown by the direction of the Beato Angelico School) have decisively conditioned the discussion of the topics, the reconstruction of which, in some cases, is supported exclusively by documents found. The birth of the Beato Angelico School was not an isolated event in the panorama of European artistic production of the time nor an episode unrelated to what was being debated in the ecclesiastical world at the same time. The Polvara School was born in an era marked by great ecclesial ferment: think of the Ateliers d'Art Sacré founded by Maurice Denis and George Desvallières in Paris in 1919, only two years before the Milanese School, whose adherents - all lay people - they professed an intense and devoted religiosity. But, above all, the decisive and best known model by Polvara was the Beuron School (Beuroner Kunstschule), born in the homonymous German Benedictine abbey in the last quarter of the nineteenth century by father Desiderius Lenz and on whose example workshops specialized in the production of sacred art (furnishings and vestments for liturgical use) in many Benedictine communities in central Europe. Polvara's affinity with Benedictine spirituality is a key element of the School he founded: in fact, the (analogous) concept of "represented prayer" (orando labora) derived from the rule of the ora et labora. The very organization of the School, set up as in an ideal medieval workshop where teachers, apprentices and pupils collaborate and coexist, takes up the monastic lifestyle of the Benedictine monasteries. Precisely in order to preserve the character of the medieval workshop as much as possible, the number of students admitted to the School was never too high, so as to maintain an adequate and effective numerical ratio between disciples and masters. Again, from Beuron Fra Angelico drew the particular and unmistakable graphic form of the letter "e", recognizable in the numerous and long epigraphs present in many of his works. The last element in common between the Milanese and the German schools - but which can be attributed to the more general fascination for the medieval era - is the unity of purpose that must animate all the workers involved in creating a collective and anonymous work ad maiorem. Dei gloriam, where the contribution of the single author remains deliberately hidden in favor of the name of the School. What still differentiates the School from similar centers of production of sacred art is the fact that it rests its foundations on a religious congregation, the Beato Angelico Family, an idea long cultivated by Polvara and officially approved by the diocesan authority between the thirties and forties. From the common vocation to sacred artistic creation (the artist's "priestly mission") descend the practice of community life, the participation in the sacraments and the various daily moments of prayer by master priests, brothers and sisters artists, apprentices, pupils and pupils . The spiritual direction traced by the founder for his family still acts today as a guarantee of a strenuous fidelity in the continuity of a unique artistic and liturgical project, put into practice by a community of men and women linked together by the canonical vows of poverty, chastity. and obedience but above all from a common and higher intent. Precisely to ensure a prospect of survival and future development of his creature, Polvara always had a clear need to keep the training aspect (and therefore the teaching for students, adolescents and young people) united with that of production (due to the work of collaboration between teachers, apprentices and students). From an operational point of view, the artistic disciplines, practiced in the various laboratories in which the School is divided, contribute, without any exception and in the aforementioned anonymous and collective form, to create an organic and unitary artistic product, a "total work of art" which must respond to the address given by the master architect (Polvara himself), to whom devotion, respect and obedience are due. The architectural design is therefore assigned great importance and this means that the best representative works of the Beato Angelico School are those sacred buildings entirely made with the intervention of its laboratories for all or almost all the decorations, furnishings, furnishings and Milanese churches of S. Maria Beltrade, S. Vito al Giambellino, S. MM. Nabore and Felice, or the church of S. Eusebio in Agrate Brianza and the chapel of the religious institute of the daughters of S. Eusebio in Vercelli). As for the expressive languages used by the School (the so-called "style"), the preference for modern architectural rationalism is highlighted - a topic of stringent topicality, to which Polvara did not fail to give his personal theoretical and practical contribution - and that for Divisionism in painting, indebted to the ancient admiration for the work of Gaetano Previati. The interaction of these two forms gives rise to a recognizable language, modern and spiritual at the same time, verifiable in the buildings as in the individual works, the result of a profound sensitivity that combines the thoughtful recovery of some forms of the past (for example early Christian iconography reused in the decorative motifs of the vestments or in the shape of some artifacts, from the chalice to the tabernacle, to the chasuble-chasuble) with the impetus for a modern and functional style appropriate to the times but respectful of tradition.

Invitato a Costantinopoli da una delegazione nicena, che ne chiedeva l’intervento a sostegno della comunità ortodossa locale, Gregorio di Nazianzo accantonò il desiderio di dedicarsi alla vita contemplativa e si recò nella Neja ÔRwvmh: non poteva certo immaginare che negli anni trascorsi nella capitale (dagli inizi del 379 al luglio del 381) avrebbe conosciuto, a distanza di breve tempo, l’apice e il fallimento della sua attività politico-ecclestiastica. Alla guida di un piccolo gruppo di fedeli, radunati in una sala udienze privata ribattezzata Anastasia, Gregorio esercitò con impegno i suoi doveri pastorali, spendendosi soprattutto nella lotta dottrinale contro l’eresia ariana. L’elezione come vescovo della città, avvenuta per volere dell’imperatore Teodosio, rappresentò il riconoscimento dei meriti del Cappadoce nella restaurazione e nel consolidamento dell’ortodossia nicena, ma, allo stesso tempo, aprì la strada a una stagione tutt’altro che scevra di asprezze, destinata a lasciare amari ricordi nel cuore dell’autore. Chiamato a presiedere il concilio episcopale del 381, indetto con l’obiettivo di risolvere lo scisma antiocheno e condannare le eresie del tempo, il Nazianzeno sperimentò sulla propria i conflitti interni ed i giochi di potere cui si era ridotto l’episcopato. Alla malattia, che debilitò il fisico dell’autore e ne ostacolò la partecipazione a svariate attività pubbliche, si aggiunse l’ostilità dei colleghi, in particolare di alcuni vescovi egiziani, che contestarono la legittimità della sua elezione sul seggio di Costantinopoli, in quanto già vescovo nella sede di Sasima. Stanco e malato, amareggiato dai continui scontri e dall’ennesimo attacco subito dagli avversari, Gregorio decise di farsi da parte e, rassegnate le dimissioni dalla cattedra episcopale, lasciò Costantinopoli, senza neppure aspettare la conclusione del sinodo. Nella natia Cappadocia, lontano fisicamente dal clima tumultuoso e dai dispiaceri della capitale, ma turbato dalle calunnie e dalle ingiustizie subite da coloro che riteneva amici, il Nazianzeno sfogò le proprie delusioni nella scrittura poetica. All’esperienza costantinopolitana e in particolare al contesto delle dimissioni dalla cattedra vescovile fanno riferimento i carmi oggetto di questa tesi di dottorato: II,1,10 (Ai sacerdoti di Costantinopoli e alla città stessa) e II,1,13 (Ai vescovi), rispettivamente di 18 distici elegiaci e 217 esametri. In essi si intrecciano più suggestioni: la meditazione e il riecheggiamento interiore degli eventi che hanno coinvolto l’autore, la difesa del suo operato, ma soprattutto la violenta invettiva contro i vescovi, scaturita non solo dal risentimento per le vicende personali, ma dallo sdegno dell’autore per la corruzione morale e l’impreparazione della gerarchia ecclesiastica. La tesi di dottorato si apre con una bibliografia ricca e aggiornata degli studi concernenti il Cappadoce; in essa sono indicati i diversi contributi, cui si fa riferimento nel mio lavoro. Segue un’ampia introduzione che presenta i carmi sotto molteplici aspetti. Dal momento che l’invettiva contro i vescovi costituisce l’argomento principale di entrambi i componimenti, ho approfondito innanzitutto questo aspetto, ripercorrendone le testimonianze nell’esperienza biografica e nell’opera letteraria dell’autore: da quanto emerso, la polemica contro la gerarchia ecclesiastica raggiunge certamente il suo apice negli eventi costantinopolitani, ma non va ad essi circoscritta, dal momento che se ne ha traccia anche negli scritti gregoriani riconducibili ai primi anni del sacerdozio e al periodo successivo al ritorno a Nazianzo. Si è cercato poi di stabilire la data di composizione dei carmi in analisi, che, dati i contenuti, furono sicuramente scritti dall’autore nel periodo di ritorno in patria, fase in cui gli studiosi collocano buona parte della produzione poetica del Cappadoce. Più precisamente ho individuato il terminus post quem nel luglio del 381, mese in cui la cattedra costantinopolitana lasciata vacante dal Nazianzeno fu affidata a Nettario: in entrambi i testi, infatti, si fa riferimento a questo personaggio, sebbene non sia menzionato esplicitamente. Segue un’analisi dettagliata della struttura compositiva e delle tematiche dei carmi, nella quale si mostra come, pur nella loro diversità, le due poesie presentino moltissime consonanze e parallelismi a livello strutturale, in particolare nella parte incipitaria, in cui si registra la condivisione dello stesso verso iniziale, e nella sezione conclusiva. Sempre nell’introduzione è affrontato lo studio della tradizione manoscritta e dei rapporti tra i codici: i carmi in oggetto risultano attestati in 34 manoscritti (di cui 17 fondamentali per la costituzione del testo) databili dall’XI al XVI secolo e riconducibili alle raccolte antiche Σ e Δ, nei quali sono traditi sempre uno di seguito all’altro: nello specifico II,1,13 precede immediatamente II,1,10. La parte centrale della tesi è costituita dal testo critico di ciascun carme, seguito da traduzione e commento. La tesi costituisce il primo lavoro di questo tipo per il carme II,1,13; II,1,10 è stato invece oggetto di studio di due recenti edizioni: quella dei primi undici poemata de seipso del Nazianzeno curata da Tuilier - Bady - Bernardi per LesBL ed edita nel 2004 e un’edizione commentata di Simelidis, pubblicata nel 2009. Suddetti lavori non hanno rappresentato un ostacolo al progetto. Nessuno di essi infatti ha previsto lo studio simultaneo dei due testi poetici, che, a mio giudizio, non possono essere compresi a fondo se svincolati l’uno dall’altro; non sono risultati immuni da pecche sotto il profilo della critica testuale; il commento è assente nell’edizione francese, scarno e non sempre condivisibile in quella del Simelidis. La tesi è infine corredata da tre appendici che permettono di seguire la fortuna dei componimenti poetici. La prima di esse è dedicata al Commentario di Cosma di Gerusalemme ai Carmi del Nazianzeno, collocato tra la fine del VII e inizio l’VIII secolo. Il commentario, tradito da un unico manoscritto, il Vaticanus graecus 1260 del XII secolo, ha visto la sua editio princeps nel 1839 a cura del cardinale Angelo Mai nel secondo volume del suo Spicilegium Romanum, ristampata con lievi modifiche nel volume 38 della Patrologia Graeca. Una più recente edizione è stata curata da Lozza nel 2000. Nell’opera di Cosma vengono analizzati trentaquattro versi di carme II,1,13 e due di carme II,1,10; l’ampiezza delle citazioni va da un minimo di un verso a un massimo di 5. Segue un’appendice dedicata alle parafrasi bizantine, che in alcuni manoscritti contenenti i carmi, accompagnano il testo poetico. Tali spiegazioni in prosa, composte in un momento non precisabile della trasmissione dell’opera gregoriana, sono anonime, di diverso livello letterario e da intendere come un testo in continua evoluzione, oggetto di modifiche da parte di ciascun copista. Nel caso dei testi in oggetto le parafrasi trasmesse sono tre, chiamate, sulla scia di studi precedenti, Paraphr. 1, Paraphr. 2, Paraphr. 3 e delle quali la tesi fornisce l’editio princeps. L’ultima appendice è costituita dalla traduzione latina dei carmi di Giacomo Oliva da Cremona, redatta nella seconda metà del XVI secolo per incarico del Cardinal Guglielmo Sirleto e testimonianza del grande interesse per il Cappadoce in questo periodo storico. Il lavoro dell’Oliva, rimasta inedito per la morte del committente e probabilmente anche per il suo scarso valore letterario, è trasmesso da due manoscritti autografi, il Vaticanus Barberinianus lat. 636 (B) e il Vaticanus lat. 6170 (V) e trova nella tesi la sua editio princeps.

The solar radiation and energy potential in Serbia is 30% higher than in Central Europe, and the intensity of solar radiation is among the highest in Europe. Specifically suitable are the condition for usage of solar energy in southeast Serbia where the annual average of global radiation on a horizontal surface amounts to more than 4.2 kWh/m2 a day. This chapter discusses four photovoltaic solar power plants, two having been installed in the territory of the city of Leskovac and two in the Bosilegrad territory. The research is based on geographical location of solar power plants, orientation, and inclination of the panels in respect to the horizontal surface. All the processed solar power plants have the capacity 30-40 kW. The chapter is projection of two years of researching and measuring data on the initial investments in order reach profitability and investment return period. The solar power plants that have fitted angle of 33° (Fortuna) give higher production of electric power than in those panels that have angle inclination of 10° (Domit).

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Earth may be a planet of shrinking functional distances, but it remains a world of staggering situational differences. From the uneven distribution of natural resources to the unequal availability of opportunity, place remains a powerful arbitrator. Many hundreds of millions of farmers in river basins of Asia and Africa live their lives much as their distant ancestors did, still remote from the forces of globalization, children as well as adults still at high personal risk and great material disadvantage. Tens of millions of habitants of isolated mountain valleys from the Andes to the Balkans and from the Caucasus to Kashmir are as bound to their isolated abodes as their forebears were. Of the seven billion current passengers on Cruiseship Earth, the overwhelming majority (the myth of mass migration notwithstanding) will die very near the cabin in which they were born. In their lifetimes, this vast majority will have worn the garb, spoken the language, professed the faith, shared the health conditions, absorbed the education, acquired the attitudes, and inherited the legacy that constitutes the power of place: the accumulated geography whose formative imprint still dominates the planet. The regional impress of poverty continues to trap countless millions who are and will be born into it and who, globalization notwithstanding, cannot escape it. The “wealth gap” between the fortunate and the less fortunate, still largely a matter of chance and destiny, evinces a widening range resulting from the perpetuation of privilege and power in the so-called global “core” and its international tentacles. Those disparities, represented at all levels of scale, will entail increasing risk in a world of rising anger and weapons of growing destructive efficiency. At the same time, the notion that the world, if not “flat,” is flattening under the impress of globalization is gaining traction. As noted in the preface, the idea that diversities of place continue to play a key role in shaping humanity’s variegated mosaic tends to be dismissed by globalizers who see an increasingly homogenized and borderless world. “Flatness” is becoming an assumption, not merely a prospect, as implied by the titles of numerous books and articles of recent vintage (Fung et al., 2008).

This chapter discusses how sin is viewed and how it affects health. The existence of an extrasensory dimension perceptible only to a select few through visions and other mystical experiences was not called into question. The two spheres — the visible and the invisible — were bound up in a tightly woven mesh of interdependencies. Not only did they influence each other in matters including human health, but they were also reflections of each other. The notion of sickness as punishment recurs several times in the Talmud. The causes of ailments were interpreted using a combination of conceptions drawn from various traditions. The motif of punishment was a perennial subject of study in rabbinic Orthodoxy and Hasidism alike. The Jews living in eastern Europe believed that there were seven things which made life shorter: anger and envy, greed and pride, gossip, debauchery, and idleness. Anyone who lived to a ripe old age was considered fortunate and blessed. Those who died prematurely were thought to have to live out the rest of their years in another incarnation. In the popular understanding, the bond between the human soul and body was so strong that even the smallest flaw in the former would immediately manifest in the latter. Sickness presented an opportunity to purify oneself from sins. To the traditional Jewish community, prayer could have a bearing on health primarily as a regular form of fulfilment of divine service. The sin of neglect affected not only the human soul but also the body.

Additive manufacturing, fundamentally, is computerized numerical controls using a specialized printer head as the “tool”. Any new curriculum implementing “additive manufacturing” stands upon the fundamental and advanced work done before in computer numerical controls. Although there certainly is a need for end user laboratories based upon purchased printers, the challenge in designing curriculums that support developing the next generation of additive manufacturing must also include computer numerical controls. The best designers must be able to picture the entire system when developing new systems. During the late twentieth and early twenty-first centuries, the “hands-on” engineering laboratories typical of the post-World War II engineering campus gave way to computerized laboratories and simulation. Traditional engineering assets (lathes, mills, drill presses, etc.) were retired as they aged without replacement in favor of computer laboratories full of PC’s and software. As the 20th century ended, there was a realization that computer simulation is no substitute for “cutting metal” or “making things”. Designers need to understand process in order to communicate with technologists from trade schools and industry. Even a simple engineering drawing can often simply not be created due to process limitations (e.g., a perfectly drawn internal 90-degree angle in a CAD drawing does not occur in nature OR a machine shop). As the four year universities shut down their hands on programs, the two year programs implemented complex computer numerical controls curriculums to train operators for industry. The incredibly expensive equipment needed to do this is funded by state governments trying to attract industry to the state. The four year universities, responsible for creating the next generation of manufacturing machines, do not have access to THIS generations machines. The National Science Foundation and state governments don’t see the need for upper level engineering students to have ready access to machines that cost up to a million dollars each. The universities fortunate to have CNC machines usually keep them locked away from the students for safety of the machines and the students. Technicians make things for the students on the limited number or machines available. There is no understanding of the machines and very little understanding of the processes the machines are doing. An earlier paper by the authors described a way to implement an affordable undergraduate “manual” innovation laboratory. This article describes an affordable way for upper level universities to implement an effective machine design atmosphere for subtractive and additive manufacturing. The students modify existing machines from that earlier laboratory into multi-axis CNC machines. Students have successfully built five axis mills, lathes with live tooling and now a unique metal printing machine. The goal is not to create operators, but to enable designers of the next generation of machines. At the very least, students are immediately useful as design engineers when hired by companies making the most advanced (and expensive) additive/subtractive machines. The emphasis is not on expensive super machines but on very capable simple machines as emphasized in the Toyota Production System. One specific, inexpensive example will be provided for other institutions to utilize. The result has been an affordable laboratory that supports undergraduate students, graduate research students, and the university as a whole while teaching the design and control of computer numerical machines.