Dissertations / Theses on the topic 'Fin de Siècle Literature'
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Spoiden, Stéphane. "Malade et maladie : dégradation physique et écriture fin-de-siècle /." The Ohio State University, 1996. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=osu1487935125880514.
Full text
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Cope, Eleanor Elizabeth. "Remedial discourses : men, madness and mental management in fin-de-siècle literature." Thesis, University of Hull, 2015. http://hydra.hull.ac.uk/resources/hull:12293.
Full textAbstract:
The period between 1880 and 1913, commonly known as the fin de siècle, was a time of great social, political and industrial change, an era in which the Victorian man saw his position within his society, his workplace and his family home undergo a radical transformation. It was also a period of evolution within the realm of mental medicine, which saw the development of radical new treatments across Europe and America. The methods, discourses and ideologies that underpinned these novel practices played a key role in the conception of mental illness, as well as the reconfiguration of the curative practices employed in its management. This thesis seeks to explore the depiction both of mental illness and of these new remedial discourses within the popular fiction of the period. Focusing specifically on the presentation of male madness, it seeks to extend the growing number of studies on masculinity and insanity in the nineteenth century, by considering its position at this late point of the period. It also breaks new ground by studying the depiction in fin de siècle literature not of illness, but of treatments for disorder, an area that has been considerably neglected critically. Divided into chapters based on genre, this thesis examines the portrayal of various types of madness in middle class male literary characters, arguing for a distinctive link between social anxieties and mental breakdown. It also explores how the fictional text engages with the scientific advancements of the period in treating mental illness, the key role played by narrative in both the creation of the story and the creation of the cure, and the clear interrelation and reciprocal influence between psychology and fiction at the end of the nineteenth century.
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Grimm, Gunter E. "Orientalismus in der Literatur des fin de siècle." Gerhard-Mercator-Universitaet Duisburg, 2002. http://www.ub.uni-duisburg.de/ETD-db/theses/available/duett-09082002-153911/.
Full text
4
Simmons, Alexander. "Erik Satie's Trois Gnossiennes in the French fin de siècle." Thesis, University of Birmingham, 2013. http://etheses.bham.ac.uk//id/eprint/4344/.
Full textAbstract:
A majority of modern studies of Erik Satie’s Trois Gnossiennes seem to consider the French composer’s early piano music as a form of anti-Wagnerian nihilism. This view is misinformed. From Ravel’s first staging of Satie’s early piano music at the Société Musicale Indépendante in 1910, to John Cage’s lecture on the ‘Defence of Satie’ in 1948, composers from both waves of the modernist period (1890-1914 and post 1940s) have often given too much attention to Satie’s apparently anti-romantic and anti-Germanic mentality, failing to consider his early symbolist identity in the French fin de siècle. As a result, numerous studies today examine Satie as a precursor to the light-hearted nihilism of Les Six, Dadaism and the later John Cage. However, this dissertation argues that Satie’s initial behaviour in the fin de siècle period may have been influenced by mysticism, closely associated with the ideals of late-romanticism. Examining the period 1886-1893 (the years of Satie’s youth), this thesis offers a reinterpretation of some of the primary characteristics of Satie’s early piano music, taking into consideration the contextual evidence available on the anti-establishment of Montmartre. In this case, Satie’s aim was to use symbolist means to resist modern rationality, while also ascetically restraining himself from the grandiose subjectivity of late-romantic rhetoric.
5
Muto, Hiroshi. "The 'disembodied voice' in fin-de-siècle British literature : its genealogy and significances." Thesis, University of Warwick, 2001. http://wrap.warwick.ac.uk/3938/.
Full textAbstract:
A particular kind of voice recurs in fin-de-siècle British literature. It is a voice without a human body, a voice whose source is either invisible or non-human. This study explores the historical factors underlying the literary representation of such a voice. Chapter 1 examines Arthur Symons' phrase, 'the disembodied voice of a human soul,' and sets up the context for the subsequent discussion by teasing out the four major implications of the fin-de-siècle disembodied voice: the socio-political, the aesthetico-linguistic, the techno-scientific, and the sexual-somatic. Chapter 2 first outlines the modern origin of the disembodied voice in the Gothic-Romantic culture of the late eighteenth century, where the frequent description of the disembodied voice is linked to the rise of the nostalgia for premodernity; the chapter then analyzes the disembodied voice in Joseph Conrad's Heart of Darkness both in terms of Gothic culture and of the fin-de-siècle situation. The Romantic aesthetico-linguistic prioritization of the aural-oral, which we call 'melocentricism,' the fin-de-siècle consumerism and colonialism, and the then influential scientific concept of ether receive scrutiny. Chapter 3 addresses Oscar Wilde's Salome. Apart from the factors that this play shares with Conrad's novella, the disembodied voice in Salome secretly expresses a longing for the homosexual-cum-communal. Chapter 4 explores the fin-de-siècle imperial and homosexual implications, and the 'melocentric' pre-history, of the phonographic voice in Bram Stoker's Dracula. Chapter 5 teases out the hidden political dimension of the technological voice, phonographic and wireless, in Kipling's Kim and '"Wireless".' Chapter 6 compares the fin-de-siècle voice with an instance of the early twentieth-century, the wireless voice in D. H. Lawrence's Ladv Chatterley's Lover, a voice now involved in the global network of broadcasting. It is concluded that the disembodied voice is inseparable from important aspects of fin-de-siècle British culture as well as the question of modernity.
6
Machado, Laura Cielavin 1984. "Cartas da Malásia, de Paul Adam = uma utopia fin-de-siècle." [s.n.], 2012. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/269934.
Full textAbstract:
Orientador: Carlos Eduardo Ornelas BerrielDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-08-20T01:51:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Machado_LauraCielavin_M.pdf: 60795145 bytes, checksum: ba3db9c3401629ec222d420cbedf7032 (MD5) Previous issue date: 2012
Resumo: Este trabalho apresenta a tradução e estudo de Lettres de Malaisie, obra publicada em 1896, por Paul Adam, e reimpressa em 1908 com o novo título La cité prochaine. Pode-se afirmar que esta obra, considerada um ensaio à sua época, insere-se no quadro do gênero literário utópico, pois reúne elementos que o caracterizam: depois de uma viagem pelos mares, um viajante desembarca em um local insular e nos descreve uma outra forma de vida em uma comunidade com diferentes política, religião, educação. Esta comunidade busca a igualdade entre seus habitantes, a extinção da fome, a inexistência de propriedade privada, a eliminação de relacionamentos que possam fomentar sentimentos de posse. Ela é a criação de um homem que, descontente com sua realidade histórica, deseja organizá-la de outra maneira. No entanto, a obra não se propõe a ser ideal. Ela expõe ao leitor o desejável e o temível ao mesmo tempo, desenvolvendo uma possibilidade potencializada pelo curso da história da França do fim do século XIX. Para compreender as particularidades que o autor imprimiu em sua utopia, primeiramente desenvolvi uma reflexão sobre a escolha do autor por este gênero em específico. Em seguida, passei à análise do contexto histórico em que a obra foi escrita, buscando analisar de que maneira o autor adaptou o gênero às influências literárias de seu tempo, e à influência da metafísica que lhe chegou por meio da Cabala
Abstract: This work presents a commented translation study of Lettres de Malaisie by Paul Adam, first published in 1896 and reprinted in 1908 bearing the title La cité prochaine. Considered a literary essay in its time, we can infer that this opus belongs to the utopian literary genre due to some features: after a journey through the sea, a voyager lands in an island and presents a different life style in its political, religious and educational way. The community presented in the story seeks for equality among its inhabitants, the extinction of starvation, the inexistent private property and the abolition of social relationship that might affect the feeling of ownership. It is an art piece of a man who, unhappy with his own historical reality, wishes to start a new society. However, Adam's work does not intend to be an ideal community. He exposes to the reader the suitable and the fearful at the same time, developing its possibilities in parallel to the French historical course of the XIX century. To understand the peculiarities that the author convey in his utopia, it was developed a study about the choice of this specific literary genre. Following this, it was made an analysis of the historical context in which the work was placed and written, searching the manner that the author adapted the utopian features to its literary influences of his own time, such as the metaphysical influence of Cabala's principles
Mestrado
Teoria e Critica Literaria
Mestre em Teoria e História Literária
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Krausz, Luis Sergio. "Exílio entre o Shtetl e o crepúsculo: Joseph Roth e o judaísmo no fin-de-siècle austríaco." Universidade de São Paulo, 2007. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8152/tde-09112007-154121/.
Full textAbstract:
Este tese aborda a obra do escritor judeu austríaco Joseph Roth, buscando entender a crítica que ele faz à modernidade como resultante de um ponto de vista singular, determinado pelo encontro entre dois mundos: o mundo do tradicionalismo judaico no Leste europeu e o mundo da monarquia habsburga, em seus anos finais. Pretende-se demonstrar que é tomando como referência os parâmetros destes dois universos que Roth dirige um olhar cético para a modernidade e para o mundo pós-1ª. Guerra Mundial. Ao mesmo tempo, pretende-se demonstrar como o conceito de exílio está inextricavelmente ligado a uma obra crítica com relação a seu tempo, embasada na memória de dois mundos em extinção. Trata-se, porém, de um exílio que se configura mais como a expulsão de um tempo do que como uma simples expulsão geográfica - o que o torna, de certa maneira, mais trágico. O exílio é também uma das categorias centrais da reflexão mística e filosófica judaica, e neste sentido busco apontar para as coincidências entre o tema do exílio em Roth e nas doutrinas desta tradição. Ao conceito de exílio corresponde, como seu duplo e seu oposto, o conceito de Heimat (terra-mãe), que em Roth se torna uma categoria abstrata, pertencente ao universo da metafísica e da memória, e ,como tal, objeto de culto e paradigma, à luz dos quais ele interpreta a realidade do universo europeu entre-guerras. Diante do que foi discutido sobre os temas acima, conclui-se que esta Heimat imaginária afigura-se como uma das suas obsessões literárias, em torno da qual ele construirá uma obra que é, sobretudo, a tentativa de restauração de uma paisagem humana desaparecida e um retrato profundamente nostálgico da memória de uma civilização, ancorada na Idade Média, e sepultada pelo tempo e pelas guerras.This thesis discusses the oeuvre of the Jewish Austrian writer Joseph Roth, and aims at an understanding of his critique of modernity, which is seen as a result of a unique point of view, determined by the encounter between two worlds: the traditional world of Eastern European Jewry on one hand and the world of the final years of the Habsburg Monarchy on the other. I try to show that Roth takes a skeptical look at modernity and at post-World War I Europe using the paradigms of these two lost worlds.At the same time I aim at demonstrating how the concept of exile is deeply rooted in his critique of modernity. However he is dealing with an exile in time here, as opposed to a purely geographical exile - an exile that is far more tragic, since it is irreversible. Exile is also a core theme in traditional Jewish mystical and philosophical thought and I try to point to coincidences in the treatment of this topic in Roth and in traditional Jewish doctrines.The concept of exile has the idea of Heimat or homeland as its opposite, and in Roth Heimat becomes an abstract category, pertaining to the universe of metaphysics and memory, in the light of which he interprets European civilization of the 1920´s and 1930´s.I conclude by showing how this fictive Heimat turns into one of his literary obsessions, around which he will build an oeuvre, which is, more then anything else, an attempt at restoring a vanished human landscape, anchored in the Middle Ages and buried by time and by wars.
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Dupras, Elyse. "Rôle des diables dans les mystères hagiographiques français (de la fin du XIVe siècle au début du XVIe siècle)." Thesis, McGill University, 2002. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=82861.
Full textAbstract:
Masks, actions, words. These three elements provide a starting point for a study of the devil figure as represented in Middle French saint's plays (mysteres hagiographiques).An urban, popular art, mediaeval French theatre addressed a broad public that it was considered useful to both edify---particularly in the case of the mysteres---and divert. The mysteres represented and interpreted the world. In this theatre, the devil figures embody Evil and adversity, but also alterity. Placed in opposition to the saints and the sublime inhabitants of Heaven, they appear grotesque, crude and carnivalesque. Often the mainspring of the action, they are essential to the plot of the saint's play; noisy and garrulous, they are a no less necessary element of the mysteres' discourse on the world (tangible or intangible, earthly or celestial). The devil, ever ill-intentioned, concocts evil plots and engages in infernal dialogues---which the mystere presents in order to further its edifying goals and propagate its unifying and didactic message.
This dissertation examines some of the most important aspects, in terms of the mystere's reception, of the devil figure. The first part, which deals with diabolical masks, discusses their external features (scenery, costumes, gestures, disguises) and certain of their linguistic characteristics. The second part studies the actions of the devils themselves. Their principal activities are identified and defined, and divided into three broad categories, according to whether the devils attempt to draw human beings and their activities into their sphere of influence, or commit evil deeds, or fail in their baleful plans and end up serving God despite themselves. The third part of the thesis studies diabolical discourse. More specifically, it analyses the relationship between the speech of devils (traditionally perceived as deceitful) and truth. Using the concepts of place and authority, we can read certain instances of this speech as illegitimate, while an examination of the workings of the discourse of diabolical seduction reveals the twisted nature which the mysteres attributed to devils.
A study of the devil figure thus provides an opportunity to understand in some measure the role the mysteres hagiographiques played in relation to the mediaeval public, whose perception of the other (as well as of the same) the saint's plays represented even as they helped construct it.
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Tanner, Jessica Leigh. "Mapping Prostitution: Sex, Space, Taxonomy in the Fin-de-Siècle French Novel." Thesis, Harvard University, 2013. http://dissertations.umi.com/gsas.harvard:11008.
Full textAbstract:
This dissertation examines representations of prostitution in male-authored French novels
from the later nineteenth century. It proposes that prostitution has a map, and that realist and naturalist authors appropriate this cartography in the Second Empire and early Third Republic to make sense of a shifting and overhauled Paris perceived to resist mimetic literary inscription. Though always significant in realist and naturalist narrative, space is uniquely complicit in the novel of prostitution due to the contemporary policy of reglementarism, whose primary instrument was the mise en carte: an official registration that subjected prostitutes to moral and hygienic surveillance, but also “put them on the map,” classifying them according to their space of practice (such as the brothel or the boulevard). It is this spatial and conceptual taxonomy, I contend, that makes the
prostitute a fulcrum for authorial mapping – for the assertion of mastery over both the prostitute and the city. The first chapter reads the inscription of the tolerated brothel in novels by Huysmans and Goncourt as the mark of a nostalgic longing for old Paris and a desire for stability in a resistant urban present. Analyzing the representation of the brasserie à femmes in lesser-known works by Tabarant and Barrès, Chapter Two posits that the brasserie prostitute fuels the desires of a generation of aspirational Rastignacs by selling stories alongside beer and sex, adopting a writerly role and troubling authorial mastery of the prostitute and the city. The mobilization of prostitutional metaphors in the Rougon-Macquart is the subject of the third chapter, which argues that Zola deploys
the prostitute’s entropic force to dismantle the Paris of his predecessors, Balzac and Haussmann, and clear the ground for the construction of a proper city. The final chapter demonstrates that fin-de-siècle novelist Charles-Louis Philippe makes use of the clandestinity of street prostitution in order to locate a breed of urban mapping that is not contingent on mastery. By remapping the prostitute, the dissertation proposes a new model for understanding both the nineteenth-century novel of prostitution and the lived and represented experience of a Paris that Zola termed “le mauvais lieu de l’Europe.”Romance Languages and Literatures
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Ramday, Morna B. "Man up : a study of gendered expectations of masculinity at the 'fin de siècle'." Thesis, University of St Andrews, 2014. http://hdl.handle.net/10023/5551.
Full textAbstract:
The main themes of this thesis are masculinities, fluctuations in socially constructed gender roles at the fin de siècle and how a number of cathartic issues influenced these. The strongest of these issues was the New Woman Question which, while demanding developments for women, threatened the stability of Victorian gender norms. This forced both sexes to rethink and renegotiate their positions within society. Women sought options that would free them from the vagaries of the marriage market and looked to move into a more public sphere. Many saw this as a threat to the patriarchal status quo and the debates that ensued were many and vociferous. In response to this, men had to look within and question various modes of masculinity and manliness that they had previously taken for granted and that they now viewed as under threat. The fin de siècle was a time of major gender upheaval which, I propose, is reflected in its literature. I intend to explore the anxieties of both genders by examination of the selected texts which cover pertinent aspects of the similarities and contrasts in the way male and female authors negotiate masculinities in relation to social and gendered spaces. In this way, I hope to investigate the underlying themes which inform the novels. I aim to research reasons for disparity in approaches to gender issues, to highlight the importance of masculinities in relation to gendered positions in fin-de-siècle discourses and to show why relations between the sexes had to evolve.
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Reiff, Marija. "The syncretic stage: religion and popular drama during the fin de siècle." Diss., University of Iowa, 2018. https://ir.uiowa.edu/etd/6254.
Full textAbstract:
This dissertation examines the popular theatre of the late-nineteenth century and focuses on the most commercially successful and popular playwrights of the era: Henry Arthur Jones, Arthur Wing Pinero, and Oscar Wilde. Looking at the major popular playwrights reveals that the commercial stage had different concerns than the avant-garde theatre of Ibsen and Shaw. Foremost among these concerns was religion, and starting with Jones’s 1884 play Saints and Sinners, a massive change swept through the commercial stage as religious prejudice and official censorship fell by the wayside. In its place, religion started to become a topic that was once again seen as acceptable, and the fin de siècle stage was awash with syncretic religious views. This syncretism was aided by the publication of scripts and the religious pluralism of the day. Though publication aided the literary and religious quality of the texts, they were crafted as staged works, complete with the shared, collective experiences and emotions of the audience, a collective affect that mimics the collective emotional experience of a congregation in a church, and the stage thus became one of the largest venues for ecumenical religion during the late-Victorian era. The alacrity with which this happened challenges not only the common conception of the secularization of the late-Victorian stage, but also of the larger culture
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Pelletier, Sophie. "Le roman du bijou fin-de-siècle : esthétique et société." Thèse, Paris 8, 2011. http://hdl.handle.net/1866/6199.
Full textAbstract:
Cette thèse s’intéresse au rôle et à la représentation des bijoux dans les textes narratifs français des trois dernières décennies du XIXe siècle. Non seulement ils abondent dans les œuvres en prose de l’époque, les pierres et métaux précieux en investissent à la fois l’intrigue, le lexique et la poétique. Qui plus est, ils constituent aussi des objets fortement connotés animant les récits de leurs propres significations esthétiques, sociales, économiques et politiques. Les études de texte ici présentées amènent par surcroît à constater qu’à travers les joyaux, des sujets ou des interrogations essentiels au discours du temps surgissent, se problématisent, s’amalgament et se métamorphosent. Suivant une approche sociocritique, qui conjugue l’analyse textuelle à l’examen de données socio-historiques, cette étude du bijou dans le roman fin-de-siècle démontre qu’en tant que signe polysémique, il cristallise les implications littéraires, esthétiques et sociales du texte et constitue un objet privilégié pour mettre en communication les auteurs avec leur société.
Plus précisément, le bijou dans la littérature fin-de-siècle condense des rapports de force de l’époque : emblème des séculaires lignées aristocratiques de jadis, il constitue dans un monde désormais bourgeois un objet qui se vend, se démocratise et se copie; signe de l’asservissement du corps féminin à une autorité masculine, il peut aussi devenir l’arme terrible d’héroïnes conquérantes et affranchies; matière prisée des rêveurs et des artisans, il permet au texte fin-de-siècle de se positionner par rapport à l’hégémonie zolienne et aux autres pratiques artistiques du temps. Chacune des trois grandes parties de la thèse (l’objet, le corps, la matière) explore l’une de ces luttes de pouvoir, et est divisée en deux chapitres présentant tour à tour des points de vue qui se complètent ou qui s’affrontent.
Cette thèse invite au final à isoler certains aspects de la gemme (la rareté, la dualité nature / culture, etc.) qui en font une métaphore de prédilection pour les auteurs de l’époque. Du nombre, sa résistance, toujours mise en tension avec l’inexorable travail de la durée, permet de mieux cerner l’esthétique fin-de-siècle et son rapport équivoque, conflictuel, au monde et au temps qui passe.This thesis investigates the function and representation of jewels in French narratives from the last three decades of the nineteenth century. Not only is this prose rich in gems and precious metals; its plot, vocabulary, and aesthetic are endowed with these luxurious substances and with their properties. In addition jewels represent objects of strong connotations, and thus they charge the narratives with their own aesthetic, social, economical or political meanings. Above all, the analyses of texts presented here reveal that through jewels, interrogations that are central in the social discourse of the time are raised, problematized, intertwined or transfigured. In accordance with a sociocriticism that takes into consideration socio-historical issues in its approach to literary text this study of the jewel in the fin-de-siècle novel shows that, being strong and complex signs, jewels condense the literary, aesthetic and social implications of the text, and constitute privileged objects prone to mediate authors with their society. More precisely, jewels in fin-de-siècle literature summarize tensions of the time: emblems of the secular aristocratic lineages of long ago, in a newly bourgeois world they are more accessible, common objects which can be sold and copied; albeit signs of the submission of the feminine body to a masculine authority they can also become a terrible weapon for freed and conquering female heroes; they embody a substance cherished by dreamers and craftsmen through which the fin-de-siècle text positions itself with regards to Zola’s hegemony and to other artistic practices of the time. Each of the three sections of the thesis (l’objet, le corps, la matière) explores one of these power struggles and is divided into two chapters presenting successively completing or competing points of view. This thesis ultimately leads to the identification of various aspects (rarity, duality nature / culture, etc.) by which gems become a favourite metaphor for authors of the end of the nineteenth century. Among these attributes, precious stones’ resistance – always in tension with the inexorable work of duration – leads to a better comprehension of the fin-de-siècle aesthetic and its equivocal, conflicting relations with the world and with time as it flies by.
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Puškarić, Jelena. "Lumières françaises et culture croate à la fin du XVIIIe siècle." Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017PSLEP016.
Full textAbstract:
C'est en 1767 que Jean-François Marmontel (1723-1799) publie son Bélisaire. Plus un traité socio-philosophique, miroir de son siècle, qu'un roman d'aventure, le Bélisaire de Marmontel retentira immédiatement dans la société de son temps et connaîtra une postérité fructueuse. En regroupant les idées clés de l'époque telles liberté de la pensée religieuse, tolérance civile (son point le plus vivement contesté par la critique et le plus ardemment défendu par son auteur), étendue de l’autorité royale, réforme souhaitée des systèmes fiscaux ainsi que des institutions de la vie civile…, l'ouvrage de Marmontel s'acquiert une importante popularité, son auteur ayant en plus remporté la victoire contre la Faculté de théologie de Paris. Il faut signaler également que le thème historique du vieux général byzantin n’est pas étranger à la littérature européenne antérieure à l’époque des Lumières françaises mais, là, ce sujet reste plutôt historique, sans l’attirail de la pensée novatrice dont Marmontel va le doter. Ainsi, parmi de tels ouvrages l’on range également le drame du Ragusain Antun Gledjević « Bélisaire ou Elpidie ». Cependant, c’est la trame idéologique du roman de Marmontel qui conduit le croate Michael Horvath (1733-1810), prêtre originaire de la région autrichienne de Burgenland, à publier à Vienne - très probablement en 1772 - une adaptation en langue latine du roman français. Une autre version latine (remaniement de la première édition) verra le jour en 1806 par les soins du libraire viennois, Aloysius DollIn 1767 Jean-François Marmontel (1723-1799) published a “novel” which he intitled Bélisaire. Much more a socio-philosophical treaty well anchored in its century’s philosophy than an adventure novel, Marmontel’s Bélisaire was an immediate success in his time and inspired many a literary follower in decades to come. Summing up the key ideas of its time, namely freedom of thought in religious matters, civil toleration (the novel’s strongest point, the most criticized by its opponents as well as the most fiercely defended by its author), extension of the royal authority, a most wished for reform of the tax system and, on a larger scale, of various social institutions…, Marmontel’s work quickly gained popularity, which was largely due to his author’s triumph over the Sorbonne theological party. The leitmotiv of Justinian’s old general, whose conduct was synonym of nothing but impeccable righteousness, was not unknown to the European literary pre-Enlightenment production, though back then the traditional plot lacked the novelty elements with which Marmontel endowed his Bélisaire. In this lineage we can place a play intitled « Belisarius or Elpidia » by the Ragusan poet Antun Gledjević. But it was primarily the ideological filament of Marmontel's novel that inspired the Croatian priest Michael Horvath (1733-1810) to publish a Latin version of Marmontel's text (most probably in 1772). A second Latin version of the text (published by a Vienna typographer Aloysius Doll) appeared in 1806
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Alder, Emily. "William Hope Hodgson's borderlands : monstrosity, other worlds, and the future at the fin de siècle." Thesis, Edinburgh Napier University, 2009. http://researchrepository.napier.ac.uk/Output/3597.
Full textAbstract:
William Hope Hodgson has generally been understood as the author of several atmospheric sea-horror stories and two powerful but flawed horror science fiction novels. There has been no substantial study analysing the historical and cultural context of his fiction or its place in the Gothic, horror, and science fiction literary traditions. Through analysing the theme of borderlands, this thesis contextualises Hodgson's novels and short stories within these traditions and within late Victorian cultural discourse. Liminal other world realms, boundaries of corporeal monstrosity, and the imagined future of the world form key elements of Hodgson's fiction, reflecting the currents of anxiety and optimism characterising fin-de-siècle British society. Hodgson's early career as a sailor and his interest in body-building and physical culture colour his fiction. Fin-de-siècle discourses of evolution, entropy, spiritualism, psychical research, and the occult also influence his ideas. In The House on the Borderland (1908) and The Night Land (1912), the known world brushes against other forms of reality, exposing humanity to incomprehensible horrors. In The Ghost Pirates (1909), the sea forms a liminal region on the borderland of materiality and immateriality in which other world encounters can take place. In The Night Land and The Boats of the ‘Glen Carrig' (1907), evolution gives rise to strange monstrous forms existing on the borderlines of species and identity. In Hodgson's science fiction—The House on the Borderland and The Night Land—the future of the earth forms a temporal borderland of human existence shaped by fin-de-siècle fears of entropy and the heat-death of the sun. Alongside the work of other writers such as H. G. Wells and Arthur Machen, Hodgson's four novels respond to the borderland discourses of the fin de siècle, better enabling us to understand the Gothic literature of the period as well as Hodgson's position as a writer who offers a unique imaginative perspective on his contemporary culture.
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Frauenstein, Antje. "Die Darstellung der emanzipierten Frau in der deutschen Literatur zwischen Vormärz und Fin de Siècle." Thesis, Stockholms universitet, Institutionen för slaviska och baltiska språk, finska, nederländska och tyska, 2019. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:su:diva-169467.
Full text
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Carstens, Johannes Petrus (Delphi). "Uncovering the apocalypse : narratives of collapse and transformation in the 21st century Fin de Siècle." Thesis, Stellenbosch : Stellenbosch University, 2013. http://hdl.handle.net/10019.1/85700.
Full textAbstract:
Thesis (PhD)-- Stellenbosch University, 2013.ENGLISH ABSTRACT: This dissertation examines the idea of apocalypse through the lens of science fiction (sf) written during the current fin de siècle period. I have dated this epoch, known as the information era, as starting in 1980 with the advent of personal computing and ending in approximately 2020 when the functional limits of silicon-based digital manufacturing and production are expected to be reached. By surveying the field of contemporary sf, I identify certain trends and subgenres that relate to particular aspects of apocalyptic thought, namely, conceptions of the ‘terror of history,’ the sublimity of accelerated techno-scientific advance, the ‘affective turn’ in media-culture and posthuman philosophy. My principal method of inquiry into how the apocalypse is imagined or ‘figured’ in sf is the concept of hyperstition – a neologism (combining the words ‘hyper’ and ‘superstition’) coined by the Cybernetic Culture Research Unit (CCRU). Hyperstition describes an aesthetic response whereby cultural fictions – principally, ideas relating to apocalypse – are imagined as transmuting into material realities. I begin by scrutinizing two posthumanist works of theory-fiction (theory written in the mode of sf) by the CCRU and 0rphan Drift which anticipate immanent human extinction and imagine the inception of a new evolutionary cycle of machine-augmented evolution This sensibility is premised on the sociallydestabilising cycles of exponential growth that characterise information-era technological developments, particularly in the digital industries, as well as the accelerated human impact on the natural environment. Central to my argument is the romantic materialist philosophy of Deleuze and Guattari and their concepts of accelerationism, schizoanalysis and Bodies without Organs (BwO’s). Their ontology is constructed around the idea that exponential rates of development necessitate a new aesthetic paradigm that ventures beyond philosophies of human access. The narrative of apocalypse, approached from this perspective, can be interpreted in catastrophic or anastrophic terms; either as a permanent ending or as the beginning of something radically new. Using hyperstition, I also investigate the sf of Russell Hoban, Michael Swanwick, Brian Stableford, Charles Stross, Dan Simmons, M. John Harrison and Paul McAuley to see not only how these authors interpret the concept of cultural acceleration, but also to identify common threads. Countering the catastrophic ‘death of affect’ postulated by theorists such as Jean Baudrillard and Paul Virilio with the anastrophic rejoinder of cyberdelic information-era countercultures, I conclude by investigating the new ‘affective turn’ in contemporary media theory. The works of theoretical fiction and sf that I investigate are informed, as I demonstrate, by the Situationist techniques of psychogeography, dérive and detournement, as well as by the literary tropes of 18th and 19th century fin de siècle Gothic and dark Romantic fiction.
AFRIKAANSE OPSOMMING: Hierdie proefskrif ondersoek die idee van apokalips deur die oogpunt van wetenskap fiksie (wf) soos geskryf gedurende die huidige ‘fin de siècle’ tydperk. Ek dateer hierdie epog, bekend as die inligtings-era, as die tydperk wat in 1980 begin met die koms van persoonlike rekenaars en nagenoeg eindig in 2020, wanneer die funksionele limiete van silikon gebaseerde digitale vervaardiging en produksie na verwagting bereik sal word. Deur die veld van kontemporêre wf in oënskou te neem, identifiseer ek sekere neigings en sub-genres wat vergelyk met sekere kenmerke van apokaliptiese denke, naamlik: begrippe soos die ‘verskrikking van geskiedenis’, die verhewendheid van versnelde tegno-wetenskaplike vooruitgang, die ‘emosionele omkeer’ in media-kultuur en post-humanistiese filosofie. My primêre metode van ondersoek van hoe die apokalips voorgestel of ‘beskryf’ kan word in wf, is die begrip van hiper-bygelowigheid - ‘n neologisme (samevoeging van die woorde ‘hiper’ en ‘bygeloof’) soos geskep deur die Kubernetiese Kultuur Navorsings-Eenheid (KKNE) en Nick Land, medestigter van die KKNE. Hiper-bygelowigheid beskryf die proses waarvolgens kulturele versinsels - hoofsaaklik opvattings met betrekking tot apokalips – in materiële realiteite omgeskakel kan word. Ek ondersoek ek twee post-humanistiese werke van teorie-fiksie (teorie geskryf volgens die wf metode) deur KKNE en 0rphan Drift, wat inherente menslike uitwissing verwag en die ontstaan van ‘n nuwe evolusionêre siklus van masjien-toename voorstel. Hierdie proses is gebaseer op die sosiaal-destabiliserende siklus van eksponensiële groei wat kenmerkend is van die inligtings-era se tegnologiese ontwikkelinge, veral in die digitale industrie, sowel as versnelde menslike impak op die natuurlike omgewing. Die kern van my beredenering is die goties-materialisties-teoriese standpunt soos deur Land ingeneem, sowel as die romanties-materialistiese filosofie van Deleuze en Guattari. Hierdie gevalle van neo-materialistiese (of objek-georiënteerde) filosofië word toegelig deur ‘n apokalipties-teoretiese basis bekend as akseleerasionisme. Hierdie uitgangspunt is ontwikkel rondom die idee dat die eksponensiële tempo van ontwikkeling ‘n klimaks sal bereik in ‘n evolusionêre ‘wipplank punt’ en dat ‘n nuwe estetiese paradigma nodig is wat dit bokant die filosofie van menslike vermoë kan waag sodat daar oor hierdie waarskynlikheid geteoretiseer kan word. Die beskrywing van apokalips, soos vanuit hierdie oogpunt beskou, kan vertolk word in beide katastrofiese of anastrofiese terme of as ‘n permanente einde of as die begin van iets wat radikaal nuut sal wees. Deur gebruik te maak van die hiperbygelowigheidsteorie, wat ‘n onderafdeling is van akseleerasionisme, ondersoek ek WF van Russell Hoban, Michael Swanwick, Brian Stableford, Charles Stross, Dan Simmons, M. John Harrison and Paul McAuley ten einde vas te stel hoe hierdie skrywers die konsep van kulturele akseleerasie interpreteer, maar ook om gemeenskaplike leidrade te identifiseer. Met teenargumentering ten opsigte van die katastrofiese ‘dood van affek’ gepostuleer deur teoretici soos Jean Baudrillard en Paul Virillio met die anastrofiese samevoeging van kuberdeliese inligtings-era-kontra-kulture, ondersoek ek die nuwe ‘gemoedsomkeer’ in kontemporêre mediateorie. Die werke van teoretiese fiksie, sowel as baie van die ander gevalle van wf wat ek ondersoek en soos deur my gedemonstreer, word toegelig deur Situasienistiese tegnieke van psigo-geografie, dérive en detournement, sowel as deur die literêre menigtes van die 19de eeu ‘fin de siècle’ donker Romantiese en Gotiese fiksie.
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Hurst, Jordan Dwayne. "Arthur Schnitzler's Outsider-Insiders in Fin de Siècle Vienna." Bowling Green State University / OhioLINK, 2013. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=bgsu1372092281.
Full text
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Robbins, Catherine Ruth. "Decadence and sexual politics in three fin-de-siècle writers : Oscar Wilde, Arthur Symons and Vernon Lee." Thesis, University of Warwick, 1996. http://wrap.warwick.ac.uk/36344/.
Full textAbstract:
An understanding of the concept of decadence in the late nineteenth century is not dependent on a purely linguistic approach to the various forms of literary language in which it might be manifested. Rather, the label of decadence invokes (and deliberately flouts) perceptions of normality in a number of cultural spaces, not all of them strictly textual. Importantly, the personality of the artist figure is also a part of the definition of decadence. Decadence, that is, is not limited to a particular mode of textual performance; it is also a matter of how the artist's personality is interpreted through a critical assumption current throughout the nineteenth century, that the text acts as an index of the moral status of the writer. Decadence, then, is about reception, as well as conception. Given that meaning accrues to the figure of the artist in the definition of decadence, and given that the late nineteenth century was a period of conflicting discourses of sexual politics, the definition of decadence is bound up with the matrix of associations around such concepts as sex, gender and sexuality. The three writers at the centre of this study all demonstrate decadent potential in their refusals to respect the conventions of gender — both in terms of the subjects and forms they each chose for literary representation, and for the choices they made about the living of their lives. In his poetry Wilde took up a series of dramatic poses, inconsistent with each other, inconsistent even within single poems. In doing so, he called into question prevailing standards and ideals of masculinity — sincerity and purposiveness — and he was attacked for doing so even before he was tried for gross indecency in 1895. Symons's subject matter — the preponderance in his poetry of the liminal figures of the dancer and the actress, and the liminal spaces of the music-hall and deserted city streets at night — explicitly courted a decadent label, and, indeed, Symons helped to defme the term. Contemporary audiences read his poetic persona back onto his personality. And his decadence, like Wilde's, also came from his flouting of the rules of masculinity, in his case, his exposure of the gender and class ideology of the gentleman, by speaking aloud of its implications. That decadence has an importance for sexual politics is signalled by the fact that there are very few women writers who seem to 'suit' the label. Vernon Lee provides a test case here of the argument that decadence is to be defmed primarily as a falling away from an idealised standard of masculinity. Lee wrote impeccably decadent fiction, but is not generally thought of as a decadent writer, perhaps precisely because she was a woman writer for whom a term that resides in conventions of the masculine is inappropriate. Decadence is a notoriously difficult term to define, and this thesis attempts to show a range of definitions of the word in terms of its favoured themes, forms and and their relation to ideas of artistic personality; it shows that the label is inextricably bound up in the sexuality debtes of the 1890s.
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Albistur, Eztitxu. "L'évolution du didactisme dans la littérature de jeunesse basque de la fin du XIXème siècle au XXIème siècle." Thesis, Pau, 2017. http://www.theses.fr/2017PAUU1028/document.
Full textAbstract:
Les premiers écrits destinés aux enfants et aux adolescents apparaissent en Europe au XVIIIe siècle et se développent tout au long du XIXe siècle. C'est au XIXe siècle que le terme littérature de jeunesse voit le jour. La littérature destinée aux enfants et adolescents est donc relativement récente. Cette littérature, à travers les œuvres qui la composent, a souvent pour but principal d’éduquer les enfants et les adolescents et porte en elle des messages de divers types : savoir encyclopédique, conseils existentiels et prescriptions morales. Ces messages sont intentionnellement véhiculés par des œuvres que l’on peut donc qualifier de didactiques. Mais ce didactisme propre au genre de la littérature de jeunesse évolue au cours des siècles. En se focalisant sur la littérature de jeunesse basque et en établissant un corpus d’œuvres significatives d’une évolution, nous avons analysé au cours de ce travail de thèse la manière dont les différents messages et les différentes morales étaient transmis aux enfants et aux adolescents lecteurs au cours des siècles. Cette transmission se fait tantôt par le biais du recours à un didactisme explicite, tantôt ou simultanément par l’emploi d’un didactisme plus implicite. Après avoir procédé à l’analyse de chacune des œuvres du corpus, nous les avons comparées et avons proposé une ébauche d’histoire de l’évolution du didactisme de la littérature de jeunesse basque du début XIXe siècle au début du XXIe siècle. Pour finir, nous avons proposé une grille d’analyse œuvres de jeunesse à destination des enseignants et des professeurs qui souhaiteraient travailler sur les messages des œuvres avec leurs élèvesThe first writings devoted to children and adolescents emerged in Europe in the 18th century and continued to develop throughout the whole of the 19th century. It was in the 19th century that the term “children’s literature” (or “juvenile literature”) came into being. Literature written for children and adolescents is therefore relatively recent. The main aim of this type of literature is largely to educate children and adolescents by means of the works of which it is composed and by carrying messages of varying types: encyclopedic knowledge, existential advice as well as moral prescriptions. These messages are deliberately transmitted through works which one can therefore qualify as being didactic. This characteristic indoctrination of children’s literature (juvenile literature) has evolved over the centuries. Having focalized our research on Basque children’s (juvenile) literature and having compiled a corpus of works pertaining to this evolution we have analysed, in this thesis, the ways in which the various morals and different messages were handed down to juvenile readers throughout the ages. This transmission has taken place sometimes by means of explicit didactism and sometimes, or even simultaneously, by the use of implied didactism. Having proceeded to analyse and compare each opuscule of the corpus we thus propose a historic outline concerning the evolution of didactism in Basque children’s (juvenile) literature as from the 19th century to the beginning of the 21st century. To conclude we have proposed an analytical table of children’s (juvenile) literature destined to aid teachers and professors who may wish to study the messages contained in the works of their pupils
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Barra, Lagunas Manuel. "La enfermedad en las literaturas hispánicas de Fin de siècle: De sobremesa y Diario de un enfermo." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/400945.
Full textAbstract:
La enfermedad se convierte en el valor estético predominante en el Fin de siècle, momento singular en la conformación de la modernidad europea, cuyo referente es la ciudad de París. Esa nueva estética se generaliza a través de un discurso, que se convertirá en dominante, en él se imbrican la ciencia médica, con la teoría de la degeneración de Morel, difundida gracias a las obras de Cesare Lombroso y de Max Nordau; y la literatura decadentista surgida de Baudelaire, Verlaine y Huysmans, en otros. La literatura en lengua castellana de España e Hispanoamérica, periferia de esa modernidad, está marcada por el mismo concepto patológico que la literatura europea. La recepción de esa estética patológica moderna en la literatura castellana se hace a partir de tres tipos de obras: las de historia y crítica literaria, en las que se utiliza la enfermedad como valoración estética; las de análisis sociológico de la literatura, en las que se usa como tema o motivo para subvertir el orden social; y las de reconstrucción de la teoría literaria, en las que se desarrolla la idea del genio enfermo. En esta última tipología las obras suelen ser novelas de artistas o Künstlerroman a menudo bajo la forma diarística. Tenemos dos claros ejemplos de esta clase de novelas en De sobremesa de José Asunción Silva y Diario de un enfermo de José Martínez Ruiz, textos que desarrollan lo patológico como la estética más moderna.The disease becomes the predominant aesthetic value in the Fin de siècle, singular moment in the shaping European modernity, whose referent is the city of Paris. This new aesthetic is generalized through a speech, which will become dominant and where medical science is interwoven with the theory of Morel’s degeneration, released thanks to the works of Cesare Lombroso and Max Nordau; and Decadent literature emerged from Baudelaire, Verlaine and Huysmans in others. The literature in Spanish from Spain and Latin America, periphery of that modernity, is marked by the same disease concept as European literature. The reception of the pathological modern aesthetics in Spanish literature is made from three types of works: the ones about history and literary criticism, in which the disease as aesthetic appreciation is used; the ones about sociological analysis of the literature, in which disease is used as a topic or reason to subvert the social order; and the ones about reconstruction of literary theory, in which the sick genius idea is developed. In this last kind, works are usually novels from artists or Künstlerroman often in the form of a diary. We have two clear examples of this kind of novels in De sobremesa by José Asunción Silva and Diario de un enfermo by José Martínez Ruiz, texts where the pathological thing is developed as the most modern aesthetic.
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Leroux, Julie. ""Shocking his readers out of their complacence": gothic and fantasy tropes in H.G. Wells' «fin-de siècle» science fiction novels." Thesis, McGill University, 2011. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=97160.
Full textAbstract:
The main goal of this thesis is to identify Gothic and fantasy tropes in four fin-de-siècle novels by H.G. Wells – The War of the Worlds, The Invisible Man, The First Men in the Moon and The Food of the Gods – and to examine their rhetorical effects within the framework of science fiction. More precisely, my project was inspired by Kelly Hurley's analysis of the thematic similarities shared by the science fiction and Gothic genres during the fin-de-siècle, and by Darko Suvin's definitions of science fiction and of the Gothic as being rhetorically antithetical. Through an analysis of how the two thematically compatible but rhetorically antithetical genres interact in the novels, I evaluate the potential responses that could be expected from readers, and compare these responses to the contemporary reception of the work. My research is based on the idea that Wells' novels promote a social message based on Darwinian theory and socialism, and that he uses the combination of SF and the Gothic in order to lead his complacent readers to intellectual conclusions by first drawing their attention through shock and terror. This study will seek to determine whether the author's use of the Gothic ultimately benefits the works by enhancing their social message, or if it results in the contrary effect.Ce mémoire vise à identifier les tropes gothiques et fantaisistes dans quatre romans de la fin-de-siècle par H.G. Wells – The War of the Worlds, The Invisible Man, The First Men in the Moon et The Food of the Gods – et d'examiner leur effet dans ces romans de science fiction au niveau rhétorique. Plus précisément, ce projet fut inspiré par l'analyse qu'a faite Kelly Hurley des ressemblances thématiques entre la science fiction et le gothique au tournant du vingtième siècle, et par l'argument de Darko Suvin selon lequel la science fiction et le gothique seraient antithétiques au niveau rhétorique. À travers une analyse de l'interaction entre ces deux genres compatibles au niveau thématique, mais théoriquement incompatibles au niveau rhétorique, j'évalue les réponses potentielles que l'on peut attendre des lecteurs de ces romans, et je compare ces réponses théoriquement possibles aux la réception contemporaine réelle de ces œuvres. Ma recherche repose sur l'idée que Wells tentait de promouvoir dans ses romans une réflexion sociale basée sur les théories darwiniennes et sur le socialisme, et qu'il utilisait la combinaison de la science fiction et du gothique afin de mener ses lecteurs vers des conclusions intellectuelles par le biais d'un éveil brusque causé par le choc et la terreur. Cette étude tente de déterminer si l'utilisation du gothique faite par l'auteur mène vraiment ses lecteurs à porter davantage attention aux thèmes contenus dans les romans, ou si, au contraire, ces tropes ne font qu'engendrer une réponse émotive chez le lecteur.
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Zussa, Gaëlle. "Merlin, rémanences contemporaines d’un personnage littéraire médiéval dans la production culturelle francophone (fin 20e siècle et début 21e siècle) : origines et pouvoirs." Thesis, Paris Est, 2008. http://www.theses.fr/2008PEST0051/document.
Full textAbstract:
Le personnage de Merlin est né il y a fort longtemps à partir de chroniques galloises. Ses origines littéraires remontent à des textes du 12e siècle, d’abord en latin, puis en français, dans lesquels il devient le célèbre conseiller d’Arthur et acquiert une notoriété considérable auprès des lecteurs. Aujourd’hui, neuf siècles plus tard, le Merlin traditionnel est en pleine renaissance, alors que le Romantisme avait laissé paraître l’avoir oublié pour toujours. Le héros fait toujours rêver et devient le personnage principal de nombre d’oeuvres de la production culturelle francophone actuelle. Ce travail se propose d’analyser les rémanences contemporaines du personnage littéraire médiéval de Merlin autour de deux axes principaux : les origines et les pouvoirs. Dans un premier temps, un tableau représentant le portrait médiéval du héros est constitué d’après l’étude d’un corpus d’oeuvres faisant apparaître Merlin au Moyen Âge. Puis, sur la base de ce tableau dont la structure compose le plan de l’étude, les rémanences contemporaines du héros sont analysées de manière détaillée à l’intérieur d’un corpus d’éléments à la fois littéraires, cinématographiques, théâtraux, appartenant à l’univers de la bande dessinée ou à celui d’Internet. L’étude des origines (qui regroupe les thèmes de la conception et de la tradition sylvestre) révèle principalement un changement de statut du concepteur médiéval de Merlin, le diable, qui se trouve rationalisé, paganisé ou même supprimé. Cette modification se fait au profit d’une véritable mise en lumière de la tradition sylvestre et du motif de l’homme sauvage, qui apparaissaient déjà au Moyen Âge mais deviennent primordiaux dans le corpus contemporain. Une analyse détaillée de la dévalorisation du christianisme permet de mieux comprendre ces bouleversements narratologiques qui touchent également le thème des pouvoirs (regroupant la clairvoyance, l’emprise sur le temps et l’emprise sur l’espace). En plus d’être déchristianisés, ils se modernisent considérablement grâce aux techniques proposées par les différents médias et sont ainsi démystifiés, ce qui permet une identification efficace avec le lecteur-spectateur. Ainsi, Merlin devient accessible, il n’effraye plus comme au Moyen Âge où son origine diabolique en faisait un personnage douteux. Il se présente comme le porte-parole d’un retour à la nature, comme il l’avait déjà été dans les premiers textes médiévaux avant que son message ne se perde sous le poids de la domination chrétienne. Or, aujourd’hui plus que jamais, le monde a besoin d’exemples, de modèles en ce qui concerne le respect et l’amour de la nature dont l’avenir semble menacé. Merlin constitue donc le messager idéal d’une conception « naturiste » de la vie et du monde, ce que les auteurs contemporains ont bien compris. Par son appartenance au monde médiéval et son portrait, revisité par la production culturelle contemporaine, il nous attire, nous fait rêver, tout en nous rappelant notre propre être dans un rapport d’identification à lui-mêmeThe character Merlin, was born a long time ago from Welsh chronicles. Its literary origins go back to texts from the 12th century, first in Latin, then in French, in which he becomes Arthur’s famous adviser and acquires a great reputation among readers. Today, nine centuries later, the traditional Merlin is reborn, after Romanticism has forgotten him. The hero is still making us dream. He has become the main character of many works of the current francophone cultural production. This work analyses the contemporary persistence of the literary figure of medieval Merlin through two main themes: the origins and the powers. As a first step, a table of the medieval hero’s portrait is made according to the study of a novel’s corpus showing Merlin in the Middle Ages. Then, based on this table, whose structure builds the study plan, the hero’s contemporary persistence is analysed in detail through a corpus composed of elements from literature, cinema, theatre, comic books and Internet. The study of the origins (which includes the themes of the conception and the Woodwose or wildman’s tradition) shows mostly a modification of Merlin’s creator status, the devil, which is rationalized, paganised or deleted. This change is made to give importance to the Woodwose’s tradition, which already existed in the Middle Ages, but has become dominant in contemporary corpus. A detailed analysis of the Christian depreciation explains these narratological changes, which also affects the theme of powers (which includes the vision, the control over time and the control over space). In addition to their de-Christianization, the powers are considerably modernized thanks to the techniques of the various media. Consequently, they are demystified, which allows a finer identification with the reader-viewer. Thus, Merlin has become reachable, he does not scare any more like in the Middle Ages where his diabolical origin made him doubtful. He appears as a spokesman of a return to nature, as he had already been in the early medieval texts before his message was lost under the weight of the Christian domination. But today more than ever, the world needs examples, models to respect and love nature, whose future seems threatened. Merlin is the ideal messenger of a " naturist " conception of life and world. The contemporary writers understand this. Through his connection to the medieval world and his revisited portrait by the contemporary cultural production, Merlin attracts us, he makes us dream while reminding us of our own being through identification with this extraordinary character
Die Figur Merlin wurde vor langer Zeit aus walisischen Chroniken geboren. Seine literarischen Ursprünge stammen aus Texten des 12. Jahrhunderts die zuerst auf Lateinisch und danach auf Französisch waren. In diesen Texten ist der grossartige Berater von Arthur und erreicht dadurch Berühmtheit unter den Lesern. Neun Jahrhunderte später ist der traditionelle Merlin Wiedergeboren, nachdem er in der Romantik in Vergessenheit geriet. Der Held macht immer noch träumen und ist die Hauptfigur in etlichen Werken der zeitgenossischen frankophonen kulturellen Produktion. Diese Arbeit analysiert die zeitgenössischen Überbleibsel der mittelalterlichen Figur Merlin aus zwei Gesichtspunkten: der Herkunft und der Zauberkraft. Als erstes wurde eine Tabelle erstellt in der das Porträt des mittelalterlichen Helden, aufgrund von verschiedenen Werken, wo die mittelalterliche Figur Merlin erscheint, gezeigt wird. Diese Tabelle und seine Struktur sind die Grundlage unsere Studie. Die zeitgenössischen Remanenzen der literarischen mittelalterlichen Charakteristiken des Helden sind danach in der frankophonen kulturellen Produktion (Literatur, Film, Theater, Comics oder Internet) analysiert. Die Studie der Ursprünge (welche die Themen der Konzeption und der Tradition des wilden Mannes umfasst) zeigt hauptsächlich eine Änderung des Status des mittelalterlichen Vaters von Merlin (der Teufel), welcher rationalisiert, paganisiert und teilweise sogar gestrichen wird. Diese Änderung erfolgt zugunsten einer hervorgehobenen Darstellung der Tradition des wilden Mannes. Diese Tradition, die während des Mittelalters bereits erschien, steht im Vordergrund der zeitgenössischen Korpus. Eine detaillierte Analyse der Abwertung des Christentums erklärt die narratologischen Umbrüche, die auch den Bereich der Zauberkräfte betreffen (umfasst die Klarsicht, die Kontrolle über Zeit und Raum). Ausserdem wurden die Zauberkräfte dank den neuen Medien beträchtlich modernisiert und demystifiziert, was eine effiziente Identifizierung mit dem Leser-Zuschauer erlaubt Durch diese Entwicklung wird Merlin erreichbarer, macht keine Angst mehr im Gegensatz zum Mittelalter, wo ihn seine teuflischen Züge zweifelhaft machten. Er erscheint als Sprecher für eine Rückkehr zur Natur, wie das bereits in den ersten mittelalterlichen Texten der Fall war, bevor seine Botschaft unter der christlichen Herrschaft verloren ging. Heute, mehr denn je, braucht die Welt Beispiele, Modelle hinsichtlich Respekt und Liebe zur Natur deren Zukunft bedroht zu sein scheint. Merlin ist daher der ideale Kurier einer "naturistischen" Konzeption des Lebens und der Welt, was die zeitgenössischen Autoren deutlich verstanden haben. Durch seine Verbindung zur mittelalterlichen Welt sowie seiner Wiederauferstehung durch die zeitgenössischen kulturellen Produktionen, zieht er uns an und lässt uns träumen indem er uns an uns selber erinnert durch die Identifizierung mit dieser aussergewöhnlichen Persönlichkeit
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Wanggren, Lena Elisabet. "New women, new technologies : the interrelation between gender and technology at the Victorian fin de siècle." Thesis, University of Edinburgh, 2012. http://hdl.handle.net/1842/7912.
Full textAbstract:
This thesis treats the interrelation between gender and technology at the Victorian fin de siècle, focusing on the figure of the New Woman. It aims to offer a reexamination of this figure of early feminism in relation to the technologies and techniques of the time, suggesting the simultaneously abstract and material concept of technology as a way to more fully understand the ‘semi-fictionality’ of the New Woman; her emergence as both a discursive figure in literature and as a set of social practices. Major authors include Grant Allen, Tom Gallon, and H. G. Wells, examined in the larger context of late-Victorian and fin de siècle popular and New Woman fiction. Chapter 1 outlines the theoretical and methodological premises of the thesis. Locating a specific problematic in the ‘semi-fictionality’ of the New Woman, it draws upon wider discussions within gender and feminist theory to consider this central concern in New Woman criticism. Criticising gynocritical assumptions, the chapter offers a way of reading New Woman literature without relying on the gender of the author – taking Grant Allen’s (in)famous New Woman novel The Woman Who Did as a case in point. It concludes by suggesting technology as a way of examining the figure of the New Woman in its historiospecific and material context. Chapter 2 establishes the typewriter as a case in point for examining the interrelation between gender and technology at the fin de siècle. Through reading Grant Allen’s The Type-Writer Girl and Tom Gallon’s The Girl Behind the Keys, it examines the semantic ambiguity of the term ‘typewriter’ to demonstrate the sexual ambiguity of the New Woman and also the mutual interaction between individual agency and technology. Chapter 3 examines the technology most associated with the New Woman: the safety bicycle. Through reading H. G. Wells’s The Wheels of Chance and Grant Allen’s Miss Cayley’s Adventures, it considers how the social practice of bicycling comes to be associated with concepts of female freedom, problematising the notion of the bicycle as a technology of democratisation. Chapter 4 discusses the figure of the New Woman nurse as a fin de siècle figuration of the Nightingale New Style nurse. Examining the emergence of the clinical hospital, it places the New Woman nurse in a context of medical modernity. Reading Grant Allen’s Hilda Wade as an intervention in a debate on hospital hierarchies, it explores the institutional technology of the hospital in the formation of notions of gender.
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Dumitru, Mihaela. "Margareta Miller-Verghy ou un destin de femme-écrivain à la fin du XIXe siècle et dans la première moitié du XXe siècle." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2018. http://www.theses.fr/2018GREAL025/document.
Full textAbstract:
Dans la deuxième partie du XIXe siècle, les femmes qui osent écrire et publier sont encore très peu nombreuses. Face à une société qui les rejette ou qui les traite de bas bleus, elles sont à la recherche de solutions et celles qu’elles trouvent sont soit se cacher sous des apparences d‘hommes et publier sous pseudonyme, soit par contre, approfondir le féminin et écrire une littérature du moi : journal, autobiographie, roman épistolaire.Margareta Miller-Verghy (1865-1953), une écrivaine ignorée par les histoires littéraires, qui est pourtant parmi les premières écrivaines francophones roumaines, commence sa carrière littéraire en publiant sous pseudonyme. Ses romans, dont le dernier Blandina, qui paraît à titre posthume et en traduction roumaine, témoignent de cette littérature à forte dimension autobiographique. Son destin traverse deux siècles et peut être considéré comme représentatif du chemin que la femme-écrivain parcourt à partir de l’époque du mépris et de la méfiance du XIXe siècle, jusqu’à la pleine acceptation, au XXe siècle.Margareta Miller-Verghy naît à Jassy, Roumanie, mais passe son enfance et plus tard sa jeunesse à Genève, dans un milieu non seulement francophone, mais aussi multilingue. Ainsi s’explique son penchant pour les langues et son talent de traductrice qu‘elle exerce dans un premier temps en traduisant en français l’œuvre de Mihail Eminescu, le plus grand poète roumain. Après une licence en Sciences Sociales, obtenue toujours à Genève, elle devient directrice de l’Asile Elena Doamna, à Bucarest, et en cette qualité elle publie des ouvrages à contenu didactique, dont une méthode d’apprentissage du français, qui est parmi les premières de ce genre. Sa carrière d’écrivaine commence en 1883 avec une nouvelle parue sous le pseudonyme Marmil et continue par trois romans, le premier, Theano, paru en Roumanie et en France en 1919 et respectivement en 1921, le deuxième Cealaltă lumină (L’Autre Lumière), en 1944, un témoignage de l’accident à la suite duquel elle a perdu sa vue et le dernier Blandina (1980), qui est en fait le premier de ce cycle autobiographique. En dehors de cette activité dans le champ de la littérature, elle milite pour la littérature féminine, en publiant une anthologie intitulée Evoluţia scrisului feminin în România(Évolution de l’écrit féminin en Roumanie), s’intéressée aux arts, dirige pour une vingtaine d’année une institution qui organisait des projets culturels, La Maison d’Art, et exerce une importante activité charitable, surtout pendant la première guerre mondiale.La biographie de cette femme-écrivain, accompagnée par l’édition critique de son roman le plus connu constituent l’objet de la thèse que nous avons créée, mais pour que son œuvre et son activité si diverse et si complexe soient connues et appréciées par les générations futures, la recherche très laborieuse que nous avons réalisée dans les archives doit être élargie par un travail d’édition et de réédition. Continuer cette étude par une monographie, par une nouvelle édition du roman Blandine, par une édition d’œuvres nous semble un devoir pour les années à venirIn the second half of the nineteenth century, women who dare to write and publish are still very few. Faced with a society that rejects them or treats them as blue bottoms, they are looking for solutions and those they find are either to hide under the appearance of men and publish under pseudonym, to be against, deepen the feminine and write a literature of the self: journal, autobiography, novel letter writer. Margareta Miller-Verghy (1865-1953), a writer ignored by literary histories, who is among the first French-speaking Romanian writers, begins her literary career publishing under pseudonym. Her novels, including the last one, "Blandina", appear posthumous and in Romanian translation testify to this literature with a strong autobiographical dimension. Her destiny goes back two centuries and can be considered representative for the path that the female writers travel from the time of contempt and mistrust of the nineteenth century to the full acceptance in the twentieth century.Margareta Miller-Verghy was born in Jassy, Romania, but spent her childhood and later her youth in Geneva, not only in a French environment, but also in a multilingual one. This explains her penchant for foreign languages and her talent as a translator, which she makes use of when translating into French the work of Mihail Eminescu, the greatest Romanian poet. After a bachelor's degree in Social Sciences, while still in Geneva, she became director of the Elena Doamna Asylum in Bucharest and in this quality she published books with didactic content, including a method of learning French, which is among the premieres of this kind. Her writing career began in 1883 with a short story published under the pseudonym Marmil and continued with three novels, the first, Theano, published in Romania and France in 1919 and respectively in 1921, the second "Cealaltă lumină" ("The Other Light"), in 1944, a testimony of the accident in which she lost her eyesight, and the last "Blandina" (1980), which is actually the first of this autobiographical cycle. Apart from this activity in the field of literature, she advocates for women's literature, publishing an anthology entitled "Evoluția scrisului feminin în România" ("Evolution of the female writing in Romania"). She is interested in arts, directs for twenty years an institution that organizes cultural projects, The House of Art, and has a significant charitable activity, especially during the First World War.In order for her work, which is so diverse and so complex, to be known and appreciated by future generations, the very laborious research we have carried out in the archives must be expanded by editing and re-editing. To continue this study with a monography, with a new edition of the novel "Blandine", with an edition of gathered works seems to us a duty for the years to come
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Casamento, Tumeo Antonio. "La foule dans la littérature italienne de la fin du XIXème siècle." Phd thesis, Université de Grenoble, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00741783.
Full textAbstract:
La thèse porte sur la représentation de la foule " rebelle " dans la littérature italienne du XIXème siècle. Tout en considérant les contributions des sciences sociales, de Le Bon a l'école lombrosienne de Scipio Sighele et Pasquale Rossi, passant par Freud, jusqu'aux sociologues plus contemporains, comme Reich, Ortega y Gasset, Canetti, Allport, Turner etc, la recherche se concentre sur le roman et la nouvelle, qui voient le jour dans une Italie qui, luttant pour son unité nationale, n'arrive pas a transformer la révolution politique en révolution nationale, selon la formule de Nievo. Manzoni fixe le modèle de représentation des foules rebelles, qui sera suivi par Nievo avec des variations importantes. Ensuite, l'influence de Zola s'ajoutera a celle de Manzoni et dominera, d'une part, l'idée que la foule est capable de montrer un comportement rationnel et d'être un sujet vraiment révolutionnaire (les scapigliati, Valera, De Amicis, etc), d'autre part celle du pessimisme et du destin prédéterminé des masses (Verga). Enfin, Gabriele D'Annunzio, dans ses nouvelles et ses romans, oscillera entre la fascination pour la sauvagerie des foules et son méprise d'aristocratique.
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Zussa, Gaëlle. "Merlin, rémanences contemporaines d'un personnage littéraire médiéval dans la production culturelle francophone (fin 20e siècle et début 21e siècle) : origines et pouvoirs." Phd thesis, Université Paris-Est, 2008. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00462016.
Full textAbstract:
Le personnage de Merlin est né il y a fort longtemps à partir de chroniques galloises. Ses origines littéraires remontent à des textes du 12e siècle, d'abord en latin, puis en français, dans lesquels il devient le célèbre conseiller d'Arthur et acquiert une notoriété considérable auprès des lecteurs. Aujourd'hui, neuf siècles plus tard, le Merlin traditionnel est en pleine renaissance, alors que le Romantisme avait laissé paraître l'avoir oublié pour toujours. Le héros fait toujours rêver et devient le personnage principal de nombre d'oeuvres de la production culturelle francophone actuelle. Ce travail se propose d'analyser les rémanences contemporaines du personnage littéraire médiéval de Merlin autour de deux axes principaux : les origines et les pouvoirs. Dans un premier temps, un tableau représentant le portrait médiéval du héros est constitué d'après l'étude d'un corpus d'oeuvres faisant apparaître Merlin au Moyen Âge. Puis, sur la base de ce tableau dont la structure compose le plan de l'étude, les rémanences contemporaines du héros sont analysées de manière détaillée à l'intérieur d'un corpus d'éléments à la fois littéraires, cinématographiques, théâtraux, appartenant à l'univers de la bande dessinée ou à celui d'Internet. L'étude des origines (qui regroupe les thèmes de la conception et de la tradition sylvestre) révèle principalement un changement de statut du concepteur médiéval de Merlin, le diable, qui se trouve rationalisé, paganisé ou même supprimé. Cette modification se fait au profit d'une véritable mise en lumière de la tradition sylvestre et du motif de l'homme sauvage, qui apparaissaient déjà au Moyen Âge mais deviennent primordiaux dans le corpus contemporain. Une analyse détaillée de la dévalorisation du christianisme permet de mieux comprendre ces bouleversements narratologiques qui touchent également le thème des pouvoirs (regroupant la clairvoyance, l'emprise sur le temps et l'emprise sur l'espace). En plus d'être déchristianisés, ils se modernisent considérablement grâce aux techniques proposées par les différents médias et sont ainsi démystifiés, ce qui permet une identification efficace avec le lecteur-spectateur. Ainsi, Merlin devient accessible, il n'effraye plus comme au Moyen Âge où son origine diabolique en faisait un personnage douteux. Il se présente comme le porte-parole d'un retour à la nature, comme il l'avait déjà été dans les premiers textes médiévaux avant que son message ne se perde sous le poids de la domination chrétienne. Or, aujourd'hui plus que jamais, le monde a besoin d'exemples, de modèles en ce qui concerne le respect et l'amour de la nature dont l'avenir semble menacé. Merlin constitue donc le messager idéal d'une conception " naturiste " de la vie et du monde, ce que les auteurs contemporains ont bien compris. Par son appartenance au monde médiéval et son portrait, revisité par la production culturelle contemporaine, il nous attire, nous fait rêver, tout en nous rappelant notre propre être dans un rapport d'identification à lui-même
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Pricop, Lucian. "L'identité de la littérature roumaine: écrivains, éditeurs et lecteurs à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2013. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209502.
Full textAbstract:
Notre recherche a examiné un phénomène communicationnel susceptible d’éclairer le processus de la modernisation de la société roumaine au tournant des XIXe et XXe siècles :il s’agit de la transformation de l’édition d’une société manufacturière dans « une proto-industrie culturelle » et de la création d’une sphère publique dans ce monde en constante redéfinition. Le rapport entre la croissance des biens culturels produits par les éditeurs et celle de l’intérêt des individus pour la lecture est le centre de notre recherche. Autrement dit, nous avons évalué la fonction sociale de la littérature roumaine et le rôle des livres sur le marché des produits culturels et informationnels. L’intervalle relativement long, de 1880 à 1914, nous a permis de confronter les données spécifiques à la production de littérature d’une manière diachronique, en analysant les stratégies économiques et politiques des acteurs et aussi les conflits résultant des rapports de pouvoir entre ceux-ci. L’analyse des conditions de ces mutations a déterminé les rôles sociaux des instances, les dialogues, les confrontations entre les acteurs et les publics. Nous avons identifié une crise de la littérature roumaine originelle qui a mobilisé une sorte d’internationalisation de la production littéraire. La concurrence des biens, des marchandises culturelles « importées » de l’Occident sous la forme des traductions ou des reformulations est l’un des « potentiateurs » de la création littéraire autochtone. Les lectures croisées de documents (plans éditoriaux, correspondance, presse, journaux intimes et professionnels, etc.) et de sources secondaires (histoires littéraires, travaux de critique, manuels, etc.) nous ont permis de suivre l’évolution des intentions, des objectifs, des réalités et des conséquences sur ce qu’on considère l’histoire officielle de la littérature. Les différences entre les étapes démontrent, d’une manière assez exacte, les degrés de pouvoir des forces impliquées dans la production du canon littéraire ;elles illustrent aussi l’emprise croissante de l’idéologie sur le champ culturel à partir de la fin du XIXe siècle. L’analyse diachronique des parutions éditoriales à travers les 34 années étudiées reflète les changements des politiques culturelles de l’Etat. L’analyse appliquée à la politique éducationnelle de la discipline littérature roumaine nous a permis d’envisager une modification de la stratégie de l’Etat dans ce domaine et de questionner ses effets sur la création du patrimoine national.
Le littéraire, acteur central de notre recherche, nous a donné la possibilité d’instrumentaliser plusieurs notions appartenant à l’histoire du livre et de l’édition. De cette manière, les tensions présentes à l’intérieur de l’analyse historique de la littérature ont été transformées en sujet de réflexion, voire de rétablissement de certaines positions de domination. Le concept d’identité bibliographique est convoqué pour réaliser une lecture diachronique d’une époque. Nous avons identifié et analysé toute une série de problématiques passionnantes, telles les relations entre les instances impliquées dans la production, la circulation et la réception des livres littéraires durant la période 1880-1914.
The PhD thesis entitled The Romanian Literary Identity. Writers, Publishers and Readers in the Late Nineteenth and Early Twentieth Centuries examines a communication phenomenon, constituting a scientific enterprise that aims to clarify some aspects relating to the modernization of Romanian society during the Belle Époque: we have in mind the transformation of the “publishing house” from a business dealing with handmade items into a “proto-industrial culture” and the creation of a public sphere in a world constantly seeking to define itself. The relationship between the increasing number of cultural goods produced by publishers and the growing interest in reading among the people represents a main focus of this research. In other words, we tried to assess the social function of Romanian literature and the role of books on the market for cultural and informational products. By choosing a fairly long period of time (1880-1914), we were able to confront the data pertaining to literary production in a diachronic manner, analyzing the economic and political strategies of the “actors”, as well as the conflicts arising from the power relations between those actors. The analysis of the circumstances surrounding the transformations undergone by the Romanian cultural area enabled us to determine more clearly the social roles of the participants, the interactions and confrontations between actors and audiences. We could identify a crisis of the original Romanian literature, a crisis that fostered the “internationalization” of the literary production. The competition between cultural goods “imported” from the West in the form of translations or adaptations was one of the factors enhancing local literary production.
The cross-reading of documents (editorial plans, correspondence, press, personal and professional diaries etc.) allowed us to evaluate the evolution of the intentions, goals, realities and consequences of the official history of Romanian literature (which has its origins in this period). The differences between these stages revealed the power statuses of the forces involved in producing the literary canon; they also showed the growing influence of ideology on the cultural field since the end of the nineteenth century. The diachronic analysis of the titles published in the 34 years under scrutiny reflects the changes ocurring in the cultural policies of the state. The educational strategies concerning Romanian literature as a field of study revealed the state’s attitude change towards this area, which enabled us to assess the effects on the development of the “national literary heritage”.
The literary field, the central actor of our research, opened the possibility to operationalize several concepts pertaining to the history of book publishing. Thus, the tensions existing within the historical analysis of literature were transformed into a subject of reflection, even re-establishing some positions of dominance. The notion of bibliographical identity was employed in order to do a diachronic reading of the era.
The research conducted for this dissertation gave us the opportunity to identify and analyze a range of exciting issues, such as the relationship between the participants involved in the production, dissemination and reception of literary works between 1880 and 1914.
Doctorat en Langues et lettres
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Lopez, Pedroza Claudia Cecilia. "Les chroniques urbaines d'Angel de Campo dans " El Imparcial " : Mexico à la fin du XIXème siècle." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00947640.
Full textAbstract:
Cette recherche propose une analyse de l'œuvre journalistique et littéraire de l'écrivain mexicain Ángel de Campo [1868-1908], étudiée dans son contexte culturel, social et historique. Elle répond à un questionnement qui relève d'une problématique littéraire : comment le contexte de la modernité émergente opère-t-il et influence-t-il les récits d'Ángel de Campo ? En particulier, comment l'écrivain rend-il compte des métamorphoses de la ville de Mexico dans ses chroniques de la " Semana Alegre " [parues dans le journal El Imparcial entre 1899 et 1908] ? Que découvre-t-il et que critique-t-il par le biais de ce genre littéraire ? Quelle est l'idéologie sous-jacente dans ces chroniques ? La recherche souligne l'usage particulier que De Campo fait de l'esthétique réaliste pour rendre compte des événements immédiats de la période
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McKeown, Claire. ""L’implacable lumière du Nord" : l’impressionnisme littéraire chez les auteurs scandinaves et britanniques à la fin du XIXe siècle." Thesis, Mulhouse, 2018. http://www.theses.fr/2018MULH8892.
Full textAbstract:
L’impressionnisme littéraire, bien que traité dans nombre de travaux, demeure un concept vague, aux définitions multiples, et dont l’existence même est contestée par certains critiques. Afin de dépasser ces querelles, cette étude propose de l’analyser comme un moteur décisif du développement du modernisme dans le nord de l’Europe (Grande-Bretagne et Scandinavie) à la fin du XIXe siècle. Le corpus porte principalement sur des auteurs tels Henry James, Herman Bang, Stella Kleve et Thomas Hardy qui ont eux-mêmes fait des rapprochements entre impressionnisme et esthétique littéraire. A partir d’un repérage de caractéristiques stylistiques essentielles, fondée notamment sur des analyses texte-image, la thèse montre l’importance de l’impressionnisme littéraire dans l’émergence d’une nouvelle esthétique fondée sur la subjectivité et ouvrant la voie au « tournant vers l’intérieur » (le « inward turn » analysé par Erich Kahler). Elle établit un parallèle entre deux histoires littéraires : celle d’un terme ayant permis une théorisation autoréflexive du modernisme naissant, et celle de l’impression littéraire dans la fiction du nord de l’Europe, qui précède le mouvement artistique qui lui donnera son nom. Enfin, la mise en perspective des préoccupations esthétiques et des différentes formes d’engagement des auteurs aboutit à défendre l’hypothèse que l’empathie esthétique est un principe structurant du moment impressionniste, tant dans ses dimensions littéraires et artistiques que socialesLiterary impressionism is the subject of a large number of critical writings, and yet it remains a vague, catch-all notion which has even been disputed by some critics. This study postulates that despite its multiple definitions, literary impressionism is a key factor in the development of Northern European (British and Scandinavian) modernism at the end of the 19th Century. Through careful study of writers who themselves linked impressionism with literary aesthetics, including Henry James, Herman Bang, Stella Kleve and Thomas Hardy, I have identified the major characteristics of this multifaceted stylistic technique, and gone on to demonstrate their value in the development of a new literary aesthetics based on shared subjectivity, preparing the “inward turn” of modernism, as analysed by Erich Kahler. This thesis places two literary histories in parallel: that of a term which allowed for a conscious theorization of nascent modernism, and that of the literary impression in Northern European prose, which pre-dates the artistic movement which would give it a name. Finally, by taking into account the authors’ aesthetic preoccupations and varying degrees of social engagement, I suggest that aesthetic empathy plays an important role in impressionist thought, in its literary, artistic and social manifestations
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Lawrie, Alexandra Patricia Duff. "Pedagogy, prejudice, and pleasure : extramural instruction in English literature, 1885-1910." Thesis, University of Edinburgh, 2012. http://hdl.handle.net/1842/7727.
Full textAbstract:
This thesis considers the teaching of English literature within extramural organisations for adults in England between 1885 and 1910. This challenges the assumption that the beginnings of English as a tertiary-level academic subject can be traced back only as far as the foundation of the Oxford English School at the end of the nineteenth century; in fact extramural English courses had been flourishing for decades before this, and these reached their zenith in the final years before it was introduced at Oxbridge. Oxford created an Honours School of English in 1894, and the Cambridge English Tripos was established in 1917; in ideological terms, such developments were of course crucial, yet it has too often been the case that the extramural literary teaching being conducted contemporaneously has been sidelined in studies of the period. My first chapter will consider the development of English in various institutional and non-institutional environments before 1885, including Edinburgh University, Dissenting Academies, and Mechanics’ Institutes. Thereafter I will explore the campaign, led by University Extension lecturer John Churton Collins, to incorporate English literature as an honours degree at Oxford. Focusing on the period between 1885 and 1891, this second chapter will assess the veracity of some of Collins’s most vehement claims regarding the apparently low critical and pedagogical standards in existence at the time, which he felt could only be improved if Oxford would agree to institutionalise the subject, and thereby raise the standard of teaching more generally. Collins’s campaign enjoyed more success when he drew attention to the scholarly teaching available within the University Extension Movement; my third chapter is underpinned by research and analysis of previously unexplored material at the archives of London University, such as syllabuses, examination papers, and lecturers’ reports. I examine the way in which English literature, the most popular subject among Extension students, was actually being taught outside the universities while still excluded from Oxbridge. Thereafter my penultimate chapter focuses on an extramural reading group formed by Cambridge Extension lecturer Richard G. Moulton. This section considers Moulton’s formulation of an innovative mode of literary interpretation, tailored specifically to suit the abilities of extramural students, and which also lent itself particularly to the study of novels. Uncollected T. P.’s Weekly articles written by Arnold Bennett highlight the emphasis that he placed on pleasure, rather than scholarship. My final chapter considers Bennett’s self-imposed demarcation from the more serious extramural pedagogues of literature, such as Collins and Moulton, and his extraordinary impact on Edwardian reading habits. A brief coda will compare the findings of the 1921 “Newbolt Report” with my own assessment of fin-de-siècle extramural education.
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Johansson, Niclas [Verfasser]. "The Narcissus Theme from «Fin de Siècle» to Psychoanalysis : Crisis of the Modern Self / Niclas Johansson." Frankfurt a.M. : Peter Lang GmbH, Internationaler Verlag der Wissenschaften, 2017. http://d-nb.info/112954513X/34.
Full text
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Shaw, Michael. "The fin-de-siècle Scots Renascence : the roles of decadence in the development of Scottish cultural nationalism, c.1880-1914." Thesis, University of Glasgow, 2015. http://theses.gla.ac.uk/6395/.
Full textAbstract:
This thesis offers a cultural history of the Scots Renascence, a revival of Scottish identity and culture between 1880 and 1914, and demonstrates how heavily Scottish cultural nationalism in this period drew from, and was defined by, fin-de-siècle Decadence. Few cultural historians have taken the notion of a Scots Renascence seriously and many literary critics have styled the period as low point in the health of Scottish culture – a narrative which is deeply flawed. Others have portrayed Decadence as antithetical to nationalism (and to Scotland itself). The thesis challenges these characterisations and argues that there was a revival of Scottish identity in the period which drew from, and contributed to, Decadent critiques of 'civilisation' and 'progress'. The thesis considers literature alongside visual art, which were so interdependent around the 1890s. It focuses on three main cultural groups in Scotland (the circle that surrounded Patrick Geddes, the Glasgow School and writers of the Scottish Romance Revival) but it speaks to an even wider cultural trend. Together, the various figures treated here formed a loose movement concerned with reviving Scottish identity by returning to the past and challenging notions of improvement, utilitarianism and stadialism. The first chapter considers the cultural and historical background to the Scots Renascence and reveals how the writings of the Scottish Romance Revival critiqued stadialist narratives in order to lay the ground for a more unified national self. The second chapter demonstrates how important japonisme and the Belgian cultural revival were to the Scots Renascence: Scottish cultural nationalists looked to Japan and Belgium, amongst other nations, to gain inspiration and form a particular counter- hegemony. The final three chapters of the thesis explore how a unifying myth of origin was developed through neo-Paganism, how connections to an ancestral self were activated through occultism, and how such ideas of mythic origin and continuation were disseminated to wide audiences through pageantry. In doing so, the thesis charts the origins, development and dissemination of the Scots Renascence, while situating it within its historical and international contexts.
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Stephens, Anna [Verfasser]. "The Functions of Literature: A Diachronic Perspective on the British Novel on Terrorism from the Victorian Fin de Siècle to the Present / Anna Stephens." Bonn : Universitäts- und Landesbibliothek Bonn, 2020. http://d-nb.info/1208937820/34.
Full text
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Zaccaria, Flaviana. "La fragmentation de Mio et le problème de la dis-identité dans la Littérature italienne et Américaine de la fin du Siècle." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2019. http://www.theses.fr/2019GREAL002/document.
Full textAbstract:
L’objectif de cette recherche est quel de préparer an analyse de la critique sociale que certain littérature, typique de la fin du siècle passé, ont apporté à la société capitaliste et aux conséquences sur le style de vie des individus, et sur leur conditions psychologiques et sociales. Les changements capitalistes de la société et l’augmentation de l’influence du marché, ont apporté aussi un profond changement intérieur dans la société, en posent quelle que Bauman a nommé la société liquide : une société qu’est prête à changer et at adapter à les nécessités du marché, le nouveau vrais pouvoir. Ce changement global a influencé tout le monde, trouvant un écho dans artistes différents, da l’Europe à l’Afrique et à l’Australie. Focalisant l’attention seulement sur la littérature américaine et italienne, en particulier sur l’œuvres d’écrivaines comment Bret Easton Ellis, Chuck Palaniuk et Don DeLillo ou Tondelli et dès les Jeune Cannibales, cet étude analyse comment à travers des images pulp et un écriture fort, cette écrivaines présent au mondes le côté obscur du capitalisme et du nouveau ordre sociale, que tente la meurtre du Moi, créant quel que est appelée la dis-identité : transformant l’individu dans le parfait produit commercial, prêt à changer e sans une personnalité ou un volonté intérieur, prêt à servir et a suivre les diktat du marché. À travers la télévision et la propaganda de la publicité, la société du marché a créé une false réalité, que Baudrillard à appeler l’hyper-réalité qui engloutit le monde et qui efface toutes les possibilités real d’escape. La seule chance de survie est la complète subissions du Moi, donner l’indépendance de l’esprit personnel et du Moi en change pour a vie de « Fit-in ». Les conséquences de tout le choix, de “fit-in” ou d’être un marginalisée, sont décrit dans les œuvres analysée, montrent comment il n’est important pas le choix, le résultat final sera donc le même : l’aliénation et la profonde perte du Moi. Ces conséquences portent, en autre fois, à diffèrent formes de destruction de Moi, diffèrent fois d’arriver au même objectif : oublié Moi et le mal-être que viens da une vie dans un monde que change constamment, ou le standard est continuellement portée avant, ou il n’est pas possible d’arriver au but et ou il n’est pas possible de vivre la réalitéThe aim of this study is to prepare an analysis of the critic that certain literature, typical of the end of last century, brought forward toward capitalistic society and it’s consequences not only on the life style of the individuals, but also on their psychology and social behaviour. Social changes and the increase of the influence of the market brought forward an inner and profound change in the society, creating what Bauman called a liquid society: ready to change and to adequate itself to the must and necessity of the market, the new real power. This global change invested and influenced society all over the globe, finding proper echo in different artist around the world, from Europe to Africa to Australia. Focusing only on Italian and American literature, through the work of writers as Bret Easton Ellis, Chuck Palaniuk and Don DeLillo – for American literature -, and Tondelli and the Young Cannibals in Italy, could be possible to analyse how those artists, with pulp images and strong language, show to the world the dark side of capitalism and the new order society, which aim at the killing of the inner self, creating what has been called a dis-identity: transforming the individuals in the perfect market good, ready to change and without an inner wish or personality, ready to serve and to follow the dictate of the market. Through mostly television and advertising propaganda, the market society has created a false reality, what Baudrillard called the hyper-reality, which engulfed the world deleting any real possibility of escape. Only chance of survival has become then the complete submittal of the self, giving away any independent form of the Self in change of a “fit-in” life. CBoth the choice to fit in or be casted out are portrayed in those books, showing how dees not matter which is the choice, the result would be the same: alienation and profound loss of the Self. Those consequences lead, in a way or another, to different form of self-destruction, different ways to achieve the same goal: forget yourself and the disquiet caused by living in a world in constant change, where the standard is always moved forward, where goals are impossible to meet, and reality is impossible to live
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Ruhose, Yvonne [Verfasser]. "Konstruktionen weiblicher Libertinage im Fin de Siècle anhand ausgewählter Prosawerke Arthur Schnitzlers und Franziska zu Reventlows / Yvonne Ruhose." Paderborn : Universitätsbibliothek, 2021. http://d-nb.info/1237748402/34.
Full text
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Bouget, Hélène. "Enquerre et deviner : poétique de l'énigme dans les romans arthuriens français (fin du XIIe-premier tiers du XIIIe siècle." Phd thesis, Université Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00204437.
Full textAbstract:
La notion d'énigme, fréquemment invoquée pour désigner les objets, les êtres ou les passages les plus étranges des romans arthuriens, est une notion complexe et protéiforme qui se définit comme une figure de discours, une forme fixe et un mode d'investigation herméneutique. Dans cet univers, les héros se distinguent des traditionnelles figures oedipiennes : celles-ci sont en effet soumises à la parole contrainte et à la découverte révélée de la devinaille, tandis que les quêteurs arthuriens manifestent les signes d'une subjectivité naissante qui les pousse à interroger l'autre et le monde. Pourtant, le désir de savoir et l'entreprise herméneutique s'avèrent parfois décevants et l'énigme en tant que telle, illusoire. D'interrogations comblées en questions oubliées ou en attentes déceptives, les textes développent en réalité un effet d'énigme qui entretient la tension romanesque et apparaît comme un facteur poétique essentiel. Fondé sur le jeu des failles et des réécritures, l'effet d'énigme repose sur une esthétique de la béance et du voile qui contredit l'apparente clôture de l'espace textuel. Malgré la prégnance du modèle scripturaire, le roman arthurien se découvre et s'affirme alors comme un monde des possibles, une oeuvre de fiction consciente de sa nature. Le Graal et l'identité, principaux facteurs d'interrogation, constituent ainsi deux grands paradigmes énigmatiques intra- et intertextuels qui garantissent, par le jeu des énigmes et des effets d'énigme, la pérennité et la vigueur de l'entreprise romanesque. L'étude de l'énigme permet donc de proposer une poétique d'ensemble du roman arthurien entre la fin du XIIe et un large premier tiers du XIIIe siècle, et d'en saisir, en même temps, les nuances et les évolutions.
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Brambilla, Alberto. "Edmondo De Amicis et la France (1870-1883) : contacts et échanges entre littérature italienne et littérature française à la fin du XIXe siècle." Phd thesis, Université de Franche-Comté, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00951573.
Full textAbstract:
Le travail s'insère dans la vaste perspective des études sur les rapports entre la culture italienne et la culture française dans la seconde moitié du XIX siècle. En particulier nous avons pris en examen la période 1870-1883, c'est-à-dire les années de la conclusion de la guerre franco-prussienne, jusqu'à la crise diplomatique de Tunis (1881) et au passage de l'Italie à l'alliance politique et militaire avec l'Autriche et l'Allemagne. (1886). Dans la vaste production littéraire de De Amicis (connu presque seulement pour la publication de son roman Cuore), la France joue un rôle non secondaire, comme le témoignent le volume Ricordi di Parigi (1879) et le recueil Ritratti letterari (1881). Le but de notre recherche a été d'abord l'analyse approfondie de ces deux livres. Ensuite nous avons fait une enquête systématique sur l'ensemble de la production de De Amicis - en examinant pour la première fois plusieurs périodiques littéraires et politiques - où nous avons retrouvé beaucoup d'autres témoignages importants. En outre, grâce à l'étude de la biographie de De Amicis, nous avons reconstruit ses voyages et ses séjours en France (1873, 1878, 1880), et nous avons retrouvé le nom d'autres intellectuels français, avec lesquels De Amicis a établi des liens d'amitié et de collaboration. Enfin, à travers l'analyse de la correspondance privée de certains protagonistes de cet échange, nous avons acquis d'autres données. Nous avons ainsi mis à jour de nombreux témoignages de la remarquable réception en France des œuvres de De Amicis. Il a été beaucoup traduit en France et la critique française l'a considéré dès sa première œuvre (La vita militare, 1868) comme un des écrivains les plus importants d'Europe. Le bilan final de nos recherches confère à De Amicis un rôle très important dans les rapports entre la France et l'Italie, aussi bien au niveau culturel que politique
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Desclaux, Jessica. "Les voyages de Maurice Barrès." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040156.
Full textAbstract:
L’enjeu de cette étude est de défiger l’image du patriote lorrain enraciné dans sa petite patrie, qui l’emporta dans l’histoire littéraire : à Barrès, défenseur de l’enracinement, répondrait Gide, le voyageur. De 1887 à 1923, Maurice Barrès effectua une quarantaine de voyages à l’étranger. En repartant du chapitre qu’Albert Thibaudet consacra au voyageur dans La Vie de Maurice Barrès, oninterrogea l’hypothèse selon laquelle Barrès se forma un itinéraire esthétique et intellectuel à partir de ses voyages. Contre la dualité diachronique de l’écrivain, qui passa du Culte du Moi au Roman de l’énergie nationale, on dégagea une trajectoire en quatre temps : Barrès se mit à l’école de l’Italie, de l’Espagne, de l’Orient, et, durant la période de définition de son nationalisme, interrogeaparticulièrement la leçon de la Grèce. En plus de considérer le voyage comme un lieu éduquant l’esthète et l’écrivain, on analysa l’instruction apportée par l’étranger à l’homme politique. À cette fin, on fonda la réflexion sur les manuscrits du fonds Barrès de la BnF et on privilégia une approche génétique, qui remette en mouvement l’écrivain. Par l’intermédiaire de Barrès, on entend saisir larenaissance que connut le voyage d’écrivain, sous l’influence du modèle des esthètes anglais, dans le contexte des redécouvertes artistiques et de la montée des tensions internationalesThe aim of this thesis is to challenge the prevailing image of Maurice Barrès in literary history as a patriotic native of Lorraine, deeply rooted in his homeland: Barrès is considered a defender of local roots, as opposed to Gide, seen as a traveller. From 1887 to 1923, Maurice Barrès made around forty journeys abroad. In revisiting the chapter which Albert Thibaudet dedicated to the traveller in La Vie de Maurice Barrès (The Life of Maurice Barrès), we question the hypothesis that Barrès shaped himself an aesthetic and intellectual path, drawing from his travels. Against the diachronic duality of the writer, whose mind-set evolved between publication of the Culte du Moi (The Cult of the Self) and the Roman de l'énergie nationale (Novel of National Energy), there emerges a four step path: he looked to and was influenced by different schools of thought from Italy, Spain, the Orient and, during the period in which his sense of nationalism was formed, he examined the Greek lesson in particular. As well as considering travel as something which educated both the aesthete and the writer, we analyse the knowledge acquired by the politician on his travels abroad. To that end, focus is placed upon manuscripts from the Barrès fonds of the BnF and the emphasis is on a genetic approach. Through Barrès, we follow the rebirth of the writer's journey, influenced by the model of the English aesthetes, in the context of artistic rediscoveries and a rise in international tensions
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Combe, Vincent. "Histoires tragiques et " canards sanglants " : Genre et structure du récit bref épouvantable en France à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle." Phd thesis, Université de Nice Sophia-Antipolis, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00643307.
Full textAbstract:
Le contexte politico-religieux particulièrement virulent des dernières décennies du XVIe siècle et des premières du XVIIe siècle a vu naitre une littérature brève tout à fait singulière, nourries d'influences diverses. Les histoires tragiques et les faits divers sanglants sont deux genres qui évoluent et coexistent à cette époque. Le premier se présente dans lignée des nouvelles de l'italien Mateo Bandello, et est influencé par toute cette littérature brève oscillant entre le tragique et le comique au milieu du XVIe siècle. Le genre se poursuit dans les premières décennies du XVIIe siècle sous la plume d'écrivains missionnaires de la foi catholique, dans cadre purement tragique et très influencés par les marques stylistiques de l'esthétique baroque. Au sein-même de ce genre, il a été proposé un classement tripartite relatif à la diachronie des récits. Ainsi, trois générations ont été considérées à partir d'auteurs-phares ayant un vrai impact sur l'évolution du genre : la première représentée par Pierre Boaistuau et François de Belleforest s'ouvre dans les années 1560 et se situe dans le prolongement du nouvelliste Bandello. La seconde, appartient aux années 1580 et marque l'affirmation des codes du genre, dans son positionnement par rapport tragique, mais aussi dans les choix des sujets traités grâce aux recueils de Vérité Habanc et Benigne Poissent. Enfin la troisième génération, correspondant aux années 1610-1630 est illustrée par François de Rosset et Jean-Pierre Camus qui portent le genre à son apogée en exploitant la vigueur démonstratrice du canard sanglant et l'influence romanesque propre à séduire le lecteur. Les " canards sanglants ", dont l'expression a été empruntée au recueil de Maurice Lever, est proprement un outil de propagande massive, anonyme mais que l'on sait déployés par Rome, qui souhaite alors réaffirmer les postulats de l'église catholique sous le nouveau regard des dogmes du Concile de Trente. En outre, c'est dans un contexte éditorial tout à fait favorable, grâce à l'imprimerie, que se développe cette littérature proprement nationale qui prend ses assises dans un contexte de méfiance généralisée vis-à-vis des nations voisines. Il se trouve que l'histoire tragique et le " canard sanglant " ont toujours été étudiés de manière exclusive par la critique jusqu'alors. Toutefois, des convergences génériques et formelles remarquables se pressentent entre les deux genres. Cette étude novatrice interroge les fondements génériques et formels permettant de considérer une structure stable à ce que serait le " récit épouvantable " à cette époque. Dans un premier chapitre les problématiques relatives au genre des récits épouvantables sont envisagées : quels sont les fondamentaux structuraux qui sous-tendent ces deux genres ? Dans quelle mesure les influences génériques fondatrices (novella italienne, tragédie) puis novatrices à l'époque (roman sentimental) ont-elles participé de l'évolution formelle du récit épouvantable tout en maintenant une logique narrative commune ? Du fait qu'aucun art poétique ne se soit intéressé à ces formes de récit, la définition de contours génériques est apparue come une nécessité. Les études formalistes (russes, italiennes et françaises) ont servi de point d'ancrage à la réflexion. La tripartition : énonciation de la loi/transgression/punition a été nuancée au regard de la diversité des textes. Ceux-ci présentent, en effet, la particularité d'être excessivement poreux aux autres formes génériques en vogue à l'époque (la tragédie, le roman, l'histoire de loi et l'expression poétique). Ce constat n'a pas été une surprise dans la mesure où ces récits reposent aussi sur la séduction du lecteur. Un second chapitre analyse en détail les unités constitutives du genre suivant le protocole narratif. Le titre constitue, tout d'abord une étape importante car il est au seuil du récit et détourne les attentes habituelles liées à sa fonction. En effet, celui-ci, particulièrement dense, se présente sous la forme d'un résumé en comportant toutes les informations délivrées par la narration, jusqu'à l'issue invariante, qui se caractérise par un procès et un jugement. La variatio s'exécute alors dans les différents châtiments établis en fonction du crime commis. Cette unité liminaire est le lieu d'une étude précise, au moyen de graphiques et de tableaux comparatifs, portant sur la dénomination générique et qualitative de ces récits. L'exorde apparait ensuite comme le lieu de la leçon. Le narrateur y déplore, aux moyens de procédés canoniques tels que le laudator tempris acti ou les procédés de lyrisme tragique la décadence du temps présent et les menaces qui pèsent sur le peuple français. Le discours moral, sa fonction et sa place y sont étudiés comme les marques d'une stratégie narrative qui n'obtient pas, somme toute, l'effet escompté sur l'apitoiement du lecteur. La question de la crédibilité de l'instance narratrice pour donner la leçon est soulevée ainsi que l'échec du dispositif cathartique appliqué à la narration. Une deuxième étape dans ce chapitre s'intéresse à l'exécution de l'acte central dans les récits épouvantables, à savoir l'acte sanglant. Deux formes de représentation ont été identifiées : l'une élabore une description dynamique et proprement romanesque de la mort, l'autre, qualifiée de " mort-tableau " envisage un portrait pictural de la scène. Par ailleurs, les correspondances esthétiques liées aux mouvements maniéristes (auteurs de la deuxième génération) et baroques (canards sanglants et auteurs de la troisième génération d'histoires tragiques) ont été étudiées dans leur réalisation au sein des récits. L'art s'est avéré être un puissant vecteur de propagande visuelle introduit au sein de la narration. Enfin, une étude microstructurale de la phrase a montré que la précipitation tragique s'exerce à tous les niveaux du récit épouvantable : de la composition narrative, au discours et à la phrase. En effet, l'abondance de subordonnées consécutives et de procédés rhétoriques tels que l'hyperbole et l'antithèse apparaissent comme des indices stylistiques annonçant la chute tragique du personnage ou précipitant la catastrophe. Un troisième chapitre interroge la délicate question de la vérité au sein de ces récits. Si des faits historiques sanglants ou des faits divers attestés constituent le vivier principal du corpus, certaines histoires, comme les portraits de monstres apparaissent comme des vestiges médiévaux que le lecteur ne craint plus. Aussi, la solution du vraisemblable a été envisagée comme le plus louable pour rendre compte de ces anecdotes qui oscillent entre volonté d'effrayer et nécessité d'établir une leçon crédible pour le lecteur. Enfin nous nous sommes interrogés sur les spécificités thématiques et formelles liées aux crimes et aux criminels qui caractérisent les deux genres. Encore une fois le support de graphiques est venu expliciter cette démarche fastidieuse révélant des tendances sur les sujets abordés par les récits épouvantables dans l'espace temporel du corpus. Les statistiques ont montré que les histoires d'amour malheureuses et les vengeances familiales (surtout présents chez les auteurs de la troisième génération, ont supplanté les récits de guerre que l'on retrouvait notamment chez Bénigne Poissent. Nous y voyons l'influence des thèmes développés dans le roman sentimental à la mode à l'époque. En revanche, les " canards sanglants " conservent cette spécificité thématique des récits de monstre et ceux de catastrophe naturelle qui lui est propre. Il a été choisi, lors d'un dernier chapitre, de mettre en regard deux genres littéraires qui possèdent des convergences formelles remarquables avec els récits épouvantables. Il s'agit des " chroniques journalières " de Pierre de l'Estoile et des épitomes judiciaires d'Alexandre-Sylvain Van Den Bussche. Alors que le premier genre possède les qualités principales de l'anecdote détaillée prise sur le vif, tout en témoignant des réalités crues d'une époque (celle d'Henri III et d'Henri IV), l'autre rend compte d'une forme rhétorique invariante directement issue du mode plaidoirie, exposant un cas sanglant et problématique au niveau de la loi. Les deux victimes exposent leurs arguments sans qu'il y ait une issue prononcée. Cependant, le second argumentaire apparaît toujours le plus favorable aux yeux du narrateur, illustrant une juste mesure qui dans la réflexion sur les crimes. En conclusion nous sommes parvenus à élaborer des principes esthétiques et formels communs et stables du " récit épouvantable " à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle, tout en se gardant bien de généraliser certaines nuances et exceptions qui produisent toutes la richesse de ces histoires génériquement hybrides et idéologiquement très ancrés dans un nouveau combat pour la foi. Produits d'une époque, ils en comportent toutes les marques, cette littérature " belliqueuse " ne laisse pas indifférente car elle se veut profondément active sur le lecteur. Que ce soit en lui assénant des images frissonnantes ou des leçons particulièrement strictes, le plaisir s'en voit intimement lié à la nécessité démonstrative. Il semble, en outre, que leur évolution les dissocie : les auteurs " tardifs " qui ont suivi Camus, dans la seconde moitié du XVIIe siècle (Claude Malingre et Jean-Nicolas Parival) n'ont pas su renouveler le genre pourtant très lu encore jusqu' à la fin du XVIIIe siècle. Sade y voit des exemples de vices tout à fait remarquables qu'il réintroduit dans sa littérature licencieuse en évacuant la dimension morale du Grand Siècle. Au-delà, il n'en est plus question. C'est pourquoi, l'histoire tragique et ses valeurs semble s'effondrer avec l'Ancien Régime. Paradoxalement, alors que le " canards sanglants " représentait une expression ponctuelle de propagande liée à un contexte spécifique, c'est lui qui a le mieux su se renouveler. Sa forme, plus souple, lui permis de conserver l'essentiel de ce que le lecteur affriole, à savoir l'anecdote sanglante, tout en se débarrassant du carcan moral. Plus que jamais celui-ci se trouve d'actualité, toujours en sachant renouveler son format au gré du lectorat et des époques.
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Servoise-Vicherat, Sylvie. "L'engagement du roman à l'épreuve de l'histoire en France et en Italie au milieu et à la fin du vingtième siècle." Phd thesis, Université Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00204418.
Full textAbstract:
Nous proposons de redéfinir la notion d'engagement littéraire en la mettant à l'épreuve de deux périodes historiques distinctes - les années suivant la fin de la Seconde Guerre mondiale et la fin du 20ème siècle, après la chute du mur de Berlin - et en prenant appui sur un corpus de romans d'auteurs français et italiens: A. Camus, J.-P. Sartre, I. Calvino, V. Pratolini, E. Vittorini pour la première période; P. Modiano, O. Rolin, A. Volodine, E. De Luca et A. Tabucchi pour la seconde. Il s'agit bien d'une redéfinition dans la mesure où nous envisageons l'engagement littéraire sous un angle nouveau, en rapport étroit avec la notion de « régime d'historicité », empruntée à François Hartog. Notre hypothèse est que l'engagement de l'écrivain se manifeste non pas dans le contenu politique de l'oeuvre ou son caractère assertif et démonstratif, mais principalement dans la manière dont le texte réfléchit, au sens fort et polysémique du terme, son inscription dans et son rapport à l'histoire. Dans cette perspective, le roman engagé, qu'il convient de distinguer du roman à thèse, serait à penser en lien étroit avec le régime moderne d'historicité, fondé sur la conception d'une histoire linéaire, progressive, orientée vers l'avenir. Les romans contemporains, eux, s'inscriraient dans le régime « présentiste », dominé par le présent et traversé par le sentiment d'une double dette à l'égard du passé (devoir de mémoire) et du futur (un héritage à préserver et à transmettre). Dans les deux cas, c'est moins à une reconduction qu'à une problématisation des régimes d'historicité que se livrent les oeuvres étudiées, qui s'attachent à en révéler les failles ou les excès.
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Jouhaud, Etienne. "Ego viator : Ecrire le Levant à la fin de la Renaissance." Thesis, Limoges, 2017. http://www.theses.fr/2017LIMO0078.
Full textAbstract:
A la fin de la Renaissance l'Empire ottoman est bien connu du public européen. Tout au long du XVIe siècle, récits de voyages, de captifs, ouvrages de mœurs, ouvrages cosmographiques dessinent une certaine image du « Turc » et de la partie du monde sur laquelle il a établi son pouvoir. Objet de fascination et de profonde inquiétude, l'Empire des sultans intéresse l’Europe chrétienne en proie à des guerres intestines. Les voyageurs qui entreprennent le voyage ou qui commencent à rédiger un récit de leur expérience à partir des années 1570 le font donc avec, à l'esprit, le parcours des auteurs qui les ont précédés. Ils doivent faire avec l’image de l’Autre qui s’est progressivement imposée. La pression évidente que la bibliothèque exerce sur le texte viatique pousse les rédacteurs à chercher de nouvelles modalités d’expression. Ils posent à neuf la dialectique constamment maintenue par la prose viatique tout au long du XVIe siècle entre le récit de l’expérience et l’utilisation des ressources livresques. Parmi ces voyageurs-auteurs une nouvelle classe paraît se distinguer. Elle cherche à se démarquer des voyageurs antérieurs et des contemporains en accordant plus de place à l'expression personnelle au sein des récits. Cette classe nous l'avons circonscrite à celle des gentilshommes qui trouvent, dans le cadre d'échanges de plus en plus fréquents avec le Levant, qu'il s'agisse d’échanges diplomatiques ou commerciaux, de nouveaux terrains pour s’affirmer. Tout en tenant à ne pas se présenter comme des savants, les gentilshommes s’attachent à mettre en évidence leur appartenance de classe et cela passe, en partie, par l’affirmation de leur présence dans le texte, qui semble plus manifeste que dans les ouvrages antérieurs. L’ego du voyageur du début de l’époque moderne n’est en rien égotiste. Mais l’évocation plus précise de l’expérience personnelle marque une évolution non négligeable de la prose viatique. D’autant que celle-ci nous invite à penser qu’elle est le corollaire d’un changement progressif des rapports que l’Occident entretient avec l’OrientAt the end of the Renaissance, the Ottoman Empire is by the European public well known. All the XVIth century long, travel writings, captives’ stories, customs books, cosmographies draw a certain image of the « Turc » and of the world’s part he rules over. Object of fascination and of deep concern, sultans’ Empire interests christian Europe while this area is in the grip of internecine conflicts. The travelers who choose to travel or who begin to write their story do so with, in their mind, the works of those who went to the Orient before them. They have to do with the image of the Other that was mainly accepted in these period. The library exerces a pressure who encourages the writers to search other ways of telling their proper experience. They search new modes of expression. Doing so they renew the dialectic of experience and books resources. Among these travelers-writers we noted that a group differs from others in his practice of writing. This class of travelers, which we identify as the aristocracy, find new grounds to affirm herself on the road of the Orient, in a period during which diplomatic and trade exchanges between Europe and the Levant grew significantly. While trying not to present themselves as scholars, they want to highlight their class membership. To do so, they put forward their own experience of travel, their personnality. They assert themselves in the text, and their presence seems to be more significant than in former texts concerning the Levant. The traveler’s ego, in the early modern period, is not egotist. The growth of evocation of the personal experience in the text seems however to mark a significant evolution in travel writing. Moreover, it invites us to think that it goes with progressiv changes in the relations between the Occident and the Orient
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Leal, Cesar A. "RE-THINKING PARIS AT THE FIN-DE-SIÈCLE: A NEW VISION OF PARISIAN MUSICAL CULTURE FROM THE PERSPECTIVE OF GABRIEL ASTRUC (1854-1938)." UKnowledge, 2014. http://uknowledge.uky.edu/music_etds/30.
Full textAbstract:
Gabriel Astruc (1864-1938), a French impresario of Jewish background, is mostly known for his collaborative work as an impresario with Sergei Diaghilev and his Ballets Russes. His role within Parisian musical culture at the fin de siècle, however, was much broader. He was a critic, creator of a leading periodical, producer of musical and circus events, music publisher, and associate of many important cultural figures of his day. Although Astruc has been mentioned in scholarly literature, his multifaceted activities have never been carefully studied.
Following the revisionist initiatives of previous scholars (e.g., Pasler, Huebner, Garafola, Fauser), this project offers a new understanding of Parisian cultural life between 1880 and 1913. Rather than focusing on valued composers such as Debussy or selected avant-garde repertoire, this dissertation considers the panoramic perspective of the Parisian cultural milieu as understood by a well-positioned impresario who participated in diverse, but often intersecting, music circles. It reveals rich interconnections between Astruc’s entrepreneurial, managerial, and publishing endeavors that linked private fêtes and soirées that he produced in elite homes with his ambitious concert series, La Grande Saison de Paris, 1905-1913 – organized through his firm La Sociéte Musicale – and with compositions and contents published in Musica, the magazine he co-founded in 1902. It questions Astruc’s aesthetic preferences and argues that he helped to shape Parisian culture through the promotion, publication, and programming of balanced, eclectic repertoire of new and old, national and international, and light as well as weighty works. This study also chronicles the development of the Théâtre des Champs-Élysées, Astruc’s culminating project that was intended to embrace symphonic, operatic, and chamber performance and to experiment with new juxtapositions and integrations of the arts.
Research for this dissertation centered on a compilation and a comparative analysis of wide-ranging materials found in Astruc’s collections at the Archives Nationales and New York Public Library. Unlike earlier studies of fin-de-siècle Paris, this project utilizes previously unexamined publications, musical criticism, published literature, and manuscript material, all originating from or related to Astruc’s diverse activities and observations.
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Crepiat, Caroline. "Le sujet lyrique dans la poésie du Chat Noir (1882-1897)." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2016. http://www.theses.fr/2016CLF20008.
Full textAbstract:
La fin du XIXe siècle voit éclore un grand nombre de « petites » revues littéraires et artistiques, liées aux avant-gardes et à la bohème. Parmi elles, Le Chat Noir (1882-1897), créée par Rodolphe Salis et Émile Goudeau pour assurer la promotion du désormais célèbre cabaret éponyme. On y publie des contes, des histoires drôles et sans paroles, mais aussi de la poésie. Le présent travail entend étudier de plus près ces poèmes, à la lumière de la crise qui agite alors la production littéraire. Il s’agit plus précisément d’analyser le traitement qui est fait de la notion de sujet lyrique, « principe structurel » (Käte Hamburger) du lyrisme. Dire " je" semble en effet perdre tout sens aux yeux de ces poètes, non seulement du fait du poids de la tradition qu’il est de bon ton de subvertir au nom de l’esprit fumiste dont ils se réclament, mais encore du régime collectif au sein duquel ils s’expriment. Toutefois, les multiples provocations à son encontre permettent aussi à ces artistes de disséquer et de questionner cette notion, et même de se la réapproprier, tant collectivement qu’individuellement. Une réflexion croisée, à la fois poétique, esthétique et sociopoétique, nous amènera à définir les logiques, enjeux et stratégies d’un tel positionnementThe end of the 19th Century is a key period for the « little » literary and artistic journals, produced by avant-garde and bohemian groups. One of them, Le Chat Noir (1882-1897), created by Rodolphe Salis and Émile Goudeau to promote the famous and eponymous cabaret. Tales, humoristic texts, illustrations or poetry appear in its columns. The present thesis aims for a closer study of these poems, in the light of the crisis which troubles the literary production. It is more precisely to analyse how the notion of the lyric subject, which is considered as the « structural principle » (Käte Hamburger) of lyricism, is treated. Indeed, saying « I » seems to lose sense for these poets, not only because of a tradition that is to subvert for the « fumiste » spirit’s sake which they claim, but also because of the collective context in which they find a space of expression. However, those provocations against the lyrical « I » is also for these artists a way to question and dissect it, and even to reappropriate it, for the collective as much as the individual distinction. A mixed reflexion, based on poetic, esthetic and « sociopoétique » analysis, will lead us to define the logics, stakes and strategies of such a position
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Hernández, Barbosa Sonsoles. "La pensée synesthésique dans le Paris fin-de-siècle : la musique et ses rapports avec la littérature et les arts plastiques." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040124.
Full textAbstract:
La réflexion autour des correspondances entre les arts a traversé bien des milieux dans le Paris de la fin du XIXe. Il s’est tissé ainsi un réseau discursif lié à la synesthésie, dans lequel de multiples courants de pensée se sont retrouvés, certains aux origines lointaines, comme les présupposés occultistes, ainsi que tant d’autres qui se sont progressivement ajoutés au cours du XIXe siècle. C’est par exemple le cas des discours héritiers de la Naturphilosophie, des théories symbolistes dérivées de l’idéalisme, des postulats wagnériens ou encore des découvertes scientifiques et physiologiques liées au phénomène de la synesthésie. À travers l’étude de différents théoriciens attachés à la synesthésie – Wyzewa, Favre, Mauclair – et créateurs – Verlaine et Mallarmé en ce qui concerne la poésie, Chausson et Debussy pour la musique, Redon et Denis pour les arts plastiques – et par le biais d’une approche interdisciplinaire, nous étudions les mécanismes qui ont rendu possible la formulation de ce discours synesthésique, dans lequel on peut décerner des aspects de type esthétique, théorique, idéologique, sociologique et scientifiqueThe reflection on the correspondences among the arts made a remarkable impact on the cultural scene of late nineteenth-century Paris. This gave rise to a whole discursive framework linked to synaesthesia around which several lines of thought converged. Some had remote origins, such as the occultist approach; others were gradually incorporated during the nineteenth century, as in the case of the principles derived from the Naturphilosophie, the theoretical symbolist assumptions linked to the idealistic tradition, the inheritance of Wagnerian’s postulates or the scientific and physiological discoveries regarding the phenomenon of synaesthesia. Based on the work of both theoreticians –such as Wyzewa, Favre, Mauclair- and artists -the poets Verlaine and Mallarmé, the musicians Chausson and Debussy and the painters Redon and Denis– linked to synaesthesia, and following an interdisciplinary approach, this Ph.D. research analyses the mechanisms that gave rise to the synaesthesic discourse, taking into account its aesthetical, ideological, sociological and scientific aspects
La reflexión en torno a las correspondencias entre las artes tiñó los diversos ámbitos del panorama cultural del París de finales del siglo XIX. Ello generó un entramado discursivo ligado a la sinestesia en el que se dieron cita diversas corrientes de pensamiento, algunas con orígenes remotos, como las propuestas ocultistas, y otras que se habían ido incorporando progresivamente a lo largo del siglo XIX, como los discursos herederos de la Naturphilosophie, los supuestos teóricos simbolistas ligados al legado idealista, la herencia de los postulados wagnerianos o los descubrimientos científicos y fisiológicos en relación con el fenómeno de la sinestesia. A través del estudio de diferentes teóricos –Wyzewa, Favre, Mauclair– y creadores –Verlaine y Mallarmé desde la poesía; Chausson y Debussy desde la música; Redon y Denis desde la plástica– ligados a la sinestesia y mediante un enfoque interdisciplinar, se han estudiado los mecanismos que posibilitaron este discurso sinestésico, en los que entran en juego aspectos de tipo estético, teórico, ideológico, sociológico y científico
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Wijkmark, Sofia. "Hemsökelser : Gotiken i sex berättelser av Selma Lagerlöf." Doctoral thesis, Karlstads universitet, Avdelningen för humaniora och genusvetenskap, 2009. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:kau:diva-3787.
Full textAbstract:
The topic of this thesis is the gothic fiction of Selma Lagerlöf. Its primary purpose is to investigate how Lagerlöf's work can be understood in relation to the gothic genre; what particular themes, motifs and formal aspects appear when making this connection and how they can be interpreted, as well as which literary and cultural contexts become relevant. The study is based on close readings of six short stories that, in comparison, appear to be some of the most gloomy and horrific in her production: "Karln. En julsägen" (1891), "De fågelfrie", "Stenkumlet", "Riddardottern och havsmannen" (1892), "Spökhanden" (1898) and "Frid på jorden" (1917). The gothic was an important feature of the literature of the last decade of the nineteenth century, when Lagerlöf made her debut. Therefore one of the main purposes of this study is to highlight her as one of the key writers of gothic fiction in Sweden by the time. In this context the gothic might be considered as closely related to the currents of decadence and fin-de-siècle. However, the gothic continued to be an important element throughout Lagerlöf's production, and this is illustrated by the inclusion of a story from a later period among the primary sources. The gothic genre can be defined by certain themes and motifs, but also by its narrative strategies. The analyses of the six stories show how themes and composition are used to create an atmosphere of fear and darkness, but also, more importantly, to create a sense of ambiguity. The study also discusses the relationship between the gothic and the fantastic and special attention is paid to aspects such as the hesitation concerning how to interpret the supernatural, as well as the fragmentary bodies and psyches of the stories. The main themes of the six stories can be summarized as dealing with the haunting and return of the past, as well as the fear associated with the transgression of limits - between fantasy and reality, the civilized and the primitive, life and death and self and other. Central to the argument in this study is das Unheimliche - the uncanny - a concept that links a certain kind of fear to uncertainty, doubles, ghostliness and haunting. Sigmund Freud has described it as a paradox, as something terrifyingly strange and yet familiar at the same time. The gothic reproduces the experience of reality expressed by this concept - a sense that the self is the source of horror and that identity is something highly unstable.
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Jehl, Florian. "« – À la fin jaillira l’homme de pure lumière. » Pour une anthropologie d’André Frénaud." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040097.
Full textAbstract:
L’œuvre d’André Frénaud (1907-1993) se ressent profondément des convulsions de l’histoire contemporaine – essor des régimes totalitaires en Europe, Seconde Guerre mondiale, découverte des camps de la mort –, qui paraissent remettre en cause la possibilité même d’une signification de l’histoire et de l’action humaine. La pensée anthropologique exprimée dans les poèmes défend la capacité de l’homme à discerner et à faire le bien, sans rien ignorer de ses pulsions mauvaises ni de son manque à être. Les poèmes déploient une pensée du sujet originale, nourrie de philosophie heideggérienne, de mystique et surtout de l’analyse avec André Green et de la lecture de Dostoïevski : les tréfonds du moi abritent un grouillement de pulsions antagonistes. Frénaud, après Kojève, place l’homme et l’Histoire sous le signe de la négativité. L’éthique frénaldienne maintient conjointement la conscience de « notre inhabileté fatale » et la nécessité d’agir. L’existence de Frénaud atteste la même exigence : ainsi s’expliquent le ton des poèmes engagés, qui causa de vifs débats avec Aragon et Guillevic, et son attitude dans la cité, mêlée d’engagement et de retrait, comme au Comité national des écrivains (CNE) ou à la Comunità Europea degli scrittori (COMES), aux côtés de Sartre, Ponge et Tardieu. Enfin, les poèmes mettent en question les frontières et l’unité de la condition humaine. Un anthropomorphisme généralisé et une veine épique et mythique originale assurent l’unité du questionnement. Mais la condition humaine n’a pas la cohérence du concept : elle s’offre à la méditation du lecteur sous la forme d’une multitude de figures singulières qui invitent à un véritable exercice spirituelAndré Frénaud’s anthropology is profoundly impregnated with the upheavals of modern history, from the rise of totalitarian régimes throughout Europe to WWII and the discovery of death camps, all of which seem to question the remote possiblity of giving any meaning to History and human action. The anthropological thought expressed in his poems defends man’s ability to identify what is good and act accordingly, without ever overlooking any of his bad drives or his failure to truly be. His poems display an original conception of the self, inspired by Heidegger’s philosophy, mysticism, and above all by psychoanalysis with André Green and the reading of Dostoyevsky. Indeed, the depths of the self are teeming with antagonistic drives. After Kojeve, Frénaud places mankind and History under the sign of negativity. Frénaud’s ethics support both the awareness of « our fatal inability » and the need to act. Frénaud’s life proves the same dedication, and the tone of his committed poems – which caused heated debates with Aragon and Guillevic – can thus be explained, as well as his public presence, a mix of commitment and reserve, e.g. at the Comité national des Écrivains (CNE) or at Comunità Europea degli scrittori (COMES) with Sartre, Ponge, and Tardieu. Finally, his poems question the limits and unity of the human condition, while a pervasive anthropomorphism and an original streak, both epic and mythical, hold the questioning together. The human condition, however, is not as coherent as the concept. It becomes available to the reader’s meditation in the form of a multitude of characters which lead one to a spiritual exercise
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Teuber-Terrones, Natalia. "Une lecture croisée de l'oeuvre poétique de Georg Trakl : constellation dialectique et dépassement." Thesis, Strasbourg, 2019. http://www.theses.fr/2019STRAC032.
Full textAbstract:
Cette thèse aspire à proposer une lecture renouvelée de l’oeuvre poétique de GeorgTrakl. Notre démarche repose d’abord sur la méthodologie classique employée en études germaniques, soit l’analyse de l’oeuvre à partir des faits biographiques, du contexte socio-historique et intellectuel et de l’intertextualité, que nous avons fait le choix d’enrichir par une approche pluridisciplinaire, faisant intervenir la philosophie, l’histoire des religions, la psychanalyse et la psychologie. En effet, ces disciplines nous permettront d’enrichir les résultats des nombreuses études de qualité qui ont fait date dans la recherche en ouvrant le regard porté sur l’oeuvre vers d’autres horizons. Ce travail se donne pour objectif majeur de questionner, de (re)lire et d’interpréter l’oeuvre poétique de celui que l’on considère comme le précurseur de l’expressionnisme à partir de disciplines variées, mais faisant toutes partie des sciences humaines, afin d’en montrer non seulement la complexité formelle, mais surtout la profondeur philosophique, l’actualité et la visée éthiqueThis thesis aspires to present a renewed reading of Georg Trakl’s poetry. Our reasoning is based on traditional methodology approaches commonly used in German studies. These comprise, among other things : interpreting the work on the basis of biographical facts, exploring social, historical and intellectual context and intertextuality. We have made the choice to improve this traditional approach by enhancing interdisciplinarity, using the lecture keys and results of philosophy, history of religion, psychoanalysis and psychology. Indeed, these disciplines will permit us to enhance the results of many serious studies by introducing a new point of view about his poetry. Our work aims to question reading in a different way, interpreting GeorgTrakl’s poetry on the basis of different disciplines associated with the humanities in order to show not only the formal complexity of these poems, but above all their philosophical depth, topicality and ethical goals
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Spanodimos, Philippos. "L’image des bourgeois dans les œuvres de I. Kondylakis, G. Xénopoulos et C. Théotokis entre la fin du XIXe et le début du XXe siècle : élaboration pédagogique de ce matériau littéraire." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040248.
Full textAbstract:
Persuadé de l’intérêt pédagogique de la littéraire dans l’acquisition des fondamentaux des jeunes élèves grecs et désireux de rendre cette matière obligatoire, j’ai examiné trois auteurs de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, I. Kondylakis, G. Xénopoulos et C. Théotokis d’après leurs portraits des bourgeois. Les modes de vie, la sphère professionnelle et familiale ainsi que le comportement des élites athéniennes, corfiotes et zantiotes, dont ils narrent les aventures, révèlent l’hétérogénéité de cette classe, ses prérogatives et ses valeurs. Il ressort que les bourgeois de cette époque soignaient leur apparence pour afficher leur opulence et leur puissance et que le mariage, qui était souvent un acte arrangé et intéressé, assurait leur reconnaissance sociale. Néanmoins, grands et petits bourgeois veillaient au contrôle des naissances pour préserver leur patrimoine et préparer l’avenir de leur descendance dans une période politiquement et économiquement instable. Malgré quelques distorsions et emprunts à des auteurs français, l’attachement de ces écrivains à leur pays et leur volonté d’éveiller les consciences en dénonçant les maux qui le rongent sont perceptibles. Tout en offrant un nouvel éclairage sur cette époque, leurs œuvres invitent à reconsidérer la place de la littéraire patrimoniale dans les programmes scolaires. Quelques extraits regroupés thématiquement, commentés et assortis d’exercices variés démontrent que ces textes sont accessibles aux jeunes élèves et fort enrichissants à condition que l’enseignant maîtrise et apprécie son corpus et qu’il s’adapte à sa classePersuaded of the pedagogical interest of literature in the acquisition of the basics by Greek pupils and with the aim of making this subject compulsory, I have examined three authors from the late 19th and early 20th centuries, I. Kondylakis, G. Xenopoulos and C. Theotokis and their representations of members of the middle classes. Ways of life, both in professional and family spheres as well as the behaviour of the elites of Athens, Corfu and Zante whose adventures they recite, reveal the varied nature of this class, its prerogatives and its values. It is thus possible to see that the middle classes of this period paid attention to their appearance as a way of demonstrating their opulence and their power and that marriage, which was often arranged and motivated by self-interest ensured social recognition. Nevertheless, both upper and lower middle classes paid attention to birth control to protect their assets and to prepare the future of their children during a period that was both politically and economically unstable. Despite some distortions and borrowings from French authors, the attachment of these writers to their country and their wish to prick the consciousness by criticising the evils that damage it are noticeable. While offering a new light on this period, their works invite us to reconsider the place of cultural literature in school curricula. Some extracts, grouped together based on themes, commented and accompanied by various exercises show that these texts are accessible to young pupils and are very enriching on condition that the teacher is familiar with and understands the body of work and adapts it to his or her class
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Christianson, Elizabeth Watson. "The Unsuccessful Harvesting of Figs from Thistles and Other Failures of Idealized Masculinity in Ella D'Arcy's The Bishop's Dilemma." BYU ScholarsArchive, 2011. https://scholarsarchive.byu.edu/etd/3043.
Full textAbstract:
Although confusion about the genre of New Woman Ella D'Arcy's only novella has resulted in a lack of scholarship, The Bishop's Dilemma can now be read as a social commentary that reaches beyond the New Woman subversion of the Victorian marriage plot, broadening the gender discussion at the fin-de-siècle. In this essay, I examine how D'Arcy uses Catholicism as a vehicle to create a unique space in the Catholic ritual of the confession that gives her reader privileged access to Victorian manhood. I argue that by placing her examination of masculinity in the context of the Catholic priesthood, D'Arcy renders her protagonist, Herbert Fayler, unable to use the convention of marriage as a means of subjugation or salvation of Dilemma's female characters, removing the marriage plot as a framework for the tension in the text and leaving Fayler's masculinity vulnerable to his own self-censure. I conclude that D'Arcy does not condemn Fayler any more than she blames the New Woman characters of her earlier short stories for their plight, but rather, D'Arcy constructs a figure of masculinity that exposes dangers present when men are groomed in a romanticized world with idealized notions of masculine life.
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Canani, M. "VERNON LEE AND THE ITALIAN RENAISSANCE. PLASTICITY, GENDER, GENRE." Doctoral thesis, Università degli Studi di Milano, 2015. http://hdl.handle.net/2434/264137.
Full textAbstract:
Vernon Lee scholars have often studied her writings on the Italian Renaissance in connection with Walter Pater’s. Whilst acknowledging the evident influence of Walter Pater, such a critical perspective risks overlooking Lee’s own contribution to the Victorian creation of the “Renaissance myth” – which, in her case, was to outlive its fin-de-siècle frenzy. Moving from the recent developments in Lee scholarship, this study investigates the presence and the function of the Italian Renaissance in Lee’s writings with specific focus on issues of gender and genre. From this perspective, Lee’s relationship with characters, places, villas, and masterpieces of the Italian Renaissance works as a catalyst for the construction of cultural memory, mediated through hybrid narrative forms.
Chapter I explores the phenomenology of the Italian Renaissance as a nineteenth-century myth. In particular, it takes into consideration the works of Jules Michelet and Matthew Arnold, and it highlights the influence that Jacob Burckhardt and John Ruskin had on Victorian culture in spite of their diverging opinions. After grounding Lee’s work in the fin-de-siècle tradition of Walter Pater and John Addington Symonds, chapter II investigates Lee’s two collections of Renaissance essays – Euphorion and Renaissance Fancies and Studies – from an intertextual perspective which unveils the gender specificity of Lee’s writings, but also the construction of gender that these essays deploy at a textual level.
Chapter III explores Lee’s fascination with Italian landscapes, which she portrays as spaces of culture. The plasticity of landscape and its meanings – which can be sensed in Lee’s prose, but also in Edith Wharton’s and D. H. Lawrence’s – enables Lee to bounce back and forth in time, moving from contemporary Italy to the imagined landscapes of the Renaissance. This textual strategy is made possible by Lee’s theorization of the “genius loci,” which also provides her with a starting point for endorsing cultural politics steered by democratic sympathies. Finally, chapter IV focuses on Lee’s fluid idea of literary genres. Indeed, the Renaissance is a “trans-genre” topos that Lee repeatedly explores in her essays as well as in her travelogues, supernatural tales, and a number of unpublished writings dating from the first two decades of the twentieth century, long after the end of the fin-de-siècle Renaissance frenzy.