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Katritzky, M. A. "Aby Warburg's ‘Costumi teatrali’ (1895) and the Art Historical Foundations of Theatre Iconography." Theatre Research International 24, no. 2 (1999): 160–67. http://dx.doi.org/10.1017/s0307883300020782.
Full textAbstract:
In 1895, Aby Warburg drew attention to ways in which information of theatre historical significance can be gained from visual images, in an article which outlines a clear methodology for their evaluation as historical documents, based on a comparative approach in the context of the surviving documentation concerning the event under investigation as a whole, the Florentine intermedi of 1589. ‘Probably the most described theatrical production in history’, these intermedi were especially devised to embellish dramatic performances by professional commedia dell'arte actors (La Zingana and Pazzia of Isabella) and amateur players (La Pellegrina) which were intended by the Medici as the greatest attraction of the celebrations in honour of the wedding of Ferdinande I de'Medici to Christine de Lorraine, and recognized by both contemporaries and historians as a highpoint of European court festival.
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Ibarra, Ines. "HILVANANDO UN PROCESO CREATIVO: DESMONTAJE DE “MUJER EN LA VENTANA...”." ERAS | European Review of Artistic Studies 13, no. 2 (August 23, 2022): 1–10. http://dx.doi.org/10.37334/eras.v13i2.210.
Full textAbstract:
Cuando hablamos de desmontaje teatral es más frecuente que lo asociemos a espacios de intercambio oral que suelen programarse en Festivales o Encuentros teatrales. En estas líneas proponemos recuperar algo del espíritu de esta práctica desde un registro escrito para abordar el proceso creativo que dio origen a la obra ganadora del Festival Provincial de Teatro de Rio Negro, Argentina, en 2016. Algunos aspectos del proceso creativo que se han tomado en cuenta para este desmontaje son las imágenes disparadoras, las intertextualidades, los procedimientos dramatúrgicos, montaje y la puesta en escena.
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Massarolo, João Carlos, Dario Mesquita, André Fischer, and Cláudia Erthal. "Plataformização dos festivais de cinema e audiovisual a experiência do MixBrasil." Rebeca - Revista Brasileira de Estudos de Cinema e Audiovisual 10, no. 2 (November 27, 2021): 219–43. http://dx.doi.org/10.22475/rebeca.v10n2.799.
Full textAbstract:
A plataformização das indústrias culturais propiciou o surgimento de manifestações artísticas inovadoras nas plataformas de entretenimento: filmes, séries, shows musicais e performances teatrais. Este trabalho pretende discutir a plataformização de festivais de Cinema, em especial, a experiência do festival MixBrasil.
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Jacome, Alice. "O espírito do laboratório – Terceiro Teatro e seu legado." Manzuá: Revista de Pesquisa em Artes Cênicas 2, no. 2 (October 3, 2019): 19–39. http://dx.doi.org/10.21680/2595-4024.2019v2n2id18625.
Full textAbstract:
O presente artigo é uma transcrição do seminário apresentado por dois pesquisadores ingleses no primeiro Festival NTL - Nordisk Teaterlaboratorium, intitulado de "The Laboratory Spirit" (O Espírito do Laboratório). O festival, ocorrido entre os dias 30 de Janeiro e 3 de Fevereiro de 2019 no Odin Teatret em Holstebro, Dinamarca, reuniu jovens artistas e pesquisadores de várias partes do mundo, em busca de uma possível resposta em relação ao laboratório teatral : "O que é esse espírito do laboratório que reúne grupos do mundo inteiro?", "Qual a sua importância nos dias atuais?". Ao longo do festival, os participantes foram questionados à partir de 8 oficinas com diversos artistas e vários tipos de treinamento físico; ao se colocarem em posição de público em 23 apresentações teatrais; e no último dia do festival, à partir do simpósio transcrito nesse presente documento. O seminário começa com uma pequena fala de Julia Varley, introduzindo os dois pesquisadores ao universo do Odin. Então, os dois narram suas trajetórias e mesclam as teorias do terceiro teatro com o que foi visto e vivido nos cinco dias do festival.
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Massarolo, João Carlos, and Andre Fischer. "Hashtags em curadorias transmídia para festivais de cinema e a experiência do MixBrasil." Revista Mídia e Cotidiano 17, no. 1 (December 15, 2022): 186–203. http://dx.doi.org/10.22409/rmc.v17i1.55833.
Full textAbstract:
A partir das mudanças de comportamento de espectadores de filmes e festivais de cinema relacionados à pandemia, informações sobre conteúdos dos eventos passaram a ser fornecidos quase exclusivamente de forma digital. O uso de hashtags tem como objetivo facilitar a navegação e aumentar engajamento de espectadores de festivais de cinema em plataformas digitais. Para curadores de festivais oferece o desafio de pensar em novos eixos para programação incluindo diferentes mídias além do que tradicionalmente é chamado cinema, como séries e espetáculos teatrais que passaram a ser concebidos para exibição digital. O Festival MixBrasil iniciou processo de introdução de hashtags na informação de toda programação com objetivo de fazer através delas a convergência de diferentes linguagens e formatos.
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Castilho, Jacyan, and Marcos Clóvis Fogaça. "Ideias confinadas ou Minha janela se abriu pra praça: O fazer teatral online com estudantes da rede pública." Urdimento - Revista de Estudos em Artes Cênicas 2, no. 41 (September 15, 2021): 1–27. http://dx.doi.org/10.5965/1414573102412021e0116.
Full textAbstract:
O artigo traz um relato da experiência de ensino em plataformas online para discentes do Ensino Fundamental II na cidade de Sorocaba, SP, realizada durante a pandemia de Covid-19 em 2020-21. Foi feita uma adaptação, para o ambiente virtual, de jogos teatrais presentes no fichário da autora Viola Spolin. A experiência instigou a proposição de uma encenação teatral virtual, intitulada “Minha janela se abriu pra praça”, aceita para ser desenvolvida no 20º FETO – Festival Estudantil de Teatro de Belo Horizonte, MG. O artigo explana a metodologia e resultados do processo com os estudantes, considerando os procedimentos sob a perspectiva da aprendizagem ativa, e considerando o ambiente remoto como dispositivo estruturador de linguagem.
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Oleszek, Bartłomiej. "Festiwal teatralny – między świętem a przesytem." Litteraria Copernicana, no. 2(26)/ (May 22, 2018): 185. http://dx.doi.org/10.12775/lc.2018.026.
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Duque Mesa, Fernando. "Dramaturgia carnavalesca o festiva." Estudios Artísticos 2, no. 2 (January 26, 2016): 90. http://dx.doi.org/10.14483/25009311.11529.
Full textAbstract:
Resumen El presente ensayo, Dramaturgia Carnavalesca o Festiva, de un tal Fernando Duque Mesa, es una reflexión sobre una de las búsquedas colectivas e individuales, más interesantes que se han venido dando por parte de muy diversos grupos teatrales colombianos experimentales o no, como latinoamericanos, en especial desde la década de los setenta hasta el momento presente, basadas en las fuentes carnavalescas o festivas de los más grandes creadores de la literatura universal popular como: Aristófanes, Menandro, Plauto, Terencio, Teatro Popular Medieval, La Comedia del Arte, Miguel de Cervantes Saavedra, Lope de Rueda, Félix Lope de Vega, Tirso de Molina, Francisco de Quevedo y Villegas, William Shakespeare, Moliere, Francois Rabelais, Giovanni Bocaccio, hasta llegar a Alfred Jarry, Gabriel García Márquez, Santiago García, Enrique Buenaventura, Juan José Arreola, entre muchos otros. Creaciones dadas en un tiempo y en un espacio en el que se comienza a ver y analizar desde las prácticas de la escena, los más diversos y complejos procesos histórico-sociales de ayer y del momento presente.Palabras ClavesDramaturgia Carnavalesca o Festiva; Carnaval; Carnavalidad; Fiesta Popular; Lucidez Crítica
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Cardona Amaya, José Manuel. "El Teatro de la década de 1960 en la Universidad Nacional Autónoma de Honduras: La Asociación Civil de Teatro Universitario (1963-1968) tres grupos de la Sección de Arte Dramático (1968-1970)." Revista UNAH Sociedad 2, no. V (December 27, 2020): 70–83. http://dx.doi.org/10.5377/rus.v2iv.10670.
Full textAbstract:
La década de 1960 es fundamental para comprender el establecimiento de la disciplina teatral en el ámbito universitario de Honduras. A inicios de esta década se experimentaría administrativamente, la independencia institucional al Teatro Universitario fundado en (1959) y, a finales, se emprendería una iniciativa de impulso teatral bajo el amparo de la Sección de Arte Dramático, creada en (1968). Estos proyectos mezclaban el profesionalismo con el amateurismo. Así, actores experimentados con formación académica en teatro, como Francisco Salvador, actuaban junto a estudiantes sin experiencia previa sobre un escenario y, de la misma manera, estos conjuntos asistían tanto a festivales internacionales como escuelas públicas locales. En el presente artículo se analiza descriptivamente la trayectoria de cuatro grupos teatrales de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras: la Asociación Civil de Teatro Universitario y tres de los cinco grupos constituyentes de la Sección de Arte Dramático, con el propósito de encontrar características comunes que expliquen su funcionamiento y devenir. Los datos de la investigación se recabaron en el Archivo General de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras, utilizándose para su elaboración las memorias institucionales, los programas e invitaciones sobrevivientes de la época y las actas del Consejo Universitario.
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La Rocca, Malena. "“Rompiendo la piñata del Mundial”. Los usos de la fiesta en montajes teatrales, recitales y acciones callejeras durante la última dictadura cívico-militar argentina." Kamchatka. Revista de análisis cultural., no. 12 (December 27, 2018): 253. http://dx.doi.org/10.7203/kam.12.12089.
Full textAbstract:
En medio de la clausura del espacio público, signada por la última dictadura cívico-militar argentina (1976-1983), se construyeron efímeros espacios festivos, de goce del cuerpo a través del baile y la música. Este artículo, adopta la noción de eficacia estética de Jacques Rancière —entendida como la distancia entre la intención del artista, los recursos que utiliza, la mirada del espectador y el estado de una comunidad– para analizar los sentidos que emergen de diferentes manifestaciones festivas alternativas a las que promovía el régimen militar. Para ello se estudian los siguientes grupos: la Escuela de Mimo Contemporáneo y el Taller de Investigaciones Teatrales, de Buenos Aires; el Grupo de Arte Experimental Cucaño, de Rosario, y la banda de rock Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, de La Plata. Se indagan las estrategias que estos grupos desplegaron para eludir la vigilancia del régimen militar y cómo en sus prácticas artísticas emergieron los rituales festivos como un espacio colectivo entre lo público y lo privado que reconfiguraba la posibilidad del estar juntos.
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Borges, Luiz Paixão Lima. "Teatro latino-americano em tempos de pandemia: festivais internacionais e cruzamentos estéticos." Cadernos PROLAM/USP 21, no. 44 (December 31, 2022): 183–206. http://dx.doi.org/10.11606/issn.1676-6288.prolam.2022.192379.
Full textAbstract:
A presença do público é parte constitutiva e essencial para a realização do fenômeno teatral, porém, diante das terríveis repercussões da pandemia da Covid-19 foram estabelecidos protocolos impositivos ao isolamento social, o que impediu as apresentações teatrais presenciais, alterando significativamente as relações entre teatro e público; os artistas cênicos foram impelidos a buscar novas formas de comunicação, no intuito de manter viva sua relação com o público, dentre elas, se destaca a realização de festivais de teatro na modalidade virtual, que possibilitaram encontros de artistas cênicos do Brasil e dos países hispano-americanos e caribenhos. Após uma análise inicial sobre a relação que se constrói entre o palco e a plateia, o artigo pretende analisar a realização virtual de festivais de teatro latino-americanos como proposta de enfrentamento à pandemia e de reorganização do teatro, no momento de maior aflição da população mundial. Com o recorte que limita o período entre junho de 2020 e outubro de 2021, serão apresentados e analisados Convocatórias, Cartas-convite e o Manifesto produzidos pela organização de diversos festivais internacionais latino-americanos de teatro. Foi realizado um estudo comparativo dos documentos, visando compreender os diversos posicionamentos em relação à pandemia. Neste sentido, foi identificada uma confluência em torno da necessidade de afirmação da arte, e particularmente do teatro, como instante de reflexão, resistência e união dos artistas e técnicos naquele momento profundamente adverso.
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Collaco, Vera. "III Festival Teatral de Moscou - 1935: a escrita de Joracy Camargo." Urdimento 2, no. 13 (December 11, 2018): 149–57. http://dx.doi.org/10.5965/1414573102132009149.
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Pascual, María Teresa. "Las compañías de comedias y su actuación en Pamplona de 1600 a 1604." Rilce. Revista de Filología Hispánica 2, no. 2 (June 6, 2018): 223–58. http://dx.doi.org/10.15581/008.2.27216.
Full textAbstract:
A través de los documentos conservados se repasa aquí la actividad teatral de Pamplona entre 1600 y 1604, en torno a dos fechas festivas por excelencia en esa ciudad: Corpus Christi y san Fermín, patrón de la ciudad. Se observa una actividad teatral constante en la ciudad desde 1600 que va en aumento hasta el punto de remodelar y ampliar en 1604 la Casa y Patio de Comedias.
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Lima, Magela. "O teatro do Nordeste antes e depois da descida triunfal ao Rio de Janeiro." Urdimento - Revista de Estudos em Artes Cênicas 2, no. 38 (September 22, 2020): 1–24. http://dx.doi.org/10.5965/14145731023820200034.
Full textAbstract:
Considerando a história do “teatro do Nordeste”, nos termos em que Paschoal Carlos Magno vai reconhecer e legitimar a poética introduzida pelo Teatro do Estudante de Pernambuco na década de 1940, este artigo recupera e lança luz sobre os encontros que o movimento teatral organizado a partir do Recife estabeleceu com os palcos do Rio de Janeiro, então tido como centro da cultura teatral do país. Particularmente, interessa aqui evidenciar as especificidades da participação da montagem de o Auto da Compadecida na primeira edição do Festival de Amadores Nacionais em 1957 para o contexto de afirmação das estratégias de visibilidade que demarcaram o Nordeste como lugar no teatro brasileiro.
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Duque Mesa, Fernando. "Dramaturgia carnavalesca o festiva (2a parte)." Estudios Artísticos 3, no. 3 (January 24, 2017): 64. http://dx.doi.org/10.14483/25009311.12528.
Full textAbstract:
El presente ensayo continúa la reflexión acerca de la Dramaturgia carnavalesca o festiva, enfocada en las búsquedas colectivas e individuales, más interesantes que se han venido dando en la práctica por parte de diversos grupos teatrales colombianos experimentales y latinoamericanos.Desde la década de los setenta hasta el momento presente, teniendo como referente las fuentes carnavalescas o festivas por parte de los grandes creadores de la literatura universal popular como: Aristófanes, Menandro, Plauto, Terencio, Teatro Popular Medieval, la Comedia del Arte, con Ángelo Beolco (Ruzzante), Carlo Goldoni, Pietro Aretino, Miguel de Cervantes Saavedra, Lope de Rueda, Félix Lope de Vega, Tirso de Molina, Francisco de Quevedo y Villegas, William Shakespeare, Molière, François Rabelais, Giovanni Bocaccio, hasta llegar a Alfred Jarry, Bertolt Brecht, Darío Fo, Franca Rame, Gabriel García Márquez, Santiago García, Enrique Buenaventura, Juan José Arreola, entre muchos otros.Creaciones dadas en un tiempo y en un espacio en el que se comienza a ver y analizar desde las prácticas de la escena, los más diversos y complejos procesos histórico-sociales.
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Carneiro., Douglas Castro. "O Gênero Teatral Latino: dos Primórdios às Tragédias de Sêneca." NEARCO - Revista Eletrônica de Antiguidade e Medievo 13, no. 2 (June 7, 2022): 43–58. http://dx.doi.org/10.12957/nearco.2021.50707.
Full textAbstract:
O objetivo desse artigo é analisar o gênero teatral latino desde suas origens até as tragédias senequianas. Os dramas latinos foram um dos primeiros gêneros literários que se estabeleceram em Roma nos espaços dos festivais públicos e religiosos da sociedade romana.
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Lima, Eduardo Luís Campos. "Movimento de teatro radical nos EUA em 1968." Revista Aspas 8, no. 2 (May 6, 2019): 98–108. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2238-3999.v8i2p98-108.
Full textAbstract:
Este artigo discute as possibilidades e impossibilidades da articulação de um movimento de teatro radical nos Estados Unidos. Em 1968, o diretor teatral R. G. Davis, fundador da San Francisco Mime Troupe, organizou o Festival de Teatro Radical em São Francisco, convidando os grupos El Teatro Campesino e Bread and Puppet a integrar as atividades. Do debate realizado entre os diretores dos três grupos extraímos argumentos centrais para uma análise estético-política da tentativa de articulação entre eles, apontando as prováveis causas do fracasso da iniciativa.
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Sidorowicz, Sławomir. "Grupa teatralna Piktogram: Teatr reżyserski Floriana Staniewskiego." Pamiętnik Teatralny 68, no. 2 (September 1, 2019): 82–91. http://dx.doi.org/10.36744/pt.79.
Full textAbstract:
Sławomir Sidorowicz prezentuje fenomen pracy grupy teatralnej Piktogram jako jej koordynator a zarazem funkcjonariusz kulturalno-oświatowy i sportowy w Zakładzie Karnym w Sztumie. Geneza działań teatralnych w sztumskim więzieniu ściśle wiąże się z jubileuszową dwudziestą piątą edycją Ogólnopolskiego i Międzynarodowego Przeglądu Sztuki Więziennej, organizowaną przez miejscową jednostkę penitencjarną. Ten festiwal staje się narzędziem tworzenia środowiska artystycznego. Sidorowicz, przedstawiając historię i specyfikę działań grupy teatralnej Piktogram, ujawnia wyzwania i zadania związane z trudną pracą koordynatora pracy teatralnej w więzieniu – równocześnie inspicjenta, producenta, zaopatrzeniowca, agenta itd. W artykule są przytoczone wypowiedzi, uwagi i spostrzeżenia reżysera Floriana Staniewskiego oraz aktorów. Tekst zamyka przegląd działań zespołu Piktogram poza więzieniem. Sidorowicz podkreśla wartość i potrzebę (konieczność) integracji środowiska osób osadzonych z osobami przebywającymi poza więzieniem. Takie możliwości stwarza teatr.
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Soutto Mayor, Mariana. "O teatro do século XVIII no Brasil: das festas públicas às casas de ópera." Revista aSPAs 5, no. 2 (December 31, 2015): 103. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2238-3999.v5i2p103-110.
Full textAbstract:
<p>O artigo investiga as novidades teatrais que ocorreram no Brasil colonial durante o século XVIII. Desde o início da colonização houve no Brasil a aclimatação de modelos festivos europeus, mas foi no século XVIII que ocorreu a construção de instituições teatrais conhecidas como casas de ópera, modificando as funções relacionadas ao teatro. O texto aponta questões sobre esses processos de mudanças, considerando as manifestações cênicas que ocorriam anteriormente aos edifícios teatrais pelo viés da teatralidade</p>
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Sanchis Francés, Raül, and José Maria Esteve-Faubel. "Historiografia del “Ball de Torrent”: De la moixiganga barroca al quadre de balls populars valencians (1692-1929)." SCRIPTA. Revista Internacional de Literatura i Cultura Medieval i Moderna 1, no. 1 (June 17, 2013): 240. http://dx.doi.org/10.7203/scripta.1.2586.
Full textAbstract:
Resum: El Ball de Torrent és una moixiganga dramàtica popular escenificada a la ciutat de València i altres indrets del País Valencià des de finals del segle XVII fins a principis del segle XX. Estava organitzada per agrupacions gremials, juntes d’hospitals o clavaris de festes i protagonitzada per personatges agrupats en comparses que representaven una paròdia sobre les relacions entre les estructures de poder i les classes populars. Tot i la variabilitat segons el moment històric, es conforma com una mescla de quadres amb danses, música i jocs teatrals. El ball interacciona de diverses formes amb algunes festes valencianes i és, probablement, una de les mostres de teatre de carrer més nostrades i menys estudiades de la València Moderna. En aquest article es realitza una revisió bibliogràfica crítica i una primera anàlisi historiogràfica.Paraules clau: Ball de Torrent, Dansa i música tradicional, Teatre, Moixiganga, Festa valencianaAbstract: Ball de Torrent (Dance of Torrent) is a popular dramatic masquerade staged in Valencia since the late seventeenth century to the early twentieth. It was organized by guilds, hospital managements or festival organizers. The actors were grouped in associations representing a parody on the relationships between power structures and popular classes. Despite the variability depending on the historical period, it consisted of a mixture of episodes or scenes with dance, music and theatre games. Any Festivals in Valencia are connected with the Ball de Torrent. It’s probably one of the most interesting samples of street theatre and studied under of the Modern Valencia. This paper analyses historical sources to review and critique bibliography.Keywords: Dance of Torrent, Traditional Dance and Music, Theatre, Masquerade, Feasts of Valencia
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Kaminski, Leon Frederico. "Teatro, liberdade e repressão nos Festivais de Inverno de Ouro Preto, 1967-1979." Varia Historia 32, no. 59 (August 2016): 327–55. http://dx.doi.org/10.1590/0104-87752016000200004.
Full textAbstract:
Resumo O Festival de Inverno de Ouro Preto, criado em 1967, foi uma das maiores promoções culturais do país na década de 1970. O evento oferecia uma diversidade de atividades, como cursos, concertos, exposições de arte e espetáculos teatrais, atraindo milhares de pessoas à cidade histórica. Em plena ditadura militar, era visto como espaço de liberdade de criação e experimentação artística, mantendo diálogo intenso com as propostas estéticas de vanguarda. No campo das artes cênicas, grupos como Corpo, Giramundo e Oficcina Multimédia tiveram gênese ligada ao evento. Temos como objetivo analisar o Festival de Inverno, entre 1967 e 1979, enquanto espaço de trocas culturais e de experimentações estéticas que possibilitaram a criação cênica para além das fronteiras disciplinares. Discutiremos também as ambiguidades e contradições do evento em relação às diferentes políticas do governo ditatorial, que ao mesmo tempo fomentava e reprimia a cultura.
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Rodríguez Peña, Brenda. "Reseña de la obra de teatro Conejo Blanco-Conejo Rojo: Innovación teatral y aportación en la industria del entretenimiento." Sintaxis, no. 1 (July 2, 2018): 192–93. http://dx.doi.org/10.36105/stx.2018n1.14.
Full textAbstract:
Conejo Blanco-Conejo Rojo (CB-CR) es una obra de teatro escrita por Nassim Soleimanpour que surge de la historia del propio autor cuando, al no querer hacer su servicio militar por negarse a interrumpir su carrera teatral, le prohíben salir de su país, Irán, negándole el pasaporte. En consecuencia, ideó una trama ingeniosa para viajar y hacer oír su voz a través del mundo, aunque fuera sin su presencia, con lo que logró colocar su obra en varias partes del mundo, en 15 idiomas distintos. cb-cr se estrenó en 2011 en el Festival de Canadá Summerworks, sin que él pudiera presenciarla (Youngs, 2016).
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Giella, Miguel Ángel. "XXVIII Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz 2013: importante oferta teatral a pesar de la crisis." Latin American Theatre Review 47, no. 2 (2014): 145–56. http://dx.doi.org/10.1353/ltr.2014.0005.
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Conti, Emanuela. "L'orientamento al marketing dei teatri lirici italiani: un'indagine esplorativa sugli spettatori del Rossini Opera Festival." ECONOMIA E DIRITTO DEL TERZIARIO, no. 1 (October 2011): 133–64. http://dx.doi.org/10.3280/ed2011-001007.
Full textAbstract:
Oggi i teatri lirico-sinfonici sono chiamati, come le imprese, ad adottare un approccio di marketing per veicolare con successo la propria offerta agli utenti finali. In questo lavoro sosteniamo che la definizione di marketing culturale di Colbert (2000) integrata con la concezione di "prodotto" artistico come "sistema di offerta" costituisca un utile schema teorico per analizzare e sviluppare l'orientamento al mercato dei teatri lirici italiani. Come nei settori for profit il "prodotto" lirico dovrebbe essere progettato per specifici target-groups di spettatori ed indirizzato ad essi facendo leva su coerenti politiche di prezzo, comunicazione e distribuzione. Per validare lo schema concettuale č stata condotta un'indagine esplorativa su un campione di spettatori del Rossini Opera Festival (ROF) di Pesaro, ai quali si č chiesto di esprimere opinioni e suggerire miglioramenti in relazione all'attivitŕ di marketing dei teatri lirici italiani e del ROF. La ricerca empirica ha evidenziato le debolezze di gran parte delle nostre istituzioni liriche nell'approcciare il mercato, in particolare la scarsa attenzione agli elementi modificabili del "sistema di offerta" (soprattutto regia, guide all'ascolto e bookshop), la mancanza di strategie di pricing differenziate per i vari segmenti di fruitori ed un carente utilizzo di Internet e della televisione per comunicare l'opera lirica.
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Germay, Robert. "DO NASCIMENTO DA ASSOCIAÇÃO INTERNACIONAL DE TEATRO NA UNIVERSIDADE, OU QUANDO UMA NECESSIDADE DO TU CRIA O ÓRGÃO AITU." O Teatro Transcende 21, no. 1 (December 14, 2016): 30. http://dx.doi.org/10.7867/2236-6644.2016v21n1p30-41.
Full textAbstract:
RESUMO Do nascimento da Associação Internacional de Teatro na Universidade, ou Quando uma necessidade do TU cria o órgão AITUDesde a criacão das primeiras universidades na Idade Média, a atividade teatral universitária esteve diretamente ligada às matérias ensinadas como um auxiliar do ensino, e essencialmente praticada intra muros. Após a 2a. guerra mundial (1945), o teatro universitário iria acentuar o fenômeno de sua abertura e de sua internacionalização. Rompendo os muros da universidade, o teatro conquistaria cada vez mais visibilidade, e inúmeros grupos universitários se veriam tentados pela profissionalização. A própria universidade vai, a partir daí, considerar o teatro como objeto de estudo. E os anos 70 serão, assim, marcados em quase todas as universidades europeias, pela criação de Departamentos de Estudos Teatrais. A década de 1980 viu florescerem novos festivais internacionais que revelam claramente a abundância de teatros universitários e a grande diversidade de suas práticas. Por ocasião dos Encontros de Liège (RITU), vai ressurgir no início dos anos 90, a questão da definicão do teatro universitário, que impulsiona os liegenises a organizar um Congresso Mundial em outubro de 1994, quando foi criada a Associação Internacional do Teatro na Universidade. A AITU organzia seu 11o. Congresso em 2016 em Manizales (Colombia). Palavras chave : AITU-IUTA, Teatro Universitário, História do Teatro Universitário ABSTRACT On the birth of the International University Theatre Association, or When a need of UT creates the organ IUTASince the creation of the first universities in the Middle Ages, the university theater activity was considered as a teaching aid to the subjects taught, and was primarily practiced intra muros. After the 2nd World War (1945), University Theatre would accentuate the phenomenon of openness and internationalization. Leaving the walls of the university, theater acquired more and more visibility, and numerous academic troops were tempted by professionalization. The university itself will now consider theater as a case study. And so the 70’s will be marked by the creation of Theater Studies Departments in universities all over Europe. The 1980’s saw a flowering of new international festivals which clearly reveal the abundance of university theaters and the great diversity of practices. On the occasion of the Liège Meetings (RITU), the question of the definition of university theater resurfaced in the early 90s, which pushed the organizers to set up a World Congress in October 1994. This led to the creation of the International University Theatre Association. The IUTA holds its 11th Congress in 2016 in Manizales (Colombia). Keywords: AITU-IUTA, University Theatre, History of University Theatre
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Giella, Miguel Ángel. "XXIV Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz 2009: Realidades teatrales a ambas orillas del Atlántico." Latin American Theatre Review 43, no. 2 (2010): 159–68. http://dx.doi.org/10.1353/ltr.2010.0032.
Full text
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García Manso, Angelica. "Vostell y su lectura contemporánea de la tragedia antigua. Reflexiones en torno a la obra 7 contra Tebas (1992)." Atrio. Revista de Historia del Arte, no. 26 (December 14, 2020): 248–64. http://dx.doi.org/10.46661/atrio.4316.
Full textAbstract:
El presente estudio ofrece un análisis de 7 contra Tebas, obra del año 1992 en la que Wolf Vostell sintetiza tres de las claves estéticas más importantes que se dan a lo largo de su trayectoria creativa: la importancia de lo teatral, el Muro de Berlín como síntoma de lo humano y la imagen de la caída que encarna la figura mitológica de Ícaro –aunque Ícaro no sea partícipe de la obra de Esquilo que inspira la propuesta artística–. La composición, diseñada como proyecto para el Festival de Teatro Clásico de Mérida en paralelo con la propuesta de un faro de arte contemporáneo para las Islas Baleares –ambas fallidas al cabo–, se presenta con una rica polisemia en un contexto que sintetiza en buena medida el conjunto de la obra de Vostell desde sus inicios.
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Sánchez Montes, María José. "«La tradición medieval en la escena contemporánea espola. Dimonis de comediants»." Revista de Literatura Medieval 29 (December 21, 2018): 225–35. http://dx.doi.org/10.37536/rpm.2017.29.0.69403.
Full textAbstract:
Resumen: En más de una ocasión se ha señalado la ausencia de tradición dramática medieval, que además se ha extrapolado a la carencia total de tradición escénica en el contexto occidental. Sin embargo, es incontestable que existió una tradición teatral durante la Edad Media, que incluso mantiene ciertos vestigios en el teatro contemporáneo. A través de este artículo se pretende reconstruir un vínculo, en concreto el del demonio medieval, con un espectáculo emblemático para la tradición escénica contemporánea española, Dimonis de Comediants, que espero contribuya a la mejor comprensión del espectáculo en su propio contexto y a la recuperación de esa tradición a veces pensada como inexistente.Palabras clave: Dimonis, Comediants, teatro contemporáneo, Festival Internacional de Teatro de Granada, demonio medieval.Abstract: Often has the lack of medieval drama texts been interpreted as a lack of theatre tradition altogether. Nonetheless, there was a theatre tradition during the medieval period that extends all the way to the contemporary theatre. Through these pages, I intend to give an account of the link between the medieval daemon with a contemporary Spanish emblematic performance, Dimonis by Comediants, with which I hope to contribute to a better understanding of it as well as to reconstruct a tradition once thought as non-existent.Keywords: Dimonis, Comediants, contemporary theatre, Granada Interna- tional Theatre Festival, Medieval daemon.
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Arellano, Ignacio. "Celebraciones teresianas en el Siglo de Oro." Hispania Sacra 70, no. 141 (June 14, 2018): 283. http://dx.doi.org/10.3989/hs.2018.021.
Full textAbstract:
El artículo estudia, a partir de las relaciones de fiestas y otra documentación, las celebraciones por la beatificación y canonización de Santa Teresa, examinando la estructura de la fiesta y sus elementos: procesiones, función de las alegorías, técnicas emblemáticas, certámenes poéticos, escenografía y representaciones teatrales… para mostrar el doble objetivo de exaltación hagiográfica doctrinal y diversión popular de estos eventos festivos.
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Trotta, Rosyane. "Grupo de teatro e teatro de grupo na Colômbia parte 1: um estudo remoto em Medellín." Urdimento - Revista de Estudos em Artes Cênicas 1, no. 43 (April 6, 2022): 1–18. http://dx.doi.org/10.5965/1414573101432022e0212.
Full textAbstract:
O artigo se baseia em pesquisa que teve como fonte as páginas virtuais de grupos teatrais da cidade de Medellín, prefeitura, imprensa, festivais e revistas acadêmicas. Depois de apresentados os conceitos envolvidos e a metodologia, buscam-se os aspectos em comum e observam-se as especificidades de cada conjunto, tendo como fonte principal seus textos de autodefinição. O que pode uma pesquisa remota, na busca de pistas de um teatro de grupo?
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Cienfuegos Antelo, Gema. "LA EDUCACIÓN LITERARIA Y EL TEATRO DEL SIGLO DE ORO EN PRIMARIA: EL PROYECTO COMEDIA-VA." MULTIárea. Revista de didáctica, no. 8 (March 16, 2017): 147. http://dx.doi.org/10.18239/mard.v0i8.1150.
Full textAbstract:
<p><span>Desde la creación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico en 1986, el interés por nuestros dramaturgos del Siglo de Oro se muestra consolidado y al alza en los festivales y carteleras de cada temporada. El “oro viejo” de nuestros clásicos, en palabras de Lorca, representados por títeres, polichinelas y cachiporras, o por actores sobre un escenario, fascinan hoy también al público infantil y juvenil. Desde el convencimiento del enorme caudal educativo que contienen los clásicos de nuestra literatura, así como del valor pedagógico del Teatro en todas sus dimensiones, presentamos aquí los primeros resultados de un proyecto de investigación que tiene una doble vertiente: la primera, netamente filológica, pretende poner de manifiesto las conexiones que presenta el género de la Comedia Nueva con los cuentos maravillosos o de hadas;</span><span> la segunda, de aplicación didáctica en el aula, es una propuesta metodológica basada en el aprendizaje por proyectos y la pedagogía teatral para el acercamiento de nuestros clásicos a los niños y niñas de Primaria mediante la transformación del aula en una compañía teatral: el proyecto COMEDIA-VA, que sigue la metodología del modelo LÓVA (La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje), implantado en España desde 2006. </span></p>
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Beuter, Margrid, Franciele Roberta Cordeiro, Sabrina Meidaneira Wiethan Quinhones, Márcia Gabriela Rodrigues de Lima, and Cecília Maria Brondani. "Dramatic play as a ludic strategy for the care of hospitalized patients." Revista de Enfermagem UFPE on line 4, no. 1 (December 29, 2009): 401. http://dx.doi.org/10.5205/reuol.583-5723-1-le.0401201051.
Full textAbstract:
ABSTRACT Objective: to report the celebration of “festa junina” (harvesting folkloric party) with hospitalized patients and their relatives by means of a dramatic play as a ludic strategy for nursing care. Methodology: this is about a descriptive study, case report type. The population was constituted by hospitalized patients, their relatives and visitors of an internment unit from a countryside public hospital in Rio Grande do Sul state, Brazil. One developed a play called “the hillbillies’ marriage” in nursing rooms and hospitalization rooms of the unit. Results: the patients reported that they felt satisfied and well-pleased after the celebration. Nursing staff group conceived the celebration as a way of complementing and humanizing the health care. Nurses abilities as well as their creative and artistic potentials are important elements in order to implement ludic actions of care. Conclusion: the realization of the play “the hillbillies’ marriage” by the hospitalized patients and their relatives promoted relaxation and joyful moments. It constituted a powerful tool that may help in patients’ therapeutic process. One suggests ludic practices to be adopted by nursing professionals due to the benefits they may provide for all the ones involved in the celebration experience. Descriptores: nursing care; emotions; creativeness; hospitalization. RESUMOObjetivo: relatar a comemoração de data festiva (festa junina) com os doentes hospitalizados e seus familiares utilizando-se do teatro como estratégia lúdica de cuidado de enfermagem. Metodologia: trata-se de um estudo descritivo, do tipo relato de experiência. A população do estudo foi constituída pelos doentes internados, seus familiares acompanhantes e visitantes de uma unidade internação em um hospital público no interior do Rio Grande do Sul. Foi desenvolvida a peça teatral “casamento caipira” nas enfermarias e quartos da unidade. Resultados: os doentes relataram sentimentos de satisfação e bem-estar após a comemoração da festa junina. A equipe de enfermagem percebeu a comemoração como estratégia que complementa e humaniza o cuidado. A habilidade, os potenciais criativos e artísticos, do enfermeiro são importantes fatores para implementar as ações do lúdico no cuidado. Conclusão: a realização da peça teatral “casamento caipira” com a participação dos doentes hospitalizados e seus familiares contribuiu para momentos de descontração e alegria constituindo-se em uma poderosa ferramenta que pode auxiliar no processo terapêutico dos doentes internados. É sugerido que esta prática lúdica seja adotada pelos profissionais de enfermagem visto os benefícios para todos os envolvidos na vivência da comemoração. Descritores: cuidados de enfermagem; emoções; criatividade; hospitalização. RESUMENObjetivo: relatar la conmemoración de la fecha festiva (fiesta junina) con los enfermos hospitalizados y sus familiares utilizándose del teatro como estrategia lúdica de cuidado de enfermería. Metodología: se trata de un estudio descriptivo, del tipo relato de experiencia. La población del estudio estuvo constituida por los enfermos internados, sus familiares acompañantes y visitantes de una unidad de internación en un hospital público en el interior del Rio Grande do Sul. Fue desarrollada la pieza teatral “boda provinciana” en las enfermerías y habitaciones de la unidad. Resultados: los enfermos relataron sentimientos de satisfacción y bienestar tras la conmemoración de la fiesta junina. El equipo de enfermería percibió la conmemoración como estrategia que complementa y humaniza el cuidado. La habilidad, los potenciales creativos y artísticos del enfermero son importantes factores para implementar las acciones del lúdico en el cuidado. Conclusión: la realización de la pieza teatral con la participación de los enfermos hospitalizados y sus familiares contribuyó para momentos de relajación y alegría, constituyéndose en una poderosa herramienta que puede auxiliar en el proceso terapéutico de los enfermos internados. Se sugiere que esta práctica lúdica sea adoptada por los profesionales de enfermería visto los beneficios para todos los involucrados en la vivencia de la conmemoración. Descriptores: atención de enfermería; emociones; creatividad; hospitalización.
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Bellotto, Lisandro, and Marta Isaacsson. "O lugar do trágico no espetáculo Mount Olympus, de Jan Fabre." Sala Preta 19, no. 1 (August 30, 2019): 84–96. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v19i1p84-96.
Full textAbstract:
No centro da reflexão encontra-se o espetáculo Mount Olympus, do renomado criador belga Jan Fabre, obra fundada nas paixões e tramas presentes na dramaturgia clássica grega. A dimensão do trágico torna-se, então, o foco de interesse da análise dessa monumental criação que atualiza, com suas 24 horas de duração, tanto o contexto das longas jornadas dos festivais dionisíacos, quanto a potência catártica do teatro grego por meio da empatia despertada pelo desgaste dos corpos dos performers. A reflexão recorre ao pensamento do filósofo Friedrich Nietzsche e às ideias teatrais de Antonin Artaud para colocar em evidência a importância do coro e a exploração da dilatação do tempo na composição do trágico.
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Śnieżek, Barbara. "Piosenka religijna na festiwalu Sacrosong w latach 1969–1978." Muzyka 66, no. 2 (August 9, 2021): 162–76. http://dx.doi.org/10.36744/m.911.
Full textAbstract:
Festiwal Pieśni i Piosenki Religijnej Sacrosong (1969–1999) powstał w czasie, gdy stopniowo wchodziły w życie postanowienia Soboru Watykańskiego II, a wśród nich to dotyczące otwierania Kościoła katolickiego na nowe formy ewangelizacji. Równocześnie olbrzymią popularność w świecie zyskiwała muzyka rockandrollowa. Znalazła ona entuzjastów także wśród muzyków chrześcijańskich, którym rockowe brzmienia posłużyły do przekazywania treści religijnych. Lata 60. XX wieku to również czas, w którym znacząco wzrosło zainteresowanie gatunkiem piosenki, której w twórczości religijnej dały wyraz m.in. utwory francuskiego jezuity Aimé Duvala.
Pomimo trudnej sytuacji społeczno-politycznej PRL, zarówno moda na muzykę młodzieżową jak i na piosenkarstwo religijne bardzo szybko dotarły do grona zainteresowanych. Pierwszą sceną dla repertuaru religijnego w Polsce był festiwal Sacrosong, który w założeniach miał nie tylko sprzyjać powstawaniu i promocji nowych utworów w języku polskim, lecz również angażować w działalność religijną środowisko artystów i młodzież i w ten sposób przeciwdziałać ateizacji społeczeństwa.
W ciągu trzydziestu lat podczas ogólnopolskich Sacrosongów można było usłyszeć zarówno piosenki konkursowe, jak i pieśni, kantaty czy oratoria powstałe na zamówienie organizatorów. Wydarzeniom muzycznym towarzyszyły spektakle teatralne, wystawy, wieczory poezji, konferencje i dyskusje. W jury konkursu zasiadały takie osobistości, jak Wojciech Kilar czy Stefan Kisielewski, muzykę na zamówienie pisali m.in. Jerzy Bauer, Marian Sawa, a teksty – Roman Brandstaetter, Ernest Bryll czy ks. Jan Twardowski.
Artykuł porusza zagadnienia dotyczące historii Sacrosongów, repertuaru oraz społecznej i kulturotwórczej roli tego wydarzenia. Całości dopełniają refleksje związane z samym gatunkiem „głównej bohaterki” festiwalu – piosenki religijnej.
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CAÑADA RANGEL, BENITO, and JOSÉ LUIS CRESPO FAJARDO. "Instrucciones para la vida. Entrevista a Lucía Calamaro." Tsantsa. Revista de Investigaciones artísticas, no. 12 (December 27, 2021): 77–80. http://dx.doi.org/10.18537/tria.12.01.08.
Full textAbstract:
Lucía Calamaro es actriz, directora y dramaturga. Aunque nació en Roma, a su adolescencia viajó a Montevideo con su familia, por el trabajo de su padre como diplomático. En Uruguay inició su formación teatral, que prosiguió en la Universidad de la Sorbona, donde fue discípula del mimo Jacques Lecoq. Asimismo, junto al sociólogo Jean Duvignaud y Jean-Marie Pradier es cofundadora de la Etnoescenología (disciplina centrada en el estudio comparativo de actuaciones en vivo).
En Roma obtuvo un posgrado en Dramaturgia Antigua y Versificación. Allí funda la compañía Malebolge, ensayando en pequeños teatros y centros sociales. Nacen así sus primeras obras: "Tumore", de gran profundidad poética. Y luego, Autobiografía de la vergüenza. A partir de su siguiente proyecto, “El origen del mundo”, empieza a ser más conocida, siendo esta obra retransmitida en versión radial, en Radio 3 Rai y en France Culture. El origen del mundo, en efecto, recibió tres Premio Ubu, y el Premio Enríquez de dirección.
También con La vita fermi fue finalista al mejor texto en los premios Ubu, y en 2019 ganó el premio Hystrio de dramaturgia. Este año ha sido nombrada presidenta del jurado del Premio de Teatro de Riccione, y también creó este año la escuela de dramaturgia “Escritura”, en colaboración con importantes teatros italianos, la cual dirige. Asimismo, su obra Darwin inconsolable (una pieza para las almas en dolor), debutó en el Festival dei Due Mondi en Spoleto, en este 2021.
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Editorial, Equipo. "Presentación." Investigación Teatral. Revista de artes escénicas y performatividad 10, no. 15 (April 10, 2019): 1–3. http://dx.doi.org/10.25009/it.v10i15.2599.
Full textAbstract:
El equipo editorial de Investigación Teatral desea compartir nuestra alegría ante el gran número de lectores que consultan actualmente la revista en su versión digital: las visitas desde diferentes partes del mundo rebasan las 1,000 mensuales. A partir de su inauguración hace ya cinco años, el portal de esta publicación ha sido consultado –hasta marzo de 2019– por más de 20,000 personas. Esto no es sino muestra del interés que tiene la investigación en artes escénicas a nivel global.Iniciamos este número 15 con un texto escrito por el antropólogo Rodrigo Parrini, en colaboración con Daniel González Marín y Alfadir Luna, quienes reflexionan sobre los objetos de archivo utilizados por la compañía Teatro Línea de Sombras para producir la puesta en escena Baños Roma. Le sigue un texto de la investigadora chilena Javiera Larraín, sobre la obra Neva, del dramaturgo y director Guillermo Calderón. Este creador pertenece a lo que Larraín identifica como la nueva generación de la escena nacional chilena, con trascendencia internacional.Por otro lado, Ximena Gómez Goyzueta, de la Universidad Autónoma de Aguascalientes, hace una reflexión sobre teatralidad y metateatro en el texto dramático del teatro español barroco. Asimismo, Nidia Vincent, de la Facultad de Letras Españolas de la Universidad Veracruzana, comparte su análisis sobre una coreografía que realizó el creador español Antonio Gades con base en Bodas de sangre, de Federico García Lorca. Vincent argumenta que el coreógrafo logró hacer una paráfrasis del texto teatral para proponer un nuevo discurso basado en lo corporal, lo espacial y lo musical. También presentamos un texto del investigador colombiano Sergio Naranjo Velásquez, quien analiza la propuesta de la biomecánica de Vsévolod Meyerhold desde la perspectiva de la antropología teatral de Eugenio Barba. De esta forma, el autor recupera para los creadores escénicos del siglo XXI nociones fundamentales sobre el entrenamiento y trabajo actoral.En la sección “Documento”, está el prólogo en monólogo de La sombra de la feria, pieza de la Comedia Francesa escrita por Alain-René Lesage y Jacques Philippe d’Orneval. Se trata de un texto de 1720 que Alexis Álvarez Jácome traduce por primera vez a lengua española para nuestra revista. El prólogo funciona como una obra cómica breve que se vale de personajes de la Comedia del Arte para ofrecer claves de la situación política, histórica y social que se vivía en el momento que fue escrita.En la sección “Testimonio” incluimos el texto de Carlos Albarrán, estudiante de la Maestría en Artes Escénicas de la Universidad Veracruzana, quien nos relata su experiencia en el taller que el Workcenter de Jerzy Grotowski y Thomas Richards ofreció en la Ciudad de México el año pasado, siendo la primera visita a México que realiza este legendario Centro de trabajo fundado por Grotowski en Pontedera, Italia. Ahora, en 2019, se conmemoran 20 años del fallecimiento de Jerzy Grotowski (1933-1999), por lo que la revista Investigación Teatral se une con este testimonio a los actos que se realizan alrededor del mundo para reconocer que el legado del maestro polaco sigue vivo.Continuamos con un grupo de cinco reseñas que abordan puestas en escena y novedades editoriales de gran interés. Cierra el volumen la semblanza-homenaje que el maestro Francisco Beverido hace del actor y promotor Arturo Meseguer, fallecido prematuramente cuando se desempeñaba como director general de Difusión Cultural de la Universidad Veracruzana. Además de haber sido protagonista importante del movimiento teatral de Xalapa desde los años 70 del siglo pasado, Meseguer realizó una incansable labor en pro de la expresión cultural y artística de estudiantes y creadores emergentes a través de los Festivales de Teatro Universitario.
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Baş, Elif. "The Rise of Kurdish Theatre in Istanbul." Theatre Survey 56, no. 3 (September 2015): 314–35. http://dx.doi.org/10.1017/s0040557415000289.
Full textAbstract:
Imagine a festival taking place before about five thousand people in a park in Adana, Turkey, in June 1992. In the middle of the park is a stage made of concrete. A touring Kurdish theatre company comprising four men, Hüseyin Kaytan, Kazım Öz, Nihat Öz, and Kemal Orgun, is performing a short play called Du Şivan (Two Shepherds). They enact a village raid and choose the villagers from among the audience. Kemal Orgun plays the commander of the task force raiding the village. The other three carry out the operation, rounding up the villagers. Orgun struts among the villagers, harassing them. All of a sudden, a woman jumps onstage and tries to grab the gun Orgun is carrying. He tries to wrest the gun from her, but she won't let go. A great commotion ensues, and more people clamber onstage to help the woman and attack the actors. When a man tries to strangle Orgun, he yells out in Kurdish, “Bira ma tu çi dikî, te ez kuştim?” (Hey my friend, what are you trying to do, kill me?). When the attacker finally understands Orgun is Kurdish, he releases and embraces him. Recounting this incident in his interview with me, Orgun remarks that they were almost lynched. The Kurdish woman who had jumped onstage and impulsively attacked Orgun had thought this was a real raid, just like those that had been taking place in Kurdish villages in Turkey for years. Her rage and instinctive self-protection is at one level slightly amusing, but this was also a bitter episode that demonstrated the consequences of the oppression of Kurdish people in the country. After the festival, Orgun and the other members named their theatre company Teatra Jiyana Nû (New Life Theatre). This became the foremost Kurdish theatre company and has trained many Kurdish actors, who in turn have further sustained and promoted Kurdish theatre by establishing their own companies.
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Brandão, Vanessa Ribeiro. "A tradução do Ciclope de Eurípides a partir da dramaturgia." Dramaturgias, no. 7 (July 4, 2018): 32–50. http://dx.doi.org/10.26512/dramaturgias.v0i7.9514.
Full textAbstract:
O Ciclope de Eurípides é o drama satírico mais completo que chegou aos nos- sos dias. O drama satírico é um gênero teatral burlesco grego que era apre- sentado no século V a. C depois das trilogias de tragédias nas Dionísias Urbanas, festivais em honra a Dioniso no início da primavera, em Atenas. A principal característica do drama satírico é o coro de sátiros e a presença de Sileno, o velho e bêbado pai dos sátiros, como um de seus personagens, as- pecto facilmente percebido no Ciclope. Diferentemente dos textos atuais de teatro, o Ciclope não tem marcações cênicas no seu texto, como entrada e saída de personagens, emoções, entonação de falas: essas informações estão explícitas ou implicitamente no corpo do texto, ou seja, na fala dos persona- gens. Ainda, várias especificidades do gênero são articuladas nas ações e dan- ças dos personagens e do coro, mas devem ser descobertas e desvendadas por meio dos implícitos e explícitos das falas dos personagens. Além disso, não há registros da performance da peça. Dessa forma, para traduzir o Ciclope, é importante entender e considerar a sua dramaturgia, a fim de perceber as suas marcações cênicas e reproduzi-las no texto de chegada assim como elas estão presentes do texto de partida.
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De Souza Teixeira, Lucília, Vinícius Enguel de Oliveira, Heloisa Guimarães Pereira, Caroline Ziruolo Piovani, Guilherme Silva, and Fabíola Pereira da Silva. "A experiência Les Plongeons: o teatro em língua estrangeira como estratégia de ensino-aprendizagem." Revista Letras Raras 10 (November 29, 2021): 59. http://dx.doi.org/10.35572/rlr.v10i0.2189.
Full textAbstract:
O presente artigo tem por objetivo apresentar o impacto do uso de elementos teatrais no ensino-aprendizagem de língua francesa na disciplina "Francês III", da Graduação em Letras-Francês da Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade de São Paulo, no primeiro semestre de 2019, e a consequente criação de um grupo de teatro francófono. A proposta de integrar o teatro à sala de aula de língua partiu da Profa. Dra. Cristina Moerbeck Casadei Pietraroia e foi realizada pela atriz e diretora de teatro Giuliana Cerchiari de Andrade por meio de encontros semanais em que foram trabalhadas questões relacionadas à consciência corporal, à projeção de voz, à fonética e à fonologia do francês, além de exercícios para desenvolver a subjetividade e a confiança dos discentes. Cerchiari de Andrade parte das teorias desenvolvidas por Moshé Feldenkrais (1977), sobre consciência corporal, e por Claude Pujade-Renaud (1983), sobre o corpo discente em sala de aula, para integrar elementos das artes cênicas a exercícios corporais e vocais que permitam ao aprendiz de uma nova língua uma verdadeira imersão no difícil processo de aquisição linguística. Houve tamanha adesão ao trabalho proposto que, após o encerramento do semestre, um grupo de estudantes optou por sua continuidade através da formação da trupe “Les Plongeons”, que encenou a peça L'été de nouveau, de Laurent Von Wetter (2016), durante o 1º festival 10x10 de teatro francófono no Brasil, que aconteceu em Brasília, durante o XXIII Congresso Brasileiro de Professores de Francês, em novembro de 2019.
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Cornago, Óscar. "El teatro como crítica institucional." Investigación Teatral. Revista de artes escénicas y performatividad 9, no. 13 (April 27, 2018): 132–58. http://dx.doi.org/10.25009/it.v9i13.2559.
Full textAbstract:
Este artículo discute el sentido de las prácticas teatrales en relación a los contextos institucionales en los que se desarrollan. Para ello, se analiza la dimensión institucional del teatro en relación a las artes visuales. La reacción ante repertorios de formas y usos ya instituidos ha abierto un ámbito de confluencias entre las prácticas performativas y las visuales. Con el fin de trazar diversos recorridos dentro de este panorama, se estudian proyectos de creación de España, Alemania, México, Líbano y Brasil, algunos de ellos pertenecientes a la programación de la iii Mostra Internacional de Teatro de São Paulo del 2017. Estas obras intervienen sobre los marcos ya legitimados de actuación, con el fin de cuestionar la construcción institucional del teatro, abriendo nuevos posibilidades de creación y reflexión en relación al espacio de la representación.Theatre as Institutional CritiqueAbstractThis article discusses the meaning of theatrical practices in relation to the institutional contexts in which they develop. Attention is paid to the institutional dimension of theater in relation to the visual arts. The reaction to established repertoires has opened a confluence between performative and visual practices. In order to trace different routes within this panorama, projects from Spain, Germany, Mexico, Lebanon and Brazil are studied, some of them belonging to the programming of the iii International Theater Festival of São Paulo (2017). These plays intervene in the legitimated frameworks around performance, with the purpose of questioning the institutional construction of theater while opening possibilities of new territories of creation and critique within the spaces of representation.Recibido: 20 de julio de 2017Aceptado: 12 de diciembre de 2017
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Macieira, Cássia. "Sobre Teatro de Formas Animadas, em Minas Gerais: entrevista com Conceição Rosière." Móin-Móin - Revista de Estudos sobre Teatro de Formas Animadas 2, no. 23 (December 18, 2020): 235–54. http://dx.doi.org/10.5965/2595034702232020235.
Full textAbstract:
Minas Gerais é também um estado brasileiro que detém a representatividade do Teatro de Animação/Teatro de Formas Animadas – mais conhecido pelo público mineiro como Teatro de Bonecos, embora este seja um gênero e o primeiro, um sistema maior que abrange o teatro de objetos, de sombras, entre outras linguagens. Nesse contexto, em 1985 surge a Associação de Teatro de Bonecos de Minas Gerais (ATEBEMG), responsável por fomentar, ao longo dos anos, importantes diálogos e projetos de seus membros, dentre os quais pode-se afirmar a presença fundamental da bonequeira Conceição Rosière que contribui, desde sempre, para a longevidade e vigor da Associação, mobilizando os associados com seu entusiasmo por essa linguagem teatral. Esse reconhecimento é fruto da atuação constante de Rosière, inclusive na promoção de divulgação festivais e editais de cultura, de trocas por ela viabilizadas, das descobertas conquistadas em inúmeras viagens, da generosidade em compartilhar conhecimento por meio de depoimentos, livros e artigos em revistas, ou de recepcionar alunos e visitantes em sua casa. Como bonequeira, professora, pesquisadora e membro da ATEBEMG, e tendo em vista a conjuntura mundial causada pela Covid-19 e a temática “disparadora” e latente proposta pela Revista Móin-Móin – A atuação de mulheres no Teatro de Animação –, senti-me instigada a registrar parte do caminho percorrido por Conceição Rosière e, entrevistá-la na modalidade virtual e, assim, dividir com diferentes leitores a voz feminina traduzida na força de um coletivo.
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Gil Soriano, Marta. "Barry Purves, el animador escénico." Con A de animación, no. 7 (March 1, 2017): 48. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2017.7294.
Full textAbstract:
<p>La filmografía de Barry Purves es mundialmente conocida en los festivales de animación. Barry J C Purves (Woodbridge, Reino Unido, 1955), un aspirante a actor, se convirtió inesperadamente en animador tras realizar una prueba con marionetas para Cosgrove Hall Films, donde produjo trabajos comerciales durante más de diez años. Su revelación llegó con Next (1990), realizado para Aardman, y desde que funda su productora Bare Board Films se han sucedido en su filmografía obras maestras como Screenplay (1992), Rigoletto (1993), Achilles (1995) o Tchaikovsky (2011). Sus marionetas tienen gran realismo y vehiculan emociones poderosas; pero, sobre todo, los filmes personales de Purves establecen relaciones privilegiadas con toda la herencia de las artes escénicas, desde el teatro griego hasta el teatro clásico, la ópera, el ballet, e incluso el teatro de marionetas Bunraku. Purves no ha dejado de ser un artista polifacético que alterna sus filmes personales con producciones para el público infantil, y en años recientes ha diseñado y dirigido numerosos montajes teatrales, aplaudidos por crítica y público. En la siguiente conversación Barry J C Purves nos desvela las claves de su proceso creativo en la animación, y su personal relación con el teatro.</p>
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Barbosa, Audrey Cristina. "Da Sala de Aula ao Palco: Formação Profissional em Teatro e Mostra de Teatro Estudantil do Teatro da Universidade de São Paulo – TUSP (2019)." Veredas - Revista Interdisciplinar de Humanidades 5, no. 9 (June 24, 2022): 196–97. http://dx.doi.org/10.56242/revistaveredas;2022;5;9;196-197.
Full textAbstract:
Resumo O presente estudo aborda o teatro estudantil brasileiro na contemporaneidade, com destaque para o produzido na cidade de São Paulo, nomeadamente, três peças apresentadas na I Mostra de Teatro Estudantil do Teatro da Universidade de São Paulo – TUSP em 2019, são elas: “Trágico Bicho Homem”, “O Despertar dos Caracóis Logo Após as Tempestades Artificiais” e “O Padre do Balão”. O objetivo geral é refletir sobre a potência do teatro estudantil e sua devida importância. Tratado de forma interdisciplinar, o estudo evoca a Mostra – TUSP, cuja amostragem constitui-se representativa do movimento artístico estudantil atual, uma vez que diversas escolas de nível técnico e superior do Brasil participam do evento, logo, por seu lastro institucional e alcance nacional. São analisadas temáticas presentes nas três peças delimitadas pela pesquisa para, deste modo, observar o perfil do teatro estudantil no presente. Para tanto, o estudo problematiza as propostas estéticas, os conflitos presentes nas peças teatrais apresentadas na Mostra - TUSP ou o que os estudantes comunicam por meio das encenações; vale dizer, o estudo investigou como as peças permitem traçar um perfil do teatro estudantil em São Paulo e, nesse diapasão, observar de que maneira festivais e mostras auxiliam o processo educacional em Teatro. Os materiais empíricos para o desenvolvimento da pesquisa são compostos de vídeos das peças, disponibilizados pelos próprios integrantes dos grupos selecionados, disponíveis em suas mídias sociais e alusivos às performances e atuações na Mostra - TUSP, bem como notícias publicadas na mídia impressa ou digital referentes aos três grupos e espetáculos apresentados, inclusive, como critério de delimitação do corpus do estudo. O método de tratamento do material seguiu o proposto pela Análise de Conteúdo, aplicado a partir das Categorias de Análise - gênero, conflito e encenação -, como possibilidade de análise do que preconiza a educação profissional em teatro no Estado de São Paulo. Ao traçar o perfil do teatro estudantil contemporâneo, o estudo, embasado nas concepções de Augusto Boal, para o qual teatro é libertação que visa humanizar a humanidade, os resultados permitem considerar que os organizadores da Mostra apresentaram um esforço em promover o intercâmbio de ideias e o incentivo à descentralização do teatro. O produzido no âmbito estudantil exposto na Mostra é fruto de experimentações do teatro dramático com a proposição de novas dramaturgias com encenações teatralizadas e recuperação de um texto clássico. Os conflitos tratam da luta moral ou metafisica maior que o homem e do embate de interesse entre indivíduo e sociedade, com temáticas que abordam questões urgentes a grupos historicamente oprimidos, sobre os rumos da Arte e o perecer da vida humana.
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Leyva Marín, Hugo Alberto. "University theater management and production: Festival of theatrical creation "Alberto Antonio Salgado Barrientos"." Córima, Revista de Investigación en Gestión Cultural 2, no. 3 (July 1, 2017). http://dx.doi.org/10.32870/cor.a2n3.6618.
Full text
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GUERRERO, Isabel. "WILLIAM SHAKESPARE EN AVIÑÓN. ANÁLISIS DE SU RECEPCIÓN EN EL CONTEXTO DE UN FESTIVAL DE TEATRO." Signa: Revista de la Asociación Española de Semiótica, January 9, 2022, 459–77. http://dx.doi.org/10.5944/signa.vol31.2022.29473.
Full textAbstract:
Este artículo analiza la representación de las obras de William Shakespeare en el Festival de Aviñón a través del análisis de los espectáculos y su recepción por parte del público y de la crítica con el objetivo de examinar cómo el contexto del festival da lugar a un tipo de recepción con características propias. Partimos de la idea de que la recepción del público en un festival de teatro es eminentemente distinta a la que tiene lugar en otros acontecimientos teatrales debido a las características particulares de este contexto. Para ello, exploramos tres aspectos fundamentales: la selección de montajes, la activación de la memoria del festival y la influencia del festival en los montajes que produce y coproduce. Abstract: This article explores Shakespeare in performance at the Avignon Festival through theatre reviews and performance analysis in order to examine how festival contexts give rise to distinct types of audience reception. It takes as its starting point that audience reception at the festival context varies significantly from that in other theatrical events. The article interrogates three main aspects about the Avignon Festival (the influence of the curation of the festival, the activation of festival memories and the influence of the festival on commissioned productions) using semiotics to conceptualize the festival.
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Azevedo, Ruan Felipe, and Diego Gonçales. "Soma e subtração: territorialidades e recepção teatral." GIS - Gesto, Imagem e Som - Revista de Antropologia 5, no. 1 (August 24, 2020). http://dx.doi.org/10.11606/issn.2525-3123.gis.2020.163112.
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Elaborando um panorama das artes cênicas no país, Edélcio Mostaço narra por meio dos autores, obras, festivais e críticos que marcaram a dramaturgia contemporânea, um fragmento da história do Brasil. O autor também faz uma cuidadosa apresentação da chegada da teoria da recepção e apresenta seu escopo e assimilação no Brasil.
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Marcone de Araujo, Ana Roberta, and Elaine Rodrigues. "O movimento teatral maringaense – 1976 – 1977." Educação, Ciência e Cultura 27, no. 1 (February 10, 2022). http://dx.doi.org/10.18316/recc.v27i1.8525.
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O artigo expõe a história do teatro maringaense, no período de junho de 1976 a setembro de 1977. A história do teatro maringaense é abordada, a partir das publicações do jornal O Diário do Norte do Paraná e do folhetim CENA, impresso alternativo de autoria dos grupos de teatro amador ligados à Federação Independente de Teatro Amador do Paraná (FITAP). O movimento teatral de Maringá foi aqui evidenciado em virtude da formação de vários grupos de teatro amador, pela realização de festivais, pela realização de cursos de teatro, pela criação da sub sede da FITAP, pela luta dos artistas por espaço físico para se fazer teatro e pelo reconhecimento do grupo TEMI como de utilidade pública do município.
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Muro Munilla, Miguel Ángel. "El teatro de Maite Agirre: la fiesta de confabulación con el público." Signa: Revista de la Asociación Española de Semiótica 21 (January 1, 2012). http://dx.doi.org/10.5944/signa.vol21.2012.6301.
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En este artículo pretendo una aproximación a la obra teatral de Maite Agirre, obra que se caracteriza por estar concebida como una fiesta en la que el público está convocado a participar de forma cómplice, con propuestas vitalistas que indagan en el lenguaje teatral e invitan a no renunciar a los ideales, a los deseos de vivir una vida más plena y auténtica que la impuesta por una visión acomodada.In this article I try an approach to the theater written by Maite Agirre, a work that is characterized by being conceived as a festival in which the public is called to participate with complicity, with vitals proposals that explore theatrical language and invite you not to give up the ideals and desires to live a fuller and more authentic than that imposed by a accommodated vision.
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Rodríguez Guzmán, René Alejandro. "41 Muestra Nacional de Teatro: experiencias y aprendizajes." Investigación Teatral. Revista de artes escénicas y performatividad 13, no. 22 (November 14, 2022). http://dx.doi.org/10.25009/it.v13i22.2725.
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¿Cómo está posicionada la Muestra Nacional de Teatro en México actualmente?, ¿cómo se adaptó la Muestra al año pandémico 2021?, ¿cómo fue la muestra en este año pandémico 2021? El presente testimonio trata de responder a estas preguntas a través de relatos, vivencias, experiencias y aprendizajes que tuve como seleccionado por el estado de Veracruz para la convocatoria Jóvenes a la Muestra durante la 41 Muestra Nacional de Teatro. Se trata del encuentro teatral más importante del país, que se llevó a cabo en la Ciudad de México y en el estado de Morelos, del 25 de noviembre al 4 de diciembre del 2021. 41 National Showcase of Theatre: experiences and knowledges Abstract How is the National Theatre Festival (Muestra Nacional de Teatro) positioned in today’s Mexico? How did this Festival adapt to conditions of the pandemic in late 2021? The testimonial article seeks to respond to these and other questions based on the lessons and experiences lived by the author, who was selected to participate on behalf of the state of Veracruz as part of the Youth in the Festival program. The Festival (in Spanish the word “Muestra” literally translates as “Showcase”) is the country’s most important yearly theatre gathering, and the article addresses the edition that took place in Mexico City and in the state of Morelos between November 25 and December 4, 2021. Recibido: 24 de enero de 2022Aceptado: 13 de junio de 2022
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Cazorla, María Angelina. "El drama en verso moderno: Asesinato en la catedral (1935) de T.S. Eliot." telondefondo. Revista de Teoría y Crítica Teatral, no. 31 (July 13, 2020). http://dx.doi.org/10.34096/tdf.n31.8264.
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T.S. Eliot (1888-1965) presentó Asesinato en la catedral en el Festival Anual de Canterbury en 1935. Canterbury era no sólo la arquidiócesis del Estado de Kent, sino el santuario cristiano más antiguo de Europa, cuyo culto fue la razón del viaje de los peregrinos de Geoffrey Chaucer. Eliot escogió a Thomas Becket, héroe nacional y religioso inglés, como objeto de su drama en verso. Sin embargo, el dramaturgo decidió no poner, nuevamente, el foco de la acción en el conflicto histórico-político entre Enrique II Plantagenet y su ex canciller, pues la lucha de investiduras del siglo XII que finalizó con un brutal asesinato de Becket en la catedral durante el día de Navidad de 1170, era el tema obligado en estos festivales anglo-católicos. En esta ocasión, la mirada se posó en el conflicto moral del arzobispo: sus íntimas reflexiones sobre la naturaleza real del martirio. Quien es quizás, el más grande de los poetas modernos, nos ofrece una obra de teatro comercial para una audiencia moderna que, paradójicamente, contiene líneas corales al modo del drama griego, tradición litúrgica y abstracciones al estilo de las moralidades inglesas. Esta obra teatral, con aire de grandeza antigua y escenas de ritmo lento y parsimonioso, se escribió en la época del crecimiento del fascismo en Europa central, y puede entenderse como una protesta para que los individuos de los países afectados se opusieran a la tergiversación de los ideales de la Iglesia cristiana por parte del régimen nazi.