Dissertations / Theses: 'Éthique et arts du spectacle'

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Gucciardo, Alfonso Gianluca. "La médecine des arts du spectacle vivant : Histoire, diffusion internationale, pensée, éthique et pratiques." Electronic Thesis or Diss., Montpellier 3, 2022. https://ged.scdi-montpellier.fr/florabium/jsp/nnt.jsp?nnt=2022MON30057.

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Abstract:

Notre travail a pour objectif de traiter de la médecine des arts de la scène, et plus largement de la médecine des arts du spectacle vivant. En Europe et dans le monde, ce domaine médical n'est en effet pas toujours connu, compris, organisé ou reconnu. À partir d'une discussion sur la signification philosophique et épistémologique de ce sujet, et en nous appuyant sur notre pratique de médecin phoniâtre depuis vingt deux ans, notamment dans le domaine de la bioéthique et de la médecine de la voix, nous avons entrepris une lecture éthique et bioéthique visant à comprendre ses limites et ses possibilités, ainsi que ce qui est partageable et compréhensible par les professionnels susceptibles de l’exercer: médecins, rééducateurs, enseignants en art (de la voix, de la musique, de la danse ou du cirque), philosophes et, évidemment, artistes. Il nous est apparu que, loin d’appartenir aux thérapeutiques "complémentaires" ou "non fondées sur des preuves", la médecine des arts et du spectacle ne doit pas être comprise uniquement comme une médecine multidisciplinaire, mais comme une branche interdisciplinaire reposant sur des connaissances philosophiques et pédagogiques utiles à la santé physique, psychique et émotionnelle des artistes. En analysant plusieurs modèles internationaux, dont plusieurs auxquels nous contribuons, nous avons pu faire le constat que cette interdisciplinarité n'est pas toujours évidente. Nous avons enfin émis l’hypothèse que la médecine des arts et du spectacle vivant est une médecine non seulement pour l'artiste mais aussi et avant tout pour les arts du spectacle eux-mêmes qui, parfois, doivent également être soignés. Nous avons approfondi ce dernier sujet en conduisant une étude historique et éthique du phénomène du soin et de la cure de l'art et de l'interprète, des origines à nos jours
Performing Arts (PA) Medicine, meant as a "medicine for the art of living entertainment", is still not known and not well understood and framed and recognized, in Europe as well as in the other Continents. Starting from a discussion on the philosophical and epistemological meaning of this branch of medicine, we have arrived at a personal ethical and bioethical reading in order to understand its limits and strengths for doctors, rehab professionals, teachers of the arts of voice, music, dance and circus, philosophers and, obviously, artists. PA Medicine (whose name we also dealt about) is far from that medicine today called "complementary"/"not-Evidence Based", and is a branch of medical and philosophical and pedagogical knowledge useful to the artist's and art's physical, psychic and emotional health. PA Medicine is a Medicine not only for the artist but for the PA themselves which, at times, also need to be cured. We have deepened this last topic also starting from an historical and ethic study of the phenomenon of the “care and curing” of arts and of performers, from the origins to today

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Ra, Jin-Hwan. "L'acte éthique dans le processus créatif du performer de P’ansori »." Paris 8, 2001. http://www.theses.fr/2001PA083713.

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Abstract:

Cette thèse est une étude du processus créatif et artistique du « performer » de « p’ansori », une pratique performative spécifique issue de l'héritage coréen, prenant en considération à la fois le point de vue du praticien et du théoricien dans la perspective de l'ethnoscénologie. Cette étude montre le processus créatif du « performer » de « p’ansori » en prenant pour critère les quatre entités constitutives proposées par Sin Chae-Hyo et reprises par les maîtres de « p’ansori » aujourd'hui. À travers l'entretien des maîtres qui paraît proche des fondements théoriques, nous pouvons considérer le processus créatif du « performer » de « p’ansori » comme un acte éthique qui relève de la volonté morale, de l'intelligence et du comportement. C'est ainsi que l'entraînement corporel aussi bien que mental se poursuit durant la vie entière
This thesis is a study of the creative and artistic process of the "p’ansori" performer, a specific performance resulting from the Korean heritage, considering the viewpoint of ethnoscenology at the same time. This study shows the creative process of the "p’ansori" performer by taking as criteria the four constitutive entities proposed by Sin Chae-Hyo and shown by the masters today. Through the conversation with masters who appear to have the theoretical bases, we can consider the creative process of the "p’ansori" performer as an "ethical act" that concerns moral will, intelligence and behavior. Thus, the corporal and mental training continues during the whole life

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Vialaret, Jimi Bernard. "L'applaudissement : claques et cabales /." Paris : l'Harmattan, 2008. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41266168j.

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Becquet, Alexandra. "Ford Madox Ford et les arts : peinture, musique et arts du spectacle dans l'oeuvre romanesque." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030166.

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Abstract:

Ford Madox Ford est un écrivain impressionniste qui se veut historien de son temps et paraît représenter la vie moderne grâce à un texte envisagé à partir du visuel pour faire voir. Il encourage ainsi le rapprochement de son écriture avec l’art des peintres français du XIXème siècle, mais il engage dans ses récits une multitude d’arts et d’esthétiques afin de produire son impression suivant sa pensée originale et singulière. Celle-ci soutient l’accumulation et l’association artistiques mises en œuvre dans les romans en brisant les cadres esthétiques établis pour fusionner arts et esthétiques dans une forme qui s’adapte au réel afin d’en structurer l’informe et de le révéler pour en offrir une expérience au lecteur. Soumis au pictural et au théâtral pour se donner à voir dans des tableaux et des scènes, le récit dévoile en fait comment la modernité résiste à l’illusion mimétique. Peinture et théâtre figurent donc non le visible mais sa perte, et les romans sont poussés par leur objet à la dé-figuration proprement moderne que l’esthétique fordienne promeut et que le cinéma porte. Celui-ci donne alors accès à la vision d’un monde fragmenté et en mouvement par sa totalisation dans la métamorphose continue du filmique, qui en outre invite l’identification visuelle. Mais le cinématographique n’ouvre pas à la totalisation du roman, ni à ce dialogue que l’auteur entend engager avec son lecteur sym-pathique pour lui transférer son œuvre. Ce transfert se fait bien par le texte et sa structure mais en définitive hors de la figuration, grâce à la musique du roman qui à la fois gouverne, rassemble et abolit la représentation, les arts et le texte pour faire com-prendre l’œuvre
Ford Madox Ford is an impressionist writer who purports to be a historian of his own time and seems to represent modern life in a text conceived visually to make you see. He thus encourages a parallel between his writing and the nineteenth-century French painters’ art to be drawn ; yet he draws on a vast array of arts and aesthetics in his narratives to forge his impression according to his original and singular conception of art. That conception supports the artistic accumulation and association exercised in the novels while it shatters established aesthetic frameworks to merge arts and aesthetics in a form which adapts to reality to structure its formlessness and reveals it to offer an experience of it to the reader. In obeying pictorial and theatrical norms to be seen as pictures or in scenes, the narrative in fact discloses how modernity resists mimetic illusion. So painting and the theatre do not represent visibility but its loss, and the novels are forced by their object to embrace a thoroughly modern de-figuration which Fordian aesthetics endorses and the cinema realises. The latter then grants access to the vision of a fragmented and moving world totalled by the continuous metamorphosis of film, which besides encourages visual identification. However the cinema does not lead to the totalisation of the novel, nor to the dialog which the writer intends to have with his sympathetic reader in order to transfer his artwork onto him. That transfer does happen by means of the text and its structure but ultimately without figuration, through the music of the novel which at once governs, unites and abolishes representation, the arts and the text so the artwork be com-prehended

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Bonicel, Matthieu Genet Jean-Philippe Smith Darwin. "Arts et gens du spectacle en Provence (XIVe-XVIe siècles)." [S.l.] : [s.n.], 2007. http://www.enssib.fr/bibliotheque/documents/dcb/bonicel-dcb15.pdf.

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Jacobsohn, Ricardo Eduardo. "Sens et temps, instrument et support : esthétique comparée des arts du spectacle /." Lille : ANRT, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb392754790.

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Canova, Marie-Claude Viala Alain. "La politique-spectacle au grand siècle : les rapports franco-anglais /." Paris ; Seattle ; Tübingen : Papers on French seventeenth century literature, 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35627798p.

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Abstract:

Texte remanié de: Th.--Lettres--Paris 3, 1991. Titre de soutenance : L'aulisme ou le regard paradoxal : l'image de l'Angleterre dans les divertissements littéraires de la cour en France au XVIIe siècle.
Bibliogr. p. 409-433. ndex.

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Gabison-Crétenet, Martine. "La représentation de l'Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l'horreur." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30064.

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Abstract:

Le sujet La représentation de l’Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l’horreur exige-t-il d’être juif ou pas ? Nous ne le pensons pas. Afin de pouvoir mieux cerner les enjeux, on abordera dans la première partie, l’histoire du judaïsme et de l’antisémitisme afin de disposer de tous les éléments qui nourrissent les analyses des œuvres choisies. Ensuite, pour mesurer les enjeux que pose notre hypothèse - représentation et esthétisation de l’horreur - nous avons analysé les notions de beau, d’esthétique, d’esthétisation et d’horreur en essayant de dégager une grille de lecture des œuvres qui permette de mieux comprendre les rapports entre production de sens et excès de forme. Dans la troisième partie, nous avons retenue deux œuvres dans quatre domaines : le cinéma - Steven Spielberg et Roberto Benigni - , la bande dessinée - Pascal Croci et Art Spiegelman -, le théâtre - Pip Simmons et Edward Bond - et les arts visuels - Jochen Gerz et Anselm Kiefer - , produites par un artiste juif et un artiste non-juif. Le choix a été difficile devant l’abondance des œuvres se rapportant à l’Holocauste mais nous avons privilégié une connaissance et une fréquentation personnelles des œuvres retenues. Nous nous sommes efforcée d’appliquer les mêmes méthodes d’analyse mais chaque mode d’expression artistique a ses propres exigences. Notre conclusion générale s’efforce de reprendre les points précis que nous pensons avoir pu dégager en particulier sur la difficile frontière entre production esthétique et esthétisation largement liée au bagage culturel des publics qui ont lu ou vu les œuvres choisies
Le sujet La représentation de l’Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l’horreur exige-t-il d’être juif ou pas ? Nous ne le pensons pas. Afin de pouvoir mieux cerner les enjeux, on abordera dans la première partie, l’histoire du judaïsme et de l’antisémitisme afin de disposer de tous les éléments qui nourrissent les analyses des œuvres choisies. Ensuite, pour mesurer les enjeux que pose notre hypothèse - représentation et esthétisation de l’horreur - nous avons analysé les notions de beau, d’esthétique, d’esthétisation et d’horreur en essayant de dégager une grille de lecture des œuvres qui permette de mieux comprendre les rapports entre production de sens et excès de forme. Dans la troisième partie, nous avons retenue deux œuvres dans quatre domaines : le cinéma - Steven Spielberg et Roberto Benigni - , la bande dessinée - Pascal Croci et Art Spiegelman -, le théâtre - Pip Simmons et Edward Bond - et les arts visuels - Jochen Gerz et Anselm Kiefer - , produites par un artiste juif et un artiste non-juif. Le choix a été difficile devant l’abondance des œuvres se rapportant à l’Holocauste mais nous avons privilégié une connaissance et une fréquentation personnelles des œuvres retenues. Nous nous sommes efforcée d’appliquer les mêmes méthodes d’analyse mais chaque mode d’expression artistique a ses propres exigences. Notre conclusion générale s’efforce de reprendre les points précis que nous pensons avoir pu dégager en particulier sur la difficile frontière entre production esthétique et esthétisation largement liée au bagage culturel des publics qui ont lu ou vu les œuvres choisies

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Felizardo, Mendes Evelise. "Esthétique des formes scéniques de rue : une approche théorique du caractère transgressif et des enjeux du (dés)ordre de la scène urbaine contemporaine." Thesis, Aix-Marseille, 2018. http://www.theses.fr/2018AIXM0403.

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Abstract:

Cette thèse a pour objet l’étude comparée des pratiques scéniques de rue contemporaines, notamment des formes françaises de Marseille (cie. Rara Woulib, collectif Ornic’art) et brésiliennes de Porto Alegre (groupe Falos & Stercus, tribu Ói Nóis Aqui Traveiz). Ainsi les enjeux du travail de recherche procèdent de la problématique suivante : « sous quelles formes d’exploitation de l’espace urbain et du temps quotidien se donnent les pratiques politiques de la scène de rue d’aujourd’hui ». Prenant en compte les déterminismes qui s’exercent sur l’espace public réglé par des codes communs (cf. M. Santos, H. Lefebvre, M. Foucault, N. Canclini), il s’agit donc d’analyser et de théoriser les propositions artistiques qui se déploient dans l’espace public et vont « fragiliser » ceux-ci. Le propre de ces pratiques scéniques est d’y générer, a priori, du désordre (cf. G. Balandier), pour y faire apparaître un nouvel espace, inattendu. C’est pour cette raison que ces pratiques fondent et/ou refondent l’espace public : à travers l’actualisation de l’espace urbain (cf. G. Deleuze et F. Guattari), ces architectes du sensible produisent, en définitive, de nouveaux modes de « vivre ensemble » (cf. J. Dubatti), une nouvelle communauté, bref une dramaturgie de la vi(ll)e où la notion de passant voisinne avec celle de spectateur. Dans cette perspective qui met en évidence que le fait esthétique est articulé à une dimension politique, on se sert de la notion d’« anthropophagisation ». Ce mot emprunté au Manifeste Anthropophage d'O. de Andrade nous permet de penser à la fois aux phénomènes de dévoration qui apparaissent dans l’espace urbain ainsi qu’au rapport entre quotidien et œuvre d’art
The topic of the present thesis is a comparative study of the practices of contemporary street theatre of Porto Alegre, Brésil (groups Falos & Stercus and Ói Nóis Aqui Traveiz) and of Marseille, French (groups Rara Woulib and Ornic’art). The stakes of the research originate from the following question: "how do the current street theatre policies exploit the urban space and the everyday time frame?" Taking into account the determinism that applies over the public space regulated by shared codes (see M. Santos, H. Lefebvre, M. Foucault, N. Canclini), we aim at analysing and developing a theoretical framework for pieces of work that deploy in the public space "fragilising" them. These theatrical practices inherently generate, a priori, some (dis)order in the public space (see G. Balandier), so that a new, unexpected space can emerge. For these reasons, these practices found and refound the public space: through the renewal of the urban space (see G. Deleuze and F. Guattari), these architects of sensibility create, indeed, new ways of "living together" (see J. Dubatti), a new community, in short a dramaturgy of of life and of the city where the notion of pedestrian is close to that of spectator.Under this perspective that highlights the articulation between the aesthetics and the politics, we adopt the notion of "anthropophagisation". This word, borrowed from the Anthropophagic Declaration (see O. de Andrade), alludes to both the phenomena of devouring that occur in the urban space and the relation between real life and artistic expression, because it "blurs" the gap between everyday life and a piece of art

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Doganis, Basile. "La pensée du corps : pratiques corporelles et arts gestuels japonais (arts martiaux, danses, théâtres) : philosophie immanente et esthétique incarnée du corps polyphonique." Paris 8, 2006. http://www.theses.fr/2006PA082708.

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Abstract:

Dans un contexte de mondialisation, de relativisme culturaliste et de crise de la raison, l’étude de certaines pratiques corporelles et arts gestuels japonais (danses, théâtres, arts martiaux) montre qu’il existe une forme d’universalité par le corps, une pensée immanente, incarnée, fondant un espace de publicité et d’intelligibilité à même l’intuition, le mouvement, la sensation, la croyance. Cette pensée du corps est essentielle à la philosophie, au renouvellement et à l’affinement de ses formes. De même que l’art crée de façon immanente les conditions de sa réception, et porte en puissance une force réformatrice des goûts et des valeurs, ainsi, les pratiques du corps et les arts gestuels japonais instaurent un climat esthétique et philosophique propre, constituent un laboratoire où s’expérimentent les possibles philosophiques de la communauté. Cette recherche, en s’appuyant d’abord sur une série d’exemples, de « cas » significatifs permettant de tirer des conclusions sur le fonctionnement général des facultés mentales et physiques de l’homme, est une mise en lumière de cette philosophie incarnée et immanente, et de cette pensée du corps
In a context of globalization, of culturalist relativism and of rationality crisis, the study of some Japanese bodily practices and gestural arts (dance, theatre, martial arts) shows that a certain form of universality relies on the body and on an immanent embodied thought which create a sphere of publicity and intelligibility within intuition, movement, sensation, belief. This embodied thought is essential to philosophy and to the renewal and the refinement of its forms. Just as art creates immanently the conditions of its own reception and has the power to alter tastes and values, so do Japanese bodily practices and gestural arts institute a philosophical and aesthetic climate of their own, and work as a laboratory where the philosophical possibilities of the community are tried, tested and modified. By focusing on a series of examples and significant “cases”, which allow to draw some conclusions on the general functioning of human mental and physical abilities, this research brings to light an embodied and immanent philosophy, and its embodied thought

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Verlinden, Elodie. "Danse et spectacle vivant: réflexion critique sur la construction des savoirs." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2010. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210146.

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Abstract:

La thèse aura pour objectif premier de relire les discours scientifiques sur la danse à travers quelques démarches considérées comme illustratives d’une discipline. Ce parcours a pour vocation seconde d’interroger les modes de construction de l’objet danse au sein des études en arts du spectacle vivant. Comment les sciences ont-elles pensé la danse ?Fallait-il penser la danse ?A travers quels questionnements peut-on appréhender la performance dansée sans englober un paradigme plus vaste ?Toutes problématiques qui conduisent non seulement à saisir de manière critique les regards sur la danse mais à élaborer un modèle propre qui pose à la fois la question de l’identité et des processus énonciatifs de la danse au sein du paradigme des « arts du spectacle vivant ».
Doctorat en Information et communication
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Bouvier, Hélène. "Les Arts du temps et du spectacle dans la société madouraise (Madura-Est, Indonésie)." Paris, EHESS, 1990. http://www.theses.fr/1990EHES0049.

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Abstract:

L'etude de terrain a ete menee de septembre 1985 a fevrier 1987, dans la partie orientale de l'ile de madura (indonesie). Methode d'observation participante liee a un sejour fixe dans un village, entretiens avec specialistes, amateurs et public, enregistrements audio et video, et leurs transcriptions, notations musicales, enquetes systematique menee en fin de sejour aupres de 37 familles villageoises sur les gouts et pratiques artistiques, et observation directe de 160 seances, furent les methodes qui permirent de constituer le corpus d'etude, croisant les necessites de l'ethnographie et de l'etude thematique. Le chapitre i presente le support musical incontournable de ces pratiques. Dans le chapitre ii, l'auteur s'est attachee a ordonner le corpus tres varie des genres artistiques vivants de cette region, livrer quelques reperes quant a la structure des seances et au repertoire, degager les differenciations regionales, esquisser une chronologie. Le chapitre iii analyse comment sont mis en oeuvre le corps, la voix et les techniques extra-corporelles. Le chapitre iv est consacre aux conditions de temps, de lieu, d'organisation economique et humaine necessaire a l'apprentissage, la pratique, et la reception par un public, ainsi qu'aux tendances et evolutions les plus recentes. Indissociables de la vie quotidienne, ces pratiques artistiques constituent des tentatives de solution et de reponse a des problemes et aspirations tant individuels que collectifs, et comptent comme les elements de strategie de survie, de prestige, de pouvoir economique ou politique
Fieldwork was carried out from september 1985 to february 1987, in the eastern part of the island of madura (indonesia). Participant observation through residence in a village, interviews with specialists, amateurs and audiences, audio and video recordings and their transcriptions, musical notations, systematic surveys conducted near the end of the fieldwork on the artistic tastes and practices of 37 families, and direct observation of 160 performances were the methods enabling the constitution of the corpus of study, addressing the need for ethnographic and thematic study. Chapter i presents the inevitable musical support for these practices. In chapter ii, the author classifies the varied corpus of the region's living artistic genres, offering guidelines concerning performance structure and repertoire, identifies regional differentiation and provides a chronological frame. Chapter iv is devoted to spatial, temporal, economic and human conditions necessary for learning, practice and for reception by an audience, and to the most recent developments. Grounded in daily life, these artistic practices constitute attempted solutions and responses to problemes and aspirations that are both individual and collective, and may be seen as strategies for survival, prestige, or for economic or political power

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Hedayatifar, Kaveh. "Les apports des traditions performatives et musicales iraniennes au sein du processus de création de l’acteur." Thesis, université Paris-Saclay, 2021. https://www.biblio.univ-evry.fr/theses/2021/2021UPASK002.pdf.

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Abstract:

Dans une perspective interculturelle, ce projet esquissera un dialogue entre les traditions performatives et musicales en Iran et l'entraînement de l'acteur. Le passage de ces traditions musicales sur la scène de théâtre contemporain aura pour but d'appréhender ces traditions d'un autre point de vue. Elles seront perçues alors comme un instrument de travail accompagnant le corps, la conscience et la psyché de l'acteur. En effet, le chant (la forme musicale principale de cette expérimentation) est considéré comme un outil pour l'acteur dans son acte de création. Et le chemin de cette recherche-création passe par les expériences européennes de techniques d'entraînement de l'acteur, issues du croisement de la culture européenne et extra-européenne - ce qui est le cas d'artistes comme Jerzy Grotowski et Peter Brook.En somme, ce projet, à partir d'une étude anthropologique, avec un point de vue d'observateur-participant, tente, tout d'abord, de présenter le processus de formation des pratiques performatives et musicales en Iran. Ensuite, en analysant les expérimentations pratiques de l'auteur issues des études anthropologiques, il propose une nouvelle approche pour la création d'ateliers qui touche au processus de création de l'acteur contemporain
From an intercultural perspective, this project will sketch a dialogue between the performative and musical traditions in Iran, and the training of the actor. The passage of these musical traditions in the modern theater stage will aim to apprehend these traditions from another point of view. They are then seen as a working instrument accompanying the actor's body, consciousness, and psyche. Indeed, singing (the main musical form of this experimentation) is seen as a creative tool for the actor in his act of creation. Moreover, the path aimed at, to carry out this research-creation, goes through the European experiments of training techniques for the actor, resulting from the crossroads of European and extra-European culture - which is the case of artists such as Jerzy Grotowski and Peter Brook.In short, this project, which is based on an anthropological study with an observer-participant point of view, attempts, first of all, to present the process of the formation of performative and musical practices in Iran. Then by analyzing the author's practical experiments from anthropological studies, this study proposes a new approach for the creation of workshops that aim at the process of creation of the contemporary actor

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Massa, Charlotte. "Valeur, service et sensation dans l'expérience du concert de musiques actuelles : approche interprétativiste par des données quantitatives et des données qualitatives." Thesis, Toulouse 1, 2014. http://www.theses.fr/2014TOU10026/document.

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Abstract:

Ce travail doctoral propose une compréhension globale de l’expérience du spectacle vivant, à travers le cas du concert de musiques actuelles. Il cherche à cerner l’essence symbolique et les mécanismes sous-jacents au vécu d’une telle expérience. Après avoir dressé un état des lieux épistémologique de notre discipline, une posture interprétativiste ouverte aux données quantitatives et qualitatives est défendue. Par le croisement d’une approche qualitative exploratoire (phénoménologie, observation participante, introspection) et d’un quantitatif exploratoire (modélisations interprétatives par l’outil statistique) combiné à un qualitatif confirmatoire (coproduction de résultats basée sur les modélisations), nous proposons une théorisation de l’expérience du concert. Tout d’abord, par le système de valeurs du concert, nous pouvons comprendre les sens attribués par les spectateurs à leur expérience. Ensuite, nous positionnons la dimension sensorielle comme le fondement de tout moment vécu par l’individu, par la mobilisation de la théorie incarnée. Enfin, cette thèse éclaire la dimension servicielle de l’expérience d’un spectacle vivant, à travers un double-processus engageant deux entités : l’artiste et la salle de spectacle
This research provides a comprehensive understanding of the performing arts experience, with the case of concert. It aims at understanding the symbolic nature and mechanisms underlying this experience. After establishing a picture of the epistemology in marketing, an interpretativist approach with both quantitative and qualitative methodologies is supported. By crossing an exploratory qualitative approach (phenomenology, participant observation and introspection) and an exploratory quantitative approach (interpretative models with statistical tools) combined with a confirmatory qualitative approach (coproduction of results based on the models), we propose a comprehensive theorization of the concert experience. First, through the concert value system, we understand the meanings assigned by spectators to this experience. Then, we state the sensory dimension as the foundation of all individual experiences, through the use of the embodied theory. Finally, this thesis enlightens about the service-based dimension of performing arts experience, through a double process involving two entities: the artist and the concert hall

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Hong, Yi-Chen. "La profession artistique dans les arts du spectacle contemporains à Taïwan." Paris, EHESS, 2009. http://www.theses.fr/2009EHES0013.

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Abstract:

Cette thèse présente les traits principaux et l'histoire de la profession artistique à Taiwan et explique comment elle évolue avec le changement social. La recherche montre que le déclin et la renaissance de l'art du spectacle traditionnel démontrent une interaction évidente entre le monde de l'art et la société. Nous tentons également de trouver les critères de la division du travail artistique en analysant l'évolution de sa définition et de la classification dans les nomenclatures officielles des industries et des professions sous le contexte historique taïwanais. La thèse se focalise sur la profession artistique à partir d'une recherche comparative sur musiciens, danseurs et comédiens de théâtre moderne, et tente de dégager le profil sociologique des artistes professionnels. Privilégiant une approche socio-historique, nous nous intéressons aux cadres institutionnels et politiques de la profession artistique et à l'impact de la modernisation de la société taïwanaise sur celle-ci. Nous examinons notamment leur mode de formation à travers le système éducatif des arts du spectacle, et leurs situations particulières comme leurs conditions communes. Ce travail met aussi en évidence les caractéristiques du métier artistique comme l'irrégularité et l'instabilité du travail, ainsi que la polyvalence et le cumul de revenus. La question de l'absence de travail et du chômage des artistes est discutée en comparaison avec l'ensemble de la population active. Enfin, nous dressons une typologie des difficultés et des mesures adoptées par les artistes dans leurs moyens de subsistance
This dissertation presents the main features and history of the artistic profession in Taiwan and how it evolves with the social change. The decline and revival of the traditional performing art reveals an obvious interaction between the artic world and society. We try to find the criteria of the division of artistic works by analyzing the evolution of its definition and classification in official classifications system within the historical context in Taiwan. This dissertation focuses also on the artistic profession from a comparative research on musicians, dancers and actors of Modem Theater, and tries to identify their sociological profile. With a socio-historical approach, we focus on institutional frameworks and policies of the artistic profession and the impact of the modernization of Taiwanese society; we analyze particularly the education system of the performing arts, and the particular situations of artistic working conditions. This work also highlights the characteristics of artistic work suh as irregularity and instability of work, and the accumulated income. The issue of lack of employment and unemployment for artists is discussed in comparison with the general labor population. Finally, we draw a typology of challenges of artistic works and the measures adopted by artists for their survival

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Hennaut, Benoît. "Théâtre et récit, l'impossible rupture: la place du spectacle dans le spectacle postdramatique entre 1975 et 2004, selon Romeo Castellucci, Jan Lauwers, Elizabeth LeCompte." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2013. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209559.

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Abstract:

Dans sa période particulièrement dense de production au cours des années 1980 et 1990, le spectacle dit « postdramatique » affirme régulièrement sa volonté de rompre avec toute forme de narration qu’illustrent des formes dramatiques plus conventionnelles. C’est même devenu un topos critique de dire que le théâtre postdramatique échappe à la narration ou la rend problématique, tant pour qualifier sa production (en termes de projet dramaturgique) que sa réception par le public.

Cependant, la force du déni installe le doute. Je me suis inquiété de l’insistance avec laquelle une certaine manière de concevoir le théâtre écartait ou s’opposait à un élément aussi structurant et persistant que le récit (en termes culturels, littéraires, dramatiques, …). Après avoir posé les termes de sa définition, j’ai voulu vérifier si le spectacle postdramatique ne contenait vraiment plus aucune forme de récit, quand bien même cette fonction lui serait implicitement ou explicitement contestée. Ma décision de mener l’enquête a été essentiellement provoquée par deux phénomènes :une intuition narrative qui se manifeste quand même vis-à-vis de ces spectacles (sur quoi est-elle fondée ?), et l’existence de textes qui en font le compte-rendu sur un mode narratif à la réception. Par ailleurs, j’ai senti le besoin d’analyser de manière un peu plus fine cette poétique non-narrative déclarée par les auteurs.

* * *

During a particularly dense production period running in the 1980s and 1990s, the so-called “postdramatic” theatre regularly attempted to break from all forms of narration utilized in more conventional dramatic forms. It became a recurring critical leitmotif to say that postdramatic theatre either eschewed narration entirely or rendered it problematic, whether as a qualifier to its production (in dramaturgical terms) or to explain audience reaction.

However, repeated denial definitely inspires doubt. I was concerned that one particular way of thinking about theatre seemed to refuse or rule out such a consistent and structural element as the narrative (culturally, dramatically, as well as in literary terms). I therefore wished to be sure that certain postdramatic pieces really had not retained any form of storytelling, had the choice been made implicitly or explicitly to exclude it. My decision to begin this investigation was triggered by two specific phenomena: a narrative intuition which manifests itself whether one wants it or not when one sees one of these pieces (what is its foundation?), and the existence of texts produced at the reception level which still seem to form a narrative stream when examined. I also felt the need to undertake a more detailed analysis of this non-narrative poetics as laid out by its creators.

Doctorat en Langues et lettres
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Charpentier, Geneviève. "L'accueil en résidence d'auteurs dramatiques : bilan et perspectives d'une aide originale (1981-1993)." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100039.

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Abstract:

Afin de mettre en évidence les aides à l'écriture en faveur des écrivains en général et des auteurs dramatiques en particulier, nous avons examine une démarche historique qui a pris son origine dans un système de grands seigneurs, suivi d'un mécénat d'Etat, pour arriver a une institution d'Etat d'aide de la création, dont la bourse d'écrivain-résident mise en place a partir de 1981, en nous appuyant sur l'aide a la première pièce des 1947, et sur l'aide à la création dramatique, à partir de 1967. La résidence d'écrivain, que nous définissons comme le séjour effectif d'un auteur, dans un temps limite, et dans un lieu déterminé ou s'exerce une fonction d'écriture, a pour objectif de rompre l'isolement du bénéficiaire, de lui donner les moyens de réaliser ses projets personnels, et de collaborer a ceux de la structure d'accueil. Parmi les soixante-dix exemples de résidence recenses, nous distinguons la résidence de romanciers et de poètes, de la résidence d'auteurs dramatiques par le fait que cette dernière est davantage visible. A travers six structures d'accueil régulier d'auteurs dramatiques, sont mis en exergue la nature de l'hébergement, la qualité des séjours collectifs et individuels, les exigences de l'institution et de l'auteur, l'emploi du temps exerce, Les projets d'écriture et d'action envisages, et sont décelées les influences de la résidence dans les textes réalisés.

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Raichvarg, Daniel. "400 années de diffusion de la science par le spectacle (1580-1980) : formes, objectifs, moyens." Paris 7, 1990. http://www.theses.fr/1990PA077218.

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Abstract:

Les efforts pour diffuser la connaissance scientifique ont pris, pendant quatre siècles, des formes originales, parfois insolites. Les manifestations festives de la science sont classées sous quatre rubriques: les conférences spectaclisées, les spectacles dans les fêtes foraines et les fêtes de la science, les féeries scientifiques et les pièces de théâtre scientifique. Dans toutes ces tentatives qui, le plus souvent, se donnent pour expérimentales, le contenu proprement scientifique des informations importe moins que les liens établis entre la découverte et la pratique scientifiques et l'ensemble des activités sociales: liens science - technique, science - société (institutions scientifiques et de l'état), science - autres champs de la culture et de la création et surtout science - idéologie qui en est le paradigme organisateur principal (l'image de la science véhiculée est soit celle d'un hymne à la science, soit celle d'une science citoyenne présentant la responsabilité sociale du savant et la part prise par la science dans la formation morale et civique du citoyen). Préciser l'impact sur le public de toutes ces formes de diffusion de la science reste difficile, soit parce que les données quantitatives manquent, soit parce que les données qualitatives sont subjectives. La mise en spectacle de la science est cependant un excellent miroir de la manière dont une époque a envisagé ses relations à l'une de ses productions, la science.

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Fargier, Noémie. "Expériences sonores et intersubjectivité dans le spectacle vivant contemporain. L'inter[o]ralité, entre désir et pouvoirs." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA152.

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Abstract:

Cette thèse propose une réflexion sur la relation entre scène et salle se tissant à travers l’écoute. Dépassant le modèle activité/passivité auquel pourrait être rattachée l’expérience sonore du spectateur, nous tenterons de cerner les contours de cette relation où l’un émet tandis que l’autre reçoit, mais aussi répond. Le pouvoir semble du côté de la scène, capable de forcer l’écoute du spectateur, d’écraser toute réaction, tandis que le désir serait l’enjeu même de cette relation asymétrique, et circulerait de part et d’autre. Associant la notion d’auralité, qui englobe en un seul terme l’écoute et l’audition, à celle d’oralité, acte d’émettre une parole à l’intention d’un auditeur, la notion d’inter[o]ralité, fusionne les deux pôles, émission et réception, et les deux organes, bouche et oreille. Elle cherche à cerner la dimension intersubjective de la relation d’écoute liant la scène à la salle : si celle-ci prend modèle sur la situation d’énonciation, elle ne se réduit pas à l’écoute muette d’une parole ; elle est jeu d’adresse, intention d’attention.Cette réflexion, mûrie au fil d’une expérience de spectatrice, nourrie de la mémoire, souvent fragmentaire, de spectacles, se fonde sur un corpus d’oeuvres vues et entendues entre 2004 et 2017, créées par des artistes de la scène européenne tels que Joël Pommerat, Romeo Castellucci, Maguy Marin, Vincent Macaigne, Gisèle Vienne, Rimini Protokoll, dont le rapport au sonore est remarquable ou parlant du fait de la relation qu’il engendre avec le spectateur. Aussi cette réflexion invite-t-elle à une appréhension plus large de l’écoute : non seulement comme réception du sonore et de ce qu’il y a à entendre, mais comme réponse à une proposition émise à l’attention d’un autre, attention à cette attention elle-même, à laquelle ce dernier est libre, à tout moment, de se dérober
This thesis explores the relationship between stage and audience as it arises in listening. Going beyond the activity/passivity paradigm that could be used to describe the audience’s sonic experience, we will try to draw the contours of a relationship in which the one produces while the other not only receives, but also responds. Power seems to belong to the stage in order to enforce listening on the part of the spectator and to prevent any reaction, while desire appears to be circulating back and forth as the purpose of this asymmetrical relationship. Conflating the notion of aurality, which gathers “listening” and “hearing”, and the notion of orality, which is the act of producing speech for a listener, the notion of inter[o]rality combines the two sides, production and reception, and the two organs, mouth and ears. It aims at capturing the intersubjective dimension of the listening relationship between stage and audience : even if it is modeled on the paradigm of enunciation, it is not limited to the mute listening of what is being said ; it is a game of addressing, an intention of attentiveness. This reflection, which has matured along with my experience as a spectator and which relies on the often incomplete memory of the shows I have seen, is based on a corpus of works that I watched and heard between 2004 and 2017. They were produced by European stage directors and artists such as Joël Pommerat, Romeo Castellucci, Maguy Marin, Vincent Macaigne, Gisèle Vienne, or Rimini Protokoll, whose connection to sound is remarkable or significant because of the relationship it creates with the spectator. In this way, this reflection encourages a wider approach to listening, considered not only as the reception of sound and of what is to be heard, but also as a response to what is offered to the attention of an other, and as an attentiveness to this attention itself, which the other is free, at any moment, to relinquish

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Marie, Caroline. "Virginia Woolf : le roman du spectacle." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040246.

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Abstract:

A l'instar d'Orlando, The Waves, The Years et Between the Acts, les arts du spectacle au début du XXe siècle sont polymorphes et en pleine métamorphose. Cette analyse met en évidence des similitudes entre les romans et les pièces connues de Virginia Woolf. Elle convoque surtout les grandes théories du spectacle qui marquent la modernité pour confronter les stratégies narratives et polémiques mises en œuvre par la romancière à la palette de techniques utilisées par les dramaturges, les scénographes et les cinéastes de son temps. En effet, c'est moins le théâtre que la théâtralité, moins les spectacles que la spectacularité qui fertilisent le roman woolfien. Les traits spectaculaires transférables au genre de la fiction forment au sein des romans un riche réseau sémiotique. Ils font des romans la scène de multiples transformations, un champ d'action et d'expression ainsi qu'un espace de distanciation et de libération. Ils participent à la dimension métanarrative de l'oeuvre woolfien
At the turn of the twentieth century, the performing arts are polymorphous and ever-evolving, just as Virginia Woolf's novels, especially Orlando, The Waves, The Years and Between the Acts. This study highlights similarities between these novels and some plays that Woolf had read or seen. First and foremost, it refers to major modern theatrical theories to compare Woolf's narrative and polemical strategies with those of the playwrights, scenographers and film-makers of her time, whether she knew these conceptions or not. Indeed theatricality and spectacularity, defined as systems of traits that may be transferred to other artistic genres, shape Woolf's fiction more than specific plays. As a web of effective metaphors theatricality and spectacularity partake to the creation of meaning in the novels. They bring about the motives of transformation, action and expressivity while allowing for distanciation and critical awareness

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Kolářová, Petra. "Étienne Decroux (1898-1991) : "portrait du mime en sculpteur" : figures du corps au croisement des arts du spectacle et des arts plastiques." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010551.

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Abstract:

Notre thèse porte sur Étienne Decroux, le créateur du mime corporel. Nous montrons que Decroux s’inspire à la fois du théâtre et de la sculpture pour concevoir son art du mime, qu’il définit comme la statuaire mobile. D’une part, il reprend le concept du masque de Jacques Copeau et celui de la sur-marionnette d’Edward Gordon Craig pour les transposer directement au corps. D’autre part, ses œuvres incarnent les formules de pathos observées dans les statues. La sculpture d’Auguste Rodin est une source d’inspiration centrale dans sa manière de représenter le corps sur scène. De plus, Decroux conçoit le corps comme une suite de prises de vues défilant devant le spectateur. Collaborant avec Étienne-Bertrand Weill qui photographie ses spectacles, il constitue une iconographie du mime pour mieux donner à voir le mouvement du corps en image. Enfin, Decroux considère le corps comme de la matière à sculpter. En s’identifiant aux sculpteurs mythiques, il met en avant l’aspect créateur de son art. Comme Pygmalion, il anime les corps de ses élèves. Comme Prométhée il transforme la société par son art aux aspects politiques. La statuaire mobile représente un concept-clé du mime corporel d’Étienne Decroux qui s’étend de la conception du mouvement sur scène à la prise de position éthique de l’homme dans le monde
The thesis main subject is Etienne Decroux, the father of corporeal mime. The main objective is to show that Decroux draws on both theatre and sculpture, thus conceiving his art of mime as the mobile statuary. On the one hand, he takes up the concept of mask put forward by Jacques Copeau and Edward Gordon Craig's ubermarionnette, transposing both concepts directly to the body. On the other hand, he embodies the pathos formulas observed in the statues. Decroux was heavily inspired by Auguste Rodin's sculptures in order to represent the body on stage. Moreover, Decroux conceives the body as a series of images which unfold before the audience. Working along with Etienne-Bertrand Weill who photographs his shows, he creates a relevant source of iconography of the mime that unveils the movement of the body in images. Finally, for Decroux, the body is a sculpting material. By identifying himself with the mythical sculptors, he brings forward the creative aspect of his art. Just as Pygmalion, he enlivens the body of his students and, as Prometheus, he transforms the society through his political art. The mobile statuary is then a key concept in the corporeal mime that goes from the conception of the movement on stage to the ideal and the universal in man
Disertační práce se zabývá osobností Étienna Decroux, tvůrce projektu tělesného mima (mime corporel). Jejím cílem je dokázat, že se Decroux inspiroval divadlem i výtvarným uměním k vytvoření koncepce tzv. „pohyblivé sochy“ (statuaire mobile). Z divadla přebral koncept masky Jacquesa Copeau a koncept nadloutky Edwarda Gordona Craiga, aby je převedl přímo na tělo. Ze sochařství přejímal formule patosu, zejména se inspiroval dílem Augusta Rodina a jeho koncepcí tělesné figury. Decroux pojímal tělo jako sérii obrazů, které se odvíjejí před divákem. Ve spolupráci s fotografem Étiennem-Bertrandem Weillem, který dokumentoval jeho představení, vytvářel ikonografický soubor, jenž zobrazuje mimovo tělo v pohybu. Na druhou stranu chápal tělo jako materiál, který mim modeluje jako sochař. Decroux se ztotožňoval s mytickými sochaři, aby dal najevo svoji roli umělce a tvůrce. Jako Pygmalion „oživoval“ těla svých žáků a jako Prométheus přetvářel společnost svým uměním, které mělo politický náboj. „Pohyblivá socha“ (statuaire mobile) představuje klíčový koncept umění tělesného mima Étienna Decroux, který zahrnuje jak koncepci scénického pohybu, tak etické postavení člověka ve světě

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Buffon, Valeria Andrea. "L'idéal éthique des maîtres ès arts de Paris vers 1250, avec édition critique et traduction sélectives du Commentaire sur la Nouvelle et la Vieille Éthique du Pseudo-Peckham." Thesis, Université Laval, 2007. http://www.theses.ulaval.ca/2007/24872/24872.pdf.

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Bordeaux, Marie-Christine. "La médiation culturelle dans les arts de la scène." Avignon, 2003. http://www.theses.fr/2003AVIG1037.

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Abstract:

Une théorie de la médiation culturelle doit prendre en compte les liens croisés de la production, de la mise en objet et de la réception d'une catégorie particulière d'objets culturels : les œuvres de l'art. Il ne s'agit pas seulement de changer de point de vue, de déplacer le regard généralement absorbé par les extrémités de la médiation (accomplir l'œuvre d'art, toucher le public), pour privilégier l'entre-deux de la médiation. Car la médiation culturelle n'est pas un mode de communication entre deux mondes considérés comme séparés : le monde de l'art, et celui de ses récepteurs. Elle n'est pas seulement lien, passage. Elle désignerait plutôt un espace de production d'objets mixtes qui permettent un partage du sens. La thèse analyse ce que fait la médiation dans un secteur peu étudié de ce point de vue, celui des arts de la scène, où sont mises en œuvre des actions de recherche de nouveaux publics, de sensibilisation, de transmission, de partage esthétique autour de la création contemporaine en théâtre et en danse. Ce qu'elle fait non seulement à ses différents acteurs, mais également aux œuvres elles-mêmes, avec lesquelles elle entretient une relation transitive complexe, parfois même improbable. Les récits des acteurs de la médiation, croisés avec une observation de terrain, conduisent à une description de quelques " genres " de situations et d'objets produits par la médiation : le médiation ordinaire d'un ballet d'opéra, un débat public artistique au Festival d'Avignon, la diffusion de la culture chorégraphique par un spectacle de danse résultant d'une commande à caractère pédagogique. Ces objets sont ensuite analysés dans une perspective sémio-pragmatique, à la fois comme situations d'expérience sociale, lieux privilégiés de production de la croyance, intégrant comme une donnée majeure la hiérarchisation des objets culturels, et comme des dispositifs, structures où se combinent deux types d'intentionnalité : la production artistique et la réception esthétique

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Laurent, Stéphanie. "Le travail identitaire des organisations intermittentes : le cas des associations du spectacle vivant." Thesis, Lyon, 2020. http://www.theses.fr/2020LYSE3043.

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Abstract:

Comment évolue l’identité des organisations dont l’activité est discontinue ? Pour répondre à cette question, une étude de cas a été menée dans trois associations du spectacle vivant pendant trois ans. La recherche mobilise une approche ethnographique, basée sur plus de 500 heures d’observation participante et 31 entretiens, pour saisir les changements en temps réel dans leur contexte. Sur une période de plusieurs années, les trois associations évoluent très différemment : dans le premier cas l’identité d’origine est réaffirmée, dans le deuxième elle est renouvelée et dans le troisième elle est réinventée. Des termes musicaux sont employés pour nommer ces trois évolutions identitaires : le thème, la variation et l’improvisation. Dans les trois associations, un nouveau sens des croyances identitaires est formulé par les acteurs. Ce nouveau sens n’est cependant pas systématiquement adopté. Trois mécanismes permettant de réaffirmer le sens d’origine des croyances identitaires sont identifiés : la prise de distance, le désenchantement et le désaveu. L’activation de ces mécanismes répond à un besoin de protection de certains acteurs qui se trouvent mis en difficulté par le changement. En montrant comment l’organisation intermittente peut s’appuyer sur la discontinuité de son activité pour en faire une ressource du travail identitaire, ce travail doctoral offre aussi des éléments de compréhension pour les managers d’organisations de ce type
How does the identity of discontinuous organizations change? To answer this question, a three-year-long study was conducted in three non-profit performing arts organizations. This study builds on an ethnographic approach based on more than 500 hours of participant observation and 31 interviews to follow real-time interactions in their context. Over a period of several years, the three organizations evolve very differently: in the first case original identity is reasserted; in the second one identity is renewed; and in the third one it is reinvented. Given the centrality of music to the performing arts organizations studied, naming these three identity evolutions the theme; the variation; and the improvisation seemed apposite.In the three cases, identity beliefs’ new meanings are formulated by organizational members. These new meanings are not systematically adopted. The study identified three mechanisms allowing members to reassert the original meaning: distancing; disenchanting; and rejecting. The study argues that activation of these mechanisms answers a need for protection of some organisational members experiencing difficulties in the change process. By showing how discontinuous organizations can rely on discontinuity as a resource for identity work, this doctoral work also offers elements of comprehension for managers of such organizations

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Gersin, Malincha Zeller Olivier. "La Vie théâtrale lyonnaise d'un Empire à l'autre Grand-Théâtre et Célestins, le temps du Privilège (1811-1864) /." Lyon : Université Lumière Lyon 2, 2007. http://theses.univ-lyon2.fr/sdx/theses/lyon2/2007/gersin_m.

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Béranger, Eliane. "Rire / faire rire et chemin spirituel : une esthétique de la dévotion." Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082431.

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Abstract:

La relation entre les officiants et les dévots d’un culte est la même que celle entre les artistes et les spectateurs. L’engagement des intervenants est total, les assistants ont le même désir de recevoir. Une force d’ordre spirituel se dégage, intrinsèque à la situation. Les deux cas requièrent un état de disponibilité mentale de l’assistance. Mis en scène de manière grandiose ou sobre, le rite ou la voix participent du « spectacle ». Faire rire l’assistance accélère la disponibilité, individuelle et collective et augmente l’efficacité de la transmission esthétique ou spirituelle. Le « spectacle » offre les meilleures conditions pour cet échange. Pour les voies spirituelles étudiée, le grandiose du premier dévoilement est au service de l’expérience intime. La « fête » donne le contexte protecteur nécessaire à la fois au culte, au spectacle et au rire individuel ou collectif. Nous étudions comment différentes voies spirituelles en Europe assument la nécessité du « spectacle » dont elles prônent le mépris. Mettre en face le miroir des voies hindoues permet de faire ressortir leurs réponses pragmatiques. L’hindouisme a fait du « spectacle » une offrande et du rite une fête. Le bouffon relie les différents éléments de cet ensemble. Il relie les textes fondateurs au présent, l’éthique universelle à la réalité locale, le mythique au quotidien. L’hindouisme apprécie l’émotion esthétique comme le paradigme de l’expérience mystique. Ce travail explore du point de vue artistique les multiples articulations et détours qui accompagnent un chemin spirituel que parcourent dévot et esthète
The relationship forged between an officiant and his congregation and participants in the performing arts with their audience are similar. Both do so with the same wholehearted commitment. Both attendance’s participation lies in their willingness to receive. The spiritual aura emanating is thus intrinsic to the event. In both cases, the audience’s receptiveness of mind is indispensable. Whether in a grandiose or sober setting, the ritual or simply the spoken words partake in constituting the drama. If laughter, the audience’s receptiveness at both individual and collective level is accelerated and effectiveness of aesthetic or spiritual message is increased. The spectacular presentation provides the best means to such an exchange. In the forms of spirituality studied, the initial grandiose revelation is at the service of a personal experience. The “festival” provides the context to protect the act of worship, the spectacle and laughter at all levels. We study how the different spiritual orientations in western culture have come to terms with the inevitability of accommodating the idea of “entertainment”, otherwise denigrated. Mirrored but he Hindu way, the different pragmatic solutions resorted to in the West become more apparent. In Hinduism the spectacle becomes a religious offering and ritual a reason for festivity. The jester becomes the link between the founding scriptures and contemporary life, relating universal ethics to the local community and the myth to everyday life. In Hinduism, the emotion by contemplating beauty is perceived as a paradigm of the mystical experience. This research explores, from an aesthetic point of view, the various detours and junctures accompanying a spiritual path that follow the worshipper and the aesthete

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Kouadio-Bouadou, N'da Kadiatou. "La lettre administrative et l'acte administratif unilatéral à Abidjan - éthique et esthétique communicationnelles." Thesis, Saint-Etienne, 2010. http://www.theses.fr/2010STET2132/document.

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Abstract:

Entre la tradition de l'écriture et celle de l'oralité, l'écrit administratif, à Abidjan , est un écrit entre deux. Il se situe entre deux cultures que véhiculent une langue officielle au statut légitimé par la constitution et des langues locales issues de quatre groupes linguistiques et qui, bien que non enseignées, sont couramment pratiquées par les populations. Dans une telle situation de diglossie et contrairement aux pratiques orales en français qui , en Afrique francophone, mettent en relief une appropriation du français par des phénomènes d'interférences lexicales, syntaxiques et des adjonctions ou des troncations, l'écrit administratif apparaît comme un document correctement écrit des points de vue syntaxique et lexical. Cependant, comme dans toute rencontre, le contact des langues en présence influe sur le comportement langagier des locuteurs. Dans le cadre de l'écrit administratif, les locuteurs prennent appui sur les dispositifs langagiers oraux, mieux connus et mieux maîtrisés, pour construire leurs écrits. Ce dispositif, marqué essentiellement par une éthique de l'altérité qui fait de la parole un art, est source d'étrangeté du fait de son éloignement des normes conventionnelles de l'écrit administratif. Cette étrangeté qui n'est que la manifestation de l'étranger dans sa pratique du français administratif, révèle une esthétique discursive particulière. Ainsi, l'expression de l'identité linguistique, l'écrit administratif est également à percevoir comme le lieu d'une interculturalité et le locuteur un passeur favorisant le lien nécessaire entre les peuples et les cultures
Between the tradition of the writing and that of the orality, the formal writing, in Abidjan, is a writing between two. It is located between two cultures that convey an official language to the status legitimated by the constitution and the local languages from four linguistic groups and which , althought not taught, are commonly practiced by the populations. In such a situation diglossia and contrary to practices in french, wich oral, in francophone Africa, highlight a ownership of the French language by the phenomenon of interference lexical, syntactic and additions or truncations, formal writing appears as a document properly written of points of view syntactic and lexical. However, as in any meeting, the contact of the languages affects the behaviour of language speakers. In the framework of the formal writing, speakers take support on the oral devices, better known and better controlled, to build their writing. This device, characterized by an ethic of otherness which makes the talk an art, is a source of strangeness because of its expulsionof standards of the administrative writing. This strangeness reveals an aesthetic discursive particular. Thus, expression of the linguistic identity, administrative writing is also to perceive as the place of interculturality and, the speaker, a boatman favouring the necessary link between people and cultures

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Bauer, Bronstrup Camila. "Interculturalité et scènes contemporaines: sémiotique de la diversité." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2010. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210129.

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Abstract:

Dans un large corpus de spectacles, lorsque nous acceptons que le spectateur perçoive l’interculturalité en tant que composante scénique, même si l’interaction et le métissage ne sont pas effectivement présents, nous pouvons affirmer que la notion d’interculturalité mérite une mise au point. La variété de types de processus et de constructions scéniques développées dans les quarante dernières années appelle donc un concept capable d’héberger la notion de Diversité. Ainsi, nous proposons une lecture sémiotique de différents croisements et manifestations scéniques, en leur allouant la perception esthétique de la diversité, tel que l’a proposée Victor Segalen. Notre argument veut démontrer que la théorie de Segalen apporte à la scène contemporaine un nouveau regard en faisant confluer d’une façon plus adéquate les différents types de spectacle considérés comme « interculturels ». Cette théorie englobe des notions anthropologiques, ethnologiques, philosophiques et politiques, et qui circonscrivent l’être humain dans un contexte contemporain global, rendant possible une construction sémiotique particulière.

Par là, notre thèse recherche les fondements d’une sémiotique de la diversité sur la scène contemporaine et ses différentes formes de manifestation. Elle aspire à comprendre les spécificités émergées avec elle lorsqu’un mécanisme de construction interculturelle est installé dans les processus de construction et de concrétisation. Dans le but d’identifier les bases et formes d’expression qui construisent l’interculturalité en tant que processus anthropologique, nous allons construire une critique sur leurs origines et formations, à partir de l’analyse de différents spectacles. Nous allons donc établir, au moyen de la sémiotique et de l’anthropologie, les différences entre « influence étrangère », dont de nombreux spectacles reçoivent, et « échange culturel » élaboré par un processus intentionnel d’interaction. Nous étudions les morphologies et les fonctions épistémologiques des contacts culturels présents dans la construction et l’énonciation du discours scénique, en réunissant des notions provenant de l’anthropologie, de l’ethnoscénologie et de la sociologie du spectacle, structurant ainsi le cadre sémiotique de la diversité.

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Taking into consideration that in a large corpus of performances spectators perceive interculturality as a scenic component, although interaction and hybridisation are not actually present in the production of the play, we can assert that interculturality’s conception merits a review. The variety of scenic processes and constructions developed in the last forty years claim for a concept suitable to accommodate the notion of diversity. Thus, we propose a semiotic reading of different interweaves of cultures and artistic events, combining the aesthetic perception of diversity proposed by Victor Segalen. Our argument intends to show that Segalen’s theory brings to the contemporary scene a new perspective and converges in a manner more relevant, different kinds of performances usually acclaimed as “intercultural”. It provides anthropological, ethnological, philosophic and political notions that circumscribe human being into a contemporary global context, allowing us to set up a specific semiotics.

Therefore, our thesis investigates the foundations of a semiotic of diversity in contemporary dramatic scene and its different kinds of manifestation. It seeks to understand the particularities that emerge out of the semiotic of diversity when, in its process of construction and concretization, it establishes an intercultural mechanism. Likewise, we’ll assemble a reflexive critic on its backgrounds and forms, consisting of the analysis of different performances which are the basis and the manners of an intercultural construction as an anthropological process. We want to establish through semiotics and anthropology the difference between "foreign influence", that many of the performances grasp, and "cultural exchange" built up all the way through a deliberate process of interaction. We’ll hunt for morphologies and epistemological functions of cultural contacts that are present in the construction and the enunciation of the performance discourse through the application of concepts drawn from anthropology, ethnoscenology and performance sociology, thus structuring the framework of semiotics diversity.

Doctorat en Information et communication
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Iconomopoulou, Christina. "Le spectacle populaire, les mouvements cubisme-futurisme et leur alliance esthétique dans le ballet Parade." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040061.

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Abstract:

Le ballet Parade, présenté pour la première fois en 1917, fut le résultat de la collaboration créative entre Jean Cocteau, Erik Satie, Pablo Picasso et Léonide Massine. A travers une analyse menée en profondeur, l'auteur instaure des correspondances éloquentes entre l'esthétique de plusieurs distractions populaires en vogue durant les années '10 à Paris, et l'élaboration du livret, du rideau et des costumes, de la musique et de la chorégraphie du spectacle, sans pour autant délaisser les aspects de parade -tels que le décor et les costumes-constructions des managers, le grimage d'un des protagonistes du ballet et le bruitisme de la musique- qui semblent être directement influencés par les principes du cubisme et du futurisme. Par la suite, l'auteur repère les processus esthétiques grâce auxquels s'effectue dans le ballet, l'alliance du spectacle populaire et des mouvements cubisme-futurisme. L'étude sur le ballet parade s'achève sur la mise en évidence de sa valeur moderniste, son importance pour l'évolution de la troupe dans laquelle il est né, et son apport dans la carrière ultérieure de ses demiurges.

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Mencarelli, Rémi. "L'interaction lieu – objet dans le cadre de l'expérience vécue : approche par la valeur et la fidélité du consommateur." Dijon, 2005. http://www.theses.fr/2005DIJOE010.

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Abstract:

Nous avons développé une réflexion autour de la notion d'expérience de consommation qui, depuis 20 ans, a éveillé l'intérêt des chercheurs et des praticiens. Mais cette notion a vu sa portée se réduire. Notre réflexion a été développée dans le champ du spectacle vivant. Nous avons tenté de démontrer que l'expérience culturelle ne doit pas se limiter à la seule prise en compte de l'objet culturel mais doit intégrer le lieu de consommation. Pour appréhender l'expérience vécue, nous avons mobilisé la valeur définie comme une préférence relative caractérisant l'expérience d'un sujet en interaction avec un objet. Enfin, nous avons abordé le rôle de l'expérience vécue comme déterminant de la fidélité (une expérience réussie étant considérée comme le déclencheur d'une relation de long terme). Pour interroger les spectateurs sur leur expérience vécue ainsi que sur la fidélité dans une perspective longitudinale, nous avons mobilisé Internet comme outil d'enquête et les données de panels
We developed a reflexion around the concept of consumption experience which, over the last 20 years, has waked up the interest of the researchers and the professionals. But this concept has been reduced. Our reflexion was developed in the field of performing arts. We tried to show that the cultural experience should not be limited to the relation between the consumer and the cultural object but must integrate the role of the cultural place. We explore the track of value defined as an interactive relativistic preference experience. Then, we approached the role of the experience like determinant of loyalty (a successful experience is often regarded as the beginning of long term relationship). To question the spectators on their experience and loyalty from a dynamic point of view, we mobilized Internet like tool of investigation and the sample groups

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Belzil, Normand Carol-Ann. "La praxis éthique et esthétique de la frivolité dans une production sérieuse." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28081.

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Abstract:

Par une pratique ouverte et éclectique, j'ai décidé d'orienter mon travail de recherche de maîtrise vers une étude libre du cinéma d'animation. Mon approche de la création est frivole bien qu'elle s'inscrive dans un cadre méthodique et rigoureux. La réalisation de trois films d'animation m'a permis d'analyser le concept de ligne, de construction et de corps afin de tisser des liens avec les autres arts comme la céramique et l'impression numérique. La synthèse de mon travail est présentée dans le cadre d'une exposition à La Bande Vidéo du 13 janvier au 5 février 2017 sous le titre À peu près prêt(e).

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Lamarque, Anne-Laure. "Le dansé et l’art comme véhicule : butô(s) entre France et Japon." Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA084010.

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Abstract:

Cette étude met en perspective les modalités de l’action de danser – le dansé – dans le cadre de six démarches Butô développées par des danseurs en France et au Japon : Claude Magne, Richard Cayre, Carlotta Ikeda en France, et Ko Murobushi, la compagnie Dairakudakan (Akaji Maro) et Yoshito Ôno au Japon. Il s’agit de l’étude de l’élaboration performative de ces danses, la fabrique de celles-ci. L’investigation des modalités de ces cheminements et l’étude des actions des performeurs se réalisant essentiellement à travers l’engagement personnel dans ces voies de pratiques. Comment pourrions-nous caractériser ces cheminements qui s’opèrent dans la durée sur le long terme, et qui, à travers la mise en œuvre des techniques du corps ainsi que les procédés discursifs qui les accompagnent, rendent indissociables art et chemin de vie ? La question principale à laquelle nous tentons de répondre dans cette étude est : En quoi des artistes danseurs, en France et au Japon, par leur recherche sur les processus spécifiques qui conduisent à la pratique de butô(s), génèrent-t-ils des pensées/actions, des façons d’être, qui permettent de reconsidérer les notions d’action, de cognition, d’imaginaire, d’art, et de rapport au monde ? Cette recherche ouvre sur la question de l’art et de son champ opératoire, sur les rapports entre art et société et elle s’inscrit au sein du vaste champ de recherche sur les pratiques performatives (projet de l’ethnoscénologie) ou sur « les comportements humains méta quotidiens » (Grotowski)
This study puts in prospect the methods used for the action of dancing – the dancing process – in the field of six "Butoh" approaches developed in France and in Japan: Claude Magne, Richard Cayre, Carlotta Ikeda in France, and Ko Murobushi, Dairakudakan company (Akaji Maro) and Yoshito Ohno in Japon. It is about the study of the performative elaboration of these dances and their fabric. The investigation of the various steps of these approaches and the study of the performers' actives are essentially carried out through a personal commitment in these practical involvements. How could we define these advances, which have an effect on a long term basis, and which, through the setting up of body techniques together with the discursive procedures that go along with them, make it impossible to separate art from the path of life? The main question that we attempt to answer in this study is: thanks to their research on the specific process that lead to the practice of butoh(s), to what extent do artists-dancers in France and in Japan manage to generate thoughts/actions, lifestyles, that allow to reconsider the notions of action, cognition, the imaginary, art, and relation to the world? This research leads to the question of art and its operating field and to the connections between "art" and "society". It is part of a wide field of research on "performative practices"(project of ethnoscenology) or on "the meta daily human behaviors "(Grotowski)

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Larmet, Chloé. "Expériences de voix : à l'écoute de Krystian Lupa, Christoph Marthaler, Joël Pommerat, Claude Régy et Anatoli Vassiliev." Electronic Thesis or Diss., Amiens, 2016. http://www.theses.fr/2016AMIE0044.

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Abstract:

Traversant les théories philosophiques, littéraires et psychanalytiques, notre réflexion se portera à l'écoute de représentations théâtrales qui s'affirment comme des expériences poétiques de la voix dont l'épreuve interroge les coordonnées du jeu dramatique, la perception du spectateur et, plus largement, la nature du geste esthétique théâtral. Quelle est cette voix que l'acteur, une fois sur scène fait résonner vers le spectateur et ses partenaires de jeu ? Est-ce la simple oralisation d'un texte ou bien y-a-t 'il ajout de signification, et si oui, quel est le statut d'une telle signification ? Qu'entend-on dans cette voix sur scène : une mélodie, un rythme, un timbre, un discours ou la résonance du tremblement d'un corps ? Que voit-on dans cette écoute : un corps tremblé, un visage vocal, des subjectivités entremêlées ? Ces quelques questions signalent l'endroit vers lequel nous souhaitons diriger notre regard et notre écoute : la représentation théâtrale, dans la contemporanéité de son présent, offre au spectateur la possibilité de faire l'expérience d'une multiplicité de modalités selon lesquelles la voix peut être pensée. Ce sont vers ces expériences théâtrales singulières proposées par Krystian Lupa, Christoph Marthaler, Joël Pommerat, Claude Régy et Anatoli Vassiliev que nous souhaitons tendre l'oreille afin d'y faire l'expérience d'une inquiétude de l'écoute. Ces esthétiques scéniques procèdent d'un "dessaisissement" du savoir et constituent pour nous un laboratoire expérimental privilégié pour une compréhension et une saisie de la voix : elles en éprouvent ses liens avec le langage et/ou avec le sujet et, a fortiori, sa perception
Our research will cross philosophy, literature, and psychoanalysis to question the notion of voice in specific works of directors who offer, through the present of the theater show, poetic experiences that challenge the perception of the spectator. What is the nature of this voice one can hear on stage ? Is it only the audible version of a preexisting text or is there another kind of signification that would be created by the voice itself ? What do one hear through this voice : a melody, a rhythm, a speech or something else ? What do one see in this voice : a body, a vocal subjectivity or various vocal subjects intermingled ? Those questions reveal the orientation of our approach towards theater : the contemporaneity of the show allows the experience of active and plural streams of thoughts regarding the notion of voice. We will listen to the works of Krystian Lupa, Christoph Marthaler, Joël Pommerat, Claude Régy, and Anatoli Vassiliev and see how they create an art that question the act of listening – or observing, we will prove that the act of listening, in the theater arts, is always an act of imagination, even a fantasied one – and reveal the complexity of voice. Our research will consider those creations as an experimental laboratory for voice and their experience will allow us to understand better the tensions that define voice

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De, Sanctis Arianna Berenice. "L'Odin Teatret et l'Amérique latine : l'invention d'un réseau politique, esthétique et de compagnonnage." Paris 8, 2014. http://octaviana.fr/document/185475922#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Abstract:

En 1964, se constitue le groupe international de théâtre nommé Odin Teatret qui commence ses activités d'abord en Norvège puis, à partir de 1966, s'installe au Danemark. Au fil de sa longue et riche existence, ce groupe a établi un réseau de contacts au niveau mondial et, à partir de la moitié des années 70, il a commencé à tisser des relations privilégiées avec l'Amérique latine. Celles-ci constituent une clé de voûte pour la compréhension de la démarche théorico-pratique du groupe. La rencontre avec l'Amérique latine a été déterminante pour les réflexions politiques et esthétiques d'Eugenio Barba pour lequel le théâtre a été le moyen privilégié d'explorer cette région du monde. En outre, la structure communautaire et familiale de l'Odin, son goût pour la cérémonie, sa dimension artisanale, l'obsession pour la « mémoire » et la « commémoration » ont rejoint les intérêts et les inquiétudes de plusieurs artistes latino-américains et ont assuré la survie de cet ensemble jusqu'à présent, cinquante ans après sa fondation (2014). Pendant ses nombreuses tournées sur le continent latino-américain, l'Odin a été connu davantage par ses activités méta-théâtrales que par ses spectacles. Il a organisé des conférences, des rencontres, des séminaires, des démonstrations de travail, des trocs, a montré des vidéos et développé une activité éditoriale importante. En considérant que ce réseau se fonde sur des relations à la fois anciennes et récentes, réelles et espérées, nées à des périodes et dans des endroits très différents, cette recherche s'est proposée de faire émerger la micro-histoire, dans le but d'éclairer davantage le sens et le dessein des choix et des activités menées par le groupe danois. L'étude de cas de ce phénomène unique dans le théâtre international du XXe siècle permet de mieux comprendre et situer l'évolution du spectacle vivant contemporain
Odin Teatret formed in 1964. This international theater group first began its activities in Norway and then moved to Denmark. In the course of its long and valuable existence, this group has established a network of contacts throughout the world and, from the 1970s onward began focusing on developing its contacts in Latin America. These particular relations provide the structural key to understanding the theory and praxis characteristic of Odin. The encounter with Latin America proved decisive in shaping the political and aesthetic thinking of Eugenio Barba, for whom the theater would remain the favored means of exploring this part of the world. Moreover, the communitarian and familial structure of the Odin, its predilection for the ceremonial, its artisanal dimension, its obsession with « memory » and « commemoration » align themselves with the interests and concerns of many Latin American artists and these have insured the survival of this ensemble through the present day (2014), half a century after its inception. Throughout its many tours on the Latin American continent, Odin Teatret has been more famous for its meta-theatrical activities than for its productions, organizing conferences, encounters, seminars, master classes, trocs, and video projections, while at the same time developing significantly its publishing activities. Given that this network is based both on former and current relationships, whether established or exploratory, born at very different times and places, this current study aims to provide a micro-history of these in order highlight the meaning and design in the choices and activities implemented by the Danish group. This case study of an exemplary phenomenon in international theater in the 20th century allows us to better understand and contextualize the evolution of contemporary live theater

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Mandressi, Rafael. "Transculturation et spectacles vivants en Uruguay, 1870-1930 : approche ethnoscénologique." Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081588.

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Abstract:

L'etude des contacts culturels en uruguay dans la periode comprise entre 1870 et 1930 environ, permet d'approcher la mise en place historique d'une nouvelle configuration de l'ensemble des spectacles vivants, ainsi que de chacune des pratiques qui le composent: diverses formes theatrales, le cirque dit criollo, les activites spectaculaires afrouruguayennes, les multiples expressions du carnaval de montevideo. Le dernier tiers du xixe siecle et les premieres decennies du xxe sont en uruguay une epoque de profonds bouleversements demographiques, qui concernent en particulier une forte urbanisation, le phenomene connu comme exode rural et, surtout, l'immigration europeenne massive. Ce contexte marque par l'heterogeneite culturelle donne lieu a des processus de transculturation au cours desquels de nouvelles formes spectaculaires apparaissent. L'idee de l'emergence de phenomenes culturels nouveaux comme consequence des situations de contact est precisement la proposition principale contenue dans la notion de transculturation, avancee par l'ethnologue cubain fernande ortiz en 1940. Cette notion, enrichie par les contributions des theories de l'auto-organisation et celles de l'apprentissage, fournit a l'etude des spectacles vivants en uruguay des outils conceptuels nettement plus appropries, par exemple, que la theorie de l'acculturation, forgee au sein de l'anthropologie culturelle nord-americaine. La transculturation situe, en effet, les processus de contact culturel au centre de la specificite des formes spectaculaires en uruguay, issues de la circulation intense de materiauxculturels extremement divers a partir de la fin du xixe siecle. La dynamique des transformations de cet ensemble de pratiques amene des questions sur leur plasticite, leur morphogenese, leur historicite, posees et encadrees dans la perspective de l'ethnoscenologie.

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Caillat, Isabelle. "Développement d'outils de management et actes de langage dans les entreprises de spectacle vivant." Thesis, Lyon 3, 2011. http://www.theses.fr/2011LYO30052/document.

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Abstract:

Les entreprises de spectacle vivant évoluent dans un contexte de diminution de ressources externes et de modification des modalités d’attribution des subventions par l’application de la LOLF (Loi Organique relative aux Lois de Finances). Leur problématique repose sur les moyens à mettre en œuvre pour faire face à ces contraintes. Nous nous attachons à démontrer que leur développement dépend de l’amélioration de la logique de coopération entre les acteurs à partir du projet artistique et de l’appropriation des contraintes d’évaluation de la LOLF, pour révéler les performances cachées et développer des ressources internes. Cette recherche se construit à partir de l’hypothèse que l’amélioration de la performance globale des organisations dépend d’une action transformative qui opère selon trois axes interdépendants : l’intervention, les outils de management, le langage–acteur. A partir d’une recherche-Intervention dans un théâtre et d’un diagnostic qualitatif dans un autre, nous accompagnons les acteurs dans une conduite de changement et étudions les conditions de développement managérial dans ce type d’organisation. Nous analysons comment l’utilisation du langage dans le cadre de l’Intervention Socio-Economique modifie les représentations et contribue à l’élaboration d’un nouveau dispositif managérial. Nous proposons d’associer les outils de management socio-Économiques, utilisés comme des matrices de lecture de l’organisation, aux critères d’évaluation et de subvention des pouvoirs publics pour en faire des outils de réflexion sur le processus de réalisation et de diffusion de spectacle et construire une représentation partagée entre les différents acteurs
Performing arts companies operate in a context of declining resources and changes in the rules governing the allocation of grants, in accordance with the LOLF (Organic Law relative to the Laws of Finance). Their challenge lies in finding ways to address these constraints. We aim to demonstrate that their development depends on improving the manner in which all parties cooperate, based on the artistic project and taking into account the constraints resulting from the evaluation used by the LOLF, to reveal hidden costs and to develop internal resources. This research is based on the hypothesis that improving the overall performance of organizations depends on a transformative action that operates in three interdependent areas: intervention, management tools, and the speech-Actor. Based on intervention-Research in one theatre and on a qualitative study in another, we have assisted actors in the process of change management and examined the conditions in which managerial development takes place in this type of organization. We analyse how language use in the context of Socio-Economic Intervention modifies the representations and contributes to the elaboration of a new managerial instrument. We propose the use of socio-Economic management tools, serving as a framework for analyzing the organisation, combined with the criteria of evaluation and allocation of public funding as a basis of reflexion on the process of creation and dissemination of shows, as well as a means of building a shared representation between the different actors

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Verwaerde, Pascale. "Changements institutionnels et stratégies d'acteurs : le cas des entreprises subventionnées de spectacle vivant." Lille 1, 2004. https://pepite-depot.univ-lille.fr/RESTREINT/Th_Num/2004/50374-2004-21.pdf.

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Abstract:

Les entreprises subventionnées de spectacle vivant sont, depuis des siècles, des organisations fortement dépendantes en termes d'accès aux ressources, c'est-à-dire qu'elles doivent acquérir et entretenir des ressources dont elles n'ont pas le contrôle total et pour l'obtention desquelles elles dépendent d'autres organisations qui constituent leur environnement. Elles sont donc soumises à un contrôle externe exprimant une certaine logique institutionnelle propre au champ organisationnel auquel elles appartiennent. En raison de leur complémentarité, les approches théoriques de la dépendance en ressources et néo-institutionnelle ont été mobilisées pour analyser les comportements stratégiques adoptés lors de la reconfiguration du champ organisationnel toujours en cours. La thèse soutenue est que la plupart des changements réglementaires imposés à ces entreprises, représentant une forme de coercition légale, déclenchent une attitude de résistance pour ralentir le processus de mise en oeuvre. Cette coercition fournit à un groupe très varié, réputé pour son individualisme, une opportunité de cohésion. Désormais, elles ont pris le parti de résister collectivement à certains changements qui participent de leur devenir, en faisant valoir les valeurs qui les caractérisent
S'appuyant sur une étude exploratoire auprès de trente et une entreprises subventionnées de spectacle vivant, l'objectif a été d'apporter des facteurs explicatifs sur le positionnement de ces entités et sur leurs stratégies d'adaptation face aux décideurs publics. Dans un système en mutation, les réponses qu'elles fournissent aux différents types de pressions peuvent être, suivant les enjeux, aussi bien collectives qu'individuelles. Si leurs comportements sont marqués par un certain déterminisme et si les entreprises subventionnées de spectacle vivant ne possèdent pas la maîtrise totale de leur évolution, elles veulent y contribuer. En définitive, bien qu'il soit toujours en mouvement, le spectacle vivant subventionné est un champ organisationnel encore peu exploré. Au cours de cette période de changements institutionnels; il met en scène des organisations hybrides, pour certaines à la croisée du privé et du public, qui tentent de construire leurs propres stratégies face aux décideurs publics. C'est un champ en transformation qui n'est pas encore stabilisé et qui témoigne de la complexité des interrelations entre la sphère publique et la sphère non marchande et pose la question de son futur dans une société de plus en plus soumise aux pressions économiques

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Tissoires, Amélie. "L'opéra mental : formes et enjeux de l'écriture du spectacle chez Jean-Jacques Rousseau." Thesis, Grenoble, 2012. http://www.theses.fr/2012GRENL005.

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Abstract:

La réflexion de Rousseau concernant le spectacle (théâtral, musical, pictural) s'élabore au cours de nombreux textes théoriques qui interrogent le statut du spectateur et sa relation à ce qui est vu et entendu. Cette relation est source de nombreuses interrogations pour l'écrivain qui réfléchit à ce que l'on pourrait appeler une « économie de la distance », afin d'ajuster au mieux son regard face à l'objet mis en scène et de régler l'émotion induite par le dispositif « spectaculaire ». Cette réflexion sur le spectacle permet également de s'intéresser à la pensée de l'origine chez Rousseau car il semble que ce soit à partir de sa conception de la nature que la notion de spectacle et les émotions qu'elle suscite, s'élaborent. La qualité de l'émotion est particulièrement travaillée par Rousseau qui distingue le spectacle visuel du spectacle auditif. À la fascination de l'image créée par le dispositif théâtral s'oppose le sentiment musical, source d'une communication idéale entre le musicien et l'auditeur, et créateur d'un spectacle mental. L'importance du spectacle musical est telle que l'écriture de Rousseau ne se conçoit pas sans une constante référence à ses caractéristiques, l'écrivain devenant alors un auditeur de musique subjugué par les sentiments qu'il éprouve. Cette réflexion sur les spectacles trouve une chambre d'écho dans les œuvres narratives de Rousseau qui mettent en application les caractéristiques dégagées par la théorie. Influencé par l'esthétique du tableau théâtral telle qu'elle a été conceptualisée par Diderot à propos du drame bourgeois, Rousseau tempère sa suspicion à l'égard de l'image théâtrale, qui trouve, selon lui, sa meilleure voie d'expression dans La Nouvelle Héloïse. Ce roman, de fait, dépasse à certains endroits la linéarité de l'écriture pour proposer des tableaux, transformant ainsi le lecteur en spectateur d'un drame bourgeois, mais pas seulement : en effet, la mise en image de la narration puise également à des sources picturales (avec notamment la réflexion sur les Sujets d'estampes) et offre une réflexion sur le regard que la plupart des personnages prennent en charge. Mais c'est surtout en s'inspirant de ses propres conceptions musicales que Rousseau est conduit à trouver de nouvelles formes d'écriture qui renouvellent la relation au lecteur. Enfin, les œuvres autobiographiques proposent une mise en scène musicale de soi. Le compositeur devient alors un des modèles de l'écrivain parce qu'il donne à lire le « je » comme une partition instrumentale. En même temps, la structure du spectacle visuel est réinterrogée par Rousseau dont l'écriture épouse le modèle musical. C'est en dernier lieu le copiste qui, dans les œuvres autobiographiques, propose un modèle d'écriture, celui de la « chambre obscure » où le spectacle de soi se transforme en signe musical
Rousseau's reflections on the spectacle (whether theatrical, musical or pictorial) are elaborated through a number of theoretical texts that question the status of the spectator and his relationship with what is seen and heard. This relationship is a source of numerous questions for the writer who reflects on what could be termed an 'economy of distance' , so as to better adjust the way he looks on the object mis en scène and to regulate the emotions provoked by the structure of the spectacle. This approach to the spectacle also allows us to explore Rousseau's approach to origins as it seems that it is from his conception of nature that the notion of the spectacle and the emotions it provokes are developed. Emotional quality is particularly explored by Rousseau who distinguishes the visual spectacle from the auditory one: to the fascination of the image created by the theatrical setting is opposed the musical sentiment, seen both as a source of ideal communication between the musician and the listener, as well as the creator of a mental spectacle. Such is the importance of the musical spectacle that the writing of Rousseau is not conceived without a constant reference to its characteristics. The writer thus becomes a listener of music subjugated by the sentiments he feels. These reflections on spectacles find an echo in the narrative works of Rousseau that apply those characteristics identified by his theory. Influenced by the aesthetics of the theatrical tableau conceptualised by Diderot and reflecting on the bourgeois drama, Rousseau tempers his suspicion concerning different types of theatrical images that according to him find their best expression in the way of looking. The Nouvelle Héloïse goes at times beyond the linearity of writing to propose certain tableaux that borrow from the estampe and the bourgeois drama. The reader is thus transformed into a spectator of a bourgeois drama, but not exclusively so: indeed, the representation in images of the narrative draws equally on pictorial sources (with in particular the considerations on the Sujets d'estampes) and offers a reflection on the looks assumed by the majority of characters. But, above all, it is by seeking inspiration in his own musical concepts that Rousseau is led to finding new forms of writing that renew the relationship to the reader. Indeed, the autobiographical works propose a musical mise en scène of the self. The composer becomes therefore one of the writer's models because he enables the 'I' to be read as a musical partition. At the same time, the structure of the visual spectacle is re-questioned by Rousseau whose writing marries the musical model. In the last instance it is the copyist who, in the autobiographical works, offers a writing model that of the chamber obscure, where the spectacle of the self is transformed into musical signs

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Barut, Benoît. "Un Spectacle dans un fauteuil. Poétiques et pratiques didascaliques d'Axël à Zucco." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030134.

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Abstract:

Parce qu’elle se donne comme un discours ancillaire chargé d’actualiser le dialogue et de construire la représentation, parce qu’elle semble empiéter sur le terrain réservé du metteur en scène mais ne peut égaler la magie du spectacle, parce qu’elle n’est ni vraiment littéraire ni réellement scénique, la didascalie est longtemps restée le parent pauvre des études théâtrales. Depuis quelques années, elle fait l’objet d’un engouement relatif. D’une part, des études linguistiques décrivent le fonctionnement standard du discours didascalique en synchronie.D’autre part, des études critiques éclairent les poétiques didascaliques d’auteurs en s’intéressant particulièrement aux infractions par rapport à une pure fonctionnalité supposée.Dans cette thèse, nous cherchons à dépasser cette approche clivée en fournissant une poétique générale de la didascalie et, afin de lui donner sens, poids et nuance, nous l’ancrons résolument dans l’histoire en nous fondant sur le théâtre du XXe siècle, de Villiers à Koltès, soit un XXe siècle élargi, solidement ancré dans le XIXe et les yeux déjà tournés vers le XXIe. C’est le moment où la didascalie se redéfinit du fait de l’avènement et de la prise de pouvoir du metteur en scène, le moment où elle sort spectaculairement de son ornière sans pour autant pouvoir ou vouloir se débarrasser totalement d’un fond utilitaire. Elle apparaît alors sans conteste comme une parole boitant "un pied dans le devoir, un pied dans le désir", une parole icarienne tendue entre des catégories théoriquement exclusives. Dans une première partie, nous posons le format du discours didascalique, son territoire,son fonctionnement énonciatif (c’est-à-dire la place exacte qu’il occupe dans la communication dramatique) et ses caractéristiques graphiques (ponctuation, typographie, mise en page). Dans une seconde partie, c’est la fabrique même de l’écriture didascalique qui est étudiée, c’est-à-dire sa tension constitutive entre le pacte qui la régit (clarté, économie) et sa fondamentale aspiration à devenir (devenir-spectacle, devenir-poème, devenir-roman…)
Because they seemingly have to make the dialog work as well as to construct theperformance, because they seem to encroach upon the director’s grounds and yet cannot level with the magic of the actual staging, because they are not a real piece of literature nor do they belong to the show, the stage directions have long been overlooked by theater studies. In the past few years, a mild interest has arisen. On the one hand, linguists describe in a synchronic fashion the generic features of this particular type of discourse. On the other hand, critics wish to seize the specificity of each author’s stage directions, with an emphasis on the breaches of their theoretical functional purity.In this thesis, we intend to go beyond this fragmented approach by offering an overall poetics of stage directions and, in order for it to carry meaning, weight and nuance, we choose to base it on history and, specifically, on XXth century theater, from Villiers to Koltès, an enlarged century, deeply rooted in the XIXth and already glancing at the XXIst. It is then that stage directions redefine themselves as a result of the advent of the director and his coming to power ;it is then that they spectacularly travel out of joint but appear, nonetheless, incapable or unwilling to get rid altogether of their fundamental usefulness. Unequivocally, they prove to be a form of speech limping “one foot in duty, on foot in desire”, an icarian discourse reconciling what is theoretically opposed.This study starts with the format of the stage directions, their territory, their enunciation (i.e. the exact role they play in the dramatic communication), their graphic characteristics (punctuation, typography, lay-out). Then, we investigate the very fabric of stage directions writing, the perpetual tension between the pact that rules them (clarity, economy) and a fundamental drive to become something else (to become stage, to become poem, to become novel…)

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Salmaoui, Saada Houda. "La présence et l'image de la femme tunisienne dans le théâtre et les arts (1956-1986)." Paris 10, 2001. http://www.theses.fr/2001PA100045.

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Abstract:

Parcourant presque plus d'un siècle de présence féminine dans le théâtre tunisien et plus particulièrement les trente ans qui se sont écoulés depuis l'indépendance de la Tunisie en 1956, cette thèse analyse la relation de la femme tunisienne avec les arts en général et avec le théâtre en particulier dans la Tunisie indépendante, en adoptant un point de vue historique et sociologie, à travers la description critique de l'état des lieux et la mise en valeur de l'apport des femmes qui se sont distinguées dans leurs domaines et à leur niveaux dans la vie artistique et culturelle tunisienne. Cette thèse tente de tracer, avec un souci d'équité et de neutralité, les contours du statut de la comédienne en Tunisie en établissant un parallèle entre son statut socio-juridique dans la Tunisie indépendante et son image qui émerge de l'essentiel de la production dramatique tunisienne durant la même période (1956-1986)
Covering nearly a century of the feminine presence on the tunisian stage and mainly the three decades following the independance of tunisian woman with arts in general and theatre in particular. This could not be achieved without having at hand, from a historical and sociological point of view, the literary review on one hand and the contibution of women who were distinguished in their fields and levels in the artistic and cultural tunisian life on the other hand. This thesis attemps to trace justly and objectively, the outline of the status of the tunisian actress and establishes a parallel between her social and legal status in the independent tunisia and her image that springs out from the core of the tunisian dramatic production during the same period (1956-1986)

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Paulhiac, Perez Juan Camilo. "Les (dés)accords de la Champeta : musique, spectacle médiatique et politiques de réconciliation nationale en Colombie entre 1991 et 2011." Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA083511.

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Abstract:

Cette thèse rend compte de la transformation des régimes créatifs et discursifs du phénomène musical et spectaculaire de la champeta en Colombie entre 1991 et 2011. Dans un premier temps, il s’agit d’analyser l’élaboration d’un « système culturel » (Geertz 1983) autour de la champeta au fil des interactions entre la presse écrite, l’université, les administrations culturelles et l’industrie musicale. Nous analysons la transformation du statut culturel de la champeta en fonction des attentes sociales engendrées par l’histoire de la violence en Colombie et dans le contexte des transformations des politiques culturelles de ce pays après la réforme constitutionnelle de 1991. Dans un deuxième temps, les statuts culturels de la champeta sont mis en perspective d’un point de vue plus pragmatique. Prenant comme cas d’étude la filière informelle du marché musical de la ville de Cartagena, nous observons l’impact d’Internet sur la production locale de champeta. Nous observons comment émergent des inventions esthétiques et des innovations commerciales dans le contexte actuel de transformation des techniques de la communication. Dans leur ensemble, ces différents questionnements retracent le parcours d’un phénomène musical et spectaculaire « local » à travers les enjeux économiques, esthétiques, politiques et techniques qui caractérisent les différentes échelles de sa médiation « globale »
This thesis reports on the transformation of creative and discursive regimes of the musical and spectacular phenomenon of champeta in Colombia between 1991 and 2011. Firstly, we analyze the development of a "cultural system" (Geertz 1983) around champeta music through the interactions of the Colombian press, academic papers, cultural administrations, and the music industry. We study the transformation of champeta’s cultural status, from a « popular » music into a « multicultural » phenomenon as a response to the social expectations engendered by the social history of violence in Colombia and in the context of the development of Colombian cultural policies after the 1991 constitutional reform. Afterwards, we put into perspective champeta’s cultural status from a pragmatic point of view. Taking the informal sector of the music market in the city of Cartagena as a case study, we analyze the Internet’s impact on local production of champeta. We observe how aesthetic inventions and commercial innovations emerge as digital communication technologies evolve, making music production viable in this context. Altogether, these various questions retrace the journey of a "local" spectacular and musical phenomenon through the economic, aesthetic, political and technological scales that characterize its "global" mediation

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Cordier, Marine. "Le cirque sur la piste de l'art. La création entre politiques et marchés." Paris 10, 2009. http://www.theses.fr/2009PA100126.

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Abstract:

Cette thèse traite des transformations d’un monde de l’art, celui du cirque contemporain, dans une perspective de sociologie du travail et des professions artistiques. Elle est fondée sur un travail de terrain combinant une soixantaine d’entretiens auprès d’artistes et de responsables d’institutions, des observations au sein des compagnies et l’analyse de documents. La première partie retrace les conditions d’émergence d’un « nouveau cirque » fondé sur la référence à la création. Elle analyse les stratégies de mobilisation déployées par les artistes pour obtenir le soutien des institutions et conquérir une forme d’autonomie, et décrit les modalités de l’intervention publique en faveur du cirque. La seconde partie étudie les transformations de l’activité : l’introduction de conventions esthétiques issues du théâtre se traduit par une évolution de la division du travail artistique, avec l’apparition d’une fonction de mise en scène des prouesses, tandis que les institutions culturelles jouent un rôle croissant dans la diffusion des œuvres. La troisième partie est consacrée aux carrières et aux transformations du marché du travail. Après avoir analysé les trajectoires professionnelles, on montre, à travers l’étude de trois cas, à quelles conditions les artistes montent leurs propres compagnies. La propension à se faire entrepreneur traduit une aspiration à l’indépendance, en même temps qu’une tentative d’échapper à la précarité de l’emploi. La mise en évidence de cette configuration conduit à étudier des formes inédites d’organisation collective et la quête de nouvelles formes de régulation de l’emploi, dans un contexte de crise de l’intermittence
This dissertation deals with change in the circus art world, and is shaped by the sociology of work. The fieldwork is based on sixty-two interviews with artists, observations within different companies and the analysis of various documents. The first part tracks the conditions in which a “new circus”, based on innovation and creation principles, has been developed. It studies how the artists have mobilized in order to obtain public funding, and describes the public policy about circus. The second part analyses the transformations of activity : it shows how the introduction of aesthetic conventions taken from the theater leads to a higher division of artistic labor, while public institutions take a greater part in the distribution of artworks. The third part deals with careers and the change in the labor market. It shows how circus artists create their own companies, searching for independence and trying to prevent job insecurity. They get organized in order to search new forms of regulation of their activity

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Ricci, Charlotte. "Des humains et des arts : artistes jugés « hors-normes » sur les scènes contemporaines." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080070.

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Abstract:

La pratique des artistes dits en « situation de handicap » est le plus souvent analysée par le champ de la sociologie à travers les implications sociales et environnementales qui se jouent ou les effets de la création sur les artistes concernés. Par cette recherche, nous avons souhaité favoriser une approche esthétique, en lien avec les arts du spectacle, particulièrement sur les scènes de théâtre et de danse contemporaines. Nous avons ainsi appuyé notre étude sur l’examen de travaux artistiques et d’expériences, dans ce domaine, de praticiens jugés « hors-normes », en lien avec les contextes culturels et les usages sociaux dans lesquels ils sont impliqués. Ces analyses nous ont permis de réaliser que l’étude du handicap renvoie à des domaines pluriels qui génèrent des discours, notamment autour des notions de « différence(s) » et de « hors-normes ». La mise en exergue du travail des praticiens a permis, d’une part, d’aborder la dimension esthétique de leur travail et, d’autre part, a donné lieu à la découverte de nouvelles dimensions de ce qui a trait à la différence. L’objectif premier étant de déterminer le contexte dans lequel les artistes jugés « hors-normes » évoluent afin de se focaliser sur l’apport esthétique des particularités qui les définissent sur les différentes scènes étudiées
The practice of the so-called "disabled" artists is most often analyzed by the field of sociology through the social and environmental implications that are being played or the effects of creation on the artists concerned. Through this research, we wanted to promote an aesthetic approach, in connection with the performing arts, especially on contemporary theater and dance stages. We thus supported our study of the review of artistic works and experiences in this field of practitioners deemed "non-standard" in relation to the cultural contexts and social uses in which they are involved. These analyzes have enabled us to realize that the study of disability refers to pluralistic domains that generate discourse, especially around the notions of "difference (s)" and "non-standard". The emphasis on the work of the practitioners made it possible, on the one hand, to approach the aesthetic dimension of their work and, on the other hand, gave rise to the discovery of new dimensions of what relates to difference. The first objective is to determine the context in which artists considered "non-standard" evolve in order to focus on the aesthetic contribution of the peculiarities that define them on the different scenes studied

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Dion, Hélène. "Mise en scène du spectacle La vie comme un voyage - Récit d'un parcours de création." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27106/27106.pdf.

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Bouchez, Pascal. "Filmer le théâtre : problématique de la fidélité d'un document audiovisuel élaboré à partir d'un spectacle vivant." Valenciennes, 2004. http://ged.univ-valenciennes.fr/nuxeo/site/esupversions/08dbedd7-8b97-4804-881d-0e5a1e28be3f.

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Abstract:

À l'heure où la multiplication et la démocratisation des technologies ne font qu'accroître la demande de contenus et de programmes, filmer le spectacle vivant de manière convaincante et fidèle devient un enjeu majeur d'une mémoire théâtrale re-créatrice. Pourtant, ce besoin ne rencontre encore aujourd'hui que des réponses généralement peu satisfaisantes à divers titres. Il se heurte à des difficultés de transposition d'un environnement médiatique à un autre, qui ne peuvent être résolues qu'à travers la recherche de nouvelles écritures filmiques contextualisées. Celles-ci doivent impérativement tenir compte de la spécificité théâtrale comme co-présence biologique de deux groupes d'humains. À rebours des solutions courantes (captation ou re-création) est proposée ici une solution originale de multicaptation documentaire, fondée sur un dispositif d'enregistrements multiples et différenciés en conditions réelles de représentation publique, et permettant d'élaborer une super-représentation virtuelle associant les meilleurs moments de jeu de chaque soirée
With the present multiplication and democratization of technology comes a heightened demand for content and programs, such as filming a live show in a convincing and faithful way has become a major issue in recreative theatrical memory. Yet, today, this need is met with unsatisfactory answers for various reasons. One stumbling block, among others, is the difficulty of transposing the environment of a particular media to another. This can only be resolved by quest into new forms of contextualised film writings. These elements must imperatively take into consideration the particularities of the biological co-presence of two groups of humans. Contrary to current solutions (capture or re-creation), we propose here a novel alternative to documentary multicaptation based on a framework of multiple and various public recordings that allows the assembling of the best moments of every day into a virtual super-performance

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Mauffret, Blodwenn. "Le carnaval de Cayenne. Esthétique et subversion. Histoire d'un phénomène festif issu du fait colonial." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030162.

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Abstract:

Ce présent travail aborde le carnaval de Cayenne en tant que phénomène festif issu du fait colonial et interroge les mécanismes d'ajustement qui ont amené esclaves et "gens de couleur libres" à retourner une fête religieuse, au service d’une coercition imposée par l’ordre colonial et esclavagiste, en une pratique subversive. Il s'inscrit dans le champ des études théâtrales et aborde le carnaval à travers sa dramaticité. L'histoire du carnaval, des premiers temps de la colonie jusqu’à à la période contemporaine, montre une mise en place d'esthétiques originales qui autorisent toutes les subversions. La tradition dramatique carnavalesque est fortement marquée par la pratique du Détour pouvant se définir par l'exacerbation du caractère dérisoire de l'être créole. Le grotesque européen se mêle à la dérision militante créole offrant un héritage théâtral pouvant exprimer une digne rage, une humanité perdue, une utopie nouvelle. La danse des bals, populaires autant que ceux de la bourgeoisie noire, quant à elle, est un art de la fuite et convoque le marronnage créateur en construisant un espace-temps différent où l'être renaît dans un sentiment d'enthousiasme. Cet art de la fuite au sein des vidé participe à une immense transe collective où la violence jaillit devenant un moyen de déstabiliser l'ordre en place et d'aborder une nouvelle sociabilité. Le carnaval contemporain tente de résoudre les problématiques de l'histoire et devient l'inverse du Détour. L'être sort de l'ombre pour manifester sa valeur d'exposition manifestant un hédonisme générale. La théâtralité y est brillante et manifeste une hypervisibilité de soi. C'est l'ère de l'exacerbation de la valeur de l'être cayennais
This present work approaches the carnival of Cayenne as a festive phenomenon which has developed from the colonial fact. It examines the mechanisms of this adjustment by which slaves and "free people of color" have converted a religious feast reinforcing colonial order and slavery, and subverted it into a manifestation of pride in identity and expectation of a better future. As such this falls within the field of theatrical studies, i.e. evaluating the carnival as drama. The history of the carnival, from the colony's earliest days until the present, shows how new aesthetics have, year after year, changed its original role. The dramatic traditions of the carnival were strongly marked by the practice of "Détour", best defined as stressing the derisory character of the Creole being. European grotesque was mixed with Creole militant mockery, offering a theatrical inheritance expressing dignified rage, a lost humanity, a new utopia. The dance of balls, as popular as those of the black bourgeoisie, is an art of the flight, and summons creative marronnage by building a different space-time in which the being is reborn in a feeling of liberation and enthusiasm. This art of flight within the "vidé" occurs in an immense collective trance, where violence erupts, destabilizing an old order, encouraging a new. The contemporary carnival tries to solve the problems of history and becomes the opposite of the "Détour". The being comes out of darkness displaying its exhibition value, showing a general hedonism. Its theatricality is brilliant and manifests a hypervisibility. The true value of the Cayennais being is recognised

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Lefèvre, Laurence. "Travailler en crèche et accueillir un spectacle : vers une approche pédagogique des interventions artistiques auprès des jeunes enfants." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100121.

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Abstract:

La thèse questionne la place d’interventions artistiques, telle que le spectacle vivant, auprès des professionnel/le/s de la petite enfance, travaillant dans les établissements d’accueil du jeune enfant (EAJE). Elle s’inscrit dans un contexte professionnel à deux niveaux. Le premier considère les dernières réformes juridiques et les contraintes financières, qui ont accru une rationalité instrumentale des institutions, et entraîné une recomposition des identités professionnelles. Le second étudie les caractéristiques du travail près des jeunes enfants, où les actes répétitifs sont nombreux, associés à une implication subjective et émotionnelle, imposant des références aux théories du care. Le cadre épistémologique de la thèse prend appui sur les fondements de l’histoire de l’Ecole de Chicago, les professionnel/le/s de la petite enfance sont alors considéré/e/s dans un rôle d’acteur/rice/s. Différents types de matériaux ont été collectés. Le premier a été la constitution d’un recueil et d’une analyse de la presse spécialisée de la petite enfance. Un deuxième a été la réalisation d’entretien semi-directifs avec des spécialistes de la petite enfance (2), de l’art (2), des institutions politiques (2). Le dernier a été un temps d’immersion, dans une crèche collective, le jour où est accueilli un spectacle de danse contemporaine, avec deux entretiens pour trois salarié/e/s : avant le spectacle et un mois après. La thèse met en lumière dans quelle mesure il/elle/s sont aussi les destinataires du spectacle. La thèse montre la construction de la posture de spectateur/rice, tout en étant professionnel/le, et des éléments de compréhension des relations entre les intervenant/e/s artistiques et les professionnel/le/s. Ces éléments sont pensés en tenant compte des différents paramètres pouvant constituer des freins, tout en considérant une valorisation de la vie quotidienne des jeunes enfants
This PhD thesis deals with the use, by early childhood professionals working in establishment proving care for young children, of artistic intervention such as performing arts. Its inscription in a professional context is double. The first one takes into account the last legal reforms and financial constraints. Both participate to increase the use of an instrumental rationality inside these institutions leading to a reconfiguration of professionals’ identities. The second one highlights the different characteristics of such a work which requires many repetitive acts with a need of both emotional and subjective implication. References of the theory of care can therefore be useful.The epistemological framework of this research leans on the School of Chicago’s historical background, which mean that early childhood professionals are considered as actors.Different sets of data were collected. The first one was a compilation and analysis of early childhood specialized press. The second one was semi-structured interviews with experts of early childhood, arts and political institutions. The last one was an immersion inside a collaborative crèche, during the day of the performance of a contemporary dance show. Two interviews, one before the performance and another a month after, were conducted with three professionals of the crèche.This PhD thesis highlights that performing arts are also addressed to professionals of crèche. It shows how the posture of being a spectator is built by these professionals. It gives an understanding on the relationship between artists and professionals. It is thought by taking into account different parameters that can constitute brakes in this relationship as well as considering the valorization of the everyday life of young children

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Chatelais, Clotilde. "L'animal en droit français de la propriété littéraire et artistique." Master's thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/67768.

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Abstract:

Thèse en cotutelle : Université Laval, Québec, Canada et Université Paris-Saclay, Cachan, France.
Le monde de la propriété littéraire et artistique est aujourd’hui ébranlé par de nouveaux acteurs qui font douter du monopole de l’Humain dans le secteur artistique. L’animal - reconnu depuis 2015 par le Code Civil français comme un être vivant doué de sensibilité - vient confirmer ces doutes. En effet, la présence de ce dernier dans le domaine artistique est incontestable : l’animal est autant représenté dans les longs et courts métrages que sont les films, les publicités ou les documentaires, qu’il apparaît en premier plan d’une exposition de photographies. Les œuvres animales, qui ne sont pas une hérésie, volent même parfois la vedette aux œuvres humaines sur la scène du marché de l’art. Cependant, malgré sa proactivité, l’animal est dénué du droit français de la propriété littéraire et artistique alors que les revenus et bénéfices générés par son exploitation dans ce domaine existent et sont conséquents. Dès lors, il apparaît légitime de s’interroger sur l’animal en tant que sujet du droit de la propriété littéraire et artistique : s’il ne peut l’être par le droit positif, alors par un droit prospectif.

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Sohier, Alice. "Le rôle de l'expérience vécue et de ses antécédents sur la satisfaction envers un spectacle vivant : le cas des festivals rock." Caen, 2010. https://hal.archives-ouvertes.fr/tel-01885756.

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Abstract:

L'objectif de ce travail doctoral est de montrer l'influence de l'expérience vécue et de ses antécédents sur la formation des jugements de satisfaction à l'égard d'un spectacle vivant. De manière générale, la satisfaction apparaît être déterminée par des antécédents de nature cognitive et affective. Elle découle d'une comparaison entre des standards et une expérience de consommation. Cette dernière, étudiée au travers de sa valorisation, se compose de multiples facettes intégrant des éléments sociaux, affectifs, escapistes ou encore fonctionnels. Dans le cadre des festivals rock, elle semble découler, en partie, de la perception des individus à l'égard du style musical proposé, le rock. Le modèle conceptuel testé intègre cinq construits, la perception du rock, l'expérience de consommation, la satisfaction, la valeur et la qualité, ainsi que plusieurs variables modératrices (situationnelles, individuelles et comportementales). Une échelle de mesure de la perception du rock est construite. Elle est ensuite soumise, lors de l'étude empirique, aux spectateurs de quatre festivals rock (trois français et un étranger). Les résultats de l'enquête mettent en évidence le rôle médiateur de l'expérience de consommation dans la relation entre la perception et la satisfaction. Cette recherche propose aux praticiens deux axes d'intervention complémentaires pour favoriser la satisfaction de leurs spectateurs. Le premier renvoie aux caractéristiques de leur offre et se base notamment sur l'utilisation des techniques du marketing expérientiel (théâtralisation, habillage de l'offre). Le second relève de la stimulation de la perception des individus. Ces préconisations vont au-delà du champ des festivals rock, mais peuvent s'étendre à l'ensemble du secteur des spectacles vivants

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Schenck, Cécile. "De la crise de l'homme moderne à la construction de l'homme nouveau dans les arts du spectacle (théâtre et danse) français et allemands des années 1880-1920." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030152.

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Abstract:

Ma thèse porte sur l’utopie d’un Homme nouveau, censée remédier à la crise européenne de l’homme moderne apparue dès la fin du XIXe siècle, et sur les différentes conceptions du lien social rattachant l’individu à la collectivité dans deux domaines d’expression : le théâtre et la danse, dont les diverses manifestations dans le champ des arts du spectacle français et allemands reflètent un large spectre de significations esthétiques, morales, idéologiques et politiques, révélateur des profondes mutations culturelles des années 1880-1920. À un moment de grande effervescence politique et intellectuelle liée à l’Histoire européenne, artistes et intellectuels ne cessent d’invoquer la nécessité d’un changement radical de l’homme et du monde. C’est dans les arts du spectacle que cet espoir paraît certes le plus vif, mais aussi le plus ambivalent : dramaturges et chorégraphes tendent en effet à substituer à l’idée proprement révolutionnaire la thématique d’une conversion et d’une rédemption spirituelles, devant réconcilier l’individu avec lui-même et avec sa communauté, comme le montrent, des deux côtés du Rhin, les œuvres d’inspiration wagnérienne dans les années 1880-1920. Des dernières pièces de Villiers de l’Isle-Adam au théâtre mystique de Péladan et aux drames préchrétiens du jeune Claudel, des premières mises en scène chorales de Rudolf Laban aux représentations parisiennes des Ballets russes et suédois, du Théâtre du peuple à la scène futuriste et au Bauhaus, le rêve d’une œuvre d’art totale est indissociable d’une réflexion multiforme sur les possibilités d’un renouveau esthético-religieux de l’humanité décadente
My thesis bears on the utopia of the New Man, which is supposed to be a remedy to the crisis of the modern man at the end of the 19th century. It also bears on the different conceptions of the social ties by means of which the individual is attached to the community ; it explores these conceptions in two domains of expression : theater and dance, whose diverse manifestations in the field of the French and German arts of expression reflect a large spectrum of esthetic, moral, ideological and political significances. Those manifestations reveal the profound cultural mutations of the years 1880-1920. In a time of great political and intellectual effervescence related to the particular moment of European history, artists and intellectuals incessantly evoke the neccessity of a radical change of the man and the world. It is in the arts of spectacle that this hope appears in its most vivid, but also in its most ambivalent : dramatists and choreographs have the tendency to replace to a properly revolutionary idea by the thematics of a spiritual conversion and redemption, that should reconcile the individual with herself and her community, as we can see, on both sides of the Rhin river, the works inspired by Wagner in the years 1880-1920. From the last pieces of Villiers de l’Isle-Adam to the mystical theater of Péladan and the pre-christian pieces of young Claudel, from the first choral stagings of Rudolf Laban to the parisian representations of the Russian and Swedish ballets, from the People’s Theater to the futurist scene and to the Bauhaus, the dream of a total work of art is indissociable from a manifold reflexion on the possibilities of an esthetic and religious renewal of decadent humanity

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Dissertations / Theses on the topic 'Éthique et arts du spectacle'

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