Dissertations / Theses: 'Estéticas na dança'

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Carvalho, Catia Fernandes de. "Presenças femininas na dança de rua coreografando estéticas da existência." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2009. http://hdl.handle.net/10183/17844.

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Abstract:

O presente estudo refere-se às presenças femininas na dança de rua, expressão que aparece como um dos elementos do movimento cultural hip hop. Atualmente, o hip hop tem se configurado como território predominantemente masculino nas suas manifestações, sendo atravessado por diferentes significados de corpos e gêneros, os quais se correlacionam com outras marcas culturais tornando complexas as relações humanas e, portanto, de poder, as quais funcionam de múltiplas formas na organização dos grupos sociais. Nesse panorama a atuação dos corpos femininos é pensada dentro de uma rede de relações sociais e de poder, disputando e produzindo significados, inventando suas próprias táticas de inserção, de modo plural e dinâmico. Poderes não tão localizáveis (FOUCAULT,2007c), mas que estão dispersos, circulam nas práticas sociais, produzem e constituem sujeitos. Dessa forma, estabeleço como objetivo desse estudo, mapear como são exercidas as diferentes presenças femininas nos grupos de dança de rua, Original Dancer e Piratas de Rua, ambos da cidade de Pelotas/RS. Para desenvolvimento da pesquisa foi utilizado como caminho metodológico a etnografia urbana a partir de Magnani (2002), associada a elementos do método cartográfico (ROLNIK, 2006). Para tanto, coloco em operação tais questões: como são inventadas táticas de inserção das mulheres na dança de rua? Como são exercidos pelas mulheres poderes-saberes que têm o corpo como arma? Como as mulheres constituem modos de subjetividade nesse contexto? Como emergem novos territórios para a produção de existências femininas? A presente pesquisa é conduzida pela inquietude de uma pesquisadora mulherer que deseja perceber como as mulheres têm se constituído eticamente enquanto presenças femininas nesses espaços de sociabilidades criados pela dança de rua. Ao longo dessa empreitada vou assumindo, incorporando e me apropriando de algumas pistas teóricas que penso importantes para dar visibilidade a essas mulheres de uma maneira positiva, produtiva, respeitando a pluralidade de suas existências. Sou assim, atravessada, movida entre encontros e desencontros no exercício de pensamento com as problematizações de Michel Foucault, especificamente quando ele nos fala de modos de subjetivação, da constituição ética e das micro-rupturas com aquilo que está na fronteira entre a sujeição e as práticas de liberdade do sujeito que estiliza a sua existência.
This study refers to the presence of women in street dance, an expression that appears as one of the cultural movement of hip hop. Currently, hip hop has been marked as a male-dominated territory in its manifestations, is traversed by different meanings of bodies and genders, which correlate with other brands making cultural complex human relationships and therefore of power, which operate multiple forms in the organization of social groups. In this scenario, the role of the female body is conceived within a network of social relations and power, playing and producing meanings, inventing their own tactics for integration, so plural and dynamic. Powers not as discoverable (Foucault, 2007c), but they are scattered, circulating in social practices, produce and are subject to. So I set the objective of this study, map and are carried out by women in different groups of street dance, Dancer Original Street and Pirates, both of Pelotas / RS. To develop the research was used as a methodological approach to urban ethnography from Magnani (2002), combined with elements of the mapping method (ROLNIK, 2006). Therefore, put in operation these questions: How are invented tactics for integrating women in street dance? How are powers exercised by women-knowledge that the body is a weapon? As women constitute modes of subjectivity in this context? As new areas emerge for the production of female stocks? This research is conducted by the restlessness of a young woman with a researcher who wants to understand how women have been constituted as ethically female presence in these spaces of sociability created by the street dance. Throughout the contract I assume, incorporating and appropriating me some clues I think theoretical important to give visibility to these women in a positive, productive, while respecting the diversity of their existence. I therefore crossed, moved between agreements and disagreements in the course of thought with the problematization of Michel Foucault, specifically when he speaks of modes of subjectivity, ethics and the establishment of micro-breaks with what is on the border between subject and practices subject to freedom of stylization of its existence.

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Figueiredo, Valeska Marlete Guimarães. "Trajetórias desviantes = implicações estéticas e políticas na dança da Cia Borelli e do Núcleo Artístico Vera Sala." [s.n.], 2012. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284420.

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Abstract:

Orientador: Marília Vieira Soares
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-20T08:03:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Figueiredo_ValeskaMarleteGuimaraes_D.pdf: 5415097 bytes, checksum: b6283eedb567edcc445c4eb7d83576a5 (MD5) Previous issue date: 2012
Resumo: Esta tese busca entender como que, numa dança, a noção de corpo e a disposição espacial da cena expõem uma postura política, bem como constroem uma concepção de mundo. A dança não está apartada das esferas sociais, econômicas e políticas, pois ela é, por elas, constituída e, delas, constituinte. Pesquisou-se estas questões nas trajetórias artísticas de Sandro Borelli, diretor e coreógrafo residente da Cia Borelli de Dança, e, em Vera Sala, diretora e criadora-intérprete do Núcleo Artístico Vera Sala. Foram, nesse sentido, destacadas algumas de suas criações tidas como relevantes na construção de certos aspectos dos seus pensamentos em dança. Suas perspectivas estéticas e políticas são bem distintas, porém parecem ter em comum o interesse por questionar determinados padrões dominantes e ordens normativas. As particularidades do trabalho de cada artista exigiram um campo teórico específico para discutir cada trajetória. Assim, examinaram-se os princípios norteadores de suas pesquisas corporais, a disposição dos corpos no espaço da cena e os modos de relação entre eles, os seus procedimentos de criação, as suas formas de organização e de criação enquanto grupo. Investigando estes trabalhos, foi possível verificar que as suas criações propõem uma maneira de perceber e de atuar no mundo. Implicações estéticas e políticas da arte foram analisadas e discutidas, junto a uma gama de pensadores, chegando-se a proposição de que para a arte ser crítica precisa criar dissenso; e para ser ética necessita aumentar a potência de ação e/ou de inação de uma coletividade. Há de se fazer da inquietação instigadora do processo criativo uma forma de vida, constituindo-a corporalmente através do seu trânsito entre o cotidiano e extracotidiano. A resistência artística aos atuais esquemas de controle e exploração dá-se através do vazamento dos processos criativos. As ficções, invisibilidades, latências e lacunas podem, assim, penetrar a vida ordinária, dessa maneira, desestabilizando certas ordenações
Abstract: This thesis seeks to understand how in a dance the notion of body and spatial arrangement of the scene expose a political stance, as well as build a world view. The dance is not separated from social, economic and political spheres, as it constitutes and is constituted by them. These issues were researched in the artistic trajectories of Sandro Borelli, director and resident choreographer of the Borelli Dance Company, and Vera Sala, director and creator-interpreter of the Vera Sala Artistic Group. We highlight some of their creations, understood as relevant in the construction of certain aspects of their thoughts on dance. Their aesthetic and political perspectives are very different, but they seem to have a common interest for questioning certain dominant standards and normative orders. The particularities of each artist's work demanded a specific theoretical place to discuss each trajectory. We examined the guiding principles of their research of the body, the arrangement of bodies in space of the scene and the modes of relationship between them, their creative procedures, their organization and creation as a group. Investigating these works, we found that their creations propose a way of perceiving and acting in the world. Aesthetic and political implications of art were analyzed and discussed, along with a range of thinkers, coming to the proposition that for art to be critical, it needs to create dissent, and for it to be ethical, it needs to increase the power of action and/or inaction of a collectivity. One has to make the instigating inquietude of the creative process a way of life, building it bodily through the transit between daily and extra-daily techniques. The artistic resistance to current schemes of control and exploitation takes place through leaks in the creative processes. Fictions, invisibilities, latencies and gaps can thus penetrate ordinary life, destabilizing certain offenses
Doutorado
Artes Cenicas
Doutor em Artes

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Collaço, Julia Terra Denis. "Estética Nietzschiana." reponame:Repositório Institucional da UFSC, 2012. http://repositorio.ufsc.br/xmlui/handle/123456789/93872.

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Abstract:

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Ciências da Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, Florianópolis, 2010
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Numa aliança profícua entre arte, filosofia e educação, o presente trabalho propõe sinalizar como a dança, em seu fluxo de movimento, pode ser compreendida como um projeto de formação a partir do traçado estético nietzschiano. Pairamos assim, sobre a dança concebida como um fluxo contínuo de energias que se manifestam conjuntamente, pés que brindam a dimensão trágica do homem. A dança cuja ação expressa a própria força, uma força que revela a potência do próprio homem. O homem visto em sua máxima expressão, em sua capacidade de criação. Dessa forma, encontramos nas obras de Friedrich Nietzsche um proveitoso entrelaçamento entre arte e educação, a que vai inspirar o percurso desta dissertação. Como caminho metodológico deste trabalho ficam exposto alguns desejos: perceber primeiramente o corpo como pressuposto da dança, buscando entender que saber o corpo pode nos revelar; num segundo instante, o trabalho acena para a tragédia posta no próprio corpo dançante, para isso, buscamos narrar as características peculiares da tragédia para ver o dançarino; como terceiro ponto propomos discutir como a visão estética é corrompida quando se negligencia o impulso dionisíaco, afastando o homem da sua própria natureza; por fim, a imagem do dançarino Zaratustra que, sinalizando diferentes saberes e anunciando o retorno de Dionísio, vem a se utilizar da dança como sua máxima expressão. Esta pesquisa abarca a dança, buscando compreendê-la no corpo, no fluxo do movimento, na tragédia, passando a perceber melhor quais as consequências quando o homem passa a negar o impulso dionisíaco. Por fim, o trabalho chega ao #cume do monte# quando busca compreender em Nietzsche o plano formativo que esboça o porquê da figura do Zaratustra como dançarino.

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Reis, Alice Casanova dos. "A atividade estética da dança do ventre." Florianópolis, SC, 2007. http://repositorio.ufsc.br/xmlui/handle/123456789/90814.

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Abstract:

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em Psicologia
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A pesquisa tem como foco a dança do ventre, mais especificamente o modo como essa atividade estética se concretiza. Compreende a dança do ventre como histórica e socialmente constituída, discutindo a questão de gênero ali presente. A partir da perspectiva bakhtiniana, propõe a dança do ventre como processo de enformação estética do corpo por meio do qual a bailarina, ao criar uma dança, recria-se como outra, para um outro, explicando as funções de cada partícipe na tríade constitutiva dessa atividade estética: a bailarina desdobrada em autor que cria e personagem criada e o espectador como co-criador da obra. A partir de entrevista realizada com uma bailarina profissional, analisa-se a dança do ventre como amálgama de relações estéticas, entre as quais se destacam: as relações da bailarina com a técnica, com o corpo, com a música, consigo mesma, com um outro, com o sagrado, com a história, com o gênero. Conclui-se que essas relações compõem um jogo de forças em que a dança se concretiza como um ato estético único, constituído como uma forma de encontro dialógico da bailarina com um outro, mediado pelo corpo. The research has belly dance as its focus, more specifically the way as this aesthetical activity becomes concrete. Belly dance is understood as historically and socially constructed, discussing the problem of gender present on it. From the bakhtinian perspective, this research proposes belly dance as a process of an aesthetical modelling of the body. It happens when the belly dancer recreates herself to another one creating a dance, explaining the functions of each participant in the constructing trinity of this aesthetical activity: the belly dancer transformed in the author who creates, and is also the created character, and the spectator as a co-creator of the work. From the interview made with a professional belly dancer, belly dance is analysed as a mix of aesthetical relations which are: the relations of the belly dancer with the technique, with the body, with the music, with herself, with the participant, with the sacred, with history, with gender. The conclusion is that those relations compose a game of forces in which the dance becomes concrete as a unique aesthetical act, constructed as a form of a dilogical meeting of the belly dancer with the other one, mediated by the body.

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Fiamoncini, Luciana. "Dança na educação." Florianópolis, SC, 2003. http://repositorio.ufsc.br/xmlui/handle/123456789/86082.

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Abstract:

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Educação. Programa de Pós-Graduação em Educação.
Made available in DSpace on 2012-10-21T03:26:36Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Nesta pesquisa tivemos o intuito de desenvolver uma fundamentação teórica para a dança na educação. Deste modo, buscamos na arte e na estética elementos que pudessem contribuir para este feito. Então, na arte identificamos como primordiais a criatividade e a expressividade, e na estética, a sensibilidade. Elementos estes que acreditamos formar o tripé básico para o trabalho com a dança tanto na educação formal quanto na educação informal. Este estudo tem como objetivo principal desenvolver uma fundamentação teórica para a dança na educação a partir de elementos da arte e da estética. Tem como pressupostos metodológicos a realização de uma pesquisa teórica com base na hermenêutica. As reflexões aqui realizadas não estão de modo algum esgotadas, porém acreditamos que esta pesquisa trás sua contribuição para os que se interessam pelo tema e também aponta caminhos para outros estudos na área em questão.

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Lima, Marlini Dorneles de. "Composição coreográfica na dança." Florianópolis, SC, 2006. http://repositorio.ufsc.br/xmlui/handle/123456789/88204.

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Abstract:

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Desportos. Programa de Pós-Graduação em Educação Física.
Made available in DSpace on 2012-10-22T06:35:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 228097.pdf: 4184560 bytes, checksum: 6d173d30f2a3b58440bf5f9cfc395521 (MD5)
Na composição coreográfica em dança observa-se um diálogo entre os elementos técnica, movimento humano e expressividade, implicando numa situação paradoxal entre uma concepção dicotômica de movimento e expressão, o uso vulgar e reducionista de técnica e a concepção fenomenológica da expressividade humana e do se-movimentar. Diante dessa problemática apresentada, o objetivo deste estudo se dá justamente em analisar a cerca dos elementos constituintes da composição coreográfica em dança: movimento humano, a expressividade e a técnica numa perspectiva fenomenológica. Para atingir tal propósito foram exploradas algumas proposições conceituais já tecidas por autores a respeito da composição coreográfica, na tentativa de compreender como estes elementos se inter-relacionam, identificando os papéis dos sujeitos envolvidos na composição coreográfica enquanto uma possibilidade de educação estética. Este estudo se caracterizou numa investigação teórica bibliográfica. De forma geral, verificou-se a dicotomia e polarização que impera no ensino e nas etapas da composição de uma coreografia, neste sentido, o olhar fenomenológico, permitiu transcender essa visão abrindo outras possibilidades de compreensão para esse fenômeno, como a relação de fundação a qual evidencia a experiência do sujeito no mundo presente na composição coreográfica, cujos elementos que compõe este fenômeno artístico se articulam num diálogo conflituoso e harmônico, nos demonstrando sua complexidade.

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Silva, Ângela Ferreira da. "Projeto Dança Criança e Escola Cidadã: o aprendizado da dança e a construção de significados." Pontifícia Universidade Católica do Rio Grande do Sul, 2007. http://hdl.handle.net/10923/2732.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2013-08-07T18:49:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000399719-Texto+Completo-0.pdf: 7662813 bytes, checksum: 2799554f7817b008499cee1ae335119e (MD5) Previous issue date: 2007
The present research, on qualitative character, is characterized as a case study and concerned the thematic dance and education, focusing the meanings built from the dance learning for the group of students involved in the project called “Dança Criança”. This project has been launched twenty three years ago in the Municipal School José Loureiro da Silva, located on the Vila Cruzeiro do Sul, in the suburbs of Porto Alegre. The data collection was made through semi-structured interviews with 9 project members (age group between 6 and 14 years old), 3 relatives and 2 teachers, besides informal talking. Observations were also realized during the classes (including getting in and leaving moments), and during the presentations. The data analysis was based on contents analysis that generated the following categories: (meanings and feelings related to dance; motivation to learn dance at school; expectation in relation to dance itself and life. The study is based on the perspective of aesthetics education (HERMANN, 2005; DUARTE JR, 1981, 1991) and situated in the pedagogical propose of the Escola Cidadã (AZEVEDO, 1999, 2000; GADOTTI, 2000). The results point, principally, that the dance project is constituted by an important referential to this community, concerning a significant learning and on the rescue of participation feelings, integration and mobilization.The social representation revealed in the research, indicates that the dance for this group, does not mean only learning, but the life itself. From the research findings on, it is recommended that the alternative education projects be incorporated to the school’s reality, as a way to potencialize whole student’s development and to give a new meaning to the educational act, while been an act of knowledge construction based on happiness and beauty.
A presente pesquisa, de caráter qualitativo, caracteriza-se como estudo de caso e problematizou a temática dança e educação, focalizando os significados construídos a partir do e no aprendizado da dança para o grupo de alunos envolvidos no projeto Dança Criança. Este projeto existe há 23 anos na Escola Municipal de Ensino Fundamental José Loureiro da Silva, localizada na Vila Cruzeiro do Sul, bairro periférico de Porto Alegre. A coleta de dados foi feita através de entrevistas semi-estruturadas com 9 integrantes do projeto (faixa etária entre 6 e 14 anos), 3 familiares e 2 professoras, além de conversas informais. Também foram realizadas observações participantes durante as aulas (incluindo os e momentos de entrada e saída) e nas apresentações. O procedimento de análise dos dados foi baseado na análise de conteúdo que gerou as seguintes categorias: significados e sentimentos em relação à dança; motivação para aprender dança na escola; expectativas em relação à dança e à vida. O estudo está embasado na perspectiva da educação estética (HERMANN, 2005; DUARTE JR, 1981,1991) e situado na proposta pedagógica da Escola Cidadã (AZEVEDO, 1999, 2000; GADOTTI, 2000). Os resultados apontam, principalmente, que o projeto de dança constitui-se em um importante referencial para esta comunidade em relação à construção de uma aprendizagem significativa e no resgate de sentimentos de participação, integração e mobilização.As representações sociais desveladas na pesquisa indicam que a dança para este grupo dá sentido não só ao aprendizado, mas à própria vida. A partir das constatações da pesquisa, recomenda-se que projetos de educação alternativos sejam incorporados à realidade das escolas, como forma de potencializar o desenvolvimento integral dos alunos e de resignificar o ato educativo, enquanto um ato de construção de conhecimento baseado na alegria e na beleza.

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Reis, Alice Casanova dos. "A dança da vida: a experiência estética da biodança." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/47/47134/tde-15062012-111437/.

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Abstract:

Este trabalho tem como objetivo compreender a experiência da Biodança em uma perspectiva fenomenológica. A Biodança é um método vivencial criado pelo psicólogo chileno Rolando Toro, que visa promover os potenciais saudáveis dos sujeitos, através de encontros em grupo, mediados pela música e pela dança. A dança ali se configura como uma forma de integração do homem consigo próprio, com o outro e com a Natureza. A partir do convívio com as participantes de um grupo de Biodança e da realização de entrevistas, foram investigados os sentidos que emergem nesta atividade. Desenvolveu-se, assim, um conhecimento que parte do vivido, suspendendo ideias preconcebidas para apreender a experiência, tal como ela se mostra a partir do ponto de vista dos sujeitos. A Biodança se revelou em três aspectos principais: 1) como uma experiência de metamorfoses do corpo, que na dança se transfigura em formas nas quais o sujeito se transforma; 2) como uma experiência de expressão criativa da identidade; 3) como experiência da alteridade. Esses aspectos levaram a compreender, para além do sentido terapêutico da Biodança, um sentido estético que nela se faz essencial. Concluise que a Biodança, enquanto uma atividade fundamentalmente perceptiva e criativa, possibilita uma experiência estética aos sujeitos, na qual se constituem como autores no processo de (re)criação existencial de suas vidas
This thesis aims to understand the experience of Biodanza from the phenomenological perspective. Biodanza is a living method created by chilean psychologist Rolando Toro, which intends to promote total health potential of individuals through group meetings with music and dance. Biodanza forms an alternative means of a persons integration with himself, with others and with Nature. My investigation evolved from shared living experience meetings with participants of a Biodanza group and interviews with the consequent investigation of the senses and meanings that emerge from the dancing. I have thus developed a certain knowledge that arose from my personal living experience, temporarily suspending preconceived ideas in order to better absorb and learn from the experience, in the same way as it reveals itself for the participants. Biodanza has shown three main aspects: 1) as an experience of body metamorphosis, during the dance the body changes with the forms that the dancer personality changes into; 2) as a form of creative expression of ones identity; 3) as an experience of alterity and otherness. These aspects extend the understanding to far beyond Biodanza therapeutic purposes, rather to an aesthetic meaning that within it proves essential. The conclusion is that Biodanza, as an activity fundamentally perceptive and creative, allowing participants to have a unique aesthetic experience in which they become authors of the process of existential (re)creation of their lives

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Barreto, Debora. "Dança... ensino, sentidos e possibilidades na escola." [s.n.], 1998. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/274878.

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Orientador: Vilma Leni Nista-Piccolo
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação Fisica
Made available in DSpace on 2018-07-24T08:32:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Barreto_Debora_M.pdf: 5906569 bytes, checksum: 8f89eba2c7ca4b016105d2ecd4e58545 (MD5) Previous issue date: 1998
Resumo: Esta pesquisa tem como foco de estudo, indagar e compreender o fenômeno que é o ensino de dança na escola, buscando ainda criar diretrizes de ação pedagógica para este ensino. Como objetivos específicos este trabalho pretende: -investigar uma concepção estética de educação, em que a dança seja desenvolvida como forma de conhecimento sensível, refletindo sobre a escola e sobre "como" o ensino de dança pode contribuir para que ela seja o espaço da construção e socialização de conhecimentos lógicos e estéticos; -pensar sobre o processo educacional que viabilize a expressividade e a comunicação humana, através da linguagem escrita, falada, de diálogos corporais e da dança; -percorrer os espaços da dança no âmbito escolar, discutindo conceitos de dança que estimulam a construção da subjetividade humana. Para atingir os objetivos descritos, esta pesquisa apresenta a fenomenologia como forma de olhar o mundo e suas existências e como possibilidade de interrogá-los. Ela foi assumida neste trabalho como atitude frente ao fenômeno indagado, como abordagem de pesquisa e como percurso metodológico. Os objetivos propostos foram alcançados
Abstract: This research focuses the questionings ond compreension of the phenomenon which is the teoching of dancing in schools, in search of creating sources for pedagogical action for this t kind of education. As special aims, this study intends to: -investigate a sthetic concept of education in wich dancing be developed 05 woy of sensitive knowledge, considering the school ond "how" dancing coud contribute to be the building space ond socialization of logical ond sthetical knowledge; -thinking about the educational process which makes the expressing and human comunication possible trhu the written and language, corporate dialogs and of dancing; -run thru the dancing within the school range, discuting dancing concepts which stimulate the constrution of human subjectnity. To reach these aims, this research presents the phenomenology as way of looking ot the world and its existences and also as a possibility of questioning. It was assumed in this research as an attitude towards the questined phenomenon, as a research approoch, and as a methodologic poth. The proposed aims were reached.
Mestrado
Mestre em Educação Física

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Jastes, Éder Robson Mendes. "Zimba: A espetacularidade gestual dos dançarinos de Carimbó na Amazônia." Escola de Teatro, 2012. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/27318.

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Abstract:

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-06T14:55:07Z No. of bitstreams: 2 TESE ÉDER JASTES imprimir.pdf: 4841199 bytes, checksum: 2208ec8dce9a8bfc165f47aca92b508b (MD5) Zimba- Carimbó.mp4: 46986190 bytes, checksum: 1cf8464c36d4bf83cf54e9b34e35078c (MD5)
Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-11T13:22:35Z (GMT) No. of bitstreams: 2 TESE ÉDER JASTES imprimir.pdf: 4841199 bytes, checksum: 2208ec8dce9a8bfc165f47aca92b508b (MD5) Zimba- Carimbó.mp4: 46986190 bytes, checksum: 1cf8464c36d4bf83cf54e9b34e35078c (MD5)
Made available in DSpace on 2018-09-11T13:22:35Z (GMT). No. of bitstreams: 2 TESE ÉDER JASTES imprimir.pdf: 4841199 bytes, checksum: 2208ec8dce9a8bfc165f47aca92b508b (MD5) Zimba- Carimbó.mp4: 46986190 bytes, checksum: 1cf8464c36d4bf83cf54e9b34e35078c (MD5)
Este estudo visa investigar, descrever e analisar O Zimba considerado sinônimo do Carimbó. Busca compreender a sua situação histórica e geográfica registrada em documentos e também nas memórias dos sujeitos culturais da Microrregião do Salgado Paraense, em especial nos municípios de Vigia de Nazaré e Maracanã. Procura registrar as vivências de expressões da teatralidade do nativo e da sua criatividade gestual espetacular nos festejos comuns aos caboclos na Amazônia Brasileira, apontando suas matrizes estéticas e elementos constitutivos de novos significados relevantes ao registro da memória imaterial de nosso povo. Desse modo, ratifica sua palavra, sua identidade, sua história, sua alteridade. Apresentando os episódios da trama do trajeto antropológico de seus ancestrais que percorreram e fizeram o Zimba chegar ao Brasil, em terras da capitania do Pará e Maranhão e depois as terras dos hoje Estados do Pará e do Amapá.
This research was made to investigate, describe and analyze Zimba, which is considered a Carimbó synonym by researchers before me. The interest in unveiling new data about Zimba appeared as a sequel of Master Researches when we found it in Mr. Alfredo’s report, suggesting to this a new meaning; this fact incited me look for understanding its historical and geographic situation registered in documents and also in the cultural people’s memories from micro region of Salgado Paraense, in special from Vigia de Nazaré and Maracanã cities; as much as register the experiences native expressions of theatricality and its spectacular sign creativity in the common celebrations to the caboclos in Brasilian Amazon, pointing its aesthetic matrices and constituent elements of new relevant meanings to the immaterial memory records of our folk, ratifying its word, its identity, its history, its otherness. Introducing episodes from the plot of anthropological path of their ancestors, who traveled and made Zimba come to Brazil, in Pará and Maranhão captaincy lands and then Pará and Amapá states.

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Ostetto, Luciana Esmeralda. "Educadores na roda da dança : formação-transformação." São Paulo (SP), 2006. http://repositorio.ufsc.br/xmlui/handle/123456789/88883.

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Abstract:

Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas. Faculdade de Educação.
Made available in DSpace on 2012-10-22T14:37:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 226179.pdf: 32185215 bytes, checksum: 4865dfad246a90d65e79d25505f24ddf (MD5)

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Kunz, Maria do Carmo Saraiva. "Dança e género na escola-formas de ser e viver mediadas pela educação estética." Phd thesis, Instituições portuguesas -- UTL-Universidade Técnica de Lisboa -- -Faculdade de Motricidade Humana, 2003. http://dited.bn.pt:80/30546.

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Zancan, Rubiane Falkenberg. "Motivação criadora e recepção estética no espetáculo Re-sintos da Muovere Companhia de Dança." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2009. http://hdl.handle.net/10183/17689.

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Abstract:

A pesquisa intitulada Motivação Criadora e Recepção Estética no Espetáculo Re-Sintos da Muovere Companhia de Dança tem a seguinte indagação: Como operam as motivações criadoras e o processo de recepção de um espetáculo de dança contemporânea? O espetáculo escolhido para investigar o processo de criação e recepção traz o cruzamento das fronteiras entre a dança e o teatro, seja pela composição do elenco de bailarinos e atores, seja pela direção geral e cênica ter sido realizada, respectivamente, por Jussara Miranda e Jezebel de Carli, uma artista da dança e outra do teatro. Re-Sintos apresenta como características: a ênfase da não neutralidade facial; a utilização de elementos sonoros, ora produzidos pelos bailarinos, ora acompanhados pela trilha musical; a utilização de cenário, o uso de narrativa fragmentada; a utilização de diálogo com questões do cotidiano; por fim, valoriza a plasticidade do movimento corporal como principal fio condutor. Como modo de sistematizar e organizar a leitura, esta pesquisa é dividida em três capítulos: O capítulo I analisa como acontece a articulação entre a dança e o teatro no espetáculo Re-Sintos. O capítulo II verifica o que envolve o processo de recepção e como o espetáculo se oferece ao exercício receptivo. O capítulo III examina e apresenta o modo como opera a produção e a recepção do espetáculo Re-Sintos a partir de algumas características aproximativas do rizoma de Gilles Deleuze e Félix Guatarri. As características presentes no Re-Sintos retratam um modo de condução do trabalho, no qual se evidencia a presença de um caráter investigativo que tem como efeito a multiplicidade. Essa multiplicidade compreende as conexões, as rupturas e as contaminações consentidas pelo olhar questionador dos produtores num processo dinâmico de territorialização, desterritorialização e reterritorialização da criação. Quanto à recepção estética, observa-se que cada espectador articula os conhecimentos prévios, os sentidos plurais e paradoxais em linhas de segmentaridade e linhas de desterritorialização. Como a percepção produz constantemente conexões e desdobramentos, ao criar novos nexos e exigir sem cessar outros agenciamentos, os vínculos entre as motivações criadoras e a recepção estética são rizomáticos e não permitem ao espectador a identificação completa das fontes ou origens.
The research entitled Creative Motivation and the Aesthetic Reception at Re- Sintos Performance of Muovere Dance Company has a question: How creative motivations and receptive process operate in a contemporary dance performance? The performance chosen to investigate the process of creation and reception crosses the borders between dance and theater, either by the casting composition by dancers and actors or by the general and scenic direction done, respectively, by Jussara Miranda and Jezebel de Carli, a dance artist and a theater artist. Re-Sintos has as characteristics: the emphasis of the non-facial neutrality; the utilization of sound elements, be it produced by the dancers or accompanied by the musical track; the scenery presentation; the use of the fragmented narrative; the utilization of dialogue with daily subjects; at least, values the corporal movement plasticity as its principal thread. As a way to systematize and organize the reading, this research is divided in three chapters: Chapter I analyses how the articulation between dance and theater happens at the Re-Sintos performance. Chapter II verifies what involves the reception process and how the performance offers itself to the receptive exercise. Chapter III examines and presents the way how the production and the reception of the Re-Sintos performance operate from some approximate characteristics from Gilles Deleuze and Félix Guattarri's rhizome. The features presented in Re-Sintos portray a conduction way of the work, which shows the presence of an investigative character that has the multiplicity as its effect. This multiplicity comprehends the connections, ruptures and contaminations consentied by the questioning way of look of the producers in a dynamic process of the creation's territorialization, deterritorialization and reterritorialization. About the aesthetic reception, it is observed that each spectator articulates its prior knowledge, the plural and paradoxical feelings in lines of segmentarity and lines of deterritoriamization. As the perception produces constantly connections and consecutive developments, when it creates new connections and demand without ceasing other agency the links between the creative motivations and the aesthetic receptions are rhizomatous and do not allow the spectator the full identification of the sources or origins.

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Lima, Marcela dos Santos. "Corpo, maturidade e envelhecimento. O feminino e a emergência de outra estética através da dança." reponame:Repositório Institucional da UFBA, 2009. http://www.repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/9628.

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Abstract:

190f.
Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-03-27T15:55:47Z No. of bitstreams: 1 Lima.pdf: 2733507 bytes, checksum: 1f2bff24b471803ca984455c93612e25 (MD5)
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Estudo de cunho qualitativo que se insere na linha de pesquisa Poéticas e Processo de Encenação do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia. Esta pesquisa baseia-se na análise histórica, social, fenomenológica e visa refletir a imposição de uma estética tradicional que se incide sobre a cena artística e limita a duração da carreira da artista da dança. Portanto, o corpo feminino é o foco deste trabalho, tendo em vista o espaço que vem sendo requisitado por intérpretes criadoras com mais de quarenta anos e a verificação de uma produção artística consistente demonstrada nos trabalhos de Cláudia Palma, Dudude Herrmann e Márcia Rubin, entre outras personalidades da dança contemporânea no Brasil. A metodologia utilizada envolve os procedimentos de pesquisa teórica, bibliográfica e videográfica, além de entrevistas com os sujeitos supracitados. Em uma sociedade como a nossa, que acredita que a dança é o espaço da apresentação de corpos jovens e virtuosos, ou seja, que correspondem a um padrão corporal “ideal” reforçado pela cultura midiática, busco pensar a possibilidade de uma estética que permita a visibilidade e valorização do corpo maduro em cena.Portanto, esta pesquisa reflete sobre as reais possibilidades e perspectivas profissionais para a bailarina com mais de quarenta anos se perpetuar em seu fazer artístico fora dos padrões estabelecidos e seus estereótipos. Como todo artista a bailarina precisa continuar produzindo, criando, dançando. Esse é o seu trabalho, essa é a sua escolha que, durante toda a sua trajetória, lhe deu uma percepção do mundo e de si mesma. Por isso se fez necessário demonstrar em vídeo registros de trabalhos realizados por algumas intérpretes veteranas brasileiras citadas nesta dissertação. Um “outro corpo” na dança, ou seja, um corpo maduro, é uma outra forma de ação no mundo e assim o próprio universo da dança se amplia.
Salvador

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Valentim, Aldo Luiz. "A identidade estética e as competências de gestão no processo de internacionalização da Companhia de Dança Deborah Colker." [s.n.], 2011. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285243.

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Abstract:

Orientador: Cássia Navas Alves de Castro
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-26T08:58:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Valentim_AldoLuiz_M.pdf: 15008400 bytes, checksum: e9172c1095aeb643f8fea55d10b52405 (MD5) Previous issue date: 2011
Resumo: A Companhia de Dança Deborah Colker é considerada uma das mais importantes dentro do conjunto das companhias de dança contemporânea do Brasil, tendo reconhecimento nacional e internacional. Este trabalho busca compreender quais fatores colaboraram com o processo de internacionalização da Companhia analisando a construção da identidade estética e a gestão profissionalizada como principais aliados no percurso de organização, estruturação e internacionalização da Companhia de Dança Deborah Colker
Abstract: The Deborah Colker Dance Company is considered one of the most important inside of the set of the company's of contemporary dance of Brazil, having had national and international recognition. This searchs to understand which factors had cooperated with the process of internationalization of the Company having analyzed the construction of the esthetic identity and the management professionalized as main united in the way of organization, and internationalization of the Deborah Colker Dance Company
Mestrado
Artes Cenicas
Mestre em Artes

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Faria, Ítalo Rodrigues [UNESP]. "A relação espectador e dança: uma abordagem sobre apreciação, fruição e atitude estética na contemporaneidade." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2018. http://hdl.handle.net/11449/152961.

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Abstract:

Submitted by ITALO RODRIGUES FARIA (artescoreograficas@gmail.com) on 2018-03-09T01:08:34Z No. of bitstreams: 1 TESE-ITALO RODRIGUES.pdf: 5701877 bytes, checksum: 66795cef0f8b350a35e381c1ef311eb7 (MD5)
Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2018-03-09T19:16:17Z (GMT) No. of bitstreams: 1 faria_ir_dr_ia.pdf: 5701877 bytes, checksum: 66795cef0f8b350a35e381c1ef311eb7 (MD5)
Made available in DSpace on 2018-03-09T19:16:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 faria_ir_dr_ia.pdf: 5701877 bytes, checksum: 66795cef0f8b350a35e381c1ef311eb7 (MD5) Previous issue date: 2018-02-05
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Este estudo visa refletir sobre a relação do espectador e a obra artística de dança na contemporaneidade. Para tanto, os objetivos aqui levantados, consideram verificar o estado atual das pesquisas sobre o tema proposto por meio de Revisão de Literatura Integrativa das publicações encontradas em bancos e bases de dados; e refletir sobre o assunto por meio da Filosofia Analítica de Arthur Coleman Danto (1924-2013). Para tal, preconizo que o espectador pode se tornar sujeito ativo na construção de sentidos, uma vez que nessa relação estão imbricadas atitude estética, fruição, apreciação e experiência advindas de diferentes possibilidades interpretação do espectador diante da obra. É possível, sob o escopo da filosofia de Arthur Danto, empreender reflexões sobre a relação do espectador e a dança contemporânea diante de obras apresentadas nos espaços cênicos tradicionais ou alternativos? Pode a arte contemporânea (Dança) suscitar ou até mesmo erigir diferentes posturas, ou atitudes estéticas diante da obra artística, fomentando outras maneiras de denominação para o espectador? Para tal esta tese traz como fios condutores, além de Arthur Danto, obras de autores da Filosofia: Jimenez (1999), Fabbrini (1990, 2002, 2010), Louppe (2012); da Dança: Banes (1999, 2011), Ribeiro (1994, 1997), Katz (2017), Rodrigues Silva (2005), Godoy (2013-2014), Faria (2011), entre outros. Nesta abordagem teórica de natureza qualitativa, ressalto o papel do espectador de dança enquanto agente transfigurador da arte em sua completude e significação. Nisto, identifiquei a importância de conceitos, teorias e fundamentações histórico-filosóficas que possibilitam espectadores, artistas e interessados, adentrar no Mundo da dança na arte valorando obras, enunciando argumentos e discursos de razão sobre possíveis poéticas empreendidas por artistas da dança.
This study aims to reflect on the relationship between the spectator and the artistic work dance in the contemporary world . Therefore, the specific objectives raised here, consider checking the current state of the researches on the proposed theme through the Review of Integrative Literature of the publications and studies found in banks and databases; and reflect on the subjec t through the Analytical Philosophy of Arthur Coleman Danto (1924 - 2013). To this end, I advocate that the spectator can become an active subject in the construction of meanings, since in this relation they are imbricated esthetic attitude, fruition, apprec iation and experience arising of different possibilities interpretation of the spectator before the work. It is possible, under the scope of Arthur Danto's philosophy, reflections on the relation of the spectator and the contemporary dance before works pre sented in traditional or alternative scenic spaces? Can Contemporary Art (Dance) arouse or even erect different postures, or aesthetic attitudes towards the artistic work, fomenting other ways of denomination for the spectator? For this, this thesis brings as conducting threads, besides Arthur Danto, the works of authors of Philosophy: Jimenez (1999), Fabbrini (1990, 2002, 2010), Louppe (2012); da Dança: Banes (1999, 2011), Ribeiro (1994, 1997), Katz (2017), Rodrigues Silva (2005), Godoy (2013 - 2014), Faria (2011), among others. In this approach qualitative, it emphasizes the role of the spectator of dance as a transfiguring agent of art in its completeness and significance. In this, I identified the importance of concepts, theories and historical and philoso phical foundations that allow spectators, artists and interested, to enter in Art dance in World valuing works, enunciating arguments and discourses of reason about possible poetry undertaken by dance artists.
CAPES: 3300401-3

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Faria, Ítalo Rodrigues 1965. "A relação espectador e dança : uma abordagem sobre apreciação, fruição e atitude estética na contemporaneidade /." São Paulo, 2018. http://hdl.handle.net/11449/152961.

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Orientador(a): Kathya Maria Ayres de Godoy
Banca: Lilian Freitas Vilela
Banca: Katia Peixoto dos Santos
Banca: Luís Fernando Viti de Freitas
Banca: Odilon José Roble
Resumo: Este estudo visa refletir sobre a relação do espectador e a obra artística de dança na contemporaneidade. Para tanto, os objetivos aqui levantados, consideram verificar o estado atual das pesquisas sobre o tema proposto por meio de Revisão de Literatura Integrativa das publicações encontradas em bancos e bases de dados; e refletir sobre o assunto por meio da Filosofia Analítica de Arthur Coleman Danto (1924-2013). Para tal, preconizo que o espectador pode se tornar sujeito ativo na construção de sentidos, uma vez que nessa relação estão imbricadas atitude estética, fruição, apreciação e experiência advindas de diferentes possibilidades interpretação do espectador diante da obra. É possível, sob o escopo da filosofia de Arthur Danto, empreender reflexões sobre a relação do espectador e a dança contemporânea diante de obras apresentadas nos espaços cênicos tradicionais ou alternativos? Pode a arte contemporânea (Dança) suscitar ou até mesmo erigir diferentes posturas, ou atitudes estéticas diante da obra artística, fomentando outras maneiras de denominação para o espectador? Para tal esta tese traz como fios condutores, além de Arthur Danto, obras de autores da Filosofia: Jimenez (1999), Fabbrini (1990, 2002, 2010), Louppe (2012); da Dança: Banes (1999, 2011), Ribeiro (1994, 1997), Katz (2017), Rodrigues Silva (2005), Godoy (2013-2014), Faria (2011), entre outros. Nesta abordagem teórica de natureza qualitativa, ressalto o papel do espectador de dança enquanto agente... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: This study aims to reflect on the relationship between the spectator and the artistic work dance in the contemporary world . Therefore, the specific objectives raised here, consider checking the current state of the researches on the proposed theme through the Review of Integrative Literature of the publications and studies found in banks and databases; and reflect on the subjec t through the Analytical Philosophy of Arthur Coleman Danto (1924 - 2013). To this end, I advocate that the spectator can become an active subject in the construction of meanings, since in this relation they are imbricated esthetic attitude, fruition, apprec iation and experience arising of different possibilities interpretation of the spectator before the work. It is possible, under the scope of Arthur Danto's philosophy, reflections on the relation of the spectator and the contemporary dance before works pre sented in traditional or alternative scenic spaces? Can Contemporary Art (Dance) arouse or even erect different postures, or aesthetic attitudes towards the artistic work, fomenting other ways of denomination for the spectator? For this, this thesis brings as conducting threads, besides Arthur Danto, the works of authors of Philosophy: Jimenez (1999), Fabbrini (1990, 2002, 2010), Louppe (2012); da Dança: Banes (1999, 2011), Ribeiro (1994, 1997), Katz (2017), Rodrigues Silva (2005), Godoy (2013 - 2014), Faria (2011), among others. In this approach qualitative, it emphasizes the role of the... (Complete abstract click electronic access below)
Doutor

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Matos, Milianie Lage. "A dança como contradispositivo no cotidiano social: interações estético-políticas no espaço urbano." Escola de Dança, 2014. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/18663.

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Abstract:

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2016-02-19T12:57:56Z No. of bitstreams: 1 Dissertação de Mestrado MILIANIE LAGE MATOS.pdf: 1575098 bytes, checksum: 92e5c0433c80994e8be4349a260e840f (MD5)
Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2016-02-29T21:22:46Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação de Mestrado MILIANIE LAGE MATOS.pdf: 1575098 bytes, checksum: 92e5c0433c80994e8be4349a260e840f (MD5)
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Esta dissertação investiga a Dança Contemporânea como um contradispositivo em relação aos dispositivos de poder intrínsecos ao contexto social. A partir dessa relação, discute o potencial da dança através das interações estético-políticas nas contingências do seu acontecimento no espaço urbano. Nessa pesquisa são vislumbrados os conceitos de biopolítica, dispositivos e contradispositivos, corpo, ambiência e espaço urbano; contou-se com alguns parâmetros históricos da arte na rua, pesquisa de campo (Festival Internacionais Atos em Ações – Artes Visuais – Campinas, Limeira e Rio Claro/SP/2013) e o Projeto de Dança Macaco Nu (Alemanha/Amazonas/Acre/Bahia/2013). Os resultados obtidos revelam uma tendência da dança, realizada nos espaços urbanos, de operar como enunciação estética que mobiliza reflexões sócio-políticas acerca dos mecanismos de poder. Dos nove investigados, todos, de maneira particular, demonstram intenções de subversão dos dispositivos de poder, com fortes preocupações políticas. Os instrumentos da pesquisa têm como foco maior o estudo do corpo como potencial da ação. Neste sentido, o corpo pode ser compreendido como a própria ambiência da dança urbana. Tal enunciado, no entanto, merece mais investigações futuras, dado sua complexidade e relevância.

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Amoroso, Daniela Maria. "Levanta mulher e corre a roda: dança, estética e diversidade no samba de roda de São Félix e Cachoeira." reponame:Repositório Institucional da UFBA, 2009. http://www.repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/9646.

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Abstract:

237f.
Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-03-25T13:50:53Z No. of bitstreams: 3 Amoroso%20parte%203.pdf: 6229956 bytes, checksum: 57214e5a8b28e11ae230e7848f48c02d (MD5) Amoroso%20parte%202.pdf: 7141087 bytes, checksum: 18d6b1efd9e9b60366248c9dcabed1a1 (MD5) Amoroso%20parte1.pdf: 7424775 bytes, checksum: 8f08dc3e75b3cda97ea3f159eb49d9f8 (MD5)
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Essa tese trata do samba de roda de roda de duas cidades do recôncavo baiano, São Félix e Cachoeira. Essas duas cidades estiveram historicamente envolvidas nos processos de colonização e independência da Bahia e, dessa forma, incluídas no mapa das encruzilhadas da diáspora africana. Entende-se que as relações da diáspora africana no Brasil, em especial no recôncavo, incluem o samba de roda no rol das formas de expressão da cultura do Atlântico negro. E, argumenta-se, que o elemento perceptível do parentesco entre essas formas se dá na estética. Os conceitos-chave utilizados para fortalecer esse argumento são: matriz estética, modernidade, encruzilhada e estética diaspórica. A metodologia de pesquisa utilizada se baseia nos métodos propostos pela etnocenologia. Entende-se que a imersão nas cidades foi fator condicionante da escolha e determinação do sujeito de pesquisa e da contextualização do 'eu pesquisador' no ambiente cultural do samba de roda. Elegeu-se, a partir da pesquisa in lócus, dois grupos de samba de roda, o “Filhos de Nagô” e o “Suerdieck”, de São Félix e de Cachoeira, respectivamente. A contextualização do objeto, a imersão no campo de pesquisa e a prática corporal constituíram, dessa forma, a estratégia metodológica para a compreensão sensível do samba de roda. Entende-se que a compreensão da estética do samba de roda se dá através da experiência prática e através do corpo que dança, toca, canta, se alimenta e transforma. Ele, o corpo, é o local da memória, da ancestralidade, da síncopa, da oralidade e do movimento.
Salvador

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Mayca, Fabiana Grassi. "Imagens e imaginações." Florianópolis, SC, 2008. http://repositorio.ufsc.br/xmlui/handle/123456789/91509.

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Abstract:

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Ciências da Educação. Programa de Pós-Graduação em Educação
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Esta pesquisa buscou descrever as experiências de julgamento estético a respeito do trabalho artístico do Potlach Grupo de Dança. Esse grupo se caracteriza como um Projeto de Extensão da Universidade Federal de Santa Catarina e é formado por dançarinos com e sem cegueira. A pesquisa, de cunho qualitativo e de inspiração etnográfica, adotou o estilo fenomenológico de descrição das vivências e dos diálogos com os dançarinos com cegueira, e estudantes de uma escola pública. O exame detido das descrições oriundas das entrevistas semi-estruturadas, complementadas por desenhos, textos, exibição de vídeo, dentre outros, possibilitaram à pesquisadora perceber que o julgamento estético encontra-se muito mais ligado ao sentir do corpo em sua totalidade, à imaginação, ao diálogo com o outro, do que à determinação biólogica, vinculada ao ter ou não o sentido da visão. Nesse contexto, a imaginação aparece como a capacidade humana que nos permite ultrapassar o preconceito e nos abrirmos para o mundo, indo ao encontro do outro. Desse modo, o julgamento estético se constitui uma aposta na coexistência. A efetivação da pluralidade como condição humana sugere que se desfaça o vínculo redutor entre o julgar e condenar, e o perceber e enquadrar, lembrando-nos que o julgar, como uma faculdade da mente, é motivado pela singularidade dos fenômenos.

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Paulino, Belister Rocha. "Movimento, arte e expressividade : uma proposta de dança educativa para alunos com deficiência intelectual." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2017. http://repositorio.unb.br/handle/10482/31354.

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Abstract:

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2017.
Submitted by Raquel Almeida (raquel.df13@gmail.com) on 2018-03-01T18:46:12Z No. of bitstreams: 1 2017_BelisterRochaPaulino.pdf: 5635995 bytes, checksum: 790ec80dfd5b254fd6321eb3e1ebfc73 (MD5)
Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-03-07T13:15:27Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_BelisterRochaPaulino.pdf: 5635995 bytes, checksum: 790ec80dfd5b254fd6321eb3e1ebfc73 (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES).
A pesquisa parte da reflexão do papel da arte como forma de resgatar o sentido da experiência estética, que tem no professor um mediador do processo. O estudo dialoga com questões que integram dança/educação/deficiência para análise dos processos norteadores de uma prática pautada na compreensão do movimento expressivo na escola. Dança e educação são analisadas a partir das proposições dos Parâmetros Curriculares Nacionais-(PCN’s) de 1997, como primeiro documento a inserir essa prática no contexto educacional. A deficiência é percebida na análise de práticas pedagógicas que problematizam o espaço escolar e da diferença para o exercício da alteridade e aceitação do outro numa relação para a própria existência no mundo. Destaca-se o conceito de dança educativa desenvolvido na abordagem de Rudolf Laban, sob o qual foram estabelecidas quatro categorias temáticas para análise: Corpo, Espaço, Grupo e Criação. A pesquisa tem como objetivo compreender o processo e o efeito da experimentação de movimentos corporais criativos para desenvolvimento da expressividade do aluno com deficiência intelectual; perceber a arte/dança como uma linguagem estética no contexto da educação especial; analisar o papel docente na mediação de experimentações interventivas com o movimento para a percepção do seu corpo, do espaço e do relacionamento com o outro na dança. O estudo orienta-se pela escuta sensível para uma compreensão dos aspectos analisados e pela pesquisa-ação como possibilidade metodológica que pode resultar no aprimoramento e na transformação da prática educativa. Os dados foram coletados na oficina de dança realizada com um grupo de alunos do Centro de Ensino Especial 01 de Santa Maria - Distrito Federal e analisados a partir de diários de campo, fotos e filmagens. A oficina culminou com a apresentação artística ‘Movere - dança e expressividade no encontro com o outro’, também considerada na análise dos dados. Percebeu-se a construção de significados de dança que partem da percepção de si e do outro; rompimento da cópia de movimentos padronizados para criação em dança; ampliação de vivências significativas com o corpo na escola; dança compreendida como linguagem da expressividade subjetiva na qual se valoriza a presença de cada corpo em suas diferenças e possibilidades. O estudo contribui para a compreensão de dança/ensino ampliada à educação especial; ressignificação da arte no contexto da educação; reflexões da percepção das diferenças no processo de aprendizagem e pode ser ampliado pela investigação dos jogos para compreensão da corporeidade na escola.
The research starts from the reflection of art’s rolethe as a way of rescuing the aesthetic experience sense in which the teacher is a process mediator. The investigation dialogues with issues that integrate dance / education / disability to analyze the guiding processes of a practice based on the understanding expressiveness moviment at in school. Dance and education are analyzed from the Parâmetros Curriculares Nacionais propositions of 1997 as the first document to insert this practice in the educational context. The disability is perceived in the analysis of pedagogical practices that problematize the school space and the difference for the exercise of otherness and acceptance of the other in a relation to the existence in the world. The educational dance concept developed in Rudolf Laban's approach, under which four thematic categories for analysis were established: Body, Space, Group and Creation. The research’s goals is to understand the process and effect of experimenting with creative body movements to develop the students expressiveness with intellectual disabilities; perceive art/dance as an aesthetic language in the special education contexto; analyse the teaching role in the mediation of interventional experiments with moviment in which the student has an experience that enlarges his movement possibilities, the perception of his body, space and relationship with others in dance. The study is guided by the sensitive listening for an understanding of the analyzed aspects and by the action research as a methodological possibility that can result in the improvement and transformation of the educational practice. The data were collected at the dance workshop held with a group of students from the Centro de Ensino Especial 01, of Santa Maria city, Distrito Federal, (Brazil) and analyzed from daily notes, photos and filming. The workshop culminated in the artistic presentation 'Movere - dança e expressividade no encontro com o outro’, also considered in the analysis of the data. It was perceived the dance meanings construction that start from the oneself and other perception; disruption of the copy of standardized movements for creation in dance; enlargement of significant experiences with the body at school; dance understood as a language of expressiveness subjective in which the presence of each body in its differences and possibilities is valued. The study contributes to the understanding of dance/teaching also extended to special education.

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Ribeiro, Ricardo Alvarenga. "Arte como modo de existência: uma trama entre práticas filosófico-artísticas, cuidados do corpo e procedimentos em dança contemporânea." Escola de Dança, 2014. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/19452.

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Abstract:

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2016-06-09T12:51:44Z No. of bitstreams: 1 Dissertação Ricardo Alvarenga.pdf: 4397957 bytes, checksum: 2429fc54662ce3e77c551861a738504a (MD5)
Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2016-06-13T16:36:34Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação Ricardo Alvarenga.pdf: 4397957 bytes, checksum: 2429fc54662ce3e77c551861a738504a (MD5)
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Esta dissertação apresenta uma tramagem entre procedimentos e experiências corporais e artísticas realizadas no campo da dança contemporânea e da educação somática, enlaçados em uma especulação teórico-filosófica sobre o conceito de “estética da existência”, pensado pelo filósofo Michel Foucault como uma “arte de existir” - um modo ativo de elaborar a própria vida como uma obra de arte. Como aspecto central desta trama, temos a correlação entre “práticas de si” ou “técnicas de si”, entendidas como procedimentos aplicados a si mesmo como forma de intensificar processos de autoconsciência e de autotransformação; e uma noção de “cuidado de si”, referenciada na filosofia antiga, grega e romana, e entendida segundo uma perspectiva crítica sobre a atitude de cuidar de si e dos outros relacionada a aspectos éticos e estéticos. Toda a tramagem se faz na intenção de contribuir para a complexificação do entendimento contemporâneo de coextensão entre arte e vida, reafirmando a possibilidade de conceber e exercitar novos modos de existir segundo experiências estéticas realizadas no campo das artes do corpo.

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De, Pellegrin Ana. "Filosofia, estetica e educação : a dança como construção social e pratica educativa." [s.n.], 2007. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/252473.

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Abstract:

Orientador: Cesar Apareciddo Nunes
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação
Made available in DSpace on 2018-08-08T13:26:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DePellegrin_Ana_D.pdf: 783613 bytes, checksum: 5ff46be8607749f15a79071431056022 (MD5) Previous issue date: 2007
Resumo: Nos tempos atuais, a dança incorpora-se definitivamente ao campo investigativo e reflexivo, institucional e acadêmico, por ser uma das mais ricas expressões culturais e civilizatórias. A partir de uma inspiração histórica e filosófica pretendemos, com este trabalho, defender a possibilidade de novas conjunções entre a dança, a escola, a vida política, as questões econômicas, os lugares sociais e as múltiplas expressões da cultura. Partindo das representações discursivas e simbólicas que configuram as múltiplas identidades da dança na sociedade de imagens, pretendemos comprovar que tais representações são uma miríade de simulacros estéticos sujeitos a uma apropriação fragmentada, definida pela condição de classe e sua conseqüente consciência. Em seguida propusemos uma releitura necessária e possível da tradição pedagógica grega, definida como ideal educativo helênico ou Paidéia Grega. Por fim, definimos possibilidades de uma releitura da tradição estética moderna, articulando-a com a práxis educativa, de modo a vislumbrar a potencialidade da refundação desse ideal a partir de novas configurações e novos sujeitos sociais e pedagógicos: a dança como parte orgânica de uma nova Paidéia, numa nova escola. Na sociedade de classes essas novas configurações são possíveis apenas como articulações críticas, como resistências educacionais e políticas. Essa nova condição somente será plenamente possível numa outra sociedade, onde o trabalho represente de fato o fundamento ontológico da emancipação humana
Abstract: Nowadays dance has definitely become part of the research, reflexive, institutional and academic field, as one of the richest cultural and civilizatory expressions. From a historical and philosophical inspiration we intended, with this research, to defend the possibility of new articulations among dance, school, political life, economic questions, social places and the multiple expressions of culture. From speech and symbolic representations which configure the multiple identities of dance in the society of images, we intended to testify that those representations are a myriad of aesthetical simulacra, subjcted to fragmented apropriations, defined by social conditions of class and its consequential consciousness. Then we developed a necessary and possible rereading of the Greek pedagogical tradition defined as the Hellenic ideal of education or Greek Paideia. At last, we defined possibilities of a rereading of the modern aesthetics tradition, articulating it with the educative praxis, in order to identify the pontentiality of the refoundation of this ideal from new conceptions and new social and pedagogical subjects: the dance as an organic part of a new Paideia, in a new school. In the class society these new configurations are possible only as critical approaches, as political and educational resistences. This new condition will only be entirely possible in another society, where labor represents plenarily the ontological fundament of human emancipation
Doutorado
Historia, Filosofia e Educação
Doutor em Educação

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Samaniego, Palomino Ana María Stefany. "La construcción de una relación ética entre contacters a partir de la estética del contacto improvisación." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.12404/17525.

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Abstract:

El contacto improvisación es una danza social que se da a partir del contacto con otro cuerpo y el juego del peso compartido; busca salir de las relaciones de poder en las que usualmente nos desenvolvemos ofreciendo un espacio sin jerarquías a través de la escucha de uno mismo, del otro y del espacio. Desde su práctica, el CI propone una manera distinta de pensar y por lo tanto de relación con el entorno. Esta investigación toma como eje principal la manera en la que las premisas estéticas del contacto improvisación colaboran en la construcción de una relación ética entre sus practicantes. Para desarrollar esta idea se hará uso de diversas fuentes que colaboran con el entendimiento de este tema.
Contact improvisation is a social dance that is given from contact with another body and the game of shared weight; it seeks to get out of the power relations in which we usually develop by offering a space without hierarchies through listening to oneself, the other and the space. From its practice, the CI proposes a different way of thinking and therefore of relationship with the environment. This research take as its main axis the way in which the aesthetic premises of contact improvisation collaborate in the construction of an ethical relationship between its practitioners. To develop this idea, various sources will be used to collaborate with the understanding of this topic.
Trabajo de investigación

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Thomazelli, Patrícia Pires 1986, Adolfo Ramos 1958 Lamar, and Universidade Regional de Blumenau Curso de Pós-Graduação em Educação. "Eles carregavam a dança no corpo : um estudo sobre a identidade cultural de imigrantes haitianos a partir da estética decolonial /." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações FURB, 2017. http://www.bc.furb.br/docs/DS/2017/363234_1_1.pdf.

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Silveira, Julio Cesar Meira [UNESP]. "Inspiração a dois: a dança em contexto crítico dialogia com artes visuais." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2011. http://hdl.handle.net/11449/86978.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-09-20Bitstream added on 2014-06-13T19:08:01Z : No. of bitstreams: 1 silveira_jcm_me_ia.pdf: 2032539 bytes, checksum: f497b6f727fb1650f5e55d100c60b059 (MD5)
O tema desta dissertação é a análise crítica da obra de dança Inspiração a Dois uma vez estruturada como linguagem híbrida, entre a dança e a performance, dialoga com a modernidade. Esta fase da história segundo Alain Touraine tem no sujeito o operador das mudanças onde a liberdade individual aciona as mudanças no meio social. A obra Inspiração a dois ao envolver na sua formalização diferentes meios de expressão com seus signos próprios: ora som, ora movimento, ora imagem, ora gestual, ora palavra constrói uma simbologia cênica onde os conteúdos são codificados nas linguagens da dança e da performance, a expressão do sujeito e a materialidade expressiva da obra conversam numa dialogia com a tradição sendo potencializadora da criação. A reflexão sobre pontos da poética do espetáculo que tem os temas: da identidade do intérprete, Neoconcretismo e Tropicália também se baseia nos textos convergentes dos seguintes autores: Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison e Lícia Maria Morais Sanchez que formam o corpo bibliográfico principal deste estudo
The theme of this dissertation is the critical analysis of the work of the dance called ‘Inspiração a Dois’ which is structured with an amalgam of hybrid languages, between dance and performance, dialogue with modernity. During this phase of the 20th century, Alain Touraine in his book Crítica da Modernidade tackled the subject matter that involves the process of changes where one`s own individual liberty gives rise to actions that change in a social environment. The work ‘Inspiração a Dois’ involves the familiarization of different forms of expression with your own senses, sometimes sound, sometimes movement, sometimes image, sometimes gesture and sometimes word building a scientific symbolism where everything is classified as the medium of dance and performance, an expression of the subject content and an expression of the material of the work expressed as dialogue with a tradition having the potential of creation. Themes which are highlighted in the show `s presentation include interpretation of identity, Neoconcretismo and Tropicália, the dissertation is based on the theories, ideas and texts of the following authors; Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison and Lícia Maria Morais Sanchez which form the body of the major bibliographic of this study

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Silveira, Julio Cesar Meira. "Inspiração a dois : a dança em contexto crítico dialogia com artes visuais /." São Paulo : [s.n.], 2011. http://hdl.handle.net/11449/86978.

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Abstract:

Orientador: Sergio Mauro Romagnolo
Banca: Pelópidas Cypriano de Oliveira
Banca: Verônica Fabrini
Resumo: O tema desta dissertação é a análise crítica da obra de dança Inspiração a Dois uma vez estruturada como linguagem híbrida, entre a dança e a performance, dialoga com a modernidade. Esta fase da história segundo Alain Touraine tem no sujeito o operador das mudanças onde a liberdade individual aciona as mudanças no meio social. A obra Inspiração a dois ao envolver na sua formalização diferentes meios de expressão com seus signos próprios: ora som, ora movimento, ora imagem, ora gestual, ora palavra constrói uma simbologia cênica onde os conteúdos são codificados nas linguagens da dança e da performance, a expressão do sujeito e a materialidade expressiva da obra conversam numa dialogia com a tradição sendo potencializadora da criação. A reflexão sobre pontos da poética do espetáculo que tem os temas: da identidade do intérprete, Neoconcretismo e Tropicália também se baseia nos textos convergentes dos seguintes autores: Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison e Lícia Maria Morais Sanchez que formam o corpo bibliográfico principal deste estudo
Abstract: The theme of this dissertation is the critical analysis of the work of the dance called 'Inspiração a Dois' which is structured with an amalgam of hybrid languages, between dance and performance, dialogue with modernity. During this phase of the 20th century, Alain Touraine in his book Crítica da Modernidade tackled the subject matter that involves the process of changes where one's own individual liberty gives rise to actions that change in a social environment. The work 'Inspiração a Dois' involves the familiarization of different forms of expression with your own senses, sometimes sound, sometimes movement, sometimes image, sometimes gesture and sometimes word building a scientific symbolism where everything is classified as the medium of dance and performance, an expression of the subject content and an expression of the material of the work expressed as dialogue with a tradition having the potential of creation. Themes which are highlighted in the show 's presentation include interpretation of identity, Neoconcretismo and Tropicália, the dissertation is based on the theories, ideas and texts of the following authors; Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison and Lícia Maria Morais Sanchez which form the body of the major bibliographic of this study
Mestre

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Pádua, Vilani Maria de. "Mário de Andrade e a estética do bumba-meu-boi." Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8151/tde-30042010-093529/.

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Abstract:

O objeto de estudo deste trabalho é a estética da dança popular bumba-meu-boi, a partir das pesquisas de Mário de Andrade (1893-1945). O folguedo, encenado apenas no Brasil há mais de um século, e que se mantém vivo até hoje, despertou a curiosidade do poeta modernista, cujo interesse trouxe a referida dança dramática para o centro de sua atenção. Assim, busquei em Macunaíma o herói sem nenhum caráter, sua principal obra literária de inspiração popular, os traços da dança folclórica bumba-meu-boi, para entender o processo de construção de sentido na produção da obra erudita, a partir da cultura popular. E, para dar continuidade e ampliar o tema, também pesquisei o bumbameu- boi de Bom Jardim/RN, recolhido pelo próprio Andrade, por ser uma das matrizes inspiradoras na sua obra, bem como um dos folguedos estudados pelo poeta em Danças Dramáticas do Brasil.
The object of study of this work is the aesthetics of the dance popular bumba-meuboi, starting from the researches of Mário de Andrade (1893-1945). The folguedo, encenado just in Brazil there is more than one century, and that stays I live even today, it woke up the modernist poet\'s curiosity, whose interest brought it referred it dramatic dances for the center of its attention. Thus, I looked for in Macunaíma the hero without any character, its main literary work of popular inspiration, the lines of the dance folkloric bumba-meu-boi, to understand the process of sense construction in the production of the learned work, starting from the popular culture. And, to give continuity and to enlarge the theme, I also researched the bumba-meu-boi of Bom Jardim/RN, picked up by own Andrade, for being one of the inspiring head offices in its work, as well as one of the folguedos studied by the poet in Dramatic Dances of Brazil.

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cantinho, beatriz. "Choreographing thought: movement as an image of thought, seen through the Deleuzian Pure Optical and Sound Image." Doctoral thesis, Repositório da Universidade de Edimburgo, 2012. http://hdl.handle.net/1842/8979.

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Abstract:

Abstract: To assume that dance as an art form is about creating and displaying sequences of movement in space is to undermine choreography’s potential as a way of thinking through movement. The interdisciplinary relations between philosophy and dance explored in this research introduce a framework for exploring new possibilities of thinking through choreographic practice. How can dance be perceived as thought, considered as an experimental process, where the articulation between practice and theory becomes fundamental? The cinematic reversal of the subordination of time to movement proposed by French philosopher Gilles Deleuze in his time-image concept offers a paradigmatic shift which has the potential to find profound resonance in the perception of movement in dance. This research explores how this shift informs a new perspective on choreography by discussing the implications of approaching choreographic composition through the lenses of Deleuze’s Pure Optical and Sound Image. As part of the practical choreographic investigation undertaken in this research, I have sought to challenge the conditions of the act of ‘seeing’ dance and to create an ‘opening condition’ for the use of choreography. To maintain an ‘open condition’ within the practice of choreography, it is necessary to acknowledge the constant becoming of its materials that depend on non-hierarchical relations and on duration itself. My approach is improvisational and my compositional strategies, which are manifestly dependent on interdisciplinary collaborative processes, emphasise ways of thinking through both movement and the image.
Fundação para a ciência e tecnologia; Fundação Calouste Gulbenkian; Dgartes_Ministério da Cultura.

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Kong, Aránguiz Felipe. "Coreópolis: cuerpos, movimientos, apariciones." Tesis, Universidad de Chile, 2013. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/115159.

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Abstract:

Tesis para optar al grado de Magíster en Filosofía
Este texto, haciéndole mérito a su nombre de ciudad, tiene muchas puertas de entrada: algunas más anchas, otras más furtivas, otras perfectamente disimuladas entre las murallas. Podemos entrar mediante pequeños relatos, mediante un orden de razones, mediante las intuiciones que le han dado origen. Pero no hay nada mejor para un momento inaugural como éste que abrir una puerta nueva que conmemore el momento en que el espacio de la ciudad empieza a ganarse. Entraremos pensando las economías del espacio-tiempo a partir de una cita de Hannah Arendt. Esta cita habla de ganar y perder, posiciones elementales en las relaciones del ser humano respecto a sus bienes. El tiempo y el espacio son tratados aquí, entonces, como bienes, lo que no puede causar más que una fingida sorpresa; estamos acostumbrados a tratarlos así desde el lenguaje cotidiano. Lo curioso del fragmento no está allí, sino en los usos posibles de ―ganar‖ y ―perder‖ que presenta. Ganar tiempo puede ser liberar un tiempo que iba a estar destinado a una tarea, o bien, suprimir dentro de esta misma tarea algunos espacios que incomodaban a su plena realización. Perder espacio, por otro lado, puede ser descuidar un sitio, sin habitarlo ni recorrerlo, dejándolo pasar, o bien, ver de a poco medrado nuestro campo de movimiento o disminuida nuestra propiedad privada.

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FRAGOSO, Tiago de Oliveira. "Convivialidade e performance na experiência estética dos jovens hip hoppers da Força Hip Hop em Fortaleza." www.teses.ufc.br, 2011. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/6374.

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Abstract:

FRAGOSO, Tiago de Oliveira. Convivialidade e performance na experiência estética dos jovens hip hoppers da Força Hip Hop em Fortaleza. 2011. 169f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, rograma de Pós-graduação em Sociologia, Fortaleza (CE), 2011.
Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2013-10-24T13:40:23Z No. of bitstreams: 1 2011-DIS-TOFRAGOSO.PDF: 2973890 bytes, checksum: 020d99d0c06772feec65bba7f5cf3aef (MD5)
Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2013-10-24T17:32:10Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2011-DIS-TOFRAGOSO.PDF: 2973890 bytes, checksum: 020d99d0c06772feec65bba7f5cf3aef (MD5)
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This study represents an investigation of the aesthetic and social experience for young break dancers graffiti artists and rappers in one of the organizations representing the hip hop movement in Fortaleza the Hip Hop Force whose headquarters are located in the community in the San Francisco suburbs of urban. We tried to understand the relationship between the expression of artistic elements with emphasis on break dancing and the formation of an intense aesthetic-social youth friendliness. From the perspective of the anthropology of performance / experience of Victor Turner of the analysis of contemporary sociability Mafesoli from studies on youth and hip hop it was to describe and / or understand the constitution of an aesthetics of everyday life lived in these young. Through the practice of artistic elements and expressive style of living the young Force Hip Hop seems to create an intense conviviality a way of being / living together dynamic confrontational playful ritualized performative which is presented in the most expressive collective practice of dance music and painting. For this work was made an ethnographic fieldwork with intense participation in the daily life of these subjects and were also conducted semi-structured with pre-defined on the aesthetic experience, stylistic of some of these young people.
Este trabalho constitui-se numa investigação acerca da experiência estético-social juvenil de dançarinos de break grafiteiros e rappers pertencentes a uma das organizações representativas do movimento hip hop em Fortaleza a Força Hip Hop cuja sede se localiza na comunidade São Francisco na periferia urbana desta cidade Buscou-se compreender a relação existente entre a expressividade dos elementos artísticos com ênfase na dança break e a constituição de uma intensa convivialidade estético-social juvenil A partir da perspectiva da antropologia da performance/experiência de Victor Turner das análises sobre a sociabilidade contemporânea de Mafesoli dos estudos sobre juventude e hip hop tratou-se de descrever e/ou compreender a constituição de uma estética do vivido no cotidiano destes jovens. Por meio da prática dos elementos artísticos e da vivência expressiva de estilo os jovens da Força Hip Hop parecem criar uma intensa convivialidade um modo de ser/estar junto dinâmico conflitivo lúdico ritualizado performático que se apresenta nos momentos mais expressivos da prática coletiva da dança da música e da pintura. Para a realização deste trabalho foi feito um trabalho de campo etnográfico com participação intensa no cotidiano desses sujeitos e também foram realizadas entrevistas semi-estruturadas com roteiro pré-definido sobre a vivência estética estilística e social de alguns destes jovens.

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Bardales, Bardales Ruben Luis. "La ausencia como estética posdramática en el trabajo coreográfico de Jérôme Bel." Master's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021. http://hdl.handle.net/20.500.12404/18528.

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Abstract:

En esta investigación se profundiza en la analogía existente entre el concepto de teatro posdramático y el movimiento no danza con el fin de desarrollar una metodología para examinar las propuestas coreográficas que se circunscriben dentro del denominado movimiento no danza. Para construir esta herramienta de estudio, se partirá del esquema tipológico presentado por el filósofo inglés Peter Osborne para definir la negación en el arte conceptual que se da a través de cuatro características: la negación de la objetividad material, la negación de la especificidad del medio, la negación de la significación visual y la negación de la autonomía de la obra de arte. Dicho esquema nos servirá para verificar el vínculo entre lo posdramático y la no danza, pero mediante la idea de ausencia, no como negación. Luego, este instrumento se aplicará a través del análisis de cuatro elementos de la estética posdramática como son el texto, el cuerpo, el espacio y el tiempo con la finalidad de explorar la forma en que se manifiestan dichos aspectos en las cuatro primeras piezas dancísticas del coreógrafo francés Jérôme Bel, quien es considerado uno de los líderes del movimiento no danza. Los montajes de Bel a analizar serán Nom donné par l’auteur (1994), Jérôme Bel (1995), Shirtologie (1997) y Le dernier spectacle (1998). De este modo se explicará cómo es que, a través del concepto de ausencia como recurso estético, no sólo se reflexiona sobre la danza misma, sino que también se manifiesta el discurso posdramático de crítica a la representación escénica en general.
This research delves into the existing analogy between the concept of postdramatic theater and the non-dance movement in order to develop a methodology to examine the choreographic proposals that are circumscribed within the so-called non-dance movement. To build this study tool, we will start from the typological scheme presented by English philosopher Peter Osborne to define the negation in conceptual art that occurs through four characteristics: the denial of material objectivity, the denial of the specificity of the medium, the negation of visual significance and denial of the autonomy of the artwork. This scheme will help us to verify the link between the postdramatic and non-dance, but through the idea of absence, not as negation. Then, this instrument will be applied through the analysis of four elements of postdramatic aesthetics such as text, body, space and time in order to explore the way in which these aspects are manifested in the first four dance pieces of the French choreographer Jérôme Bel, who is considered one of the leaders of the non-dance movement. The montages of Bel to be analyzed are Nom donné par l’auteur (1994), Jérôme Bel (1995), Shirtologie (1997) y Le dernier spectacle (1998). In this way, it will be explained how, through the concept of absence as an aesthetic resource, not only is it reflected on dance itself, but also the postdramatic discourse of criticism of stage representation in general is manifested.
Tesis

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Lezáun, Echalar Gemma. "La obra dramática de Albert Boadella en Els Joglars de 1962 a 1997: análisis sociopolítico y evolución estética." Doctoral thesis, Universidad de Murcia, 2015. http://hdl.handle.net/10803/327314.

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Abstract:

Nuestro estudio se centra en la obra dramática de Albert Boadella de los primeros años de la compañía Els Joglars. Esta investigación examina el vínculo entre la obra de Albert Boadella, la posición del artista y las determinaciones sociopolíticas. Durante más de tres décadas, de 1962 a 1997, el teatro de Albert Boadella ha estado influido por la historia y cultural de nuestro país. Los cambios estéticos en sus creaciones se deben, en parte, al contexto social y posición ideológica de los distintos gobiernos que se han sucedido en la Dictadura, Transición y Democracia. Planteamos primeramente la relación entre arte y política. Además tenemos en consideración que la obra artística de Albert Boadella supone no ya un reflejo del mundo, sino su descubrimiento. Profundizar en el conocimiento de su obra supone revelar su propia lectura de la realidad y los instrumentos empleados para tal fin. En la segunda parte de nuestro trabajo analizamos el contexto sociopolítico y la evolución estética de las obras. El análisis de la obra atiende a aspectos crítico-creativos, temáticos, históricos y económicos. La metodología empleada es la suma de dos tipos de análisis social: economicista más idealista. La conclusión a la que llegamos sobre este director de escena es que existe una correspondencia entre artista-sociedad-poder y estilo-tema-estética en su obra dramática. Our study is dealing with the dramatic works of Albert Boadella in the early years of Els Joglars company.
The investigation is examining the link between Albert Boadella's works, the views of the artist and his sociopolitical believes. For more than three decades, from 1962 to 1997, Albert Boadella theater has been directly influenced by the history and culture of our country. The artistic changes in his creations have partly to do with the social context and ideological position of the different governments that have followed one another from the dictatorship and transition to democracy. Firstly, we must examine the relation between art and politics. Also we should take into account the fact that his works not only reflect what's happening in the world but the way he sees it. Studying his works in detail highlights his concept of reality and his way of conveying it. In the second part of the study, we analyze the sociopolitical context and the artistic development of his works. Analyzing his works delves into a variety of aspects including creative- criticism, themes, history and the economy of the time. The methodology he has used is the sum up of two kinds of analysis: from the perspective of an economist and an idealist of life. We come to the conclusion that there is a direct link between the artist-the society- politics and the style- theme- art when we look at Albert Boadella' s works.

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Coletty, Viviana de Souza. "Território estético e território político, corpo e insurreição através da arte, un estudo a partir da obra de Tatsumi Hijikata." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2017. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/20756.

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Abstract:

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-21T11:26:56Z No. of bitstreams: 1 Viviana de Souza Coletty.pdf: 7506484 bytes, checksum: 9418783f66caa3f2ff5ff1cbeaf1bd1f (MD5)
Made available in DSpace on 2017-12-21T11:26:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Viviana de Souza Coletty.pdf: 7506484 bytes, checksum: 9418783f66caa3f2ff5ff1cbeaf1bd1f (MD5) Previous issue date: 2017-12-12
The present study comes with the intention of deepening understandings of relations between political dynamics of territorial creation and the creation of artistic languages, from the analysis of the Tatsumi Hijikata’s work. The central question of our work come into sight through an interdisciplinary study that implicates foundations of philosophy, aesthetics, phenomenology and semiotics. Among the studied authors represent mainly Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin and Greiner. Based in concepts of deterritorialisation and reterritorialisation of Deleuze and Guattari, our hypothesis is that in front of a type of deterritorialisation, which puts a group of people in an abrupt changing contexts situation, there would be a consequent reterritorialisation. Between other forms this reterritorialisation could manifest itself through the insurrection of subjectivities towards the world. This insurrection, in certain cases, would be established through the actualisation of aesthetic territories. When these manifestations are shared with public, it would be as if the insurrection of a new aesthetic territory comes to light. This idea, of an aesthetics territory, we developed during this study, to help with our thought’s évolution. Through butô and a large written production, Hijikata questions the concept of the body, and the functions of art, in a way which seems to meet in a several ways with concepts created and/or developed by Deleuze and Guattari, relatively at the same epoch. Concepts as body without organs, devenir, and immanence plan, are brought into analysis in the course of this study, with proposals developed by Hijikata. Beyond the resonances of a period of crisis in a culture, what we want to analyse is possible resonances into political panorama in long term, provoked by aesthetics experiments.
O presente estudo surge com a intenção de aprofundar compreensões da relação entre dinâmicas de criação de territórios politicos e a criação de linguagens artísticas, à partir da análise da obra de Tatsumi Hijikata. As questões centrais deste trabalho surgem de um percurso de estudo interdisciplinar que implica fundamentos da filosofia, estética, fenomenologia e semiotica. Entre os autores estudados figuram principalmente Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin e Greiner. Baseando-se nos conceitos de desterritorialização e reterritorialização de Deleuze e Guattari, nossa hipótese é de que em frente a um tipo de déterritorialização que coloca um grupo de sujeitos em uma situação brusca da modificação de contexto, haveria uma consequente reterritorialização. Entre outras formas, essa reterritorialização pode se manifestar através de uma insurreição da subjetividade em relação ao mundo. Esta insurreição, em certos casos, seria estabelecida por meio da atualização de territórios estéticos. Uma vez ques estas manifestações são compartilhadas com o público, haveria uma insurreição de um novo território estético. Este conceito, nos o desensoveremos para nos ajudar na evolução do pensamento deste estudo. Através do butô e de uma grande produção escrita, Hijikata problematisa o conceito do corpo, e a função da arte, de uma maneira que parece confluir em vários aspectos com conceitos criados e/ou desenvolvidos por Deleuze e Guattari, relativamente à mesma época. Conceitos como o corpo sem órgãos, o devir, e plano de imanência, são colocados em análise com propostas desenvolvidas por Hijikata no decorrer deste estudo. Além das ressonâncias estéticas de um período de crise em uma cultura, o que analisamos é a possível ressonância no panorama político à longo prazo, produzida à partir de experiências estéticas
La présente étude s’établit dans le but d’approfondir compréhensions de la relation entre dynamiques de création de territoires politiques et la création de langages artistiques, à partir de l’analyse de l’oeuvre de Tatsumi Hijikata. Les questions centrales de ce travail émergent d’un parcours d’étude interdisciplinaire qu’implique fondements de la philosophie, esthétique, phénoménologie et sémiotique. Parmi les auteurs étudiés figurent principalement Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin et Greiner. Tout en se basant dans les concepts de déterritorialisation et reterritorialisation de Deleuze et Guattari, l’hypothèse est que devant un type de déterritorialisation que met un groupe de sujets dans une situation brusque de changement de contexte, il y aurait une conséquente reterritorialisation. Entre autres formes cette reterritorialisation pourrait se manifester à partir d’une insurrection des subjectivités vers le monde. Cette insurrection, dans certains cas, serait établie à travers l’actualisation de territoires esthétiques. Une fois ces manifestations partagées avec le public, il y aurait l’insurrection d’un nouveau territoire esthétique. Cette idée de territoire esthétique nous la développons pour nous aider dans l’évolution de la pensée de cette étude. A travers le butô et une vaste production écrite, Hijikata remet en question le concept du corps et la fonction de l’art, d’une manière qui semble confluer dans plusieurs aspects avec concepts crées et/ou développés par Deleuze et Guattari, relativement à la même époque. Concepts comme le corps sans organes, le devenir, et le plan d’immanence, sont mis en analyse dans le parcours de cette étude, avec les propositions développées par Hijikata. Au-delà des résonances esthétiques d’une période de crise dans une culture, ce que nous analysons sont des possibles échos dans le panorama politique à long terme, provoqués à partir d’expériences esthétiques

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Martínez, Rosalía. "Music, movements and colors in Andean fiesta. Bolivian examples." Pontificia Universidad Católica del Perú, 2015. http://repositorio.pucp.edu.pe/index/handle/123456789/79171.

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Abstract:

En la fiesta andina, la música suele tanto oírse como verse. Esta dimensión multisensorial de la situación musical no es únicamente el resultado de una yuxtaposición de elementos sonoros y visuales. el análisis de las articulaciones que los campesinos indígenas de la zona de sucre (Bolivia) construyen entre sonidos, movimientos y colores revela la presencia de organizaciones singulares de la experiencia sensible que se caracterizan tanto por su espesor sensorial como por la manera en la cual se encuentran conectadas con otros campos del conocimiento. Estas formas de intersección culturalmente elaboradas implican el cuerpo mismo de los músicos, generando nuevas configuraciones perceptivas.
In the Andean fiesta music is as much intended to be seen as it is to be heard. The multisensorial aspect of musical performance is not just a matter of the juxtaposition of sounds and sights. The analysis of the articulations that indigenous peasants of sucre (Bolivia) construct among sounds, movements and colors reveals an original organization of sensitive experience that is as much characterized by its sensory depth as it is by the ways it is linked to other domains of knowledge. The forms of culturally elaborated intersections that occur in the body of the musician lead to new perceptive configurations.

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Conesa, Ros Elena. "Valoración de la movilidad de la columna en el plano sagital y extensibilidad de la musculatura isquiosural en gimnasia estética de grupo." Doctoral thesis, Universidad de Murcia, 2015. http://hdl.handle.net/10803/294858.

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Abstract:

En el ámbito del rendimiento deportivo, diferentes estudios han tratado de definir un perfil ideal del deportista en cada disciplina, para determinar aquellas características físicas, técnico-tácticas y psicológicas que se relacionan con mejores resultados. Sin embargo, un alto volumen de entrenamiento con acciones articulares repetitivas, pueden generar adaptaciones en el sistema músculo-esquelético y de forma específica la columna vertebral. Una disposición raquídea inadecuada genera una modificación de la distribución de la carga entre el cuerpo vertebral, el disco intervertebral y las articulaciones apofisarias, entre el núcleo pulposo y el anillo fibroso, aumentando el estrés de tensión en los ligamentos intervertebrales y por ende el riesgo de lesiones, especialmente en deportistas jóvenes. Dentro de los deportes con mayor influencia negativa sobre el morfotipo raquídeo se encuentran aquellos que requieren una hiperflexión e hiperextensión lumbar forzada para optimizar su rendimiento competitivo como son las especialidades de gimnasia artística, gimnasia rítmica deportiva (GRD) y más recientemente gimnasia estética de grupo (GEG). Por ello, el objetivo general de esta Tesis Doctoral fue comparar las adaptaciones que se han producido sobre el morfotipo raquídeo de gimnastas experimentadas en la especialidad de GRD, y compararlas con las especialistas en GRD y con un grupo control (GC). La muestra se conformó por un total de 255 sujetos divididos en tres grupos: i) 94 mujeres especialistas de GEG seleccionadas aleatoriamente de clubes de competición de Estonia y Finlandia; ii) 82 gimnastas especialistas de GRD seleccionadas aleatoriamente de clubes de competición españoles; iii) 79 niñas de GC que no realizaban actividad física extraescolar. Estos tres grupos se dividieron a su vez en tres segmentos de edad: a) menores de 11 años, b) entre 11 y 15 años, y c) 15 años o más. Empleando técnicas de intervención estandarizadas se estudiaron las curvaturas en el plano sagital del raquis tanto en bipedestación como en sedentación (disposición estática), en flexión máxima del tronco (disposición dinámica), la movilidad raquídea y la extensibilidad de la musculatura isquiosural. Los resultados indican que: i) la cifosis dorsal en bipedestación del Grupo GEG se encuentra dentro de la normalidad, aunque en sedentación asténica y en flexión máxima del tronco se han registrado valores de hipercifosis por encima de la normalidad; ii) la lordosis lumbar en bipedestación se encuentra dentro del rango de normalidad, con valores inferiores a los del grupo de GRD y el grupo control, pero al sentarse en postura asténica y en flexión máxima, ambos grupos de gimnastas disponen su región lumbar con mayores curvas cifóticas que las del grupo control; iii) ambos grupos de gimnastas poseen amplios rangos de extensibilidad isquiosural, con elevados porcentajes de normalidad; iv) no se ha encontrado una asociación entre el volumen de entrenamiento y el morfotipo raquídeo sagital, ya sea para la curva dorsal o lumbar, en ninguna de las tres posiciones analizadas, pero sí una correlación positiva entre el volumen de entrenamiento y los valores de flexibilidad y movilidad raquídea. La GEG incide positivamente sobre el raquis dorsal de las gimnastas. El trabajo de esquema corporal con raquis alineado que se exige en GEG, afirma el beneficio que esta actividad educativa puede aportar sobre la prevención de las alteraciones de la zona dorsal durante el crecimiento. La correcta disposición lumbar en bipedestación encontrada en GEG en comparación con las gimnastas de GRD puede ser debida a las diferencias en el entrenamiento y la prohibición por parte del código de Gimnasia Estética de Grupo de las dificultades con hiperextensión del tronco. Los peores resultados obtenidos en las posiciones de sedentación asténica y flexión máxima demuestran que ambas modalidades de gimnasia no presentan una transferencia positiva hacia la correcta actitud postural.
In the field of sports performance, several studies have attempted to detail the optimal athlete profile in each sport in order to determine those physical, psychological and technical-tactics characteristics that are related with better competitive results. However, a high training volume with repetitive joint actions can generate adaptations in the musculoskeletal system and specifically on the spine. A spinal improper position generates a modification of the load distribution between the vertebral body, the intervertebral disk and the apophyseal joints between the nucleus pulposus and the annulus fibrosus, increasing the tensile stress in the intervertebral ligaments, and therefore the risk of injuries, especially in young athletes. Among the sports with the greatest negative influence on the spinal morphotype are those that require lumbar hyperflexion and hyperextension to optimize their competitive performance such as artistic gymnastics, rhythmic gymnastics (RG) and more recently aesthetic group gymnastics (AGG). Therefore, the main aim of this Doctoral Thesis was to compare the spinal morphotype adaptations that have occurred on experienced gymnasts of AGG, and to compare them with specialists of RGG and a control group (CG). The sample comprises a total of 255 subjects divided into three groups: i) 94 female AAG specialists randomly selected in an Estonia and Finland club competition; ii) 82 female RG specialists randomly selected in an Spanish club competition; and iii) 79 female CG who did not perform any extracurricular physical activity. These three groups were divided into three age segments: a) under 11 y/o, b) between 11 and 15 y/o, c) 15 y/o or more. Using standardized techniques, it was studied the spine curvatures in the sagittal plane of both standing and seated (static position), at maximum trunk flexion (dynamic position), spinal mobility and the hamstring extensibility. The results indicate that: i) the dorsal kyphosis in standing of the AGG was within the normal range, although in seated positions and trunk flexion it was detected hyperkyphosis values above the normality; the AGG lumbar lordosis in standing position is within the normal range, showing lower values than RG and CG, but in seated and maximum trunk flexion positions the both groups of gymnasts have their lumbar region with higher kyphotic curves than the control group, iii) both groups of gymnasts have wide ranges of hamstring muscle extensibility, with high percentages of normality; iv) It has not be found an association between training volume and sagittal spinal morphotype, either dorsal or lumbar curve in any of the three positions analyzed, but it has been detected a positive correlation between training volume and values spinal flexibility and mobility. The AGG have positive effects on the gymnasts´ dorsal spine. The work of body map with spine aligned that is required in AGG confirms the benefit that this educational activity can bring about preventing alterations of the dorsal spine during growth. The better lumbar standing alignment found in the AGG compared to RG may be due to differences in training interventions and the Aesthetic Group Gymnastics code prohibition of the difficulties with hyperextension of the trunk. The worst results found for seated and maximal trunk flexion positions demonstrate that both forms of gymnastics not show a positive transfer to correct postural attitude.

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Fuenzalida, Ramirez Paula Alejandra. "La expresión corporal en la danza y en el habla : Estudio de la expresión corporal de bailarines hispanohablantes en situaciones de habla cotidiana." Thesis, Stockholms universitet, Institutionen för spanska, portugisiska och latinamerikastudier, 2010. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:su:diva-40643.

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Abstract:

El habla es el resultado de la combinación de señales verbales y no verbales en relación sistemática de interdependencia significativa (Bravo, 2000). Entre los numerosos no verbales que se producen en el habla, está la expresión corporal, que por ser propia de la danza y del habla, es posible estudiarla y describirla en ambos códigos. Creemos que al observar a los hispanohablantes bailarines residentes en Suecia en la realización del habla en situaciones de conversación cotidiana, encontraremos rasgos que pueden considerarse propios a su expresión corporal. Gracias a su profesión, dominan la relación entre el tiempo, el espacio y el gesto – es decir, trabajan con la función estética del movimiento – la cual hará la gran diferencia si comparamos estos comportamientos corporales con hablantes de español que no son bailarines y que, por ende, no pertenecen al mismo subconjunto sociocultural; pensamos además que mostrarán una mayor capacidad meta comunicativa con respecto a estos aspectos del habla de la que sea posible observar en hablantes no bailarines. Las filmaciones realizadas en dos escenarios ficticios (calle y escenario) a dos grupos distintos de hablantes en situación de conversación cara a cara, (grupo meta G1 de los bailarines y grupo de control GC de no bailarines), como también las encuestas realizadas a todos los participantes, indican que es posible identificar en el grupo de estudio (G1), un lenguaje básico de expresión que se distingue por su conciencia de esta función estética. Esta misma función, coopera con la posibilidad de ver en la danza aspectos similares al habla, como es el caso de crear nuevas secuencias de movimientos y gestos jamás realizados, de la misma manera que cada hablante es capaz de producir y comprender una infinidad de palabras y expresiones jamás encontradas anteriormente.

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Torres, Rosane Gonçalves de Almeida. "Que corpos são esses que dançam? Reflexões acerca do “corpo ideal”, da “verticalidade imperiosa”, do hibridismo estético e dos elementos de brasilidade na criação de companhias nacionais contemporâneas." Universidade Federal da Bahia, 2008. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/18114.

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Abstract:

Submitted by Rosane Torres (rgoncalvest@hotmail.com) on 2015-07-21T22:14:27Z No. of bitstreams: 1 Que corpos são esses que dançam... dissertação mestrado Rosane Gonçalves: 21344180 bytes, checksum: a5c40736cad2d3314f2c9d6a454cd560 (MD5)
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Nesta dissertação, propus, com base no contexto histórico, analisar comparativamente os corpos que dançam a cena brasileira. O objetivo foi identificar a forma de apropriação do uso “verticalidade imperiosa” e “corpo ideal” como valores estéticos e perceber as formas de hibridismo corporal nos processos de criação da Dança Cênica brasileira. Observei ainda que, no período que compreende o século XVII até o século XX, configurou-se um tipo de corpo e dança condizente com os ideais e valores sócio-culturais de cada época destacada. A dança, como forma de pensamento de uma determinada época, carrega em sua estrutura e em seus movimentos marcas importantes de um contexto sócio-cultural. Para além desse fato, vi que também ela reflete seus ideais pela forma de sistematização técnica e, por sua vez, a dança produz padrões de movimentos específicos, vestimentas e outros elementos que, afinal, compõem seu universo. Esse conjunto de dados somado, quando classificado e identificado, certamente traz propostas estéticas distintas para a arte da Dança. A fim de desenvolver esta pesquisa, dividi, então, o estudo em três capítulos. O primeiro intitula-se Instituição da “Verticalidade Imperiosa” e “Corpo Ideal” para a Dança Cênica. Estudei ali a História da Dança Cênica que teve seu início no século XVII. A princípio, na corte francesa, a dança configurou um ideal de corpo coerente com os padrões de etiqueta social vigentes: corpos elegantes, esguios, refinado, distante do corpo “natural” encontrado na plebe. Como forma de poder e honrarias, a verticalidade do tronco desse corpo passou a ser ressaltada com uma postura física que ascendia ao alto, sugerindo poder, superioridade à qual denominamos “verticalidade imperiosa”. Seguindo a História, verifiquei que a estética do romantismo ampliará os conceitos de “corpo ideal” e “verticalidade imperiosa” em função da proposta de homogeneidade, busca de perfeição técnica e virtuosismo. ix No segundo capítulo, A Transformação dos Padrões Estéticos na Transição do Balé Clássico para a Dança Moderna, aprofundei os ideais de corpo. Tais ideais foram sendo modificados em função dos novos pensamentos do final do século XIX que influenciaram os meios sócio-cultural e artístico. E o corpo que dança foi sendo adaptados às novas propostas estéticas. O uso da verticalidade no tronco do bailarino também sofreu modificações, porque se adequou aos propósitos que a nova dança oferecia. Com a entrada da Dança Moderna foi possível também observar práticas híbridas no contexto criativo coreográfico, verificada inclusive no histórico do início da Dança Cênica no Brasil. No terceiro capítulo intitulado Os Corpos que Dançam a Cena Brasileira Contemporânea, analisei comparativamente três companhias brasileiras de Dança Contemporânea fundadas nas décadas de 1970, 1980 e 1990: o Grupo Corpo, da cidade de Belo Horizonte - MG, Quasar Cia. de Dança da Cidade de Goiânia – GO e Grupo Cena 11 Cia. de Dança da Cidade de Florianópolis – SC. Busquei identificar as relações estabelecidas nos processos coreográficos, com os conceitos e as suas respectivas transformações de “corpo ideal”, o uso da “verticalidade imperiosa” e a apropriação e manipulação de processos híbridos nas propostas estéticas de cada grupo selecionado. PALAVRAS-CHAVE: processos criativos, corpo, verticalidade, hibridismo corporal.
In this study I intended to show, according to the historic ground, a comparative analysis on the body that dances in the Brazilian scenario. As a matter of fact, I aimed to identify how to get the so called “commanding verticality” form of the body, as well as the “ideal body” which show up the aesthetic values. It is also the goal of this study to understand the different processes of the establishment of the body hybridism in the Brazilian scenic dance. Furthermore, I checked the different types of the body or the dance from the historic period between the 17th century and the 20th century. In fact, it was learned that both body and dance have been showing their development all through those period of time. It has to be known that dance carries with it some social and cultural ways of living and thinking due to a special way of a special thinking. And more than that, it is important to understand that, through the dance, one can see some specific patterns that clear up as well as explain the changing in social behavior. Once it is checked and identified, one can easily point out some aesthetic standards for the Dance. For the sake of this research I have divided it in three chapters. The first - The use of “commanding verticality” and of the “the ideal body” for the scenic dance -, I studied the history of the scenic dance since the 17th century, which is marked as the beginning of this dance. I settled that in the midst of the French society of the seventeenth, dance meant an art that could easily show a way of dressing, of walking; in short, dance could clearly determine a specific pattern of the French high class that was absolutely different from the poor class, who had a so called “natural” body. Moreover, such a high class way of acting suggested this power and honor of a group who held honor, majesty, hence, power. The second chapter – The aesthetic transformation patterns in the transition of the classic ballet and the modern dance, I discussed the body itself. I managed to show that those patterns were been changed through the times due to new ways of thinking and facing life which influenced people of the 19th, their social lives, their culture, or their art. xi In fact, that verticality in dance and in life suffered a kind of an utter change due to this new dance: the modern dance. One can see a hybrid practice that effectively happened in the dance choreography context, including the Brazilian dance scenario. In the third and last chapter, Those bodies that perform the Brazilian contemporary scenario, I studied three Brazilian dance companies: the 1970 Grupo Corpo from Belo Horizonte, Minas Gerais; the 1980 Quasar Cia. de Dança da Cidade de Goiânia, Goiás, and the 1990 Grupo Cena 11 da Cidade de Florianópolis, Santa Catarina. In fact, what I did was to check out the choreographic processes settled by each one of them, their concepts or their changing that occurred in the “ideal body”, in the “commanding verticality”, as well as in the specific way of dealing with the this hybrid practice in each of these three dance companies. KEYWORDS: creative processes, body, verticality, body hybridism.

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Manzke, Sabrina Marques. "Abambaé – “terra dos homens”: a invenção de uma brasilidade por intermédio da performance cênica do samba de roda." Universidade Federal de Pelotas, 2016. http://repositorio.ufpel.edu.br:8080/handle/prefix/3157.

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Abstract:

Submitted by Leda Lopes (ledacplopes@hotmail.com) on 2017-02-14T18:55:41Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) ABAMBAÉ TERRA DOS HOMENS - SABRINA MANZKE.pdf: 13547674 bytes, checksum: 3c6da6faa534303defed1ed49a2a16d6 (MD5)
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Sem bolsa
O papel que a arte tem exercido no cotidiano tem possibilitado uma renovação na forma de pensar os objetos e as manifestações culturais. O fazer artístico possibilita um novo fazer cultural que tem fixado parte de sua preocupação na dimensão estética. Tem estado em evidência à contribuição cultural exercida por grupos artísticos que buscam na performance cênica apresentar diferentes manifestações populares e tradicionais. Este trabalho aborda a apropriação da corporeidade do samba de roda do Recôncavo Baiano realizada pela Abambaé Companhia de Danças Brasileiras, da cidade de Pelotas/RS. Expressão esta reconhecida como Patrimônio Cultural Imaterial do Brasil em 2004 e posteriormente, em 2005, como Obra Prima do Patrimônio Oral e Imaterial da Humanidade pela UNESCO. Com foco na corporeidade e na criação coreográfica enquanto (re)significação cultural, na maneira como os atores expressam seus sentimentos através da dança, e, a partir de uma pesquisa embasada nos métodos da antropologia da dança e da etnomusicologia, busquei compreender os elementos técnico-expressivos desta tradição centenária que permeia ritual, religiosidade e sociabilidade, e o processo pelo qual eles se transformam através da composição coreográfica para a cena. A partir deste estudo pode-se perceber a apropriação do samba de roda e as reinscrições a partir do corpo e da poética empregada pelos bailarinos, compondo assim a estética desejada pelo grupo. No caso específico da Abambaé se evidenciou que a companhia através do seu trabalho acaba por “criativamente, inventar” um novo Brasil. Com um entendimento e estética próprio, o Brasil da Abambaé, diverso e alegre e que o samba de roda está diretamente ligado a esta representação de Brasil que a companhia busca mostrar tanto em nível nacional como, e principalmente, internacional.
The role that art has played on everyday life has enabled a renovation concerning the way of thinking cultural objects and manifestations. The artistic doing enables a new cultural doing that has fixed part of its contribution on the aesthetical dimension. The cultural contribution provided by artistic groups that seek to present different popular and traditional manifestations through scenic performances has been in evidence. This work approaches the corporeity appropriation of the samba de roda from the Recôncavo Baiano carried out by the Abambaé Companhia de Danças Brasileiras in the city of Pelotas/RS. This expression was recognized as part of the Brazilian Non-material Cultural Patrimony in 2004 and later, in 2005, it was considered a Masterpiece of the Oral and Intangible Heritage of Humanity by the UNESCO. Focusing on the corporeity and choreographic creation as cultural (re)signification, on the way actors express their feelings through dancing, and through a research based on methods of the anthropology of dancing and ethnomusicology, I sought to understand the technical-expressive elements of this centenary tradition that permeates ritual, religion and sociability, and the process by which they are transformed by the choreographic composition for the scene. From this study, it is possible to perceive the appropriation of the samba de roda and the reinscriptions through the body and the poetic movement employed by the dancers, composing the aesthetic element desired by the group. Concerning the Abambaé, specifically, it was possible to perceive that the company “creatively, invents” a new Brazil through its work. With its own comprehension and aesthetics, the Brazil from the Abambaé is diverse and joyful, and the samba de roda is directly associated with this representation of Brazil that the company seeks to present on a national and mainly international level.

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Zwilling, Carin. "The Schoole of Musicke, de Thomas Robinson : tradução comentada, e transcrição musical de um tratado do inicio do seculo XVII." [s.n.], 1996. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/278839.

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Abstract:

Orientador: Luiz C. Marques Filho
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-07-21T17:20:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zwilling_Carin_M.pdf: 5939115 bytes, checksum: 4286fdb7c47650ab874a6b3a914c7954 (MD5) Previous issue date: 1996
Resumo: Não informado.
Abstract: Not informed.
Mestrado
Mestre em História

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Rodríguez, Granell Ana. "Teoría y práctica del cine como dispositivo crítico. El alcance de la modernidad y las formas de lo político desde la historia del arte al cine de los años treinta." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2012. http://hdl.handle.net/10803/80942.

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Abstract:

A través del concepto de dispositivo crítico, esta investigación analiza cómo, durante la década de los años veinte y treinta, en diversos contextos geográficos como la Unión Soviética, la República de Weimar, Reino Unido, Estados Unidos y Francia, emergen proyectos, estructuras de producción y obras cinematográficas al margen de la industria convencional con una voluntad expresamente política debido, en parte, al auge de las luchas sociales a partir de la primera postguerra y de la crisis de 1929. Llegando hasta los albores de la II Guerra Mundial y otras fechas clave de mediados de los años treinta cuando estas prácticas se ven sepultadas por varios motivos políticos y sociales. El recorrido a través de los diversos contextos geopolíticos permite visibilizar no sólo las formas de organización cultural en materia cinematográfica de todo el espectro de la izquierda sino también visibilizar las especificidades locales debidas tanto al bagaje histórico-cultural como al desarrollo de la industria e institución cinematográfica en relación con los diversos sistemas políticos y económicos. La aportación original de la tesis radica en proponer una mirada prospectiva bajo una nueva perspectiva condensada en el concepto de dispositivo crítico. Reuniendo datos históricos, atendiendo a toda una multiplicidad de planos como puedan ser la emergencia de determinados discursos estéticos desde dentro y fuera de diversas instituciones; políticas gubernamentales; la hegemonía de cierta industria cultural con sus modos de producción; la emergencia de antagonismos políticos desde varios organismos políticos, etc., para así, intentar revelar en esas prácticas una dimensión política que supera la etiqueta genérica de cine político o militante. De este modo, se ha intentado rastrear algunos de los caracteres vinculables a la modernidad artística y que también se verán desarrollados en el marco del cine moderno. Para abarcar los vínculos de algunos fenómenos cinematográficos con la modernidad, se ha lanzado la mirada mucho más allá de los límites cronológicos que normalmente clausuran la historia del cine. Atender a un marco histórico tan amplio -desde finales del siglo XVIII- pretende visibilizar el proceso mediante el cual emergen producciones culturales que, en tanto ponen en crisis los modos de hacer convencionales y abren interrogantes acerca de la propia función política del arte, nos remiten a ciertos procesos que constituyen la modernidad tanto filosófica como artística. Este proceso lo podemos observar a través del concepto de crítica que Immanuel Kant sistematiza en su trilogía y cómo, a través de todo el proceso histórico que sigue durante el siglo XIX, a través del idealismo alemán, el romanticismo, y las diversas transformaciones del campo cultural, se observa cómo se constituyen y emergen dos posiciones clave en todo el paradigma moderno que abarca al siglo XX: o bien, la cultura es entendida como lugar ideal para el desarrollo de un sujeto creativo y libre, capaz de generar por sí solo un proyecto emancipador; o bien, una idea de cultura capaz de apuntalar un mito común y un proyecto estético cohesionado, que permita la creación de un sujeto político y, por tanto, capacitado para la transformación social. A través de este debate, viéndolo también heredado en el campo cinematográfico con sus propias especificidades, se ha intentado atender a una mayor complejidad que difumina los límites normalmente estancos -establecidos por la historiografía cinematográfica- de categorías como vanguardia experimental, vanguardia política, cine institucional y cine moderno.
Cinema’s theory and practice as a critical dispositive. The achievement of modernism and the shape of politics in the cinema of the thirties TEXT: Through the concept of critical dispositive this research analyzes the political dimension contained in modern art practice and film productions made in the margins of the industry and those alternative structures organized in the period covered since the mid-twenties until the mid-forties of the twentieth century. The analysis and historiographical work focuses on visualizing the ways in which emerging and organizing the various groups that are connected with movements of the left, socialists, communists, anarchists or cooperative movements in the relevant contexts between the global wars: the Soviet Union, the Weimar Republic, the United Kingdom, United States and France. Thus, it have shown some connections linked to political cinema practice and agent’s theoretical corpus with those processes and debates that arise as a result of philosophical modernity in the late eighteenth and throughout the nineteenth century, the development of the aesthetics of this period, and Marxist thought.

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Munevar, Lucia del Pilar Lancheros. "Dança moderna e feminismos." Master's thesis, 2013. http://hdl.handle.net/10400.5/5492.

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Abstract:

Mestrado em Performance Artística / Dança
O feminismo, à semelhança da dança moderna, longe de ser uma posição unívoca é um campo de estudo complexo, plural e não linear. Os conceitos que o estruturam têm mudado de forma profunda desde a sua origem nas lutas pelo sufrágio feminino até ao seu estado atual. Tendo em conta o anterior, o presente escrito pretende fazer uma revisão em paralelo entre o percurso da dança moderna teatral - principalmente aquela criada nos Estados Unidos e Europa- e o desenvolvimento do pensamento feminista; as suas relações e pontos de encontro tanto a nível teórico como no relativo à representação do feminino, do masculino e das relações entre os dois géneros. Desta forma, ao longo dos capítulos, serão analisadas, de forma comparativa e crítica, as diferentes abordagens feministas - feminismo universal, feminismo baseado na complementaridade entre o homem e a mulher e enfoques pós-estruturalistas- e os trabalhos coreográficos de múltiplos artistas do século XX.
ABSTRACT: Feminism, likewise modern dance, far from being an univocal position, is a complex study field, plural and nonlinear. Concepts that structure it have changed in a profound way since its beginnings - with the demands for women suffrage - until today´s current situation. Taking the latter into account, the present work, aims at making a parallel study between the development of modern dance – mainly the one created in the United States and Europe - and the development of feminist theories; its relations and points of connection, not only at a theoretical level but also at a representational level, both of the feminine and masculine, and relations between the two genders. Throughout the following chapters, different feminist approaches – universal feminism, feminism based on the complementarity between man and woman, and post structuralist approaches – and the choreographical work of several 20th century artists, will be analysed in a comparative and critical way.

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Amoedo, Henrique. "Dança inclusiva em contexto artístico : análise de duas companhias." Master's thesis, 2002. http://hdl.handle.net/10400.5/6453.

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Mestrado em Performance Artística - Dança
Transformações estéticas ocorridas na dança e modificações sociais relacionadas às pessoas com deficiência ocorreram no último século. A conjugação destes factores levou pessoas com deficiência motora a actuarem cenicamente no universo da dança, em contexto artístico-performance, por nós chamada de Dança Inclusiva. Tal realidade, relativamente nova e com a necessidade de uma maior compreensão, levou-nos ao objectivo desta investigação, que foi a descrição, comparação e caracterização de duas companhias que incluem pessoas com deficiência motora em seus elencos e que actuam no contexto referido. A aplicação de um inquérito por questionário aos 16 bailarinos e, a realização de uma entrevista com os directores da brasileira Roda Viva Cia. De Dança e da londrina CandoCo Dance Company O modelo estatístico adoptado para o tratamento e apresentação dos dados do inquérito por questionário foi orientado numa vertente descritiva, com recurso à estatística gráfica e classificação tabelar e, para o inquérito por entrevista optámos por uma análise de conteúdos. Constatámos pois que existem pontos de intersecção nos projectos de acção e planos de intervenção e especificidades na constituição dos elencos e na direcção destas companhias.

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Mortari, Kátia Simone Martins. "A Compreensão do corpo na dança: um olhar para a contemporaneidade." Doctoral thesis, 2013. http://hdl.handle.net/10400.5/5177.

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Abstract:

Doutoramento em Motricidade Humana, especialidade de Dança
Esta tese questiona e problematiza o Ser humano em situação de Dança considerando o fenómeno Dança como um espaço de ação, criação e superação. Tendo por base a Teoria da Motricidade Humana, serve-se das suas categorias como via de acesso e compreensão aos saberes da Dança e aos conhecimentos referentes ao Corpo, dentro de uma perspetiva de complexidade. Situa-se, necessariamente, na grande área das Ciências Humanas e desenvolve-se ao nível da pesquisa qualitativa. Utiliza-se do Método Integrativo permitindo uma síntese de metodologias. Através das análises e interpretação das entrevistas realizadas junto a um grupo de profissionais da Dança e sua verificação junto à produção do conhecimento sobre esta área de estudos, possibilita o reconhecimento do protagonismo do Corpo e o desvelar de sua essência quando o mesmo se faz presença, processo e projeto no/do ato de dançar. Esta investigação favorece a identificação e/ou elucidação de princípios orientadores que poderão vir a subsidiar a intervenção de profissionais da Dança. Permite, ainda, reconhecer a Teoria da Motricidade Humana como uma via adequada para o desenvolvimento de um dançar comprometido com o Ser que Dança e que passa a ser compreendido como um Ser de superações, de sonhos, de memória e profecia.
FCT - Fundação para a Ciência e a Tecnologia

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Santos, Valdir Nunes dos. "A dança bate-barriga em Helvécia (Bahia/Brasil) : uma performance afrobrasileira de coesão social." Doctoral thesis, 2016. http://hdl.handle.net/10451/28885.

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Tese de doutoramento, Belas Artes (Especialidade de Ciências da Arte), Universidade de Lisboa, Faculdade de Belas artes, 2017
A tese consiste no estudo da performance cultural da dança bate-barriga do distrito de Helvécia (Bahia/Brasil), comunidade afrobrasileira originada em contextos da colonização materializados na região pela então “Colônia” Leopoldina – 1818, com base no Decreto de 1808. O empreendimento se utilizou do trabalho de africanos e afrobrasileiros em regime de escravidão, instituído pelo projeto de expansão da Conquista da América que teve como paradigma a diferença colonial. A questão da pesquisa incide em saber como a dança bate-barriga, uma “arte performativa” que vem do século XVIII é um fator de identificação e coesão social da comunidade de Helvécia? Neste intuito, objetivamos analisar a performance da dança bate-barriga neste processo de identificação e coesão entre as atuais gerações; compreender a performance como Patrimônio Cultural; aprofundar o estudo desenvolvido no Mestrado revisitando o processo de fragmentação das culturas sob os efeitos da monocultura do eucalipto, apontada pelos dançantes e foliões, ênfase para o caráter de identificação referenciado; produzir um estudo teórico-conceitual sobre a performance, estética ancestral produzida a partir da recolha permanente de significações deixadas nos enfrentamentos da diáspora africana. Os estudos da performance, a antropologia cultural, a teoria pós-colonial e os estudos subalternos ancoram a pesquisa. A metodologia assenta no tipo de Pesquisa Social na abordagem qualitativa e na prática da etnografia, em diálogo com outros métodos de investigação; este conjunto consubstancia-se na âncora teórica para compor o estudo de caso. Constatamos que a performance da dança bate barriga, Patrimônio Cultural, é fator de identificação e coesão social da comunidade. Helvécia, em nossos dias, é uma comunidade atravessada pelo poder da cultura dominante representada pelo imaginário do mundo colonial-moderno. As ações empreendidas historicamente mantém o coletivo de afrobrasileiros em condições subalternas, as quais subalternizam a arte, as culturas e os comportamentos. Helvécia é composta de grupos sociais sem representação. Este estudo de caso nos orientou ainda a propor a reescrita da história das culturas produzidas nessas comunidades, tendo por narrativa articuladora os sentidos de ancestralidade, material simbólico de seu patrimônio e matéria-prima de suas performances. Com vistas a romper com a condição de subalternidade, na perspectiva da descolonização de corpos, culturas e costumes à consciência coletiva subalterna e à conscientização estético política de suas práticas e de seus contextos.
The thesis consists on the study of the cultural performance beat-belly dance in Helvecia district (Ba-hia, Brazil), a black comunity which has its origin in the colonization context, materialized on the region by the Leopoldina colony - 1818, based on the 1808 Decree. The venture made use of African and Afro-Brazilian workforce under slavery regimen, which was instituted by the Conquer of America expansion project, having colonial difference as a paradigm. The study was focused on the investiga-tion of the beat-belly dance, a performative art with its origins in the XVIII century, as a element of identity and social cohesion within Helvecia comunity. As such, the purpose of the thesis is to analyse the beat-belly dance in the proccess of indentidy and cohesion between new generations; understand the performance as a cultural heritage; provide further understanding on the knowledge aquired during master degree, revisiting the process of fragmentation of cultures under the effect of the eucalyptus monoculture, pointed by dancers and revelers, emphasizing the identification characteristics refered; to produce a theoretical-conceptual study on the performance as a ancestral aesthetic manifestation pro-duct of the collection of meanings left in the confrontations of the African diaspora. Therefore, the study of the performannce, cultural anthropology, post-colonial theories and subaltern studies were base for this research. The methodology employed in this study was the Social Research type, with qualitative and ethnography approach, in dialogue with other research methods; substantiates this set on the theoretical anchor to write the case study. Results shows that the performance of beat belly dance, a Cultural Heritage, is a factor of identity and social cohesion within the community. Currently, Helvécia is a community crossed by the power of the dominant culture, represented by the Imaginary colonial-modern world. Actions undertaken over time historically holds Afro Brazilian in subordinate conditions, which leads to hold its art, culture and behavior under subaltern status. Helvécia is composed by social groups without social representation. This study has guided us to also propose a rewrite of the history of the culture produced in these communities, demonstrating that the narrative is articulated by the sense of ancestry, symbolic material of their heritage and raw material for their performances. With the intent to rupture the subaltern status, considering the perspective of decolonization of people and cultures, to the collective subaltern conciousness and to raise esthetic and political awa-reness of their practices and their contexts.
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)

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Garay, Victoria, Ludmila Rossetti, and Manavella Lucía Castaños. "Relación entre el gesto social y el cuerpo extra-cotidiano como procedimiento de construcción estética." Bachelor's thesis, 2017. http://hdl.handle.net/11086/6099.

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Abstract:

El siguiente escrito da cuenta del proceso de investigación realizado en el Trabajo Final de la Licenciatura en Teatro de la UNC, y desarrolla la relación entre el gesto social y el cuerpo extra-cotidiano como procedimiento de construcción escénica. Mostramos de qué forma se lleva adelante nuestro proceso de creación y las reflexiones a las que arribamos vinculando la teoría con la práctica, para abrir nuevos interrogantes en torno a la problemática planteada. Nuestra inquietud en torno al tema de investigación surge con el propósito de seguir explorando sobre el gesto y las actitudes sociales de nuestra vida cotidiana, indagando sobre la relación entre teatro y danza contemporánea, para introducirnos en la problemática que establece el vínculo entre ambas disciplinas. La idea comenzó cuando, siendo estudiantes de cuarto año de la Licenciatura en Teatro, nos presentamos con el proyecto “Cuerpo Espeso” en la Convocatoria CePIABIERTO 2012, creando la obra “Un Universo Nunca Ha Sido tan Pequeño” del grupo Trémulo, unTeatroqueDanza. Teniendo como antecedente esta línea de trabajo, encontramos interesante continuar el desarrollo de la relación entre teatro-danza y gestualidad, ya que nos permite colocar el cuerpo en el centro de atención, posibilitando su uso como materialidad escénica con el fin de generar multiplicidad de sentidos. A través de la comunicación corporal o gestual cada espectador puede formar su propia experiencia.

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Bastos, Dorotea Souza. "A dimensão estética e a experiência sensível do corpo na mediadance." Doctoral thesis, 2019. http://hdl.handle.net/10400.2/8755.

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Abstract:

Esta tese buscou analisar a mediadance, a partir das relações sensíveis entre o corpo e os artefatos digitais, buscando compreender o que emerge destas relações. Para tanto, o corpo foi observado, analisado e experienciado como elemento central no contexto contemporâneo da mediadance. Esta pesquisa em arte baseada na prática contemplou uma abordagem conceitual e a criação artística, o que resultou em experimentos realizados em associação à pesquisa teórica, dos quais, três foram escolhidos para compor o corpus desta tese: Do pó ao pó – ensaios da última jornada, Starry Sky e Corpo-ensaio, todos inspirados na obra da cineasta Maya Deren. Os artefatos surgiram em resposta aos nossos questionamentos e são a própria descoberta no âmbito da pesquisa e, diferentemente das reflexões que colocam o corpo a serviço dos aparatos tecnológicos, tratando a tecnologia como algo externo a nós, o entendimento trazido nesta investigação é de que o corpo assume o local de emergência e expressão da experiência estética e que as obras partem das possibilidades poéticas geradas pelo corpo, o que modifica a tessitura da cena.
This thesis aimed to analyze mediadance (Schiller, 2003) based on the sensible relationships between the body and digital artifacts, intending to understand what emerges from these relationships. For this purpose, the body was observed, analysed and experienced as a central component in the contemporary context of the mediadance. This practice-based research in art considered a conceptual approach and the artistic creation, which resulted in experiments performed in association with theoretical investigation and three of them were chosen to compose the corpus of this thesis: Do pó ao pó – ensaios da última jornada, Starry Sky and Corpo-ensaio, all inspired by the work of Maya Deren. The artworks emerged in response to our questions and are the very discovery in the scope of the research. Unlike the reflections that put the body in the service of technological devices, considering technology as something external to us, the understanding we brought in this investigation is that the body assumes the enviroment of emergence and expression of the aesthetic experience and that the artworks start from the poetic possibilities generated by the body, which modifies the contexture of the scene.

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Monteiro, Ana Isabel Vieira. "Do Coreográfico às Proposições Decoreográficas e às Corporalidades Estésico Afetivas na Argentina - Os casos: arteMA, Danza Comunitaria e El Siluetazo." Doctoral thesis, 2021. http://hdl.handle.net/10362/123103.

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Abstract:

Engatilhado pela noção de Crise, e a partir da pesquisa sobre as relações entre a estética e a política, levámos a cabo um movimento de deslocamento e desprendimento do Norte para o Sul (geo corpo político). Partindo da Coreografia, abordada como atividade paradoxal que envolve, captura e contingência, controlo e caos, paragem e movimento, articulámos o Coreográfico, enquanto campo de investigação emergente. Este, expande as práticas coreográficas, não apenas para além da dança, mas também, e sobretudo, para as formas de produção das corporalidades relacionadas com os movimentos sociais insurgentes. Para tal, partimos das noções de Coreografia Social (Hewitt, 2005), Coreopolítica e Coreopolícia (Lepecki, 2012). O nosso trabalho de campo em Buenos Aires, impeliu-nos a mergulhar no pensamento crítico latino-americano e decolonial, o qual, em ressonância com os casos de estudos escolhidos (arteMa, Danza Comunitaria, El Siluetazo), levaram à formulação das metáforas situadas: decoreográfico e corporalidades estésico afetivas, por forma a tecer e articular os sentipensamentos gestados a partir de experiências encarnadas.
Triggered by the notion of Crisis, and from the investigation of the relationships between aesthetics and politics, we performed movement of displacement and detachment from north to south (geobody politics). Starting from Choreography, approached as a paradoxical activity that involves, capture and contingency, control and chaos, stillness and movement, we articulated the Choreographic, as an emerging research field, which expands choreography, not only, beyond dance, but also, and above all, to the forms of production of corporealities related to the insurgent social movements. To do so, we started from the notions of Social Choreography (Hewitt, 2005) and Choreopolitics and Choreopolice (Lepecki, 2012). Our fieldwork in Buenos Aires, impelled us to immerse ourselves in critical Latin American and decolonial thinking, which in resonance with the chosen study cases, led to the formulation of situated metaphors: decoreographic and aesthetic affective bodies, in order to weave and articulate “feelingthoughts” generated from incarnated experiences.

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Vieira, Ana Luísa Valdeira da Silva. "Teoria da relatividade combinatória: os espectaculos de John Cage, Merce Cunningham e Robert Rauschenberg." Master's thesis, 2011. http://hdl.handle.net/10451/5355.

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Abstract:

Tese de mestrado, Estudos ingleses e americanos, especialização em estudos inter-artes, Universidade de Lisboa, Faculdade de Letras, 2010
A Teoria da Relatividade Combinatória apresenta uma análise aos espectáculos para os quais contribuem, nas décadas de cinquenta e sessenta, nos Estados Unidos da América, o compositor John Cage, o coreógrafo Merce Cunningham e o artista visual Robert Rauschenberg, defendendo: (1) a existência de uma estética comum para a multiplicidade combinatória dos acontecimentos por si construídos, e (2) um reenquadramento da relação autores-acontecimentos--espectadores, fundamentado nas diferentes ligações desencadeadas pelos espectáculos, da sua criação à sua recepção.
ABSTRACT: The thesis Teoria da Relatividade Combinatória [Theory of Combinatorial Relativity] analyses the 1950s and 1960s North-American performances resulting from the combination of events by the composer John Cage, the choreographer Merce Cunningham, and the visual artist Robert Rauschenberg. It proposes the existence of a common aesthetics underpinning the combinatorial multiplicity of their events, and reframes the relations between authors, events and spectators, from the conception to the reception of their performances.

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Dissertations / Theses on the topic 'Estéticas na dança'

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