Dissertations / Theses on the topic 'Estética Poesia'

O objetivo deste presente trabalho é o levantamento e a análise de questões tematizadas por Fernando Pessoa que possuam relevância para se pensar a heteronômia enquanto uma potência impessoal da expressão artística, em relação com conceitos e problemas colocados pela filosofia contemporânea, buscando a elaboração de um diálogo efetivo que venha a fortalecer os liames entre poesia e filosofia, criação e pensamento. Ao longo das cinco partes que compõe a dissertação, pretendemos analisar determinados aspectos levantados a partir de heterônimos específicos de Pessoa, que reaproximam a poesia de uma perspectiva ontológica. Pessoa buscou, em toda sua obra, uma diversificação de identidades, vozes diversas que reclamam lugares diferenciais de um sujeito que é desde sempre múltiplo. Sendo assim, a escrita pessoana permite não só um acesso consistente às questões que dizem respeito à vida e à própria relação entre homem e natureza, como produzem uma forma inédita de apresentação do pensamento, que questiona, a um só tempo, a própria filosofia e seus métodos tradicionais, tomando a linguagem por um campo de diferenças e tendo na heteronômia um exemplo vivo de uma literatura que se afasta das significações e produz sentido, livre de ideologias que buscam representar a realidade, atingindo uma dimensão intransitiva da linguagem e possibilitando uma relação com o mundo que não se diferencia da criação artística.
The aim of the present work is to raise and analyse issues thematized by Fernando Pessoa which are relevant to think heteronomy as an impersonal potency in artistic expression, stablishing a relationship with concepts and problems dealt with by contemporary philosophy. In addition, we intend to elaborate on an effective dialogue so as to strenghten the ties between poetry and philosophy, as well as between creation and thought. Along the five building parts of this text, the main purpose is to analyse certain aspects of specific heteronyms of Pessoa, which brings poetry close to an ontological perspective. Pessoa pursued, throughout his work, different voices that claim for diferential places for a subject which is multiple from the beginning. Thus, the pessoan writings allow not only a privileged and consistent access to the questions related to life and the relation between man and nature, but also produces a unique way of presenting thought, which questions, at once, philosophy itself and its traditional methods. Therefore, taking language as a field for difference, we can finally take the heteronomy as a living literary example of production of senses, by distancing itself from significations and enabling a link with the world that do not differentiates itself from the artistic creation.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura
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A palavra estetica vem do grego IO0NTKN ou aisthesis e seu significado esta vinculado a percepcao e tambem a nocao do que e sensivel ou daquilo que se re-laciona com a sensibilidade. Baumgarten quando usou pela primeira vez, em 1735, a palavra estetica, descreveu-a como a ciencia da beleza. Nos Cursos de Estetica, publicado em 1835, Hegel descreve a sua filosofia da arte, a ciencia do belo, e, mais especificamente, do belo artistico, uma vez que dela se exclui o be-lo natural. Mostra a relacao da poesia com as demais artes e explicita de modo preciso o lugar da poesia como arte. Ja no Zibaldone di Pensieri (1817-1832), Leopardi elabora o seu pensamento estetico atraves da criacao de um sistema de Belas-Artes, especulando sobre o belo, o sublime, o prazer, a simplicidade, o habito, a novidade, a imitacao, a feiura, a surpresa, o gosto, entre outros. Por is-so, o objetivo principal desta tese e verificar como as esteticas de Hegel e Leo-pardi dialogam, especialmente, as formulacoes sobre poesia. A analise permitiu constatar que existem convergencias entre as abordagens esteticas na poesia en-tre o filosofo alemao e o poeta italiano no que tange a distincao entre belo e na-tural, a imaginacao, ao genio, ao elogio aos antigos e a critica aos romanticos, ao gosto, a feiura e a simplicidade. Mas o ponto central de convergencia entre os dois estudiosos deve ser atribuido a imaginacao, uma vez que em Leopardi ela tambem esta relacionada com a sensibilidade e com a criacao artistica. Ja os elementos divergentes sao a nocao de beleza, a hierarquizacao da poesia quanto aos generos literarios, a imitacao e o sublime. Mas o conceito de beleza e a grande diferenca entre Hegel e Leopardi, uma vez que o primeiro se move no terreno do espirito e da historia e o segundo se move no terreno da natureza. Em Hegel, a reflexao esta ancorada nos estimulos sensiveis. Em Leopardi, por outro lado, no habito.
The word aesthetics comes from the Greek IO0NTKN or aisthesis and its mean-ing is tied to perception and also to the notion of what is sensitive or that which relates to sensitivity. When Baumgarten first used the word aesthetic in 1735, he described it as the science of beauty. In Courses in Aesthetics, pub-lished in 1835, Hegel describes his philosophy of art, the science of beauty, and more specifically, of artistic beauty, since it excludes natural beauty. He shows the relationship of poetry with other arts and explains precisely poet-ry#fs place as an art. In the Zibaldone di Pensieri (1817-1832), Leopardi de-velops his aesthetic ideas by creating a system of Fine Arts, speculating about the beautiful, the sublime, pleasure, simplicity and habit, novelty, imitation, the ugly, surprise, taste, among others. Therefore, the main objective of this thesis is to verify how the aesthetics of Hegel and Leopardi dialogue, espe-cially, the formulations about poetry. The analysis allowed noticing that there are similarities between the aesthetic approaches in poetry from the German philosopher and the Italian poet regarding the distinction between natural and beautiful, the imagination, the genius, the cheering of the old and the criticism of the Romantics, the taste, the ugliness, and simplicity. But the central point of convergence between the two scholars should be assigned to the imagina-tion, since in Leopardi it is also related to sensitivity and artistic creation. On the other hand, the divergent elements are the notion of beauty, poetry in the hierarchy of literary genres, the imitation and the sublime. Yet the concept of beauty is the main difference between Hegel and Leopardi, since the first moves on the grounds of spirit and history, and the second moves in the field of nature. In Hegel, the reflection is anchored in sensitive stimuli, in Leopardi on the other hand, in the habit.

The present thesis aims at analyzing the connection established by Friedrich Schlegel between philosophy and poetry theme mainly developed by that author throughout the fragments and texts published in the magazines Lyceum der schönen Künste (1797) and Athenäum (1798-1800). Comprehend the ways through which philosophy and poetry interpenetrate each other in the first Frühromantik writings is fundamental towards understanding the various aspects of Schlegels philosophy particularly, this thesis intends to demonstrate how the option for the apparently unsystematic disposition of the texts conceals an impulse towards its opposite: the only systematization still possible.
A presente dissertação tem por objetivo analisar a relação estabelecida por Friedrich Schlegel entre filosofia e poesia tema desenvolvido pelo autor, principalmente, ao longo dos fragmentos e textos publicados nas revistas Lyceum der schönen Künste (1797) e Athenäum (1798-1800). Compreender em que medida filosofia e poesia se interpenetram nos primeiros escritos do Frühromantik é condição fundamental para entender vários aspectos da filosofia de Schlegel em específico, a dissertação pretende demonstrar, a partir daí, como a opção pela forma aparentemente assistemática dos fragmentos oculta um impulso pelo seu contrário: pela única sistematização ainda possível.

Submitted by Maurílio Figueiredo (maurilioafigueiredo@yahoo.com.br) on 2013-02-26T22:07:38Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO_DramaEspantoPoesia.pdf: 659066 bytes, checksum: 50d1ca01de534fb5cba394513869cd46 (MD5)
Rejected by Neide Nativa (neide@sisbin.ufop.br), reason: Nome do orientador incompleto on 2013-03-04T18:37:44Z (GMT)
Submitted by Maurílio Figueiredo (maurilioafigueiredo@yahoo.com.br) on 2013-03-05T20:57:53Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO_DramaEspantoPoesia.pdf: 659066 bytes, checksum: 50d1ca01de534fb5cba394513869cd46 (MD5)
Approved for entry into archive by Neide Nativa (neide@sisbin.ufop.br) on 2013-03-13T19:31:14Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO_DramaEspantoPoesia.pdf: 659066 bytes, checksum: 50d1ca01de534fb5cba394513869cd46 (MD5)
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Este estudo tem sua origem na afirmação de Fernando Pessoa: “Eu era um poeta animado pela filosofia, não um filósofo com faculdades poéticas”. Desse modo, através de uma análise imanente, mostraremos primeiramente como se constituíram as ideias estéticas desse poeta e dos seus heterônimos, Antônio Mora e Álvaro de Campos. Depois, seguindo uma reflexão a partir da leitura crítica dos poemas tanto do poeta ortônimo, quanto dos três principais heterônimos, Alberto Caeiro, Ricardo Reis e Álvaro de Campos, consideramos as discussões acerca da relação entre poesia e filosofia e o que significa, neste contexto, ser “um poeta animado pela filosofia”. _______________________________________________________________________________________________________________________________________
ABSTRACT: This study has its origin in the statement of Fernando Pessoa: "I was a poet animated by the philosophy, not a philosopher with poetic faculties". In this way, through an immanent analysis, first it will be investigated the constitution of the aesthetic ideas of the poet and his heteronyms, Antônio Mora and Álvaro de Campos. It will be followed by a reflection constituted from the critical reading of poems of both Pessoahimself and the three main heteronyms, Alberto Caeiro, Ricardo Reis and Álvaro de Campos, considering the discussions on the relationship between poetry and philosophy and what it means, in this context, to be “a poet animated by philosophy”.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2006.
Submitted by Raquel Viana (tempestade_b@hotmail.com) on 2009-11-12T17:42:02Z No. of bitstreams: 1 Lucie Josephe de Lannoy.pdf: 450890 bytes, checksum: 1e7cc99b4354baf1f7b579fd3f16d766 (MD5)
Approved for entry into archive by Marília Freitas(marilia@bce.unb.br) on 2009-12-07T17:40:58Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Lucie Josephe de Lannoy.pdf: 450890 bytes, checksum: 1e7cc99b4354baf1f7b579fd3f16d766 (MD5)
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Este trabalho tem por objetivo abordar o espaço do desamparo em Trilce, uma das obras poéticas do autor peruano César Vallejo, publicada em 1922. A questão do desamparo, nessa obra, é caracterizada por uma carência na linguagem comum e na própria vida do autor, principalmente quando ele esteve preso. Adotou-se como fundamentação teórica a Estética de Hegel, uma vez que ela desenvolve em profundidade conceitos sobre poesia, linguagem e a subjetividade do poeta. Assim, no primeiro capítulo, depois de se compreender a questão conceitual e prática do termo desamparo, aborda-se o desamparo na vida de César Vallejo e os reflexos na obra Trilce, a qual merece uma interpretação. Também são abordadas sua poética e as características da sua linguagem. O capítulo II é dedicado ao estudo da Estética, de Hegel. Compreendendo os conceitos desse autor por meio de reflexões sobre a poética, obtém-se um referencial teórico com o qual se pode abordar mais profundamente a questão do desamparo. No último capítulo, a partir dos elementos colhidos no primeiro e segundo capítulos, analisam-se alguns poemas de Trilce, tendo como fio condutor o desamparo na linguagem, na vida e na constituição da subjetividade do autor. Com um modo próprio de se expressar e sentir, Vallejo nos remete à própria existência humana. E, assim, aprendemos algo a respeito de nós mesmos e de como nos comunicarmos melhor. ________________________________________________________________________________________ ABSTRACT
The purpose of the present thesis is to approach the space of helplessness in Trilce (1922), one of the poetic works of the Peruvian author César Vallejo. In Trilce, the issue of helplessness is marked by a yearning in both the colloquial language and in the poet’s own life, especially when he was in prison. Due to its profound concepts of poetry, language and the author’s subjectivity, Hegel’s Aesthetics was adopted as a theoretical basis. Thus, the first chapter – after the conceptual and practical definition of the term helplessness – approaches the helplessness in César Vallejo’s life and its influence on Trilce, which deserves an interpretation. It also focuses on the author’s poetics and the characteristics of his language. Chapter Two is devoted to the study of Hegel’s Aesthetics. As we reflect upon poetics, we come to understand Vallejo’s concepts as well as obtain theoretical references to approach more profoundly the issue of helplessness. In the final chapter, an analysis of selected poems from Trilce is offered, with the basis on what we have gathered in the first two chapters, grounded on the theme of helplessness in Vallejo’s language, life and in the constitution of the author’s subjectivity. By means of his individual manners of feeling and expression, Vallejo addresses the questions of human existence itself. Thus we may learn something about ourselves as well as how to improve our ways of communicating. __________________________________________________________________________________________ RESÚMEN
Este trabajo tiene por finalidad abordar el espacio del desamparo en algunos poemas de Trilce, una de las obras poéticas del autor peruano César Vallejo, publicada en 1922. El tema del desamparo, en esa obra, se manifiesta a través de carencias en el lenguaje común y en la vida del escritor, sobretodo cuando este estuvo preso. Como fundamentación teórica se adoptó la Estética de Hegel, ya que esta desarrolla profundamente conceptos sobre poesía, lenguaje y subjetividad del poeta. De este modo, en el capítulo I, una vez comprendida etimológicamente la palabra desamparo, se lo aborda en la vida de César Vallejo y en la obra, cuyo título, Trilce, merece una interpretación. Se estudian trazos de la poética del autor y características de su lenguaje. El capítulo II está dedicado al estudio de la Estética, de Hegel. Comprendiendo las reflexiones sobre la poética, se puede contar con un referencial teórico para abordar el tema del desamparo. Así, se llega al tercer y último capítulo, donde, a partir de elementos recogidos en el primer y segundo capítulos, se realiza la lectura de algunos poemas de Trilce, teniendo como hilo conductor el desamparo en el lenguaje, en la vida y en la subjetividad del autor. Con um modo muy personal de expresarse y sentir, Vallejo nos remite a la propia existencia humana. Y así aprendemos algo a respecto de nosotros mismos y de como comunicarnos mejor.

Made available in DSpace on 2014-06-12T16:29:22Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo41_1.pdf: 6589933 bytes, checksum: 3ab0cbee1d400a1ed9a1b5d5bfe85e15 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2009
Estudo sobre o cinema experimental brasileiro, a partir da análise de três casos específicos: Limite (1930) de Mário Peixoto, no qual se aponta o pioneirismo e ousadia; O bandido da luz vermelha (1969), de Rogério Sganzerla, em que se destaca o escracho e transgressão frente ao contexto cultural da época; e as Cosmococas (1973), de Hélio Oiticica e Neville D Almeida, nas quais se enfatiza a desconstrução e o caráter, radical e inventivo, bem como o fato desta ser uma obra precursora de questões atuais relacionadas ao cinema e sua possível crise. O trabalho analisa as características experimentais, bem como as principais influências estéticas e ideológicas presentes nestas obras, enfatizando o caráter antropofágico do experimental brasileiro e a forma como estas obras representam seu contexto artístico e sociocultural em cada período histórico. Além disso, observam-se as inovações artísticas implementadas por cada obra, apontando a importância da experimentação para o desenvolvimento artístico e ideológico do cinema nacional

Unindo crítica cultural à pesquisa acadêmica, pretendemos mapear a poesia de Patti Smith e Ana Cristina Cesar, partindo de seus respectivos contextos da década de 1970 o movimento punk nova-iorquino, nos Estados Unidos, e a poesia marginal, no Brasil , para então explorar seus pontos de convergência, no que tange a uma micropolítica do feminino e a uma estética de confrontamento. Pensamos ambas as poetas como cartógrafas de uma época e das transformações intrínsecas a essa época, mapeadas por elas no fazer poético, no corpo da linguagem, por meio de uma política-estética; por elas somos levados à política como estética; à política menor, do eu mínimo, de Deleuze, em caráter contingente, de subjetividade e feminilidade. Discutimos também como, a voz do feminino localizado em Patti e Ana C. dá vazão à abertura de um novo tipo de experimentalismo que se integra a uma genealogia de arte/cultura e ao legado da poesia moderna travando diálogo com elementos catalisadores do pós-moderno que desembocariam no contemporâneo.
By merging cultural criticism and academic research, we aim to rummage the poetic works of Patti Smith and Ana Cristina Cesar, starting from their respective contexts in the 1970s the New York punk scene in the United States, and marginal poetry in Brazil , and on to explore their points of convergence within the micropolitics of the feminine and an aesthetics of confrontation. The two poets are taken as cartographers of a time and of the changes that are intrinsic to that time, which they chart on the making of poetry, on the body of language, by means of a politics-aesthetics. We are led to politics as aesthetics a politics of what is contingent, of subjectivity and of femaleness; Deleuzes minor politics, or politics of the minimal self. We will also discuss how, in the voices of the feminine (further than that of feminism) that underpin their poetics/aesthetics, a new kind of experimentalism opens up within a genealogy of art and culture and the legacy of modern poets thus engaging in a dialogue with a small/minor History, with the microsphere, the outsider, and disruption; unfoldings of nascent notions of the post-modern and the contemporary.

Orientador: Antônio Donizeti Pires
Banca: Brunno Vinicius Gonçalves Vieira
Banca: Susanna Busato
Resumo: Esta dissertação tem por objetivo reconhecer os elementos que indicam a construção da imagem de "Paraíso terrestre", concomitante ao sentimento de nativismo na poesia lírica de Manuel Botelho de Oliveira (1636-1711), especificamente em sua silva "À Ilha de Maré". Será traçado o panorama histórico-literário em que a obra foi composta, tanto o europeu quanto o brasileiro, assim como revelados alguns dados biográficos do autor, destacando a importância do mesmo para a literatura brasileira então nascente. Em relação ao conteúdo da referida silva, será debatido o topos literário das "ilhas encantadas", apresentando um cotejo com a maneira como este foi abordado por Camões e pelos frades Manuel de Santa Maria Itaparica e José de Santa Rita Durão, assim como apontamentos sobre a influência que todos esses poetas - Botelho de Oliveira inclusive - receberam de Virgílio e de Ovídio. Esperamos com este trabalho não apenas divulgar a obra dum poeta geralmente ofuscado por seus contemporâneos (Gregório de Matos Guerra e Pe. Antônio Vieira), mas também propor um olhar mais atento a um período histórico-literário cuja importância na formação da identidade brasileira é, por vezes, deixada de lado.
Resumen: La presente tesis tiene como objetivo reconocer los elementos que indican la construcción de la imagen del "Paraíso terrenal", concomitante del sentido de nativismo en la lírica de Manuel Botelho de Oliveira (1636-1711), específicamente en su silva "À Ilha de Maré". Se trazará la escena histórica-literaria en que se hizo el trabajo, ambas europea como brasileña, así como revelado algunos datos personales del autor, resaltando la importancia de ello para la incipiente literatura brasileña. En relación con la silva, se discutirá lo topos literario de las "islas encantadas", comparando con la forma en que este fue abordado por Camões y los frailes Manuel Santa Maria Itaparica y José de Santa Rita Durão, así como notas sobre la influencia que todos estos poetas - incluido Botelho de Oliveira -recibieron de Virgilio y de Ovidio. Confiamos que este trabajo no sólo publicite la obra de un poeta generalmente eclipsado por sus contemporáneos (Gregorio de Matos Guerra, y el P. Antônio Vieira), sino también proponga una mirada más cercana a un período histórico-literario cuya importancia en la constitución de la identidad brasileña a veces es dejada de lado.
Mestre

Esta dissertação tem por objetivo focar questões voltadas em torno de textos poéticos produzidos por estudantes que participaram do projeto Arte e Intervenção Social, realizado nas aulas de contraturno da E.M.E.F. Prof. Aurélio Arrobas Martins, entre 2013 e 2016. Neste trabalho, buscamos (i) examinar as ações desenvolvidas no projeto Arte e Intervenção Social, de modo a apontar práticas educativas relacionadas à educação estética, que visam promover o protagonismo, a autonomia, a produção de cultura, tendo como base linguagens poéticas; (ii) descrever o encaminhamento das atividades didáticas para produção de textos poéticos; (iii) analisar os textos poéticos nucleados pelos temas do compromisso ético, estético e da formação da identidade. Fundamentamos a análise com o apoio teórico de Bakhtin e Volochinov (2014), numa abordagem da linguagem que considera o enunciado concreto. Nessa perspectiva, podemos compreender a dimensão ideológica dos poemas dos estudantes. Recorremos também às contribuições do campo da literatura e da estética com Petit (2009 e 2013) e Vigotski (2010), privilegiando as dimensões individual e coletiva da arte, procurando entender em que medida a educação estética pode auxiliar em uma função reparadora de danos psíquicos e sociais. Com base na fundamentação, descrevemos as principais ações desenvolvidas no projeto Arte e Intervenção Social, dentre elas, destaca-se a publicação da obra Entre versos controversos: o canto de Itaquera, coletânea de poemas escrita pelos alunos-poetas. Nessa perspectiva, analisamos vinte e dois poemas publicados no livro a fim de entender de que modo essa iniciativa colaborou na formação dos jovens no que se refere à convivência social, permitindo-lhes assumirem uma posição em relação aos acontecimentos da sociedade, o que os torna cidadãos participativos e conscientes. A partir da análise dos poemas, verificamos que os alunos-poetas encontraram, na escrita criativa, um espaço de elaboração subjetividade e de resistência ao caos interior e a problemas sociais. Os resultados obtidos mostram que as atividades do projeto tiveram papel importante no desenvolvimento da sensibilidade dos estudantes e na formação de suas identidades. Acreditamos que a vivência estética permitiu que os alunos-poetas interpretassem o mundo de um modo diferente e que, a partir de suas produções artísticas, eles encontraram formas de expressar a resistência e de resgatar a própria autoestima e a da região em que residem.
This dissertation aims at focusing on questions revolving around poetic texts produced by students involved in the project Art and Social Intervention which had been held in extra-curricular shift lessons, in E.M.E.F. Prof. Aurélio Arrobas Martins public school, between 2013 and 2016. In this work, I attempt at (i) evaluating the actions developed in the Art and Social Intervention project as well as educational procedures related to aesthetical education which aims at promoting protagonism, autonomy and culture production based on poetic languages; (ii) describing the sequence of pedagogical activities related to poetic texts production; (iii) analysing poetic texts about the themes of ethical and aesthetical commitment and identity formation. The analysis has been based on the theoretical works of Bakhtin and Volochinov (2014), in a language approach that considers the concrete statement. As far as this perspective is concerned, I managed to understand the ideological dimension of students poems. The analysis also resorted to the contributions in the area of literature and aesthetics of Petit (2009 and 2013) and Vigotski (2010), which privilege individual and social dimensions of art and try to figure to what extent aesthetical education can help as a repairing function of social and psychic damages. Regarding the theoretical foundation, I have described the main actions developed throughout the project Art and Social Intervention , such as the publishing of the book Entre versos controversos: o canto de Itaquera, a compilation of poems written by poet students. In this perspective, I have analysed twenty two poems which were published in the book with a view to understanding to what extent the initiative has contributed to the upbringing of those youngsters as far as social interaction is concerned which also allowed them to assume a position towards social events and make them more aware and active citizens. From the analysis of the poems, not only have I noticed that the poet students have found in creative writing a means of subjective construction but also resistance towards the external chaos and social problems. The achieved results display that the activities in the project had a paramount importance in the development of students sensitivity as well as in their own identity formation. I believe the aesthetical experience allowed poet students to interpret the world in a different way and they have found manners of expressing resistance and also their own self-steem and of the neighbourhood where they live from their own artistic production.

Dissertação de Doutoramento em Filosofia
Neste estudo pretendeu-se, fundamentalmente, identificar os contornos que o conceito de estética possui no pensamento de Wittgenstein. Essa identificação ou fisionomia, foi feita através de um percurso que se traçou entre a primeira, e única, obra publicada pelo filósofo, o Tratactus Logico-Philosophicus, e aquela que é considerada a sua última obra, as Investigações Filosóficas. Nestes dois textos o conceito de estética nunca é abordado directamente, surge sempre a propósito de outros problemas e conceitos que Wittgenstein está a discutir. Dessa forma, foi-se guiado pelos conceitos de imagem [Bild], percepção [Bemerken] e expressão [Ausdruck], que de algum modo permanecem, mesmo que sujeitos a novas compreensões e determinações, no pensamento do filósofo, para fazer o levantamento do problema filosófico e conceptual que está presente quando Wittgenstein se refere à estética. A investigação daqueles conceitos permitiu detectar e identificar que apesar das grandes mutações no pensamento e método de Wittgenstein (a transformação da lógica em gramática, da imagem em aspecto, da representação em percepção, do eu em nós ou forma de vida) a estética, e de certo modo a ética que Wittgenstein no Tratactus identifica com a estética [sind Eins], permanece um elemento pertinente e central para o todo da sua filosofia. Se aqueles três conceitos foram o objecto deste estudo, o seu mote foi dado por três afirmações de Wittgenstein as quais se tentou compreender, esclarecer e integrar na sua compreensão da actividade da filosofia e da natureza do problema filosófico: 1) a estranha semelhança entre uma investigação filosófica e uma investigação estética (CV, MS 112 56: 1937); 2) a Wittgenstein só as questões conceptuais e estéticas, por oposição às questões científicas, o agarram (CV, MS 138 5b: 21.1.1949); e, finalmente, 3) o resumo que Wittgenstein faz da sua posição relativamente à filosofia dizendo “a filosofia só deveria poder ser poesia” (CV, MS 146 35v: 1933-1934). O resultado deste itinerário pelo pensamento wittgensteiniano permite concluir que os problemas estéticos, problemas que surgem por ocasião da experiência da arte, são pertinentes de um ponto de vista filosófico por dizerem respeito à forma como se vê o mundo, os outros homens, e a linguagem, e à expressão dessa visão e compreensão. Por isso, a poesia entendida, tal como a filosofia, enquanto actividade (poiesis), surge, no final, como matriz e modelo da filosofia. Uma matriz que assume a forma de uma disposição [Stimmung] que atravessa a escrita e pensamento de Wittgenstein e que diz respeito não só ao modo próprio da composição da prosa filosófica, mas, igualmente, à disciplina da visão, da percepção e da vontade. Uma disciplina da qual, segundo Wittgenstein, depende o sucesso da actividade filosófica e que se expressa numa mudança de atitude e na cura de certas patologias expressivas e conceptuais.

Submitted by Marilene Donadel (marilene.donadel@unioeste.br) on 2017-11-16T21:17:45Z No. of bitstreams: 1 Tamara_H_R_Pasqualatto_2017.pdf: 1166230 bytes, checksum: 007027914a27193f56c50b9ac97f7fa6 (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
The relation between philosophy and poetry, showed by Kant in the Critique of Judgment, became the motivation to the thoughts of Friedrich Hölderlin, one of the first moderns poets-philosophers. Due to that, the aim of the presente work is to relate both authors: the philosopher and the poet. Each of them themed the aesthetic their way. Kant did it considering the reflective aspect while Hölderlin considered the perspective of poetic thought as produtive capacity. In order to demonstrate some specific differences between the projects of each author, we’ve exposed kantian’s and hölderlinian’s theories separately. At the beginning we themed the aesthetic foundation of the first and third Kant’s Critique to make explicit the activities of the faculty of the determinative and reflective judgment, through which the argumentation will be built regarding art’s foundation, and the poetry as occupying “the highest position”. On the other hand, in Hölderlin’s aesthetic project, we presented the way from the art’s theoretical assumptions taken out from Kant to the new emphasis the poet gives to the creative activity, producer of poetic genius that, due to the concession of more freedom to the faculty of imagination, exceed what the genius was able to do in Kant’s conception. We conducted a brief presentation of the novel Hyperion by Hölderlin to illustrate this creative ability of the poetic thought. That work, for being inserted in the context of German Idealism, dialogues with the problems discussed during this period. Without intent to a theoretical speculation, Hölderlin poetically shows his conclusions over the task of unification of the oppositions between subject and object, nature and freedom, etc. He can, thus, produce a aesthetic solution that is expressed on the eccentric path’s image lived by the novel’s character, through which he reachs, after some experiences, the dissolution of dissonances, the harmony between nature and freedom, being able to unify the oppositions manifested in it.
A relação entre filosofia e poesia, explicitada por Kant na Crítica da faculdade do juízo, tornou-se motivação do pensamento de Friedrich Hölderlin, um dos primeiros poetas-filósofos modernos. Partindo disso, o presente trabalho busca relacionar esses dois autores: o filósofo e o poeta. Cada um deles tematizou a estética a seu modo. Kant o fez desde o aspecto reflexivo ao passo que Hölderlin desde a perspectiva do pensamento poético enquanto capacidade produtiva. Visando demonstrar algumas diferenças específicas entre os projetos de cada autor, expusemos separadamente a teoria kantiana da hölderliniana. Inicialmente tematizamos os fundamentos estéticos da primeira e da terceira Crítica de Kant, explicitando as atividades da faculdade do juízo determinante e reflexionante, sobre a qual será edificada a argumentação referente à fundamentação da arte, e da poesia como ocupando “a posição mais alta”. Por sua vez, no projeto estético de Hölderlin, apresentamos o caminho percorrido desde os pressupostos teóricos da arte extraídos de Kant até a nova ênfase que o poeta dá à atividade criativa e produtora do gênio poético que, devido à concessão de uma maior liberdade à faculdade da imaginação, ultrapassa aquilo que podia o gênio na concepção kantiana. Conduzimos aqui uma sucinta apresentação do romance Hipérion de Hölderlin para ilustrar essa capacidade criativa do pensamento poético. Esta obra, por estar inserida no contexto do Idealismo alemão, dialoga com o problemas debatidos nesse período. Sem pretender uma especulação teórica, Hölderlin apresenta poeticamente suas conclusões acerca da tarefa de unificação das oposições entre sujeito e objeto, natureza e liberdade, etc. Ele consegue, assim, produzir uma solução estética que se expressa na imagem da via excêntrica vivida pelo personagem do romance, através da qual ele alcança, após várias experiências, a dissolução das dissonâncias, a harmonia entre natureza e liberdade, sendo capaz, assim, de unificar as oposições manifestadas nessa via.

A presente tese procura expor as linhas gerais do projeto estético de Hölderlin, tal como ele procurou realizá-lo entre 1793 e 1797. Anunciado em diversas cartas como uma tentativa de encontrar o princípio esclarecedor das oposições do espírito, tais como natureza e liberdade, sujeito e objeto, eu e não-eu, esse projeto estético toma por base a relação entre filosofia e poesia tal como a estabeleceu Kant na Crítica da Faculdade de Julgar, em especial na seção em que trata das ideias estéticas, da imaginação produtiva e do gênio, bem como aquela estabelecedia por Schiller em Sobre graça e dignidade, na medida em que este último procura fundar uma estética objetiva a partir dos esforços iniciados por Kant nesse mesmo sentido. Mas é principalmente ao entrar em contato com a filosofia da Doutrina-da-ciência, de Fichte, que Hölderlin vislumbra todo o potencial dessa relação entre filosofia e poesia. Em sua obra, afinal, Fichte atribui à imaginação criadora um papel ainda mais importante do que Kant, na medida em que, para aquele, a imaginação constitui a origem das separações encontradas no eu. O fato, porém, de que Hölderlin não realiza sua anunciada estética na forma teórica não impede de vê-la executada poeticamente em seu romance de formação Hipérion ou o eremita na Grécia. Assim como o filósofo da Doutrina-da-ciência reduz as oposições encontradas no eu à imaginação por meio do método da determinação recíproca, também Hipérion, na medida em que realiza a passagem da natureza para o âmbito da liberdade e da poesia, é capaz de unificar as oposições próprias da via excêntrica.
This thesis is intended to render an outline of the aesthetic project Hölderlin sought to carry out between 1793 and 1797. His aesthetic project, which in a number of letters he addressed as an attempt to find the principle enlightening such oppositions of spirit as nature and freedom, subject and object, self and not-self, is based upon the philosophy-poetry relationship as established by Kant in the Kritik der Urteilskraft, especially in the section dealing with aesthetic ideas, productive imagination, and genius, as well as the one Schiller establishes in Über Anmut und Würde to the extent he succeeds in founding an objective Aesthetics upon Kant\'s efforts to this effect. However, it was not before he got in touch with Fichte´s Wissenschaftslehre philosophy that Hölderlin realizes the entire potential of this philosophy-poetry relationship. After all, throughout his work Fichte assigns creative imagination a more important role than Kant does, as imagination, for the former, is the origin of the separations residing in the self. Hölderlin\'s failure to perform his announced Aesthetics in the form of theory, however, did not prevent him from accomplishing it poetically in his novel Hyperion or the Hermit in Greece. Just as the philosopher of the Wissenschaftslehre reduces unto imagination the oppositions in the self using the reciprocal determination method, Hyperion is also capable of unifying the oppositions pertaining to the eccentric path as it leads from nature into the realm of freedom and poetry.

O corpo na poesia portuguesa contemporânea. Uma temática atual que transporta na poesia do século XXI o corpo exposto em feridas, onde o lado visceral da palavra contacta com o mundo exterior e traumático. Esta dissertação, que analisa autores como Daniel Faria, Jorge Melícias e Vasco Gato, pretende desenvolver o conceito de “anatomia em crise”: o corpo do sujeito poético que se fragmenta e se sacrifica em verso para conseguir explorar o lado corporal da palavra. A carne é a nova pele, a nova fronteira. Somos forçados, portanto, a reequacionar novos limites da representação estética, e da subjetividade poética, através dos autores que surgiram nos últimos vinte anos, e que, deixam transparecer influências de fortes autores como Eugénio de Andrade ou Herberto Helder; Flesh in verse, verse under the skin: the body in contemporary Portuguese poetry Abstract: The body in contemporary Portuguese poetry. A current theme that carries in the poetry of the 21st century the body exposed in wounds, where the visceral side of the word contacts the outside and traumatic world. This thesis, which analyzes authors like Daniel Faria, Jorge Melícias and Vasco Gato, intends to develop the concept of "anatomy in crisis": the body of the poetic subject that fragments and sacrifices itself in verse to be able to explore the corporal side of the word. The flesh is the new skin, the new frontier. We are forced, therefore, to reevaluate new limits of aesthetic representation, and of poetic subjectivity, through the authors that have appeared in the last twenty years, and which show the influence of strong authors such as Eugénio de Andrade or Herberto Helder.

Cette thèse est le résultat dune recherche éducative et socioculturelle qui a eu lobjectif de décrire, analyser, fonder et proposer des procédés théoriques et pratiques apliqués dans le travail avec la poésie et la chanson, tenus en priorité et adaptés au contexte de loralité. À partir de travaux pratiques développés dans la salle de classe brésilienne et française et dans des espaces informels déducation et culture comme, par exemple, des bibliothèques et dautres centres culturels, cette recherche a prétendu réfléchir sur ces pratiques, en sappuyant sur des théories de la littérature et de lart. Ces théories ont soutenu des réflexions fondées sur les relations existantes entre littérature, musique, école et industrie culturelle, entre le discours esthétique et le discours pédagogique, en essayant dapprocher et de redimensionner des conceptions théoriques et des expériences de lecture. Cette investigation a procédé avec une analyse comparative entre les réalités éducatives et culturelles brésiliennes et françaises et présente, premièrement, des réflexions sur les processus de production, médiation et réception de culture, en essayant de fonder et expliciter les formes par lesquelles la réception, le plaisir esthétique et la médiation déclenchent un ensemble de stimuli qui se tournent pas seulement vers lobjet artistique en soi mais vers des relations subjectives, dexpérience humaine. Cet ensemble de stimuli conçus dans les processus de la médiation et de la réception est en dialogue constant avec les formes daudition exercées dans lambiance écolière et dans dautres ambiances éducatives et culturelles. Tels processus sont aussi décrits et analysés en tenant comme point de départ les significations des verbes entendre et écouter comme des activités propres de laudition. Les formes avec lesquelles ces significations, ces sons et ces sens influencent la perception de la poésie et de la chanson sont redimensionnées avec emphase dans la revalorisation des processus doralité. Plusieurs recherches brésiliennes et françaises ont démontré que le goût par la lecture de textes littéraires, par la poésie chantée ainsi que la formation et la perception de lexpérience esthétique par lélève et/ou ladolescent ont pu se concrétiser à travers lexercice de loralité, lexpression de la voix et du corps, associés au travail développé par des études qui englobent la forme littéraire. De cette façon, il a été possible de contribuer avec des réflexions théoriques sur la médiation et la réception de culture, linformation esthétique et ses formes de perception dans des espaces éducatifs, qui se sont fondées pas seulement sur des théories préétablies mais comme des concepts et des idées qui sont nées dans le contexte des pratiques. À travers la connaissance et la confrontation de ces actions culturelles et les pratiques éducatives brésiliennes et françaises, il a été possible de vérifier les conditions de leur réalisation, leur fondamentation et méthodologies. Et dernièrement, avec lobjectif de viabiliser des formes dapprentissage de la poésie et de la chanson, cette recherche présente, dans son dernier chapitre, un référentiel théorique et pratique qui puisse orienter des professeurs, des médiateurs et dautres professionnels de ce domaine dans leurs travaux, dans des espaces formels et informels déducation.
Esta tese é resultado de uma pesquisa educativa e sociocultural que teve por objetivo descrever, analisar, fundamentar e propor procedimentos teóricos e práticos aplicados ao trabalho com a poesia e a canção, priorizados e ambientados no contexto da oralidade. A partir de trabalhos práticos desenvolvidos em sala de aula brasileira e francesa, e em espaços informais de educação e cultura, como bibliotecas e demais centros culturais, esta pesquisa pretendeu refletir sobre estas práticas, tomando como base teorias da literatura e da arte. Tais teorias subsidiaram reflexões fundamentadas nas relações existentes entre literatura, música, escola e indústria cultural, entre o discurso estético e o discurso pedagógico, buscando aproximar e redimensionar concepções teóricas e experiências de leitura. Esta investigação procedeu com uma análise comparativa entre as realidades educativas e culturais brasileiras e francesas e, inicialmente, apresenta reflexões sobre os processos de produção, mediação e recepção de cultura, buscando fundamentar e explicitar as formas pelas quais a recepção, o prazer estético e a mediação desencadeiam um conjunto de estímulos que se voltam não somente ao objeto artístico em si, mas a relações subjetivas, de experiência humana. Este conjunto de estímulos gerados nos processos da mediação e da recepção está em diálogo constante com as formas de audição desempenhadas no ambiente escolar e demais ambientes educativos e culturais. Tais processos são também descritos e analisados tomando como base os significados do ouvir e do escutar como atividades próprias da audição. As formas com que estes significados, sons e sentidos influenciam a percepção da poesia e da canção são redimensionados com ênfase na revalorização dos processos de oralidade. Várias pesquisas brasileiras e francesas demonstraram que o gosto pela leitura de textos literários, pela poesia cantada, assim como a formação e a percepção da experiência estética pelo aluno e/ou adolescente, puderam se concretizar por meio do exercício da oralidade, da expressão da voz e do corpo, aliados ao trabalho desenvolvido por estudos que envolvem a forma literária. Deste modo, foi possível contribuir com reflexões teóricas sobre a mediação e a recepção de cultura, a informação estética e suas formas de percepção em espaços educativos, que se fundamentaram não somente com base em teorias pré-estabelecidas mas como conceitos e idéias que nasceram no contexto das práticas. Conhecendo e confrontando estas ações culturais e práticas educativas brasileiras e francesas, foi possível verificar as condições de sua realização, sua fundamentação e metodologias. Por fim, com o objetivo de viabilizar formas de aprendizado da poesia e da canção, esta pesquisa apresenta, em seu último capítulo, um referencial teórico e prático que possa orientar professores, mediadores e demais profissionais da área em seus trabalhos, em espaços formais e informais de educação.

Submitted by Daniel de Assis Furtado null (assis27@hotmail.com) on 2017-08-18T12:16:21Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO B.pdf: 1245681 bytes, checksum: 3a5237603a11d345916941adbc430943 (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Esta dissertação tem por objetivo reconhecer os elementos que indicam a construção da imagem de “Paraíso terrestre”, concomitante ao sentimento de nativismo na poesia lírica de Manuel Botelho de Oliveira (1636-1711), especificamente em sua silva “À Ilha de Maré”. Será traçado o panorama histórico-literário em que a obra foi composta, tanto o europeu quanto o brasileiro, assim como revelados alguns dados biográficos do autor, destacando a importância do mesmo para a literatura brasileira então nascente. Em relação ao conteúdo da referida silva, será debatido o topos literário das “ilhas encantadas”, apresentando um cotejo com a maneira como este foi abordado por Camões e pelos frades Manuel de Santa Maria Itaparica e José de Santa Rita Durão, assim como apontamentos sobre a influência que todos esses poetas — Botelho de Oliveira inclusive — receberam de Virgílio e de Ovídio. Esperamos com este trabalho não apenas divulgar a obra dum poeta geralmente ofuscado por seus contemporâneos (Gregório de Matos Guerra e Pe. Antônio Vieira), mas também propor um olhar mais atento a um período histórico-literário cuja importância na formação da identidade brasileira é, por vezes, deixada de lado.
This dissertation aims at recognizing the elements that indicate the construction of the image of "Terrestrial Paradise", concomitant with the feeling of nativism in the lyrical poetry of Manuel Botelho de Oliveira (1636-1711), specifically in his silva "À Ilha de Maré". The historical-literary panorama in which the work was composed, both European and Brazilian, will be traced, as well as some biographical data of the author will be revealed, highlighting his importance to the origins of Brazilian literature. In relation to the content of the silva, the literary topos of the "enchanted islands" will be debated, presenting a comparison with the way it was approached by Camões and the friars Manuel de Santa Maria Itaparica and José de Santa Rita Durão, as well as notes on the influence that all these poets - Botelho de Oliveira inclusive - received from Virgil and Ovid. We hope not only to divulge the work of a poet who is often overshadowed by his contemporaries (Gregório de Matos Guerra and Fr. Antônio Vieira), but also to offer a closer look at a historical-literary period which importance in the formation of Brazilian identity is sometimes set aside.
La presente tesis tiene como objetivo reconocer los elementos que indican la construcción de la imagen del “Paraíso terrenal”, concomitante del sentido de nativismo en la lírica de Manuel Botelho de Oliveira (1636-1711), específicamente en su silva “À Ilha de Maré”. Se trazará la escena histórica-literaria en que se hizo el trabajo, ambas europea como brasileña, así como revelado algunos datos personales del autor, resaltando la importancia de ello para la incipiente literatura brasileña. En relación con la silva, se discutirá lo topos literario de las “islas encantadas”, comparando con la forma en que este fue abordado por Camões y los frailes Manuel Santa Maria Itaparica y José de Santa Rita Durão, así como notas sobre la influencia que todos estos poetas — incluido Botelho de Oliveira —recibieron de Virgilio y de Ovidio. Confiamos que este trabajo no sólo publicite la obra de un poeta generalmente eclipsado por sus contemporáneos (Gregorio de Matos Guerra, y el P. Antônio Vieira), sino también proponga una mirada más cercana a un período histórico-literario cuya importancia en la constitución de la identidad brasileña a veces es dejada de lado.

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:30:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Leandro Candido de Souza.pdf: 2021277 bytes, checksum: 884691aa72337b2db4e076ac82fb9583 (MD5) Previous issue date: 2014-05-14
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
This work analyzes the concretist proposal presented by the activities of the Noigandres group formed by poets Augusto de Campos (1931-), Haroldo de Campos (1929-2003) and Decio Pignatari (1927-2012). Our thesis consists in the integration of the three poets through their different practices into a modeling artistic-cultural project whose strategy worked well tuned to the postmodern doxa of the commodification of modernism, the formalization of avantgarde and the utilitarian refunctionalisation of art. The abandonment of style and adoption of the text, the relationship established with the art institution, the theoretical-historical revisionism, the epistemological debate and the jump into the mass media confirm that a large distance has established between the concretists of Sao Paulo and the so-called high modernism at the turn of the century and its criticism by the historical avant-garde movements. Finally, we attempted to re-establish the analytical intersection from different sources - which consisted this doctrine - to draw from them notes on what was the role played by the three poet-makers in cultural disputes experienced in the course of the modernization process of Brazilian capitalism
Este trabalho analisa a proposta concretista apresentada pelas atividades do grupo Noigandres: Augusto de Campos (1931-), Haroldo de Campos (1929-2003) e Décio Pignatari (1927- 2012). Sua tese é a de que os três poetas integraram, por meio de suas diferentes práticas, um projeto artístico-cultural modelar cuja estratégia andava bem afinada à doxa pós-moderna de mercantilização do modernismo, oficialização das vanguardas e de refuncionalização utilitária da arte. O abandono do estilo e a adoção do texto, a relação estabelecida com a instituição arte, o revisionismo histórico-teórico, o debate epistemológico e o salto para dentro dos meios de comunicação de massas, confirmam que uma grande distância se estabeleceu entre os concretistas de São Paulo e o dito alto modernismo da virada do século e sua crítica pelos movimentos históricos de vanguarda. Por fim, tentou-se restabelecer, pelo cruzamento analítico de diferentes fontes, o que consistiu essa doutrina, para daí extrair apontamentos sobre qual foi o papel desempenhado pelos três poetas-formuladores nas disputas culturais vividas no curso do processo de modernização do capitalismo brasileiro

O objetivo deste trabalho é investigar a presença da poesia e de outros textos poéticos no processo de alfabetização e letramento infantil, a fim de refletir acerca das experiências de um grupo de crianças (de seis a nove anos) com a linguagem poética na trajetória do ensinoaprendizagem da leitura e escrita nos anos iniciais da escolarização (do 1º ao 3º ano do Ensino Fundamental de nove anos). Compreendemos a necessidade de se trabalhar a língua sem isolá-la de seu universo literário, e para isso, em nosso projeto de alfabetização O desafio de ensinar a leitura e escrita no contexto do Ensino Fundamental de nove anos (Edital Nº 038/2010/CAPES/INEP), partimos de hipóteses sobre a capacidade da oralidade e dos textos poéticos em potencializar subjetividades mais afeitas à aprendizagem da leitura e da escrita. Contrapondo-se às concepções pedagógicas dominantes nas diretrizes governamentais, que tanto valorizam os gêneros discursivos do cotidiano (bulas, receitas, logomarcas e outros gêneros do mercado), percebemos que o trabalho com os textos poéticos (poesias, cantigas, parlendas, adivinhas, travas-língua, etc.) vinculado à função poética (ao ludismo poético da língua) forma uma rede de memória oral que já enraíza potencialidades para o gosto literário da criança. De acordo com Pound (2006) os recursos estéticos que estão presentes na poesia podem ser compreendidos de três formas: com o uso da melopeia, da fanopeia e da logopeia. A partir do trabalho com uma coletânea de poesias para crianças formulada por nós, professores-pesquisadores, e que abrange essa tríade, junto ao estudo dos seus recursos elementares, das suas figuras de linguagem e de sua estética mnemônica (rimas, métrica, aliterações, assonâncias, etc.), vimos que a poesia é fundamental para o ensino e a aprendizagem de nossas crianças. Contribuir para que uma matriz de textos poéticos se estabeleça na memória da criança é poder ampliar sua capacidade leitora e subjetiva ao lidar com os diferentes gêneros textuais. Com essa premissa, esboçamos em uma pesquisa teórica e prática o alcance que os textos poéticos têm no trabalho diário de alfabetização e como a recepção desses textos pelas crianças aponta para a necessidade de um planejamento didático-metodológico que aborde a diversidade dos recursos estéticos e formais da poesia para enriquecer o ensino da leitura fluente e da escrita criativa.
This work aims to investigate the presence of poetic texts in literacy and reading learning processes in order to reflect on the experiences with poetic language of a group of children (six to nine years), in the trajectory of the reading and writing, in the early years of schooling (1st to 3rd year of the nine years elementary school cycle). In our literacy project \"The challenge of teaching reading and writing in the context of elementary school nine years\" (Notice No. 038/2010 / CAPES / INEP), we understand the need to work with the language without isolating it from its literary universe, and, to that end, we start from hypothesis about the capacity of oral and poetic texts to potentiate subjectivities more akin to the learning process of reading and writing. Opposing the project to the dominant pedagogical concepts in government guidelines, which give great value to genres of everyday life (leaflets, recipes, logos and marketing genres), we realized that working with the poetic texts (poetry, songs, rhymes, riddles, tongue twister, etc.) linked to the poetic function (the poetic language playfullness) we could form a network of oral memory that already rooted potentialities for the children\'s literary taste. According to Pound (2006), the aesthetic features that are present in poetry are comprised of three modes: the use of the melopoeia, the fanopeia and logopeia. From the work with a collection of poems for children that would take in account this triad and the study of the basic features of its figures of speech and its mnemonic aesthetic (rhyme, meter, alliteration, assonance, etc.), we saw that poetry is fundamental to the teaching and learning of our children. To contribute so that an array of poetic texts could be established in the child\'s memory is to make it possible to expand its reader and subjective capacity to deal with different genres. With this premise, we outlined in a theoretical and practical research the extent that poetic texts have in the daily work with literacy and how the reception of these texts by the children indicates the need for a didactic-methodological planning that addresses the diversity of poetrys aesthetic and formal features to enrich the teaching of fluent reading and creative writing.

Orientador: Ubirajara Rancan de Azevedo Marques
Banca: Márcio Benchimol Barros
Banca: Ulisses Razzante Vaccari
Resumo: A presente dissertação tem por objetivo abordar o tema da arte em Martin Heidegger. Ligada à questão da essência da verdade, a reflexão heideggeriana sobre a obra de arte se elabora a partir de uma retomada da expressão grega alétheia. A fim de apresentar tal noção como uma intuição fundamental que orientará o percurso filosófico de Heidegger, nossa investigação perpassa os desenvolvimentos da "Ontologia Fundamental" de Ser e Tempo (1927) ao contexto da viragem (Kehre) de seu pensamento (1930), onde se situa o tema da arte. Nesta direção, procuramos abordar nos textos estudados, como Heidegger desenvolve suas reflexões acerca desse tema, principalmente no ensaio A origem da obra de arte (1935-36), onde o filósofo nos apresenta, juntamente com a questão da essência da linguagem e da poesia, as noções diretrizes de sua concepção ontológica da obra de arte, que por sua vez, diverge das teorias tradicionais da Estética Filosófica.
Abstract: The present dissertation aims to approach the theme of art in Martin Heidegger. Linked to the question of the essence of truth, the heideggerian reflection on the work of art is elaborated from a resumption of the Greek expression alétheia. In order to present such a notion as a fundamental intuition that will guide Heidegger's philosophical route, our investigative path runs through the developments of the "Fundamental Ontology" of Being and Time (1927) to the context of the turning (Kehre) of his thinking (1930), where the theme of art lies. In this direction, we try to approach in the texts studied, as Heidegger elaborates his reflections on this theme, mainly in the essay The Origin of the Work of Art (1935-36), where the philosopher presents us, together with the question of the essence of language and poetry, the guiding notions of his ontological conception of the work of art, which in turn, diverges from the traditional theories of Philosophical Aesthetics.
Mestre

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura.
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Nesta dissertação, é proposta uma discussão, sob a égide do feminismo, a respeito do cânone - visto como uma estrutura de exclusão - e a noção de valor literário e estético aplicada às obras de escritoras(es) não-canônicas (os) e mais especificamente, à obra poético-erótica de Gilka Machado. É trazida uma versão historiográfica das condições em que viviam as mulheres no Brasil durante os trinta primeiros anos do século XX - a chamada Belle Époque - e sobre os discursos formadores e práticas vigentes na época. Além disso, analisou-se a relação entre a proposta da Nova Mulher, defendida pelas feministas européias e norte-americanas, a qual seria independente em todos os campos, inclusive no exercício de sua sexualidade, e a representação do sujeito lírico da poesia de Gilka Machado. Elaborou-se ainda um texto relacionando a vida e a obra da poetisa. A seguir, há uma leitura da poesia da autora em questão, destacando valores estéticos feministas, a presença do erotismo desvelado, um tema até então nunca utilizado por mulheres na história da poesia lírica brasileira, sendo destacadas a apresentação do sujeito lírico no feminino como sujeito do desejo, a transgressão dos valores conservadores sob a conduta sexual das mulheres, que estavam sendo ideologicamente implantados, e a contradição, representada pela afirmação em alguns versos dos mesmos valores conservadores que estavam sendo combatidos em outros poemas. Entretanto, a pesquisa revela que a poesia de Gilka Machado apresenta um caráter inovador e até mesmo antecipador de pressupostos existencialistas que somente vieram a ser amplamente desenvolvidos por Simone de Beauvoir nos anos 40 e 50.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2010.
Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-07-24T15:09:35Z No. of bitstreams: 1 2010_AndersonMelo (2).pdf: 726884 bytes, checksum: 89acc09c5b0c0d0a2ab9171b6305bb2d (MD5)
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O presente trabalho aborda a poesia do cinema do diretor italiano Federico Fellini como elogio da superficialidade , de modo a discutir e demonstrar como sua obra, predominantemente dissonante, se vale da materialidade e das linhas de força dos dispositivos midiáticos do espetáculo para construir um movimento de carnavalização do mundo, reprogramando os dispositivos do sistema de produção industrial que a viabilizam. Buscamos demonstrar, por um caminho diferente da análise fílmica, que a potência do cinema de Fellini não está na clássica abordagem formalista hermenêutica, mas na perspectiva da crítica cultural contemporânea que enfatiza a performance em contraponto à mímese, discutindo potência em vez de poder, singularidade em vez de identidade. A poesia cinematográfica de Fellini celebra a vida como campo de imanência cujas linhas de forças estão abertas para o devir. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT
This present research addresses the poetry of cinema Italian director Federico Fellini as praise of superficiality, to discuss and demonstrate how his artwork takes advantage of materiality of media devices of the spectacle to build a movement of carnivalization the world, causing the reprogramation of devices of the industrial production system that enable it. We seek to demonstrate, through a different path of film analysis, that the power of Fellini´s cinema is not in classic formalist approach or hermeneutics, but from the perspective of contemporary cultural criticism that emphasizes performance in contrast to mimesis, arguing potential rather than power, the uniqueness rather than identity. The Fellini's cinematic poetry celebrates life as a field of immanence whose lines force are open to becoming.

Submitted by Fabiano Vassallo (fabianovassallo2127@gmail.com) on 2017-05-09T20:08:46Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) TESE FINAL - JUAN MARCELLO.pdf: 6859706 bytes, checksum: 9a871ea6d872e0034efbeab3d7750d40 (MD5)
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Por meio desta Tese, nos propusemos a uma pesquisa mapeadora de todas as principais etapas históricas nas quais foi recepcionada a obra do poeta simbolista brasileiro João da Cruz e Sousa (1 861­1898), analisando e comparando os textos em que identificamos transformações paulatinas nas leituras críticas do poeta ao longo do tempo, desde 1893, quando suas produções marcam o advento do Simbolismo no país, até os nossos dias, situando o “crítico” como o “efetivo leitor”, sem olvidar os acadêmicos. O ineditismo da proposta consistiu na abordagem crítica que trouxe à baila numerosos textos e trabalhos, em uma revisão de praticamente “todas” as leituras (salvo algumas produções de menor relevo), e na utilização do arcabouço teóricometodológico da Estética da Recepção, não somente através de seus principais representantes, como Hans Robert Jauss, Wolfgang Iser e Hans Ulrich Gumbrecht, mas igualmente Luiz Costa Lima, Regina Zilberman, e nas teorias de Mikhail Bakhtin, Paul Zumthor, Roland Barthes, Hugo Friedrich, Umberto Eco, dentre os demais que apontamos na Introdução. Direcionando os estudos para a recepção crítica da obra, aprofundamos a pesquisa na análise comparada, buscando compreender a progressão histórica e sociocultural, que acompanhou a evolução receptiva de Cruz e Sousa, passando pelas questões etnorraciais, e verificamos de que forma se lê, contemporaneamente, a obra do poeta catarinense. Decorrente de todo nosso percurso, embasamos teoricamente uma possível interpretação prospectiva de sua obra e realizamos nossas próprias leituras, com o intuito de poder contribuir para a iluminação de novos caminhos e fazer a diferença na renovação da forma de se interpretar a obra de Cruz e Sousa
Through this thesis, we propose a mapping research of every main historical step which hosted the work of Brazilian symbolist poet João da Cruz e Sousa (1861 ­1898), by means of the analysis and comparison of the texts, in which it was identified a slow transformation in the critical readings of the poet through time, since 1893, when his work established the emergence of Symbolism in Brazil, up until today, positioning the “critic” as the “effective reader”, and including the academicists. The originality of the proposal consists of the critical approach that brought along several texts and essays, in which practically “all” readings were analyzed (except for a few smaller works), and that used the “Aesthethic of Reception” as a theoretical­method framework, not only through its main representatives, such as Hans Robert Jauss, Wolfgang Iser and Hans Ulrich Gumbrecht, but also Luiz Costa Lima, Regina Zilberman, and the theories of Mikhail Bakhtin, Paul Zumthor, Roland Barthes, Hugo Friedrich, Umberto Eco, among others pointed out in the Introduction. Directing the studies towards the critical reception of the work, the research was enriched by the compared analysis, in which we tried to understand the historical and sociocultural progression that followed the evolution of Cruz e Sousa’s reception, taking ethnic and racial matters into consideration, and we verified the ways in which the poet’s work is read contemporarily. As a result of our journey, we based his work theoretically upon a possible prospective interpretation in our own readings, for the purpose of contributing to give light to new paths and to make a difference in the renovation of the manner in which Cruz e Sousa’s work is interpretated

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:11:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1728635 bytes, checksum: 5b70f00835d0beed3f3f48bf337b3971 (MD5) Previous issue date: 2011-06-16
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
Ce travail de réflexion apporte la pensée de Gaston Bachelard, penseur perspicace et infatigable dans ses recherches philosophiques. Il a vécu l'une des périodes les plus tumultueuses de la science, les années post-révolution einsteinienne. Cependant, Bachelard comprendre que cet événement représente un mouvement inhérent à la connaissance scientifique, qui doit être construit sur des corrections constantes et des approximations. Bachelard reconnaît que la connaissance est développé sous la dynamique de l imagination créatice, qui entraîne également la dynamique de la création artistique. Par conséquent, la pensée bachelardienne considère la vieille dichotomie entre la science et l'art manque de validité. L'activité scientifique et l'activité artistique peuvent harmoniser eux-mêmes, tout en préservant leurs différences constitutives, puisque les deux sont formées avec l'aide de la rêverie créatrice, la capacité originaire de dépasser et d élargir la realité, aussi bien, la possibilité de création radicalement nouvelle. Ainsi, par la lecture du travail philosophique de Bachelard, des écrits épistémologiques et des écrits de la poésie, on comprend comme l'imagination créatrice peut mantenir d'activité de l'homme diurne ou l'homme nocturne, un seul homme qui pense pendant qu il rêve et qui rêve pendant qu il pense.
Este trabalho reflexivo trata do pensamento de Gaston Bachelard, pensador arguto e incansável em suas investigações filosóficas. Ele viveu um dos períodos mais tumultuados para a ciência, os anos pós-revolução einsteiniana. Bachelard, porém, compreende que este evento representa um movimento inerente ao próprio conhecimento científico, que deve ser construído mediante constantes retificações e aproximações. Bachelard reconhece que o conhecimento se desenvolve sob a dinâmica originária da imaginação criadora, dinamicidade que também anima a criação artística. Nesse sentido, o pensamento bachelardiano considera a antiga dicotomia ciência e arte sem validade. A atividade científica e a atividade artística podem se harmonizar, ainda que preservando suas diferenças constitutivas, porquanto ambas se formam com o concurso do devaneio criador, capacidade de superar e de ampliar a realidade, bem como, possibilidade de criar o radicalmente novo. Assim, mediante a leitura da obra filosófica de Bachelard, os escritos epistemológicos e os escritos da poética, compreendemos como a imaginação criadora sustém quer a atividade do homem diurno quer a do homem noturno, um único e mesmo homem que pensa enquanto devaneia e devaneia enquanto pensa.

A presente dissertação busca situar o pensamento de Hölderlin em relação à filosofia do idealismo alemão, na maneira pela qual propõe uma solução poética para algumas questões levantadas pela filosofia de seu tempo. Partindo da mesma exigência de reunir sujeito e objeto em um fundamento absoluto, o poeta procura um princípio unificador que supere as cisões deixadas pela filosofia crítica em uma reflexão que desloca de maneira original as noções e conceitos de Kant e Fichte. Ao apontar, em seu fragmento Juízo e Ser, o caráter cindido da operação do juízo e os pressupostos da consciência e da identidade, Hölderlin se move da noção de eu absoluto fichteana para um fundamento concebido enquanto ser, anterior a toda divisão entre sujeito e objeto; as consequências desse deslocamento sinalizam os limites da filosofia em suas posturas teórica e prática. Essa reflexão filosófica tem um exemplar desenvolvimento em seu romance Hipérion ou o Eremita na Grécia, o qual mobiliza todas essas questões em uma expressão estética. Acompanhando o percurso do protagonista em suas tentativas de recuperar uma Grécia harmoniosa, revelam-se as consequências e limites desse projeto de pensamento. Se o saldo do romance parece negativo, ele chama a atenção, no entanto, para uma reconsideração daquela intuição original do fragmento e para a compreensão da operação formal e poética da obra enquanto verdadeiro espaço de efetivação do projeto hölderliniano. Em um complexo processo de estratificação temporal que relaciona o tempo vivido com o tempo narrado, é a recordação que se revela cerne da atividade poética de Hölderlin, por sua capacidade de mobilizar aqueles conteúdos negativos em uma perspectiva positiva, reunindo os momentos particulares do passado em um todo infinito. Realçada na escolha do autor pela forma romanesca, tangenciando a vivacidade do romance epistolar com a distância narrativa do Bildungsroman, essa significação infinita do finito oferece uma original compreensão para os problemas da filosofia do idealismo alemão através da via estética. Desse modo, o romance Hipérion acompanha a realização poética de um projeto filosófico junto à fundamentação filosófica da poesia de Hölderlin, encontrando um vislumbre da totalidade a partir da finitude e da condição cindida da modernidade.
This thesis intends to situate Hölderlins thinking in relation to the philosophy of German Idealism, in the way which it proposes a poetic solution to some questions raised by the philosophy of his time. Starting from the same demand of reuniting subject and object in an absolute ground, the poet searches for a unifying principle capable of overcoming the divisions left by critical philosophy, in a meditation that dislocates notions and concepts from Kant and Fichte in an original way. Pointing in his fragment Judgment and Being to the divided character of judgment and the presuppositions of conscience and identity, Hölderlin moves from the Fichtean notion of an absolute I to a ground conceived as being, prior to any division between subject and object; the consequences of this dislocation indicate the boundaries of philosophy in its theoretical and practical dispositions. This philosophical meditation has an exemplary development in his novel Hyperion or The Hermit in Greece, which mobilizes all these questions in an aesthetic expression. By following the leading character in his tries to recover a harmonious Greece, he recognizes the consequences and limits of this project of thought. If the outcome of the novel seems negative, it however calls for a reconsideration of that original intuition in the fragment and of a comprehension of the formal and poetic operation of the work as the real place where Hölderlins project is put into action. In a complex process of temporal stratification that relates lived time with narrated time, it is recollection that reveals the core of Hölderlins poetic activity, in its capacity to mobilize those negative contents in a positive perspective, assembling the particular past moments in an infinite whole. Accentuated by the authors choice of the novel, tangent to the vivacity of the epistolary novel and to the narrative distance of Bildungsroman, this infinite meaning of the finite offers an original comprehension to the problems of German Idealism by means of an aesthetic path. Therefore, Hyperion follows the poetic accomplishment of a philosophical project together with the philosophical grounding of Hölderlins poetry, finding a glimpse of totality that arises from finitude and from the divided condition of modern age.

Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq
The relation “I-world-man” is the synthesis of a metaepic trilogy that ontologically part of the word, goes to the poem, arrives to the three mentioned pillars and follows towards the eternity of artworks. Therefore, in view of the epic revival, and under the aegis of an aesthetic, stylistic and structural approach which aims to observe the conception of art in postmodernity, we intend to address some aspects related to the creation of the epic poems of Waldemar José Solha – Trigal com Corvos (2004), Marco do Mundo (2012) and Esse é o Homem: Tractatus Poético-Philosophicus (2013) –, in that, through this study, we can elucidate the filiation of the works to the postmodernist trend in attainment of an epic project whose headquarters is in the preparation of metaepics. Therefore, besides bibliographic search, we propose a comparative analysis of the books that compose the solhian trilogy, to describe the idiosyncrasies of each, and also similarities and differences between them, in order to, thus, we achieve a holistic approach based on five aspects: the metalanguage and the myth of literary creation; the presence epic; the straight-referencing; the autobiographical feature and, lastly, the interartistic dialogue. In this sense, this research part of a triple theoretical and critical line: studies about Art and Aesthetics, such as Aristóteles (1973), Baudelaire (1993), Hegel (2004) and Kant (2010); about postmodernism and postmodernity, such as Jameson (1996), Santos (2001), Lourenço (2002), Lyotard (2009), Lipovetsky & Serroy (2011) and Hall (2011), and also about the epic, such as Bowra (1945), Pollmann (1973), Madelénat (1986), Silva (1987), Silva (2007), Neiva (2009) and Ramalho (2007; 2013). Through research, we noted the update or the absence of categories and composition plans in the epics, besides the evident theme centering in poetic composition made myth; there is also the presence of graphics mechanisms; the profusion of referenced elements that allows several cataloging; the union between experiential world and the encyclopedic knowledge; ultimately, the self, the world and the man are, here, interconnected spheres, tied for poetry, for the events and facts, and expressing the fullness cosmos: word to the universe, from being to do and to be.
A relação “eu-mundo-homem” é a síntese de uma trilogia metaepopeica que ontologicamente parte da palavra, vai até o poema, chega aos três pilares citados e segue na direção da eternidade das obras de arte. Diante disso, na perspectiva do revivalismo épico, ou melhor, sob a égide de uma abordagem estética, estilística e estrutural que visa a observar a concepção de arte na pós-modernidade, objetivamos abordar alguns recursos ligados à criação dos poemas épicos de Waldemar José Solha – Trigal com Corvos (2004), Marco do Mundo (2012) e Esse é o Homem: Tractatus Poético-Philosophicus (2013) –, na medida em que, através deste estudo, poderemos elucidar a filiação das obras à tendência pós-modernista na consecução de um projeto épico cuja matriz se encontra na elaboração de metaepopeias. Para tanto, além de pesquisa bibliográfica, propomos uma análise comparativa entre os livros que formam a trilogia solhiana, para descrevermos as idiossincrasias de cada um, bem como as semelhanças e diferenças entre eles, para, com isso, chegarmos a uma abordagem holística fundamentada em cinco aspectos: a metalinguagem e o mito da criação literária; a presença épica; a hétero-referenciação; o caráter autobiográfico e, por fim, o diálogo interartístico. Nesse sentido, a presente pesquisa parte de um viés teórico-crítico tríplice: estudos sobre Arte e Estética, como os de Aristóteles (1973), Baudelaire (1993), Hegel (2004) e Kant (2010); sobre pós-modernismo e pós-modernidade, como os de Jameson (1996), Santos (2001), Lourenço (2002), Lyotard (2009), Lipovetsky & Serroy (2011) e Hall (2011), e também sobre o épico, como os de Bowra (1945), Pollmann (1973), Madelénat (1986), Silva (1987), Silva (2007), Neiva (2009) e Ramalho (2007; 2013). Por meio da pesquisa, pudemos notar a atualização ou a inexistência de categorias e planos de composição nas epopeias de Solha, além do evidente centramento temático na tessitura poética tornada mito; há, ainda, a presença de recursos gráficos; a profusão de elementos referenciados que permite várias catalogações; a união entre o mundivivencial e o conhecimento enciclopédico; enfim, o eu, o mundo e o homem, aqui, são esferas interligadas, atadas pela poesia, pelos eventos e fatos, e que expressam a totalidade do cosmos: da palavra ao universo, do ser ao fazer e ao existir.

Orientador: Luzia Margareth Rago
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
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Resumo: Esta pesquisa tem por objetivo mapear as trajetórias de vida e as produções musicais de Alice Ruiz, Alzira Espíndola, Tetê Espíndola e Ná Ozzetti, compositoras que residem atualmente em São Paulo e que participaram do momento musical denominado, pela imprensa paulistana, de ¿Vanguarda Paulista¿. Num trabalho com a memória, busca pensar como se produz a subjetividade dessas artistas; como são criadas suas canções em parcerias e como se exprimem as relações de gênero na composição musical. Também indaga sobre a dimensão feminina no fazer artístico, na tentativa de decifrar especificidades na criação poética e musical das mulheres. O trabalho se referencia pelos conceitos de genealogia, estética da existência e modos de subjetivação formulados por Michel Foucault, aproximando-os dos debates sobre as relações de gênero, em especial nas concepções de Joan W. Scott, Luce Irigaray e Rosi Braidotti
Abstract: The purpose of this research is to map the life trajectories and the musical productions of Alice Ruiz, Alzira Espíndola, Tetê Espíndola and Ná Ozzetti, composers who presently live in São Paulo and that have taken part in the musical moment named ¿Vanguarda Paulista¿ by the São Paulo press. Working with the records, it seeks to discern how the subjectivity of those artists is produced, how were created their songs in partnership and how the gender relations are expressed in musical composition. It also inquires about the feminine dimension in the artistic construction, trying to guess the specificities in women¿s poetic and musical creation. The references of the dissertation are the concepts of genealogy, esthetics of the existence and subjectivation modes set forth by Michel Foucault, putting them near the discussion about the gender relations, particularly in the conceptions of Joan W. Scott, Luce Irigaray and Rosi Braidotti
Mestrado
Historia Cultural
Mestre em História

Submitted by JULIANO RABELLO null (julianofilosofia@gmail.com) on 2017-10-04T22:24:50Z No. of bitstreams: 1 VERSÃO FINAL DISSERTAÇÃO.pdf: 893622 bytes, checksum: 31a3607ce7d36ceb2ccf55ea9d2483de (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
A presente dissertação tem por objetivo abordar o tema da arte em Martin Heidegger. Ligada à questão da essência da verdade, a reflexão heideggeriana sobre a obra de arte se elabora a partir de uma retomada da expressão grega alétheia. A fim de apresentar tal noção como uma intuição fundamental que orientará o percurso filosófico de Heidegger, nossa investigação perpassa os desenvolvimentos da “Ontologia Fundamental” de Ser e Tempo (1927) ao contexto da viragem (Kehre) de seu pensamento (1930), onde se situa o tema da arte. Nesta direção, procuramos abordar nos textos estudados, como Heidegger desenvolve suas reflexões acerca desse tema, principalmente no ensaio A origem da obra de arte (1935-36), onde o filósofo nos apresenta, juntamente com a questão da essência da linguagem e da poesia, as noções diretrizes de sua concepção ontológica da obra de arte, que por sua vez, diverge das teorias tradicionais da Estética Filosófica.
The present dissertation aims to approach the theme of art in Martin Heidegger. Linked to the question of the essence of truth, the heideggerian reflection on the work of art is elaborated from a resumption of the Greek expression alétheia. In order to present such a notion as a fundamental intuition that will guide Heidegger's philosophical route, our investigative path runs through the developments of the "Fundamental Ontology" of Being and Time (1927) to the context of the turning (Kehre) of his thinking (1930), where the theme of art lies. In this direction, we try to approach in the texts studied, as Heidegger elaborates his reflections on this theme, mainly in the essay The Origin of the Work of Art (1935-36), where the philosopher presents us, together with the question of the essence of language and poetry, the guiding notions of his ontological conception of the work of art, which in turn, diverges from the traditional theories of Philosophical Aesthetics.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2017-05-11T19:31:48Z No. of bitstreams: 1 jacksonleocadiodasilva.pdf: 4558209 bytes, checksum: 152c56fc8c6097c01c8bdbd30a4ce68d (MD5)
Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-05-17T15:23:09Z (GMT) No. of bitstreams: 1 jacksonleocadiodasilva.pdf: 4558209 bytes, checksum: 152c56fc8c6097c01c8bdbd30a4ce68d (MD5)
Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-05-17T15:23:27Z (GMT) No. of bitstreams: 1 jacksonleocadiodasilva.pdf: 4558209 bytes, checksum: 152c56fc8c6097c01c8bdbd30a4ce68d (MD5)
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CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
A presente dissertação tem como objetivo central a compreensão da estética particular da obra de William Blake (1757 – 1827), caracterizada por uma combinação de visualidade e discurso místico. Como Blake era um poeta-gravurista, o casamento entre texto e imagem é o aspecto mais notável das páginas que compunha através da sua técnica peculiar de impressão. As devidas análises serão feitas a partir de uma determinada seleção de obras compostas pelo poeta, levando-se em conta a sua filosofia particular, estabelecida em O casamento do céu e do inferno (1790), e a sua própria mitologia, cuja amostra é representada por uma tríade de poemas que podemos chamar de ―os livros de Urizen‖: O primeiro livro de Urizen (1794), O livro de Ahania (1795) e O livro de Los (1795). Serão analisadas não apenas passagens de seus poemas, mas também determinadas imagens destacadas desses poemas, tanto na categoria das ilustrações quanto na categoria das iluminuras. As discussões teóricas abordarão os seguintes tópicos: a noção de profecia como gênero literário, a relação entre o discurso blakiano e as heresias gnósticas, as particularidades da iconofilia blakiana, a tensão entre monismos e dualismos na obra de Blake, assim como a filiação do poeta à tradição dos pensadores místicos e sua relação com a própria tradição literária. O eixo conceitual em torno do qual se desenvolve esta dissertação está na chamada Bíblia do Inferno, ideia satírica que o poeta-gravurista concebeu como um símbolo estético de sua própria postura em relação aos moralismos religiosos.
The central goal of the present dissertation is to understand the particular aesthetics of the works composed by William Blake (1757 – 1827), characterized by a combination of visuality and mystical discourse. As Blake was a poet-engraver, the marriage of text and image is the most remarkable aspect of the pages he composed through his peculiar printing technique. The proper analyses will be carried out from a specific selection of Blake‘s works, considering his particular philosophy, established in The Marriage of Heaven and Hell (1790), and his own mythology, whose sample is represented by a trio of poems that we can call ―the books of Urizen‖: The First Book of Urizen (1794), The Book of Ahania (1795) and The Book of Los (1795). Not only passages from his poems will be analyzed, but also specific images from these poems will be examined, both illustrations and illuminations. The theoretical discussion will approach the following topics: the notion of prophecy as a literary genre, the relationship between the Blakean discourse and the Gnostic heresies, the particularities of the Blakean iconophilia, the tension between monism and dualism in Blake‘s work, as well as the affiliation of the poet to the tradition of mystical thinkers and his relation to the literary tradition itself. The conceptual axis around which this dissertation will be developed is the so-called Bible of Hell, a satirical idea conceived by the poet-engraver as an aesthetic symbol of his own posture towards the religious morality.

Programa de Pós-Graduação em Filosofia. Departamento de Filosofia, Instituto de Filosofia, Artes e Cultura, Universidade Federal de Ouro Preto.
Submitted by Oliveira Flávia (flavia@sisbin.ufop.br) on 2014-11-07T19:51:16Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 22190 bytes, checksum: 19e8a2b57ef43c09f4d7071d2153c97d (MD5) DISSERTAÇÃO_ImagensModernidadeProjeto.pdf: 946354 bytes, checksum: 7891701acff5462b132bb408a16d350c (MD5)
Rejected by Gracilene Carvalho (gracilene@sisbin.ufop.br), reason: a pedido on 2014-11-10T15:15:36Z (GMT)
Submitted by Oliveira Flávia (flavia@sisbin.ufop.br) on 2014-11-10T17:06:46Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 22190 bytes, checksum: 19e8a2b57ef43c09f4d7071d2153c97d (MD5) DISSERTAÇÃO_ImagensModernidadeProjeto.pdf: 911322 bytes, checksum: f1a38398300513496b74046f0bc9e648 (MD5)
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Este trabalho consiste na investigação do conceito de modernidade no Projeto das Passagens de Walter Benjamin (2009), com ênfase no arquivo temático “J - Baudelaire”. Mostraremos, com o desenvolvimento da dissertação, como Benjamin preenche o seu mosaico imagético sobre a modernidade. Entre as imagens recolhidas pelo filósofo nos diversos arquivos temáticos do Projeto das Passagens, tomaremos duas como representantes das principais configurações do conceito benjaminiano de modernidade, a saber, a imagem de Paris como a metrópole moderna e a imagem do poeta francês Charles Baudelaire, ambas consideradas em um viés que prioriza a constituição alegórica da modernidade em Benjamin. ____________________________________________________________________
ABSTRACT: This work consists in the investigation of the modernity concept in the Project of Walter Benjamin’s (2009) Passagens, with emphasis on the thematic archive “J-Baudelaire”. We will show, with the development of this thesis, how Benjamin fills in his image mosaic about modernity. Between the images collected by the philosopher in the diverse thematic archives of the Project of Passagens, we will take two as representative of the main configuration of the concept of modernity, namely, the image of Paris as the modern metropolis and the image of the French poet Charles Baudelaire, both considered by the bias that prioritize the allegorical constitution of the Benjaminian modernity.

O romantismo literário brasileiro conseguiu fabricar um modelo de índio civilizado despido de suas características reais, mas quase nada falou sobre as populações africanas, houve um longo silêncio sobre as etnias negras que povoavam o Brasil\" (ORTIZ, 2003: 19). Por isso, optamos por estudar analiticamente a obra Primeiras trovas burlescas de Getulino, do ex-escravo, escritor, abolicionista, jornalista e advogado Luiz Gama, levando em conta como o eu-lírico qualifica o negro, o mestiço, o mulato e o branco por meio de características ou de ações, e quais são os valores a atribuídos a esses grupos étnicos. Análise que nos lembra a importância da relação entre a mensagem e a imagem que se produz literariamente, já as qualificações (atributos e valores) apresentadas vêm ligadas à uma série de fatores dotados de significados próprio originando uma valorização humanitária peculiar, que leva em conta certas pretensões que podem ser sociais e históricas e desvelam acontecimentos e motivações que vão ao encontro de concepções que geram o que cita David Haberly: \"The multiracial character of Brazilian literary history, however, goes far beyond genetics. As we shall see, much of Brazil\'s literature has been preoccupied with an anguished search for a viable racial identity - a search that has been both personal and national in scope.\" (HABERLY, 1983: 2)
Literary Romanticism Brazilian managed to make a model of civilized Indian stripped of their actual characteristics. On the other hand, said nothing about the African population, there was a long silence on the ethnic black that filled the Brazil \"(Ortiz, 2003: 19), so we chose to study analytically the work Primeiras trovas burlescas de Getulino, of the former slave, writer abolitionist, journalist and lawyer Luiz Gama, taking into account how the I-lyric describes the black, mestizo and mulatto through features or activities, and what are the values assigned to them. Analysis reminds us of the importance of the relationship between the message and the image is produced literally, as the skills (attributes and values) presented are linked to a number of factors endowed with meaning itself leading to a recovery humanitarian peculiar, which takes into account certain claims which may be social, historical and uncover the events and motivations that are in harmony with concepts that generate citing David Haberly: \"The multiracial character of Brazilian literary history, however, goes far beyond genetics. As we shall see, much of Brazil\'s literature has been preoccupied with an anguished search for a viable racial identity - a search that has been both personal and national in scope. \"(Haberly, 1983: 2)

En aquesta tesi doctoral es presenta un comentari estètic del cant 11 de l’Odissea a partir de la perspectiva de la referencialitat tradicional, que defensa que és en la mateixa tradició èpica— això és, en els elements tradicionals i en les connotacions immanents que cadascun d’ells tenen associades— on s’ha de cercar el punt de referència respecte del qual es construeix el joc al·lusiu, referencial, en les tradicions poètiques de naturalesa oral. Així, el comentari es basa en l’’estudi d’’un total de 126 elements tradicionals de diversa natura —expressions formulars, motius, escenes típiques, patrons narratius, etc.— presents en l’episodi de la Nekyia, a fi de conèixer-ne els valors immanents tradicionals, i estudiar el paper que aquestes connotacions tradicionals tenen en la composició i recepció estètiques de l’episodi. A nivell metodològic, segueix la proposta del comparatista nord-americà John Miles Foley, aplicada per l’estudiós Adrian Kelly en el seu comentari referencial del cant 8 de la Ilíada: 1) identificació i definició dels elements tradicionals del cant; 2) recollida dels passatges homèrics —i eventualment de la resta de poesia èpica grega d’època arcaica, això és dels Himnes homèrics i dels poemes del Cicle èpic— que presenten cadascun dels elements tradicionals; 3) anàlisi de l’element analitzat en tots i cadascun dels contextos en què apareix, per tal de conèixer el valor immanent que té en el si de la tradició èpica; i finalment 4) estudi dels efectes estètics que provoquen els valors immanents tradicionals en els respectius contextos que s’han pres en consideració, sobretot en les aparicions que té en l’episodi de la Nekyia. El treball s’estructura en cinc grans blocs: introducció, text amb aparat referencial, lèxic d’elements tradicionals, comentari, i conclusions. En la introducció es presenta l’objecte de la investigació, s’exposa el seu marc teòric i metodològic —la teoria de la referencialitat tradicional—, es detallen els principis estètics de la poesia oral, es descriu la importància de la Nekyia en el poema de l’Odissea, i es donen les indicacions pertinents per poder comprendre I utilitzar el lèxic i el comentari referencials. El segon apartat el compon el text del cant 11 de l’Odissea acompanyat d’un aparat referencial que relaciona el text homèric amb les entrades del lèxic d’elements tradicionals, alhora que funciona com a guia per al comentari. El tercer apartat conté el lèxic referencial amb els elements tradicionals de l’episodi, amb entrades individuals per a cadascun d’ells (més d’un centenar, en total); les entrades consten, d’una banda, de la llista dels passatges de l’èpica grega d’època arcaica en què apareix l’element i, de l’altra, de l’anàlisi del seu valor immanent i del seu ús particular en els passatges analitzats. En el quart apartat, en forma de comentari, es presenten els resultats de la investigació aplicats a l’episodi de la Nekyia, posant en relació uns elements tradicionals amb els altres i observant l’ús que el poeta fa dels seus valors immanents i com aquest ús condiciona la recepció de l’episodi per part d’una audiència coneixedora de la xarxa referencial de la tradició. Finalment, el treball es tanca amb un apartat de conclusions, centrades en tres aspectes: en primer lloc, a propòsit del que l’estudi a partir d’aquesta teoria ens pot aportar respecte de qüestions com l’estructura, les funcions i els objectius de la Nekyia no només en el context dels Apòlegs sinó també nivell de l’Odissea; en segon lloc, respecte de la metodologia utilitzada, especialment en relació amb les dificultats que planteja l’estudi del valor referencial, immanent, dels elements tradicionals, així com algunes propostes per a superar-les; i en tercer i últim lloc, a l’entorn de la relació de la teoria de la referencialitat amb altres propostes teòriques que cerquen una resposta a les mateixes qüestions, com la interformularitat, la hipertextualitat o l’art al·lusiva. El treball es completa amb un apartat de referències bibliogràfiques i amb una sèrie d’índexs (d’elements i de passatges) que han de facilitar la consulta de la investigació.
This doctoral thesis presents an aesthetic commentary on Odyssey 11 from the perspective of traditional referentiality. It is based on the study of 126 traditional elements of diverse nature —formular expressions, motifs, typical scenes, narrative patterns, etc.— attested in the episode, in order to know the traditional immanent values from each of them, and to study the role that traditional connotations play in the aesthetic composition and reception of this episode. It follows the methodological proposal of John Miles Foley, which was applied by Adrian Kelly in his referential commentary on Iliad 8: 1) identifying and defining the traditional elements; 2) collecting the Homeric passages —and eventually those of the Homeric Hymns or the Epic Cycle— containing each traditional element; 3) analysing the element in the contexts in which it is attested, in order to know its immanent value in the epic tradition; 4) studying the aesthetic effects caused by these traditional immanent values in their respective contexts. The results of the research are distributed in three chapters: in the referential lexicon, which contains the study of the traditional referentiality of the 126 elements; in the commentary on the song, in which the aesthetic reception that it had by its contemporary audience is reconstructed; and in the conclusions, which revolve about three aspects: the Nekyia episode, the methodology, and the theoretical perspective in which the research is framed. Regarding the first one, the research contributes to better explain the relation between this episode and the Apologoi, and its main goal: to praise Odysseus as a hero and as a singer, internally in order for the Phaeacian to accept escorting him to Ithaca, and externally to clean the hero’s image and to valorise the heroism he embodies; regarding the research methodology and theoretical frame, the research proves the methodological and theoretical validity of traditional referentiality, while proposing some methodological adjustments and contemplating the theoretical possibility of different kinds of allusivity coexisting in the Homeric poems.

El objetivo central de este estudio de casos exploratorio ha sido conocer experiencias y respuestas a la poesía de alumnos de secundaria en su contexto escolar. Esto con el fin de aportar evidencias y conocimientos que puedan beneficiar la educación literaria gestionada desde la escuela. En concreto, se ha buscado entender los procesos socioculturalmente mediados de construcción de significado para la poesía, incluida su experiencia estética. Lo que hemos abordado con una mirada sociocultural, informada por la Teoría de la Actividad Histórico-Cultural (Vygotsky 1978; 1980; 1997) y el Dialogismo de Bajtin (1981; 1994), pero fundamentalmente en acuerdo con los postulados de la Teoría Transaccional de la Literatura (Rosenblatt, 1968, 1978, 2004). Se han establecido también conexiones con los hallazgos de los estudios empíricos de la literatura (Harker, 1994; Miall, 2006a, 2006b; Peskin, 2010; Tsur, 2000, 2002). La investigación, centrada en cinco estudiantes de cuarto de ESO, fue realizada en una clase de Lengua castellana y literatura en una escuela pública de la provincia de Barcelona e incluyó las respuestas de los alumnos tanto a la poesía escrita como a la visual. Se usaron métodos cualitativos con aproximación etnográfica para recoger, generar y analizar los datos. Los resultados muestran que los alumnos van construyendo sentidos para los poemas y para las actividades de lectura transando con los textos en diálogos con otras personas y con ellos mismos. En sus transacciones con los textos, la experiencia emocional, las expectativas de significado y las características distintivas de los textos poéticos, especialmente la desviación (Fowler, 1996; Hanauer, 2004; Miall, 2006b; Widdowson, 1992), se plantean como oportunidades de aprendizaje literario que pueden contribuir, también, al desarrollo cognitivo y social del alumno. Las dificultades experimentadas por los lectores muestran la importancia de la mediación externa. Los resultados también sugieren que las actividades de escritura contribuyen a generar interés por la poesía y por los aprendizajes literarios. No obstante, además de lo anterior se observó que las prácticas escolares muchas veces entraban en conflicto con la vivencia de la poesía y que los repertorios diversos de los alumnos no parecían convocarse en igualdad de condiciones para todos. Por último, los resultados de este estudio han hecho posible que se propongan códigos y categorías para la observación y el análisis de las respuestas a la poesía en contextos escolares.
The main purpose of this exploratory collective case study has been to learn about high school students' responses to poetry. The goal has been to provide useful evidence and knowledge to literary education within the school system. Particularly, we have aimed to understand students' meaning-making processes, including their aesthetic experience, and the individual and sociocultural aspects that make these processes possible. With a sociocultural perspective, this study draws mainly from Cultural-Historical Activity Theory (Vygotsky 1978; 1980; 1997) and Bakhtin's Dialogism (1981; 1994), but most importantly it draws from Reader-Response Theory (Rosenblatt, 1968, 1978, 2004). We have also established connections to the field of empirical studies of literature (Harker, 1994; Miall, 2006a, 2006b; Peskin, 2010; Tsur, 2000, 2002). The study focused on five 10th grade high school students and was conducted in a Spanish language and literature class in a public school in the province of Barcelona. It included both responses to written and visual poetry. Qualitative and ethnographic methods were used to collect, generate, and analyze the data. Our results show that students construct meaning for the poems and for the reading activities transacting with texts in dialogues with others and within themselves. In their transactions with texts, their emotional experiences, meaning expectations and response to distinctive poetry devices, (especially deviation, Fowler, 1996; Hanauer, 2004; Miall, 2006b; Widdowson, 1992) stand as opportunities for literary learning that can also contribute to cognitive and social development of students. On the other hand, the challenges faced by readers show the importance of external mediation. Our findings also suggest that writing activities support interest in poetry and literary learning. Nevertheless, school practices often interfered with the lived-through experience of poetry and the different students' backgrounds were not equally convened into the class activity. Finally, using the findings of this study, we propose codes and categories for the observation and analysis of responses to poetry in high school contexts.

The image of Water seems to be a major component among the elements that compose the Cantares de perda e predileção [Songs of loss and predilection] (1983), by Hilda Hilst. Whether as a central component of the poem metaphor or a splash of discreet presence, the Water element makes the book a wealth of meanings. We extract from this book for analysis the treatments granted to Desire and Time. In the first case, we see an opaque water, gleaming anguish and loneliness in a song that is predestined to stop its search in the case of a successfully accomplishment. Although the specificity of each poem, the Water element receives nuances of vertigo common to individuals focused on water, as stated by Bachelard (1942). In the second case, we have a stream doomed to finitude, a condition that is one of the reasons for the thickness of Desire. Some songs show the despair of being-toward-death of Heidegger (1927), according to whom only the (potentially eternal) temporality of poetry seems to save, as says Alfredo Bosi (1977) commenting on the intersection of times (of the poetry and ours). At the confluence of these two analytic matrices - Desire and Temporality - we demonstrate how the plasticity promoted by the Water image recurrence favors the production of emotions in the reader, since, according to Octavio Paz (1956), Image is responsible both for recreating real contradictions and for destabilizing the alleged structural rationalism of our daily lives. For this, we especially use the concepts of perception and look of Merleau-Ponty (1960) and Georges Didi-Huberman (1992), respectively, to demonstrate how, in the act of reading, Language enables our perception to remain on the text and at the same time is changed by it, making completely unattainable to critical discourse the inexplicable subjectivity inherent to the aesthetic experience.
A imagem da água parece ser um dos principais componentes da matéria-prima de que se tecem os Cantares de perda e predileção (1983), de Hilda Hilst. Seja como elemento central da metáfora do poema, seja como respingo de presença discreta, o elemento aquático faz do livro um manancial de significações. Dele, extraímos para análise os tratamentos conferidos ao desejo e ao tempo. No primeiro caso, vemos uma água opaca, a reluzir angústia e solidão num canto predestinado a cessar caso a busca se sacie. Apesar das particularidades de cada poema, o elemento aquático ganha nuances da vertigem comum aos indivíduos voltados à água, como afirma Bachelard (1942). No segundo caso, temos um fluxo fadado à finitude, condição que é uma das razões da espessura do desejo. Alguns cantares dão a ver o desespero do ser-para-a-morte de Heidegger (1927), a quem apenas a temporalidade da poesia (potencialmente eterna) parece salvar, a exemplo do que afirma Alfredo Bosi (1977) ao comentar o encontro dos tempos (o dela e o nosso). Na confluência dessas duas matrizes analíticas – o desejo e a temporalidade – buscamos demonstrar como a plasticidade promovida pela recorrência da imagem da água favorece a produção de afetos no leitor, uma vez que o elemento imagético é, segundo Octavio Paz (1956), um poço de contradições recriadoras do real e responsáveis por desestabilizar o racionalismo pretensamente estruturante de nosso dia a dia. Para isso, recorremos principalmente aos conceitos de percepção e de olhar de Merleau-Ponty (1960) e de Georges Didi-Huberman (1992), respectivamente, para demonstrar como, no ato de leitura, o estatuto da linguagem ali movimentada possibilita que a nossa percepção se incruste no texto e ao mesmo tempo seja por ele alterada, tornando inalcançável de todo ao discurso crítico a inexplicável subjetividade inerente à experiência estética.

Orientador: Luzia Margareth Rago
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-16T14:52:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Murgel_AnaCarolinaArrudadeToledo_D.pdf: 2219053 bytes, checksum: c9fbf64042901c7f9af7533dd0171f5b (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: Esta pesquisa focaliza o trabalho artístico da poeta e compositora Alice Ruiz, buscando compreender como se dá a construção de sua subjetividade através de sua experiência e práticas estéticas. A proposta é fazer o levantamento e análise histórica dos textos feministas da poeta, assim como de seus poemas e letras de canções utilizando as categorias gênero, estéticas da existência, subjetividade e poética feminista. O trabalho se norteia metodologicamente pelas concepções da filosofia da diferença, em especial no pensamento de Michel Foucault e nos debates de gênero.
Abstract: This research focuses on the artistic work held by the poet and composer Alice Ruiz, trying to comprehend the ways of construction of her subjectivity through her self aesthetics practices and experience. I aim at investigating and analyzing of the poet's feminist writings, as also her poems and music lyrics, using such categories as gender, aesthetics of existence, subjectivity and feminist poetic. The work is methodologically guided by the conceptions of the philosophy of difference, in special on the thoughts of Michel Foucault and in the debates on gender.
Doutorado
Historia Cultural
Doutor em História

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:00:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000432764-Texto+Completo-0.pdf: 770576 bytes, checksum: 62d00ba0d75eadb7438cb95b051a9c3c (MD5) Previous issue date: 2011
Ce travail est une analyse du Poema sujo (“Poème sale” - 1976) de Ferreira Gullar, à partir d’un approche herménéutique qui soutien la thèse selon laquelle sa valeur esthétique est un signe de son engagement politique. Cette thèse conçoit ce Poème en tant qu’un résultat des expérimentations politiques et esthétiques vécues par le poète. L’originalité et le caractère inaugural du Poème, en tant qu’oeuvre politico/esthétique, découlent du fait que, loin des autres cas qui peuvent être conçus de la même façon, le Poema sujo est elaboré à partir des mémoires d’un sujet historique qui s’insère dans le langage de façon fictive, en prennant le passé en tant qu’instant présent. Par cette action, la mémoire particulière du poete est une identification avec un peuple en tant que réalité historique tangible, et, par conséquant, éternise sa propre existence. Cette synthèse aboutit dans une oeuvre poèthique qui s’écarte d’un compromis politique mineur, bien ainsi que des transes linguistiques dans lesquels se sont soumis des poètes partout dans le monde, tout en effectuant un amalgame d’idée et du langage qui érigent le Poema sujo à la condition d’un moment majeur de l’art contemporaine brésiliènne. fre
Este trabalho aborda o Poema sujo (1976), de Ferreira Gullar, a partir de uma análise hermenêutica que sustenta a tese de ser o seu valor estético tão fundamental quanto o seu teor político. Esta tese concebe o Poema como resultado das experimentações políticas e estéticas pelas quais o poeta passou. A originalidade e o caráter inaugural deste trabalho consistem na visão posta sobre o Poema como obra político/estética que, longe de outros casos que podem ser caracterizados de igual forma, é elaborado a partir da memória de um sujeito histórico que se insere de forma ficcional na linguagem, tomando o passado como instante presente. Por este ato, a memória particular do poeta é uma identificação com um povo compreendido como realidade histórica tangível, e, consequentemente, uma eternização de sua própria existência. Essa síntese resulta numa obra poética que se distancia do mero comprometimento político e dos transes linguísticos nos quais imergiram poetas do mundo inteiro, e, ao mesmo tempo, efetua um amalgamento de ideia e linguagem que torna o Poema sujo um momento especial na arte contemporânea brasileira.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:32:44Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-03-05Bitstream added on 2014-06-13T19:03:17Z : No. of bitstreams: 1 gama_cb_dr_arafcl.pdf: 1128304 bytes, checksum: 6a79d9cd03559b25c1b99c89daee9bee (MD5)
Le but principal de ce travail est d’aborder la création poétique de deux auteurs portugais singuliers, dans la collection Novo Cancioneiro: Carlos de Oliveira et João José Cochofel. Au moyen d’une recherche synchronique, l’étude fait attention aux procédés utilisés avec fréquence dans les recueils poétiques du groupe néoréaliste, qui exposent une poétique dans laquelle les traits sont plus circonstanciels et propagandistes qu’esthétiques. D’autre part, la thèse montre que les oeuvres d’Oliveira et Cochofel sont des cas différents dans ce contexte. Le premier, Oliveira, a écrit de nouveau Turismo, de 1942, où il n’a fait que preserver ce qui, dans la première édition, était essentiellement lyrique (des images, des métaphores, la vision synthétique du monde), éliminant radicalemente ses élements engagés. L’approche de ce recueil a, donc, une double fonction: celle d’analyser l’adhésion du poète au groupe de gauche et à sa dissidence et, en même temps, celle de montrer les élements esthétiques les plus forts qui sont déjà dans son oeuvre à ses débuts. Elle doit montrer aussi comment ses élements ont été profités de nouveau dans une poésie différente de celle qui était engagéé idéologiquement. L’étude de l’oeuvre de João José Cochofel publiée dans le Novo Cancioneiro veut montrer qu’il est un poète singulier et majeur dans le groupe néoréaliste, parce que sa lyrique s’éloigne des élements qui existent dans un type de “rhétorique néoréaliste”. La différence qu’on découvre dans l’auteur de Sol de agosto est, surtout, dans les procédés poétiques qu’il utilise, qui donnent profondeur à ses poèmes et les rendent plus universels, en opposition à uns discours militant et daté
A maior finalidade do presente trabalho é abordar a criação poética de dois autores portugueses singulares na coleção Novo Cancioneiro: Carlos de Oliveira e João José Cochofel. Fazendo uma investigação sincrônica, a pesquisa atenta para recursos usados com recorrência nas coletâneas poéticas do grupo neo-realista, delineando uma poética de tons mais circunstanciais e panfletários do que estéticos. Em contrapartida, a tese aponta que as criações de Oliveira e Cochofel são casos diferentes dentro desse contexto. O primeiro, porque reescreveu Turismo, de 1942, preservando somente aquilo que, na primeira edição, era essencialmente lírico (imagens, metáforas, visão sintética do mundo) e eliminando radicalmente seus elementos engagés. A abordagem a essa coletânea tem, pois, dupla função: analisar a adesão do poeta ao grupo de esquerda e sua dissidência e, ao mesmo tempo, apontar os elementos estéticos mais fortes na obra do autor já presentes na coletânea de estréia, e como eles são reaproveitados em uma poesia de recorte distinto daquela ideologicamente comprometida. O estudo da obra de João José Cochofel publicada no Novo Cancioneiro defende que este é um poeta singular e maior no grupo neo-realista, porque sua lírica afasta-se dos elementos existentes em uma espécie de “retórica neo-realista”. A diferença do autor de Sol de agosto está, sobretudo, nos procedimentos líricos por ele utilizados, que dão profundidade aos seus poemas, tornando-os mais universais, em contraponto a um discurso militante e datado

Orientador: Guacira Marcondes Machado Leite
Banca: Fernando Manuel Cabral Martins
Banca: Paola Poma
Banca: Maria Heloísa Martins Dias
Banca: Márcia Valéria Zamboni Gobbi
Resumo: A maior finalidade do presente trabalho é abordar a criação poética de dois autores portugueses singulares na coleção Novo Cancioneiro: Carlos de Oliveira e João José Cochofel. Fazendo uma investigação sincrônica, a pesquisa atenta para recursos usados com recorrência nas coletâneas poéticas do grupo neo-realista, delineando uma poética de tons mais circunstanciais e panfletários do que estéticos. Em contrapartida, a tese aponta que as criações de Oliveira e Cochofel são casos diferentes dentro desse contexto. O primeiro, porque reescreveu Turismo, de 1942, preservando somente aquilo que, na primeira edição, era essencialmente lírico (imagens, metáforas, visão sintética do mundo) e eliminando radicalmente seus elementos engagés. A abordagem a essa coletânea tem, pois, dupla função: analisar a adesão do poeta ao grupo de esquerda e sua dissidência e, ao mesmo tempo, apontar os elementos estéticos mais fortes na obra do autor já presentes na coletânea de estréia, e como eles são reaproveitados em uma poesia de recorte distinto daquela ideologicamente comprometida. O estudo da obra de João José Cochofel publicada no Novo Cancioneiro defende que este é um poeta singular e maior no grupo neo-realista, porque sua lírica afasta-se dos elementos existentes em uma espécie de "retórica neo-realista". A diferença do autor de Sol de agosto está, sobretudo, nos procedimentos líricos por ele utilizados, que dão profundidade aos seus poemas, tornando-os mais universais, em contraponto a um discurso militante e datado
Résumé: Le but principal de ce travail est d'aborder la création poétique de deux auteurs portugais singuliers, dans la collection Novo Cancioneiro: Carlos de Oliveira et João José Cochofel. Au moyen d'une recherche synchronique, l'étude fait attention aux procédés utilisés avec fréquence dans les recueils poétiques du groupe néoréaliste, qui exposent une poétique dans laquelle les traits sont plus circonstanciels et propagandistes qu'esthétiques. D'autre part, la thèse montre que les oeuvres d'Oliveira et Cochofel sont des cas différents dans ce contexte. Le premier, Oliveira, a écrit de nouveau Turismo, de 1942, où il n'a fait que preserver ce qui, dans la première édition, était essentiellement lyrique (des images, des métaphores, la vision synthétique du monde), éliminant radicalemente ses élements engagés. L'approche de ce recueil a, donc, une double fonction: celle d'analyser l'adhésion du poète au groupe de gauche et à sa dissidence et, en même temps, celle de montrer les élements esthétiques les plus forts qui sont déjà dans son oeuvre à ses débuts. Elle doit montrer aussi comment ses élements ont été profités de nouveau dans une poésie différente de celle qui était engagéé idéologiquement. L'étude de l'oeuvre de João José Cochofel publiée dans le Novo Cancioneiro veut montrer qu'il est un poète singulier et majeur dans le groupe néoréaliste, parce que sa lyrique s'éloigne des élements qui existent dans un type de "rhétorique néoréaliste". La différence qu'on découvre dans l'auteur de Sol de agosto est, surtout, dans les procédés poétiques qu'il utilise, qui donnent profondeur à ses poèmes et les rendent plus universels, en opposition à uns discours militant et daté
Doutor

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Este trabalho tem por objetivo estudar obra poética simbolista de Pedro Kilkerry. A perspectiva de análise consiste em relacionar sua obra com fenômenos da Modernidade. Considerando a polissemia poética como algo ligado à ideologia capitalista de produção, discutimos teoricamente o ímpeto de quantificação do sentido na lírica de Kilkerry que, na verdade, parece assolar toda a literatura modernista. Assim, analisamos alguns de seus poemas observando, sobretudo, de que modo a forma ou a mímesis poética kilkerryana está engajada no aparelhamento da sociedade burguesa.
Esto estudio tiene por objectivo pesquisar el poeta del simbolismo brasileño Pedro Kilkerry. La perspectiva del análisis consiste en relacionar su obra poética con fenómenos de la Modernidad. Considerando la polisemia poética como algo ligado a la ideología capitalista de producción, examinamos el arrojo de la quantificación de lo sentido en la lírica de Kilkerry que, na verdad, parece asolar toda la literatura modernista. Así, analisamos algunos de sus poemas observando, sobretodo, de que modo la forma o la mímesis poética kilkerryana apoya la política instrumental de la sociedad burguesa.

Tesis para optar al grado de Magíster en Comunicación Política
¿Qué pensar cuando un poema nos dice que los árboles tienen memoria? O cuando otro que las gotas de la lluvia son las lágrimas del tiempo que caen sobre la tierra. ¿Serán aquellos poemas simples adornos? ¿Serán, al mismo tiempo, unos poemas inofensivos e inútiles? O, más bien ¿expresarán otras nociones, unas que cuestionan aquello que el discurso hegemónico dice a cerca de la memoria y el tiempo? ¿harán parte de una poesía rebelde, que continúa hablando a través de una palabra, otro tipo de palabra, respecto a lo que el hombre hace, ha dejado de hacer o podría hacer en su vida cotidiana?; es decir, respecto a aquellos problemas fundamentales que se le presentan a cada instante y que, pese a pasar desapercibidos, no dejan de hacer parte vital de la política. Se suele considerar que la política gira esencialmente en torno a unas instituciones, como el gobierno, el congreso, los partidos políticos, los movimientos sociales y otros más. Sin embargo, si tomamos los planteamientos de Michel Foucault, la política va mucho más allá de ese círculo, pues tiene que ver con el ejercicio del poder en todo momento y lugar. Con los procedimientos, muchos de ellos invisibles, que se despliegan por la sociedad para ejercer el poder directamente sobre cada individuo. En el centro de esa dinámica aparece una fuerza articuladora, el discurso, no como la alocución que se brinda ante un público, ni como el contenido de una proclama revolucionaria, sino como un potente instrumento ideológico capaz de dotarle de sentido (un determinado sentido) a todo lo que nos rodea, en especial al propio hombre. Pero, para lograr que se oriente en un solo sentido, se requiere controlar su producción y circulación, a fin de conjurar los poderes y peligros de su potencial aleatorio, como explica el propio Foucault. El discurso se remite y lleva al mismo tiempo un determinado pensamiento, haciendo que una serie de nociones fundamentales respecto, por ejemplo, al mundo, a la naturaleza, a la comunidad y al hombre, así como a la libertad, a la justicia o a la igualdad, finalmente sean interiorizadas por el hombre. Todas ellas se materializan no sólo en sus opiniones, sino en sus decisiones diarias, desde las más pequeñas hasta las más grandes. El discurso es tan poderoso que crea en la mente de los hombres aquello que llaman la realidad y sobre ella instituye un orden, para que se funde un tipo de comunidad. La civilización occidental ha sido construida y se mantiene hoy en pie sobre un determinado discurso, que se teje con la palabra, más bien a partir de una concepción de la palabra. En torno a ella se articula todo un pensamiento, aquel que nace con la filosofía, hace aproximadamente 2500 años. En esa comunidad la poesía quedó proscrita para hablar de política, porque, por su naturaleza irreverente con el orden, amenazaba las propias bases del pensamiento sobre el que se sustentaba la nueva organización que nacía con la polis griega. A pesar del paso del tiempo, esa exclusión ha permanecido como una herencia hasta nuestros días, ya que para el conjunto de la sociedad la poesía hoy se encuentra confinada como un mero adorno, inofensivo e inútil. Y, sin embargo, independientemente, ella sigue hablando... En la poesía de Roberto Echazú, un poeta nacido en Tarija, Bolivia, en 1937 y fallecido en la misma ciudad el año 2007, los árboles tienen memoria y las gotas de la lluvia que caen del cielo también son las lágrimas del tiempo.

Tras el comienzo de la guerra civil en 1936 Juan Ramón Jiménez abandona España dejando en Madrid todos sus archivos y su biblioteca personal. Para esa fecha su formación intelectual y estética, iniciada a finales del s. XIX, se considera completa. Este estudio recorre los avatares vividos por el poeta como lector y traductor de forma paralela a la adquisición de su biblioteca, hoy día conservada en la Fundación Zenobia-Juan Ramón Jiménez de Moguer (Huelva). Se hace especial hincapié en sus fondos en lengua francesa e inglesa, que marcaron el sello particular que hizo evolucionar su estética de manera distinta a otros autores de su generación. El estudio incluye, asimismo, un catálogo de estos fondos.
Després de l’inici de la guerra civil al 1936 Juan Ramón Jiménez abandonà Espanya deixant a Madrid tots els seu arxius i la seva biblioteca personal. En aquesta data la seva formació intel•lectual i estètica, iniciada a finals del s. XIX, es considera completa. Aquest estudi fa un recorregut de les circumstàncies viscudes pel poeta com a lector i traductor de forma paral•lela a l’adquisició de la seva biblioteca, avui dia conservada a la Fundación Zenobia-Juan Ramón Jiménez de Moguer (Huelva). Es fa un especial relleu dels seus fons en llengua francesa i anglesa, que van marcar el segell particular que va fer evolucionar la seva estètica de manera diferent a altres autors de la seva generació. L’estudi inclou, així mateix, un catàleg d’aquests fons.
After the breaking of the of the civil war in 1936, Juan Ramón Jiménez went away from Spain leaving behind all his files and his personal library in Madrid. By that time, his intellectual and aesthetic education, which began at the end of the 19th century, is considered complete. This study goes along the ups and downs experienced by the poet as a reader and a translator, in parallel with the acquisition of his library, which today is kept at the Fundación Zenobia-Juan Ramón Jiménez in Moguer (Huelva). Special relevance is given to his funds in the French and English language. They shaped the particular hallmark which made his aesthetics evolve in a different way from other authors of his generation. The study also includes a catalogue of these funds.

Tesis para optar al grado de Magíster en Literatura
Esta tesis aborda las relaciones que se establecen entre la poesía de cuatro autores williches y la tradición de la poesía moderna. Tomando como base teórica las categorías de analogía e ironía propuestas por Octavio Paz como estructurantes de la poesía moderna, se analizan los poemarios Arco de interrogaciones de Bernardo Colipán, Palimpsesto de Paulo Huirimilla, Oratorio al señor de Pucatrihue de César Millahueique y La heredad del pasto y el agua de José Teiguel. Se identifican, en estos textos, los elementos poéticos y estéticos que los hacen singulares, distinguiendo aquellos vinculados a la tradición poética moderna y aquellos relacionados con la cultura williche, determinando las relaciones que se establecen entre ellos y que peculiarizan las propuestas estéticas de los autores. Más allá de las diferencias, en los textos estudiados se nota la necesidad de construir una poética propia entramada con la tradición de la poesía moderna, a través de referencias, técnicas y formas que se entrecruzan para ir situándose en una especie de “modernidad williche” que quiere aportar a la construcción de una literatura nacional mapuche desde sus particularidades históricas y regionales, apelando a su pertenencia a una identidad territorial. En ese entramado, analogía e ironía se tornan recursos que les permiten tensionar o distender la relación poesía y cultura williche. En términos socio-literarios advertimos que la presencia de los poetas williches enunciándose como tales, no sólo ha marcado un quiebre en la historia de la poesía chilena, sino también dentro de la poesía mapuche, poniendo la cuestión del territorio y la historia en el eje de una “identidad poética”. Nombrarse como williche les ha permitido, a estos poetas, romper de algún modo con el silenciamiento impuesto haciéndose audibles, visibles y legítimos, para los demás y para su pueblo.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Ciências da Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, Florianópolis, 2015
Made available in DSpace on 2016-10-19T13:09:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 338104.pdf: 1223216 bytes, checksum: 2b7006b5dff1b7a45685fb746e84a269 (MD5) Previous issue date: 2015
A experiência da formação humana vai se tecendo, na Grécia Antiga (antes do advento da Filosofia) como um processo ético e estético. A metáfora do tear e de suas tessituras que proponho na presente pesquisa, para o exame do poema épico Odisséia, de Homero, configura-se como um artifício heurístico para a compreensão de conceitos que são caros à sociedade grega do século VII a.C.: a excelência (areté) do herói, este homem de nobre estirpe; sua honra (timé) ao dirigir a família (óikos) e a comunidade da polis pela qual é responsável - para que adquira fama entre seus descendentes no futuro e se torne pleno de glória (kléos); a disposição em ser bom (agathós) e em ser belo (kalós) - conceitos ou valores complementados pela areté especificamente feminina, a qual é traduzida pela formosura das mulheres e por seu papel social no seio da família. Em um mundo que rompe gradativamente com o pensamento mítico-religioso e instaura uma nova forma de pensamento, podemos reconhecer na Odisséia, desta forma, os albores de um "romance de formação" (talvez o primeiro registrado por meio da escrita, no Ocidente?). Busca-se, ainda, neste contexto estético-formativo, os indícios de como crianças e jovens eram educados por meio da escuta e da memorização dos versos. Assim, a leitura de Homero torna-se um convite para que, ao escutarmos o canto, possamos contemplar um ideal de formação humana que a poesia épica forjou na Grécia, em tempos primitivos.

Abstract : The experience of human development would be weaving, in Ancient Greece (before the advent of Philosophy), as an ethical and aesthetic process. The metaphor of the loom and its weavings, that I propose in this research to examine the epic poem Odyssey of Homer, will appear to us as a heuristic device for understanding concepts that are so important to the Greek society of the seventh century b.C.: the excellence (areté) of a hero, this man of noble birthright; his honor (timé) to direct his family (the óikos) and the polis under his charge - by being courageous he could also get fame among their descendants in the future and become full of glory (kléos); - the willingness to be good (agathos) and to be beautiful (kalós) - concepts or values complemented specifically by the feminine areté, which is translated by the grace of women and their social role within the family. In a world that gradually breaks with the mythical-religious thought and introduces a new way of thinking, we can recognize in the Odyssey thus the dawn of a "Bildungsroman" (perhaps the first recorded by writing in the Western world?). This study will also search for an understanding of the aesthetic-educational context in which children and young people were educated by listening and memorizing the epic verses. Thus, reading Homer's poems will become an invitation to us to listen to the ancient song, so than we can contemplate an ideal of human formation that epic poetry forged during early times in Greece.

Tese apresentada para cumprimento dos requisitos necessários à obtenção do grau de Doutor em Estudos Portugueses, especialização em Estudos de Literatura
Na viragem do séc. XIX para o séc. XX, sobretudo através de Wenceslau de Moraes e de Camilo Pessanha, a literatura e a poesia portuguesas acompanharam o interesse pela poesia do Extremo Oriente que afectou igualmente outras literaturas europeias. Porém, uma influência mais alargada e regular apenas se consolidou desde a década de 1980 em diante. O conjunto de poetas envolvidos e a qualidade e continuidade da sua obra permite falar de uma migração silenciosa de preceitos formais, de obsessões temáticas e de modos de figuração oriundos da poesia chinesa e japonesa. Esse processo lento e subtil está a mudar a relação com a tradição poética e traz consigo novos modos de entender a escrita poética, que requerem a tentativa de leitura sistemática aqui conduzida. O pensamento Zen é igualmente analisado, dado ser claramente parte activa no interesse constante dos poetas portugueses contemporâneos pela poesia clássica e contemporânea escrita na China e no Japão.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
This dissertation aims mainly to make a comparative study of the renaissance and baroque aesthetic resources in epics, using, therefore, The Lusiads (1572), which is a heroic poem on the Portuguese maritime expansion, and Paradise Lost (1667), by John Milton, better known and studied as a protestant humanist epic about the fall of the first human couple. The main theoretical basis for this study is the formulations of Gilbert Highet (1954), Anazildo Vasconcelos da Silva (1984, 1987, 2007) and Christina Ramalho (2013) on the epic genre and the classical tradition. There were also major contributions to this work: Joaquim Nabuco (1872), Bowra (1950), Metzer and Coogan (2002) and Saraiva and Lopes (2010). The aspect of comparison between the works is the permanence of classical mythology in the literary plan of the works. Therefore, it was adopted Hesiod (1995, 1996) as a mythographic source, because of the educational intentions of his works. The Lusiads are considered, according to the theory of literary speech and semiotization of Anazildo Vasconcelos da Silva, a renaissance epic and, thus it contains the reference to authors, works and pagan mythology present in the classic epic model (Iliad, Odyssey), besides the balance between thought and emotion and the formulation of universalizing concepts. While Paradise Lost is understood as a work of baroque epic model, which proposes the projection of the poetic persona in the narrative, the narrator as agent of the character subjective logic and sentimentalization of the epic proposition. Although, both have what Gilbert Highet calls classic influence. In other words, they are impregnated by classical thought, whose presence in the body of the poems varies in strength, importance and penetration. Consequently, this research will specifically treat the ways how the classic influence manifests in Camões and John Milton epics.
Esta dissertação tem como objetivo principal fazer um estudo comparado dos recursos estéticos em épicos renascentistas e barrocos, utilizando-se, para tanto, das obras Os Lusíadas (1572), poema heroico de Camões sobre a expansão marítima portuguesa, e Paraíso Perdido (1667), de John Milton, mais conhecida e estudada como uma epopeia humanista protestante sobre a queda do primeiro casal humano. A base teórica principal para esse estudo são as formulações de Gilbert Highet (1954), Anazildo Vasconcelos da Silva (1984, 1987, 2007) e Christina Ramalho (2013) a respeito do gênero épico e a tradição clássica. Também foram contribuições importantes: Joaquim Nabuco (1872), Bowra (1950), Metzer e Coogan (2002) e Saraiva e Lopes (2010). O aspecto de comparação entre as epopeias da era moderna é a permanência da mitologia clássica no plano literário das obras. Para tanto, adotou-se Hesíodo (1995, 1996) como fonte mitográfica, tendo vista as intenções didáticas de suas obras. Os Lusíadas é considerada, segundo a teoria da semiotização literária do discurso de Silva, uma epopeia renascentista e, portanto, apresenta referências a autores e obras e à mitologia pagã presentes no modelo épico clássico (Ilíada e Odisseia), além do equilíbrio entre pensamento e emoção e a elaboração de conceitos universalizantes. Já Paraíso Perdido é entendida como uma obra do modelo épico barroco, que propõe a projeção do eu-lírico no relato; o narrador como agente de uma lógica subjetiva do personagem e a sentimentalização da proposição épica. Contudo, ambas apresentam o que Gilbert Highet chama de influência clássica. Em outras palavras, são obras impregnadas pelo pensamento clássico, cuja presença no corpo dos poemas varia em força, importância e penetração. Por conseguinte, esta pesquisa tem como objetivo específico tratar dos modos como a influência clássica se manifesta nas epopeias de Camões e John Milton.

Esta tesis indaga cómo el tópico de la defensa de la poesía, tema fundamental de la teoría y la crítica literaria del Siglo de Oro español, puede implicar, además de una significativa toma de conciencia frente al fenómeno poético, una reflexión sobre la esencia de la poesía que representa un antecedente importante del concepto moderno de autonomía estética. Para la consecución de este objetivo se han reunido, examinado y relacionado los textos áureos de carácter teórico identificables con un principio de independencia poética. El análisis se ha desarrollado desde tres perspectivas diferentes: la de los preceptistas, por una parte; la de los escritores, por otra; y, finalmente, la derivada del debate de carácter estético que la publicación de las obras mayores de Luis de Góngora suscitaría. Se hacía imprescindible considerar, de otro lado, el referente moderno bajo el cual podían sustentarse tales supuestos. Por esta razón se ofrece, asimismo, una aproximación al concepto de autonomía estética subyacente en los principios básicos de la poética moderna, concretamente en los planteamientos formulados por la tradición simbolista y por el movimiento de la poesía pura.
This dissertation explores how the defense of poetry, as a literary topos and as an important subject of literary theory and criticism during the Spanish “Golden Age”, involves a meaningful attempt to define the essence of poetry and represents a precedent for the modern notion of aesthetic autonomy. In the attainment of this goal, it was necessary to gather, examine and correlate texts of a theoretical nature, selected in terms of a common concern about the principle of poetic independence. The search has been accomplished from three different perspectives: first, the Spanish preceptists; second, the writers and poets of the age; third, the texts appeared as a result of the debates around Luis de Gongora’s major poems. Reflections about modern poetics were considered imperative as a point of comparative analysis, specifically in what relates to the symbolist tradition, the doctrine of pure poetry and the notion of aesthetic autonomy

Made available in DSpace on 2016-04-27T17:27:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luciano da Silva Facanha.pdf: 4624121 bytes, checksum: cf7b0376b2736b15df3a16ede39848ec (MD5) Previous issue date: 2010-06-11
Rousseau was a philosopher who practices a variety of possible genres; as himself, all of them hitting the same principles, only changing the sound and the way to write, going to the political, romance, musical shows and theatrical scenes, chronicles, love stories, and his monologues, and a huge epistolary practice that together with the apologetically texts, make the memory genre. Also, the characteristic made by Rousseau has specific clarity, because in the XVII century, the philosophers, most part of them, used to practice multiples lecture types and genres that make the Literature rich, and whole art in general, the philosophy recognize the autonomy in every artistic speech. Doesn t exist specific borders between Literature and Philosophy, from there come the different types of genres created in the Illuminist period. Even, Rousseau says that, when the preference didn t become corrupted, neither the passions degenerated, and before the art polish our styles and transmit the language of this different genres, our ways was rustic, but naturals, and this difference, used to report, first of all, the elements . So, from the tolerant conjectures of the beginning of this sublime art of communicate thinking, the philosopher goes to the question of origin of languages, that, even being so far of the perfect aesthetic, but, natural, the passions which were expressed build the most direct demonstration of men and, in this form, were more important the emotional inflexions than the real meaning of the words, because, were the feelings that create the first voices, than the poetical nature of the language, were the original language was similar that the ones used by the Poets, were had the privilege of the eloquence instead the precise meaning; the language of the first men were Metaphorical and Poetic , because, didn t start to rationalize, but Feel; and, even if the philosopher had the conscience of a language, never could present in a complete way the feelings that create the passions, but, couldn t had being said with the same intensity that are felled, neither recuperate for complete the puree and the nobility of the eloquent expressions, but, the philosopher look to point a way out: put them in another way in the good way , because, Rousseau end realizing the duty, the poetic language in whole aesthetic, be transmitted by the way of romance, a teaching, a political deal, a theatrical show, be acting more mysteriously by the way of an example of yourself, in certain way apologetically, can be in the life when reveal small meanings; are the best ways to make speak of passions , and the more successfully ways to mimesis of the passions, like the writing, that look like be the best to represent the Rousseau s Aesthetic, when produce the most perfect original image , been this way the one that make possible the future return to a immediate conclusion, like in the beginning of times, when the language were more poetic and free, because, was more close to the passions, and so, more original and more true
Rousseau foi um filósofo que praticou uma variedade de gêneros possíveis; segundo o próprio, todos objetivando atingir os mesmos princípios, apenas mudando o tom e variando na escrita, passando por obras de política, romance de formação, peças musical e teatral, contos, romance de amor, além de seus intensos monólogos e uma vasta prática epistolar que, juntamente com os textos de apologética, compõe o gênero da memória. Aliás, característica exercitada por Rousseau com exímia proeza, pois, no século XVIII, os filósofos, com quase nenhuma exceção, exercem uma multiplicidade de gêneros literários, ocasionando a valorização da Literatura, do paradigma da arte em geral, em que a filosofia reconheceu a autonomia em todo discurso artístico. Ressaltando-se que há uma inexistência de fronteiras precisas entre a Literatura e a Filosofia, daí a diversidade de gêneros praticados pelos homens de letras do período da ilustração. Contudo, Rousseau informa que, quando o gosto ainda não havia se corrompido, nem as paixões degeneraram, e, antes que a arte polisse nossas maneiras e ensinasse nossas paixões a falarem a linguagem apurada desses diversos gêneros, nossos costumes eram rústicos, mas naturais, e a diferença dos procedimentos denunciava, à primeira vista, a dos caracteres. Assim, a partir de conjecturas toleráveis a respeito do nascimento dessa arte sublime de comunicar os pensamentos, o filósofo remete a questão à origem das línguas, que, mesmo estando a uma distância tão longe de sua perfeição estética, pois, natural, as paixões com que eram expressadas constituíam a mais direta manifestação do homem e, de forma correlata, as inflexões emocionais importavam mais do que a significação racional das palavras, afinal, foram os sentimentos que arrancaram as primeiras vozes, daí a natureza poética da linguagem em que a língua original se assemelhava a que os Poetas utilizavam, onde havia o privilégio da eloquência ao invés da exatidão; a linguagem dos primeiros homens era de uma forma Figurada e Poética , pois, não começou por raciocinar, mas, por Sentir; e, embora o filósofo tivesse consciência que uma língua, jamais poderia representar por completo os sentimentos que suscitam as paixões, pois, não podem ser ditas com a mesma intensidade com que são sentidas, nem recuperar inteiramente a pureza e a leveza das expressões eloquentes, no entanto, o filósofo parece apontar uma saída: reconduzi-las ao bom caminho , pois, Rousseau acaba realizando a tarefa, da linguagem poética em sua plena estética, seja transmitida sob a forma do romance, de um ensinamento, um tratado político, uma peça, seja agindo mais misteriosamente por meio de um exemplo de si mesmo, de certa forma contagiante, seja intervindo na vida ao revelar seus recônditos mais ermos; são os melhores meios encontrados para fazer falar as paixões , e as maneiras mais eficazes para a mimesis das paixões, como a escrita, que parece bem representar a Estética rousseauniana, ao reproduzir a mais perfeita imagem original , sendo esse meio que torna possível o futuro retorno à imediação, como nos primórdios, em que a linguagem era mais poética e livre, pois, mais próxima das paixões, logo, mais original e mais verdadeira

L’objectif de ce travail de thèse propose une analyse de la relation qu’entretient Charles Maurras au fait poétique ainsi que l’étude exhaustive de son œuvre poétique, selon ses grandes lignes thématiques et esthétiques. Il tente de souligner l’importance du fait poétique au sein d’une discursivité maurrassienne multiple et hétéroclite, au sein de laquelle la poésie, si elle semble tenir, quantitativement, un rôle mineur au vu d’une immense production littéraire et intellectuelle, n’en demeure pas moins l’une des armes privilégiées de la lutte politique. Définie par Maurras comme la « plus haute expression du politique » , la poésie apparaît comme un constituant fondamental de la compréhension de sa pensée, de sa formation à son aboutissement. Or, malgré l’abondance des travaux concernant Maurras en France et à l’étranger, sa poésie n’avait, à ce jour, été étudiée que de façon fragmentaire, et assez peu objectivement pour peu qu’elle l’ait été. L’importance du discours poétique au sein de l’œuvre de Charles Maurras a ainsi été bien souvent écartée par la littérature savante qui, par tradition, se concentre plus fréquemment sur des problématiques politiques, journalistiques et historiques. A mi-chemin entre l’étude historique et littéraire, ce travail se propose de resituer le discours poétique au sein de la vaste discursivité polémique et politique de l’expression maurrassienne, selon un axe chronologique permettant d’insérer l’étude poétique dans la contingence de son écriture, de la fin du dix-neuvième siècle à l’incarcération finale de Riom. Ainsi nous ne prétendons pas donner un essai de critique littéraire, qui se conclurait par la validation ou l’invalidation de Maurras en tant que poète, mais une mise à plat exhaustive de cette œuvre poétique, qui tentera d’examiner les relations qu’entretiennent politique et esthétique dans la partie sinon la plus aboutie du moins la plus littéraire de l’œuvre de Maurras, la plus constitutive également, en tant que matière littéraire, sur le plan doctrinal, aux divers moments de son histoire intellectuelle. Cette étude ne présente donc pas un intérêt restreint aux seules études littéraires. Elle tente d’apporter de nouvelles pistes de réflexion à des problématiques historiographiques plus vastes et toujours actuelles comme de mieux comprendre les constructions de la pensée maurrassienne, ses logiques, ses paradoxes et ses limites, tant en politique qu’en littérature. Divisé en trois parties afin de retracer le parcours politique et intellectuel de Charles Maurras, ce travail se voit introduit par un avant-propos qui ouvre une réflexion sur la pluralité complexe des raisons qui ont conduit à l’éclatement de la figure littéraire de Maurras ainsi qu’à son exclusion du monde des lettres. Ce préambule envisage toutes les questions soulevées par le poète Charles Maurras de nos jours et en son temps, questions qui se cristallisèrent lors du Procès Maurras, en 1945. Nous cherchons à remonter à la genèse historiographique des violentes querelles qui divisent, aujourd’hui encore les milieux savants, nées de la caution, accordée ou non, à la sentence de son procès. Nous retraçons ensuite le cheminement de la discursivité maurrassienne, de sa mort à nos jours, et présentons les diverses positions polémiques et scientifiques qui provoquèrent l’éclatement de l’image, largement controversée, de l’écrivain, dans tous les champs où son ambition prétendait conquérir une audience de premier ordre. Le premier chapitre de notre travail s’intéresse aux années de formation intellectuelle et politique du jeune Maurras, de son arrivée à Paris à ses débuts de journaliste, en passant par la formation de l’Action Française, jusqu’à l’immédiat après-guerre, moment avant lequel on ne peut véritablement parler d’image de Maurras. Cette partie de notre travail, fondamentale malgré les faibles productions poétiques clairement datables qui la composent, cherche à remonter à la genèse de cette vie intellectuelle pour toucher le noyau des contradictions qui se développeront par la suite et conduiront à son éviction de la littérature. En effet, ce sont les orientations de ses ambitions débutantes qui vont être à l’origine des polémiques invalidant ses postures littéraires. La façon dont Charles Maurras gravite autour des cénacles littéraires parisiens durant ses premières années de formation intellectuelle, les stratégies qu’il emploie pour se faire un nom parmi ces cénacles privilégiés, indiquent l’importance de ce moment dans la formation de sa pensée, de son acculturation politique et de la constitution de son système rhétorique, par le biais de diverses allégeances, ruptures et retours, qui peuvent apparaître comme le limon discursif de ses stratégies futures. Cette partie montre également, dans la lignée des travaux d’Ivan P. Barko, un nouveau Maurras, inédit, décadentiste, post-symboliste et verlainien, que l’étude de ses premiers textes et poèmes, préservés par certains admirateurs et compilateurs, permet de mettre à jour. Cette partie de son existence paraît ainsi d’autant plus fondamentale à la compréhension de son œuvre poétique ultérieure que c’est dans cet intervalle de gestation intellectuelle que vont se construire les premières contradictions théoriques, esthétiques et biographiques que Maurras n’aura de cesse de tenter de résoudre une fois sa réputation forgée. Malgré la nature discrète et intime de cette première production poétique, nous pouvons d’ores et déjà observer diverses structures, stratégiques et discursives, qui composeront les clefs de l’œuvre poétique ultérieure, notamment à travers le petit poème Pour Psyché, publié une première fois en 1892 puis remanié en 1911. Nous pouvons montrer, dans cet exercice de littérature comparée, la tendance naissante à la recomposition par l’intégration de poèmes plus anciens dans de nouvelles compilations qui en transposent naturellement le sens. Il s’ensuit un remaniement de l’image personnelle, par divers effets de mise en scène poétique, pour offrir un reflet toujours plus conforme aux nécessités récentes. L’on découvre enfin une œuvre qui se laisse progressivement dévorer par des constructions théoriques et doctrinales antérieures, le poème venant clore la démonstration rhétorique. Cette démarche systématique deviendra le fil conducteur du long poème épique qui révélera, en 1918, le versificateur patriote au public parisien, L’Ode historique à Bataille de la Marne. Le second chapitre de notre étude se centre sur la période de l’immédiat Après-guerre (1919) à la mise à l’index vaticane (1926), instant de gloire de Maurras, de courte durée et en forme de chant du cygne. Cette partie s’attache à mettre en lumière la totalité des formes et des enjeux de l’écriture poétique maurrassienne. Elle cherche à montrer le rôle fondamental, qu’il s’agisse de critique littéraire ou d’écriture poétique, de la tradition intellectuelle et esthétisante maurrassienne, ainsi que son rôle stratégique dans les diverses représentations iconographiques que Charles Maurras propose au public alors qu’il se trouve au sommet de sa gloire. Elle souligne également l’extraordinaire capacité de Maurras à construire une structure de pensée imposante et cohérente, en redéfinissant le rôle discursif de cette poétique méconnue et les rapports de compénétration que cette écriture entretient avec la doctrine politique, montrant comment sa dimension prophétique implique une élévation transcendante de la doctrine politique, par delà les polémiques triviales de la vie journalistique quotidienne. Elle s’appuie sur une analyse littéraire exhaustive des différents recueils publiés par Maurras entre 1919 et 1925, en étudie les stratégies de publication et de diffusion tout en proposant une sociologie des adhérents du mouvement, de manière à approcher la complexion écartelée du public (entre membres de l’Académie française et militants ordinaires d’Action française) auquel cette œuvre se destine. En dernier lieu, et hors de toute approche partisane, ce chapitre de notre travail tente de redéfinir l’esthétisme maurrassien et de délimiter les contours ambigus de sa relation, sur le strict plan de l’esthétique littéraire, avec le mouvement fasciste européen, alors aussi présent que contingent. Cette partie s’interroge sur l’une des problématiques principales que pose le maurrassisme aux historiens contemporains : la possibilité d’une tentation fasciste au sein d’une poétique de l’action et de la force, voire de la violence nécessaire, que renforce l’esthétique païenne et martiale d’une autorité latine retrouvée. Nous tentons de montrer comment une métaphysique du dépassement des épreuves et des douleurs terrestres, formellement stoïcienne, semble principalement obéir à une vision hégélienne de la projection de la volonté. Le dernier chapitre de notre travail aborde la longue période qui va de 1926 à 1952. Tout d’abord dévorée par la politique, cette seconde moitié de la vie de Charles Maurras ne sera dédiée que tardivement à la publication poétique. Le premier ensemble de cette partie est ainsi axé sur la période de 1926-1940 : nous voyons la mise à l’index de Maurras et les luttes internes qui ont suivi, jusqu’à l’émeute du 6 février 1934, le chemin de la reconquête de l’opinion, de la lutte contre Le Front Populaire des années 1935-1936 au moment de gloire de 1939, date de l’élection tant attendue à l’Académie française. En second lieu, le tenant pour intrinsèquement lié à une mutation profonde et au retour de Maurras à la poésie, nous étudierons le choc considérable de la défaite et de la débâcle sur Charles Maurras. De 1940 à 1944, nous suivrons son parcours, de Vichy aux heures noires de l’Occupation, avant d’en venir à l’étude poétique proprement dite des derniers recueils fortement marqués d’une dimension carcérale de l’écriture. Etudiant enfin cet ultime recueil, presque posthume, que représente La Balance intérieure, nous montrerons, en dernière partie de notre travail, les conditions d’écriture de ces divers opus poétiques, en analysons les stratégies d’auteur, à la fois plaidoyer pro domo de Maurras et dénonciation de ses juges, véritables responsables de la défaite, selon la filiation discursive de sa défense lors de son procès. Nous présenterons également non plus l’unité mais la pluralité des messages poétiques entre le retour à la foi chrétienne et la permanence d’une esthétique fasciste dont nous noterons les modulations en fonction des stratégies de publication des ouvrages et du public auquel ces ouvrages se destinent. Cette dernière partie cherchera également à offrir une perception globale de l’œuvre, en s’intéressant aux permanences et aux changements qui la composent. Elle tentera de creuser les problématiques de fond que pose au monde intellectuel la poésie maurrassienne, la teneur et l’unicité de son néo-classicisme, la possibilité d’une esthétique fasciste ou préfasciste et la question de sa permanence, de son délitement ou de sa disparition dans l’œuvre finale. Cette question, aussi difficile que fondamentale, ouvre enfin le débat de la valeur de l’ultime conversion mystique de Maurras comme celui, plus dérangeant, d’une mystique de la violence, aux visages éclatés mais à l’imprégnation sourde, et dont la poésie, reflet d’images de psychologie intime, dénonce la présence, en deçà de causes purement historiques, humiliation d’une défaite, 1870 en France, 1918 en Allemagne, comme la résurgence affective exacerbée d’une quête de l’absence.
Based on a literary study, this essay is an attempt to understand Charles Maurras’ poetical discourse within the framework of the extensive, polemical, critical and philosophical narrative of his author, from the end of the nineteenth century until his final custody in Riom. Our work tries to shed light on all the shapes and goals of Charles Maurras’ poetry at all the moments of the author’s intellectual history and through all his poetical writings. Thanks to this comprehensive approach, this study shows the fundamental role of intellectual and esthetical tradition in maurrassism and its strategic issues in the maurrassian’s iconographic depictions. It also highlights Maurras’ extraordinary capacity to fashioned an intellectually coherent and imposing structure of ideas, presenting the linkages between his poetical writings and his political doctrine. In particular, the prophetical dimension of his poetry suggests rising the political doctrine to the level of transcendence, above the mundane polemics of daily journalistic life. Finally, and excluding any partisan approach, this work tries to define what the Maurrassian aesthetics is, from the narrow perspective of literary aesthetics. This manuscript therefore endeavours to look deeper into the key questions that have remained unsolved about Maurras’ poetry: the content and unity of his neo-classicism, the ambivalences of its aesthetics, the value of the last mystical conversion. It attempts to offer a better understanding of Charles Maurras’ intellectual structures, their logics and paradoxes, relying primarily on its literary work.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Ciências da Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, Florianópolis, 2011
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O principal fio condutor desta tese é indagar o que vemos. Num aprofundamento desta indagação, o trabalho solicita lançar um olhar mais aguçado para as coisas, procurando vê-las além delas mesmas. Neste movimento, uma atitude fenomenológica estrutura o universo da pesquisa e, a partir desta opção teórica, ensaiam-se possibilidades de compreender um ver e um não-ver. Se vemos, o que estamos vendo? Se não vemos, o que não vemos? Estudou-se temas caros à fenomenologia extraindo deles noções acerca do corpo, espaço, objeto, percepção, ver e não-ver. Textos clássicos de Merleau-Ponty foram estudados e, assim, este trabalho de pesquisa segue calcado na descrição fenomenológica. A escritura revela um corpo, desenha uma trajetória a cada página. Histórias são contadas e confrontadas com memórias. Em determinado momento, vê-se que seria fundamental ativar os vividos para estes ecoarem no outro e fazê-lo despertar em seu corpo aquilo que também despertou no meu. As teorias estudadas foram tomando forma e desencadearam textos paralelos entre si os quais ousadamente se tocam e pontuam momentos distintos no trabalho: ora de pura fruição, ora de questionamentos, ora de reflexões acerca de nossa atitude em relação ao mundo. O convite da tese é que percebamos o (in)visível por meio de uma trajetória de pesquisa que evidencia um corpo desenhando o entendimento de sua própria percepção acerca daquilo que se revela no mundo e que, um dia, este mesmo corpo, supôs saber ver. E, por fim, a indagação principal retorna: o que vemos?