Academic literature on the topic 'Essai (genre littéraire) – Thèmes, motifs'

Le but de cet article est de jeter un regard sur plusieurs aspects du roman La Panne de Friedrich Dürrenmatt. L’histoire est simple. À la suite d’une panne de voiture, un certain Traps est hébergé chez quatre amis. Invité à participer à un jeu, un procès où il aura le rôle de l’accusé, il accepte. Il est convaincu de meurtre, accepte sa culpabilité et se suicide. Après un bref condensé de l’histoire, l’article traite des thèmes suivants : le caractère de Traps et sa transformation au cours du jeu ; le rôle ambigu des quatre amis ; le genre tragi-comique grec de l’œuvre ; les aspects comiques ; les aspects tragiques : l’atmosphère d’anxiété et de mort ; les symétries et inversions ; l’art littéraire. En épilogue, une lecture diamétralement opposée à l’interprétation traditionnelle de l’œuvre est discutée.

On se penche, dans cet essai, sur la représentation visuelle et littéraire du Canada qui serait cette utopie imaginée comme le terme de l’exil et du déracinement expérimentés dans la fuite loin de l’esclavage que l’on trouve dans l’œuvre de trois artistes Nord-Américains contemporains : (a) Harriet and the Promised Land (1967), une série de peintures narratives par l’artiste Noir Américain Jacob Lawrence ; (b) Flight to Canada (1976), une replongée postmoderne dans l’écriture de l’esclavage par le romancier noir Américain Ishmael Reed ; et (c) The Book of Negroes (2007) du Canadien Lawrence Hill. En considérant ces trois œuvres comme un triptyque intertextuel réunissant différents modes de représentation de la quête d’une «terre promise», d’une «patrie imaginaire» de liberté et d’appartenance, je vise à mettre en évidence la dynamique de la représentation, dans la mesure où chacune de ces œuvres revisite l’histoire de l’esclavage et de la traite à sa manière et offre une relecture différente des motifs de l’exil et du retour, de la diaspora et de la patrie en fonction du genre narratif adopté : une série de tableaux à visée éducative se nourrissant d’une esthétique moderniste, une narration ironiquement subversive d’un sombre comique postmoderne, et, sur un mode épique, des épisodes de réalisme transnational.

Plumbing the trajectory of the essay entails discussion of an intellectual history that spans five centuries. Nevertheless, the essay is a genre defined a contrario. This study begins with a discussion of the status of the essay as a genre, providing an overview of its historical development as well. The sum of this analysis will help to redefine the essay through its essential characteristics. The principal corpus deals grosso modo with the last fifty years of Mexican life. It starts in the year 1950 (El laberinto de la soledad, Octavio Paz), and it finishes in the year 2000. Octavio Paz, Carlos Fuentes, Sergio Pitol, Carlos Monsiváis, Elena Poniatowska and Roger Bartra are the impetus behind this study. Critical recurrent themes that haunt these essayists, such as la Malinche, the Mexican Revolution, October 1968, the masques and the death, are reformulated so that the authors' points of view are related to one another as if they were in dialogue. The "physiognomy" of the texts is also elicited because of the presence of paratextual attributes that have not been previously studied. The genetical criticism of paratext can provide unique information that cannot be obtained otherwise. Since writing and reading are part of the dialectic between author and reader, the notion of the other, the alterity, is examined. The author considered as the other of the reader and vice versa, forms a dialectic that motivates the writer to speak with the Other. The inter- and intra- textuality are also studied, taking care to distinguish between two kinds of intratextuality never before separated. The rapport between authorship and a modicum of distance armor against worldly power on women's essays fighting for power through their pens is explored. This material is fertile ground for theorists and critics to explore.

La tragédie grecque est l'expression pleine et entière du phénomène tragique. A partir de la première on peut déduire trois éléments propres à définir le second : le tragique concerne l'être de l'homme, il nécessite pour être perçu que soit établie une continuité ontologique, il prend la forme d'une aporie. Les philosophes anti-hegelliens que sont kierkegaard, Schopenhauer et Nietzsche donnent de compléter cette hypothèse : le tragique produit un sentiment ; il y va de l'angoisse pour l'un, du dégoût de vivre pour l'autre, de la joie pour le dernier. La détermination plus strictement esthétique du phénomène, telle que la proposent en particulier Maeterlinck et Wagner, conduit à envisager le tragique comme étant, avant tout, de l'ordre de l'effet. Ces premiers développements ont pour but, d'une part, de faire apparaître les outils conceptuels adéquats à l'appréhension du tragique dans les textes dramatiques du XXème siècle, et, d'autre part, de saisir ce que le passage du modernisme au postmodernisme comporte d'enjeu tragique. .<br>Greek tragedy is the full and entire expression of the tragic phenomenon. From the former we can deduce three elements capable of defining latter. The tragic concerns the being of man. To be perceived, an ontological continuity needs to be established. It takes the shape of a aporie. Anti-Hegelian philosophers such as Kierkegaard, Schopenhauer and Nietzsche demonstrate this hypothesis. The tragic produces a feeling : anguish for the first one, disgust with life for the second one and joy for the third one. A more strickly aesthetic definition of the phenomenon, offered specifically by Maeterlinck and Wagner, shows the tragic mainly as an effect. This first study highlights the conceptual tools needed to comprehend the tragic in the tramatic texts of the twentieth century, and shows how the tragic is invested in the transition between modernism and postmodernism. .

L'etude porte sur un ensemble d'essais publies par des algeriens pendant toute la duree de la presence francaise. Des 1880, la resistance-dialogue est jalonnee par des textes ou se fait entendre une voix particuliere, entre reiteration et revendication pour la collectivite. Ils demandent plus de justice, un peu d'egalite, des ecoles et des routes et un allegement des charges (impots, sanctions collectives) pour leurs coreligionaires. Les themes traites sont la religion, la langue arabe, la femme, l'ecole, la libre circulation dans les forets. Ils tracent ainsi les lieux d'une resistance symbolique. 1930 marque la naissance du discours nationalitaire et des revendications plus radicales. La fin de la colonisation est envisagee et clairement enoncee. La cesure de 1945 est suivie par une remontee dans l'histoire et l'elaboration des ancetres-resistants : abdelkader et jugurtha. La guerre de liberation voit peu d'essais. Les textes de fanon et de lacheraf, s'ils partent du discours colonial sont deja tournes vers l'apres 1962. Ils analysent le processus en cours et lancent les premieres denonciations des detournements de la revolution. Leur discours n'est plus tourne vers l'autre, mais vers l'interieur de leur societe. Deja se dessine la figure de l'intellectuel d'apres l'independance : marque par la vigilance, son discours est toujours iconoclaste. Par ailleurs, l'etude de l'essai feminin a ete mise a part et deborde 1962, pour montrer la continuite d'une ecriture particuliere<br>Our work is an attempt at exploring a series essays published by some natives from algeria during the french colonial period. As early as 1880 the "resistance-dialogue" is marked by some writings expressing a particular voice, between a colonial discourse reiterated, and claims for the indigeneous community. The first intellectuals were asking for more justice, some equality, schools and roads, and less taxation (income tax and collective sanctions) in favour of their fellow- countrymen. The issues studied here are : religion, the arabic language, women, schooling and free access to foreste-lands. Thus, these intellectuals mapped out the symbolic path of their resistance. 1930 is the milestone of a nation-oriented discourse and of more radical claims. The end of the colonial period is foreseen an clearly stated. The 1945 caesura triggers a revival of history an the emergence of abdelkader and jugurtha as the ancestral figures of resistance. Few essays have been written during the liberation war. Fanon and lacheraf's writings, like most other writings, althrough rooted in the colonial discourse are already looking towards the post-independance period. Their writings analyse the ongoing process and herald the first denunciations of the deviated revolution. Their discourse is no longer addressing the "other" but directed toward their own society. Already the figure of the post-independence intellectual is sketched, and his discourse is marked by awareness but remains iconoclastic. Beside the study of women writing is dealt with separately and goes beyond 1962 to show the continuum of a particular type of writing

L’objet de ce travail est de montrer le rôle capital qu’a joué la parodie dans la construction du genre romanesque, le seul de ce que l’on considère aujourd’hui comme les grands genres à ne pas être théorisé jusqu’à la fin du XVIIe siècle. La parodie est considérée comme une pratique facile et gratuite, comme une attaque déloyale visant à détruire sans pitié un modèle supérieur. Pourtant, on peut plaider en faveur de son pouvoir habilement corrosif et régénérateur : en critiquant une esthétique, elle en dénonce les défauts et invite à la renouveler. Tournée vers le passé du texte qu’elle imite, elle est aussi tournée vers l’avenir et porte en germe, dans sa critique, la suggestion de voies de renouvellement. Cette capacité de la parodie de régénérer par-delà la critique explique que le roman, en l’absence de théorisation, se soit largement défini par la parodie. Son rôle a, de ce fait, été crucial aux époques où le roman n’était ni théorisé ni accepté et elle a constitué un des lieux majeurs de la réflexion sur le genre romanesque. Non seulement la parodie bouscule le genre du roman et, par ce geste même, le constitue comme genre, mais elle permet aussi de mettre en évidence la conscience générique d’une époque et les formes qu’elle adoptait. Œuvre de lecteur, elle reflète la vision qu’a eue une époque du roman et les manières dont elle entendait le renouveler : elle est donc doublement théoricienne. Il s’agit ici de voir comment la parodie, du roman grec au roman du XVIIIe siècle a été le laboratoire du genre romanesque, situé dans un fragile équilibre entre la destruction des esthétiques qui l’ont précédé et la promotion de nouvelles formules<br>The aim of this dissertation is to show the decisive role that parody played in the construction of the novel as a genre, that has not been theorized before the end of the XVIIth century (a unique case within the main forms of literatures). Parody is often considered as an easy process, an unfair and merciless way to attack a superior model. However, its defenders can valuably argue for its caustic and regenerative impact : by criticizing the novel’s aesthetic, parody points out its weaknesses and thus shows the way to renew it. By the process of imitation, parody inevitably confines the parodied text into the past; but at the same time it looks towards the future and suggests, in its criticism itself, new territories to explore. This fertile feature of parody explains why it has largely helped to define the novel in the absence of theoricians. At times when the novel was neither theorized, nor even accepted, parody has played a crucial role, concentrating most of the intellectual reflection about the novel. Not only has parody shaken the form of the novel – which by the way helped establishing it as a genre, it has also highlighted how conscious people were of the existence of this genre, the forms it took. Being a reader’s work, parody reflects how an audience considered the novel and how it intended to renew it : in that sense it has a double contribution to theory. Our objective is to see how, from the greek novel to the XVIIIth century, parody has been a think tank for the novel, in a fragile balance between the destruction of former aesthetics and the promotion of new formulas

Cette recherche part de l’hypothèse que l’essai littéraire, parce qu’il pense à partir de la forme, permet d’appréhender une part de la vulnérabilité qui résiste aux approches philosophiques de la notion. La vulnérabilité demande de prendre en compte des façons de se rapporter au monde qui sortent du modèle universalisant et dualiste structurant le paradigme du savoir. Elle demande aussi de repenser les couplages notionnels sur lesquels se fonde le « partage du sensible » occidental et échappe à l’espace politique tel que la philosophie du XXe siècle l’a configuré. Les quatre essais qui composent le corpus ont le souci de penser le réel à partir de ses lieux d’opacité et engagent leur vulnérabilité dans la pensée. Dans La Bulle d’encre de Suzanne Jacob (1997), Les Outils de Leslie Kaplan (2003), Renversements de René Lapierre (2011) et Là où le cœur attend de Frédéric Boyer (2017), la pensée s’affronte à sa propre limite dans le langage et se tient dans des lieux où la trame du monde s’effiloche. Ils accueillent dans le langage le non-sens et la perte de repères symboliques qui caractérisent, en partie, la vulnérabilité. Travaillant à partir d’une logique négative, ces textes font basculer l’ambivalence dont la philosophie dote la vulnérabilité dans une unité ouverte, dont la cohérence n’implique pas l’absence de contradiction. Ce faisant, ils mettent au jour l’intelligence singulière de l’essai. Cette recherche suit ce fil jusque dans l’écriture et comporte une partie création. « Exercice du vertige » poursuit l’équation que l’essai pose entre l’écriture et la vie et investit sa méthode de recherche – qui implique à la fois une archéologie des formes et l’exercice d’une confiance dans le langage<br>This research suggests that the literary essay, because it thinks through the form, allows us to understand a part of the vulnerability which resists the philosophical approaches of the concept. Vulnerability demands to take into account ways of relating to the world that depart the universalizing and dualistic model which structures the paradigm of knowledge. It also requires a rethinking of the notional couplings on which the occidental “partage du sensible” is based and escapes the political space as configured by twentieth-century philosophy. The four contemporary literary essays that make up the corpus are all concerned with thinking reality from its places of opacity and engaging their vulnerability in thought. In Suzanne Jacob's La Bulle d’encre (1997), Leslie Kaplan's Les Outils (2003), René Lapierre's Renversements (2011), and Frédéric Boyer's Là où le cœur attend (2017), the reflection confronts its own limit in language and stands in places where the fabric of the world unravels. They welcome in language the nonsense and loss of symbolic markers that characterize, in part, vulnerability. Working from a negative logic, these texts turn the ambivalence with which philosophy characterizes vulnerability into an open unity, whose coherence does not imply the absence of contradiction. By doing so, they bring to light the singular intelligence of essay. This theoretical research is followed by a creative part entitled "Exercising desiquilibrium" which pursues the connection posed by the essay between writing and life and employs its research method, which involves both an archaeology of forms and the exercise of confidence in language

Dans la variété des thèmes et des formes offerte par les essais de Marguerite Yourcenar, s’ébauche et s’affine le « portrait d’une voix », incitant le lecteur à réfléchir, à la suite de l’essayiste elle-même, à l’avertissement de Jorge Luis Borges : « Un écrivain croit parler de beaucoup de choses, mais ce qu’il laisse, s’il a de la chance, c’est une image de soi ». Ces essais où s’affrontent des visions contradictoires du temps et de l’identité, retracent l’histoire de la résistance du moi à son extinction, prônée par un je qui reste souverain par-delà les métamorphoses. Des premiers essais, où la jeune « Marg Yourcenar » s’effraie et s’enchante, dans un style « tendu et orné », de la décadence de l’Occident, aux dernières notes jetées dans ses carnets, la métaphore récurrente de l’érosion traduit le travail d’épure auquel est soumis le genre, comme l’autoportrait qui s’y dessine. Ce travail est sous-tendu par une vision du temps qui oscille entre écoulement et permanence, et d’où émerge la valeur accordée à l’instant, premier pas vers la « magie sympathique » qui permet de s’établir en n’importe quel point du temps humain. Ainsi dilaté aux dimensions de la « constellation » universelle née de rencontres aléatoires ou surdéterminées, le moi inextinguible incarne pourtant les résurgences de l’individualité, enfin acceptée comme voie d’accès à l’universel. Au terme de cinquante ans de pratique de l’essai, Marguerite Yourcenar a conquis la liberté propre au genre, aux confins de l’autobiographie longtemps refusée, en acceptant que ses métamorphoses épousent au plus près la fluidité de la vie individuelle<br>Through the variety of themes and forms offered by Marguerite Yourcenar's essays, the "portrait of a voice" progressively takes shape, inclining the reader to ponder, after the essayist herself, Jorge Luis Borges's warning : "A writer thinks he is tackling a lot of subjects; what he leaves behind, however - if he is lucky - is an image of himself". The essays, in which two contadictory conceptions of time and identity constantly clash, testify to the way the "self" resists its extinction, strongly recommended by the "I", which remains supreme beyond the metamorphoses. From the first essays, in which the young "Marg Yourcenar", in a tense and ornate style, appears to be both alarmed and enchanted by the decline of the West, to the last remarks jotted down in her notebooks, the recurring metaphor of the erosion conveys the extent to which the form is being refined, as well as the self-portrait that emerges from it. The process involves a conception of time that wavers between the flowing and the permanent, and brings forth the value given to the moment, first step towards the "sympathetic magic" which enables the reader to settle at any point of the human time. Thus expanded to the dimensions of the universal "constellation" born of random, or highly determined, encounters, the irrepressible "self" still embodies the resurgences of the individuality, accepted at last as a path towards the universal. After writing essays for fifty years, Marguerite Yourcenar conquered the liberty that defines the form and borders on the autobiographical, when she finally allowed its metamorphoses to closely match the fluidity of the individual life

La thèse propose d’étudier les phénomènes actuels de contamination générique entre le récit et l’essai dans la littérature italienne du XXIe siècle, à travers la catégorie de l’essayisme. Elle s’appuie sur les théories de l’essai formulées au XXe siècle, en particulier celles de Lukács, Bense et Adorno, à partir d’un corpus hypercontemporain (Franco Arminio (1960 - ), Vitaliano Trevisan (1960 - ), Tommaso Pincio (1960 - ) et Giorgio Vasta (1970 - ). Si l’essai italien a été surtout circonscrit à la critique littéraire ou politique, ses nouvelles formes, sur fond général d’hybridation entre fiction et non fiction, mettent en crise les catégories existantes. La thèse montre leur continuité avec la tradition depuis Montaigne, celle d’une écriture réflexive organisée par le « je ». L’essayisme italien actuel médite, commente, spécule, autour d’objets divers, et s’autorise pour cela de plus en plus le recours à la narra- tion et à la puissance imaginative. Il est donc étudié comme écriture combinatoire et mimétique qui emprunte des formes aux autres genres (biographie, autofiction, reportage narratif) et puise des procédés littéraires dans le réservoir de la littérature (épiphanies, allégories, dépaysements) au service d’une « pensée en train de se faire ». La recherche montre qu’en alliant pensée, narration et fiction, il fait de sa portée réflexive et de la « thématisation » son pivot organisateur. Elle interroge cette pensée du réel et cette écriture critique en les mettant en regard avec la philosophie, l’anthropologie et la sociologie de notre temps, pour montrer que ces formes d’écritures forment un laboratoire du sens et d’interprétation de notre présent<br>The dissertation proposes to study current phenomena of generic contamination between the story and the essay in Italian literature of the 21st century, by way of the category of essayism and by drawing on theories of the essay formulated in the 20th century, in particular those of Lukács, Bense and Adorno, considering a hyper-contemporary corpus (Franco Arminio (1960 - ), Vitaliano Trevisan (1960 - ), Tommaso Pincio (1960 - ) and Giorgio Vasta (1970 - ). If the Italian essay has been often confined to the forms of literary or political criticism, its newest forms, renewable in more general contexts of hybridization between fiction and nonfiction, put existing categories in a state of crisis. The dissertation shows that in continuing the tradition of reflexive writing organized around the “I,” (Mon- taigne), current Italian essayism mediates, comments, speculates around a variety of objects, and in doing so, allows itself more and more to resort to narrativity and the power of the imagination. It is therefore studied as a combinatory and mimetic form of writing that borrows forms from other genres (biography, autofiction, narrative reporting) and draws on the literary reservoir for its processes (epiphanies, allegories, estrangement) in order to serve the “thought in the making.” The research reveals that current Italian essayism, in making allies of thought, narration and fiction, presents itself as an ars combinatoria basing its organizational fulcrum on its reflexive scope as well as on “thematization.” It questions this reflection on the real and this critical writing of the present, through their con- sideration alongside the philosophy and anthropology of our time

Le théâtre classique proscrit la mort sur scène. Cet interdit a été formulé par Horace dans l’Art poétique et justifié par l’infanticide de Médée : « Que Médée n’égorge pas ses enfants devant le public […]. Tout ce que vous me montrez de cette sorte ne m’inspire qu’incrédulité et révolte. » (v. 185 et v. 188). En raison de cette illustre référence, du XVIe au XVIIIe siècle, Médée devient un matériau privilégié pour réfléchir à la notion de vraisemblance et aux ressorts de l’efficacité de la représentation dramatique. Les adaptations scéniques de l’histoire de Médée posent la question des limites du représentable et des raisons pour lesquelles la violence en est contrôlée et réduite par les dramaturges afin de devenir tolérable. Paroxysmes de violence, les crimes de Médée invitent à des recherches dans des domaines spécifiques. Les mythographies, les ouvrages de médecine, les démonologies, les ouvrages sur le pouvoir et les femmes, tous domaines où Médée fait office de paradigme, ont donc été consultés afin d’éclairer les oeuvres. Rendre la violence vraisemblable ne signifie pas pour autant l’évacuer : elle est théâtralement efficace, comme en atteste la fortune de ce sujet. Aussi l’étude s’est-elle attachée à confronter le discours des théoriciens du théâtre aux oeuvres dramatiques elles-mêmes, pour comprendre quels risques et quels avantages cette violence présente pour le genre tragique. Les Médée constituent la limite du supportable sur la scène et dessinent les contours d’une histoire du crime sanglant au théâtre. Le scandale de Médée apparaît ainsi comme un objet d’une grande fécondité théorique et dramatique<br>Classical theatre did not permit death on stage. This ban had been laid down by Horace in his Ars poetica and justified by Medea’s infanticide: “Medea should not slaughter her children in the presence of the people […]. Whatever you show me like this, I detest and refuse to believe. ” Due to this illustrious reference, from the 16th to the 18th century, Medea became a choice example for reflections on verisimilitude and on the means of achieving dramatic effectiveness. Stage adaptations of the story of Medea raised the issues of the limits of what could be represented and the reasons why violence had to be controlled and limited by playwrights in order to become acceptable. While they stand for a climax of violence, Medea’s crimes also call for investigations in specific fields. Compendia of myths, medical treatises, books of demonology, theories on power and women: texts from all these fields of knowledge, in which Medea served as a paradigm, have been consulted to shed new light on the theatrical treatment of the subject. Making violence plausible does not imply eliminating it entirely; violence is effective dramatically, as the popularity of the subject-matter demonstrates. Therefore, this study focuses on confronting the theoretical discourse on theatre with the plays themselves, in order to understand better the advantages and risks for the tragic genre entailed by the representation of violence. These Medeas mark the limits of what is tolerable on stage and sketch out a history of the theatrical representation of bloody crimes. In this respect, the scandal represented by Medea appears as a particularly rich theoretical and dramatic object

L'économie, et à travers elle, les représentations de l'argent, marque profondément pratique et théorie dramatiques de l'ensemble des répertoires depuis le dernier tiers du XVIIe siècle jusqu'à la Révolution française, en particulier dans les formes comiques et même pathétiques. C'est ce que révèle l'enquête menée à partir d'une sélection de plus de 330 pièces, manuscrites ou imprimées, pour la plupart représentées, et écrites par plus de 100 auteurs dramatiques entre 1673 et 1789. Et c'est ce que je propose d'expliquer par une interprétation fondée sur l'anthropologie littéraire qui croise les approches de l'économie, la sociologie, l'histoire, l'analyse littéraire et dramaturgique. Confrontés à une nouvelle économie du spectacle vivant qui s'organise autour de l'entreprise théâtrale en pleine expansion et dissimule de moins en moins le jeu libre de la concurrence ; mais aussi, plus que jamais soucieux d'acquérir un véritable statut socio-économique leur permettant de quitter la multiactivité et de jouir de plein droit de la propriété intellectuelle de leur travail artistique, les dramaturges se comportent et surtout se conçoivent, pour la plupart, comme des agents économiques. C'est une des raisons pour lesquelles ils se saisissent, dans leurs fictions dramatiques, de l'actualité économique et sociale, mais aussi du langage et des idées situés au centre des grands débats qui animent la science économique alors émergente, non pour les transcrire, mais pour les transposer au moyen d'une médiation symbolique à travers des fictions économiques qui mettent en jeu la relation d'équivalence entre signe monétaire et signe dramaturgique. L'argent s'immisce dans toutes les dimensions de l'univers comique de ces fictions, en particulier les intrigues amoureuses, matrimoniales et familiales, mais aussi les les relations domestiques et jusqu'aux liens sociaux. Les comédies s'orientent vers la dramatisation soit de la réalité des pratiques, soit de la portée imaginaire des conceptions économiques. Ce faisant, elles mettent en place un dense réseau de métaphores économiques qui place le corps et le langage au coeur d'un double système analogique. Elles constituent autant d'expérimentations fascinées des modesde fonctionnement de l'économie, que tantôt elles glorifient, tantôt elles stigmatisent. Elles relèvent surtout d'une poétique de l'intérêt fondée sur une dramaturgie d'économie qui place l'argent, sa circulation, son échange et la croyance économique elle-même au fondement du système de l'intrigue des personnages, mais aussi du genre comique en lui-m^eme, y compris sous ses formes pathétiques, au moyen d'une structure homologique entre comédie et économie. Elles épousent en outre, non sans contradictions, des idéologies aussi dífférentes que celle de l'intérêt privé universel, fondement d'une morale de l'individu, de la réalisation matérielle et celle du don secularisé et de la bienfaisance envers une humanité réconciliée, base d'une éthique collective ; mais elles peinent à adopter une position cohérente sur la question de la mobilité sociale, pierre d'achoppement d'un ordre nouveau.

Le succès retentissant du drame de chevalerie dans les pays de langue allemande à la fin du dix-huitième et au début du dix-neuvième siècle n'a pas valu à ce "genre", de la part des chercheurs, l'intérêt qu'il mérite. S'appuyant sur une meilleure circonscription quantitative de ce type dramatique et sur un corpus de référence élargi, la présente étude invalide les thèses élaborées à partir d'un matériau fragmentaire. Point de convergence de questions d'esthétique, de réalités politiques et historiques, le phénomène est réinséré dans l'histoire du théâtre allemand à un moment qui coïncide avec la prise de conscience de la germanite, la réception de Shakespeare et le conflit des esthétiques. L'analyse du concept de patriotisme, indissociable de l'idée de "théâtre national", précise le point de vue, communiqué par ces drames, sur la vie de la cité et les pouvoirs établis et inscrit le "genre" dans le débat sur l'image de l'étranger et le jeu contrasté des stéréotypes. La mise au jour de métamorphoses de cette veine théâtrale s'inscrit en faux contre les positions admises jusqu'ici. En filigrane, sont abordées la querelle sur les niveaux de style et la question de la trivialisation<br>The resounding success of chivalric drama in German-speaking countries at the end of the eighteenth century and the beginning of the nineteenth has not secured for this "genre" the attention it deserves from researchers. Based on better quantitative survey of this dramatic from and a broader corpus of references, the present study invalidates the theses founded on fragmentary material. This phenomenon, as the point of convergence of questions of aesthetics and of historical and political realities, is reinserted in the German theatre at a moment which coincides with the awakening of a Germanic identity, the acceptance of Shakespeare and aesthetic conflicts. The analysis of the concept of patriotism, which is inseparable from the idea of a "national theatre", clarifies the point of view transmitted by these plays as regards the life of the city and the established powers and gives the "genre" its place in the debate concerning the image of foreigners and the contrasting effects of stereotypes. The metamorphosis of this theatrical vein, once revealed, rejects the positions considered acceptable until now. The dispute concerning levels of