Dissertations / Theses: 'Épique (esthétique) – 19e siècle'

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Beneteau, Olivier. "L’Ascension suprême : poétique de l’épopée mystique de Jean-Baptiste Cousin de Grainville à Victor Hugo (1805-1891) »." Electronic Thesis or Diss., Angers, 2024. http://www.theses.fr/2024ANGE0003.

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Abstract:

Sous l’angle de la poétique, la science des principes constitutifs des formes littéraires, l’objectif de notre étude consiste, avant tout, à revaloriser le champ de l’épopée au XIXe siècle en étudiant l’évolution thématique et structurelle du genre épique à la lumière de la théologie mystique. À partir d’une vingtaine d’œuvres sélectionnées au sein d’un corpus foisonnant (dont la plupart, injustement oubliées par la postérité, sont le fruit de minores), nous entendons démontrer que l’épopée du XIXe siècle, loin de se cantonner à la tradition classique des grands modèles totémiques issus de l’Antiquité, subit, au lendemain de la Révolution, ce que nous envisageons comme un changement de paradigme. En passant progressivement d’une épopée « héroïque », pour reprendre le mot d’Henry Corbin, à une épopée dite « mystique », influencée par la revalorisation des œuvres de Dante, Milton et Klopstock, la nouvelle triade romantique, l’épopée du XIXe siècle, censée structurer la société à partir d’un événement fondateur, devient presque exclusivement visionnaire en ce qu’elle déporte son attention de la Terre vers les Cieux, de la politique vers la métaphysique.Là se trouve tout le cœur de notre thèse dont le mouvement, nourri de la « relation critique » entre littérature et mystique, porte en germe l’avenir d’un genre désormais voué à la révélation eschatologique et à la réintégration de l’âme déchue. Au-delà de la philosophie idéaliste, il s’agira surtout de prouver que les auteurs de notre corpus, éduqués dans la plus pure tradition catéchétique et sensibles aux nouveaux courants occultes et illuministes qui travaillent la conscience romantique, font de l’épopée non plus une œuvre guerrière, centrée sur la mémoire historique des hauts faits nationaux, mais une épopée métaphysique qui puise dans les concepts mystiques pour éclairer son propre fonctionnement. Inscrit au cœur du renouveau des études mystiques en Europe depuis la fin du XXe siècle, notre sujet se concentre essentiellement sur la dialectique entre la mystique, traditionnellement spécifique et intimiste, et l’épopée, par définition générique et universelle, en approfondissant l’évolution, la transformation et les limites du genre à travers les trois voies définies par la théologie néo-platonicienne depuis le pseudo-Denys l'Aréopagite –purgative, illuminative et unitive – avant de parvenir à l’ultime apocatastase
From the perspective of poetics, the science of the principles of literary forms, the main goal of our study is to enhance the epic sphere in 19th century by studying the structural and thematic development of the heroic genre through the mystical theology. Working from some twenty rare pieces in an abundant corpus (most of them, unfairly forgotten by posterity, are the result of minores), we intend to prove that the epic of the 19thcentury, far from being confined to the classical tradition of the great totemic models from Antiquity, undergoes, after the Revolution, what we consider as a change of paradigm. Moving from a “heroic” epic, referring to Henry Corbin, to a so-called “mystical” epic, influenced by the revaluation of Dante, Milton and Klopstock’s works, the new romantic triad, the epic of the 19th century, supposed to organize society from a founding event, become exclusively prophetic by shifting its perspective from earth to heaven, from politics to metaphysics.Here is to be encountered the keystone of our dissertation, regarding the “critical relation” between literature and mysticism, which demonstrates the evolution of a genre henceforth dedicated to eschatological revelation and reintegration of the fallen soul. Beyond german idealism, we wish to emphasise that the authors of our corpus, educated in the purest catechetical tradition and affected by the new occult and illuminist currents, make the epic no longer a work of war, focused on the historical memory of national battles, but a mystagogic form that draws on mystical concepts to clarify its own running. Related to the revival of mystical studies in Europe since the late 20th century, our subject highlights the dialectic between mysticism, traditionally individual and intimate, and the epic, by global and universal definition, exploring the transformation and limits of the poetic form through the three ways defined by Neo-Platonic theology – purgative, illuminative and unitive– until the ultimate apocatastasis

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Loiseleur-Foglia, Aurélie. "L'harmonie selon Lamartine, dans sa poésie épique et lyrique (1820-1869) : utopie d'un lieu commun." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040128.

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Abstract:

Avec la publication des Méditations, en 1820, la poésie lamartinienne marque la renaissance du lyrisme. Or, ce qui produit cette révolution silencieuse dans la poétique des Lumières, tout en conservant le canon classique, c'est un autre rapport au monde et aux mots qui se joue dans la notion d'harmonie. En effet, elle se présente comme une nébuleuse sémantique qui unifie des domaines que la modernité a séparés : poésie, musique, politique, religion. L'esthétique du poème met en miroir dans le cours de l'histoire le rêve humanitaire et la vision du monde, qu'elle soit élégiaque ou eschatologique. L'harmonie au XIXe siècle, à travers le destin de Lamartine, poète et homme d'Etat, qui l'incarne et qui la dit, offre un lieu commun. Utopie ? Peut-être n'a-t-il pas eu lieu hors du poème, qui, suivant une nouvelle esthétique de la réceptivité, parle à chacun dans la langue du cœur et vise la mystique par la musique des mots
The publication of the Meditations, written by Alphonse de Lamartine, in 1820, produces the revival of lyricism in French litterature. These verses make a silent revolution in the poetics of the Enlightenment, although they keep carefully the ancient rules, because the notion of harmony proposes another conception of the world and of the words. Harmony consists in semantic diversity, linking together many fields that modernity has now separated : poetry, music, politics and faith. The poem is thus the mirror of History and shows the progress of humanity. Through the life of Lamartine, poet and statesman at the same time, the dream of harmony becomes present and possible and offers a commonplace idea. Utopia ? Maybe it has only taken place into the poem itself, when Lamartine's poetry aims to speak to anybody in the heart's langage, and even to God with the music of the words

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Leclercq, Armelle. "Portraits croisés : l'image des Francs et des musulmans dans les textes sur la première croisade (chroniques latines et arabes, chansons de geste françaises des XIIe et XIIIe siècles)." Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030158.

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Abstract:

Ce travail a pour objet l'image de l'autre dans les textes français et arabes des XIIe et XIIIe siècles traitant de la première croisade (1095-1099). Le contact direct entre Orientaux et Occidentaux en Terre Sainte contribue en effet à modifier peu à peu les perceptions antérieures de l'altérité. Les auteurs des deux camps ont alors des attitudes très semblables : ils sont partagés entre curiosité envers l'ennemi, goût pour les attaques idéologiques et inclination à la rhétorique de guerre sainte. Après une évocation des conditions de production des œuvres, cette étude fournit des analyses autour de quatre axes majeurs : la découverte de l'autre, la polémique religieuse, l'autosacralisation et les altérations de l'altérité. Elle fait aussi la part belle à un développement occidental spécifique, la création d'une figure fictive appelée à une certaine postérité, l'ennemi historique métamorphosé en converti prosélyte
This study focuses on the image of the other in French and Arab texts of the 12th and 13th centuries dealing with the First Crusade (1095-1099). The crusade brought people from East and West into direct contact with each other, and with the new contact came a gradual change in their perception of alterity. Writers from both camps share similar attitudes : they hesitate between curiosity about the enemy, a taste for ideological argument and a predilection for the rhetoric of holy war. After a survey of the conditions of creation of the works, this study gives full analyses oriented in four directions : the discovery of the other, religious polemics, self-sacralisation and alterations of alterity. Finally, it pays close attention to a peculiarly Western development – the creation of a fictional but long-lived figure – the historical enemy transformed into a proselytizing convert

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Neveux, Marguerite. "Construction et proportion : apports germaniques (de la section d'or au nombre d'or) dans une théorie de la peinture française de Seurat à Le Corbusier." Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010590.

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Abstract:

En Allemagne, au milieu du XIXe siècle, certains penseurs se proposent de fonder le beau, comme dans les sciences, sur des lois générales, uniques, universelles. Ils affirment que seules les figures géométriques sont à même d'exprimer ces lois. De la multiplicité des solutions proposées, la section d'or de Zeising s'imposera, parce qu'elle aura reçu la caution des scientifiques G. T. Fechner et W. Wundt. En France, nous retrouvons cette tentative d'une esthétique scientifique, dans laquelle la section d'or occupe une place privilégiée chez Charles Henry qui est censé l'avoir successivement fait connaitre à Seurat, aux puristes, Ozenfant et Le Corbusier, et enfin à Severini. La section d'or fait également partie des "saintes mesures" proposées par l'écoles d'art sacré de Beuron dont les théories marquent Paul Sérusier et Maurice Denis. Enfin, la section d'or se retrouvera chez Matila Ghyka, auteur qui en exposera les propriétés mathématiques, en amplifiera les qualités esthétiques, lui ajoutera un caractère ésotérique pythagoricien et fonde le nombre d'or, qui désormais, se dégage
Mid nineteenth century in Germany some scholars using science proceedings endeavour to found the beautiful on single and universal rules. They contend that the geometric figures possess the ability of expressing these rules. Out of the multiplicity of the proposed solutions Zeising's golden section will lead because of and with the caution security added thereto by the scientists G. T. Fechner and W. Wundt. In France there is a similar attempt undertaken by Charles Henry to developp a scientific aesthetics wherein the golden section will be privileged of an outstanding position. Ch. Henry is supposed to have made it known successively to Seurat, Purists, Ozenfant and Le Corbusier, and Severini. The golden section is also a part of the holy measures outlined by the sacred art school of Beuron whose theories inscribe their mark on Paul Sérusier and Maurice Denis. At last the golden section will be favoured by Matila Ghyka who shall describe its mathematical proprieties emphasize on its aesthetic qualities add a pythagorician esoteric meaning and create the golden number which shall thereafter remain solely used

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Bouchardon, Marianne. "Théâtre-poésie : limites non-frontières entre deux genres du symbolisme à nos jours." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100127.

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Abstract:

L'objet de ce travail est de montrer que la forme dramatique, entrée en crise à partir de la fin du XIXe siècle et pendant tout le XXe siècle, ne s'est pas seulement renouvelée par le biais d'une ouverture du genre théâtral du côté du genre romanesque, c'est à dire par le biais d'une "romanisation" ou d'une "épicisation" d'ores et déjà abondamment théorisée, mais également par la voie d'un décloisonnement du genre théâtral du côté du genre poétique, suggérant l'invention d'une sorte de "théâtre-poésie". Cette problématique invite à interroger le rapport du dramatique et du poétique à différentes époques charnières de l'histoire du théâtre, le symbolisme, les avants-gardes et l'époque contemporaine, et à analyser, pour chacune de ces périodes, une ou dramaturgies à valeur exemplaire, en l'occurence, celles de Villiers de l'Isle-Adam et de Maurice Maeterlinck, celles de Guillaume Apollinaire et de Roger Vitrac, celle enfin de Valère Novarina
The object of this work is to show that the dramatic form, entered in crisis from the end of the XIXth century and during all XXth century, was not only renewed by means of an opening of the theatrical genre as for the romantic genre, that is by means of a "romanisation" or of an "épicisation" already abundantly theorized, but also by the way of a decompartmentalization of the theatrical genre towards the poetic genre, suggesting the invention of a sort of "theater-poetry". This problem prompt to interrogate the report of the dramatic and of poetics in various times hinges of the history of the theater, the symbolism, the avant-gardes and the contemporary time, and to analyze, for each of these periods, one or two dramatic arts with exemplary value, in this particular case, those of Villiers de l'Isle-Adam and Maurice Maeterlinck, those of Guillaume Apollinaire and Roger Vitrac, that finally Valère Novarina

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Gramfort, Valérie. "L'année 1869." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030033.

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Abstract:

L'objet de cette étude s'effectue à partir d'une coupe synchronique du vécu littéraire de 1869 en procédant à un dépouillement de la presse quotidienne parisienne ainsi qu'à une lecture des œuvres romanesques, théâtrales, et poétiques de l'époque. Ce qui nous intéresse avant tout c'est de dresser un bilan de cette production littéraire en tenant compte du contexte historique, économique, scientifique et artistique de l'époque. Pourquoi 1869 ? Parce que cette date est à la fois un signe et un point de repère obligé. Située juste un an avant que n'éclate la guerre franco-prussienne et que la troisième république soit proclamée, elle est marquée par l'inauguration du canal de Suez, le centenaire de Napoléon 1er mais aussi par des élections législatives qui révèlent déjà la fragilité du règne de Napoléon III. C'est aussi du point de vue littéraire une année charnière où nous assistons à la réédition intégrale de l'œuvre de Balzac et à la réalisation du plan d'ensemble du cycle des Rougon-Macquart, ainsi qu'à la publication de l'Education sentimentale, de l'Homme qui rit, de Madame Gervaisais, de Vingt mille lieues sous les mers ou des Chants de Maldoror
This research has been done through a synchronic study of the literary life in 1869, through the perusal of Paris daily press as well as analysis of novels, plays and poems from that period. First and foremost, we tried to take stock of the literary production taking into account the historical, economic, scientific and artistic context of the time. Why chose 1869 ? Because this date is both a sign and an inevitable landmark. Just one year before the war broke out between France and Prussia and the third republic was proclaimed, 1869 was marked by the opening of the Suez canal, the centenary of Napoléon I But also by the results general election that revealed already the weakness of Napoleon III reign. From a literary viewpoint, 1869 is a transition year when Balzac's entire works were republished, the framework of the Rougon-Macquart cycle was set up and were published the Education sentimentale, l'Homme qui rit, Madame Gervaisais, Vingt mille lieues sous les mers or Les Chants de Maldoror

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Auger-Sergent, Anne-Sophie. "Les graffiti marins de Normandie (13e siècle- 19e siècle)." Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010544.

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Abstract:

La Normandie est extrêmement riche en graffiti marins, mais ces sources iconographiques n'ont jamais fait l'objet d'études synthétiques régionales. L'inventaire des graffiti normands permet de disposer d'un corpus de quelques 500 documents dates du 13e au 19e siècle. Les gravures figurent essentiellement des navires, mais aussi des éléments de navire (ancre, pavillon, greement, éperon) ou de navigation (balise), des animaux (poisson, oiseau de mer) et des inscriptions maritimes. Leur intérêt réside dans le fait qu'ils livrent des représentations de bâtiments des petites marines de pèche et de commerce pour lesquelles nos sources sont rares avant le 18e, tout en contribuant au renouvellement des sources iconographiques navales. La répartition des graffiti en Normandie calque les zones maritimes et fluviales. Ils sont omni présents sur les pierres calcaires et les plâtres des églises, châteaux et maisons traditionnelles. Malgré leur intérêt pour l'archéologie navale, les graffiti soulèvent de nombreux problèmes et en particulier pour leur détermination et leur datation. L'utilisation de la voilure comme fil conducteur de la typologie permet à la fois une sériation des données, leur détermination par le biais de comparaisons iconographiques et leur datation. Les graffiti de navires normands désignent des bâtiments de commerce et de cabotage. Les bateaux fluviaux sont rares
Normandy is extremely rich in ship graffiti, but we haven't any regional and synthetical studies about these iconographic sources. The inventory of Normand graffiti allows to have a corpus of some 500 documents dated from 13th to 19th centuries. The documents present essentialy ships, but also elements of ship (anchor, flag, rigging, head) or elements of navigation (sea-mark), animals (fisch, sea-bird), and maritime inscriptions. Their major value ist that graffiti give representations of boats of merchant navy and fisching navy, on which we haven't any iconographic source before the 18th century, and contribute to the repacement of naval iconographic material. The geographic repartition of ship graffiti follows the maritime and fluvial zones. They are omnipresent on the soft calcareous and plaster of the churchs, castles and traditionnal houses. In spite of their value for ship archaeology, graffiti pose a problem and particulary for determination and dating. The use of sails as leading thread allows at the same time a classification of ships graffiti, their typing according iconographic comparaisons, and their datation. Normand graffiti present merchant and coast ships. Barges are rare

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Bourlier, Pierre. "Style, temps, architectureOu L'éternel retour de l'enjeu stylistique." Paris 8, 2006. http://www.theses.fr/2006PA082743.

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Abstract:

« Le style c’est l’époque d’abord » peut-on lire dans le Traité de Léonce Reynaud (1850), citation à laquelle fait écho cette autre déclaration plus tardive de Peter Behrens : « Faire de l'architecture c'est donner corps à l'esprit du temps » (1913). Les deux auteurs architectes partagent cette idée du temps incarné dans l’architecture, produit d’une Zeitwille telle que l’appelle aussi Ludwig Mies van der Rohe. Mais tandis que pour l’un le style est le vecteur de l’expression de la temporalité, pour l’autre, c’est au « faire » qu’il revient de former cet être au temps. Davantage, Behrens appartient à un mouvement générationnel « moderne » qui, précisément, se reconnaît à travers un rejet unanime et international des problèmes stylistiques. Comment expliquer que la question de l’historicité de l’architecture fut abordée une première fois avec le style, puis une seconde fois en radicale opposition à lui ? Plus généralement, en quoi les discours sur le style renseignent-ils sur le rapport de l’architecture au temps ? Cette thèse voudrait apporter quelques éclairages sur ces questions par l’intermédiaire d’une enquête généalogique sur le concept moderne de style
“Style is time first” writes Léonce Reynaud in his Traité d’architecture (1850). This quotation is later echoed by this other declaration of Peter Behrens: “making architecture is to give body to the spirit of the time” (1913). Both share this idea of time embodied in architecture conceived as a product of a Zeitwille as Ludwig Mies van der Rohe also calls it. But while the style for one is the vector of the expression of temporality, it is the “making” that is intended to give such a temporal existence for the other. Moreover, Behrens belongs to a “modern” generational movement which, precisely, recognizes itself through a unanimous and international rejection of the stylistic problems. How can we explain that the question of the historicity of architecture was tackled once with the idea of style, then a second time in radical opposition to it? Generally speaking, what does the debate on style tell us about the relationship between architecture and time? This thesis would like to give some answers to these questions with the help of a genealogical investigation on the modern concept of style

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Dromby, Jean-Jacques. "La musique dans les Ardennes de 1790 à 1914 : étude institutionnelle, sociologique et esthétique." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040087.

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Abstract:

Vie musicale dans les Ardennes françaises et dans les cantons belges limitrophes au 19e siècle. Premier axe de recherche : mise en évidence de la vie musicale au sein de la société ardennaise sous ses aspects sociologique, institutionnel, politique et religieux. Second axe : analyse esthétique de la musique populaire et de l'œuvre de quelques compositeurs qui ont illustré la région avant 1914, afin de dégager l'éventualité d'un style musical spécifiquement ardennais. Le choix de la période d'étude a été guidé par l'intérêt qu'elle présente de nous faire assister à la fin d'un monde, celui des traditions, et à la naissance d'un nouveau, celui du progrès technologique. Dans le domaine géographique, le travail est rendu plus complexe par la présence d'une frontière qui divise la population entre ardennais belges et ardennais français. Si la Révolution française de 1789 a amené une instabilité politique et sociale qui a duré, en fait, jusqu'en 1905, un certain goût musical a perdure en France et en Belgique pendant toute cette période. La recherche de la vie musicale dans les Ardennes peut être considérée comme achevée et positive, mais il n'en est pas de même de celle d'un style musical particulier aux Ardennes. Il apparait, en effet, que les répertoires ardennais se rattachent, par leurs origines et leur inspiration, et cela du côté français comme du côté belge, à l'esthétique de la région parisienne et du nord de la France
Musical life in the French Ardennes and in the bordering Belgian areas. First line of research: to reveal the musical life amongst the Ardennes society from the sociological, institutional, political and religious points of view. Second line of research: aesthetical analysis of popular music and the works of some composers who made the area famous before 1914, in order to reveal the possibility of a specific "ardennais" musical style. The choice of the period was given by the fact that it is the end of a world- the world of traditions- and the beginning of a new one: the world of technological progress. In a geographical context, the study is made more complicated because of the existence of a border that divides the population between the Belgian and the French ardennais. Although in fact the French revolution of 1789 created a political and social instability that lasted until 1905, a certain musical taste remained in France and in Belgium during all this period of time. Even though the research of musical life in the Ardennes can be considered as completed and positive, the research of a musical style particular to the Ardennes can not. Indeed, it seems that the repertoires of the Ardennes can be linked by their origins and inspirations, on the French side as much as on the Belgian side, to the aesthetics of the Paris area and the north of France

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Vigneron, Denis. "Nouveaux discours, nouveaux regards sur la création artistique en Espagne de la fin du dix-neuvième siècle à 1931." Lille 3, 2006. http://www.theses.fr/2006LIL30016.

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Abstract:

La nouvelle réalité n'a pas besoin de ressembler à la réalité, dit Ramón Gómez de la Serna en 1931 dans Ismos. Dès 1898, des créateurs et des intellectuels recherchent les conditions de cette rupture totale de la mimèsis pour montrer que l'art est un questionnement universel, voire mystique. Ils remettent en question le sens de la beauté conventionnelle. Darío de Regoyos trouve dans la ténébreuse Espagne noire les éléments d'une régénération de l'Espagne. Le peintre et écrivain José Gutiérrez Solana s'inscrit davantage dans une pérennité ethnologiquement espagnole d'une esthétique du sordide. Au regard des tendances artistiques européennes, José Ortega y Gasset, José Díaz Fernández, Ramón Gómez de la Serna réfléchissent aux conditions culturelles de la modernité espagnole. L'étude des artistes réunis dans cette thèse se veut avant tout une réflexion sur l'évolution du discours esthétique et une interrogation sur l'identité espagnole. Elle témoigne de l'aspiration de l'esthétique à la liberté

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Lacroix, Sophie. "Le thème des ruines dans la sensibilité et la réflexion philosophique de 1750 à 1830." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040145.

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Abstract:

Le thème des ruines s'est d'abord mis au service d'une idée, celle de la caducité des choses humaines. Ce travail veut montrer qu'un tournant est opéré dans la seconde moitié du XVIIIe siècle qui se singularise par un traitement nouveau des monuments en péril. Ceux-ci, qui sont acceptés dans leur réalité de fragments - débris, deviennent un détour pour faire éprouver l'autre voix des Lumières dominantes, une métaphore d'un courant parallèle, un instrument méthodologique qui ausculte la crise sous-jacente. Ce tournant se manifeste par une sensibilité nouvelle qui accepte l'être mutilé des ruines, et par une réflexion qui ressaisit cette expérience dans les champs variés de l'analyse philosophique : celui de l'histoire de l'art en contribuant à la naissance d'une esthétique du sublime, celui de l'histoire et celui de la métaphysique
Ruins as a theme originated in the notion that man-made things were transient, ephemeral and liable to decay. However, the present research aims to document the way ruins were newly perceived in the late XVIIIth and early XIXth Centuries. Our purpose is to account for the major turn in sensibility which occured then. Collapsing monuments were no longer assessed against the blackcloth of impermanence but were viewed as leftover fragments and accepted in all their concreteness as debris. This breaks away from widely held views of a mainstream Enlightenment by providing a methodological tool to uncover its underlying crisis. Such a turn in perceptions is evidenced by the new sensibility which opened up to the mutilated being of ruins. It is next displayed in the renewed philosophical inquiries which traced this experience in various fields, namely art history, but also history, and finally metaphysics

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Diong, Maneume. "Aventures et avatars de la modernité poétique : de Baudelaire , Rimbaud, Mallarmé, Breton et Bonnefoy." Tours, 2004. http://www.theses.fr/2004TOUR2001.

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Abstract:

Cette thèse est une approche linéaire de la modernité poétique qui n'en est pas une. Baudelaire, Rimbaud, Mallarmé, Breton et Bonnefoy nous proposent chacun des cheminements différents. Ce sont ces différences qui actualisent leurs poésies et les inscrivent sous la bannière de poètes modernes. En les étudiant, on aboutit à une sorte de parcours poétique à deux vitesses : une modernité du sacré et de Mallarmé qui donne la préférence au signifiant. Breton, quant à lui, assigne une autre mission à la poésie : c'est la quête de l'irrationnel comme moteur de sa création dans la mesure òù il permet d'arriver à une passivité de la conscience pour que l'écrivain se libére des contraintes de la morale puritaine. Avec Bonnefoy, c'est une incessante lutte avec le langage poétique. Pour lui, la poésie, c'est l'affirmation de l'existence de la dérive, du vivre sur l'écrire, en un mot de la recherche du sens sur le plaisir illusoire de la dérive des signifiants, parce que les vrais lieux poétiques sont du côté de la présence, c'est-à-dire de l'existence vécue.

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Puppi, Marcelo. "La dimension culturelle du rationalisme structurel : architecture, histoire et utopie chez Léonce Reynaud, Fernand de Dartein et Auguste Choisy." Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010517.

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Abstract:

Dans l'histoire de l'architecture, le rationalisme structurel du XIXe siècle a toujours été envisagé du point de vue du rapport entre l'architecture et la science. Si cette perspective a contribué significativement à la compréhension des liens entre l'architecture et son contexte culturel, elle constitue néanmoins encore une approche partielle du sujet. On peut maintenant aller plus loin et appréhender l'autre part du rationalisme à savoir la dimension esthétique qui s'avère au moins aussi importante sinon plus que la dimension scientifique. La pensée de L. Reynaud et de ses élèves F. De Dartein et A. Choisy est une source privilégiée pour élargir l'intelligence du sujet. Jusqu'à présent, elle n'a pas encore été intégralement perçue. D'une part, au motif qu'ils sont ingénieurs, on en déduit un peu trop vite qu'ils n'outrepassent pas les limites de la méthode analytique de Durand. D'autre part, on considère que la mise en valeur de l'art par Reynaud représente simplement une concession faite à la doctrine de Quatremère de Quincy et à l'Académie. Reynaud, Dartein et Choisy restent encore des auteurs à découvrir. Ce travail vise à montrer, d'abord que leur approche théorique et historique relève d'une méthode synthétique ou organiciste, et plus particulièrement de la pensée saint-simonienne; ensuite que la dimension esthétique joue un rôle majeur dans la conception qu'ils se font de la connaissance comme de l'architecture, de la théorie comme de la pratique; et enfin que c'est surtout par l'intermédiaire de la dimension esthétique que l'on peut approfondir l'étude des rapports reliant leur conception de l'architecture au contexte culturel et social de l'époque.

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Couturier-Heinrich, Clémence. "Les discours sur le rythme en Allemagne autour de 1800." Philosophie, 2002. http://www.theses.fr/2002TOUR2012.

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Abstract:

Le mot rythme est entré dans le vocabulaire esthétique allemand vers 1765. Dès lors, et jusqu'au début des années 1820, le rythme a fait l'objet de quatre types de discours dans la théorie des arts diachroniques. Il a été présenté comme une donnée de la nature humaine, comme la marque d'une époque historique révolue, comme une relation de cause à effet - dans une théorie philologique du rythme inspirée par la philosophie kantienne -, et enfin comme un facteur clé de l'identité de l'œuvre poétique. Dans ce dernier pan de la réflexion sur le rythme, s'est amorcé un accroissement de l'extension du terme qui s'est poursuivi pendant tout le XIXe siècle. Dans trois des quatre types de discours, les notions de rythme et de force sont liées. La réflexion sur le rythme a permis à l'esthétique allemande de développer une nouvelle approche des arts diachroniques, partant de ce qui les unit. Elle a été au confluent des courants théorique et pratique du rapport des auteurs allemands à la Grèce antique, puisque le rythme occupait une position privilégiée dans la nomenclature identitaire de l'Antiquité grecque et que l'étude du rythme était nécessaire pour imiter les mètres grecs en allemand.

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Penot, Agnès. "L'internationalisation des galeries françaises durant la seconde moitié du XIXe siècle : l'exemple de la maison Goupil (1846-1884)." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010696.

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Abstract:

Entre 1846 et 1884, la maison Goupil fut l'une des galeries d'art françaises les réputées. Elle a développé ses affaires autour du commerce d'estampes, de peintures, de pastels, de sculptures et de dessins d'artistes pour la plupart contemporains, européens et de style académique. La stratégie mercantile de la société s'appuie principalement sur un réseau de succursales et de comptoirs établis dans les grandes capitales: La Haye, New York, Bruxelles, Berlin et Londrès. William Schaus et ultérieurement Michael Knoedler ont développé un marché en Amérique, et Vincent Van Gogh (oncle Cent) a consolidé les relations entre les Pays-Bas et Paris. En parallèle, la société participe aux manifestations internationales marquantes de l'époque comme les Expositions universelles. La réussite de la maison Goupil est évidente. Ce processus général d'internationalisation a permis le renouvèlement de la clientèle et des artistes et garanti la pérennité du nom « Goupil» dans l'histoire et l'histoire de l'art. De nombreuses œuvres conservées dans les musées internationaux proviennent de son stock. Cette thèse analyse les livres d'inventaire qui répertorient les transactions de la galerie de peintures parisienne qui sont devenus une source fondamentale pour la connaissance du marché de l'art au XIXe siècle et l'histoire du collectionnisme et du goût.

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Bellot, Michel. "Esthétique des figures impossibles et ambiguës." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010647.

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Abstract:

La classification des figures impossibles et ambiguës, proposée ici, montre que trois mécanismes plastiques permettent de rendre compte des rates de la représentation spatiale : la superposition, le contact et l'alignement. Il apparait encore que l'impossible et l'ambigu sont des territoires proches, lies par un espace intermédiaire : l'impossible-possible, et que ces différents ratés de la représentation investissent les trois types de surface de l'image, que sont la figure, le fond et leur association. Mais, au-delà des mécanismes plastiques, ces images exercent encore une fascination que seul l'imaginaire est à même d'expliquer. Le discours latent d'une construction impossible évoquerait l'inceste et les différents interdits qui peuvent y être rattachés, tandis qu'une forme ambiguë, par son alternative jamais résolue, rappellerait l'ambivalence qui, émanant de ces premiers désirs, vient ensuite investir nos sentiments ultérieurs. Une réhabilitation esthétique des figures impossibles et ambiguës a enfin été entreprise, car ces images utilisent des mécanismes identiques à ceux que Cézanne, Matisse et Magritte ont employés pour opérer leur critique de la représentation. Certaines pratiques contemporaines vont d'ailleurs moins loin, en préférant l'auto-référentialité du propos et la matérialité des moyens à la question fondamentale de toute représentation plastique : l'impossible passage des trois dimensions du réel aux deux dimensions du support.

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Lampe, Angela. "Per Kirkeby : un artiste de la tradition nordique ?" Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010594.

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Abstract:

Cette etude se propose d'analyser en profondeur les liens que l'artiste danois per kirkeby (ne en 1938) entretient avec son heritage culturel et, par la, de demontrer la complexite d'une notion telle que la "tradition nordique" en histoire de l'art. L'analyse historiographique des discours (en particulier allemands et scandinaves) sur laquelle ce travail s'ouvre, revele le caractere arbitraire de toute definition prealable du terme "nordique", toujours tributaire des enjeux strategiques et politiques de ceux qui l'utilisent, y compris des artistes. Pour evaluer la pertinence de cette notion, il faut donc partir de l'analyse de l'oeuvre plastique d'un artiste specifique qui est per kirkeby : ses particularites par rapport au contexte international (pop art, art minimal. Peinture neo-figurative), dans lequel il se situe au cours de sa carriere ; les elements effectivement "nordiques" de son art, tels qu'ils apparaissent apres une comparaison avec d'autres artistes de l'europe du nord (de friedrich et turner a jorn en passant par munch et strindberg); et, enfin, les possibles motifs de ces similarites. Ces analyses aboutissent a une mise en question de la conception habituelle de la "tradition nordique", a savoir de la transmission continuelle et inconsciente d'un heritage culturel. L'artiste s'en sert aussi deliberement. Le travail se clot sur la proposition d'une nouvelle approche : employer la notion de "nordique" de facon structurelle, detachee d'un contexte geographique.

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Beauchamp, Hélène. "La marionnette, conscience critique et laboratoire du théâtre : usages théoriques et scéniques de la marionnette entre les années 1890 et les années 1930 (Belgique, France, Espagne)." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040322.

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Abstract:

À la fin du 19ème siècle, dans toute l’Europe, les avant-gardes théâtrales s’intéressent de manière particulièrement frappante aux marionnettes. Elles font de la marionnette, jusqu’alors ancrée dans des pratiques en marge du théâtre officiel et associée à des traditions en voie de disparition, un modèle esthétique, et ce jusqu’à la fin des années 1930. Le « modèle marionnettique » s’applique alors à tous les champs de l’art du théâtre : théorie, dramaturgie, mise en scène. Cette thèse, en se donnant pour objet l’étude de ce modèle et de ses racines dans trois pays limitrophes (la Belgique, l’Espagne et la France) dans lesquels les conditions de la vie théâtrale sont assez différentes, explique l’irruption de la marionnette dans la sphère du théâtre savant par son usage critique et expérimental. L’étude dramaturgique des textes, associée à un travail sur des écrits théoriques (y compris des critiques de presse de l’époque) et sur des réalisations scéniques, montre comment la marionnette est érigée en conscience critique du théâtre officiel, en particulier du théâtre « bourgeois » de la fin du 19ème siècle. Ce travail révèle, en outre, comment cette énergie polémique explore, souvent avant l’heure, des territoires fondamentaux de la scène moderne : méta-théâtralité, parodie, distanciation, fusion des arts, mais aussi recherche d’un théâtre populaire et politique
At the end of the 19th century, the theatrical avant-garde across Europe showed a striking interest for puppets. They used puppets – till then marginalized in the official theatre and associated with disappearing traditions – as an aesthetic model up to the end of the 1930s. The ‘puppet model’ was applied to all domains of theatrical art : theory, dramaturgy, stage direction. In studying this model and its roots in three neighbouring countries (Belgium, Spain and France) in which the conditions of theatrical life were significantly different, this dissertation explains the eruption of the puppet in the sphere of high theatre through its critical and experimental uses. The theatrical study of these texts, combined with an analysis of the theoretical writings (including reviews in the period press) and stage direction shows how the puppet is constructed as the critical consciousness of the official theatre, especially the ‘bourgeois’ theatre, at the end of the 19th century. Moreover, this work reveals how this polemical energy explored fundamental territories of the modern stage in advance : meta-theatricality, parody, defamiliarization, artistic fusion, as well as the quest for a popular and political theatre

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Ferreira, Liliane. "Oscar Wilde : Esthétique et philosophie de la provocation." Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100007.

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Abstract:

Les sur-déterminations éthiques et esthétiques d’Oscar Wilde qui masquaient l’invisible de son œuvre et de son être, nous ont contraints à nous installer dans le visible de sa photographie pour descendre peu à peu dans les cercles voilés de ses décisions provocatrices. Ces décisions vont se positionner en premier lieu dans un pressenti : les enjeux philosophiques, esthétiques et politiques structurés dans tous ses écrits, annoncent une détermination aux accents libertaires et tragiques. Porté par une mélancolie lancinante, Wilde va tisser une œuvre que la Philosophie doit désormais aborder, non seulement pour la qualité de ses suggestions esthétiques, mais tout autant pour avoir, à lui seul, dit et fait ce que tout être peut désormais imaginer et réaliser : la transformation de soi par soi à force de provocations abouties. Quand l’être-même se bouscule pour interroger la violence d’un système social dans toutes les contradictions et les limites de ses instances, quand il s’y livre corps et âme jusqu’à ce que sa mort porte son sens de la beauté, de l’exigence d’être-au monde individuel et altruiste dans le même mouvement, alors il fallait dérouler le fil d’Ariane. Celui qui nous amènera à révéler le tragédien Wilde, le libre-penseur qui a intuitionné son devenir, c’est-à-dire qui a souterrainement posé les conditions de sa vie d’artiste, de ses exigences esthétiques pour les vivre en adéquation totale avec ses théories et son imaginaire prodigieux. Il était tragédien, il est mort tragiquement, mais c’était son projet. Oscar Wilde est né une seconde fois le 30 novembre 1900, en saluant Nietzsche au passage
The ethical and aesthetic overdeterminations about Oscar Wilde, that blocked off the invisible of his work and being, compelled us to settle in the visible of his photograph in order to move gradually down the veiled circles of his troublemaking decisions. These decisions first take position in a feeling: the philosophical, esthetical and political propositions at stake in all his writings announce a determination of the will with libertarian and tragical mood. Led by a haunting melancholy, Wilde weaves a work that philosophy has yet to tackle, not only because of the quality of his esthetical suggestions, but also because he, by himself, said and made what every being may yet imagine and realize: the selftransformation of the self by the means of accomplished provocations. When the very being turns himself upside down in order to question the violence of a social system in all the contradictions and boundaries of the same system, when he abandons himself to it until his death wears his meaning of beauty, so then had we to unwind the Ariane's thread. The thread that brings us to reveal Wilde the tragedian, the freethinker who intuitioned his becoming, i. E. Who laid underground the conditions of his life as an artist and his esthetical demands in order to live them appropriately to his theories and extraordinary imagination. He who was a tragedian died tragically, but he did it on purpose. Oscar Wilde was born again on November the 30th 1900, waving to Nietzsche by the way

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Le, Scanff Yvon. "Le paysage romantique et l'expérience du sublime : littérature, esthétique, métaphysique." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040185.

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Abstract:

L'objet principal de cette thèse consiste en l'étude de paysages romantiques dans leur rapport à une expérience du sublime, au sein de la littérature française du XIXème siècle. Le paysage sublime prend naissance dans une tradition antique et rhétorique du lieu d'horreur qui se conceptualise en sublime sombre à la fin du XVIIIème siècle avec la redécouverte préromantique et romantique de références littéraires et picturales fondamentales (Dante, Milton notamment) et sous l'effet d'une interprétation sensualiste (Burke, Diderot notamment) du sublime classique issu de la traduction par Boileau du Traité du Sublime de Longin. Le romantisme va utiliser le sentiment du sublime pour redonner un sens organique à la nature et au sujet connaissant dans le cadre d'un idéalisme objectif et subjectif qui met en place en rapport analogique l'objet et le sujet: le sublime est ainsi l'instrument de cette harmonie paradoxale puisqu'elle se révèle dans un perpétuel déchirement de l'expérience sensible
The main subject of this doctoral thesis consists in the study of romantic landscapes in relation to the experience of the Sublime in nineteenth century French literature. The sublime landscape originates in an ancient and rhetoric tradition of the scene of horror which by the end of the eighteenth century has evolved into the concept of "Dark Sublime" with the preromantic and romantic rediscovery of certain essential literary and pictorial references influenced by a sensualist interpretation (Burke, Diderot) of the classical sublime arising from Boileau's translation of Longinus ' Treatise on the Sublime. Romanticism will use the sentiment of the sublime to reintroduce an organic conception to nature and the thinking subject in the framework of an objective and subjective idealism which establishes object and subject in an analogical relationship: the sublime is the instrument of this paradoxical harmony since it is revealed through a perpetually wrenching experience of the senses

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Eckerlin, Peter. "Hans von Bülow : sa vision de la musique du XIXe siècle au travers de ses écrits et de sa correspondance." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040209.

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Abstract:

Cette thèse présente d'abord dans ses grands traits la vie de Hans von Bülow et retrace ses diverses activités dans la vie musicale en Allemagne entre 1850 et 1894. Après avoir été très lié aux compositeurs de la "Neudeutsche schule", Bülow se tourne vers Brahms. Ce doctorat étudie ce cheminement à la lumière de la pensée musicale de Bülow. Ses idées sur l'esthétique musicale sont alors mises en relation avec des résultats d'analyse de quelques œuvres primordiales de son proche entourage. Dans l'annexe se trouve l'inventaire des lettres bulowiennes rassemblées au fond "Hans von Bülow" à la Staatsbibliothek Preussischer Kulturbestiz, Berlin
To begin with this thesis outlines the life of Hans von Bulow and retraces his diverse activities in the musical life of Germany between 1850 and 1894. Having developed strong ties to the "Neudeutsche schule" first, Bulow later turned to Brahms. The thesis explores this development in the light of Bulow’s way of musical thinking. Bulow's ides of musical aesthetics are put into relation to the results of an analysis of some of the most important works of composers he felt closely connected with. The appendix contains an inventory of Bulow’s letters which are compiled in the estate of Hans von Bulow in the Staatsbibliothek Preussischer Kulturbesitz, Berlin

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Sarreau, Jérôme. "Le sublime et la représentation photographique de l'ouest américain au XIXè siècle [(1840-1912)]." Pau, 2008. http://www.theses.fr/2008PAUU1013.

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Abstract:

Au cours du 19è siècle, les Etats-Unis ont considérablement agrandi leur territoire. La partie occidentale du continent américain a progressivement été peuplée et industrialisée. Alors que des villes et usines étaient construites, la place de la nature régressait inexorablement. C'est dans ce contexte que des photographes sont partis vers l'Ouest afin de représenter les paysages encoresauvages mais aussi les merveilles technologiques qui commençaient à envahir cette région. Cette entreprise démontre l'attitude ambivalente des Américains du 19è siècle, à la fois éblouis par la beauté de la nature sauvage et attirés par le progrès technique. Il est donc significatif qu'ils aient considéré comme sublimes aussi bien les paysages sauvages crées par Dieu que les oeuvres des ingénieurs. On peut véritablement parler de transfert des valeurs au cours du siècle. La Nature, qui fut l'un des piliers dans la construction d'une authentique identité nationale, fut tout de suite associée au genre sublime, mais plus tard, ses caractéristiques furent transmises à l'Homme et l'idée de sublime fut alors associée aux machines. Une nouvelle forme de sublime est donc apparue en Amérique : le sublime technologique. Cette étude analyse le rôle des photographes dans cette évolution, qui pourrait être conçue comme une popularisation du sublime, mis à portée du plus grand nombre. Le corpus est principalement constitué de photographies réalisées par William Henry Jackson et Carleton E. Watkins. Les analyses de ces images permettent de mettre en évidence les éléments typiques du sublime. Ces photographies représentent tous les aspects de l'Ouest américain dans la deuxième moitié du 19è siècle : aussi bien les paysages sauvages que les tribus indiennes et l'industrialisation
During the 19th century, the territory occupied by the United States was significantly enlarged. The Western part of the American continent was progressively populated and industrialized. While towns and factories were built, the place of nature inexorably decreased. At that time, some photographers left for the West in order to represent the landscapes which were still in their pristine condition but also the technological wonders which were invading this area. Their undertaking shows the ambivalent attitude of 19th century Americans, who were both dazed by the beauty of the wilderness and lured by technical progress. It is thus significant that they considered as sublime not only the wild landscapes created by God but also the works of the engineers. We can really speak about a transfer of values during the century. Nature, which had been a pillar in the building of a genuine national identity, was associated with the sublime straightaway, but later, its characteristics were transferred to Man and the idea of sublime was then associated with the machines. A new form of sublime appeared in America : the technological sublime. This study analyzes the part played by photographers in this evolution, which could be seen as a popularization of the sublime, thus put within the reach of every American citizen. The corpus consists mainly of photographs taken by William Henry Jackson and Carleton E. Watkins. The analysis of these pictures emphasizes the typical characteristics of the sublime. These photographs represent all the aspects of the American West in the second half of the 19th century : the wilderness as well as the Indian tribes and the industrialization of the region

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Chabanne, Marie-Pierre. "Michel-Ange romantique : naissance de l'artiste moderne,de Winckelmann à Delacroix." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081847.

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Abstract:

@Après deux cents ans de mépris, Michel-Ange sort tout à coup de l'ombre et se voit reconnu, dans la seconde moitié du dix-huitième siècle, comme l'annonciateur de l'esthétique moderne. La première partie de cette étude rappelle quelles ont été les résistances à Michel-Ange : résistances des théoriciens de l'esthétique classique, tout d'abord, qui lui reprochent son insoumission aux règles académiques, son ignorance de la gr^ace, l'outrance et l'irréalisme de ses attitudes et de ses expressions - autant de bl^ames destinés à devenir des valeurs du romantisme. Mais elle analyse également les réticences des adeptes du premier romantisme, qui associent la puissance et le dynamisme de ses figures à une absence totale de spiritualité et de poésie. La seconde partie. . .

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Parise, Maddalena. "Du portrait ressemblant à l'excès de détails : le daguerréotype, une technique à l'épreuve de l'art." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010591.

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Abstract:

Dans quelle mesure la question de la ressemblance est-elle essentielle à la formation d'une esthétique de la photographie à l'ère de son invention? Quels en sont les enjeux à une époque où le nouveau médium expérimente une technique inédite dans le genre artistique du portrait? Nous partons de l'hypothèse que les premières épreuves photographiques se caractérisent par une dichotomie fondamentale entre un art de la représentation et un art de l'enregistrement. À cette époque, esthétique et technique sont étroitement liées et si les photographes se révèlent conscients des possibilités offertes par le nouveau médium, ils sont aussi continuellement confrontés à la tradition picturale. Notre approche cherche ainsi à croiser théorie et histoire, technique et esthétique dans le but d'examiner la construction de la ressemblance sous ses multiples aspects. Le portrait daguerréotype (1830-1855) matérialise la réflexion contemporaine sur la question de la ressemblance qui se présente construite autant qu'exacte. Le rôle crucial des détails dans la construction des portraits daguerréotypes nous a conduits à l'analyse des photographies et à l'étude des textes, de la production à la réception des images. La fonction paradoxale que ces détails exercent au sein des épreuves est symptomatique de la dualité de la ressemblance photographique, scindée entre un excès de précision et une extrême composition des images. La fonction du détail à l'intérieur de la composition des images, aléatoire ou participant à leur construction, ouvre une question plus vaste : celle du paradoxe de la représentation ressemblante et pourtant enregistrée.

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Scepi, Henri. "Sujet et langage : contribution à la poétique de Jules laforgue (1860-1887)." Clermont-Ferrand 2, 1996. http://www.theses.fr/1996CLF20097.

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Abstract:

Tout entière placée sous le signe d'une inlassable quête de l'originalité, et affiliée aux principes recteurs d'une esthétique d'inspiration philosophique et scientifique, l'oeuvre poétique de Laforgue vaut avant tout par son aptitude à poser le sujet créateur dans une situation critique par rapport à la question du langage et au problème subséquent de l'expression. En effet, réfutant une à une les thèses qui affirment dogmatiquement le primat de la clarté, du bon goût et du beau temporel, Laforgue avance l'hypothèse d'une esthétique en devenir qui inscrit au centre de ses préoccupations la nécessité d'inventer une langue idiosyncratique. Certes, une telle postulation rejoint l'impératif de modernité de la génération "décadente" mais elle recoupe aussi le champ de la théorie linguistique du 19e, laquelle s'emploie à problématiser, selon 2 axes distincts, la position du sujet parlant dans l'épaisseur de la langue. Aussi, sa démarche poétique reflète-t-elle 2 postures apparemment contradictoires : d'une part est revendiqué le droit à la subjectivité plénière et à l'autonomie poétique, principes ordonnateurs du discours ; d'autre part, un large crédit est accordé aux doctrines, héritières de Darwin et prolongées par Hartmann, qui asservissent le sujet à l'hégémonie d'une évolution qui le transcende et le dépasse. Mais ces 2 perspectives trouvent à se concilier dans l'élaboration d'une poétique qui entend s'enrichir des apports et des accidents de l'empire comme de l'incessant mouvement de la vie. Dès lors, le discours individuel circonscrit le milieu d'une rupture et assigne à la parole une fonction radicale de contestation qui met en péril aussi bien les poncifs et les conventions du langage poétique que les structures inertes de la langue. C'est donc à l'examen des conditions de possibilité d'un style, à une époque donnée, que nous invite l'oeuvre poétique de Laforgue
Entirely placed under the sign of the never-ending quest for originality, and subordinated to the principles of a philosophically and scientifically jointed aesthetics, jules laforgue's poetic work is first and foremost remarkable for its capacity to place the creative subject in the position of a critic in front of the issue of language and henceforth that of expression. Indeed, denying one after the other all the thesis which dogmatically promote clarity of expression and good taste as well as the timeless beautiful, laforgue ventures the hypothesis of an aesthetics in the making which focusses on the absolute need to develop an idiosyncratic speech. Of course, such a position merges with the imperative of modernity launched by the "decadent" generation; but it also comes across the field of the linguistic theory of the 19 th century, which tends to problematise, according to two different axes, the position of the speaking subject within language. Thus laforgue's poetic stance reflects two apparently contradictory positions: on the one hand, the right to total subjectivity and poetic autonomy is claimed, as principles ordering discourse; on the other hand, a large part is devoted to the doctrines, inherited from darwin and prolonged by hartmann, which subordinate the subject to the hegemony of an evolution which transcends him. But those two perspectives merge in the achievement of a poetics which purports to include the accidents of enpiricism as well as the unceasing movement of life. Thereof, individual discourse circumscrites the locus of a rupture and ascribes to speech a radical function which both deconstructs the cliches and conventions of poetic medium and the lifeless structures of language

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Kazumori, Hiroko. "Ruines et ruine dans l'oeuvre de Victor Hugo." Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070092.

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Abstract:

Par leur récurrence dans les écrits de Hugo et par la grande variété de leurs caractères, il est indéniable que les ruines occupent une place singulière dans son imagination. Si le thème des ruines n'est pas alors entièrement nouveau dans l'histoire de la littérature, il a cependant une place singulière dans la culture du XIXème siècle, où se succèdent les spectacles de ruines, que ce soit dans le domaine architectural ou d'un point de vue politique. Les ruines dans l'oeuvre de Hugo reflètent naturellement son regard sur le siècle, sa pensée sur l'Histoire, et sa réflexion philosophique sur la loi universelle qui engendre le progrès. Loin d'être un simple décor, les ruines hugoliennes sont porteuses d'idées ; mieux encore, elles sont des idées qui se sont construites en objets. Notre examen des ruines hugoliennes, et l'observation de leur spécificité, ont tenté de mettre en valeur le dynamisme existant entre la pensée de Hugo et son oeuvre, sa conception du monde et son propre univers poétique. La pensée philosophique de l'écrivain n'est jamais indépendante de sa création littéraire, et réciproquement, la littérature s'offre parfois comme lieu privilégié pour la pensée. Les ruines chez Hugo, jamais stables, avec leur forme indéfinie, sont la vision la plus suggestive de sa pensée de l'insaisissable. Elles ne sont plus des prétextes pour la méditation poétique, mais des notions en tant que telles, revêtues d'une étonnante matérialité
It is undeniable that the ruins occupy a special place in Hugo's imagination, for their recurrence in the writings of Hugo and the variety of their characteristics. Even if the theme of ruins is not entirely new in the history of literature, it has a unique place in the culture of the nineteenth century, which saw spectacles of ruins - destruction of ancient architectures as well as political upheaval and collapses. The ruins in the work of Hugo reflect his view of the century, thoughts on the history, and philosophical reflections on the universal law that creates progress. Far from being a mere decoration, ruins in Hugo are a medium of his ideas - or the ideas themselves constructed as objects. Our study on ruins in Hugo tried to clarify the dynamism between his thought and work, his concept of the world and his own poetic universe. Philosophical thoughts of the writer are never independent of his literary creation, and vice versa, the literature sometimes offers itself as place to thought. The ruins in Hugo's works, never stable, with their indefinite form, are the most suggestive vision of his reflection on the elusive reality. They are no longe pretexts for poetic meditation, but concepts taking on a surprising materiality

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Aretaki, Marina. "Aspects de la poétique des romans de A. Papadiamantis (1879-1884) : genèse et fin d'un univers romanesque." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2000PA040089.

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Abstract:

Ce travail se veut une lecture de la première période littéraire de l'écrivain grec Alexandros Papadiamantis (1851-1911), période constituée de trois romans-feuilletons, dits historiques : l'Émigrée (1879-1880), Les marchands de nations (1882-1883) et La jeune gitane (1884). Les différents aspects de la poétique des romans qui ont été examinés composent une approche globale qui intègre aussi bien l'étude de l'intrigue et des personnages romanesques que celle de la composition du récit et sa narration. Elle révèle aussi bien le rapport du texte avec le hors-texte que le discours du roman sur lui-même. Au-delà de l'interprétation de chaque roman, les lignes de réflexion qui sous-tendent cette analyse, s'étayant sur la théorie de la littérature, se portent sur les règles de la prose romanesque, sur le roman conçu comme un espace dialogique et sur l'évolution littéraire de l'auteur. Les romans Papadiamantiens marqués par le romantisme, complexes et étonnants, situés dans un passé historique plutôt obscur, forment un ensemble uni mais aussi évoluant. L'auteur, conscient de son art, joue avec les conventions romanesques et les subvertit avant d'abandonner l'écriture de romans pour une longue série de récits brefs.

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Longbois-Canil, Christophe. "Les généalogies de la modernité : étude de l'émergence de l'idée de modernité de 1823 à 1852." Paris 8, 2013. http://octaviana.fr/document/17862067X#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Abstract:

1823 est l’année où apparaît le substantif de modernité. En 1852 ouvre à Paris l’hôtel Drouot, ensemble de salles de ventes aux enchères publiques, qui donne au marché de l’art une nouvelle dimension au sein de laquelle va se développer cette modernité. La thèse se propose d’examiner comment entre ces deux dates, apparaît une nouvelle peinture et comment la critique perçoit celle-ci. Année après année s’élaborent peu à peu la notion de modernité à travers la remise en question de la peinture conventionnelle. C’est grâce à un corpus de textes en grande partie oublié depuis leur publication qu’est mis en évidence la révision substantielle de la manière d'appréhender la peinture de la première moitié du XIXe siècle. Cette thèse permet de suivre dans l’ordre chronologique le mouvement de la peinture dans le lieu d'exposition fondamental de l'époque : le Salon
1823 is the year when appears the noun of modernity. In 1852 open in Paris the Drouot hotel, the group by auction public salerooms, which gives to the market of art a new dimension within which is going to develop this modernity. The thesis suggests examining how between these two dates, appears a new painting and how the criticism perceives this one. Year after year elaborate little by little the notion of modernity through the questioning of the conventional painting. It's thanks to the corpus of texts largely forgotten since their publication that is brought to light the substantial revision of the way of grasping the painting of the first half of the XIXth century. This thesis allows to follow in the chronological order the movement of the painting in the fundamental place of exhibition of this period: the Salon

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Vratskidou, Eleonora. "L'émergence de l'artiste en Grèce au XIXe siècle (1840-1890)." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0017.

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Abstract:

L'objet de ce travail est la construction de la figure de l'artiste dans la Grèce du XIXe siècle. L'apparition du statut moderne de l'artiste dans l'État grec fondé en 1830 est dans une large mesure le résultat d'un processus de transferts de modèles de l'Europe occidentale, qui s'observe tant sur le plan des institutions que du discours sur l'art. Cette recherche révèle que l'instauration d'une culture artistique en Grèce est traversée par une multitude de tensions - entre art et artisanat, identité nationale et appartenance européenne, art moderne et art antique, communauté et individualité -qui façonnent la conception de l'artiste et ses transformations au fil du siècle. Nous étudions tout d'abord le discours ainsi que l'enseignement technique et théorique dispensé par l'École des Arts, première institution artistique du pays. L'École vise la création d'un art national, inspiré de l'art antique, projet i légitime la profession de l'artiste dans le contexte de la formation de l'État-Nation. Nous montrons ensuite qu'un autre cadre de représentations de l'artiste s'élabore progressivement autour de notions capitales, telles que la vocation, le génie et l'originalité. Ses vecteurs sont, d'une part, le genre biographique et les « nouvelles artistiques» qui font leur apparition dans les revues littéraires et, d'autre part, la pensée esthétique et la critique d'art. Le caractère normatif de l'idéal antique se trouve ainsi sérieusement remis en question, à partir des années 1880, notamment au nom d'une exigence d'originalité, qui envisage désormais l'artiste moins comme représentant de la communauté nationale que comme sujet qui affirme sa singularité dans son œuvre
This study examines the construction of the figure of the artist in modem Greece. Following the foundation of the Greek state in 1830, artistic discourse and practices are largely shaped by the appropriation of western European models. In this context, I argue that the establishment and progressive transformation of the cultural conception of « the artist » is animated by multi-Ievel tensions between art and craft, between national identity and European belonging, between modem and ancient art, and between the community and the individual. I begin by analyzing the technical and theoretical education offered by the first artistic institution of the State, the School of Arts. The School aspires to the creation of a national art, largely inspired by ancient Greek art, a project that legitimated the artistic profession against the background of Nation-State formation. I then tum to the representational framework by which artistic activity was conceived and examine in particular the notions of vocation, genius, and originality. These essential concepts can be seen to structure the biographies of artists and the « artistic short stories » featured in the literary journals of the period, as well as the discourses of aesthetics and art criticism. I seek to show how the norms and ideals of ancient art are severely undermined, from the 1880s onwards, by the quest for originality and individuality. This new valorisation of the artistic subject, who expresses his singularity in the work of art, puts into question the conception of the artist as a representative of the national community, which had been promoted by the School of Arts

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Albertazzi, Liliana. "Années 1980 : une modernité sans avant-garde." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010553.

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Abstract:

Mon propos est de montrer au long de cette thèse que dans les années 1980, ce n'est pas le concept de modernité qui est caduque mais celui d'avant-garde. Dès lors que dans les années 1980 la modernité fut massivement contestée et le préfixe "néo" vint s'attacher au nom avant-garde, invalidant les notions d'originalité et de pureté jusqu'alors constitutives de la création et de l'évaluation artistique, beaucoup des prémisses régulatrices de ces concepts sont venues s'écrouler. Ce vide conceptuel a laissé la place à des considérations sur l'institutionnalisation et la diffusion artistique souvent dans l'hypothèse que l'art lui-même s'y confond. Cette crise entra nait plus de problèmes et de questions qu'elle n'en résolvait, il était donc nécessaire d'analyser rétrospectivement les concepts condamnes et d'établir des rapports entre eux. Ainsi un certain nombre de questions ont été de mise : quels sont au juste les fondements de cette modernité qu'il s'agirait de dépasser ? Ce dépassement est-il lui-même un acte fondateur ? Quant aux avant-gardes, l'histoire de l'art y fait abondamment référence sans jamais en définir les traits récurrents. Par l'analyse historiques des avant-gardes, peut-on appréhender l'avant-garde comme un phénomène en soi ?
My purpose is to demonstrate that in the eighties it is the avant-garde's concept which is overrun an not the one of modernity. And what came out of these thesis is that on developping the point one realize that the most important revelation is that the counter-thesis induce to an emptiness in the analytical and methodological approch to the art history in the XXth century. Since modernity has been massivily contested and since the prefix "neo" came to be attached to the name of the avant-garde in the eighties, some regulating notions of originality and pureness, until then constituents of the artistique evaluation, collapsed. But these crisis brought in more problems and questions then it sorted them out, though it was necessary to analyse retrospectivily the comdamned concepts and to establish the relation-ship between them. The questions to answer in my essay were though the ones originated bat the new trend of thought in post-modernity : which are the basis of these modernity that are overrun? The facts for which it is overrun are on themselves founding concepts? Concerning the avant-garde, art history makes large reference without defininf the phenomena, does the avant-garde have a chance to be considered asa phenomena and how do we recognaise it?

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Honda-Ishii, Midori. "Le japonisme en France dans la seconde moitié du XIXe siècle : la rencontre de l'Occident avec l'Orient." Paris 5, 2007. http://www.theses.fr/2007PA05H008.

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Abstract:

Le but principal de cette thèse est d’analyser la façon dont le japonisme s’est construit en France durant la seconde moitié du XIXe siècle et quelle trace il a laissé dans l’histoire de l’art occidental, sous l’hypothèse selon laquelle ce n’était pas une contingence, mais plutôt une nécessité dans la causalité historique et artistique, autrement dit, ce que la France cherchait dans l'art japonais et ce qu’elle possédait déjà. II y a très longtemps que l’Occidental rêvait de l’Orient. Nous ne pensons pas nous tromper en affirmant que le japonisme était un phénomène exotique ayant démontré que l’Orient et l’Occident s’attiraient mutuellement bien qu’ils soient opposées sur beaucoup de plans. Le japonisme s’est construit grâce à une diffusion officielle de l’image du pays lors des Expositions Universelles. Nous verrons donc par quelle stratégie politique le Japon s’est attaché à cette diffusion et ce qu’il a exposé. "L’art populaire" et "la relation à la vie quotidienne" de ce pays ont amené un grand enthousiasme chez les Français. Ainsi, nous nous concentrerons sur la façon dont ceux-ci ont réagi face à l’art japonais en suivant fidèlement l’écriture des critiques d’art, particuilièrement celles d’Ernest Chesneau et des frères Goncourt, personnages à l’esprit moderne et révolutionnaire. De plus, nous analyserons la façon dont l’art français fut influencé par l’art japonais pour se transformer à travers trois grands artistes, à savoir, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin et Henri Matisse
The principal objective of this thesis is to analyse the way in which Japonisme constructs itself in France from 1850s to 1900. The thesis also examines the traces that Japonisme has left in the history of Occidental art, with the hypothesis that such a phenomenon is not contingent: rather, Japonisine is a necessity in historical and artistic development. In other words, it is a product of what the French sought in the Japanese art : the traits that French art itself had already possessed. It bas been a long time since the Occident dreamt of the Oriental. One cannot be deceived by the affirmation that Japonisme was merely an exotic occurrence, having demonstrated that the Oriental and the Occident were mutually attracted even though they were conflicting in several respects. The officiai propagation of the country's image during the Universal Expositions had made possible the fabrication of Japonisine. One will thus understand the political strategy that Japan had attached to such circulation, and how it had exhibited an image of itself. Japanese traditional art and its relation to the quotidian brought forth much French enthusiasm. As such, the thesis will study the way in which such enthusiasm responded to Japanese art, expounding on the writings of art critics, in particular Ernest Chesneau and the Goncourt brothers. Furthermore, the thesis analyses the way in which French art was influenced and transformed by Japanese art in the works of three prominent artists. Namely Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin and Henri Matisse

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Mange, Christian. "Bernard Benezet (1835-1897) : vie et oeuvre." Toulouse 2, 1991. http://www.theses.fr/1991TOU20072.

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Abstract:

Le peintre benezet, eleve talentueux de l'ecole des beaux-arts de toulouse, puis disciple a paris de flandrin, decore a partir de 1860 les principaux sanctuaires et edifices publics et prives de toulouse et de sa region. Ce foyer pictural, obeissant a la tradition tridentine de l'image religieuse (notion de convenance) correspond aussi de facon exemplaire a la definition de l'art sacre telle que la formulent rio et montalembert a partir de 1830-1840: un peintre ayant la foi, par ailleurs savant et lettre, curieux d'archaisme et du moyen-age italien, adepte de la peinture murale et partisan des canons ingresques. S'inscrivant dans un climat intellectuel et politique specifique (le "gothic revival"), ce foyer pictural se caracterise par une forte coherence thematique residant dans la conjonction du regionalisme de son auteur et de son gout pour des sujets medievaux et renaissants (clemence isaure, sainte germaine. . . ), et par une unite stylistique, alliant esprit du moyen-age et acquis de la renaissance, qui repond aux aspirations ideologiques des monarchistes ultramontains auxquels benezet s'identifie. Cette orthodoxie politique, religieuse, esthetique, est a l'origine du monopole des chantiers qu'obtient l'artiste, un des rares a pouvoir vivre de sa peinture en restant a toulouse. Cependant, l'evolution des idees et du gout le fait tomber rapidement dand un oubli immerite, eu egard a la diversite et a la qualite de son oeuvre
The painter benezet, talented student of the beaux-art school in toulouse, then flandrin's disciple in paris, began in 1860 to decorate the main sanctuarys and public buildings of toulouse and its region. These paintings submitting to the tradition of the council of trente, also corresponds in a exemplary way to the definition of sacred art, as express rio and montalembert beginning 1830-1840: a painter with faith, furthermore learned and well-read, a curiosity for archaism and italian middle age, follower of mural painting and partisan of the canons of ingres. Kepping in with an intellectual atmosphere and specific politics (gothic revival), this pictorial movement is distinguished by a strong thematic coherance due to the conjuction of the artist's regionalism and taste for medieval and renaissance subjects (clemence isaure, saint germaine. . . ) and by a unity of style, combining middle age spirit and assets from the renaissance, fulfilling the ideological desires of the monarchists, religious extremists, to which benezet identifys himself. This political, religious and esthetic respect of conformity of the rules is the origin of the monopoly of sites acquired by the artist, one of the few able to live with his painting, and allowing him to live in toulouse. However, due to the development of ideas and taste, he falls rapidly into an unmerited forgetfulness, in spite of his work full of variety and quality

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Mathis, Charles-François. "L'émergence d'une pensée environnementale en Angleterre au XIXe siècle." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040114.

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Abstract:

Dans les années 1830-1840, sous les effets conjoints de l'industrialisation et de l'urbanisation massive de l'Angleterre, et de la naissance d'une vision de la nature comme paysage, une conception particulière de l'environnement, que nous avons appelée "sentimentale", voit le jour. Théorisée par Wordsworth, elle est d'abord marginalisée dans le deuxième tiers du XIXe siècle, qui est pourtant une période importante de gestation du mouvement environnemental. C'est à partir des années 1870 que cette conception s'impose, à travers d'éclatantes victoires et la multiplication d'associations de défense de l'environnement, comme le National Trust. Mais ce succès amène le mouvement à s'interroger sur certaines de ses contradictions, et à se scinder en deux ensembles, celui des utopistes, refusant la civilisation industrielle et urbaine, et celui des réformateurs, qui cherchent seulement à en encadrer les effets sur l'environnement
Following the industrialisation and urbanisation of England which started in the mid-18th century, and following the new vision of nature as a landscape, a "sentimental" conception of environment emerged in the 1830s-1840s. It was marginalised until 1870, but this period was nonetheless one of gestation of the environmental movement. From the 1870s onwards, the sentimental conception became pre-eminent in the country, due to the success of the environmental movement and the creation of new environmental organisations, such as the National Trust. But this success led the movement to question its own contradictions, and to be divided into two groups : the utopians, who refused the industrial and urban civilisation, and the reformists, who only wanted to check its impact on environment

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Hartweg, Jean. "Esthétique et dramaturgie dans l'oeuvre critique de Francisque Sarcey." Amiens, 2008. http://www.theses.fr/2008AMIE0006.

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Fournier, Éric. "Paris en ruines (1851-1882) : entre flânerie et apocalypse : regards, acteurs, pratiques." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010568.

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Abstract:

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, Paris s'affirme comme le creuset d'une modernité urbaine et culturelle. Mais, la ville se couvre aussi de ruines éphémères lors des travaux haussmanniens, puis pendant " l'année terrible". A travers le prisme des destructions et des ruines, les différents acteurs révèlent leur rapport à la ville, leur géographie sensible de la capitale. L'étude des destructions de la ville, essentiellement lors du bombardement prussien de 1870 et pendant la Commune, révèle comment Paris et les Parisiens supportent le paroxysme de la guerre. Le XIXe siècle est le siècle des ruines. Leur surgissement dans le bâti parisien met en scène la confrontation entre la culture érudite et l'incongruité d'une catastrophe inédite. Mais, par les ruines, entre fascination et volonté d'élision, les Parisiens montrent par leurs pratiques leur attachement à la cité. Poétique des ruines et poésie de Paris rentrent en résonance et consacrent, après 1871, le Paris haussmannien.

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Olivier, Alain Patrick. "La philosophie hégélienne de la musique." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010520.

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Abstract:

Principalement pendant la période de son enseignement berlinois, Hegel fut confronté à une vie musicale riche et intense, qui se reflète largement dans les cours d'esthétique contemporains. La reconstruction précise de ses expériences musicales et de leur arrière-plan historique témoigne de l'importance accordée au phénomène au sein d'une pensée appréhendée le plus souvent d'un point de vue systématique. Le lien entre l'expérience et la théorie peut d'autant mieux être mis en évidence dans la présente étude qu'elle s'appuie, pour la première fois, sur les sources manuscrites des différents cours, et non sur la reconstitution posthume éditée par Hotho. Les prises de position souvent paradoxales du philosophe témoignent d'une grande sureté de jugement et d'une originalité certaine, bien qu'il paraisse, par son silence à l'égard de Beethoven, méconnaitre le lien essentiel entre le discours tonal et la pensée dialectique. Elles s'enracinent en même temps profondément dans l'ensemble du système; car la musique participe aussi exemplairement du projet hégélien de l'homme total, de la liberté, du bonheur, de la vie infinie
It was mainly between 1818 and 1831, when he taught in Berlin, that Hegel became acquainted with the extremely rich, creative musical environment which is widely reflected in the courses on aesthetics of the time. The precise reconstruction of Hegel's musical encounters and their historical background bears witness to the importance of the phenomenon, within a corpus which has hitherto most often been studied from a purely systematic point of view. In this study, the link between expericence and speculation emerges all the more clearly since, for the first time, it is based on manuscripte of the various sources and not an the posthumous reconstruction edited by Hotho. Hegel's often paradoxical opinions reveal in fact a remarkably sound judgement as well as true originality (although because of the fact that he does not mention Beethoven, he seems not to have grasped the fundamental link between tonal and dialectical thought. ) At the same time, these opinions are deeply rooted in all of Hegel's thought. Indeed, music also contributes, in an exemplary manner, to the Hegelian vision, the componente of which are man as a whole, freedom, happiness and the infinity of life

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Urmann, Martin. "Resonanzeffekte : zum Verhältnis von Oberfläche und Tiefe in der fin-de-siècle-Kunst." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0005.

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Abstract:

La thèse poursuit un double but analytique. Elle fait, d’une part, une contribution à une théorie de la forme, c’est-à-dire de la naissance de formes dans des textures médiales résonnantes ce qui soulève la question esthétique centrale de la relation entre la surface et la profondeur. D’autre part, elle propose une lecture nouvelle de l’art fin-de-siècle basée sur l’analyse d’une série d’œuvres considérées primordiales dans la production artistique de l’époque. Le travail entreprend ainsi une comparaison systématique de l’art fin-de-siècle français et allemand, plus précisément entre les courants communément appelés « décadents » ou « symbolistes » à Paris et à Vienne. Cette comparaison s’effectue à travers toutes les formes d’art – musique, littérature et arts visuels. La préoccupation comparatiste tant historique qu’esthétique a déterminé une orientation du travail autour de l’axe Paris-Vienne, les analyses littéraires y occupant une position majeure. Celles-ci se concentrent sur les œuvres de Joris-Karl Huysmans et de Stéphane Mallarmé, d’une part, et sur celles d’Arthur Schnitzler et de Hugo von Hofmannsthal, d’autre part. À l’amorce de la thèse se trouve un chapitre sur le Prélude à l’Après-Midi d’un Faune de Claude Debussy et la III. Symphonie de Gustav Mahler. Les observations sur la « Untiefe » (« sans fond ») dans la peinture de Gustave Moreau et de Gustav Klimt concluent le travail. De plus, Nietzsche est présenté comme le poète-penseur éminent de l’art fin-de-siècle. À travers la dualité de l’« apollinien » et du « dionysiaque », il découvre, dans la Naissance de la Tragédie, le motif fondamental que cet art varie dans des constellations toujours changeantes
The doctoral thesis “Resonance Effects. Surface and depth in Fin-de-siècle Arts” pursues a twofold objective: on the one hand, it wants to make a contribution to a theory of form, that is a theory of the emerging form in the medial textures in which it gains shape. This raises the central theoretical question of the relation between surface and depth which is considered against the backdrop of the key notion of resonance. On the other hand, the thesis offers a new reading of fin-de-siècle arts based on the detailed analysis of a range of works considered central within the artistic production of the era. The thesis undertakes a systematic comparison of French and German art around 1900, more precisely of the decadent and symbolist currents in Paris and Vienna. This comparison is carried out through all the art forms – music, literature and the visual arts. According to the comparative approach both on the historical and the aesthetic level, the study revolves around the axis Paris-Vienna, the main fields of attention being the literary works of Huysmans and Mallarmé, on the one hand, and of Schnitzler and Hofmannsthal, on the other. These chapters are framed by introductory reflections on Mahler’s Third Symphony and Debussy’s L’Après-Midi d’un Faune as well as the analysis of the paradoxical surface structure in the paintings of Moreau and Klimt concluding the study. Moreover, Nietzsche is presented as the eminent contemporary poet-thinker of fin-de-siècle arts who, in The Birth of Tragedy, outlines the duality of the “Apollonian” and the “Dionysian”. This turns out to be the fundamental motive which appears in all fin-de-siècle art forms in ever changing constellations

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Sitayeb, Stéphane. "Liturgie et Esthétique dans la prose poétique fin-de-siècle d’Arthur Machen." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040148.

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Abstract:

Ces travaux entendent soumettre à l’épreuve des textes fin-de-siècle d’Arthur Machen (1863-1947) deux hypothèses : celle d’une appartenance au décadentisme et au symbolisme, d’une part, et celle d’un principe de consistance régulant les tensions qui sous-tendent son œuvre mineure, d’autre part, celle-ci mêlant les pratiques issues des corpus sapientiaux de la Bible et des récits intertestamentaires aux rites thérianthropiques du totémisme primitif. Le syncrétisme entre christianisme et paganisme ainsi que l’oscillation entre ascétisme apollonien et esthétisme dionysiaque reflètent aussi bien la résilience que les pathologies de l’artiste, qui façonne à la manière d’un homo faber des Künstlerromane et des autoportraits révélant sa nature protéenne. Inspirés des multiples courants artistiques jalonnant l’époque victorienne, les textes de Machen composés au tournant du siècle font de lui un auteur difficile à classer et trop souvent étiqueté parmi les écrivains gothiques et fantastiques – indétermination générique notamment due à l’anthologisation de son œuvre et nécessitant un travail de fouille dans des domaines variés tels que l’archéologie, l’anthropologie et l’ethnologie. La nouvelle, le roman par épisodes, le conte et le poème en prose en particulier deviennent des formes expérimentales où les diaristes établissent les prémices de l’écriture automatique des surréalistes. Perçu tantôt comme l’emblème de la contagion héréditaire, tantôt comme le héraut d’une civilisation décadente, l’artiste porte plusieurs masques que parasitent les fausses pistes laissées par l’auteur. Ayant exploré l’hypothèse d’un Machen poète, théologien, puis essayiste et théoricien du Beau, il sera possible, dès lors, de comprendre le décalage qui oppose la fiction et la vie de ce fervent anglican de la Haute Église, de cet époux fidèle qui cultive néanmoins, dans ses textes, des fantasmes paraphiliques, des rêves de l’Orient et de la Grèce ou, au contraire, des itinéraires pénitentiels douloureux régis par une tradition galloise médiévale supposant autoflagellation et jeûnes anorexiques. Loin de représenter un « calice vide », la liturgie devient chez Machen un pouvoir sacré, comme l’atteste la corrélation entre l’humiliation du corps et l’élévation de l’esprit dans The Hill of Dreams. En revendiquant également la richesse d’une culture galloise minoritaire, Machen participe au « Celtic Revival » et compose des chroniques du Gallois déraciné, exilé à Londres, tentant de survivre à un environnement urbain hostile en le reterritorialisant, spatialement et temporellement
The present study sustains an analogy between the fin-de-siècle texts of Arthur Machen and the aesthetics of Decadence and Symbolism, first, and a principle of consistency regulating the tensions that underlie his minor works – id est, the customs originating from the sapiential corpus of the Bible and the intertestamental narratives being blended with the therianthropic rites of primitive totemism. The syncretism between Christian and Pagan rites and the oscillation between Apollonian ascesis and Dionysiac aestheticism mirror the resilience as well as the pathologies of the artist in his Protean Künstlerromane and self-portraits. Inspired by the numerous artistic currents of the Victorian age, Machen’s turn-of-the-century texts are quite complex to classify and account for the too frequent association made between his style and that of Gothic or Fantastic authors. This generic indetermination, notably triggered by the anthologization of Machen’s texts, requires a work of investigation in diverse domains such as archaeology, anthropology and ethnology. Episodic novels, short stories, tales, and prose poems, in particular, become experimental diaries foreshadowing the Surrealists’ automatic writing. Deemed to be either the emblem of hereditary contagion or the herald of a decadent civilization, the artist wears several masks which are further distorted by the author’s misleading autobiographical hints. After showing that Machen is not only a poet but also a theologian and an essayist and a theorician on aesthetics, it will be possible to understand the discrepancy between the fiction and the life of a fervent High-Branch Anglican, a faithful husband who nevertheless cultivated, in his texts, paraphilic fantasies, dreams of a new Orient and an Ancient Greece, or quite the contrary, extreme penitential itineraries grounded in a Medieval Welsh tradition requiring self-flagellation and anorexic fasting. Far from representing a “chalice empty of wine”, liturgy becomes a sacred power as the correlation between physical losses and spiritual gains in The Hill of Dreams shows. By championing the beauty of a minor Welsh culture, Machen partook in the “Celtic Revival” and wrote the chronicles of uprooted Welsh subjects exiled in the hostile environment of fin-de-siècle London and striving to reterritorialize its spatial and temporal constitution

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Salvan-Renucci, Françoise. "Die Opernlibretti von Hugo von Hofmannsthal : ästhetik - struktur - sprachform : eine thematische Untersuchung unter besonderer Berücksichtigung musikspezifischer Begriffe." Aix-Marseille 1, 1992. http://www.theses.fr/1992AIX10010.

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Chiou, Der-Liang. "Homo gastronomicus : les régimes du goût et le plaisir alimentaire à l'âge moderne (1650-1850)." Paris, EHESS, 2003. http://www.theses.fr/2003EHES0002.

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Abstract:

Que devient la morale alimentaire dans les sociétés occidentales à l’âge moderne, depuis la séparation entre diététique et cuisine ? Nous avons proposé une approche centrée sur le souci du goût comme éthique alimentaire, qui consiste à constituer le « sujet mangeant », aux différentes époques, selon les différentes dispositions culturelles, c’est-à-dire, les régimes du goût. Trois « régimes de goût » sont repérables qui façonnent alternativement le sujet mangeant : le « régime de santé » engendre la diététique ; le « régime du bon goût » fait naître l’art culinaire, et enfin le « régime gastronomique » invente la « gastronomie ». Du Moyen Âge au XVIIe siècle, le plaisir se déploie dans des pratiques diététiques. Dans le régime du bon goût de l’âge classique, l’art culinaire était lié à une esthétique du souci de l’ordre. Une nouvelle sensualité promue par le régime gastronomique depuis le XIXe siècle, consiste à dire les choses alimentaires en utilisant un langage à la fois herméneutique et formalisé
What become the alimentary morals in the Western societies at the modern age, since separation between dietetic and cuisine ? We proposed an approach centered on the care of the taste like alimentary ethic, which consist in constituting the “eating subject”, at the various times, according to various cultural dispositions, in other word, the regimes of taste. Three “regimes of taste” are identifiable which work alternatively the eating subject: the “regime of health” generates dietetic; the “regime of good taste” gives birth to the art of cooking, and finally the “gastronomical regime” invents the “gastronomy”. From the Middle Ages to the 17th century, the pleasure is spread in dietetic practices. In the regime of the good taste of the classic age, the art of cooking was related to an esthetics of the care of order. A new sensuality promoted by the gastronomical mode since 19th century, consists in saying the food things by using a language at the same time hermeneutic and formalized

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Spahiu, Alketa. "De l'épopée au roman: culture et création dans l'oeuvre d'Ismail Kadaré." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040190.

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Abstract:

Empreint de l'épopée, l'univers kadaréen dépasse le cadre spatio-temporel du roman pour se draper de l'étoffe des tragiques grecs. En Albanie cohabitent, encore aujourd'hui, le monde de l'oral et celui de l'écriture. Les rhapsodes deviennent des écrivains, les écrivains des rhapsodes. A l'instar de ces aèdes et rhapsodes qui portent en eux la tradition épique, Kadaré nous offre, à travers une écriture mouvante, une littérature orale traversée par le souffle épique. Dans son œuvre romanesque, l'histoire se mêle à la légende, la réalité au rêve comme pour mieux capter l'essence du monde épique, un monde dont les racines ne seraient pas uniquement grecques, mais aussi albanaises et balkaniques. Dans ce travail, il s'agit de partir à la recherche de l'épopée dans une Kadarie faite de pierres et de pluie ; une Kadarie hors temps qui se parle, qui s'écoute et qui se regarde ; une Kadarie qui s'écrit afin de protéger ce dernier souffle qui la traverse
Influenced by the epic , the Kadarian universe goes beyond the space/time frame of the novel in order to take on the fabric of the Greek tragedies. In Albania the worlds of oral tradition and that of writing still overlap, even in our modern world. The storyteller becomes writer, and the writer becomes storyteller. Following the example of those bards and storytellers whose work is anchored in the epic tradition, Kadaré gives us, through his constantly shifting writing, an oral litterature with an inspiration born of the epic tradition. In his fiction, story mixes with legend, and dreams with reality so as to capture all the better the essence of this epic world, a world whose roots are not only Greek, but also Albanian and Balkan. This study goes in search of the epic in a Kadarian universe built of stone and rain ; a timeless Kadarian universe which is spoken, listened to and looked at observed from all angles ; a Kadarian universe which is written down so that the epic inspiration can be protected

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Ko, Byung-Chan. "Stendhal romancier de l'ascension sociale." Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1994PA080884.

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Abstract:

Stendhal s'est attache a decrire les efforts entrepris par ses heros pour s'elever dans la hierarchie. Il s'agissait de decouvrir la dynamique de cette demarche. Ces heros appartiennent generalement a l'aristocratie ou a la bourgeoisie. Et aucun lieu plus que les salons ne pouvait mieux permettre d'eclairer leurs intrigues, interets et ambitions. Mais l'ascension sociale se termine chez tous les heros par un echec. Ils quittent tous ce monde de bassesse pour se retirer dans la solitude ou les attend le vrai bonheur. Cette analyse tient compte des caracteres du roman : fiction, autofiction, representation sur la realite, attitudes des personnages principaux et secondaires. Stendhal brosse la peinture d'un temps et d'une societe qui l'ont parfois indigne et revolte. Il installe l'histoire dans l'histoire des romans. L'analyse prend aussi en compte la specificite de l'ecriture du moi. L'autobiographie de stendhal apparait comme un secercice de reminiscence qui conditionne la narration. Cette ecriture du moi est le point de depart de sa reflexion. Quant a l'analyse socio-historique, elle s'applique a une periode importante de l'histoire de france, au cours de laquelle on rejette les anciennes croyances pour creer un monde nouveau. Divers elements sont etudies successivement : vie provinciale et parisienne, phenomene des classes sociales, role des salons et de l'argent dans la politique et l'ascension sociale, theme de l'esprit et de l'energie et important chez stendhal. Enfin, le probleme des differentes "moi" des heros : virtuel, reel et actuel, est analyse avec rigueur
Stendhal was devoted to descritbing his heroes endeavors to climb the hierarchy of the social ladder and to revealing the mechanismes of these efforts. His heroes were aristocrats or of the bourgeoisie and there was to highilight their intrigues, interets and ambitions than in their salons. However the climb up the social ladder finishes badly for all of stendhal's heroes. They abandon this base world to withdraw to solitude where they discover true happiness. This analysis takes into account characteristics of novels-fiction, autofiction, portrayal of reality, attitudes of the main and secondary characters. Stendhal paints the picture of a period and a society that at times left him indignant and revolted. He weaves history into the plots of his novels. This analysis considers the specificity of his writing about himself. Stendhal's autobiography seems like a ritual of reminiscence that meters his narration. Writing about himself is the starting point of his contemplation. The social-historical analysis is period in the history of france during which old beliefs are regjected and a new social order is established. Diverse elements are studied: provincial and parisian life, phenomenon of social classes, role of salons and money in politics and social ascent, and theme of esprit and energy which are to stendhal. Finally the problem of the mainifold "me" of the heroes-virtual, real and actual-is examined in detail

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Baillot, Anne. "Genèse et réception de la pensée esthétique de K. W. F. Solger entre 1800 et 1830." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082178.

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Abstract:

Ce travail éclaire la genèse et la réception de la pensée esthétique de K. W. F. Solger (1780-1819) entre 1800 et 1830 à partir de ses manuscrits et de leurs premières éditions posthumes. Sont d'abord présentées les sources dont nous disposons ainsi que les rapports entre ces différents textes et les concepts forts de la pensée esthétique de Solger. Une analyse historique permet ensuite de dégager les grandes lignes de sa biographie intellectuelle, et plus spécifiquement son rôle au sein de l'Université de Berlin entre 1811 et 1819. Un travail sur les différents états de textes montre pour finir les enjeux littéraires d'une œuvre laissée inachevée par son auteur et largement remaniée par ses éditeurs posthumes. L'ensemble de cette recherche s'appuie plus particulièrement sur la correspondance de Solger, et s'attache à retracer les relations de l'un des protagonistes du Berlin romantique et idéaliste avec ses contemporains
Our work, based on K. W. F. Solger's (1780-1819) manuscripts and posthumous editions, will enlighten the genesis and reception of his aesthetics between 1800 and 1830. After presenting his printed as well as his unprinted texts, we will describe how these are connected to one another and which concepts they let prevail. His intellectual biography will then be drawn from a historical enquiry stressing out his role in the University of Berlin between 1811 and 1819. A comparison between the different types of texts available today will finally point out the literary stakes of a work that has been left unfinished by its author and has been widely revised by its posthumous editors. This research has been mainly based on Solger's correspondence and aims at pointing out his relationships to his contemporaries in the Romantic and Idealistic Berlin

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Bettelli, Christelle. "Les mythes et les symboles de l'esthétique fin-de-siècle : éloge de Narcisse : thèse." Nice, 2005. http://www.theses.fr/2005NICE2016.

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Abstract:

Narcisse. Tout le drame de l'esthétique fin-de-siècle est contenu dans ce nom : ses liens avec la philosophie de l'être unique, l'écriture spéculaire, la théorie du masque wildien, la volonté derésoudre le dilemme décadent par la mise en scène d'individualités qui fusionnent en leur essence le réel et l'idéal. Car Narcisse, c'est d'abord l'image de l'humanité déchirée entre ses rêves et la conscience de ses propres limites, prise dans la rhétorique de la chute, dans l'engrenage du temps et de la mort. Narcisse incarne aussi la quête de soi, l'ode à la beauté qui sous-tend le renouveau helléniste, le credo impressionniste de Pater et la recherche de la perfection inhérente au dandysme. Narcisse est le symbole essentiel de l'hédonisme contemplatif fin-de-siècle, manifestation d'une personnalité qui, étouffée par la société contemporaine, se projette en de multiples masques pouraffirmer son idéal fusionnel à travers une œuvre en forme d'autobiographie esthétique
Narcissus. The whole framework of fin-de-siècle aesthetics is epitomized in this name : its links with the philosophy of the unique being, its reflexive style, Wilde's theory of masks, its attempt to solve the Decadent dilemma through the creation of characters which combine within themselves reality and ideal. For Narcissus primarily is the image of mankind torn apart between its dreams and the conscience of its own limits, caught in the fatal process of the Fall, in the gears of time and death. Narcissus also personifies the quest of oneself, the worship of beauty which underlies the hellenist revival, Pater's impressionistic creed and the search for perfection at the heart of dandyism. Narcissus is the major symbol of fin-de-siècle contemplative hedonism and, standing as a protest against contemporary society and its denial of personality, casts himself through various masks to assert his uniting ideal in works which form an aesthetic autobiography

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Dupraz, Dominique. "Essai d'une méthode d'analyse sémiographique de la musique." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040088.

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Abstract:

Le but est d'analyser la démarche créatrice des compositeurs en retrouvant leur itinéraire compositionnel et psychologique et d'éclairer ainsi l'esthétique de l'œuvre et le caractère de l'homme. Les moyens utilisés consistent à élaborer une méthode d'analyse sémiographique de la musique et à étudier l'écriture musicale des compositeurs à travers leurs manuscrits autographes
The object is to analyze the creative proceeding of the composers through their compositional and psychological states, and to study the musical interpretation of the scores thoroughly by enlightening the aesthetic of the works and the man's personality. The method employed consists in the elaboration of a semiographical analysis process of the music and in the study of the musical writing of the composers through their hand written scrolls

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Bacard, Haloul. "Poétique de la langue française chez Remy de Gourmont." Paris 8, 2011. http://octaviana.fr/document/160871034#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Abstract:

Une poétique interroge une pratique du discours, qui est le langage en fonctionnement situé. Dans cette perspective, nous nous demandons comment l’invention par Remy de Gourmont de son langage critique et poétique devient une valeur dans la littérature et la culture françaises. Remy de Gourmont est un sujet critique, qui ne perd jamais de vue sa double condition de Français et symboliste, laquelle n'est jamais une attitude de critique nationaliste ou partisane. Pour l'art comme désintéressement, pour la discussion immédiate ou ultérieure des idées, Remy de Gourmont invente, en faisant avancer la critique, le français et sa littérature ; sa méthode dissociative ayant pour principal enjeu de découvrir ou restaurer la valeur de l’effort littéraire en démontant les lieux communs et les stéréotypes qui empêchent de le voir. Cette critique nouvelle des idées, qui est chaque fois une invention du discours, est indissociable, dans sa pratique poétique même, d'une attention au symbolisme, et, chaque fois, à la langue. D'où un vers libre original ayant la capacité de faire voir et entendre ce que le poète fait au langage ordinaire, c’est-à-dire aux mots de tous les jours. Le poème devient ainsi un poste d’observation d’une historicité du langage. Il montre notamment un sentiment de la langue française, qui est cette poétique-même, et que Remy de Gourmont a d’abord créé, puis travaillé à rendre personnel et individuel, autant que l’art symboliste libre qui l’inclut dans la généralité des individualités discursives
Poetics questions a practice of the speech as a manner of language. From this point of view, we wonder how Remy de Gourmont's new critical and poetic language becomes a value in the french literature and culture. Remy de Gourmont, as an original critic, never loses sight of its double French and Symbolist condition, which is never a partisan or a nationalist attitude of criticism. Defending art as disinterestedness, exhibiting the immediate or later discussion of the ideas, Remy de Gourmont creates its dissociating method to put criticism, french and its literature forward. This critical principle has main purpose to discover or restore the value of the literary effort by seeking to reject the "lieux communs" and the "clichés" which cover it up. This new criticism of the ideas, which is always an invention of the discourse, is indissociable, in its poetic practice even, of an attention to the symbolism, and, each time, to the language. Hence, an original "vers libre" (symbolism free verse) having the capacity to make see and hear what the poet made with the ordinary language, that is to say with the usually words. Thus, the poem becomes an observation post of a historicity of the language. It shows in particular a feeling of the french language, which is this poetic-even, and which Remy de Gourmont initially created, then worked to make personal and individual, as much as the free art Symbolist which includes it in the mass of discursive individualities

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Triaire, Sylvie. "Une esthétique de la déliaison : Flaubert, 1870-1880." Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081716.

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Abstract:

Au-dela de l'education sentimentale, tournant de l'oeuvre, flaubert radicalise une esthetique de la << deliaison >>, liberee des contraintes generiques, caracterisee par la mise en tension de la totalite et du fragment et le motif de la vocation, commun a la tentation de saint antoine, bouvard et pecuchet et trois contes. Les personnages, soumis a la crise de leur vocation, acedie ou melancolie, sont appeles a se relever de la ruine, en deliant leur etre pour l'accorder au mouvement du monde, danse des atomes et flux des formes, en abdiquant l'intelligible pour le sensible. La deliaison, au croisement du sublime et de la melancolie, manifeste l'impuissance de la pensee a representer la totalite, et sa confrontation avec l'epars. Les oeuvres du corpus fondent une esthetique de la deliaison, dans la mesure ou elles en proposent la releve par l'art. Derriere les vocations de saints, de copistes ou de la bienheureuse felicite se dessine celle de l'artiste : dissemine dans ses personnages, il accomplit avec eux le sacrifice et la traversee de la melancolie qui l'amenent a l'oeuvre, contemplant l'illimite des formes, copiant l'illimite des livres, assistant a la fondation de la croyance et du recit. Ces etats, extatiques ou heureux, le sont en raison de la resolution de l'aporie sublime et melancolique : les fragments inventent une unite, sans ordre ni perspective, selon une << harmonie du disparate >> revelee par l'orient. Les personnages, soumis a une compulsion accumulative, puis cherchant le sens dans le fragment qu'ils brisent dans l'espoir d'y trouver le chiffre du monde, ne se relevent finalement que dans la mise en circulation de ces fragments : ainsi se construit un simulacre de totalite, inachevee, illimitee, mouvante, proche du rythme du monde en sa danse d'atomes, dont la figure du monstre est exemplaire.

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Pasquier, Pierre. "La Mimesis dans l'esthétique théâtrale française du début de l'âge classique à la fin de la période romantique." Caen, 1987. http://www.theses.fr/1987CAEN1022.

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Sintichakis-Placas, Marie. "L'image poétique dans la poésie symboliste du XIXe siècle : Paul Verlaine." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040242.

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Abstract:

L'œuvre verlainienne a déjà fait l'objet de nombreuses études littéraires. La visée de ce travail est l'étude stylistique des images dans le but de montrer l’originalité de l'esthétique verlainienne. Le traitement du langage figure permet des évaluations expressives appuyées sur les formes dominantes des images. La classification thématique révèle les pôles majeurs de l'univers du poète. L'étude des images se concentre sur le mode de production de la figure, son fonctionnement et sur les valeurs connotatives évoquées. On essaye en même temps de montrer l'évolution de l'esthétique des images à travers les recueils et leurs variantes dans le même recueil. La confrontation parallèle avec les images d'autres poètes du même courant essaie de montrer la particularité du langage verlainien dans la constellation symboliste. Elle met en lumière des affinités et des nuances communes qui unissent les symbolistes dans leur volonté de créer des correspondances entre l'univers sensible et l'âme. Apres une approche théorique de l'"image poétique" on aborde les figures reparties en domaines différents selon leur aspect sensible, concret ou abstrait. L’étude débute par les éléments sensibles des domaines terrestre, liquide, aérien, cosmique et lumineux, elle continue par les figures humaines et termine par les réalités abstraites
The works of Verlaine have constituted the object of numerous literary studies. The aim of this project is to study Verlaine’s imagery from a stylistic viewpoint, in order to demonstrate the originality of the poet's aesthetic concept. The use of figurative diction allows for expressive evaluations based on dominant forms of verlainian imagery. The thematic classification reveals the major poles of the poet's universe. The study of imagery is centered around the way figures are produced and their function, as well as on the evoked values of connotation. At the same time, an effort is made to manifest the evolution of the aesthetic dimension of images across Verlaine’s poetic collections and their variants in each of the collections individually. The parallel confrontation with the imagery created by other poets belonging to the same group as Verlaine is aimed towards a demonstration of the particularity of the poet's language within the constellation of symbolism. Its self-proposed target is to bring to light the common affinities and nuances uniting all symbolists in their desire to create corresponding links between the "sensible" universe and the human soul. After a theoretical approach of the "poetic image", the figures are categorized into different domains, according to their "sensible" aspect, concrete or abstract. First are studied the "sensible" elements of the terrestrial, aerial, cosmic, liquid or luminous domains, then the human forms and finally the abstract realities

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Descourvières, Bernard. "Les realismes d'antoine et les peintres d'avant-garde de la fin du dix-neuvieme siecle." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1996. http://www.theses.fr/1996STR20069.

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Abstract:

L'oeuvre globale d'antoine (theatre et cinema) : un itineraire de pratiques naturalistes-realistes en relation avec l'esthetique picturale de la fin du dix-neuvieme siecle, entre avant-garde et peinture "officielle" (via les decorateurs professionnels de la scene du theatre). Une oeuvre scenique et cinematographique engagee dans une bataille contre les conventions artistiques de l'epoque. Une reforme theatrale inauguree dans un milieu eclectique et spectaculaire : montmartre. Une reforme theatrale confirmee au theatre antoine et a l'odeon avec l'aide des maitres-feinteurs professionnels. Une reforme cinematographique tardive et essentielle. Antoine, l'homme des ruptures et des reactions, entre naturalisme et symbolisme. Une oeuvre globale meconnue, polemique et problematique mais complementaire et coherente pour une quete constante des continuites realistes. Des pratiques realistes de reconstitution artistique du reel minorees par la reductrice legende naturaliste et libriste d'antoine. Une oeuvre, en definitive, a redecouvrir dans sa diversite et ses evolutions ambigues, en accord avec le regard naturaliste d'antoine sur les mondes
The antoine's works (theatre and cinema) an itinerary of naturalisticrealistic practices connected to the pictorial aesthetics of the late 19th-century, between avant-garde and official painting (through the stage-designers of the stage). Scenic and cinematographic works involved in a battle against the artistic conventions of the period. A theatrical reform initiated in an eclectic and spectacular set : montmartre. A theatrical reform confirmed at the theatre antoine at the odeon with the assistance of the professional feint-masters. A late and essential cinematographic reform. Antoine, the man of the ruptures and reactions, between naturalism and symbolism. Unrecognized works polemical and problematical but complemental and coherent for a constant quest of the realistic continuities. Realistic practices of artistic reconstitutions of the real lessened by the reducing antoine's naturalistic and "librist" legend. Finally, works rediscover within its diversity and its ambiguous evolution, according to antoine's naturalistic look to the worlds

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Dissertations / Theses on the topic 'Épique (esthétique) – 19e siècle'

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