Academic literature on the topic 'Épique (esthétique) – 19e siècle'

Cet article propose une brève esquisse de la façon dont les juristes élaborent un discours juridique qui présente la nature à la fois comme décor et acteur du monde juridique. A travers l’exemple de Charles Demolombe au 19e siècle, un lien est établi entre la représentation juridique de la nature et une certaine esthétique de la vérité.

La chute du système soviétique s'est accompagnée de l'idéalisation de l'Occident. L'image de l'Occident est une vague représentation de la société, libre de tous les défauts du système soviétique et, donc une incarnation de la perfection morale et esthétique de l'existence et des rapports humains. Dans la vision russe de l'Occident, l'idéalisation actuelle marque une toute nouvelle étape. La « nouvelle occidentalophilie » est séparée de celle du 19e siècle par une rupture qui a duré presque un demi-siècle.

« Le roman vient de là, de cette ombre que l’épopée ignore ». À elle seule, cette formule de Francis Dubost résume un pan important des recherches menées depuis plus d’un demi-siècle sur les romans d’antiquité. Depuis les articles fondateurs d’Ernest Hoepffner (1938) et d’Erich Köhler (1963) jusqu’aux travaux d’Aimé Petit (1984) et de Francine Mora (2008), une certaine constante continue d’infléchir l’analyse de ce corpus : les romans de Thèbes (ca. 1150), d’Énéas (ca. 1152), de Brut (1155) et de Troie (ca. 1165) signeraient la naissance du genre romanesque en adoptant une posture critique par rapport à l’héritage épique de la chanson de geste. Premier en date de ce corpus, le Roman de Thèbes est présenté comme le texte qui marquerait « le passage de l’épopée au roman » tandis que le Roman de Troie qui achève le « cycle » devient celui qui permet l’affranchissement des impératifs épiques, ouvrant ainsi la voie au projet proprement romanesque de Chrétien de Troyes (ca. 1176-1189) et de ses nombreux successeurs. Malgré ses accents lukácsiens, voire hégéliens, ce récit des origines épiques du genre romanesque repose sur une filiation esthétique réelle. Associées à juste titre à la « naissance du roman », ces œuvres pionnières affirment la spécificité de leur projet poétique à travers un jeu de reprise et de mise à distance avec différentes traditions littéraires antérieures (épopée, historiographie, hagiographie, littérature didactique, etc.). Parmi ces traditions, la chanson de geste occupe un rôle indéniable attesté par les nombreuses études qui ont démontré l’importance fondatrice du modèle épique dans la structure, les thèmes et les procédés poétiques mis en œuvre par les premiers romanciers.

Cet essai explore comment Shakespeare utilise la rhétorique des insultes cruelles et fortement métaphoriques des débuts de la modernité afin de réaliser une rivalité agressive entre le déclinant idéal aristocratique élisabéthain du sang et du langage épique d’une part, et le théâtre satirique en émergence d’autre part. Ce type de théâtre se justifie en associant le guerrier aristocratique à un corps suintant, efféminé, et malade. Cet essai se concentre en particulier sur les pièces Troilus and Cressida et Coriolanus, qui établissent un fort lien entre la manifestation de maladies internes sur la peau et la perte d’autonomie masculine. Dans Troilus and Cressida, Thersites, incarnant le personnage du fou, domine la pièce avec ses discours vicieux qui transforment sur le plan rhétorique le personnage héroïque de l’aristocrate masculin en une créature abjecte. Parallèlement, Coriolan, en fort contraste avec Thersites, est un guerrier autonome, qui néanmoins soutient l’opinion de Thersites que le spectacle théâtral, ainsi que la fréquentation des gens du peuple dégradent les idéaux guerriers aristocratiques. Les deux pièces suggèrent que c’est à travers une langue caustique et scatologique de l’insulte, de pair avec une destruction rhétorique des idéaux de l’aristocratie guerrière, que le théâtre britannique du début du dix-septième siècle remplace une esthétique traditionnelle de l’élite faite de sang héroïque par une célébration de la puissance rhétorique des croûtes et des éruptions cutanées.

Ces réflexions se proposent de classifier quelques conceptions identitaires dans la nouvelle Allemagne en fonction des différentes acculturations – modifications des orientations et comportements suite à l’intégration et/ou au refus des éléments des cultures voisines (plus «avancées») – qui ont forgé l’identité allemande au cours des deux derniers siècles. Il est ainsi caractéristique du néonationalisme ethniciste de Zitelmann, Weißmann et d’autres de refuser toute identité mixte (multiculturalisme, Union Européenne, américanisation...). Le Anschwellender Bocksgesang de Botho Strauss reprend l’opposition esthétique contre la modernité à l’américaine (mass-média...). La République Allemagne néo-idéaliste de Dieter Henrich renouvelle la constellation autour de 1800 quand la culture allemande «spontanée» s’oppose à la France égalitaire et «ritualisée». Ce modèle d’interaction garde des réserves face à l’Occident, ce qu’elle partage avec les réactions utilitaristes qui consistent depuis le 19e siècle à prendre des aspects de la modernité tels que la technique mais à toujours récuser des droits comme le ius soli pour les immigrés vivant en Allemagne. Les conceptions postnationales revalorisent l’acculturation mais avancent aussi des objections face au capitalisme et à l’individualisme effréné (par exemple l’éthique «discursive» de Habermas ) ou prolongent les modèles d’une troisième voie (des Verts...). Ces projets d’une société civile proviennent des dynamiques de la vieille RFA tout comme la pensée «dispersive» de Sloterdijk qui réclame une sensibilité allemande spécifique à l’égard des catastrophes historiques et écologiques. Vu sous l’angle de l’acculturation, les réactions néo-idéalistes et néo-nationalistes paraissent particulièrement anachroniques et désappropriées.

Sous l’angle de la poétique, la science des principes constitutifs des formes littéraires, l’objectif de notre étude consiste, avant tout, à revaloriser le champ de l’épopée au XIXe siècle en étudiant l’évolution thématique et structurelle du genre épique à la lumière de la théologie mystique. À partir d’une vingtaine d’œuvres sélectionnées au sein d’un corpus foisonnant (dont la plupart, injustement oubliées par la postérité, sont le fruit de minores), nous entendons démontrer que l’épopée du XIXe siècle, loin de se cantonner à la tradition classique des grands modèles totémiques issus de l’Antiquité, subit, au lendemain de la Révolution, ce que nous envisageons comme un changement de paradigme. En passant progressivement d’une épopée « héroïque », pour reprendre le mot d’Henry Corbin, à une épopée dite « mystique », influencée par la revalorisation des œuvres de Dante, Milton et Klopstock, la nouvelle triade romantique, l’épopée du XIXe siècle, censée structurer la société à partir d’un événement fondateur, devient presque exclusivement visionnaire en ce qu’elle déporte son attention de la Terre vers les Cieux, de la politique vers la métaphysique.Là se trouve tout le cœur de notre thèse dont le mouvement, nourri de la « relation critique » entre littérature et mystique, porte en germe l’avenir d’un genre désormais voué à la révélation eschatologique et à la réintégration de l’âme déchue. Au-delà de la philosophie idéaliste, il s’agira surtout de prouver que les auteurs de notre corpus, éduqués dans la plus pure tradition catéchétique et sensibles aux nouveaux courants occultes et illuministes qui travaillent la conscience romantique, font de l’épopée non plus une œuvre guerrière, centrée sur la mémoire historique des hauts faits nationaux, mais une épopée métaphysique qui puise dans les concepts mystiques pour éclairer son propre fonctionnement. Inscrit au cœur du renouveau des études mystiques en Europe depuis la fin du XXe siècle, notre sujet se concentre essentiellement sur la dialectique entre la mystique, traditionnellement spécifique et intimiste, et l’épopée, par définition générique et universelle, en approfondissant l’évolution, la transformation et les limites du genre à travers les trois voies définies par la théologie néo-platonicienne depuis le pseudo-Denys l'Aréopagite –purgative, illuminative et unitive – avant de parvenir à l’ultime apocatastase
From the perspective of poetics, the science of the principles of literary forms, the main goal of our study is to enhance the epic sphere in 19th century by studying the structural and thematic development of the heroic genre through the mystical theology. Working from some twenty rare pieces in an abundant corpus (most of them, unfairly forgotten by posterity, are the result of minores), we intend to prove that the epic of the 19thcentury, far from being confined to the classical tradition of the great totemic models from Antiquity, undergoes, after the Revolution, what we consider as a change of paradigm. Moving from a “heroic” epic, referring to Henry Corbin, to a so-called “mystical” epic, influenced by the revaluation of Dante, Milton and Klopstock’s works, the new romantic triad, the epic of the 19th century, supposed to organize society from a founding event, become exclusively prophetic by shifting its perspective from earth to heaven, from politics to metaphysics.Here is to be encountered the keystone of our dissertation, regarding the “critical relation” between literature and mysticism, which demonstrates the evolution of a genre henceforth dedicated to eschatological revelation and reintegration of the fallen soul. Beyond german idealism, we wish to emphasise that the authors of our corpus, educated in the purest catechetical tradition and affected by the new occult and illuminist currents, make the epic no longer a work of war, focused on the historical memory of national battles, but a mystagogic form that draws on mystical concepts to clarify its own running. Related to the revival of mystical studies in Europe since the late 20th century, our subject highlights the dialectic between mysticism, traditionally individual and intimate, and the epic, by global and universal definition, exploring the transformation and limits of the poetic form through the three ways defined by Neo-Platonic theology – purgative, illuminative and unitive– until the ultimate apocatastasis

Avec la publication des Méditations, en 1820, la poésie lamartinienne marque la renaissance du lyrisme. Or, ce qui produit cette révolution silencieuse dans la poétique des Lumières, tout en conservant le canon classique, c'est un autre rapport au monde et aux mots qui se joue dans la notion d'harmonie. En effet, elle se présente comme une nébuleuse sémantique qui unifie des domaines que la modernité a séparés : poésie, musique, politique, religion. L'esthétique du poème met en miroir dans le cours de l'histoire le rêve humanitaire et la vision du monde, qu'elle soit élégiaque ou eschatologique. L'harmonie au XIXe siècle, à travers le destin de Lamartine, poète et homme d'Etat, qui l'incarne et qui la dit, offre un lieu commun. Utopie ? Peut-être n'a-t-il pas eu lieu hors du poème, qui, suivant une nouvelle esthétique de la réceptivité, parle à chacun dans la langue du cœur et vise la mystique par la musique des mots
The publication of the Meditations, written by Alphonse de Lamartine, in 1820, produces the revival of lyricism in French litterature. These verses make a silent revolution in the poetics of the Enlightenment, although they keep carefully the ancient rules, because the notion of harmony proposes another conception of the world and of the words. Harmony consists in semantic diversity, linking together many fields that modernity has now separated : poetry, music, politics and faith. The poem is thus the mirror of History and shows the progress of humanity. Through the life of Lamartine, poet and statesman at the same time, the dream of harmony becomes present and possible and offers a commonplace idea. Utopia ? Maybe it has only taken place into the poem itself, when Lamartine's poetry aims to speak to anybody in the heart's langage, and even to God with the music of the words

Ce travail a pour objet l'image de l'autre dans les textes français et arabes des XIIe et XIIIe siècles traitant de la première croisade (1095-1099). Le contact direct entre Orientaux et Occidentaux en Terre Sainte contribue en effet à modifier peu à peu les perceptions antérieures de l'altérité. Les auteurs des deux camps ont alors des attitudes très semblables : ils sont partagés entre curiosité envers l'ennemi, goût pour les attaques idéologiques et inclination à la rhétorique de guerre sainte. Après une évocation des conditions de production des œuvres, cette étude fournit des analyses autour de quatre axes majeurs : la découverte de l'autre, la polémique religieuse, l'autosacralisation et les altérations de l'altérité. Elle fait aussi la part belle à un développement occidental spécifique, la création d'une figure fictive appelée à une certaine postérité, l'ennemi historique métamorphosé en converti prosélyte
This study focuses on the image of the other in French and Arab texts of the 12th and 13th centuries dealing with the First Crusade (1095-1099). The crusade brought people from East and West into direct contact with each other, and with the new contact came a gradual change in their perception of alterity. Writers from both camps share similar attitudes : they hesitate between curiosity about the enemy, a taste for ideological argument and a predilection for the rhetoric of holy war. After a survey of the conditions of creation of the works, this study gives full analyses oriented in four directions : the discovery of the other, religious polemics, self-sacralisation and alterations of alterity. Finally, it pays close attention to a peculiarly Western development – the creation of a fictional but long-lived figure – the historical enemy transformed into a proselytizing convert

En Allemagne, au milieu du XIXe siècle, certains penseurs se proposent de fonder le beau, comme dans les sciences, sur des lois générales, uniques, universelles. Ils affirment que seules les figures géométriques sont à même d'exprimer ces lois. De la multiplicité des solutions proposées, la section d'or de Zeising s'imposera, parce qu'elle aura reçu la caution des scientifiques G. T. Fechner et W. Wundt. En France, nous retrouvons cette tentative d'une esthétique scientifique, dans laquelle la section d'or occupe une place privilégiée chez Charles Henry qui est censé l'avoir successivement fait connaitre à Seurat, aux puristes, Ozenfant et Le Corbusier, et enfin à Severini. La section d'or fait également partie des "saintes mesures" proposées par l'écoles d'art sacré de Beuron dont les théories marquent Paul Sérusier et Maurice Denis. Enfin, la section d'or se retrouvera chez Matila Ghyka, auteur qui en exposera les propriétés mathématiques, en amplifiera les qualités esthétiques, lui ajoutera un caractère ésotérique pythagoricien et fonde le nombre d'or, qui désormais, se dégage
Mid nineteenth century in Germany some scholars using science proceedings endeavour to found the beautiful on single and universal rules. They contend that the geometric figures possess the ability of expressing these rules. Out of the multiplicity of the proposed solutions Zeising's golden section will lead because of and with the caution security added thereto by the scientists G. T. Fechner and W. Wundt. In France there is a similar attempt undertaken by Charles Henry to developp a scientific aesthetics wherein the golden section will be privileged of an outstanding position. Ch. Henry is supposed to have made it known successively to Seurat, Purists, Ozenfant and Le Corbusier, and Severini. The golden section is also a part of the holy measures outlined by the sacred art school of Beuron whose theories inscribe their mark on Paul Sérusier and Maurice Denis. At last the golden section will be favoured by Matila Ghyka who shall describe its mathematical proprieties emphasize on its aesthetic qualities add a pythagorician esoteric meaning and create the golden number which shall thereafter remain solely used

L'objet de ce travail est de montrer que la forme dramatique, entrée en crise à partir de la fin du XIXe siècle et pendant tout le XXe siècle, ne s'est pas seulement renouvelée par le biais d'une ouverture du genre théâtral du côté du genre romanesque, c'est à dire par le biais d'une "romanisation" ou d'une "épicisation" d'ores et déjà abondamment théorisée, mais également par la voie d'un décloisonnement du genre théâtral du côté du genre poétique, suggérant l'invention d'une sorte de "théâtre-poésie". Cette problématique invite à interroger le rapport du dramatique et du poétique à différentes époques charnières de l'histoire du théâtre, le symbolisme, les avants-gardes et l'époque contemporaine, et à analyser, pour chacune de ces périodes, une ou dramaturgies à valeur exemplaire, en l'occurence, celles de Villiers de l'Isle-Adam et de Maurice Maeterlinck, celles de Guillaume Apollinaire et de Roger Vitrac, celle enfin de Valère Novarina
The object of this work is to show that the dramatic form, entered in crisis from the end of the XIXth century and during all XXth century, was not only renewed by means of an opening of the theatrical genre as for the romantic genre, that is by means of a "romanisation" or of an "épicisation" already abundantly theorized, but also by the way of a decompartmentalization of the theatrical genre towards the poetic genre, suggesting the invention of a sort of "theater-poetry". This problem prompt to interrogate the report of the dramatic and of poetics in various times hinges of the history of the theater, the symbolism, the avant-gardes and the contemporary time, and to analyze, for each of these periods, one or two dramatic arts with exemplary value, in this particular case, those of Villiers de l'Isle-Adam and Maurice Maeterlinck, those of Guillaume Apollinaire and Roger Vitrac, that finally Valère Novarina

L'objet de cette étude s'effectue à partir d'une coupe synchronique du vécu littéraire de 1869 en procédant à un dépouillement de la presse quotidienne parisienne ainsi qu'à une lecture des œuvres romanesques, théâtrales, et poétiques de l'époque. Ce qui nous intéresse avant tout c'est de dresser un bilan de cette production littéraire en tenant compte du contexte historique, économique, scientifique et artistique de l'époque. Pourquoi 1869 ? Parce que cette date est à la fois un signe et un point de repère obligé. Située juste un an avant que n'éclate la guerre franco-prussienne et que la troisième république soit proclamée, elle est marquée par l'inauguration du canal de Suez, le centenaire de Napoléon 1er mais aussi par des élections législatives qui révèlent déjà la fragilité du règne de Napoléon III. C'est aussi du point de vue littéraire une année charnière où nous assistons à la réédition intégrale de l'œuvre de Balzac et à la réalisation du plan d'ensemble du cycle des Rougon-Macquart, ainsi qu'à la publication de l'Education sentimentale, de l'Homme qui rit, de Madame Gervaisais, de Vingt mille lieues sous les mers ou des Chants de Maldoror
This research has been done through a synchronic study of the literary life in 1869, through the perusal of Paris daily press as well as analysis of novels, plays and poems from that period. First and foremost, we tried to take stock of the literary production taking into account the historical, economic, scientific and artistic context of the time. Why chose 1869 ? Because this date is both a sign and an inevitable landmark. Just one year before the war broke out between France and Prussia and the third republic was proclaimed, 1869 was marked by the opening of the Suez canal, the centenary of Napoléon I But also by the results general election that revealed already the weakness of Napoleon III reign. From a literary viewpoint, 1869 is a transition year when Balzac's entire works were republished, the framework of the Rougon-Macquart cycle was set up and were published the Education sentimentale, l'Homme qui rit, Madame Gervaisais, Vingt mille lieues sous les mers or Les Chants de Maldoror

La Normandie est extrêmement riche en graffiti marins, mais ces sources iconographiques n'ont jamais fait l'objet d'études synthétiques régionales. L'inventaire des graffiti normands permet de disposer d'un corpus de quelques 500 documents dates du 13e au 19e siècle. Les gravures figurent essentiellement des navires, mais aussi des éléments de navire (ancre, pavillon, greement, éperon) ou de navigation (balise), des animaux (poisson, oiseau de mer) et des inscriptions maritimes. Leur intérêt réside dans le fait qu'ils livrent des représentations de bâtiments des petites marines de pèche et de commerce pour lesquelles nos sources sont rares avant le 18e, tout en contribuant au renouvellement des sources iconographiques navales. La répartition des graffiti en Normandie calque les zones maritimes et fluviales. Ils sont omni présents sur les pierres calcaires et les plâtres des églises, châteaux et maisons traditionnelles. Malgré leur intérêt pour l'archéologie navale, les graffiti soulèvent de nombreux problèmes et en particulier pour leur détermination et leur datation. L'utilisation de la voilure comme fil conducteur de la typologie permet à la fois une sériation des données, leur détermination par le biais de comparaisons iconographiques et leur datation. Les graffiti de navires normands désignent des bâtiments de commerce et de cabotage. Les bateaux fluviaux sont rares
Normandy is extremely rich in ship graffiti, but we haven't any regional and synthetical studies about these iconographic sources. The inventory of Normand graffiti allows to have a corpus of some 500 documents dated from 13th to 19th centuries. The documents present essentialy ships, but also elements of ship (anchor, flag, rigging, head) or elements of navigation (sea-mark), animals (fisch, sea-bird), and maritime inscriptions. Their major value ist that graffiti give representations of boats of merchant navy and fisching navy, on which we haven't any iconographic source before the 18th century, and contribute to the repacement of naval iconographic material. The geographic repartition of ship graffiti follows the maritime and fluvial zones. They are omnipresent on the soft calcareous and plaster of the churchs, castles and traditionnal houses. In spite of their value for ship archaeology, graffiti pose a problem and particulary for determination and dating. The use of sails as leading thread allows at the same time a classification of ships graffiti, their typing according iconographic comparaisons, and their datation. Normand graffiti present merchant and coast ships. Barges are rare

« Le style c’est l’époque d’abord » peut-on lire dans le Traité de Léonce Reynaud (1850), citation à laquelle fait écho cette autre déclaration plus tardive de Peter Behrens : « Faire de l'architecture c'est donner corps à l'esprit du temps » (1913). Les deux auteurs architectes partagent cette idée du temps incarné dans l’architecture, produit d’une Zeitwille telle que l’appelle aussi Ludwig Mies van der Rohe. Mais tandis que pour l’un le style est le vecteur de l’expression de la temporalité, pour l’autre, c’est au « faire » qu’il revient de former cet être au temps. Davantage, Behrens appartient à un mouvement générationnel « moderne » qui, précisément, se reconnaît à travers un rejet unanime et international des problèmes stylistiques. Comment expliquer que la question de l’historicité de l’architecture fut abordée une première fois avec le style, puis une seconde fois en radicale opposition à lui ? Plus généralement, en quoi les discours sur le style renseignent-ils sur le rapport de l’architecture au temps ? Cette thèse voudrait apporter quelques éclairages sur ces questions par l’intermédiaire d’une enquête généalogique sur le concept moderne de style
“Style is time first” writes Léonce Reynaud in his Traité d’architecture (1850). This quotation is later echoed by this other declaration of Peter Behrens: “making architecture is to give body to the spirit of the time” (1913). Both share this idea of time embodied in architecture conceived as a product of a Zeitwille as Ludwig Mies van der Rohe also calls it. But while the style for one is the vector of the expression of temporality, it is the “making” that is intended to give such a temporal existence for the other. Moreover, Behrens belongs to a “modern” generational movement which, precisely, recognizes itself through a unanimous and international rejection of the stylistic problems. How can we explain that the question of the historicity of architecture was tackled once with the idea of style, then a second time in radical opposition to it? Generally speaking, what does the debate on style tell us about the relationship between architecture and time? This thesis would like to give some answers to these questions with the help of a genealogical investigation on the modern concept of style

Vie musicale dans les Ardennes françaises et dans les cantons belges limitrophes au 19e siècle. Premier axe de recherche : mise en évidence de la vie musicale au sein de la société ardennaise sous ses aspects sociologique, institutionnel, politique et religieux. Second axe : analyse esthétique de la musique populaire et de l'œuvre de quelques compositeurs qui ont illustré la région avant 1914, afin de dégager l'éventualité d'un style musical spécifiquement ardennais. Le choix de la période d'étude a été guidé par l'intérêt qu'elle présente de nous faire assister à la fin d'un monde, celui des traditions, et à la naissance d'un nouveau, celui du progrès technologique. Dans le domaine géographique, le travail est rendu plus complexe par la présence d'une frontière qui divise la population entre ardennais belges et ardennais français. Si la Révolution française de 1789 a amené une instabilité politique et sociale qui a duré, en fait, jusqu'en 1905, un certain goût musical a perdure en France et en Belgique pendant toute cette période. La recherche de la vie musicale dans les Ardennes peut être considérée comme achevée et positive, mais il n'en est pas de même de celle d'un style musical particulier aux Ardennes. Il apparait, en effet, que les répertoires ardennais se rattachent, par leurs origines et leur inspiration, et cela du côté français comme du côté belge, à l'esthétique de la région parisienne et du nord de la France
Musical life in the French Ardennes and in the bordering Belgian areas. First line of research: to reveal the musical life amongst the Ardennes society from the sociological, institutional, political and religious points of view. Second line of research: aesthetical analysis of popular music and the works of some composers who made the area famous before 1914, in order to reveal the possibility of a specific "ardennais" musical style. The choice of the period was given by the fact that it is the end of a world- the world of traditions- and the beginning of a new one: the world of technological progress. In a geographical context, the study is made more complicated because of the existence of a border that divides the population between the Belgian and the French ardennais. Although in fact the French revolution of 1789 created a political and social instability that lasted until 1905, a certain musical taste remained in France and in Belgium during all this period of time. Even though the research of musical life in the Ardennes can be considered as completed and positive, the research of a musical style particular to the Ardennes can not. Indeed, it seems that the repertoires of the Ardennes can be linked by their origins and inspirations, on the French side as much as on the Belgian side, to the aesthetics of the Paris area and the north of France

La nouvelle réalité n'a pas besoin de ressembler à la réalité, dit Ramón Gómez de la Serna en 1931 dans Ismos. Dès 1898, des créateurs et des intellectuels recherchent les conditions de cette rupture totale de la mimèsis pour montrer que l'art est un questionnement universel, voire mystique. Ils remettent en question le sens de la beauté conventionnelle. Darío de Regoyos trouve dans la ténébreuse Espagne noire les éléments d'une régénération de l'Espagne. Le peintre et écrivain José Gutiérrez Solana s'inscrit davantage dans une pérennité ethnologiquement espagnole d'une esthétique du sordide. Au regard des tendances artistiques européennes, José Ortega y Gasset, José Díaz Fernández, Ramón Gómez de la Serna réfléchissent aux conditions culturelles de la modernité espagnole. L'étude des artistes réunis dans cette thèse se veut avant tout une réflexion sur l'évolution du discours esthétique et une interrogation sur l'identité espagnole. Elle témoigne de l'aspiration de l'esthétique à la liberté