Academic literature on the topic 'Entre-deux (esthétique) – Dans la littérature'

"L’émerveillement devant la beauté et la parole poétique. Une perspective esthétique et théologique. L’objectif de cet article est de montrer que Hans Urs von Balthasar et Karl Rahner ont présenté une esthétique théologique centrée sur l’émerveillement : tous deux le considèrent comme une réponse du sujet à la révélation divine, qui révèle une belle figure à voir et une parole poétique à entendre. La paire esthétique émerveillement/réponse correspond à la paire anthropologique amour / liberté, de sorte que le mouvement de l’émerveillement s’enracine dans la disposition amoureuse et la réponse dans la liberté. Dans l’horizon épistémologique du dialogue interdisciplinaire entre Littérature, Esthétique et Théologie de notre propre recherche, nous appliquerons ces médiations aux Quatre Quatuors de T.S. Eliot, en le trouvant comme représentatif de l’émerveillement esthétique théologique décrit en son sein. Mots clés : Paul Ricoeur - Hans Urs von Balthasar - T.S. Eliot - Les Quatre Quatuors - Merveilleux - Esthétique théologique – Littérature "

Rancière reproche à Deleuze de ne pas parvenir à penser le rapport de l'écriture littéraire à la politique, et d'échouer à fonder une authentique politique de la littérature. Selon Rancière, c'est seulement en distinguant plusieurs régimes historiques d'identification de l'art (éthique, représentatif, esthétique) que l'on peut penser le sens et les conditions d'une politique de l'écriture. Par contraste, l'ambition d'une position deleuzo-guattarienne sur les rapports entre politique et littérature aujourd'hui consiste à tenter de réhabiliter, après Rancière, l'idée selon laquelle le sens politique de la littérature implique une distinction entre deux usages de la langue, deux expériences hétérogènes du langage : l'un ordinaire, communicatif et « majeur » ; l'autre créateur, esthétique et « mineur ». L'objectif de cette étude est de montrer que les textes de Deleuze et Guattari de 1980 sur l'épistémologie de la linguistique, et sur l'idée d'une nouvelle pragmatique de la langue inspirée de William Labov, apportent un éclairage rétrospectif sur la façon dont la notion de littérature mineure, introduite en 1975 dans le livre sur Kafka, inscrit la politique dans l'usage littéraire du langage, et fonde une authentique politique de la littérature —en un autre sens que chez Rancière.

Neige noire incorpore une double représentation de sa propre narrativité : cinématographique, par l’utilisation de la forme du scénario, et littéraire, notamment par la mise en scène du rapport entre l’auteur et le lecteur. Cet article démontre que, par la confrontation de ces deux structures différentes, Aquin a pu explorer les limites de l’écriture et de la narration, et chercher à exprimer son idéal esthétique d’une écriture totale.

RÉSUMÉ Dans une situation de crise historique, la culture baroque a développé une remarquable puissance esthétique, souvent instrumentalisée par des projets de retotalisation politique. Partant de l'hypothèse que nos nouveaux médias permettent aux artistes contemporains de mieux réaliser la puissance esthétique du baroque qu'on ne l'a fait à l'époque baroque même, on doit se demander ce qu'il en est de la retotalisation aujourd'hui. Dans le film Prospero's Books, Peter Greenaway intègre les deux moments du baroque dans le même ouvrage. L'analyse proposée ici articule la complexe relation entre sa dimension « interartielle » (le film se réfère à la littérature comme à son modèle) et sa dimension intermédiale (l'audiovisuel filmique prend en charge et interroge les médias du langage : oralité, écriture, imprimé).

Cet article explore deux perspectives entrelacées, d’une part, la question du savoir de l’écrivain et ses ruissèlements dans l’œuvre et de comment ce savoir, médiatisé par la littérature et son enseignement, notamment dans les classes de langue étrangère, finit par produire une matière de travail sur les représentations culturelles et interculturelles. Le Deuxième axe réaborde la question de la littératurisation de la pédagogie et la pédagogisation de la littérature, mais dans le but d’évaluer l’hypothèse d’un paradigme esthétique en éducation, qui tire profit de l’art, autant par son régime productif que par sa réception. Les deux perspectives soutiennent la thèse de la centralité de l’usage de la littérature, sans la dénaturer par des approches trop structuralistes ou didactiques. Il s’agit d’explorer ce que la littérature nous dit d’une culture qui ne peut être exprimée par d’autres disciplines.

L’œuvre de Patrick Chamoiseau, souvent classée dans la « littérature francophone », s’écrit à la croisée des langues créole et française. Initialement conflictuelle, la relation entre ces langues a évolué dans l’écriture de l’auteur martiniquais contemporain pour donner naissance à une éthique et une esthétique capables de renouveler les modalités de la fiction littéraire. L’article se concentre sur son œuvre romanesque et sur deux de ses essais. Ces textes me permettront de montrer en quoi l’écriture de Patrick Chamoiseau, née d’une relation complexe entre langue française et langue créole, parvient à dépasser les conflits linguistiques et à proposer un imaginaire mixte et singulier, répondant aux soupçons portés sur le récit littéraire dans le contexte postmoderne.

Le métis est non seulement au fondement de l’écriture d’Henri Lopes, il fait partie de son être. Il est le lieu où s’observent les mécanismes les plus subtils de la société moderne. Malédiction ou élection, le métis est une figure de l’entre-deux qui navigue entre les continents, fait vaciller nos certitudes et permet d’interroger notre être-au-monde. Le présent article entend étudier la figure du métis à partir d’un triple rapport avec l’histoire, avec la société coloniale et postcoloniale et avec la littérature.

L’article esquisse une histoire de la notion de milieu en confrontant l’article de Georges Canguilhem, « Le vivant et son milieu » (1946), à celui de Leo Spitzer « Milieu et ambiance » (1942). Alors que Spitzer conteste l’opposition entre un milieu abstrait et un environnement « chaud », Canguilhem entend transformer les éléments d’une compréhension mécaniste du milieu en une idée vitaliste et productive de l’interaction mutuelle entre milieu et organisme. L’article se concentre ensuite sur la perspective littéraire et esthétique de la discussion de la relation entre le vivant et son milieu, à partir de l’Histoire de la littérature anglaise de Taine. Dans deux textes de 1930 et 1931, Canguilhem présente une critique véhémente de Taine et oppose à la compréhension déterministe du milieu un concept esthétique qu’il réinvestit pour les sciences de la vie : le concept de création. En repensant la notion de milieu à travers une « esthétique du milieu », l’article conclut en opposant les critiques de Spitzer et de Canguilhem adressées à la compréhension déterministe du milieu et montre que l’opposition radicale entre détermination et création, que Canguilhem semble établir dans ses premiers textes, est reformulée dans son étude postérieure sur Le normal et le pathologique . La vie est créatrice relativement à son milieu au travers des déplacements vers un nouveau milieu, qui est lui-même, à son tour, vulnérable, précaire et inachevé. Pour penser une telle esthétique du milieu, il faut remodeler la notion d’activité artistique à partir d’un concept du vivant qui se forme dans sa confrontation constante avec son milieu.

Dans le cadre de cet article, nous nous proposons de relire les trois écrits du milieu des années vingt de Mikhaïl Bakhtine (Pour une philosophie de l’acte, «L’auteur et le héros dans le processus esthétique» et «Le problème du contenu, du matériau et de la forme dans l’œuvre littéraire») à la lumière de la première traduction française de La méthode formelle en littérature. Introduction à une poétique sociologique (1928) de son ami et collaborateur Pavel Medvedev. La mise à jour de la communauté des sources (russes et germaniques) et des références, ainsi que des parallèles textuels existant entre les travaux des deux auteurs sera ainsi l’occasion de revenir sur les fondements (formels et sociologiques) de l’esthétique de la création verbale que chercha à fonder le Cercle de Bakhtine. La redéfinition de la conscience comme «conscience participante» ou «conscience esthétique» – définition héritière des apports conjugués du matérialisme historique et de la phénoménologie schélérienne de la sympathie et de l’amour – est ainsi à la base d’une nouvelle conception de l’énoncé et du genre, c’est-à-dire du langage.

Résumé Félix Fénéon n'est pas seulement un agent de liaison entre le mouvement artistique et littéraire symboliste ou fin de siècle et le mouvement anarchiste, et une de leurs figures centrales, son oeuvre préfigure aussi les expériences des avant-gardes de notre siècle, jusqu' à leur échec. De par ses convictions anarchistes, il a essayé, pendant vingt-cinq ans, avec plus de conséquence que la plupart de ses contemporains, de reconduire en tant qu'écrivain, critique d'art et de littérature, journaliste et directeur de revue, l'art dans la vie (quotidienne) et de dépasser les limites du champ littéraire et artistique. Avec les Nouvelles en trois ligne , il entreprend une dernière tentative de « pratiquer la poésie » pour combler le fossé entre la littérature et les arts et les buts de l'anarchisme. Son silence littéraire définitif correspond à l'échec de la tentative des avant-gardes historiques d'agir en dehors des limites de l'institution artistique et littéraire.

Le désir d’envisager l’écriture comme une invention du soi, dans le sens vital et de survie, s’est imposé à moi à travers deux expériences individuelles fondatrices, celles de Flora Tristan et de Lautréamont. Ce dernier, né à Montevideo, s’est trouvé très vite, face à une expérience de désarroi qui lui a montré les limites de son identité. Flora Tristan, elle, a décidé envers et contre tous, de valoriser son origine péruvienne, son rapport à une autre histoire et à une autre culture. J’ai donc souhaité les insérer dans une continuité d’écrivains qui se sont servi de l’écrit comme une façon de faire face à un vécu en territoire étranger. Mais aussi comme une façon aussi de dessiner leur propre visage dans un texte modelé par un corps bio-politique. Si cette forme d’écriture a existé bien avant eux, il s’agit, dans le cas de mes auteurs étudiés, d’une mise à l’épreuve de leur capacité de survie et d’adaptation à des situations nouvelles. A chaque fois, un long voyage crée de nouveaux rapports avec une autre langue qui marque pour toujours notre lecture du monde. Cette enquête sur l’écriture à la première personne signifie aussi une façon d’interroger les constructions linguistiques de ce « Je » qui nous parle dans (depuis ?) un texte, avec toutes les connotations psychologiques, grammaticales et politiques que cette écriture comporte, surtout dans le cas des femmes, plus susceptibles d’être amenées à développer des stratégies de résistance. Ainsi se justifie l’idée centrale de cette thèse : redonner à la voix de l’auteur(e) un statut critique et structural dans le travail d’écriture. C’est ce que l’on pourrait appeler son pathos, forme affective du geste créateur. Une chose s’est montrée à mes yeux fondamentale : l’écriture serait un des moyens de s’opposer à toute forme d’aliénation, une résistance à partir du désir, une différenciation toujours au sein du politique, une Trace
The desire to assume writing as the invention of a Self in the vital plane and as survival, was imposed to me thru two fundamental individual experiences: those of Flora Tristan and Lautréamont. This last one, born in Montevideo, encountered a detachment experience that rapidly showed him the limits of his identity. Flora Tristán, she, decided, against all, to valorize her Peruvian origin, her relationship with a new history and another culture. I have tried then to integrate both of then in a saga of writers who have used writing as a way to face an experience outside the familiar terrains. But also, as a way to reflect their own face in a text crafted by a bio-political body. If this form of writing has existed for some time, it is, in the specific case of my studied authors, a demonstration of their capability of survival and adaptation. Each time we embark on a long trip relations with another language are created that will forever affect our lecture of the world. This research about writing in first person signifies also a way to interrogate the linguistic constructions of that “self” that speaks to us from a text, with all the psychological, grammatical and political connotations of this type of writing, especially for women who are often forced to develop strategies of resistance. This is how the central idea of this work is comprehended: giving back to the voice of the author a critical and structural role in the writing labor, what could also be denominated pathos, the creation like an affective expression. There is an aspect that seems fundamental to me: writing would be one of the ways to oppose resistance to alienation, a resistance coming from the desire to try to differentiate in the political terrain, a Trace

La notion d'entre-deux littéraire et son application à la deuxième partie de l'oeuvre d'Assia Djebar constituent le sujet de notre thèse. L'intertextualité est prise comme modèle de départ, mais elle est élargie à l'image et à la voix. Le lieu d'énonciation de la narratrice ne change pas pour autant : sa sitution intermédiaire reste invariable au cours de l'écriture. Par transcription nous comprenons l'écriture intertextuelle en situation interculturelle : elle se présente comme la reécriture des textes et la valorisation du point de vue de l'exclu. Par la description indirecte, la narratrice élabore sa propre méthode pour créer et saisir des images. La narratrice a aussi pour rôle d'assurer l'inscription de la voix dans le texte, le passage entre l'oral et l'écrit. La voix de l'enfance surgit pour guider l'écriture personnelle. L'écriture de l'entre-deux chez Djebar montre en français l'essence de la culture maghrébine et fait valoir le point de vue de la femme algérienne
The notion of in-between and its application in the second part of Assia Djebars works make up the subject of our thesis. Intertextuality is considered as a starting point, but it is enlarged on voice and image. The narrator's enunciation position does not change however : her intermediary position remains stable during the writing procedure. By transcription we mean intertextual writing in intercultural situation : it is textual rewriting and the appraisal of the subaltern's viewpoint. By indirect description the narrator elaborates her own way to create and capture images. She also assures the inscription of the female voice in the text, the link between the oral and the written. The voice of chilhood emerges in order to guide personal writing. In Djebar's works shows the essence of maghrebian culture in french and frees the expression of Algerian women

Cette recherche se propose d'eclairer la maniere dont les auteurs construisent leur recit, quand il s'agit d'illustrer leurs theses socio-politiques concernant la question ouvriere. Elle le fait en trois temps : d'abord, en etudiant la structuration romanesque de l'opposition sociale ; ensuite, celle de l'apprentissage ideologique, motive par l'opposition sociale ; enfin, celle de l'espoir de la classe ouvriere que l'apprentissage ideologique a fait naitre. La premiere partie, qui traite de trois instances du roman (le +personnage;, le +temps; et l'+espace;), montrera que l'antagonisme domine de maniere totale la vie des etres humains dans une societe capitaliste : nous attacherons de l'importance surtout a l'opposition discursive et a l'ordre temporel des episodes. La deuxieme partie est consacree a l'etude de la structure d'apprentissage: nous nous efforcerons de prouver que le noyau de la signification des romans ouvriers repose sur l'apprentissage. La troisieme partie cherche a expliquer a quel point les romans ouvriers mettent l'accent sur la volonte de lutte et sur le resultat optimiste de cette lutte : si nous inserons +une esthetique de l'espoir; dans +une esthetique de la lutte;, c'est que cet espoir ne se donne que par la lutte. A travers ce travail, nous tenterons de montrer que, si pertinentes que soient les questions posees par un texte litteraire, une schematisation excessive soumise au principe d'utilite aboutit finalement a la negation de la litterature. D'ou l'etablissement de cette conclusion en forme d'hypothese : plus un roman ouvrier manifeste de qualites artistiques, plus ses theses socio-politiques sont convaincantes
This study examines how the authors, by applying their own socio-political beliefs to the working-class struggles they write about, give form to their novels. The study is composed of three parts: first, an examination of the novels' presentation of social opposition; next, an examination of how ideological indoctrination - motivated by social opposition - is presented, and finally a focus on the working-class hopes born of this ideological teaching. The first part, which treats three of the novels' bases (+character;, +time; and +space;) will show that antagonism completely dominates humans trapped in a capitalistic society: we will emphasize discursive opposition and the temporal order of the episodes. The second part is devoted to the study of the indoctrination model: we will attempt to prove that the crux of these novels of the working class is this teaching of ideology. The third part attempts to explain just how much novels of the working class emphasize the desire to fight and the optimistic belief in a positive result of that fight: if we speak of an "aesthetic of hope" in an "aesthetic of struggle", it is because this hope comes solely from the fight. Throughout this study we will attempt to show that however pertinent the questions asked by a literary work may be, an excessive schematization for its utility will result, ultimately, in a negation of that literary work. From this reasoning we arrive at the following conclusion, posed as a hypothesis: the more a novel of the working class employs artistic qualities, the more its socio-political theses succeed in being convincing

L'hypothese de travail a ete la suivante : les phenomenes de reception de la production litteraire de part et d'autre des alpes enbtre 1919 et 1939 ont largement ete determines par ce que l'on pourrait appler - en employant une formule proposee lar luciano canfora - les ideologies du classicisme. Or il ne s'agissait pas eulement de verifier le bien fonde de cette hypothese. Il a fallu egalement analyser, d'une part, le rapport que chacune des deux litteratures a instaure au cours des annees vingt et trente avec les valeurs du classique et de la tradition, et, d'autre part, les modes de reception de l'autre" litterature en tant qu'effets de ce rapport. Cela nous a amene a reconstruire, en italie, un veritable discours sur la litterature francaise, alors qu'en france la reception de la litterature italienne est souvent l'echo des debats en cours en italie, plutot que le fait d'une reflexion articulee. Pour terminer, nous avons essaye de mettre ces analyses a l'epreuve des textes : non pas des textes "premiers", mais de ces textes "seconds" (ou la lecture devient acte, et ou se cristallisent les mecanismes de la reception) que sont les traductions
My working hypothesis was the following : reception of literary works on either side of the alps between 1919 and 1939 was largely determined by what could be called - to quote luciano canfors - ideologies of classicism. The purpose of this study is not simply to verify the validity of this hypothesis, - but to analyze, on the one hand, the relationship that each of these two national literatures established during the 1920's and 1930's with the valuers of classicism and tradition, and on the other hand, the ways in which the "other" literaturs was received as a consequence of this relationship. This involves reconstructing a veritable discourse on french literature in italy, wheres in france reception of italian literature often echoed the debates taking place in italy instead of being the result of carefully articulated reflection. Finally, this study attempts to test these analyses in the light of a number of texts : not "primary" texts, but translations, that is "secondary" texts in which reading becomes an act, and reception mechanisms are crystallized

Théoricien du surréalisme, André Breton (1896-1966) place au cœur de sa pensée et de son écriture esthétiques l'intérêt pour ce qui est primitif. Dans ses écrits, notamment dans sa critique d'art, il mentionne fréquemment les œuvres dites « primitives » (primitifs italiens, arts premiers, arts naïfs et arts préhistoriques), l'image primitive, la mentalité primitive et l'état primitif de la société. La plupart de ses réflexions concernant le primitif développent une contestation des valeurs de la société de son temps, souvent incarnées par la pensée rationnelle et systématique. Sa référence constante au primitif revêt un caractère à la fois esthétique, politique et mythique. Structurée autour des trois aspects du primitivisme, cette thèse vise à retracer l'évolution entière du rôle du « primitif » et du « primitivisme » dans la pensée esthétique de Breton et précise également la spécificité de sa pensée durant entre-deux-guerres
Theoretician of Surrealism, André Breton (1896-1966) places his interest in primitive at the core of his thinkings and writings. In his writings, especially in his criticism of art, he frequently mentions the works of art called "primitive" (the Italian primitives, primitive arts, naive art and prehistoric art), the primitive image, the primitive mentality and the primitive condition of society. Most of his reflections on this term cast a protest of society's values of his time, often represented by rational and systematic thought. His persistent reference to the primitive is principally aesthetic, political and mythical. Structured around these three aspects of primitivism, this thesis aims to trace the entire evolution of the role of "primitive" and "primitivism" in Breton's aesthetic thinkings and also indicate the specificity of his thinkings during the inter-war

L’œuvre poétique bilingue du Péruvien César Moro (1903-1956) se présente sous le signe de la contradiction : largement reconnue dans les milieux littéraires latino-américains, elle s’avère pourtant relativement délaissée par les maisons d’édition et la critique. Cette ambivalence naîtrait en partie du contraste entre une richesse visuelle et sonore qui interpelle le lecteur et suscite chez lui l’émotion poétique, et le caractère souvent cryptique d’un réseau d’images qui semble refuser l’accès au sens. Comment, alors, établir un processus de lecture quand le texte lui-même semble le refuser ? Si la poétique moréenne oscille entre voilement de la signification et immédiateté sensorielle, entre hermétisme et évidence, il s’agit de mettre en place une nouvelle approche de l’œuvre dans sa matérialité, en privilégiant une analyse « micro-textuelle » – via l’étude des nombreux jeux sonores et des répétitions de phonèmes – complétée par une approche « macro-textuelle » – fondée sur la mise en relation des poèmes entre eux et la prise en compte des divers contextes d’écriture. On voit alors se dessiner, derrière l’obsession du désir, une série de paysages amoureux et intertextuels dans lesquels se situe et se configure le sujet lyrique. Ce dernier répond à ses interrogations identitaires et existentielles en faisant un détour par l’altérité, par l’évocation et la recréation de figures de l’être aimé et l’appropriation de motifs et de référents de la tradition poétique. Les discours amoureux et métapoétique se rejoignent donc dans une écriture du moi habitée par les questions de la reconnaissance, de la mémoire et de la mort
Contradiction typifies the bilingual poetical works of Peruvian author César Moro (1903-1956): widely appreciated in Latin-American literary circles, Moro’s works have however been relatively overlooked by publishers and scholars alike. This paradox may partly stem from the contrast between the profusion of images and sounds which appeals to the reader and fills him with poetical emotion, and the cryptic nature of a web of visual effects which seem to defy understanding. How thus can we define an interpretative method when the text itself seems to oppose it? If the poetics of Moro’s works oscillates between opaqueness of meaning and direct sensorial experience, between abstruseness and obviousness, an original approach of the materiality of the works should be set. This new analytical strategy should favour the combination of “micro-textual” examinations –through the study of the numerous plays on sounds and repetitions of phonemes– with “macro-textual” ones –taking into account how the poems relate to each other and also based on the diverse contexts of writing. Concealed behind the obsession with desire, a series of amorous or intertextual landscapes revealing the lyrical subject emerge. This lyrical subject finds answers to his questions about identity and existence by making a detour via the issues of otherness, the evocation and reconstruction of the images of his beloved and the appropriation of motives and references to the poetic tradition. The lover’s discourse and the metaphorical one thus concur in the writing of the self haunted by the issues of recognition, memory and death

A la fin du XIXe siècle,la littérature fantastique choisit pour personnage privilégié un type social émergent, le célibataire. Le profil désabusé du vieux garçon et l'imaginaire qui s'y rattache, enluminé de décadence - misogynie, misanthropie, réclusion, esthétisme, dandysme. . . - impliquent une modification des effrois de cette littérature en même temps qu'un bouleversement de ses thèmes, de ses motifs et de sa poétique. Ces effrois s'inscrivent d'abord dans une nouvelle topographie réduite au chez-soi célibataire, aux murs clos de ce refuge, et surgissent de la seule peur de l'Autre et de son intrusion. Mais, par cet enfermement, l'effet fantastique se concentre définitivement sur le personnage, et ce n'est plus l'Autre finalement qui étonne ou effraie, mais soi-même. Incarnation décadente du culte du soi, le célibataire, qui s'inquiète maintenant de sa solitude, achève sa triste odyssée dans une horreur ou un dégoût de sa propre personne. Enfin, célibataire par peur de l'amour ou des femmes, il finit par érotiser sa solitude et succombe à un désir qui, en quête d'objets inédits, s'autorise toutes les extravagances : uranisme, fétichisme. . . Et surtout nécrophile. L'amour des mortes, en effet, qui permet au célibataire de vivre des amours inféconds, le pousse aussi à se comparer aux grands amants des mythes d'hier : Pygmalion, Orphée, Narcisse. Ces fantômes qui jaillissent du désir frustré achèvent alors de faire du célibataire l'élément central d'un fantastique fin-de-siècle qui a su économiser les figures expressives auxquelles plus personne ne croît
At the end of the nineteenth century, a new emergent social type is picked out by literature of the fantastic as its privileged character : the bachelor. The disenchanted profile of the bachelor and the imaginary related to it, illuminated with decadence : misogyny, misanthropy, reclusion, aestheticism, dandyism, generate a modification in the dreads of this type of literature as well as a variation of its themes, its motives,its poetics. .

Cette thèse étudie l'évolution des idées et des moeurs en France pendant l'entre-deux-guerres (1919-1939) et leur l'influence sur l'évolution de la forme romanesque, à travers trois périodiques : L'Art Libre, Europe, et Vendredi. Les thèmes suivants sont abordés : la guerre et ses conséquences ; l'inquiétude de la génération d'après-guerre et l'attrait de l'Orient ; l'évolution des moeurs et des rapports entre hommes et femmes ; le renouveau catholique ; l'engagement social et politique des écrivains. Ces évolutions se reflètent dans les romans de l'époque et ont entraîné une crise du roman, parce que l'on n'imaginait pas qu'il puisse s'écarter du modèle ancien, qui n'était plus adapté à l'instabilité de l'époque. Nous distinguons, chez les romanciers de cette période, confrontés à ce dilemme, deux tendances : l'une veut que le roman s'adapte à son époque, l'autre rêve d'un roman dégagé des influences de l'époque pour atteindre l'essence de l'être
This thesis explores the evolution of ideas and morals in France during the period between the First and Second World Wars (1919-1939) and their influence on the evolution of the novel, through analysis of three periodicals : L'Art Libre, Europe, and Vendredi. The following themes are addressed: the war and its consequences; the anxiety of the post-war generation and the attraction of the East; the evolution of morals and relations between men and women; the Catholic revival; the social and political involvement of writers. These changes are reflected in the novels of this period and they brought about a crisis concerning the novel because of the unanticipated departure from its traditionnal model, that model no longer being appropriate to the instability of the period. One distinguishes two trends among novelists of this period faced to this dilemma : one is to adapt the novel to its era, the other to envision a novel detached from its time in order to attain the essence of the human condition

Cette thèse propose d’étudier l’entre-deux du rêve et de la veille sous un angle cosmologique. Notre hypothèse est que chacun des textes du corpus véhicule une vision particulière du monde médiée par un plan interstitiel à travers lequel les protagonistes négocient leur identité ainsi que leur rapport au monde, notamment en contexte d’apocalypse culturelle. Dans le chapitre zéro, nous inscrivons notre propos dans le champ discursif contemporain s’attelant à réévaluer le concept de « grand partage » sur lequel se base l’ontologie moderne (Descola, Latour, Morin). Cette déconstruction nous amène à considérer le rapport de médiation que rêve et réel peuvent entretenir dans un contexte de crise de l’imagination (Augé), de sorte à interroger le type de réel porteur d’avenir que cette logique dialectique (Benjamin) permet d’envisager. À l’aune de ce dispositif épistémologique, le premier chapitre s'intéresse au roman La Chouette aveugle (Bouf-e-kour) de l’Iranien Sadegh Hedayat (1936). À travers l’entre-deux du rêve et de la veille, transparaît l’effondrement de la cosmologie perse antique, qu’un ange-femme signifie au narrateur en ve-nant mourir dans son lit ; l’analyse herméneutique et sémantique du texte révèle le basculement d’une vision du monde prémoderne, basée sur le déchiffrement du Réel imaginal par l’« angélophanie » (Corbin), à une perspective spectrale soumettant le présent à l’intempestivité d’une origine irrévocablement morte (Derrida). Dans le second chapitre, l’analyse de Poussière d’or (al-Tibr) du Touareg Ibrahim al-Koni (1990) fait apparaître l’entre-deux comme le socle d’une structure cosmique où les êtres s’opposent et se complètent entre visible et invisible (Claudot-Hawad) ; à travers la descente aux enfers que vit le protagoniste entre rêve et veille, l’étude cosmologique dévoile toute une écologie qui étend le territoire de l’humain à travers celui de l’esprit et de l’animal, de sorte à le faire accéder à « l’unité de l’existence » dont le désert est l’équation. Le troisième et dernier chapitre se consacre à l’analyse du Port intérieur d’Antoine Volodine (1995), et du post-exotisme en général, qui imagine l’entre-deux du rêve et de la veille comme un médium de transmigration ; nous proposons de voir comment l’apocalypse, sans cesse réactivée, lève le voile sur l’horreur du réel que les personnages réélaborent dans une éternelle transition. Enfin, la mise en écho de ces trois œuvres permet de considérer la capacité du rêve à générer du réel au seuil de l’inconnu de l’avenir, que la littérature invite à reconcevoir par le biais d’une refondation cosmologique
This dissertation aims to study the in-between of dreams and wake from a cosmological angle. We will argue that every text of our corpus conveys a particular vision of the world mediated by an interstitial level, through which the characters negotiate their identity and relationship with the world, notably in a context of cultural apocalypse. In chapter zero, we situate our statement vis a vis the contemporary field of discourse aiming to re-evaluate the concept of ‘‘Great Divide”, on which modern ontology is based (Descola, Latour, Morin). This deconstruction leads us to con-sider the mediation link interrelating dreams with reality in a context of imagination crisis (Augé), so as to interrogate the type of forward-looking reality that the dialectical logic (Benja-min) makes us consider. In light of this epistemological device, the first chapter focuses on the novel The Blind Owl (Bouf-e-kour) by Iranian writer Sadegh Hedayat (1936). Between the states of dream and wake is revealed the collapse of ancient Persian cosmology, signified to the narra-tor by a female angel coming to die in his bed. The hermeneutic and semantic analysis of the text reveals the shift from a premodern vision of the world, based on the deciphering of the Imaginal Real through « angélophanie » (Corbin), to a spectral perspective subjecting the present to an irrevocably dead origin (Derrida). In the second chapter, the Tuareg Ibrahim al-Koni’s (al-Tibr, 1990) Gold Dust shows the in-between as the pedestal of a cosmic structure where beings op-pose and complement each other between the visible and the invisible (Claudot-Hawad). Through the protagonist’s descent into hell between dream and wake, a cosmological study re-veals an ecology extending human territory through the spirit and animal domains, so as to make it reach the ‘‘unity of existence’’ which desert is the equation. The third and final chapter is de-voted to the analysis of Antoine Volodine's Le Port intérieur (1995) and post-exoticism in gen-eral, which describes the in-between as a transmigration medium. We aim to investigate how the apocalypse, constantly reactivated, lifts the veil on the horrific reality that the characters reimag-ine in an eternal transition between life and death, dream and wake. Finally, the echoing of these three works leads us to question the dream's ability to generate reality on the threshold of the future’s unknown, which literature invites us to redesign through a cosmological refoundation

Cette these a pour objet de reveler le role du jardin dans l'oeuvre romanesque d'aragon. Bien que clos, le jardin ouvre l'espace romanesque ; il en est sa metaphore meme. Champ d'experimentation de la langue, il nourrit la relation sensuelle entre aragon et son ecriture. De cet espace fecond surgit une veritable poetique du jardin ou la page s'assimile aux elements de la nature : dire le jardin, c'est dire le discours, qui s'avere multiple. Les limites du jardin se trouvent repousses et, par la, celles du roman, phenomene qui s'inscrit dans la recherche lyrique de l'infini
The object of this study is to reveal the role of the garden in the novelistic works of aragon. Although the garden is an enclosure, it opens up the space of the novel and is in fact its very metaphore. It is a place of experimentation with language, nourishing the sensual relationship between aragon and his writings. From this fertile world, a rea poetics of the garden takes place : the page becomes assimilated with the elements of nature. To state the garden means to state the "nature" of the discourse which is manifold. The garden is freed of its limits, and in the same vain, so is the novel. This phenomenon is bred within the scope of the lyrical pursuit of infinity

Le XIXe siècle a un an lorsque Charles-Ferdinand Morel et Isabelle de Gélieu unissent leur destinée. Dès lors, ils formeront un couple en vue grâce à leurs multiples activités sociales, religieuses, politiques, artistiques et littéraires. De nombreuses personnalités de passage dans le Jura bernois s’arrêtent dans leur demeure, un lieu de rencontres, d’échanges sur l’art et la littérature, de débats sur les idées nouvelles. Les réalisations auxquelles le Doyen Morel a contribué – la création d’une caisse centrale des pauvres, d’une caisse d’épargne et d’un orphelinat, la rédaction d’une constitution, l’élevage de mérinos – amorcent des évolutions qui marqueront les sociétés futures par leur audace. Quant à Isabelle de Gélieu, notoriété lui est acquise par ses romans et ses traductions littéraires. Mais derrière cette façade de vie mondaine, qu’en est-il de l’intimité du couple ? Interrogeant les frontières entre vie privée et vie publique, vie cachée et vie visible, sept historiennes et historiens offrent une approche renouvelée de ces deux personnages et de leur siècle. L’image qui en ressort est plus contrastée que celle présentée jusqu’à aujourd’hui. Mari et femme vivent côte à côte mais à la lecture des écrits d’Isabelle, on saisit que l’amour n’est plus présent. Dès lors, comment continuer à vivre ensemble sans s’aimer ? Comment trouver l’énergie pour créer, lorsque les difficultés financières, les disputes et une forme d’indifférence envahissent le quotidien ?

Nombreux sont les objets qui appartiennent à notre propre patrimoine culturel et qui, familiers de ce fait, échappent à notre attention. Paradoxalement, lorsque lesdits objets sont découverts par l’étranger, ils l’interpellent, l’émerveillent et, dans certains cas, le bouleversent, l’incitant ainsi à les décrire et les présenter à sa communauté linguistique qui les accueille et, par là-même, leur confère le statut de realia. Objets de curiosité de l’étranger, les realia se situent à l’entrecroisement des langues et des cultures. Elles constituent le lieu de rencontre privilégié entre le visiteur et l’autochtone, entre le proche et le lointain, entre le Même et l’Autre. Le présent ouvrage est l’aboutissement des débats menés au cours du colloque international sur le thème « Traduire, interpréter et enseigner les Realia », organisé les 26 et 27 mai 2017 à l’Inalco par les deux centres de recherche : PLIDAM (EA 4514) et CERMOM (EA 4091). Les contributions qui lui ont été dédiées se placent délibérément sous le signe de la diversité. Elles proposent de décrire les realia en s’articulant autour de trois axes principaux : littérature, traduction et didactique des langues.

La présente réflexion entend soulever des questions autour des aspects que revêt le rapport entre mythe et philosophie dans l’œuvre dramatique de deux hommes de lettres contemporains. En effet, la présence des mythes chez Sartre est très déconcertante, dans le sens où elle comporte pour l’auteur le risque de trahir son projet existentialiste, par cela même que la pensée mythique part d’un principe essentialiste. Elle se révèle donc inconcevable, voire impossible, d’autant plus que le système philosophique de l’auteur ne reconnaît de réalité qu’à l’Histoire elle-même. Que ce soit sur le plan historique, ontologique ou esthétique, l’usage que le philosophe français fait de la mythologie relève d’un dilemme insoluble qui trouve son origine dans les liens, sinon tendus, du moins problématiques entre littérature et philosophie. Il en est autrement du théâtre de Camus, où l’énoncé mythique prend le pas sur le discours transparent de la pensée conceptuelle, dans des pièces où ne figure pourtant aucun personnage du panthéon gréco-romain. Chez l’auteur de Caligula, l’invention d’une nouvelle situation dramatique n’est pas synonyme d’un rejet total de la mythologie. Bien au contraire, cette dernière constitue pour lui, dans le sillage de la pensée nietzschéenne, le garant suprême de l’immortalité de l’œuvre artistique.

L’existence d’un « théâtre mythologique » chinois comme catégorie spécifique ne semble pas évidente. Les mythes en Chine sont « des récits de divinités (shenhua 神话) » qui racontent non seulement les histoires de dieux d’un panthéon très riche et mouvant, mais aussi celles de personnages historiques divinisés selon les époques. Ces récits ont été principalement diffusés par la littérature orale (contes, spectacles) et par les romans en langue vulgaire. Un théâtre mythologique chinois, en tant que « catégorie », serait alors constitué d’un répertoire ayant pour thématiques les histoires et légendes des multiples divinités chinoises avec un lien sous-jacent aux croyances religieuses. Mais peut-on distinguer un répertoire mythologique spécifique par ses thématiques, sa dramaturgie et son jeu ? L’expression française « théâtre chinois » est très ambiguë puisqu’elle peut désigner, pour les novices, à la fois les pratiques traditionnelles, codifiées et chantées (en chinois xiqu戏曲) et les pratiques qui s’appuient sur le modèle européen de « théâtre », en chinois huaju 话剧littéralement « théâtre parlé ». Je me concentrerai sur les xiqu, terme généralement traduit par « opéra chinois ». Ce choix nous permettra d’aborder deux types de contexte de xiqu : un contexte de divertissement joué dans les salles de théâtre et un autre contexte attaché aux fêtes de temple. Les xiqu recouvrent une grande variété de spectacles (plus d’une centaine) qui partagent des codes esthétiques communs tout en ayant leur spécificité. Nous procèderons par coup de sonde dans le vaste corpus des pièces qui peuvent ou qui pourraient appartenir à un « théâtre mythologique ». Nous mettrons ainsi en avant les tendances majeures dans certains styles, par exemple : le Jingju 京剧 (ou Opéra de Beijing), le Yuju 豫剧 (ou Opéra du Henan), etc. Il s’agira dans cette communication de proposer une mise en contexte des relations entre les notions de mythe, spectacle et religions en Chine puis de proposer un premier état des lieux de la question.

Cet article met en lumière les résultats d’une recherche menée dans un dispositif universitaire d’enseignement de français comme langue étrangère de niveau intermédiaire-avancé auprès d’étudiants internationaux plurilingues. Il s’est agi de tisser des liens entre les langues premières des apprenants et la langue cible à partir de la réception esthétique d’œuvres d’art présentées lors de l’exposition Franz Marc/August Macke : l’aventure du Cavalier bleu, au musée de l’Orangerie à Paris. Cette expérience a eu comme élément déclencheur l’échange réflexif et plurilingue des deux chercheures impliquées dans le protocole. Nous verrons combien l’émergence des langues des apprenants à travers la mise en œuvre d’une expérience sensible favorise non seulement un développement et une créativité langagiers en langue cible mais permet également d’accueillir chacun dans sa pluralité culturelle, linguistique et biographique.

Jean-Denis Bredin dans Ce rendez-vous avec la gloire, au-delà des préoccupations esthétiques habituelles, permet de suivre l’itinéraire de son personnage principal dans la posture d’un jeune romancier. Démarche scripturale assez surprenante mais ô combien didactique pour ce romancier. Hector Boulon, qui termine sa scolarité en se questionnant sur son avenir, décide d’atteindre la gloire par la voie de l’écriture. Toute chose qui laisse entrevoir un certain nombre d’éléments significatifs dessinant un schéma actantiel. La littérature permettrait alors, entre autres, d’intéresser les lecteurs, qu’ils soient jeunes ou pas, au processus de la création littéraire. Dans cette optique, la préoccupation ici est celle de la lecture d’un roman comme un atelier de création littéraire au-delà du caractère essentiellement imaginaire de l’écriture qui le conditionne. La question que l’on peut se poser est celle de savoir comment cet auteur réussit-il le pari à faire de ce texte une pédagogie de la création littéraire ? La sémiotique narrative de Greimas et la génétique textuelle de Gustave Rudler nous aideront à répondre à cette interrogation. Il s’agira d’appréhender les mécanismes de la création, à partir des concepts d’actants, de génotexte et de phéno-texte et les procédés y afférents.

Le terme de putonghua, « chinois mandarin », qui signifie « le parler standard » ou « la langue commune », sous-entend par lui-même l’existence du plurilinguisme en Chine, sans même parler des langues des ethnies minoritaires. On compte huit grandes familles de dialectes à l’intérieur de la langue chinoise, dont les différences peuvent être parfois aussi grandes qu’entre deux langues européennes. Cette diversité linguistique du chinois, malheureusement passe mal dans la littérature écrite, essentiellement à cause de la contrainte liée à la spécificité de l’écriture chinoise. Cependant, beaucoup d’écrivains de la littérature contemporaine ont fait des efforts dans ce sens, en faisant entrer la réalité linguistique locale dans leurs œuvres tout en valorisant le cuture régionale.

Cet article se propose d’explorer le multilinguisme à l’œuvre dans la littérature francophone subsaharienne, à partir d’un corpus limité mais représentatif constitué de deux œuvres classiques (Les Soleils des indépendances, d’Ahmadou Kourouma, parue en 1968, L’Étrange destin de Wangrin, d’Amadou Hampaté Bâ, parue en 1973) et d’une œuvre plus contemporaine (La Saison de l’ombre, de Léonora Miano, parue en 2013). Dans ce contexte postcolonial africain, par-delà le pouvoir du langage, c’est la puissance plus fondamentale de la parole qui est évoquée et convoquée. Or cette parole orale, objet de transmission, de tradition, la littérature la transcrit/traduit en plusieurs langues distinctes, le français majoritaire, langue coloniale indo-européenne, mais aussi plusieurs autres, nigéro-congolaises, le malinké, le bambara, le douala, selon les modes faussement mineurs d’emprunts aux formats variables qu’il s’agit de relever et d’interpréter.

Dans The House on Mango Street (1984) de Sandra Cisneros, la narratrice, une enfant mexicano-américaine bilingue, engage une lutte avec les noms et les mots pour s'interroger sur leurs différentes significations. Les noms et les mots en anglais ancrent les personnages bilingues dans un environnement spécifique, celui des États-Unis, tandis que les noms et les mots en espagnol rappellent leur héritage ethnique et les situations dans lesquelles ils sont traités comme des étrangers. Vivant dans ce que Gloria Anzaldúa appelle une zone frontalière entre la culture mexicaine et la culture anglo-américaine, la narratrice, qui souhaite changer de prénom, apprend à construire son identité à travers les histoires qu'elle raconte. Les enfants de ce roman oscillent entre deux attitudes : considérer les noms et les mots comme entités arbitraires, au sens saussurien du terme, d'une part ; d'autre part, l'investissement des mots dans le pouvoir de déterminer le destin d'une personne ou d'une chose. La sensibilité linguistique de la narratrice bilingue l'aide à déconstruire et à critiquer les notions figées dans les communautés latino et anglo-américaines. Le bilinguisme accroît la sensibilité de la narratrice aux possibilités de la langue, tout en lui permettant de venir en aide à sa communauté, dont elle raconte les histoires.

Né d’une mère russe et spécialiste universitaire de l’URSS, l’enfant bilingue Emmanuel Carrère a ou-blié ce qui fut la langue de son enfance (« j’ai parlé russe enfant »). Deux de ses récits autobiogra-phiques Un roman russe (POL, 2007) et Limonov (POL, 2011), contraignent néanmoins le narrateur-enquêteur à reprendre l’apprentissage de cette langue pour mener à bien ses recherches en Russie. L’écrivain oscille alors entre le plaisir des sonorités retrouvées et la douleur des échecs à se faire com-prendre dans un « russe de cuisine ». Servant idéalement sa réflexion sur l’identité, le double et l’insaisissabilité d’une personnalité, y compris la sienne, le bilinguisme est un thème mineur qui s’avère révélateur de grandes lignes de force de l’œuvre. Est-il possible de rattacher cette dynamique, celle d’une perte de contrôle à la fois crainte et recherchée, à la tentation romanesque à l’œuvre dans la non-fiction de Carrère ?

En 2005, Carlos Batista fait paraître chez Albin Michel son premier roman intitulé Poulailler. Sous les traits d’Antonio, un enfant bilingue issu de l’immigration portugaise clandestine et ouvrière des années 1960, Batista présente sa propre autosociobiographie à travers laquelle il fictionnalise toutes les difficultés auxquelles il a dû faire face en raison de ses origines étrangères et humbles. Sur son identité de fils de « Portos » pèse un ensemble de stéréotypes qui ne cessent de blesser son orgueil et affectent par conséquent son bien-être en famille et son intégration à l’école. Partagé entre le foyer et l’école, le portugais et le français, la honte et l’espoir, Antonio reconstruit petit à petit son identité biculturelle et prend les distances des catégorisations raciales qui le poussent inévitablement vers l’exclusion et l’échec. Dans Poulailler, Antonio passe de l’acculturation dissonante à l’acceptation de ses origines qu’il revoit, réélabore et adapte. Par conséquent, la prise de conscience de son bilinguisme se réalise par l’approbation de sa biculturalité et le déni d’un destin déjà tracé. Cependant, ce qui touche véritablement le lecteur, dans l’œuvre de Batista, de Poulailler au Traducteur, auteur de l’ombre (2014), c’est cette synthétisation et osmose des deux langues et cultures que Batista recompose à l’âge adulte dans son métier d’écrivain et de traducteur. Une symbiose que l’auteur présente au fil d’un parcours évolutif linguistique qui débute par un semilinguisme et s’achève par un bilinguisme établi en mesure de constituer une nouvelle identité intégrée.

Le délire et les rêves dans la Gradiva de W. Jensen (1907) et Le créateur littéraire et la fantaisie (1908) peuvent être appréhendés comme un diptyque, où le deuxième va poursuivre, prolonger et approfondir la réflexion entamée dans le premier. Les deux textes concernent le lien très profond qui existe chez S. Freud entre psychanalyse et littérature mais, alors que le premier se consacre essentiellement à l’analyse détaillée de l’œuvre littéraire, le deuxième part à la recherche des origines de la création littéraire. Les points de contact entre les deux écrits sont nombreux. Dans ce qui suit, l’accent sera mis sur ceux qui s’articulent autour du rêve – (qu’il s’agisse du rêve nocturne ou du rêve diurne) –, de la rêverie et de leurs rapports au statut métapsychologique du fantasme.

Les personnages de l’écrivain algérien Rachid Boudjedra ne prennent pas la mer. Dans ses romans, la mer est citée en tant que frontière ; les fleuves sont des tombeaux à ciel ouvert où s’entassent les cadavres des résistants au colonisateur. Mais, La Macération, roman publié en 1984, met en scène un univers aquatique où écrire est faire acte de désir, où l’écriture est à la fois sexuelle et mystique car l’eau est encre et l’encre féconde la page blanche comme l’eau féconde la terre et l’homme féconde la femme. Parle avec elle : Marco est dans une chambre d’hôpital, il y veille Lydia qui semble dormir pour ne plus se réveiller. Plan rapproché, zoom sur les yeux grand ouverts de Marco. Ce dernier fait un rêve, où l’amante est vivante. Mais surtout, dans ce rêve, il y a un homme : beau et sculptural qui traverse une piscine à la nage. Pourquoi ce rêve ? Comment s’est fait le passage entre les gouttes du médicament se déversant dans le corps de « la belle endormie » à cette eau belle, bleue et translucide ? Comment Lydia a-t-elle laissé la place à cet homme ? Et qui est-il d’ailleurs ? Que fait-il dans ce film ? Scène seconde : Marco laisse couler ses larmes en regardant Pina Bausch se débattre sur scène contre des chaises et des murs. Marco pleure l’absente et Benigno regarde, comme fasciné, ces larmes viriles. Le choix de ces deux récits découle, entre autres, d’une ressemblance thématique – le désir d’un homme pour une femme qui passe ou non par la parole. La Macération et Parle avec elle, me semblent les plus aptes à porter en avant la porosité entre littérature et cinéma au niveau poétique (esthétique) en vue d’exprimer la notion du désir dans son lien viscéral avec l’image/la parole aquatique.DOI: http://dx.doi.org/10.4995/XXVColloqueAFUE.2016.2969

Aujourdhui, le succès de lostéointégration des implants n’est plus à démontrer et les systèmes implantaires ne cessent de saméliorer. Toutefois dans le secteur antérieur, lobtention d’un résultat esthétique stable dans le temps, reste encore un challenge difficile. L’objectif est de développer un profil démergence péri-implantaire esthétique en référence aux dents adjacentes. Dans cette perspective, la reconstruction des défauts osseux du secteur antérieur est essentielle et déterminante. C’est un véritable défi car elle obéit spécifiquement à une triple problématique : Elle doit permettre la mise en place de l’implant dans une position idéale dans tous les sens de lespace. Elle doit recréer des volumes esthétiques en harmonie avec les dents collatérales et assurer ainsi le soutien de larchitecture des tissus mous. Elle doit enfin garantir la meilleure stabilité possible dans le temps du volume reconstruit pour éviter la formation de récessions inesthétiques et difficiles à corriger. Plusieurs techniques ont été décrites et peuvent être utilisées selon les indications et lexpertise du chirurgien. L’Os autogène a longtemps été considéré comme le « gold standard ». Mais outre les inconvénients liés au prélèvement, il a aussi montré ses limites dans le secteur antérieur en particulier lorsquil est utilisé sous forme de bloc, par sa susceptibilité à se résorber. La transformation du bloc en lame d’os corticale pour réaliser un coffrage rempli de particules autour du défaut, permet de traiter des des défauts verticaux et le résultat semble plus stable dans le temps. Pour éviter le prélèvement autogène, il est possible dutiliser des blocs allogéniques qui permettent dobtenir des reconstructions horizontales importantes. Toutefois, la manipulation est délicate et la stabilité du volume régénéré est largement discutée dans la littérature. La régénération osseuse guidée reste sans doute la technique la plus utilisée. Elle a lavantage de pouvoir, le plus souvent, placer l’implant dans le même temps opératoire ce qui simplifie et raccourcit notablement le temps de traitement. Toutefois dans le secteur antérieur il est souhaitable de reconstruire l’os dans une position coronaire et vestibulée. Dans ces conditions les membranes non résorbables et les armatures titane présentent des avantages sur les membranes résorbables qui manquent de rigidité pour maintenir le volume lors de la cicatrisation. Lors de notre exposé, les avantages et les inconvénients de chacune de ces techniques seront discutées pour en cerner les meilleures indications. En particulier, nous verrons comment l’utilisation de l’os allogénique sous forme particulaire associéà des membranes résorbables rigides, permet de simplifier les procédures, diminuer les risques dexposition et traiter un grand nombre de défauts osseux y compris verticaux. Enfin, la présentation d un grand nombre de cas cliniques pour illustrer ces techniques nous permettront dinsister sur limportance de la gestion des tissus mous à tous les stades du traitement. Lapport de tissus mous sous forme de greffe avant l’augmentation osseuse permettra daugmenter la hauteur de gencive attachée pour permettre une bonne vascularisation du greffon et surtout un recouvrement complet sans tension indispensable pour limiter le risque dexposition. Différentes techniques de greffes gingivales permettront ensuite, sans nécessité dexposer l’os régénéré, de repositionner la ligne de jonction muco-gingivale et recréer l’épaisseur et la hauteur de gencive attachée nécessaires. Une bonne gestion des tissus mous est indissociable des protocoles de régénération osseuse et seul la combinaison des deux peut permettre de répondre à notre objectif de développement d’un profil démergence esthétique et stable.

L’anneau de tissu mou formé autour du col de l’implant est appelé muqueuse péri-implantaire. Un des rôles de cette attache tissulaire est de créer un joint biologique protecteur autour de l’implant afin de prévenir des maladies inflammatoires (mucosite, peri-implantite) qui pourraient compromettre lostéointegration. Ce rôle protecteur est une évidence clinique malgré les controverses existantes dans la littérature en relation avec la nécessité de la présence ou absence des tissus kératinisés autour des implants. Mais quelle épaisseur tissulaire est capable d’assurer une stabilité du joint biologique péri-implantaire ? Le tissu conjonctif joue-t-il un rôle prépondérant ? La stabilité du joint biologique, est-elle liée à l’épaisseur des tissus, à la stabilité des tissus osseux ou bien aux deux ? Par ailleurs, labsence de muqueuse kératinisée, un phenotype fin, aussi une insuffisance de volume, tant des situations cliniques qui risquent de favoriser linstabilité des tissus péri-implantaires. Les conséquences cliniques (outre le risque de maladie inflammatoire) sont multiples : 1 Mobilité et ou décollement de la muqueuse péri-implantaire 2 Récession de la muqueuse péri-implantaire 3Restauration implanto-portée inesthétique par rapport aux dents adjacentes Cet exposé a pour but de répondre à toutes ces questions et aussi de détailler les solutions qui sont nécessaires pour assurer ou rétablir une stabilité de la muqueuse péri-implantaire.

En assumant une des propriétés de la dénomination « kitsch », qui est d’intégrer dans la désignation même une modalité de jugement, on s’attache à dégager la composition sémiotique et énonciative de ce jugement, ainsi que ses implications quant à la « réalité » fluctuante de l’objet qu’il désigne ainsi. Ce jugement relève du discours de la dérision dont on cherchera à mettre en évidence le composé d’humour et d’ironie qu’il manifeste. La distinction entre ces deux formes de dérision repose sur les deux régimes de déformation d’une règle qui les caractérisent : déformation d’un ordre syntagmatique dans le cas de l’humour, générant des valeurs extrémales d’hyper-qualification, déformation d’un ordre paradigmatique dans celui de l’ironie, générant des valeurs de disqualification. Quel en est le régime dans le cas du jugement de kitsch ? Et surtout comment se positionnent les instances appelées à participer à la scène kitsch du sens ? La ronde énonciative des instances en jeu dans cette scénographie, victimes consentantes de la praxis et de l’esthésis discursives, est envisagée notamment à partir d’un texte kitsch par excellence, Le Dictionnaire des idées reçues de Flaubert.

Les dernières technologies informatiques ainsi que le développement des imprimantes 3D ouvrent des perspectives intéressantes en terme de diagnostic et de thérapeutique en implantologie (1). Le plan de traitement prothétique doit guider le choix du nombre et du positionnement des implants. Les logiciels de planification implantaire permettent de superposer les fichiers DICOM (Digital Imaging and Communications in Medicine) de limagerie tridimensionnelle issue du CBCT et les données numériques de surface issues d’empreintes optiques ou de la numérisation de modèles conventionnels (2). Les modélisations occlusales peuvent être elles aussi réalisées virtuellement en statique et dynamique via l’utilisation darticulateurs virtuels (3,4). Un guide chirurgical est alors imprimé permettant de positionner les implants selon la planification virtuelle. Dans certains cas, la restauration provisoire peut être prévue à l’avance et mise en place à lissue de lintervention (5,6). Bien quil soit établit que la chirurgie guidée soit plus précise que la chirurgie à main levée (7), son utilisation en pratique quotidienne a été ralentie en grande partie à cause du coût de fabrication élevé. Le développement récent dimprimantes 3D de bureau de haute précision (8,9) et la multiplicité des logiciels de planification implantaire ont permis le développement de la chirurgie guidée. Cependant, à chaque étape du flux numérique, des imprécisions peuvent se cumuler pouvant aboutir à des erreurs de positionnement ayant des conséquences potentiellement graves : proximité avec les racines adjacentes, perforation des racines, lésion nerveuse. La précision des guides chirurgicaux sté- réolithographiques dépend de nombreux paramètres : lempreinte, l’impression du guide, le matériau utilisé, la nature du support, lexpérience du praticien. Les empreintes optiques réalisées avec des scanners intra-oraux de plus en plus puissants présentent de nombreux avantages par rapport aux techniques conventionnelles en terme de rapidité, de précision et de reproductibilité. (10-14). Les guides peuvent être à appui osseux, muqueux, dentaire ou mixte. Une revue systématique de la littérature de Gallardo et coll. en 2017 (15) compare la précision des guides chirurgicaux en fonction du type de support. Cette revue conclut que les guides à appui osseux présentent le plus de déviation au niveau de langle, du point dentrée et de la localisation de lapex de l’implant par rapport aux guides à appuis dentaires. Les guides à appuis muqueux montrent moins de déviation par rapport aux guides à appuis osseux. Les auteurs nont pas trouvé de différence statistiquement significative entre les guides à appuis dentaires et muqueux. Selon L’étude de Cassetta publiée en 2017 (16), lexpérience du praticien influence la précision du positionnement des implants en chirurgie guidée. Un praticien novice en implantologie présente plus de déviation sur le positionnement des implants avec lutili- sation d’un guide chirurgical stéréolithographique quun praticien expérimentée. La chirurgie implantaire guidée reste un outil et nécessite une expérience chirurgicale. Le flux numérique en implantologie peut aujourdhui se réaliser de la prise d’empreintes d’étude à la fabrication de la restauration prothétique implantaire en passant par la conception et l’impression d’un guide chirurgi- cal. Ce flux est une aide précieuse en terme de communication avec le patient mais aussi avec le prothésiste, il permet daugmenter la reproductibilité des résultats et daboutir à une restauration prothétique esthétique et fonctionnelle.

Résumé: L'article construit l'image de l'auteur de livres Le Corbusier inversée dans le miroir de la culture architecturale roumaine telle que ces éclats permettent de le voir dans une littérature professionnelle qui semble l'avoir obstinément évité. Ainsi la version roumaine de l'auteur Le Corbusier sera le résultat de l'adition de trois images partielles: celle que forme la réflexion des idées corbuséennes dans les œuvres écrites des architectes modernes roumains de l'entre-deux-guerres; celle que propose l'anthologie de textes écrits par Le Corbusier, traduits et édités par Marcel Melicson en 1971 et, en suite, celle avancée par l'exposition de 1987, consacrée à célébrer le centenaire de la naissance de l'architecte. Ensemble ces trois tableaux font preuve des formes insolites que les idées de Le Corbusier assument dans l'histoire récente de la littérature professionnelle roumaine, et montrent les légers déplacements de substance que ces "traductions" engagent. Abstract: The paper focuses on Le Corbusier as author of books and looks at his inverted image such as it is developed in the Romanian architecture culture. The idea arises from the curious fact that the professional literature seems to have programmatically avoided him. In this paper, the Romanian author Le Corbusier will be the uneven sum of three partial images: the first is provided by the reflection of corbusean ideas in the writings of Romanian modern architects between the two World Wars. The second is given by the collection of Le Corbusier's writings, translated and edited by Marcel Melicson in 1971. And finally the third is that of the 1987 centennial exhibition hosted by the Bucharest architecture school. Together these three images testify to the peculiar shapes that Le Corbusier's ideas take in the recent Romanian professional literature and also to the subtle displacement of meaning that these "translations" suggest. Mots-clés: traductions de Le Corbusier en roumain; affinités personnelles/modèles interdits; circulation et interprétations des idées; synthèses éloignées. Keywords: translations of Le Corbusier in Romanian; personal affinities/forbidden models; circulation and interpretation of ideas; distant syntheses. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/LC2015.2015.770

Pour beaucoup de pratiques artistiques et poétiques contemporaines, le paysage est lié à un état du corps autant qu’à un état de l’âme. Cette incarnation du paysage correspond à l’importance croissante du rôle reconnu et dévolu au corps dans l’art et la littérature contemporaines. Mais cette valorisation de l’expression corporelle peut s’orienter selon deux directions divergentes. La poésie contemporaine peut faire ainsi du corps l'instrument d'une rupture avec l'idéalisme supposé de la tradition poétique et dresse le corps contre l'esprit ; valorisant l’in-sensé et l’im-monde, elle fait alors un usage critique et ironique du paysage. Mais elle peut aussi faire du corps un carrefour entre la matière et l'esprit, le sujet et le monde ; elle trouve alors dans le paysage un lieu privilégié où renouer l’unité du sens et du sensible. C’est cette seconde tendance, qui vise à faire corps avec le paysage, que M. Collot éclaire à l’aide de la phénoménologie et illustre d’exemples empruntés notamment à Valéry, Artaud et Gaspar.

Jean-François Peyron a été secrétaire d’ambassade à Madrid entre 1777 et 1778. Ce poste et son érudition lui ont permis de publier, deux ans plus tard, un ouvrage portant sur un grand nombre de thèmes particuliers au pays qui l’accueille. Parmi les sujets qui attirent son attention, se trouvent les mers, les fleuves et rivières, les sources, cascades et ruisseaux, auxquels il se réfère lorsqu’il s’occupe de l’hydrographie espagnole. De même, des aspects concernant l’art, l’épigraphie ou la beauté ornementale des fontaines créées par la main de l’homme sont mis en relief. Ces aspects-ci feront l’objet de notre étude sur la symbiose décorative de la pierre épousant l’eau. Ainsi, à Grenade, Peyron se plaît à décrire avec grande minutie les fontaines de l’Alhambra et à transcrire les inscriptions qui y sont rattachées. De plus, le voyageur juge admirables les bassins de la Cour des Lions et du palais du Generalife. Par contre, à Séville, il n’aime pas les jets d’eau de l’Alcazar. Aux alentours de Madrid, Peyron décrit aussi les fontaines qui ornent le Buen Retiro ainsi que celles du cloître principal de l’Escurial. Une autre des constructions que le diplomate admire près de la capitale sont les jardins de la Grange, truffés de bassins. Tout en poursuivant sa route de Madrid à Cuenca, le diplomate s’arrête à Aranjuez où il parle du grand nombre de fontaines qui peuplent les jardins. La fonction utilitaire n’est envisagée que rarement, comme il arrive avec les fontaines qui ornent les carrefours et les places de Burgos ou de Madrid. Le visiteur pense que leur esthétique est généralement décevante. Nonobstant, il est de l’avis que ce fut l’excellence de l’eau potable madrilène qui convainquit Philippe II de fixer la résidence royale dans cette ville. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/XXVColloqueAFUE.2016.3099

L’organisation de la réhabilitation maxillo-faciale implanto-portée en oncologie tête et cou reste sujet à débat. Il n’existe pas de consensus quant au moment de la réhabilitation implantaire (pendant ou à distance de l’exérèse) ou quant aux prérequis anatomiques qui garantissent son succès. Le but de cette étude est de mettre en place un protocole de prise en charge implanto-portée de patients ayant été traités en oncologie tête et cou. Il s’agit d’une étude rétrospective entre 2013 et 2017, analysant la réhabilitation implantoportée de neuf patients traités pour un cancer tête et cou par chirurgie et radiothérapie (groupe 1 : 5 patients) ou par chirurgie seule (groupe 2 : 4 patients). Les critères étudiés étaient les données personnelles des patients, leurs antécédents oncologiques, les bilans oraux pré-opératoires effectués, les thérapeutiques utilisées ainsi que le suivi. Tous les patients ont été traités pour des carcinomes épidermödes majoritairement situés au niveau du plancher buccal. Ils présentaient tous une limitation de la mobilité linguale, une absence de vestibule et des tissus crestaux mobiles. Les projets prothétiques prévoyaient de réaliser pour sept patients une prothèse amovible complète mandibulaire stabilisée sur implants et pour deux patients des couronnes unitaires sur implant. Les patients ayant recu un lambeau libre de péroné latéral ont bénéficié d’une greffe d’apposition associée à un lambeau de FAMM. Les deux greffes ont permises la pose des implants. Sur neuf patients, cinq ont bénéficié d’une libération linguale, six ont recu une vestibuloplastie et huit ont eu une greffe épithélio-conjonctive péri-implantaire. Les implants ont été posés sous anesthésie générale avec un guide chirurgical pointeur. Il s’agissait d’implants Tissu Level RN SLA Roxolid (Straumann, Basel, Suisse). Pour les patients du groupe 2, la pose des implants a eu lieu en même temps que la vestibuloplastie. Lors de cette étude quatre patients étaient réhabilités par une prothèse sur implants. Le groupe 2 n’a pas présenté de complications. Deux patients du groupe 1 ont nécessité plusieurs libérations linguales et deux implants ne se sont pas ostéointégrés dans ce groupe. Lors de chirurgies en deux temps, des greffes épithélio-conjonctives crestales ont dû être réalisées pendant la vestibuloplastie puis pendant la pose implantaire. Deux greffes osseuses ont été réalisées chez deux patients ayant été irradiés bien que cela soit contre indiqué dans la littérature (Raoul 2009). Une greffe osseuse d’apposition peut donc être une solution viable chez ces patients afin de limiter le bras de levier prothétique. Cette étude a permis de mettre en exergue : l’importance de prévoir en amont la réhabilitation implantoportée lors de la reconstruction pour une optimisation du positionnement du greffon osseux et l’intérêt d’effectuer dans le même temps vestibuloplastie, pose des implants et aménagement péri-implantaire pour la pérennité implantaire. Cette étude rétrospective a permis de proposer un protocole de prise en charge standardisé de la réhabilitation implanto-portée de patients traités pour un cancer tête et cou.

La rhétorique du point de vue du monde de la vie La rhétorique de l’image dont parlait Barthes, reprise d’une manière beaucoup plus systématique dans les travaux du Groupe µ, n’est qu’une partie de la rhétorique classique, l’elocutio, mais c’est aussi celle qui a dominé dans l’Occident pendant ces derniers 500 ans. À l’extérieur de la sémiotique, cependant, le renouveau de la rhétorique à l’époque contemporaine tend à concevoir cette dernière comme la science qu’étudie la communication. Or, nous savons que la sémiotique a souvent été identifiée comme étant la science de la communication, et un autre candidat à ce titre est sans doute l’herméneutique. Alors que ces trois disciplines ont toutes trait au processus entier, elles le conçoivent dans une perspective chaque fois différente. La rhétorique prend le point de vue du créateur du message : il demande comment il faut s’exprimer pour obtenir l’adhérence de l’autre. L’herméneutique prend le point de vue du récepteur : sa question porte sur les moyens pour comprendre le message de l'autre. La sémiotique prend une position intermédiaire aux deux autres, c’est-à-dire au sein de la phase allant de l’artefact à sa concrétisation : elle demande quelles sont les ressources disponibles pour faire se produire le processus. À une telle rhétorique informée par la sémiotique la contribution du Groupe µ a été de toute première importance. Cependant, l’investigation des ressources disponibles, qui sont différentes dans le cas de l’image que dans celui de la langue, peut recevoir une base plus certaine en partant du monde de la vie, dans le sens de la phénoménologie, qui est aussi celui de l’écologie dans le sens de Gibson et le monde naturel tel que le comprend Greimas. Si l’on veut comprendre la manière dont la divergence est produite dans les images, il faut commencer par considérer ce qui est donné pour acquis, dans le sens à la fois de ce qui est normal, et de ce qui est normatif. Dans le monde de la vie, il y a certaines choses qui ont tendance à se présenter ensemble, en contiguïté ou comme des parties d’un tout (désormais, la factorialité). C’est la dimension indicielle. Mais le sens commun s'attend également à ce que les choses qui apparaissent ensemble soient suffisamment différentes pour pouvoir être distinguées, sans aller à l'extrême opposé de s’exclure mutuellement (une observation qui peut être entendue comme une généralisation de ce que le Groupe µ dit sur la norme de l’image, la homomatérialité et la hétéroformalité). En ce sens, il y a une rhétorique de trop de ressemblance ainsi que de trop de différence. Nous appellerons ceci la dimension iconique. Une troisième rhétorique prend son point de départ dans le caractère de signe de l'image. Nos attentes sont déçues tant en trouvant une trop grande partie de la réalité dans l'image qu’en rencontrant des niveaux supplémentaires de fiction au sein du contenu pictural. On peut appeler ceci la dimension symbolique. Enfin, les images remplissent des fonctions différentes dans une société donnée et sont, en raison de ce fait, imputables à diverses catégories, donnant ainsi lieu à une quatrième rhétorique dans laquelle nos attentes, en ce qui concerne les catégories sociales auxquelles les images sont assignées, ne sont pas remplies. On peut parler ici d’une dimension de catégorisation socioculturelle. Avant d’aborder les figures rhétoriques, ou ce qui en tient lieu, il est cependant nécessaire de discuter dans quelle mesure les ressources des images comprennent une part de dispositio, dans d’autres termes, une structure argumentative. Si nous définissons une affirmation comme étant une construction verbale, alors il est trivialement vrai que les images ne peuvent rien affirmer. Toutefois, si nous définissons une affirmation plus simplement comme une opération, au moyen de laquelle une propriété particulière est assignée à une entité particulière, alors il est possible pour l'image de faire des affirmations à la façon des images. Or, même ceci peut sembler impossible, s’il est vrai que les images, comme on l’a souvent dit, ne font que reproduire le monde de notre expérience. Au contraire, il faut admettre que les images peuvent se servir des arguments qui, dans le sens de Perelman, s’appuient sur la structure de la réalité ou servent à changer cette structure-là. Il s’ensuit que les transformations homogènes, contrairement à ce que suggère le Groupe µ, font aussi partie de la rhétorique, mais de la rhétorique de la dispositio. Considérée comme l’une des transformations possibles à partir du monde de la vie, la première dimension de la rhétorique correspond plus directement à la rhétorique telle qu’elle a été conçue par le Groupe µ, mais en retournant aux fondements jetés par la sémiotique phénoménologique proposée dans Pictorial concepts (1989). Contrairement au Groupe µ, nous proposons de distinguer les transformations portant sur la factorialité (la relation des parties au tout) et celles concernant la contiguïté. C’est « l’objet indépendant », dans le sens de James Gibson, qui fait la différence entre la contiguïté et la factorialité : il s’agit d’un degré d’intégration plus ou moins poussée. En fait, il y a sans doute des cas intermédiaires entre l’objet indépendant avec ses parties et la constellation arbitraire, mais ces cas-là sont aussi qualitativement vécus : le jeu, la série, l’ensemble. La rhétorique, de ce point de vue, relève de la méréologie, la science des parties et du tout, formalisée par Lesniewski en tirant son inspiration de Husserl et de Twardowski. Notre deuxième observation concerne la nature de l’opération nous faisant passer du monde de la vie à l’image. Dans la majorité de cas, l’opération rhétorique, pour fonctionner, à besoin non pas d’une absence de ce qui est attendu ou de la présence de quelque chose qui n’est pas attendu, mais des deux à la fois. Rares sont les cas (surtout s’agissant de la contiguïté) où une simple absence peut créer un effet de rhétorique. Dans les termes de la rhétorique générale d’abord conçue par le Groupe µ, la substitution est une opération rhétorique plus sûre que l’addition ou la suppression. D’autre part, dans le cas de la factorialité, l’effet est tellement différent selon les relations entre le tout et les parties qu’il faut spécifier la nature du rapport de la partie au tout. Il faut surtout distinguer le cas où quelque chose est ajouté à un tout qui est déjà en soi un objet indépendant, et le cas où les parties font partie d’un autre objet indépendant que le tout qui est perçu. Nos attentes peuvent être déçues par d’autres opérations que l’absence ou la présence d’un élément. Il peut y avoir une contradiction entre l’élément attendu et l’élément réellement présent. C’est la dimension iconique de la rhétorique. Les images, il est vrai, ne peuvent pas présenter des contradictions proprement dites, mais elles peuvent comporter toute sorte de manifestations d’une ressemblance ou d’une différence plus grande que ce que l’on a anticipé. Cet effet est présent dans plusieurs exemples considérés par le Groupe µ, sans que la spécificité de l’opération soit prise en compte. S’agissant d’un signe, en l’occurrence d’une image, il y a toujours un risque de confusion entre le signe et ce qui est signifié, et il est possible d’en tirer une rhétorique. À un extrême, le signe peut incorporer des objets réels ; à l’autre extrême, il peut contenir d’autres signes, notamment d’autres images, comme c’est le cas avec les images représentant d’autres images. Il s’agit donc de la dimension symbolique de la rhétorique. Finalement, la catégorisation des signes, dans ce cas les images, peut donner lieu à une rhétorique plus clairement socioculturelle. Les images peuvent être catégorisées en tenant compte de leur manière de construction, de la fonction qu’elles sont censées remplir dans la société, ou de leur manière de circuler à l’intérieur de la société. Les attentes qui peuvent être déçues dans ces cas ne concernent pas seulement l’appartenance de certaines images à des catégories particulières, mais surtout la combinaison de certaines catégories de construction avec certaines catégories de fonction et certaines catégories de circulation. Toute l’aventure du modernisme dans l’art plastique peut être conçue comme un vaste geste rhétorique à partir de la notion d’art à la fin du 18e siècle : une peinture à l’huile (construction) circulant dans des salons, des galeries et des musées (circulation) ayant pour but de produire un effet de plaisir esthétique (fonction). Dans le présent texte, j'ai suggéré que, contrairement aux signes verbaux, les images sont immédiatement rhétoriques, parce qu'elles nous offrent en même temps leur similitude et leur différence par rapport au monde de la perception. Par conséquent, j'ai fait observer que la rhétorique des images doit être fondée sur les structures de perception telles qu’elles apparaissent au sens commun, surdéterminées par le monde de la vie socioculturel spécifique. La dimension primaire de la rhétorique de l’image, l’indexicalité, dérive sa signification d'un écart par rapport à l'intégration relative des voisinages, des objets indépendants et des totalités de niveaux supérieurs. Elle peut concerner la contiguïté ou la factorialité, mais elle suppose d'habitude à la fois la présence de quelque chose d’inattendu et l'absence de quelque chose de prévu. L’iconicité, qui détermine la deuxième dimension, est fondée sur l'expectative d'une différenciation relative des objets du monde, qui ne suppose pas trop de similitude, ni trop de dissimilitude. La troisième dimension dépend du caractère fictif de l’image comme signe, dont les niveaux peuvent être confondus soit par une expérience trop directe, soit par des degrés de fiction trop nombreux. Finalement, la quatrième dimension concerne l'image en tant qu’objet social, faisant partie de certaines catégories de construction, de circulation, et de fonction. L'avantage de cette conception, par rapport au modèle de Groupe µ auquel il est endetté, consiste en son attention plus proche aux structures de la perception du sens commun.