Journal articles on the topic 'Écritures exposées'

Dans une ville industrielle, Mazamet (Tarn), qui a eu sa célébrité aux XIXe et XXe siècles, on peut trouver de nombreux textes rédigés par des patrons. L’historien dispose-t-il d’authentiques écrits ouvriers ? La documentation est assez abondante à trois moments. D’abord dans les grèves des années 1845-1848 (exposés de revendications) et lors du coup d’État du 2 décembre 1851 (affiches appelant à la résistance républicaine). Puis, à partir de la création des syndicats (1903) et lors de la grande grève de 1909, les comptes rendus d’assemblées, les copies de lettres apportent beaucoup d’informations, complétées par la transcription de témoignages oraux enregistrés dans les années 1970 auprès de personnes âgées. Dans la seconde moitié du XXe siècle, vient le temps des auteurs : deux ouvriers ont signé un ouvrage militant et un recueil de souvenirs, tandis que l’histoire de vie d’une ouvrière était suscitée par une jeune historienne. Un tel corpus permet d’aborder quelques questions : qu’est-ce qui a déclenché le passage à l’écriture ? S’agit-il d’expression individuelle ou collective ? Quelle est la part des femmes dans ces écritures ouvrières ?

Couleur, marche et écriture : tels sont les éléments qui passionnent Marie-Claire d’Aligny dans son propre parcours et qui lui ont ait croiser l’œuvre d’Henry Bauchau. Elle propose une lecture d’Œdipe sur la route et Antigone en dialogue avec l’installation Champ d’ocre de Richard Long exposée à la Chapelle d’Avignon en été 2011. Elle relève le motif de la trace, et l’importance de la couleur associée au mouvement.

Certains récits et témoignages d'expériences spirituelles et religieuses semblent évoquer la possibilité d'entrer immédiatement en relation avec Dieu. Pourtant, la tradition chrétienne professe, conformément aux Écritures Saintes, que la révélation de Dieu n'est immédiate qu'en tant qu'elle est médiatisée en Jésus-Christ, l'unique et universel médiateur entre Dieu et les êtres humains, dans et par l'histoire de l'humanité. À l'évidence de cette tension, une réflexion systématique et une grille « herméneutico-pragmatico-narrative » sont proposées pour exposer, clarifier et articuler théologiquement le paradoxe de l'immédiateté médiatisée des expériences chrétiennes de Dieu.

[fr] Ces notules traitent de la question des données lexicales en arabe vernaculaire/semi-vernaculaire collectées dans les Manāqib Abī l-Qāsim al-Misrātī de l’écrivain Ǧamāl al-dīn Muḥammad b. Ḫalaf al-Misrātī al-Qayrawānī (après 1035/1626). On rappelle aux historiens et linguistes l’intérêt qu’il y aurait à étudier le matériel textuel en arabe vernaculaire/semi-vernaculaire de Tunisie-Libye au XIe/XVIIe siècle afin de contribuer à une meilleure connaissance de l’histoire sociale des habitudes linguistiques. Les informations sont exposées en écriture arabe et réparties en deux sections : lexique commun et formules composées/segments de phrases.

This article examines the writing practices most often associated with French feminist thought called écriture féminine and subjects it to debates concerning embodied writing in management and organisation studies. Écriture féminine explores the intersections between language, sexual difference and writing from the body. Often considered a distinct and alluring strand of feminist writing and philosophy, I draw together possibilities for its use and explore implications that emerge for teaching and researching management and organisations. With focus on two modes of writing the feminine, through Luce Irigaray and Hélène Cixous, the intersections between sex/text are examined and form ways of decentring conventional modes of writing. The article concludes with discussing the politics of writing differently for researching, teaching and writing about organisations, the need to expose the effects of a masculine singularity in writing and how it may suppress and conceal possibilities but also offer opportunities for claiming space for an affective feminist politics inscribed in language.

Résumé Cet article porte sur la conception du roman exposée par Louis Aragon dans deux textes, la nouvelle Le Mentir-vrai (1964) et l’essai Je n’ai jamais appris à écrire ou les Incipit (1969). Il montre que Les Incipit, dans le prolongement du Mentir-vrai, déploie deux arguments contradictoires, définissant l’écriture romanesque à la fois comme invention et non-invention, écriture et lecture. La mémoire se révèle au coeur de cette contradiction, dans le rapport paradoxal au réel qu’elle met en jeu. Confondant imagination et remémoration, le processus de création romanesque est en fin de compte défini comme mobilisation de l’imaginaire, réagencement des fragments de la mémoire.

On a tenté ici de faire un point sur trois ensembles de descriptions théoriques de l'orthographe française et de voir comment ces théories intègrent la dimension phonographique de notre écriture, comment elles cernent la notion de phonogramme. Nous avons en fin de parcours exposé l’état de nos réflexions personnelles. Un arrêt sur quelques images en quelque sorte, puisque cette contribution ne prétend pas à l’exhaustivité. Une déambulation par laquelle on peut voir que selon les approches le phonogramme se dessine dans des contours multiples.

Cet article propose, dans un premier temps, une description et une analyse des démarches d’apprentissage de la lecture-écriture au cours préparatoire en opposant des pratiques classiques à des pratiques plus novatrices. Dans un second temps, l’influence de ces pratiques sur les élèves est mesurée en utilisant des modèles multivariés qui contrôlent à la fois les caractéristiques personnelles et scolaires des élèves et celles du contexte d’enseignement. Les analyses révèlent des effets différenciés et ciblés des pratiques innovantes sur les acquisitions et les attitudes des élèves face à l’apprentissage. Plus largement, les résultats exposés dans cet article mettent l’accent sur l’intérêt de conduire des évaluations qui donnent à l’élève une place centrale.

Résumé Cet article est un texte analytique sur l’oeuvre Chute/Parachute du compositeur québécois Michel Gonneville. Après une brève introduction concernant les sources extramusicales de l’oeuvre, on expose ses enjeux généraux ainsi que ses principaux matériaux. On donne ensuite une vue d’ensemble de la structure formelle avant de passer à un examen plus poussé de la question du contrepoint dans l’oeuvre. Le texte se termine sur quelques remarques concernant le rapport entre la structure et la perception dans le travail de Gonneville.

Depuis plus de trente ans, l’historien de l’art et philosophe Georges Didi-Huberman s’attache à exposer les conditions d’apparition de l’image et son rapport de plus en plus problématique, « en crise », dirait-il, à la représentation classique. Il s’agit dans cet article d’analyser la façon originale avec laquelle Didi-Huberman regarde une oeuvre d’art, depuis un angle toujours décalé qu’il emprunte à la psychanalyse et tout particulièrement à l’interprétation des rêves. Entre association d’idées et vision « voyante », concentration et attention flottante, l’approche de Didi-Huberman saisit au vol (comme la phalène auquel il fait souvent référence) ce que les historiens positivistes de l’art n’aperçoivent pas toujours dans une oeuvre. Se rapprochant en ce sens de Jacques Derrida qui, se tenant toujours aux abords de l’art, fait voir tout autre chose dans les « dessous » des oeuvres, Didi-Huberman convertit dès lors, par une attention sensible portée à l’écriture, le trouble qui lui vient quand il regarde par exemple un pan de matière brute de peinture dans une toile de Vermeer ou une souche carbonisée. En empruntant la langue des poètes, il cisèle son écriture d’allitérations, donnant ainsi une cadence sonore à son style qui se démarque de celui sans « papillonnage » de ses contemporains. Entre écriture et histoire, poésie et discours, les essais toujours inventifs de Didi-Huberman possèdent une qualité singulière où certaines questions entourant l’enfance, comme dans plusieurs textes de Derrida, semblent insister pour émouvoir le regard et l’écriture.

À partir de l'écriture savante et pourtant fort personnelle du passé entreprise par Ivan Jablonka, cet article met en relief les contours d'une historiographie qui, tout en s'inspirant des envolées lyriques de Michelet, ne s'en emploie pas moins à suivre les méthodes de recherche archivistique les plus rigoureuses. Visant à retrouver les traces de ses grands-parents anéantis comme des millions d'autres dans le génocide pour leur restituer en quelque sorte un visage en reconstituant en détail leur itinéraire, le récit remarquablement écrit de Jablonka se heurte à l'imperfection sous forme de lacunes, d'hostilités, d'absence, d'ambiguïté et de parti-pris subjectifs. Or c'est justement sa capacité à exposer au grand jour toutes ces tensions sans renier le formidable élan de Michelet ni déformer les données archivistiques tout en faisant le récit de sa propre écriture qui fait de ce livre un chef d'œuvre de l'écriture du passé à l'imparfait du présent.

Dans La République mondiale des lettres, Pascale Casanova revient sur l'importance de la formation des langues vulgaires, contre l'hégémonie littéraire du Latin, dans la construction progressive d'un espace mondial de la littérature. Cet article explore la résurgence de cette histoire dans le projet de « néo-français » de Raymond Queneau qui va jusqu’à penser son écriture de façon ironique comme invention d'une nouvelle langue vulgaire sur le modèle de Du Bellay. L'article retrace la dimension multilingue de ce projet exposé dans Bâtons, chiffres et lettres: du démotique grec à la traduction de Joyce par Queneau. Il montre comment l'alexandrin classique de la Petite cosmogonie portative devient paradoxalement une scène de représentation de la langue vulgaire et de ses vestiges. Le poème est le lieu où se déchiffre l'histoire conflictuelle réprimée de la République mondiale des lettres, mais aussi celui d'une expérience virtuelle de la langue, fictivement délestée des normes nationales.

Cet article expose la singularité et les enjeux philosophiques et politiques de la poétique égalitaire élaborée au fil de ses écrits par Jacques Rancière et ce qui la distingue de celle des philosophes de la génération qui le précède. Il explique comment la pensée du philosophe sur son écriture s’élabore en réaction à des postures magistrales et inégalitaires illustrées notamment par Louis Althusser ou Pierre Bourdieu. Puis, il étudie précisément ce que dit Jacques Rancière, d’une part, de son usage du style indirect libre ou de ce qu’il appelle le « rephrasage », d’autre part de sa « méthode de la scène ». Le discours que déploie Rancière à cette occasion se révèle éclairant sur la façon dont il se représente son rôle ou sa place dans le champ de la pensée, dont il détermine son éthos de philosophe écrivant/écrivain ou de philosophe-chercheur et dont il se positionne par rapport à la littérature.

L’arrivée de 1900 terrifie les consciences françaises. Le sentiment de déréliction véhiculé par cette apocalypse s’incarne de manière privilégiée dans l’organe génital féminin. Il est celui qui a permis la première transgression : sa mise à nu sécrète les éléments d’une épiphanie redoutable. La littérature et la clinique fin-de-siècle captent cette inclination et mettent en scène les multiples transgressions féminines : transgressions psychiques (folles et hystériques), corporelles (avortées et femmes châtrées), pathologiques (syphilitiques et nymphomanes) ou encore sexuelles (onanistes et saphistes) balayent toutes les productions écrites de l’époque. L’objectif de cette communication serait ainsi d’étudier la représentation de ces transgressions du sexe féminin dans les textes romanesques, du naturalisme au décadentisme, mais aussi des textes issus de la clinique, thèses et articles de médecine, montrant par là une complémentarité des écritures. A cette question s’ajoute celle de la finalité : pourquoi exposer le mal ? Faire le choix d’une telle thématique n’est-ce pas proprement provocateur ? Ne traduit-il pas, in fine, une volonté du romancier et du médecin de s’affirmer soi-même comme transgressif ? Dans quelle mesure cette exposition ne correspondrait-elle pas à un exercice cathartique ? Nous analyserons cet espace de tension organique et littéraire posée par la matrice fin-de-siècle.

L’identité narrative se fait nouvelle naissance qui pourrait disposer l’auteur et le sujet migrants au menu de différentes réflexions sur la narration. Le déploiement de ses actions, de son parcours mémoriel pousse ainsi le sujet migrant à organiser le jeu narratif. Sa capacité à exposer les traces de sa mobilité et à montrer la réalité de son statut social en l’état, le connecte à différentes formes de l’expression, de l’écriture métafictionnelle à partir desquelles il déroule tout le tissu narratif. En le qualifiant de sujet migrant, le personnage devient ici d’abord un objet de regards. Il irradie, par son seul rapport au monde, les consciences sensibles à sa cause. Suivant les configurations de l’identité narrative, suggérées par Paul Ricœur[1], les écritures migrantes font figurer au cœur de la narration romanesque postmoderne des référents dans le texte mais en même temps dans un réseau culturel. Fatou Diome et Abdourahman Waberi interprètent ainsi cette catégorisation du personnage sous le sceau de leurs propres expériences. [1] Paul Ricœur voit l’identité narrative comme une « interprétation de soi » qui devient récit. Ainsi, la connexion entre l’auteur et le personnage montre, par l’étroitesse du rapprochement, l’expression d’une même histoire. RICOEUR, P. Temps et récit. Paris : Seuil, 1985.

Dans le cadre de la Couronne d'Aragon, l’étude des documents seigneu­riaux, du point de vue de l’historien qui étudie le document, a été l'objet, ces dernières années, de travaux significatifs, mais qui s’averent encore insuffisants pour permettre une reponse complète à toutes les questions que pose cette meme documentation. Le présent travail prétend offrir un état de la bibliographie la plus récente et en même temps un exposé méthodologique qui permettent d'aborder l'étude des documents seigneuriaux castillans avec une vision «moderne» de la Diplomatie. Une telle attitude n'est réalisable qu'en s'occupant du «fonctionnalisme» du docu­ment dans le contexte historique dans lequel il se déroule et s'utilise en tant qu'instrument de pouvoir. À travers l'étude de la forme documentaire, des personnes qui le réalisèrent, des moyens bureaucratiques et culturels utilisés pour son écriture, il est possible de suivre la trace des courants de médiation des écrits, courants établis entre les diverses institutions et personnes qui font partie du monde complexe qu'est celui du régime seigneurial.

Cet article examine les degrés de picturalisation à l’œuvre dans Les sept noms du peintre de Philippe Le Guillou. À travers les dispositifs du diagramme et du triptyque (voir Logique de la sensation de Gilles Deleuze), Les sept noms du peintre de Philippe Le Guillou expose le geste pictural avec toutes ses forces constituantes. L’univers qui s’y construit est le lieu d’une narrativité picturale dont la logique se lit dans la capture, la condensation et l’expérimentation de la sensation. Cet art de faire relève d’un conservatisme idéologique et philosophique invitant, in fine, à la redécouverte d’une forme de symbolisme dans la littérature contemporaine.

Si la ruine est un motif omniprésent chez Pascal Quignard, l’auteur semble aussi poursuivre une ambition monumentale, celle du Dernier royaume, commencée en 2002 et qu’il poursuit toujours aujourd’hui. Cet article explore l’hésitation entre l’élaboration d’un monument littéraire et l’esthétique des ruines qui irrigue les textes de Quignard. Il donne une place privilégiée à des ouvrages récents, comme Sur l’idée d’une communauté de solitaires (2015), et aux dialogues avec d’autres arts tels que la musique, la danse et l’art visuel. Cette étude s’intéresse également aux fragments de textes et aux figures obscures, parfois dissimulées, qui nourrissent et influencent l’oeuvre : Roland Barthes, Walter Benjamin, mais aussi les artistes Carlotta Ikeda et Pierre Skira. Cet article montre d’abord les ruines comme des supports solides qui soutiennent la construction de monuments littéraires où Quignard commémore le souvenir d’êtres disparus. Puis, en s’appuyant sur la notion de « ruinophilie » développée par Svetlana Boym, cette étude expose la porosité des ruines quignardiennes, et s’intéresse à la manière dont elles laissent filtrer d’autres motifs, celui de la nature et du corps, à travers lesquels l’écrivain élabore, dans son écriture, de nouvelles manières de vivre dans le temps et dans l’espace.

Cet article propose une réactualisation de la théorie de la communication paradoxale (école de Palo Alto) à la lumière des technologies de l’information et des communications, très en vogue de nos jours. Après avoir campé les grands enjeux théoriques de cette approche antipsychiatrique, cet exposé revient sur diverses modalités d’exercice de la communication comme moyen de favoriser la réadaptation psychosociale des personnes ayant, ou ayant eu des problèmes de santé mentale. Internet émerge alors comme un secteur à explorer et à développer. D’une part, son caractère multimédia en fait un mode de communication typiquement paradoxal. D’autre part, il fait en sorte que soient cumulés les avantages des diverses techniques étudiées (art-thérapie, écriture journalistique, radio et télévision), ce qui facilite l’expression d’un discours affranchi de l’ordre raréfiant du discours institutionnel. Ce dernier dénigre en effet la parole plus ou moins chaotique du patient en en faisant le symptôme d’une maladie à juguler. C’est ainsi que, grâce au potentiel thérapeutique d’Internet, la pensée psychotique peut recouvrer une certaine valeur et c’est ainsi que ses porteurs peuvent communiquer avec autrui, c’est-à-dire directement avec la société et aussi avec un certain au-delà transcendantal.

Abstract: Perspective féminine sur la dictature de Duvalier, le dernier roman de Marie-Célie Agnant met en scène la dictature et comment le traumatisme qui y est lié s'insère dans le présent des générations suivantes et le hante. C'est sous le signe de l'échange et des conversations partagées qu'a lieu cette négociation de souvenirs. Plusieurs types d'échanges prennent place dans ce roman de Marie-Célie Agnant et ce sont ces moments qui guideront cet article. Tout d'abord, la mise en parallèle des voix de deux femmes d'une même généalogie mais de différentes générations : si l'une se bat pour continuer à faire entendre sa voix dès les débuts de la dictature, l'autre s'acharne à exposer le traumatisme utilisé pour renforcer une mise au silence automatique. Ensuite, les échanges entre diverses femmes visant à soutenir les deux protagonistes : visites de courtoisie, "othermothering," amitiés entre femmes, toutes mettent en exergue ce qui rapproche ces femmes. Enfin, ce sont les différentes incursions du traumatisme dans le présent et ses représentations qui sont au centre de cette dernière partie : l'art (écriture de Junon, peinture de Soledad) a-t-il une place dans la reconstruction du moi après les débordements de la dictature ? La vengeance a-t-elle une place dans cette conversation, et si oui, laquelle et à quelles fins ?

RésuméPublié en 1977 par l'Ocdedans une situation de stagflation généralisée, le rapport McCracken est devenu emblématique du «tournant néolibéral» de la coopération économique internationale. Cette enquête ébranle le pacte de lecture téléologique en revenant au sens de l'acceptable des acteurs mobilisés dans son écriture et à l'incertitude structurelle dans laquelle ils étaient plongés pour anticiper le devenir économique et politique. Plutôt qu'une victoire sans conteste du néolibéralisme, la sociogénétique de cet écrit bureaucratique redécouvre les stratégies d'adaptation du «keynésianisme international» hérité de Bretton Woods et les structures de plausibilité de cet espace situé à la confluence de champs politiques, bureaucratiques et universitaires. La dynamique de production s'analyse comme une logique de situation à travers laquelle le secrétariat de l'Ocdese voit exposé à des logiques et à des ressources externes polymorphes qui s'entrechoquent et se jaugent. La forme du rapport rend possible la confrontation de capitaux informationnels, bureaucratiques et politiques ; elle en objective, en quelque sorte, la valeur différentielle ou le taux de change pour les participants. Les anticipations socialement structurées de ce qui est jouable, coûteux ou risqué sont pistées dans la composition collective autour de quatre temps forts : la commande, le cadrage, la constitution du groupe et la cristallisation du rapport. L'article propose ainsi une autre manière d'enquêter sur les «tournants».

Jane Campion’s work regularly revolves around women’s often complex relationship with socio-cultural discourses and their articulation in language, whether in familial and institutional structures or in cultural and creative practice. In this sense, Campion’s filmmaking continues a feminist tradition of exploration regarding female subjectivity, identity and desire as it is represented in language (cinematic or otherwise). In the Cut (2003), adapted from Susanna Moore’s novel of the same name, again places language and the (dis)articulation of the female voice at its heart: the renewal of which is positioned within the film as crucial to women’s survival. In taking its cue from Hélène Cixous’s ‘The Laugh of the Medusa’ (1976) and later writings such as ‘Castration or Decapitation?' (1981) and ‘Coming to Writing' (1991), this article frames its discussion of Campion’s interrogation of ‘Woman’s’ attempts at the articulation of the self as an exemplar (in both theme and form) of Cixousian strategies. The article will argue that techniques such as a cinematic écriture feminine, and the appropriation and adaptation of the language of Hollywood genre film, form part of Campion’s feminist inquiry into the discourses and legacies of a phallogocentric patriarchal culture which traditionally delimit Woman as a ‘speaking’ subject. In this way, In the Cut exposes the tensions between what Cixous calls the ‘Absolute Woman’ of culture (the aphonic hysteric) and attempts towards agency, thus challenging phallogocentric representations of women. In using these strategies, Campion’s adaptation creates a polyphonic artefact which not only revises Moore’s novel but also re-visits (in order to reclaim) female articulation; re-writing phallogocentric claims to agency and subjectivity, imagining women's ‘survival’ through language. In this sense, then, adaptation itself can be thought of as a feminist act of subversion.

ABSTRACT: This article examines the visions that has the contemporary Algerian novel on the current socio-political realities in Algeria, through the study of two very recently published novels: Le Fils du Caïd (2019) by Saad Khiari and Déflagration de sens (2020) by Karim Akouche. In these two works, the writers portray a society in the grip of loss of values, historical disfigurements and an oppressive Power. Each in his own way, they exploit the devices of language and rhetoric to denounce the distress of the new generation experiencing a new disenchantment and call for a revolt against the status quo. The analysis of the discourse produced in the two stories allows us to describe the esthetics strategies used by the two writers to expose their ideological positions towards the Algerian actuality and to interpret the role of their writing in contributing to an awareness of the ills that riddle society. RÉSUMÉ : Cet article examine les visions que porte le roman algérien contemporain sur les réalités socio-politiques actuelles en Algérie, à travers l’étude de deux romans publiés très récemment : « Le Fils du Caïd » (2019) de Saad Khiari et « Déflagration de sens » (2020) de Karim Akouche. Dans ces deux œuvres, les écrivains dressent le portrait d’une société en proie à la perte des valeurs, aux défigurations historiques et soumise à l’emprise d’un Pouvoir oppresseur. Chacun à sa manière, ils exploitent les artifices de la langue et de la rhétorique pour dénoncer la détresse de la nouvelle génération qui vit un nouveau désenchantement et appellent à une révolte contre le statu quo. L’analyse du discours produit dans les deux récits permet de décrire les stratégies esthétiques exploitées par les deux écrivains afin d’exposer leurs positions idéologiques vis-à-vis de l’actualité algérienne et d’interpréter le rôle de leur écriture dans la contribution à une prise de conscience vis-à-vis des maux qui rongent la société.

Transgresser est un terme très intéressant qui peut prendre différentes dimensions dans des contextes distincts. Dans le monde de la littérature, la transgression est souvent suggérée par une échappée de normes. Ces normes peuvent découler des règles du genre dans lequel un écrivain s’inscrit. En même temps, ces normes peuvent être le reflet d’institutions à respecter avec des codes de vie bien précis. Nous proposons dans notre article de nous pencher sur deux écrivaines. En effet, Assia Djebar et Charlotte Brontë ont transgressé le genre du roman dans une écriture merveilleusement attirante, réaliste et inspiratrice qui réclame une ouverture sur bien des domaines. Comment ont-elles procédé ? Quels sont les éléments qui leur ont permis d’écrire ? En même temps, thématiquement, ce qui est exposé dans les romans de ces deux écrivaines représente une transgression des normes du code de vie à une époque où peu de femmes pouvaient être porteuses de témoignages à travers l’écriture. En effet pour le dix-neuvième siècle en Angleterre et le vingtième siècle en Algérie, les quêtes des écrivaines vont bien au delà des normes à respecter. Ce qui peut paraitre en 2013 comme normal, ne l’a pas toujours été. Quelles sont les exigences que ces écrivaines ont du braver ? Quels sont les obstacles et les interdits communs aux deux écrivaines dans des époques et des pays bien différents ? Quelles sont les normes, reflétées dans leurs romans, qu’elles se devaient de transgresser ? Notre article propose d’illustrer comment ces deux écrivaines sont parvenues à faire reconnaitre et accepter leurs romans dans des sociétés dominées par des productions masculines. Le prix de la célébrité n’a pas été acquis facilement. The price of fame acquired by transgression Abstract: To transgress is a very interesting term which can take different dimensions in different contexts. In the world of literature, transgression is often suggested by a by a breakaway of standards. These standards may arise from rules of the genre in which a writer falls. At the same time, these standards may reflect institutions to comply with specific codes of conduct. This article proposes to look at two women writers. Indeed, Assia Djebar and Charlotte Brontë transgressed the genre of the novel in a wonderfully attractive writing, realistic and inspiring, claiming an opening on many areas. How did they do it? What are the elements that have allowed them to write? At the same time, thematically, what is stated in the novels of these writers is a transgression of the code of living standards at a time when few women could be carriers of testimony through writing. Indeed for the nineteenth century in England and the twentieth century in Algeria, women writers’ quests go well beyond the standards to be met. What may seem as normal in 2013, has not always been so. What are the requirements that these writers were to brave? What are the obstacles and the banned aspects which are common to both writers in different times and different countries? What are the standards they reflect in their novels and which they had to break? This article is to illustrate how these two women writers have managed to be recognized and to have their novels accepted in societies dominated by male productions. The price of fame was not acquired easily.

"Comme Barthes qui pensait que la littérature devait céder la place à l’auto-écriture de tous, je pense que tout le monde devrait faire la même chose : raconter sa vie. Connais-toi toi-même. Mets-toi en forme. Mets-toi en ordre". Dustan, Guillaume (1999). Nicolas Pages (p. 400). Balland. Guillaume Dustan et sa particulière vision de la littérature (« en littérature, soit c’est soi, soit c’est du bidon », Dustan, 1999, p. 384) me permettent de commencer cette Ouverture du troisième numéro de la revue HYBRIDA. Revue scientifique sur les hybridations culturelles et les identités migrantes dont le Dossier central est intitulé SIDA/S – 40 ans. Pour suivre les conseils de Dustan, je vais raconter (un peu) ma vie : en 1994, étant ce que l’on appelle « jeune chercheur », j’ai présenté un projet sur « sida et littérature » qui m’aurait permis d’obtenir une bourse aboutissant à une thèse doctorale. Je n’ai pas eu la bourse et j’ai dû changer de sujet pour candidater à nouveau l’année suivante. J’ai finalement obtenu cette bourse, ce qui m’a permis de commencer ma « carrière » universitaire en 1996. Le fait est que, même si je me suis centré sur le corps dans le discours artistico-littéraire d’avant-garde, notamment dans le théâtre (« panique »), je n’ai jamais quitté ce premier projet et me suis toujours intéressé aux écritures liées à l’expérience de la maladie, et plus concrètement aux « récits de sida », surtout d’écrivains homosexuels ayant pour la plupart disparu à cause de l’épidémie. Le souvenir du congrès Sida y cultura (Sida et culture) à l’Université de Valence en 1997, organisé, il y a 25 ans, par Ana Monleón et Ahmed Haderbache, restera donc toujours comme un moment important dans ma mémoire affective et académique. Je leur serai toujours reconnaissant de m’avoir permis de publier mon premier article de recherche intitulé « Escribir en el apremio » (« Écrire dans l’urgence »). Malheureusement, ce « modeste » volume, qui a même été exposé au Musée d’Art Moderne de Valence (IVAM), n’a pas eu une large diffusion. C’est donc un privilège de pouvoir le rééditer comme Annexe à ce numéro d’HYBRIDA. Nous avons respecté l’édition originale de 1997, même si elle ne répond pas aux normes éditoriales de la revue ni aux critères actuels de « qualité » concernant les publications scientifiques. Le volume est composé d’un bel ensemble de dix-neuf contributions de personnes venues de générations, de formations et d’horizons différents, ce qui a permis une réelle circulation des savoirs et un échange intéressant entre l’activisme et l’Université. Certains d’entre eux nous ont quittés, prématurément. La mort nous surprend toujours. Voici donc toute ma reconnaissance (nunc et semper) à la Professeure de littérature française Elena Real, ma directrice de thèse, qui s’était spécialisée, entre autres, dans l’autobiographie contemporaine, concrètement dans l’écriture des femmes et les thématiques du corps et de la séduction ; et au journaliste et historien de la déportation homosexuelle Jean Le Bitoux, figure emblématique du militantisme en France et fondateur historique, avec d’autres intellectuels et activistes comme Frank Arnal (décédé à 42 ans en 1993) et Jean Stern, du magazine Le Gai Pied dont le premier numéro de 1979 contenait un article de Michel Foucault qui aurait suggéré le nom. Le magazine a été une grande fenêtre ouverte à la liberté d’expression et à l’activisme homosexuel jusqu’à sa disparition en 1992. Il comptait sur la collaboration habituelle d’intellectuel·le·s et d’auteur·e·s comme Jean-Paul Aron, Renaud Camus, Copi, Guy Hocquenghem, Nathalie Magnan, Hugo Marsan ou Yves Navarre, pour n’en citer que quelques-un·e·s. Même Jean-Paul Sartre lui a accordé une interview en 1980. Mais revenons à Sida y Cultura pour ajouter que les approches ont été riches et variées, aussi bien sociologiques que culturelles, sous une perspective historique (en comparant le sida avec d’autres maladies antérieures), du point de vue de l’analyse du discours sur le sida ou de l’analyse concrète d’œuvres et d’auteurs touchés par le sida comme Cyril Collard (mort en 1993 à 35 ans), Copi (mort en 1987 à 48 ans), Pascal de Duve (mort en 1993 à 29 ans), et bien évidemment Hervé Guibert (mort en 1991 à 36 ans). Nous avons eu la chance également de compter sur la collaboration de Juan Vicente Aliaga, critique d’art espagnol réputé, spécialiste en études de genre et LGBT, qui avait publié quelques années auparavant (1993), aux côtés de José Miguel G. Cortés, le premier essai fait en Espagne sur l’art et le sida intitulé De amor y rabia (D’amour et de rage) qui reste un référent important dans ce domaine. Concernant la coordination du Dossier central SIDA/S – 40 ANS, je tiens à remercier sincèrement Didier Lestrade, journaliste, écrivain et militant reconnu, fondateur d’Act Up-Paris, ainsi que du magazine Têtu, possédant une longue trajectoire et une importante production intellectuelle sur l’activisme LGBT. Ses trois derniers essais portent les titres suggestifs de : Minorités. L’essentiel (2014), Le Journal du Sida. Chroniques 1994-2013 (2015), « mon dernier livre sur le sida », affirme-t-il ; et I love Porn (2021), excellent essai qui reprend la forme du témoignage pour retracer une histoire particulière de la sexualité à partir des années 1970 par l’intermédiaire de la pornographie comme instrument politique de contestation. Je remercie également de tout cœur Ahmed Haderbache, traducteur de Guillaume Dustan en espagnol et grand spécialiste de son œuvre, d’avoir accepté de coordonner ce Dossier qui nous a paru nécessaire pour réactiver la mémoire d’une maladie et d’une production artistico-littéraire qui semble lointaine, voire révolue, surtout pour les jeunes générations, mais qui prend toute sa signification dans le contexte pandémique actuel. Ce Dossier, qui débute par un bel Avant-propos de Didier Lestrade intitulé « Sida : une épidémie presque oubliée » et par une Introduction d’Ahmed Haderbache, est composé de sept articles. Il part du fait sociologique et politique pour aborder la production littéraire, en passant par l’analyse filmique et théâtrale. Thierry Schaffauser s’intéresse aux personnes invisibles, voire oubliées, pour nous proposer une pertinente étude sur l’histoire des mobilisations des travailleuses du sexe contre le VIH en France et au Royaume-Uni ; Romain Chareyron fait une riche analyse des images du sida dans le film 120 battements par minute (2017) ; Henry F. Vásquez Sáenz aborde avec précision la pièce Une visite inopportune (1988), ce qui lui permet de restituer et de resituer la figure du dramaturge franco-argentin Copi en tant qu’auteur subversif et engagé, pionnier du théâtre autobiographique lié au sida. Les deux articles suivants, de Daniel Fliege et de l’écrivaine Ariane Bessette respectivement, proposent d’intéressantes analyses littéraires d’œuvres « autobiographiques » d’auteurs « controversés » car défenseurs des rapports sexuels non protégés ou barebacking : Guillaume Dustan (mort en 2005 à 39 ans) et Érik Rémès. Puisque HYBRIDA s’intéresse particulièrement aux contextes francophones ou comparés, nous avons créé une petite section à la fin du Dossier intitulée Autres regards afin de publier deux articles spécialement attirants. Le premier, écrit par Thibault Boulvain dont la thèse doctorale a été publiée en 2021 sous le titre L’art en sida 1981-1997, aborde les dernières années d’Andy Warhol (décédé en 1987) sous la perspective du sida ; le dernier, proposé par Caroline Benedetto, se penche sur les journaux intimes de l’artiste pluridisciplinaire américain David Wojnarowicz (mort en 1992 à 37 ans), en soulignant les influences françaises. Dans la section Mosaïque, où nous publions des études sur les hybridations culturelles et les identités migrantes qui ne correspondent pas à la thématique centrale du Dossier, nous publions trois articles. José Manuel Sánchez Diosdado analyse profondément les récits coloniaux des voyageuses françaises de la première moitié du XXe siècle qui se sont inspirées du Maroc. Feyrouz Soltani aborde le roman Verre Cassé de l’écrivain franco-congolais Alain Mabanckou pour y déceler les traces du métissage linguistique et culturel et, enfin, Rolph Roderick Koumba et Ama Brigitte Kouakou nous présentent la langue française comme instrument positif dans la construction de l’altérité à travers l’analyse des œuvres de l’écrivaine franco-sénégalaise Fatou Diome et de l’écrivaine franco-camerounaise Léonora Miano. La section Traces de la revue HYBRIDA est consacrée à la création littéraire et s’éloigne volontairement de l’esprit d’évaluation en double aveugle, bien que les soumissions soient strictement analysées et révisées par le comité éditorial. Dans ce numéro 3, nous publions quatre textes aussi différents qu’intéressants. Leurs auteur·e·s se sont inspiré·e·s de la thématique du Dossier central autour du sida. Nous avons l’honneur de publier un court récit de l’écrivaine québécoise Catherine Mavrikakis intitulé « Évitons de respirer l’air du temps » qui nous met en alerte par rapport aux préjugés qui perdurent de nos jours concernant le sida. Nous voudrions rappeler au passage que, partant de la pensée de Michel Foucault sur la santé et l’organisation sociale, ses recherches sur les écrits du sida, ainsi que sur les notions de contamination, d’aveu et de souffrance, sont d’une grande importance pour la thématique qui nous occupe. Nous ne pouvons que rester admiratifs face à sa double facette de professeure universitaire et d’écrivaine ; et souligner la force de ses romans « autofictionnels » dont Ce qui restera (2017), L’annexe (2019) et L’absente de tous bouquets (2020), pour n’en citer que les derniers. Ensuite, nous avons deux « témoignages » sincères et touchants. Le premier, intitulé Les spectres d’ACT UP, nous propose un parcours émotionnel et académique autour de l’expérience du sida. Son auteur, David Caron, Professeur à l’Université du Michigan, a fait une importante recherche dans le domaine des études LGBT et concrètement sur le VIH. Il s’est intéressé également aux études sur l’holocauste. Parmi ses dernières publications, nous trouvons The Nearness of Others. Searching for Tact and Contact in the Age of HIV (2014) et Marais gay, Marais juif. Pour une théorie queer de la communauté (2015). Le court et intense « témoignage » de Lydia Vázquez Jimémez (écrit en espagnol) intitulé « Filou, te fuiste demasiado pronto » (« Filou, tu es parti trop tôt ») nous montre la difficulté de l’aveu et de s’exprimer par rapport au sida, en nous dévoilant son expérience intime et douloureuse face au deuil dû à la perte de l’être aimé. Au-delà de sa brillante carrière universitaire en tant que spécialiste dans l’étude de l’érotisme et de la sexualité (notamment au XVIIIe siècle), avec une focalisation particulière sur les femmes et le collectif LGBT, je ne voudrais pas négliger sa facette de traductrice en espagnol de l’œuvre d’auteur·e·s admiré·e·s comme Abdellah Taïa, Annie Ernaux, Jean-Baptiste del Amo, Gabrielle Wittkop ou Fatima Daas, entre autres. En tant qu’auteure, j’aimerais signaler son livre illustré Journal intime (2019). Pour clore cette section de création littéraire et dans le but d’encourager l’écriture des jeunes écrivain·e·s, nous publions en espagnol la pièce inédite de Javier Sanz intitulée Reset. Volver a empezar (Reset. Repartir à zéro). Avec une fraîcheur et une franchise touchantes, la pièce aborde, en 2021, la problématique de l’incommunicabilité et de la difficulté à établir des relations amoureuses sincères, ainsi que la découverte de la séropositivité. Je suis persuadé que ce numéro d’HYBRIDA, 25 ans après Sida et Culture, marquera notre trajectoire en tant que revue universitaire. Il ne me reste qu’à remercier très sincèrement notre excellente équipe d’évaluation qui se nourrit et se diversifie à une grande vitesse grâce aux apports de spécialistes du monde entier. Et un sincère merci à José Luis Iniesta, Directeur Artistique de la revue, pour son investissement et son savoir-faire ; sans lui rien ne serait possible… Je vous propose un prochain rendez-vous pour fin juin 2022 pour le numéro 4 d’HYBRIDA. Salus in periculis

L’article fait l’examen de la multiplication des écrans selon une méthodologie ethno-sémiotique et souhaite analyser la tension singulier/pluriel en jeu dans la construction de l’écran comme un objet de recherche, selon une perspective d’anthropologie culturelle. Les régimes de présence de l’écran électronique sont analysés dans l’espace public urbain : d’abord, l’espace public constitue une « macro-syntaxe » pour les écrans parmi d’autres objets d’écritures ; ensuite, l’espace public engage des effets de sens instituants de l’écran en tant que forme et média. Les écritures exposées numériques refondent ainsi une « étrangeté mutuelle des passants » médiatisée et connectée, manifeste des industries numériques. Le sens collectif de l’écran se définit dans un double mouvement d’inscription : à partir des formats et des cadres ; à partir des réseaux et des lieux.

La littérature alchimique du milieu du xvie au début du xviiie siècle manifeste une tension entre une marginalisation subie, notamment politique et sociale, et une marginalisation voulue, induite par les choix d’écriture et d’anonymat de son auteur. Certains ouvrages alchimiques se servent de cette marginalisation, imposée ou volontaire, pour instaurer leurs propres autorités, soit en les cautionnant par des modèles institués, soit en leur donnant une apparence acceptable et légitime et en les dotant d’une polyvalence capable d’englober les autres savoirs. La persona de l’auteur se construit alors comme un passeur de savoir, conférant, en particulier au livre qui expose la genèse légitime mais merveilleuse de son savoir, une fonction symbolique qui permet de lire dans sa matérialité le signe de l’adéquation entre l’apparence du discours alchimique et le contenu qu’il révèle.

La trilogie de Yasmina Khadra, Les hirondelles de Kaboul, L’attentat et Les sirènes de Bagdad, constitue une œuvre-limite dans la mesure où l’auteur y traite un sujet très sensible, à savoir le phénomène de l’hyper-terrorisme. Lequel sujet n’est pas seulement difficile à traiter, mais il fait planer sur l’auteur un risque de mort. Ecrire devient dans ces conditions synonyme du franchissement de la barrière de l’interdit. Les textes essayent de nous faire voir le terroriste, cet être diabolisé, sous un regard humain. Il n’est responsable de ses actes que peu puisqu’il est la proie d’un destin implacable. C’est dans cette même perspective d’explication et de compréhension que l’auteur expose les discours extrémistes dans ses œuvres. Mais loin de leur accorder un espace inconditionnel d’expression, il les introduit en vue de les disloquer ou de les étouffer. Il s’agit là d’une véritable prouesse puisque le texte, espace de parole par définition, réduit celle-ci au silence. Il est question bien évidemment d’un effet de contraste sonore : une parole est tue pour mettre en valeur une autre. Ce travail sur le thème et le discours reflète une vision particulière du genre romanesque. Khadra produit des textes aux limites des genres établies. Il puise ses techniques dans la tragédie, le conte et le polar et donne naissance à une écriture nouvelle qui dit le tragique de l’homme de la postmodernité. Il va jusqu’à mimer l’accélération du temps contemporain en pratiquant une écriture de l’urgence et de la surprise.

Les progrès de la diffusion de l’imprimé et de la lecture, le développement de l’opinion publique et la multiplication des formes de communication font de la société française, à la veille de la Révolution de 1789, un espace de circulation intense des écrits d’opinion. Les écrits polémiques envahissent le champ de la communication et de la politique. Beaumarchais est doublement exposé à ce type d’écrits : d’une part, il est chargé, à la fin du règne de Louis XV et durant le règne de Louis XVI, de missions diplomatiques destinées à mettre fin à la circulation de libelles diffamatoires contre le roi et sa famille ; d’autre part, mêlé lui-même à plusieurs affaires judiciaires, il entre dans un processus de communication publicisé pour gérer ses affaires commerciales et littéraires, pour attaquer ses adversaires ou pour se défendre. Quelles pratiques d’écriture et de diffusion adopte-t-il précisément ? Nous avons choisi de nous intéresser à un corpus d’écrits de circonstance liés à l’entreprise d’édition des œuvres complètes de Voltaire, pour laquelle Beaumarchais a fondé une Société littéraire typographique en 1779. Comment communique-t-il pour diffuser son projet éditorial, porté par des idéaux philosophiques ? Comment répond-il aux nombreuses attaques provenant des antiphilosophes, qu’ils soient parlementaires, journalistes ou théologiens ? Entre écriture satirique, rhétorique judiciaire et verve comique, Beaumarchais utilise toutes les ressources dramaturgiques dont il est le maître.

La mémoire ne fait pas partie des notions classiques de l’anthropologie. Dans l’étude des traditions, des mythes, des croyances ou des rituels, elle est restée longtemps non problématisée. Incluse dans les mécanismes de reproduction de la culture, implicite dans la transmission des manières de faire et de penser, elle n’était que le support indistinct d’une permanence. Pourtant, il n’y a pas plus de sociétés sans mémoire qu’il n’y a de sociétés sans histoire. Ce constat s’est finalement imposé. A partir des années 1970, la mémoire est devenue un objet d’enquête et de réflexion pour les anthropologues (Candau 1996, 1998). La prise en compte grandissante des phénomènes d’interaction ou de domination culturelles les a conduits à analyser la façon dont pratiques et croyances se transmettent, se transforment ou se dégradent dans les cultures et les sociétés. Ainsi, Roger Bastide, s’intéressant à « la survie des religions africaines dans le Nouveau Monde » (Bastide 1970), a mobilisé des concepts empruntés à Claude Lévi-Strauss et à Maurice Halbwachs et proposé la notion de « bricolage de la mémoire collective ». Celui-ci permettant de remplir les manques par des images nouvelles afin de réparer le scénario du mythe ou du rituel. Beaucoup d’autres auteurs se sont intéressés depuis à cette plasticité de la mémoire, susceptible d’être réorganisée, voire recomposée, en prenant directement pour objet et sujet de réflexion les vecteurs et canaux des transmissions culturelles. Jack Goody, étudiant la circulation orale du Bagré chez les LoDagaa du nord-ouest du Ghana, a constaté que ce récit de près de 12 000 vers, réinterprété au fil du temps, varie selon le lieu, le moment et le récitant. Une variation, alliant continuité et changement, qu’il attribue à la flexibilité de la culture orale, par rapport à une plus grande fixité de la culture écrite (Goody 1977). Dans une approche différente, Carlo Severi a montré comment le recours à l’image pouvait être support et outil de la mémoire rituelle dans des sociétés « sans écriture », (Severi 2007). Et Monder Kilani a observé que dans la société oasienne, la référence à une trace écrite vient conforter une construction généalogique et mémorielle modulée selon les enjeux du présent (Kilani 1992). On retrouve là l’affirmation première d’Halbwachs selon laquelle « la mémoire collective » est toujours sélective et « ne retient du passé que ce qui en est encore vivant ou capable de vivre dans la conscience du groupe qui l’entretient. » (Halbwachs [1950] 1969 : 70). Toutefois, la multiplicité des temporalités dans lesquelles s’inscrivent désormais les sociétés altère les processus de transmissions eux-mêmes. Ce qui oriente les recherches vers la manière dont leurs membres perçoivent et organisent leur rapport au passé. Les ethnologues sont fréquemment confrontés à ce point de bascule où, à un moment donné, pour les membres d’un groupe ou d’une communauté, le passé, à la fois encore disponible et déjà hors de portée, devient un bien commun fragilisé. Ils se trouvent alors sollicités pour en être les conservateurs ou les passeurs. Jack Goody raconte ainsi qu’en consignant par écrit une version du Bagré, il a enfreint le secret de l’initiation, mais il a également répondu au souhait de certains LoDagaa qui considéraient cette récitation comme un fonds culturel à préserver. Il se faisait, en somme, le scribe d’une mémoire orale menacée (Goody 1996 : 71). Les sollicitations sont d’autant plus vives que la mémoire est devenue un enjeu d’affirmation ou de revendication pour les populations concernées. Partout, les mobilisations et les célébrations du passé prolifèrent. Dans ces conditions, où la curiosité des anthropologues, confrontés à l’impermanence des mondes, rencontre la demande de mémoire des peuples, les travaux se sont développés dans plusieurs directions. Lieux et milieux de mémoire, commémorations, patrimonialisation et muséification, demandes de reconnaissance des préjudices anciens et conflits mémoriels sont autant de nouveaux objets pour une anthropologie de la mémoire attentive à la façon dont les groupes humains, de diverses manières, sont à la fois héritiers et inventeurs de leur passé. La notion de patrimoine, d’invention occidentale (Choay 1999), connaît une extension considérable, du local au planétaire et soulève la question de la pluralité des expériences et des récits. Dans la Lorraine sidérurgique, par exemple, la transformation d’usines désaffectées en écomusées et en « lieux de mémoire », a fait l’objet de luttes de représentation auxquelles participaient, aux côtés de divers acteurs économiques, sociaux, politiques et artistiques, une partie de ceux qui travaillaient là auparavant (Tornatore 2010). En Nouvelle Calédonie, de même, un projet muséographique lié à l’édification du Centre culturel Jean-Marie Tjibaou, a suscité un débat entre représentants de l’État français, institutionnels kanak, acteurs du monde international de l’art, sur le sens de ce qui devait être exposé. Des discussions où affleuraient les tensions d’un passé très présent, celui des luttes indépendantistes (Bensa 2006: 199-215). A une autre échelle, les revendications des peuples autochtones, qui ont obtenu en 2007 une déclaration de l’ONU reconnaissant leurs droits, suscitent des controverses sur la définition de leur patrimoine, la reconnaissance de leur héritage, la « propriété » de leur territoire et la défense de leurs traditions, y compris quand celles-ci sont entièrement reconstruites (Bellier 2011). Les conflits passés, surtout quand ils sont restés occultés, laissent des traces dans le présent, sous la forme de mémoires en conflits (Baussant 2007). Les demandes de reconnaissance, de justice, d’établissement des responsabilités, s’opposent alors aux silences, aux impunités ou aux amnisties. Les divers protagonistes, témoins, acteurs, ou leurs descendants s’affrontent sur les représentations et interprétations divergentes des évènements. Des milieux de mémoire se constituent, des associations interviennent dans l’espace public, comme en Argentine, à propos des « disparus » sous la dictature (Crenzel 2010), mais aussi dans de nombreux pays où une lecture plurielle du passé n’a pas réussi à se faire accepter. L’héritage des tragédies collectives constitue une ressource identitaire particulièrement forte (Candau 1998). Et la mémoire de la Shoah en est devenu « le cadre référentiel » (Lapierre 2007). Des mouvements luttent pour obtenir la reconnaissance, voire la réparation, des crimes du passé, notamment ceux de la traite transatlantique et de l’esclavage. La mémoire qu’ils mobilisent a une dimension stratégique, mais ne s’y réduit pas. Elle est à la fois produit - agrégat de traces, de fragments de récits, de transmissions diffuses sur les souffrances anciennes -, et produite à l’aune des attentes du présent (Chivallon 2011). Ces attentes, elles-mêmes, s’insèrent dans une configuration éthico-politique qui a promu la figure de la victime et redéfini la notion de traumatisme, issue de la clinique, en « traumatisme culturel ». A travers celui-ci, le souvenir des souffrances endurées par les persécutés et les vaincus de l’histoire se ravive et fonde une cause pour des générations ultérieures. Et force est de constater que « la découverte de cette mémoire douloureuse est un fait anthropologique majeur des sociétés contemporaines. » (Fassin et Rechtman 2011: 19). Déployée sur de très nombreux terrains et questionnements, l’anthropologie de la mémoire est donc devenue un ample domaine de recherche. Au point que certains s’inquiètent désormais d’un « memory boom », dans lequel une conception trop extensive de la mémoire tendrait à se confondre avec une continuité de la culture (Berliner 2005). Les anthropologues seraient ainsi d’autant plus saisis par l’engouement mémoriel général qu’ils y retrouveraient le goût des permanences à l’origine de leur discipline. C’est néanmoins omettre qu’un tel engouement naît précisément des ruptures et des oublis