Dissertations / Theses: 'Duchamp, Marcel, 1887-1968 Appreciation'

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Toumazis, Yiannis. "Marcel Duchamp, artiste androgyne." Amiens, 2009. http://www.theses.fr/2009AMIE0003.

Abstract:

Cette thèse porte sur la relation étroite de l’œuvre de Marcel Duchamp avec la notion de l’Androgyne, la coexistence des principes mâle et femelle, hérités des mythes anciens de la création; elle porte également sur les idées platoniciennes, les pensées gnostique et hermétique, et les croyances alchimiques telles qu’elles se trouvent exprimées dans le corpus de l’œuvre de Duchamp. La première partie, présente le rôle et la signification de l’Androgyne dans les mythes anciens de la création, chez les philosophes grecs, dans la gnose, la philosophie hermétique des alchimistes et la cabale. La deuxième partie, traite l’œuvre de Marcel Duchamp d’un point de vue « androgyne ». En particulier, nous analysons de façon détaillée les deux grandes œuvres de Duchamp, La Mariée mise a nu par ses célibataires même et Etant donnés: 1º la chute d’eau, 2º le gaz d’éclairage, en nous attachant à l’étude de leurs caractéristiques androgynes telles qu’elles ont été définies dans la première partie
The present thesis illustrates the close relation of Marcel Duchamp’s work to Androgyny; the harmonious coexistence of the male and female principles, as we inherited them from the ancient myths of creation, the Platonic ideas, the Gnostic and Hermetic thoughts, the Alchemical beliefs and the way they are expressed in the corpus of Duchamp’s work. Part I, “L’ Androgyne”, presents the use and meaning of Androgyny in Ancient Myths of Creation, Classical Antiquity, Ancient Greek Philosophy and specifically Plato’s Symposium, Gnosticism, the Hermetic Philosophy of the Alchemists and Kabala. Part II, “Marcel Duchamp - L’ Artiste Androgyne” examines the work of Marcel Duchamp seen from an androgynous perspective in order to offer a different insight to his work. In particular it examines and extensively analyzes the two major works of Duchamp: Le Grand Verre and Étant Donnés and focuses on the androgynous characteristics of the works as they have been set in Part I

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Stévance, Sophie. "Impacts et échos de la sonosphère de Marcel Duchamp." Rouen, 2005. http://accesdistant.bu.univ-paris8.fr:2048/login?url=https://www.dawsonera.com/abstract/9782296230903.

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Abstract:

Personnage tutélaire de la modernité, Marcel Duchamp nous laisse une œuvre à partir de laquelle les exégètes rivalisent d'inventions pour tenter de la nommer (" avant-gardiste ", " nouvelle ", " hors du temps ", " innovatrice "). Paradoxalement, elle n'est connue que sous le nom de Ready-made. L'intérêt que l'iconoclaste a très vite manifesté à l'égard de la musique reste encore ignoré d'une large majorité du public et de la sphère universitaire. Duchamp offre plusieurs compositions musicales, écrites pour la plupart en 1913 : Erratum Musical pour trois voix, La Mariée mise à nu par ses célibataires même/Erratum Musical, pour clavier et une Sculpture Musicale " qui dure ". Elles sont suivies par des ready-mades " sonores " (À bruit secret, 1916). Pour comprendre la sonosphère de Marcel Duchamp et ses répercussions sur toute une production d'artistes (dépassant de loin les seuls arts plastiques), quatre approches sont présentées : permissive, performative, perceptive et perditive. Sous ces catégories se dessinent en même temps les propres influences du nouveau compositeur, son " horizon d'attente ". Des premières expériences européennes et américaines à la musique électronique, de la poésie sonore au multimédia, de l'indétermination à l'improvisation, de l'installation sonore à la musique d'ambiance, du minimalisme au maximalisme musical de masse, cette thèse permet d'explorer les frontières, désormais neutralisées, entre la tradition musicale " savante " et la transmission " orale ". Elle met également en lumière les contextes historique, philosophique, sociologique et artistique qui ont vu naître les conceptions acoustiques de Marcel Duchamp, membre à part entière d'un siècle de turbulences musicales et sonores
On the forefront of modernity, Marcel Duchamp leaves us a work for which analysts are quite creative to name it (“avant-gardist”, “new”, “out of time”, “innovator”). Paradoxically, it is only known as Readymade. Yet, Duchamp's early interest for music and related matters has been widely ignored by a vast majority of the public and the University microcosm so far. His exploration of the sound sphere offers several musical compositions. Most of them were written in 1913 : Musical Erratum, for three voices, The Bride Stripped Bare By Her Bachelors Even/Erratum Musical, for keyboard, and the Musical Sculpture “that lasts”. They are followed by some “sonorous” Readymades (With Hidden Noise, 1916). In order to understand Marcel Duchamp's sonosphere and its implications on the work of other artists (exceeding Plastic-Arts by far), four methods are proposed : “permissive”, “performative”, “perceptual” and “perditive”. The new composer's own influences, his “horizon of waiting”, can be distinguished within these categories. From the first European and American experiments to Electronical Music, from Sound Poetry to Multimedia, from the Indeterminacy to Improvisation, from Audio Installation to Ambient Music, from Minimalism to Mass Musical Maximalism, this essay explores boundaries, now neutralized, between the “Musique Savante” and the “Oral” tradition. It also clarifies the historical, philosophical, political, sociological and artistic contexts through which concerns the acoustic or acousmatic conceptions of Marcel Duchamp, one century full member of musical instabilities

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Subotincic, Natalija. "The anamorphosis of architecture : a co-incidence of desire and embodiment (an excursion into the world of visual indifference)." Thesis, McGill University, 1989. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=55638.

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Coudraud, Philippe. "Les Ménines en vitesse : la mise à nu de la peinture comme critique du "temps social" dans l'oeuvre de Marcel Duchamp." Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100100.

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Abstract:

En quoi le discours duchampien est-il maniériste ? L'étude iconographique des peintures et dessins exécutés entre 1910 et 1912 (principalement Jeune homme et jeune fille dans le printemps, Dulcinée, Nu descendant un escalier, Portrait de joueurs d'échecs, Le Roi et la reine entourés de nus vites, Le Passage de la vierge à la mariée, Mariée) convoque une multitude d'œuvres artistiques (Bosch, Léonard, Bellange, Arcimboldo, Vélasquez, Goya, Hogarth, Bartholdi, Gutfreund) ou littéraires (Laforgue, Jarry, Villiers de l'Isle-Adam, Goethe, Ossian, Mallarmé) qui surgissent comme autant de fragments savamment recomposés. Duchamp, comme les maniéristes du XVIe siècle à l'égard des grands maîtres de la Renaissance, soumet ces sources à une narration complexe qui trouve son aboutissement dans le Grand Verre. La "mise à nu" de la peinture a pour corollaire la thématique du port du vêtement, contrainte (et source d'aliénation) exercée sur le corps par les rituels profanes d'une société ayant pour fondement mythologique l'épisode biblique de la Remise du vêtement. De la critique du "temps social" naît une autre tension, la confrontation du classicisme et du baroque : un maniérisme désenchanté, arcimboldesque, qui élève les œuvres au rang d'allégorie de la peinture
In what the Duchamp's word is mannerist? The iconographic study of paintings and drawings made in between 1910 and 1912 (principally Young Man and Girl in Spring, Yvonne and Magdeleine Torn in Tatters, Dulcinea, Sonata, Nude Descending a Staircase, Portrait of Chess Players, The King and Queen Surrounded by Swift Nudes, The Passage from Virgin to Bride, Bride) convenes a multitude of artistic and literary works (Bosch, Leonardo, Bellange, Arcimboldo, Vélasquez, Goya, Hogarth, Bartholdi, Gutfreund and also Laforgue, Jarry, Villiers de l'Isle-Adam, Goethe, Ossian, Mallarmé) which emerge as many fragments wisely recomposed. Duchamp, like the mannerists of the 16th century towards the great masters of the Renaissance, submits his sources into a complex narration which finds its result in The Large Glass. The "stripping bare" of the painting has as a corollary the subject of the garment, compulsion and source of alienation exercised on the body by the profane rituals of a society having as a mythological base the biblical episode of the Giving of the garment. Critic of "social time" gives birth to another tension, the confrontation of the Classicism and the Baroque : a disillusioned mannerism which brings his works in level of allegory of painting

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Siebauer, Jean-Roch. "Alfred Jarry, Marcel Duchamp, la machine, le verbe et la pataphysique." Aix-Marseille 1, 1995. http://www.theses.fr/1996AIX10007.

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Abstract:

Observant les concepts de "clinamen" epicurien, de "principe d'equivalence", d'"(h)umour", ainsi que leur mise en pratique dans certains travaux de jarry et duchamp (entre autres), cette etude propose tout d'abord d'expliciter les notions essentielles sur lesquelles se peut fonder une possible definition de la "science" 'pataphysique. Machine et langage paraissent ensuite deux objets esxemplaires des stragegies pataphysiques mises en place par jarry et duchamp face au "reel". Sont alors etudies : -a) tant jarryques que duchampiennes, diverses machines: "a peindre", "celibataire", a explorer le temps"; -b) de mallarme a l'oulipo, le parcours logique qui passe par les "polyedres d'idees" de l'ecriture de jarry, la recherche, par duchamp, des "mots premiers" et les sentences de rrose selavy.

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Chang, Young Hae. "La prise de conscience de la langue dans l'oeuvre de Marcel Duchamp." Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1987PA010533.

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Abstract:

La prise de conscience de la langue dans l'œuvre de Marcel Duchamp prend comme point de départ l'objet artistique pour une analyse de son texte. Dans le premier chapitre de la première partie nous divisons la peinture de Duchamp en trois périodes chronologiques : d'abord celle qui ne comporte pas de titre inscrit, puis celle qui en comporte un au verso de la toile et enfin celle qui en comporte un au recto. Le chapitre deux élaboré comment le grand verre signifie par renvoyer le spectateur a une lecture de la boite verte. C'est ainsi que Duchamp enlève une grande partie du cote "rétinien" du verre, but qu'il recherche depuis un titre qui est en tension avec le tableau. Et ainsi crée-t-il une vraie lecture du verre. La deuxième partie de la thèse analyse à travers trois chapitres la création du readymade au moyen du partage de l'intention créatrice de Duchamp, partage forcement verbal. Le chapitre trois introduit le texte implicite à la création du readymade: le document du partage de l'intention créatrice. Le chapitre quatre étudie le texte à travers l'objet artistique, c'est-à-dire un texte et un objet inséparables. Le dernier chapitre analyse la traduction et le bilinguisme politique de Duchamp dans une œuvre "transatlantique" : française et américaine. Dans sa nouveauté créatrice - le partage de l'intention créatrice de Duchamp - et existentielle, le readymade n'a qu'un but : se déclarer œuvre d'art. Le readymade ne veut que cette appellation. "readymade" veut dire "œuvre d'art".

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Duboy, Philippe. "L'Architecture civile de Jean-Jacques Lequeu (1757- ?) "ready-made rectifié" par Marcel Duchamp, 1887-1968 /." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37604690s.

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Jang, Young-Girl. "L'objet duchampien : approche esthétique." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010580.

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Abstract:

Le but de cette thèse est de réinterpréter l'objet duchampien. Par une nouvelle lecture de l'art et de la pensée de Marcel Duchamp, nous approfondissons l'étude de l'objet duchampien suivant deux voies : celle de l'esthétique et celle de la méthode. L'objet chez Duchamp n'est pas synonyme de chose ni de matière, mais est un concept artistique. L'objet duchampien fait disparaitre la signification habituelle d'une chose quotidienne sous un nouveau titre. Sur la base de cette définition de l'objet duchampien, nous développons trois hypothèses : l'objet ou le mensonge pictural, ce qui n'est pas l'objet ou la chose elle-même, et l'idée de l'objet duchampien ou la chose indirecte. À travers l'esthétique et la méthode de Duchamp, nous en venons à conclure que l'objet duchampien est mensonge pictural et chose indirecte. Car Duchamp profite du mensonge, au sens de Platon, qui ne se réalise que dans l'art, et il présente méthodologiquement la chose quotidienne comme chose indirecte.

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Shin-Lee, Jiho. "L'objet banal en tant qu'oeuvre d'art : chez Marcel Duchamp et Nam June Paik." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010608.

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Abstract:

Considérant l'objet banal comme matière intermédiaire selon la pensée extrême orientale, nous analysons les variations de l'objet banal en fonction de l'évolution de la société à travers les œuvres choisies : le ready-made de Marcel Duchamp et la télévision de Nam June Paik
Considering the ordinary object as intermediary material like the extreme oriental thoughts, we analyse the variations of the ordinary object according to the evolutions of society through the works of art choosed : the ready-made of Marcel Duchamp and the television of Nam June Paik

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Olvera, Karen M. (Karen Marie). "Marcel Duchamp's The Large Glass as "Negation of Women"." Thesis, North Texas State University, 1986. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc935841/.

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Abstract:

The purpose of this study was to determine whether The Large Glass was a negation of women for Marcel Duchamp. The thesis is composed of five chapters. Chapter I is the introduction to the thesis. CHapter II includes a synopsis of the major interpretations of The Large Glass. Duchamp's statements in regard to The Large Glass are also included in Chapter II. Chapter III explains how The Large Glass works through the use of Duchamp's notes. Chapter IV investigates Duchamp's negation of women statement in several ways. His personal relationships with relatives including his wives and other women, and his early paintings of women were examined. His idea of indifference was seen within the context of the Dandy and his alter ego, Rrose Selavy as a Femme Fatale. His machine paintings are also seen as a part of his idea of detachment and negation of women. Detachment as an intellectual pursuit was probed with his life-long interest in chess. The Large Glass was then seen as not only showing inconographically a negation of women but also as being an intrinsic component of his life and his work.

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Senaldi, Marco. "Anemic Photoplay. Marcel Duchamp : physiologie, psychologie et esthétique de l'image-mouvement." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA057.

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Abstract:

Dans la présente recherche, on à cherché de décrypter la fructueuse présence de ces sources, à la fois théoriques, mais aussi visuelles, et même techniques, dans la complexe et multiforme œuvre de Marcel Duchamp. En particulier, on c’est efforcé de reconsidérer l’itinéraire duchampien dans son entièreté, en s’arrêtant sur ses collaboration cinématographiques et ses participation télévisuelles des années ’50 et ’60, au fin de relire à rebours toute son œuvre comme un exemple de « image mouvement » - donc une image étroitement liée aux expériences menées dans les laboratoires de physiologie et de psychologie appliqué entre la fin du XIXe et début du XXe siècle, et aux corrélatives réflexions philosophiques
In this research, we tried to decipher the fruitful presence of these sources, both on the theoretical, but also on the visual, and even technical level, in the complex and multifaceted work of Marcel Duchamp. In particular, efforts have been made to reconsider the entire duchampian artistic itinerary, focusing on his cinematographic collaborations and his television contributions of the 1950s and 1960s, with the aim of revising all his work as an example of an « Image movement » (in the deluezian sense) - an image closely related to the experiments carried out in the laboratories of physiology and psychology applied between the end of the nineteenth and the beginning of the twentieth century and to the correlative philosophical reflections

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Verner, Lorraine. "Qu'est-ce que penser en art ? du "conventionnalisme" de Marcel Duchamp et la construction des notes de la Boîte verte." Paris, EHESS, 1991. http://www.theses.fr/1991EHES0317.

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Abstract:

Pour rendre visible sa conception du reel, marcel duchamp (1887-1968) tente de repenser les rapports entre le visuel et le conceptuel en art, et fait appel a une approche transformee de la realite mise en relief par la geometrie. Il introduit, en effet, des concepts de certaines theories de philosophie mathematique du dix-neuvieme me et du debut de ce siecle provenant, en particulier, de la pensee du mathematicien et philosophe francais henri poincare (1854-1912), notamment dans ses quatre ouvrages : la science et l'hypothese (1902), la valeur de la science (1905), science et methode (1908) et dernieres pensees (1913). C'est par le biais d'une critique du realisme privilegiant l'expression conceptuelle de l'art que marcel duchamp a ete amene a s'interesser a une pensee de la structure formelle, inspiree du concept geometrique de groupe de transformations, un concept-clef de la philosophie conventionnaliste d'henri poincare. Nous avons essaye de saisir la nature de la recurrence philosophico-mathematique dans l'oeuvre de marcel duchamp, et en particulier en envisageant l'ensemble d'une centaine de notes qui constituent la mariee mise a nu par ses celibataires meme ou boite verte, redigees de 1911 a 1923 et publiees en 1934. Nous avons privilegie certaines connexions signifiantes qui unissent une note a l'autre en cherchant a mettre en lumiere comment le concept de groupe de transformations se configure dans la boite verte et a mieux saisir ainsi la structure generale du grand verre
In order to make visible his ideas of reality, marcel duchamp (1887-1968) attempts to rethink the relationships between the visual ant the conceptual in art, and calls on an approach to reality which is informed by geometry. In this respect, he introduces into the ream of art 19th and turn of this century concepts of philosophy of mathematics, notably those of french mathematician and philosopher henri poincare (1854-1912), in particular from the foundations of science : science and hypothesis (1902), the value of science (1905)n science and method (1908), mathematics and science : last essays (1913). It is the criticism of a notion of realism which favors conceptual expression in art which led marcel duchamp to a reflexion on formal structure inspired from the geometric concept of group of transformations. Group of transformations is a key concept of the conventionalist philosophy of henri poincare. This thesis attemps to understand the nature of the philosophical and the mathematical recurrence in marcel duchamp's work, particulary so in the context of the hundred or so notes which contitutes the green box (the bride stripped bare by her bachelors even) written from 1911 to 1923 and published in 1934. The thesis draws upon certain meaningful connections among the notes in discussing how the concept of group of transformations takes shape in the green box and thus informs general structure of the large glass

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Humbert, Michèle. "Pour une iconologie du silence : sur les traces de Marcel Duchamp et de l'iconographie." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010620.

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Abstract:

Cette recherche sur l'iconologie du silence se divise en trois parties. Le choix des arguments a été suggéré par l'étude de l'œuvre de Marcel Duchamp. With my tongue in my cheek constitue la première étape de l'enchainement qui a engendre une lecture plus générale, fondée sur cet invariant présumé de l'art figuratif. Silence et mutisme affleurent dans l'interprétation ou la manipulation des mots des titres, fragments de titre, pseudonymes, annotations et déclarations : mutt, tu m', même, retard en verre, tr est très important, silent et listen, etc. , et dans certains procédés de construction des œuvres. La seconde partie comprend un ensemble de sources antiques concernant trois divinités du silence, Harpocrate, Angerone, Tacita et un philosophe, Pythagore. Manifestations de domaines transmis par la culture figurative à travers ses principales sources d'information, les emblèmes, les recueils d'antiquités et, bien sûr, les œuvres. La troisième partie se fonde sur l'analyse de la gestualité figurative du silence, essentiellement de l'index ou des doigts posés sur la bouche. Le rassemblement du matériel iconographique a précédé et déterminé le plan. Les œuvres, à partir desquelles la recherche s'est orientée, ont été regroupées, en tenant compte des sources écrites, autour des sujets religieux, mythologiques, historiques et des symbolistes
TThis thesis on the iconology of silence is divided into three parts. The points of reference and the choice of themes came out of a study of marcel duchamp's work. With my tongue in my cheek serves as the starting point in a serie of considerations which resulted in a more general reading, founded on this presumed invariant of art. Silence and muteness abound in the interpretation or manipalation of titles, fragments of titles, peudonyms, annotations and declarations : mutt, tu m', meme, retard en verre, tr est tres important, silent et listen, etc. . . And in certain procedures in the construction oh the works of art. The second part studies a set of ancient sources, concerning three divinities of silence, harpocrates, angerona, tacita, and a philosopher, pythagoras. These are manifestations of the themes transmitted by figurative culture through the main sources of information, i. E. , emblems, collections from antiquity and, of course, the works themselves. The third part concentrates on an analysis of the figurative gestuality of silence, essentially the index or others fingers placed on the mouth. The general outline of this thesis was determined by the previous collection of iconographic material. The works of art, which form the basis of this research, have been organized on the basis of written sources on the symbolists and on religious, mythological and historical subjects

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Gobbato, Gilberto Genova. "Essai pour une clinique de l'objet art." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081314.

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Abstract:

La these "essai pour une clinique de l'objet art" tente de demontrer l'equivalence entre l'objet petit a, enonce par jacques lacan, et l'idee de l'art. Pour ce faire, nous partons de l'approche freudienne de l'art, a savoir l'art considere en tant que formation de l'inconscient, pour, avec lacan, donner a l'art la valeur de l'objet de la psychanalyse. Considerer l'art en tant que formation de l'inconscient signifie qu'il peut etre dechiffrable au meme titre que les symptomes, les reves, les lapsus ou les mots d'esprit. En effet, au travers de la methode analytique d'interpretation nous pouvons estimer les forces psychiques mises en oeuvre dans la creation et les traits de la structure psychique de l'artiste. Lacan a aussi pratique l'approche de l'art par la voie du symbolique pris en tant que formation de l'inconscient. Toutefois, et particulierement dans la mouvance du seminaire "le sinthome" (1975) lacan, en partant de l'oeuvre de james joyce, accomplit l'inscription de l'art dans la categorie du reel.

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Noury, François. "Duchamp, le regardeur et la scène de l'art : un théâtre dada." Paris 8, 2006. http://www.theses.fr/2006PA083675.

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Abstract:

Dada naît sur scène, en cet instant où le poème simultané, dans l’entrelacement imprévisible des voix des acteurs et des spectateurs, dissout la mise à distance signifiante de la représentation au profit d’un autre type de rencontre. Par ailleurs, Marcel Duchamp, fidèle sa vie durant à l’esprit dada, propose dans sa dernière œuvre, « Étant donnés : 1° la chute d’eau, 2° le gaz d’éclairage », un dispositif dont la théâtralité énigmatique invite le regardeur à faire l’expérience de cet autre rapport à l’art. La recherche présente consiste en une approche simultanée du théâtre dada et de la dernière œuvre de Duchamp, visant une éthologie de la rencontre dada. Cette approche théorique est elle-même simultanée à une expérimentation théâtrale effectuée avec des étudiants du département théâtre de l’Université Paris 8 et dont témoigne un film ainsi qu’un recueil de manifestes théâtraux inspirés par dada.

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Le, Penven Françoise. "Les notes de Marcel Duchamp ou l'art d'écrire." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010657.

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Abstract:

De 1912 à 1923, alors qu'il murissait le projet d'un nouveau tableau, Marcel Duchamp se mit à confier au jour le jour à des papiers de fortune, ses idées et conjectures. Ainsi sont nées les notes. Esquivant la concrétisation d'un tableau et son achèvement, Marcel Duchamp opta pour le chantier d'une œuvre en reproduisant à l'identique ses brouillons et en les rassemblant dans des boites. Nous avons souhaité suivre l'avènement de ce projet singulier qui prit racine dans un contexte familial, personnel, éthique et intellectuel qui lui fut propre. Un système de renvoi et de concentration transforme la réception de ces écrits en un appel intertextuel incloturable. Mais le constat d'une œuvre faite de mots ne saurait faire passer sous silence la phobie duchampienne du langage. La mise en abime d'une théorie d'un langage mis sous « conditions » atténue la portée d'un tel paradoxe. Libérés de leur fonction d'usage, les mots écrits et leur plasticité s'étant substitués à la palette attendent d'être estimés dans la spécificité de leur medium et de leur « signification d'image ». Enfin, l'ouverture des notes repose sur une circularité de forme et de principe qui confère au texte qu'elles constituent un genre indéterminé (livre, livre d'artiste, peinture écrite ?. . ) Et surtout un caractère d'infinitude.

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Antoniani, Riccardo. "Biowritings : the Body and the Text in Marcel Duchamp and William Seward BurroughsBio-écritures : le corps et le texte chez Marcel Duchamp, William Seward Burroughs." Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070017.

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Abstract:

Dans la Littérature Européenne et Américaine du XXe siècle, il est possible de mettre en évidence un nombre d'auteurs pour lesquels la corporalité a occupé un rôle essentiel dans l'organisation de leurs œuvres, pour lesquels les expériences corporelles ont contribué à la création des formes innovatrices de narration, ou encore, l'évolution de styles et poétiques. En choisissant Marcel Duchamp et William Seward Burroughs, j'ai formulé un contrepoint entre leur biographie et leur bibliographie dont le but a été démontrer comment à une certaine expérience du corps est suivie une précise organisation de l'œuvre d'art. Pour ce faire, j'ai pris pour modèle les travaux de Roger Shattuck et les critères biographiques que Marcel Schwob a délinées dans les Vies imaginaires. En ce qui concerne Duchamp, j'ai spécialement remarqué comment la passion pour les échecs ainsi que le désir de liberté ont été fondamentaux à la rédaction de ses Notes grâce auxquelles il a crée le poème de la La mariée mise à nu par ses célibataires, même. Chez Burroughs, j'ai montré que la toxicomanie a fonctionné comme que métaphore du pouvoir et que l'adoption de mécanismes littéraires comme les cut-ups et \esfold-in ont été une stratégie permettant de se soustraire à la coercition du susdit pouvoir. Pour ces deux auteurs, la thématique de la dénudation a joué un rôle fondamental au cours de leur production et la déshumanisation du processus créatif a été la conditio sine qua non pour atteindre la vérité dans le texte et dans le corps
In the XX Century European and American Literature it is possible to highlight a number of writers for whom the body invested a major relevance in the organization of their works: the physicality of their experience became the base of which they created new narrative ways of expression. By opting for Marcel Duchamp and William Seward Burroughs, I formulated a counterpoint between the biography and the bibliography. My aim was to show how to certain experiences of the body corresponded a precise organization of their art. In order to do so, I took as an example Roger Shattuck's and Marcel Schwob's criteria. For what concerns Duchamp, I demonstrated how his passion for the chess game and his desire of freedom were fondamental to the edition of the Notes after which he created the Large Glass poem. For what concerns Burroughs, I showed how his addiction worked as a metaphor of power and therefore the use of literary mechanisms such as the "cut-ups" and the "fold-ins" provided him a strategy to exceed any coercion. I also highlighted how the thematic of denudation played a predominant role along their production and was the condition sine qua non to achieve a truth within the text and the body

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Oliveira, Maria Silvia de. "Étant Donnés = a mise-en-scène eclipsada do jogo anadiômeno de Marcel Duchamp = Étant Donnés: the eclipsed mise-en-scène of the anadyomene game of Marcel Duchamp." [s.n.], 2013. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284552.

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Abstract:

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-22T12:47:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Oliveira_MariaSilviade_M.pdf: 48527171 bytes, checksum: 669545299ee1899c435ca675ae113d43 (MD5) Previous issue date: 2013
Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo dissertar sobre "Étant Donnés: 1º la chute d'eau, 2º le gaz d'éclairage", uma poderosa criação realizada silenciosamente ao longo de 20 anos e eternizada através da sobrevivência das idéias de Marcel Duchamp. Espelho ou porta, o fato é que entre nós e as formas irreais que esfolam o olhar com suas arestas, há uma sala escura, tornando-nos sujeitos irremediavelmente cinematográficos. Aqui o cinema, mais especificamente o documentário, por registrar parcialmente a representação de fatos, envidou noções de verdade e realidade, abrindo um espaço privilegiado ao ser utilizado como fonte na sua forma mais envolvente e instigadora, alavancando dados norteadores para o desenvolvimento cognitivo do raciocínio. Ao atravessarmos a quietude de Étant Donnés vemos a "falta", um pedaço de tempo detido na mise-en-scène "feita para não ver" e somos transformados, à revelia, em voyeurs. Diante de tal espetáculo voyeurístico, embaraçoso e revelador, nossa culpabilidade é de quem surpreendeu um segredo. Partindo para novos padrões de interpretação desta obra inusitada, eclipsada e essencialmente carnal, vimo-nos forçados a passar pelo emaranhado tecido da memória de Marcel Duchamp. Enfim, saciando a fome de nossas almas famintas, Duchamp concretiza sua imagem cenográfica nesta iluminura tridimensional e nos permite colher, de um jardim medieval, a "Rosa de um Romance" e encontrar um banquete anadiômeno de maravilhas, onde, através de sonhos e espelhos, somos colocados frente a frente a nós mesmos
Abstract: This research had his focus on the study of "Étant Donnés: 1º la chute d'eau, 2º le gaz d'éclairage", a powerful creation performed silently for 20 years and immortalized through the survival of the Marcel Duchamp ideas. Mirror or door, the fact is that between us and the unreal forms that hurt the eyes with its edges, have a dark room, making us subject hopelessly cinematographic. Here the film, specifically the documentary, that made the partly record of the representation of facts and showed notions of truth and reality, opened a privileged space to be used as a data source in its most engaging and instigator, that guided us to the development of the cognitive reasoning. When we go through the stillness of Étant Donnés see the "lack", a piece of time detained in mise-en-scène "made not to see" and we are processed, involuntarily, in voyeurs. Faced with such a voyeuristic spectacle, embarrassing and revealing our guilt are some who surprised a secret. Leaving for new Standards of interpretation of this unusual masterpiece, eclipsed and essentially carnal, we found ourselves forced to pass through the tangled memory texture of Marcel Duchamp. Finally, satiating the hunger of our hungry souls, Duchamp realizes his scenographic image in this three-dimensional miniature and allows us to reap, of a medieval garden, the "Rose of a Romance" and find an anadyomene banquet of wonders, where, through dreams and mirrors, we are placed face to face ourselves
Mestrado
Multimeios
Mestra em Multimeios

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Berns, Torben. "Artifice and witness : representation judgement and accountability within a non-transcendent framework." Thesis, McGill University, 1993. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=69583.

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Abstract:

This thesis considers the notion that it is the future which judges the present and that judgement is always guilty. In effect to understand modernity on its own terms one would have to inquire if we have any more right to affirm a given future than to deny one?
The question arises as follows. If a subject exists prior to the process which is its being, an uncomfortable aporia ensues.
Firstly, if being human is understood as "becoming", i.e. humans can and do appear through the enactment of change, then "being" itself is temporal. How then does this self secure its appearance other than through the very process it assumes itself to be prior to? Such a securing would imply an absolute uniformity and homogeneity not predicated on human-enacted change. If securing is in fact the aim of appearance, and therefore the operative term in judgement, what then are the consequences of action in terms of created results?
In other words, what are the consequences of the temporality of "being"? It continues to produce a world. The second question then is: how does one judge, make and act, toward a future which properly speaking, cannot be our rightful concern?
The question is approached initially through a discussion of the integral terms. In the final chapters, an attempt is made to understand the premise of Marcel Duchamp's Etant Donnes. Duchamp's work is taken as paradigmatic of making circumventing the aporia of self-revelation through becoming.

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Oliveira, Daniele Gomes de [UNESP]. "Dissertação readymadenemtanto da aluna de poesia Rrosé Selavy Duchampignon (work in progress) -: ideograma mental." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2007. http://hdl.handle.net/11449/86988.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007Bitstream added on 2014-06-13T19:08:02Z : No. of bitstreams: 1 oliveira_dg_me_ia.pdf: 962417 bytes, checksum: 517fb2982a917fb012d217514abff806 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Trabalho crítico-criativo sobre poesia visual. O elástico conceito de ideograma norteou este trabalho. Estrutura. Movimento. Seleção e crítica. Ordenação. Justaposição. de fragmentos. Redes de associações. Conexões. Processos e não produtos acabados. Crescimento sígnico. Universo diagramático. Método heurístico. Poesia e linguagem. O texto é um diagrama, icônico. Aprofundamento. Poesia Concreta. Criou-se a personagem Rrosé Selavy Duchampignon, que relaciona poesia e Duchamp. Síntese criativa. Recorte. Colagem. Montagem. Trabalho com apropriações. Nesta dissertação-livro-de-artista também são apresentados alguns trabalhos de poesia visual. E um termo de compromisso com a arte. Registrado em cartório.
Critic-creative work about visual poetry. The elastic ideogram concept guided this work. Structure. Movement. Selection and criticism. O verplapping of fragments. Associantion networks. Connections. Processes and not finished products. Signic growth. Diagrammatic universe. Heuristic method. Poetry and language. The text is an iconic diagram. Deepening. Concrete poetry. The character Rrosé Selavy Duchampignon, relating poetry and Duchamp, was created. Creative synthesis. Cutting. Pasting. Assemblage. Work with appropriations. In this artist-book-dissertation some works of visual poetry are also presented. And an instrument of commitment whit the art. Notarized.

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Franco, Thaís. "Não é bem assim : vertentes da ironia na arte de Patricio Farías." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2018. http://hdl.handle.net/10183/185254.

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Abstract:

Esta pesquisa investiga a ironia na obra do artista chileno Patricio Farías, a partir de sua vinda para o Brasil, na década de 1980. Constatada a reincidência desse recurso retórico na trajetória do artista, a pesquisa busca problematizar as circunstâncias em que isso se faz presente e se desenvolve. A metodologia aplicada envolve o uso de entrevistas e leitura de imagens. Ao pretender estabelecer uma certa tipologia, que aponte diferentes nuances da ocorrência da ironia e do humor, a dissertação apresenta três estudos de caso, privilegiando na análise obras bastante distintas: o primeiro capítulo aborda Desaparecidos (1999/2000), o segundo capítulo discute Entendere-new-now (2005), e o terceiro capítulo traz não apenas uma obra, mas um conjunto, em que a relação irônica se dá sob a perspectiva de um comparativo com a produção de Marcel Duchamp. A partir desses procedimentos, objetiva-se refletir e dar destaque ao tema da ironia nas artes visuais na contemporaneidade, ao mesmo tempo, observar criticamente a produção de Patricio Farías, que ainda não mereceu estudos de maior fôlego no país.
This research investigates the irony in the work of the Chilean artist Patricio Farías after his arrival in Brazil in the 1980s. After detecting the recurrence of this rhetorical device in the trajectory of the artist, the research seeks to problematize the circumstances in which irony evolves itself. The adopted methodology involves the use of interviews and image reading. In order to establish a certain typology, which points out different nuances of irony and humor, this dissertation presents three case studies, focusing the analysis on quite distinct works: the first chapter covers the work Desaparecidos (1999/2000), the second chapter discusses Entendere-new-now (2005), and the third chapter brings not only one work, but a group of them, in which the relationship with irony takes place from a comparative perspective of Marcel Duchamp’s work. Based on these procedures, the objective is to highlight and ponder the irony in the visual arts in the contemporaneity, while at the same time critically observing the production of Patricio Farías, who has not received deep studies in Brazil.

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Wan, Hsu-Ting. "L'oeuvre comme évènement : une ontologie de l'art évènementiel-conceptuel et une généalogie de la modernité propre à l'art contemporain à partir de Fontaine de Marcel Duchamp (1917), ainsi qu'une typologie de l'oeuvre à travers l'avant-garde, le modernisme, le postmoderne /." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082040.

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Abstract:

L'enjeu théorique de notre recherche consiste à élaborer une "logique de l'évènement" correspondant à un nouveau type d'art dont le mode ontologique s'est dépouillé de toute substantialité sensible ou toute matérialité esthétique et est devenu purement évènementiel ou conceptuel. Il s'agit d'une transformation du paradigme qui se manifeste comme un devenir-évènement de l'oeuvre. Nous considérons le collage cubiste comme le "dernier objet" de l'art, et le ready-made de Duchamp, notamment Fontaine, comme le "premier concept" de l'art. Ce devenir-évènement de l'oeuvre a entraîné deux grandes transfigurations du paysage dans le monde de l'art contemporain : la "socialisation" et la "conceptualisation" de l'art. . .

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Auffray, Fabienne. "La dimension cachée de l'objet 1913-2013." Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2016. http://www.theses.fr/2016AZUR2042/document.

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Abstract:

Le banal objet manufacturé a pris une place de plus en plus importante sur la scène artistique depuis son irruption, via le geste de Marcel Duchamp en 1913. De 1913 à aujourd’hui, cet objet pose problème : 1/car il est à la fois objet quotidien et objet d’art ; 2/ car exposé, il est soumis à un dispositif communicationnel qui tout à la fois en montre le sens et en génère ; 3/ car plus l’objet se réduit plus le discours tissé autour est important. Le sens qu’il revêt au long du siècle change et une évolution se dessine : plus l’objet tend à s’abstraire, à se numériser plus il va revenir sous la forme du discours et de la communication nous donnant à voir quelque chose d’irréductible, ce que l’homme dépose en lui de fondamentalement humain. Envisagé sous les angles esthétique, anthropologique et institutionnel, l’objet, apparemment simple, nous montre son indéniable complexité. Il est fonctionnel, utile, décoratif parfois, objet d’art plus rarement et en lui se fixe quelque chose du sujet qui l’utilise, le regarde, le crée. L’objet, comme paradigme de la communication humaine, suit, induit, en tout cas entérine les progrès et les régressions de la société. Et l’objet d’art, dans les dispositifs d’exposition de plus en plus prégnants, interactifs et sophistiqués, est un révélateur essentiel pour une meilleure saisie du présent
The mundane and manufactured object has taken an increasing place on the artistic scene since its irruption, by the act of Marcel Duchamp in 1913. From 1913 to nowadays, this object is problematic: 1/ because it is both an everyday thing and a piece of art; 2/ because, when it is exhibited, it is submitted to a device of communication which simultaneously reveals and creates the meaning; 3/ because more the object is reducing itself, more the discourse about it is important.Throughout this century, the meaning of the object has changed and an evolution is discernable: more the object is abstracting or digitizing itself, more it exists by the discourse and the communication. This gives us to see an irreducible thing, a fundamentally human leftover.Analysed by aesthetic, anthropologic and institutional perspectives, the object, apparently simple, reveals its clear complexity. It is functional, useful, sometimes decorative, and more rarely a piece of art; and something of the subject, who uses, peers, creates its, sets in itself. The object, as a paradigm of the human communication, follows, induces, endorses at any rate progresses and regressions of society. In increasingly significant, interactive and sophisticated exhibitions’ devices, the piece of art is an essential indicator for a best understanding of the present time

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Masuko, Wallace Vieira. "HRMD: R." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27159/tde-01032013-110646/.

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Abstract:

Dissertação apresentada ao Programa de Pós-graduação em Artes Visuais, área de concentração Poéticas Visuais, da Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo, como exigência parcial para obtenção do título de Mestre em Artes Visuais, sob a orientação do Prof. Dr. Carlos Alberto Fajardo.

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Fagnart, Claire. "La "désesthétisation" dans l'art du XXe siècle, approche à partir de deux oeuvres : Fontaine de Marcel Duchamp (1917), Boîte Brillo de Andy Warhol (1964)." Paris 8, 1996. http://www.theses.fr/1996PA081093.

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Abstract:

Des le debut du xxe siecle, a travers une pratique artistique de la negation, apparait une remise en question radicale du concept d'art et de la notion de l'artiste. Quels sont les termes de cette remise en cause, quelles en sont les raisons historiques ? telle est l'interrogation qui se trouve a l'origine de ce travail. Mais nous ne traitons pas cette question comme un probleme general de philosophie de l'art. Nous l'abordons de maniere specifique, ancrant notre reflexion dans l'analyse de deux oeuvres particulieres qui semblent manifester cette remise en cause de facon identique, par l'assimilation de l'oeuvre d'art a un objet trivial non-modifie : fontaine de marcel duchamp et boite brillo de andy warhol. L'analyse de ces oeuvres pose la question de la "desesthetisation". En quoi ces objets sont-ils des oeuvres d'art ? peut-on parler a leur sujet d'une mise a distance voire d'un rejet de l'esthetique ? notre recherche met en evidence que, contre toute apparence, fontaine et boite brillo sont des oeuvres antinomiques, situees dans des traditions differentes, et qui ont des significations opposees. La "desesthetisation" de fontaine correspond a l'effacement de l'oeuvre proprement dite, a un detachement de l'art. L'objet se veut instrument de demonstration. Il y a desesthetisation dans la mesure meme ou il n'y a plus art. Avec warhol, la question de savoir s'il y a oeuvre d'art ne se pose pas. L'oeuvre boite brillo annonce une esthetisation de surface, un sens du decoratif qui, pousse a son paroxysme, aboutit a un art indifferent a toute determination et a toutes significations profondes. Il n'y a donc pas lieu de parler de desesthetisation a propos de l'oeuvre de cet artiste. La question est plutot celle du refus d'une creation signifiante

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Barros, Manuela de. "Art et théories du langage : Kandinsky, Malévitch, Duchamp." Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081517.

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Abstract:

Cette these a pour point de depart l'idee que, dans l'art du xxe siecle, l'influence des theories du langage provoque une modification interne en art, amenant la destructuration de l'image. En effet, l'insertion de mots dans la peinture est une constante temporelle, et l'on peut meme constater regulierement l'influence de theories de type litteraire sur les formes de l'art cependant, avec le xxe siecle, en particulier dans le cubisme, cette influence amene le demantelement graduel de ce qu'avait ete la representation jusqu'alors. L'image devient elliptique dans ses contours. La mimesis s'eloigne au profit d'un nouvel espace, lui-meme combinaison d'espaces, dont l'espace semantique. Ainsi, l'emergence du modernisme va de pair avec l'envahissement progressif mais neanmoins eclatant de la sphere de l'image par le langage. De plus, le questionnement de l'art sur le << tissu semantique >> accompagne, et puise parfois ses sources, dans l'interrogation meme de la semiologie et de la philosophie du langage ou dans les experiences poetiques. En effet, la mise a plat des modes de passage du sens se fait parallelement dans les deux domaines et se rejoignent souvent, sans intentionnalite picasso, braque et le signe de saussure -, ou de propos delibere - l'art conceptuel et les jeux de langage de wittgenstein. Ces recherches d'artistes de ce siecle sur le langage ou a partir de modeles langagiers ont donc pu servir de fil conducteur a une reflexion sur la modification profonde de la facon d'apprehender l'art, dans ses buts et dans ses moyens. Elles ont pu rendre compte de la metamorphoseplastique et conceptuelle, du remodelage des codes de representation. Le texte analyse donc les interactions, melanges et contaminations de l'art et du langage a travers trois artistes : kandinsky, malevitch et duchamp, l'uvre de chacun d'eux etant paradigmatique d'une interrogation specifique dans son lien avec la theorie du langage
This phd thesis starts with the idea that, in xxth century art, the influence of language theories induces internal changes in art, bringing the decomposition of the image. The use of written words in painting is a long lasting tradition, and theories exported from literature relatively commonly influenced the way art was considered to be done. Nevertheless, with our century, and particularly with cubism, this influence leads up to gradual dislocation of the representation as it was since then. The image becomes elliptic, losing its shape. Mimesis gives place to another space, which is already a combination of many spaces, and among them semantic space. Then the emergence of modernism comes with the invasion of the image with language, progressively but also very strongly. Furthermore, this questioning of art about the "semantic sphere" goes with the beginning of semiotics, philosophy of language and sometimes uses them. It also uses experiences in poetics. The researches are done in parallel and often go in the same direction. Sometimes the artists don't know about them (picasso, braque), or they intentionally use the theories (conceptual art). Those researches of artists of the century on language or about models issued of language were useful to analyse the profound modification of art, in its aims and formal achievements. The study of these interactions between art and language theories brought comprehension of the plastic and conceptual metamorphosis of the codes of representation. This study analyses this subject through three artists : kandinsky, malevitch, duchamp, the work of each of them being the paradigm for one interaction between art and language theories

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Zapperi, Giovanna. "Stratégies artistiques et masculinité : Marcel Duchamp et son entourage entre avant-garde et culture de masse, 1909-1924." Paris, EHESS, 2005. https://buadistant.univ-angers.fr/login?url=https://www.cairn.info/l-artiste-est-une-femme--9782130606543.htm.

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Abstract:

Cette thèse traite des relations entre la masculinité de l'artiste et la culture de masse dans le contexte de l'avant-garde des années 1910. Les artistes européens, exilés à New York en raison de la guerre, font l'expérience d'une modernité industrielle, sociale et sexuelle qui les conduit à remettre en cause leur propre identité artistique. Marcel Duchamp a donné à cette crise son expression la plus radicale, dans un contexte dominé par le bouleversement des anciens paradigmes sexuels et la montée en puissance du capitalisme industriel. La mécanisation du travail, le développement de la consommation de masse et les modifications de la condition féminine affectent fortement l'avant-garde de ces années-là et conditionnent les différentes stratégies adoptées par les artistes dans la redéfinition de leur masculinité
This dissertation focuses on the relationship between the artist's masculinity and mass-culture in the context of the 1910s avant-garde. Exiled in New York because of the war, several European artists, experienced an industrial, sexual and social modernity that led them to call into question their own identity as artists. Marcel Dchamp gave his most radical expression to this artistic crisis in a context dominated by the upheaval of the old sexual paradigms and the rise of industrial capitalism. The mechanization of labor, the development of mass- consumerism and the transformations in the condition of women strongly affected the avant-garde of the years and determined various strategies adopted by the artists in order to redefine their masculinity

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Egaña, Miguel. "Traversées de l'objet." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010597.

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Abstract:

La thèse "Traversées de l'objet" interroge la notion d'objet en art, à travers une approche plurielle, à la fois esthétique, historique, et plastique. Elle met en relation les différentes versions de l'objet dans l'art du vingtième siècle (ready-made, objet surréaliste, objet mythologique, objet archéologique) avec la propre pratique de l'auteur (sous forme de description et d'analyse d'un corpus d'œuvres), définie dans la conclusion comme une traversée post-moderne de différents styles
The thesis questions the artistic concept of object, through an plural aproach, founded, at the same time, on an esthetical, historical and plastical way. The purpose is to connect the different definitions of the object made by the art of the twentieth century (the ready-made, the surrealistic object, the mythical object, the archeological object) with the own practice of the author (description and analysis of different works of art) defined in the conclusion as a post-modern crossing between different styles

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Théval, Gaëlle. "Poésies ready-mades aux XXe et XXIe Siècles." Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070022.

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Abstract:

Cette thèse se propose d'importer le terme de « ready-made », historiquement issu du domaine des arts plastiques, et, plus particulièrement, de l'œuvre de M. Duchamp, dans le domaine poétique afin de circonscrire et d'étudier les équivalents littéraires de ce type d'œuvre d'art. Nous entendons faire émerger une catégorie à part entière d'objets poétiques relevant de la « poésie ready-made », non réductible à d'autres catégories proches comme le plagiat ou le collage auxquelles elle se trouve trop souvent assimilée, de manière à mettre à jour les problèmes spécifiques posés par l'existence même de ce type d'objet dans le domaine poétique. A l'instar du Ready-made duchampien, ces pratiques bouleversent la conception traditionnelle de la poésie et de récriture poétique au point d'en rendre l'appréhension problématique. Le poème ready-made met à l'épreuve les outils avec lesquels nous avons coutume d'envisager le fait poétique, particulièrement stylistiques, tant par sa dimension intersémiotique que par son mode de fonctionnement au second degré et la mise en branle de dimensions d'ordinaire reléguées au second plan comme non signifiantes, dont le médium constitue l'exemple le plus frappant. Il invite ainsi à envisager le poème moins comme « texte » que comme « dispositif». Dès lors, le poème ready-made en vient à provoquer une « chute des paradigmes » (T. De Duve), au sens où les catégories sur lesquelles se fonde la définition doxique de la poésie et du poétique sont mises à mal. Mais, moins qu'à une table rase, c'est davantage à une exemplification du « poétique » et de ses « tics » que mène le poème ready-made de par la mise en scène des éléments principaux de la doxa à laquelle il se livre
This doctoral thesis intends to import the term "readymade" - historically derived from visual arts, and especially from the work of Marcel Duchamp - to poetry in order to define and study literary equivalents of this type of artwork. We intend to bring to light a full class of poetic objects falling within the scope of "ready-made poetry", and not reducible to any other close category such as plagiarism or collage - to which it is too often compared - so as to bring to light the specific problems raised by the existence of such objects in poetry. Just as they do in Duchamp's own Ready-made, these practices disrupt the traditional conception of poetry and poetic writing. Ready-made poems question the tools - especially stylistic ones — to which we are accustomed when we envisage poetical deeds, both in their intersemioticity or the way they use second degree, and in the resort to dimensions which are currently not considered as meaningful, like the medium. It thus invites us to consider the poem less as a "text" than as a "device". Therefore, ready-made poems come to provoke a "fall of paradigms" (Thierry de Duve), in the sense that the categories forming the base of the doxic definition of poetry and the poetic become uncertain. But, less than a tabula rasa, ready-made poems rather carry an exemplification of the "poetic" and its "tics" by the staging of the main elements of the orthodoxy

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Labastie, Claire. "Retards à l'oeuvre, précipités." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010577.

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Abstract:

Cette thèse d'arts plastiques propose un travail en vidéo fondé sur la notion de « retard ». Mais comme cette dernière, même considérée dans le seul champ artistique, ouvre un terrain d'investigation vaste et confus, la partie écrite de ce doctorat invite à frayer des voies réflexives sur les relations de l'art et du retard. Sont ainsi dégagés trois grands axes, considérés chacun tour à tour aux niveaux de l'artiste, de l’œuvre et du «regardeur»: le retard-résistance, le retard-suspens et le retard-matrice. II en résulte une typologie qui se veut souple, et qui envisage une part de l'art contemporain, tout en considérant une filiation d'artistes du retard qui remonte à la Renaissance.

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Otty, Lisa. "Signals and noise : art, literature and the avant-garde." Thesis, University of Edinburgh, 2009. http://hdl.handle.net/1842/3454.

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Abstract:

One of the most consistent features of the diverse artistic movements that have flourished throughout the twentieth century has been their willingness to experiment in diverse genres and across alternative art forms. Avant-gardes such as Expressionism, Dada, Surrealism, Futurism, Fluxus and Pop were composed not only of painters but also dramatists, musicians, actors, singers, dancers, sculptors, poets and architects. Their works represent a dramatic process of crossfertilization between the arts, resulting in an array of hybrid forms that defy conventional categorisation. This thesis investigates implications of this cross-disciplinary impulse and aims by doing so to open out a site in which to reassess both the manner in which the avant-gardes have been theorised and the impact their theorisation has had on contemporary aesthetics. In the first part of this study, I revisit the work of the most influential theorists of the avant-garde in order to ask what the term “avant-garde” has come to signify. I look at how different theories of the avant-garde and of modernism relate to one another as well as asking what effect these theories have had on attempts to evaluate the legacies of the avant-gardes. The work of Theodor Adorno provides a connective tissue throughout the thesis. In Chapter One, I use it to complicate Peter Bürger’s notion of the avant-garde as “anti-art” and to argue that the most pressing challenge that the avant-gardes announce is to think through the cross-disciplinarity that marks their work. In Chapter Two, I trace how painting has come to be considered as the paradigmatic modernist art form and how, as a result, the avant-garde has been read as a secondary, “literary” phenomenon to be grasped through its relation to painting. I argue that this constitutes a systematic devaluation of literature and has resulted in an “art historical” model of the avant-gardes which represses both their real radicality and implications of their work for these kinds of disciplinary structures. In the second part of this thesis, I explore works which examine and question the aesthetic hierarchies and notions of aesthetic autonomy that the theories of modernism and the avant-garde explored in the first part set up. In Chapter Three, I approach by way of two cross-disciplinary works which employ literature and visual art: Marcel Duchamp’s Green Box (1934) and Andy Warhol’s a; a novel (1968). Works such as these, which slip through the gaps between literary and art history, have, I argue, important implications for literary and visual aesthetics but are often overlooked in disciplinary histories. In my final chapter, I return to the theory of the avant-garde as it emerges in the work of Jean-Francois Lyotard. I examine how his work reconfigures Adorno’s aesthetics by performing the cross-disciplinary movement that it argues is characteristic of avant-garde art works. Tracing his “post-aesthetic” response to Duchamp and Warhol, I explore how Lyotard articulates a mode of practice that moves beyond the dichotomy of “art” and “antiart” and opens out a site in which the importance of the twentieth century avant-gardes is made visible. I conclude by briefly considering the implications of the avant-garde, as I have presented it in this thesis, for contemporary debates on the twenty-first century “digital avant-gardes” and recent writing on aesthetics.

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Flahutez, Fabrice. "Nouveau monde et nouveau mythe : mutations du surréalisme de l'exil américain (1941) à "l'écart absolu" (1965)." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010600.

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Abstract:

À partir de 1941, de nombreux surréalistes doivent fuir hors de l'Europe afin d'échapper à la guerre. L'exil aux États-Unis s'avère être un lieu et un moment du surréalisme particulièrement fertile en termes de mutations et d'influences. Gordon Onslow-Ford, Yves Tanguy, Kurt Seligmann, Roberto Matta, Leonora Carrington, Max Ernst, Wifredo Lam, André Masson, etc, participent à cette nouvelle aventure de l'esprit. Ce travail interroge les revues View, Dyn, VVV, lnstead et les manifestations artistiques telle l'exposition "First Papers of Surrealism", et décrypte les nouveaux centres d'intérêt que le pays suscite. Roberto Matta et Marcel Duchamp deviennent des acteurs importants de la transformation du surréalisme en développant des concepts liés à la transparence, à l'espace et au temps. L'alchimie, l'occultisme, l'ésotérisme sont d'autres territoires convoqués par André Breton dans une tentative d'élaboration d'un nouveau mythe. Les civilisations amérindiennes, (Hopi, Zuni, Navajo) et précolombiennes nourrissent aussi d'un sang nouveau les perspectives du mouvement. Enfin, la philosophie de Charles Fourier et le concept d'écart absolu deviennent la base d'un état d'esprit résolument ancré dans l'expression de la liberté à tout prix. L'exil américain apparaît donc plus comme un nouveau départ qu'une fin annoncée du surréalisme et constitue une nouvelle façon d'approcher l'art surréaliste des années 1950-1960.

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Pereira, Caroliny. "Fragmentos Instantâneos: um estudo do mecanismo cinematográfico bergsoniano na pintura Nu descendo uma escada, de Marcel Duchamp." Universidade Federal de Uberlândia, 2012. https://repositorio.ufu.br/handle/123456789/12314.

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Abstract:

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The research called Snapshots Fragments; a study of Bergsonian cinematographic mechanism in the Marcel Duchamp´s painting Nude Descending a Staircase, is based in arts and reflections in which paint is performed a study of the cinematic mechanism concept from the philosopher, Henri Bergson. The research starts from the questions about wich intersection point can exist between an art work and a philosophical concept, that were deeply relevant and fruitful in modernity with contemporary developments in both discussions: arts and philosophy. In other words, this work was done intending to find similarities and differences between Duchamp\'s painting and Bergson´s concept. The research was developed aiming to enable the dialogue establishment between art and philosophy, given through an element that would be the embrace of both: the movie.
A pesquisa intitulada Fragmentos instantâneos, um estudo do mecanismo cinematográfico bergsoniano na pintura Nu descendo uma escada de Marcel Duchamp, trata-se de uma pesquisa em fundamentos e reflexões em artes, no qual são realizados estudos da pintura Nu descendo uma escada , de Marcel Duchamp, e do conceito de mecanismo cinematográfico, do filósofo Henri Bergson. A pesquisa inicia-se a partir dos questionamentos sobre a possibilidade de haver um ponto de intersecção entre um trabalho em arte e um conceito filosófico, os quais foram profundamente relevantes na modernidade e profícuos de desdobramentos na contemporaneidade e, nas discussões tanto no campo das artes, quanto na filosofia. Em outras palavras este trabalho foi realizado objetivando-se verificar em quais aspectos há convergências e divergências entre a pintura de Duchamp e o conceito de Bergson. A pesquisa foi realizada visando possibilitar a instauração de um diálogo entre arte e filosofia, dado através de um elemento que seria o amplexo de ambos, o cinema.
Mestre em Artes

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Orhan, Danielle. "L' art et le jeu aux XXe et XXIe siècles ou du jeu comme modèle et outil de subversion." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA01A582.

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Abstract:

Si Duchamp, Kaprow ou Fahlstr6m !'érigent en modèle pour l'art, le jeu est pour Dada auréolé du parfum sulfureux du blasphème. Avec les surréalistes, il acquiert une dimension heuristique et marque le refus du pouvoir de la raison. Symptôme et solution, le jeu offre un champ d'expérimentation jugé salutaire et susceptible de renouveler la pratique artistique. Reprenant le projet des avant-gardes, les situationnistes le hissent en finalité de leur action, au titre d'une royauté pascalienne qu'il s'agit d'offrir à tous. Les contextes idéologiques et artistiques déterminent différents moments du rapport entre !'art et le jeu, qui sont autant d'acceptions du terme. Or, dès lors qu'il devient un des paradigmes dominants de !'art actuel et que la société !'assimile au divertissement, les artistes doivent réinventer de nouvelles règles et manières de jouer. Réponse à un état d'urgence, le jeu reste une voie alternative pour repenser la société, l'art et l'artiste, désormais comparable au Bateleur, au Joker ou au triek. Ster. Philosophes, historiens et sociologues ayant étudié cette notion labile de jeu proposent un cadre de réflexion pour penser certaines pratiques artistiques des XXe et XXIe siècles à !'aune de cet empire du comme si et de l'incertitude. Enracinée dans la tradition philosophique, la comparaison de !'art avec le jeu repose pour partie sur le pouvoir métaphorique de cette activité de second degré, de ces structures modélisant des rapports de force et des contraintes, et de ces instruments symboliques permettant de rejouer sa partie avec le monde. Se logeant en creux dans la création artistique ou brandi comme une arme, le jeu est facteur de désordre et de transgression. Paraissant gratuit et futile, il est champ du possible. Métaphore active, il incarne un outil de modélisation satirique et de subversion du système.

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Oh, Nam-Suck. "Le possible et la non-ressemblance dans l'art contemporain." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010553.

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Abstract:

L'art contemporain a pour l'objectif de se donner comme un faire impersonnel qui rompt avec toute représentation ressemblante. Telle semble être la ligne conductrice qui traverse les réalisations de Marcel Duchamp et de ses successeurs. Il est vrai que cette visée nouvelle de l'art à partir de la double négation à la fois du sujet et de l'être se manifeste sous diverses formes dont, avouons-le, la complexité elle-même nous laisse désemparée. Ce n'est pas pourtant notre propos de parcourir cette complexité comme pour faire une histoire de l'art contemporain. Nous nous sommes contenté dans la présente étude de nous interroger seulement sur cette idée même. La négation de la représentation ressemblante entraine par voie de conséquence la disparition du mode interrogatif du travail dans le domaine de l'art. Là où l'interrogation disparait, le possible apparait dans toute son étendue. En l'absence de ce qui en appelle le travail artistique à venir toujours sur le mode interrogatif, l'art contemporain élargit son champ dans le possible. Élaborant minutieusement la théorie du possible et donnant à voir la figuration du possible à partir de « à perspective de l'’étant donné », Marcel Duchamp ouvre du coup la voie au faire affirmatif. Resterait toutefois à demander si la question de l'art se pose en termes de possible. Il se peut que, n'ayant ni la conscience de l'apparence, mais se donnant comme le possible même, le faire affirmatif contracte le caractère factice.

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Lemny, Doïna. "Le milieu artistique et culturel de Brancusi : essai d'investigation à partir du legs au Musée national d'art moderne." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010665.

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Abstract:

L'œuvre et la personnalité de Constantin Brancusi ont constitué l'objet d'étude de nombreux chercheurs qui, dans leur analyse, se sont appuyés sur des documents conservés à la documentation du musée national d'art moderne. Souvent cité, le legs de Brancusi au musée n'a jamais été présenté et analysé dans son ensemble à cause du destin particulier des archives trouvées dans l'atelier. L'approche analytique à ce legs nous a ouvert d'autres voies vers des archives publiques ou privées afin de comprendre, à travers son milieu, la personnalité de "l'inventeur de la sculpture moderne". Une présentation intégrale du contenu de la bibliothèque nous a permis de pénétrer dans l'ambiance culturelle de l'artiste, alors que la simple reproduction de la liste des disques nous a offert un aperçu de ses gouts en matière de musique. Le corpus de correspondance entre Brancusi et Duchamp a constitué le point de départ d'une cherche plus poussée pour mettre en valeur une amitié rappelée souvent par les spécialistes du premier, à peine évoquée par les biographes du deuxième. Le dossier du procès de l'oiseau (1926-28), comprenant la correspondance avec ses deux avocats et un album de coupures de presse rangées en ordre chronologique par l'artiste-même est l'un des plus importants. Chaque dossier d'archives, même si incomplet, marque des épisodes importants dans la vie et création du sculpteur. Les interviews avec des critiques d'art, artistes ou d'autres personnalités culturelles qui l'ont rencontré constituent un important support documentaire pour refaire l'ambiance, renommée par sa singularité, de l'atelier transforme en musée, installé par l'artiste lui-même
Constantin Brancusi's work and personality have been the object of several art historians' research. Many of them have based their analysis upon a number of documents which are kept at the documentation center of the national museum of modern art. Brancusi's bequest is often quoted. However, it has never been analysed and revealed in its entirely because of the strange ill-fortune these archives - which were found in the artist's studio - have met. Our present analysis is based upon Brancusi's bequest and includes research led in other public and private archives. Its aim is to provide an understanding of the cultural milieu and the personality of "the inventor of modern sculpture". The discovery of his library has allowed us to penetrate the artist's cultural atmosphere and his collection of records have given us an idea of his taste in music. The correspondence between Brancusi and marcel duchamp has been the starting point of more subtle research to understand the friendship between the two artists. This relationship has, so far, been reported by the specialists of Brancusi while only being evoked by those of duchamp. The files concerning the bird's trial (1926-28) contain Brancusi's correspondence with lawyers and a book of clippings put together by the artist. These count amidst the most interesting files. Overall, each file - even if it is more or less complete - unravelsseveral episodes of the sculptor's life and creation. Interviews with art historians, artists and cultural personalities who knew him, were another important documentary source in order to help restore the famous atmosphere of Brancusi's studio which the artist had organised as a museum display

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Davila, Thierry. "De l'inframince : brève histoire de l'imperceptible dans l'art moderne et actuel." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0082.

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Abstract:

L'histoire de l'art est généralement conçue comme une histoire des formes parfaitement présentes, clairement et distinctement, devant tout spectateur potentiel. Il existe cependant des œuvres qui questionnent cette logique de la forme présente en s'annonçant elles-mêmes comme disparaissantes, imperceptibles. Une autre vision de l'art, du travail de l'art et de l'expérience sensible, découle. C'est cette histoire que tentent d'analyser ces pages consacrées à la période moderne et contemporaine (du début du XX siècle jusqu'à aujourd'hui)
Art history is generally supposed to be the history of shapes clearly and distinctly present in front of every potential viewer. Nevertheless, there're works which call into question the logic of the presence of the form because they're imperceptible. Another vision of art, of the work of art and of the sensible experience follows from these artistic creations. This Ph D tries to analyse this history in modern and contemporary art (from the beginning of the XX century to nowadays)

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Prevoteau, Sébastien. "L’œil post-moderne : pour une approche psycho-historique de l'oeuvre d'art contemporain." Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100191.

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Abstract:

Situé à l'articulation de l'art et de la psychanalyse, ce travail tisse des liens entre l'oeuvre de Marcel Duchamp et l'enseignement de Jacques Lacan suivant 3 axes. Selon des modalités propre à leur champ de pensée est repérée chez l'artiste et le psychanalyste une approche parallèle du langage en tant qu'instance préexistante à l'avènement du sujet parlant. La tentative d'un nouveau langage duchampien mise en oeuvre dans les ready-made rejoint les fondements lacaniens d'un inconscient structuré comme un langage. Le second axe est centré sur un parallèle entre le concept d'inframince chez Duchamp et celui d'objet a chez Lacan, s'originant tous deux d'une approche singulière de la Jouissance et d'une redéfinition du champ visuel. Entité interstitielle ou reste irreprésentable de la division subjective, ces notions pointent un espace vacant comme moteur du désir et conduisent à penser en termes nouveaux le rapport du sujet regardant à l'objet regardé. Rapport établi dans le dispositif d'Étant donnés 1 ° La chute d'eau 2° Le gaz d'éclairage qui positionne le spectateur non plus devant un tableau mais dans un espace qui le saisit, conformément à la notion de «tableau» lacanien selon des développements liés à la perspective, la géométrie projective et la topologie que le dernier axe se propose de coupler à l'oeuvre duchampienne. Duchamp expérimente ainsi un retournement de la vision qui offre les éléments d'une élaboration du fantasme tel que le théorise Lacan sous la forme d'une équation faisant se conjoindre le sujet et l'objet
Situated within the discourse of art and psychoanalysis, this work weaves links between the work of Marcel Duchamp and the teaching of Jacques Lacan following three lines of thought. With respect to the forms particular to their relative fields of thought, a parallel approach to language as instance pre-existent to the advent of the spoken subject, can be found in both the artist and the psychoanalyst. The tentative of a new duchampian language perfected in the ready-mades, rejoins the lacanian foundation of a structurel subconscious such as a language. The second line of thought centres on a parallel between the Duchamp's concept of inframince and that of Lacan's object a, both originating from a singular approach to Pleasure and a redefinition of the visual field. Interstitial entity or unrepresentable 'rest' of the subjective division, these notions point to an empty space as motor of desire and lead us to think in new terms about the relation of the subject to the object viewed. Relation established in the devices `Étant donnés 1 ° La chute d'eau, 2° Le gaz d'éclairage' which no longer position the spectator in front of the painting but in the space which seizes him, conforming to the notion of the lacanian 'painting' in the developments linked to perspective, projective geometry and topology that the last line of thought proposes to couple with the duchampienne body of work. Duchamp experienced a reversa) of vision which offers us an elaboration of fantasy such as Lacan theorises under the form of an equation linking the subject and the object

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Ungaro, Eloïse. "Le nu féminin dans la peinture moderne : désordres des corps et stratégies du regard." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010591.

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Abstract:

Depuis le début du XXeme siècle, l'aspect du nu féminin a changé. Le traitement pictural des caractères spécifiques de la féminité ne sont plus des critères de réussite d'un tableau, ni la référence exclusive à la duplicité mythique de la femme, pure ou infame. La désorganisation des parties, la fragmentation, l'écrasement altèrent la figure du corps. Trois modes picturaux extrêmement différents sont étudiés, choisis pour leur caractère inclassable, chacun unique dans sa pratique. Marcel Duchamp, Willem de Kooning et Jean Fautrier, fournissent des exemples distincts, mais leurs oeuvres ont en commun de refuser la reproduction académique selon des processus exclusifs. L'imitation et la vraisemblance rendues caduques, le point de vue change et déplace le problème de la figuration à la figurabilité du corps féminin, à ce qu'elle travaille, à ce qu'elle fait travailler. Lorsqu'il s'agit de représentation, le corps féminin recèle quelque chose qui entraîne le spectateur hors du domaine familier de l'érotisme. Il doute de ce qu'il voit. Ces configurations inattendues rendent l'exercice du regard périlleux. La féminité disparue, ce n'est ni le sexe, ni le désir sexuel qui émergent, mais le féminin, vision autrement plus complexe, enfouie dans la mémoire inconsciente, oùle sens logique ne régit plus rien, et qui exige de la part du regardeur un consentement qu'il n'est pas toujours prêt à accorder. Voir et regarder s'opposent, s'annulent même, car ce que présentent le nu descendant un escalier de Duchamp, les women de Kooning, ou la femme douce de Fautrier, concerne le territoire en sommeil des traces mnésiques du regardeur, qui n'affleure qu'en lambeaux fragiles. La "toute-puissance des pensées" est responsable de ces dérives, que seules des voies ouvertes par la pensée freudienne sont susceptibles d'explorer. Le corps en désordre, loin d'être seulement un pretexte, doit être vu sur le tableau, avant paradoxalement de s'effondrer, pour que son effet se réalise
Since the early XXth century, the appearance of feminine nude has changed. Pictorial processings of feminity are not any more criterions of successful results for the painting, neither exclusive reference to the mythical duplicity of woman. Disturbance affects parts of the body, fragmentation, squashing, spoil the body's figure. Three different pictorial ways are gone through, chosen because they are unclassable, each of them one of its kind. Marcel Duchamp, Willem de Kooning and Jean Fautrier give unique examples, but their works have in common to refuse academic representation, through exclusive process. When imitation and likelihood become lapsed, then the point of wiew changes also and moves from figuration to the aptitude of the feminine body to be represented, to what works in it and what is worked by it. When the feminine body is a matter of representation, something lies in it which draws the spectator out of the familiar land of eroticism. He doubts wether he is looking to a woman's body. These unexpected shapes make eye-practising dangerous. When femininity disappears, it is not sex, neither sexual desire which emerges, but womanhood, something much more complicated, buried beneath inconscious memory, where no logic exists, and which requires from the spectator an agreement he is not always prepared to give. To see and to look at, stand against one another, for what is shown by Duchamp's nu descendant un escalier, de Kooning' women, or Fautrier's femme douce affects the spectator's dozing territory of mnesic traces, which only rise in flimsy shreds. Freud's thinking power is responsible for these drifts, and is only capable to explore them. Feminine body in disorder is not only a pretext, it must be seen on the picture, before he paradoxically collapses, as to achieve its effect

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Porcina, Mark. "I am not a ceramicist." Thesis, Lethbridge, Alta. : University of Lethbridge, Dept. of Art, c2012, 2012. http://hdl.handle.net/10133/3393.

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Abstract:

Ceramics has always existed on the fringes of craft and high art. The purpose of this thesis project is to elevate clay beyond the traditions of craft by examining the historical use of clay and the everyday object. My research looks specifically at works by Marcel Duchamp, Andy Warhol, Jeff Koons and Jasper Johns in order to examine the origin of displaying the massproduced object and reflecting upon it’s validity as high status art object. In this project I am also interested in infrastructural systems within modern architecture-- plumbing, wiring, heat ducts vents-- with a specific focus on systems lurking inside walls and how these function to influence architectural space. With the advent of modern plumbing, concealing these elements was adopted as the new standard and still exists today. Through the presentation of defamiliarized handmade objects, my exhibition presents the appearance of manufactured material through the serial manipulation of scale, surface and quantity. The result reveals a clay piece that renders the material unrecognizable providing the viewer with a new view on the object's tradition.
v, 47 leaves : ill. ; 29 cm

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Zipp, Collin. "A theoretical exploration of the transformative properties of experience." Thesis, Lethbridge, Alta. : University of Lethbridge, Dept. of Art, 2011, 2011. http://hdl.handle.net/10133/3243.

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Abstract:

This thesis document serves as a support paper for my exhibition titled, Selected Work. The goal of this document is to present and discuss a set of ideas and interests as they pertain to my studio practice and thesis project in particular, and to contemporary (ie. current) art practices in general. In this document I examine selected works from Marcel Duchamp, Andy Warhol, Andy Kaufman, Maurizio Cattelan and Richard Prince. Through the exploration of these artists and their works, I begin by examining the object and the conditions that give it approval as an art object. Using these conditions, I examine the effect that experience has on the object. This support paper will serve as a glossary of terms and theoretical concerns relevant to my thesis exhibition
vi, 64 leaves : col. ill. ; 29 cm

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Soares, Marta Isabel Gonçalves 1973. "A matriz." Master's thesis, 2012. http://hdl.handle.net/10451/5059.

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Abstract:

Tese de mestrado, Pintura, Universidade de Lisboa, Faculdade de Bedlas Artes, 2012
En partant d’une pratique de peinture dans laquelle l'existence préalable d'une matrice physique est récurrente, nous avons étudié le concept de matrice et sa valence dans le contexte des méthodes d'exploitation de l'art, en particulier, dans le cadre d'un cours et d’un projet personnel de la peinture; on soumet l'hypothèse que la proposition de réalisation plastique peut être présenté comme une nouvelle possibilité au sein d'un large panorama de la peinture, en respectant les médias et des matériaux traditionnels, que nous croyions être pertinents dans le contexte de la recherche théorique et pratique dans la région. Nous étudions en particulier les conséquences du faire, en ce qui concerne la construction de métaphores visuelles lesquelles, par hypothèse, peuvent opérer un changement de perception du spectateur devant la peinture

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Daoust, Ariane. "Performer la paresse." Mémoire, 2011. http://www.archipel.uqam.ca/4141/1/M12110.pdf.

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Abstract:

Partant d'une formulation énigmatique du philosophe allemand Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781), « Paressons en toutes choses, hormis en aimant et en buvant, hormis en paressant », ce mémoire est constitué d'une série d'exemples qui permettent d'interroger le potentiel subversif, critique, de la paresse dans un système basé sur les idéologies du travail et de la productivité, mais aussi, dans le monde de l'art dominant où règnent ces mêmes idéologies. Nous avons mis au cœur de cette réflexion le paradoxe que comporte le fait même de travailler sur la paresse et, comme on le dit en d'autres mots, le paradoxe de performer la paresse. Sans chercher à résoudre ce paradoxe, ce mémoire postule plutôt l'existence d'une paresse active, décidée ou même effective qui permet justement d'activer sa dimension heuristique et critique. Les cas de figure de Marcel Duchamp, Mladen Stilinović et Goran Dordevic, exacerbent ce paradoxe pour articuler sa faille logique et nous invitent à découvrir la problématique de la paresse en art comme manière d'être plutôt que comme producteur d'objets d'art, ce qui correspondrait à la logique productiviste. La structure de ce mémoire reprend la formule de Lessing que nous avons décomposée partie par partie, chapitre par chapitre. Le premier chapitre a pour assise théorique la figure de Bartleby, héros d'une nouvelle d'Herman Melville qui a inspiré les penseurs modernes et contemporains Gilles Deleuze, Michael Hardt et Antonio Negri, Slavoj Zizek et Giorgio Agamben, et constitue aussi une synthèse des lectures sur la critique du productivisme (André Gorz). Dans le second chapitre, en partant des auteurs Raoul Vaneigem, Roland Barthes et Giorgio Agamben, il s'agit d'imaginer ce que serait une communauté de paresseux, une communauté fondée sur l'amour. Dans le troisième chapitre, il s'agit de démontrer qu'en art il est possible d'être occupé tout en étant paresseux, à condition qu'on n'ajoute rien à ce qui est déjà là. Dans le quatrième et dernier chapitre, la paresse est vue en fonction de son ontologie à partir de Spinoza, de Nietzsche et de Barthes. Une lecture d'un entretien avec l'artiste Mladen Stilinović témoigne d'une façon d'entendre la paresse dans la perspective de l'art. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : paresse en art, performer la paresse, art conceptuel, Mladen Stilinović, Marcel Duchamp, Goran Dordevic.

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Moreira, Daniel Arnaut 1986. "A descontextualização do objecto na arte." Master's thesis, 2013. http://hdl.handle.net/10451/11896.

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Abstract:

This thesis, based on the works of Marcel Duchamp and Jeff Koons, begins with the analyses of the decontextualization of the art object. This goal, driven by the book O Humor e a Lógica dos Objectos de Duchamp, by José Gil e Ana Godinho, leads us to create a relation between religious objects, common in modern religions, and fetich or totems, common in the so-called “primitive” societies. This analogy has its basis on the work of Alfred Gell, an anthropologist that defends that art was sacralized, and that contemporary artists can be compared to the shamans and clerics of ancient times. This thesis concludes, based on the work of Gell, that the role of the object in society, at a symbolic level, works as an index. The decontextualization of the object, besides changing his function, is also going to change its meaning. It is the construction of new meanings, through the manipulation of context, that artists like Duchamp and Koons rely on. The similarity between an object of art and an object of religious cult, is not only a product of its indexing nature – between man and object – but essentially, how art and religion are structured in society

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Vieira, Ana Rita 1991. "A imagem depois da imagem : simulacros da paisagem." Master's thesis, 2015. http://hdl.handle.net/10451/18404.

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Abstract:

“A Imagem depois da Imagem: Simulacros da Paisagem” is a theoretical and practical essay that reflects on the rules and conventions of photography. When we apply a new context to an image we are giving it a new chance to live, by creating a new interpretation. Considering that the landscape is not a physical space but rather a set of ideas and emotions that we create from a place, I consider this artistic project as a simulacrum of the representation of landscape. Since the very concept of landscape is fiction, one of it's forms of representation is the possibility that the viewer can travel without being attached to something that identifies or references. Through a method of selecting and editing images that already exist in the world, I open a path for the construction of poetic systems and new perceptions of territories and sensibilities

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Rosado, Carlos Manuel Cunha 1968. "Devir-crítica e clínica em arquitectura." Master's thesis, 2014. http://hdl.handle.net/11067/996.

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Abstract:

Dissertação de mestrado integrado em Arquitectura, Universidade Lusíada de Lisboa, 2014
Exame público realizado em 16 de Julho de 2014
A presente investigação tem como objectivo estudar o conhecimento do individuo na composição do pensamento arquitectónico pela apreciação intelectual crítica como um devir [pensar, questionar, entender e experimentar]. Para isso, é usado como impulso, metodologias próprias da filosofia e crítica cinematográfica no juízo da procura e na construção de questões e elaboração de respostas. Se por um lado pretendemos estudar o conhecimento pela idealização prosaica, sendo um entendimento do seu próprio género, sui generis, por outro, pela complexidade simultânea da efemeridade arquitectónica. Devir-pensar é condição no estudo da teorética Kantiana na idealidade projectual de uma arquitectura dita prosaica pela Crítica da Razão Pura, juízo estético e tese «De mundi sensibilis atque intelligibilis forma et principiis» apresentada em 1770 por Kant. No sentido de focar a investigação procuraram-se peças de arquitectura que durante a pesquisa se elegeram os exemplos da colecção de como objectos de análise numa iniciativa do arquitecto japonês Kenya Hara. Em devir-entender como leitura transversal do estudo das ideias, quisemos como pessoa neófita do pensamento de Christine Buci-Glucksmann fazer uma análise sobre produções efémeras com a questão: verdadeiro signo da sociedade, o efémero não se terá tornado uma nova modalidade do tempo na época da mundialização? Nesse sentido, o ponto para onde convergem as nossas estratégias é a conquista do pensamento pela análise do conceito e a processabilidade do seu conhecimento, enquanto objecto cultural do grande público e no entendimento de como poderão essas peças competir com obras como o Tempietto de São Pedro de Montório de Bramante, a Villa Almerico Capra detta "La Rotonda" de Andrea Palladio, a Villa Savoye de Le Corbusier, o Pavilhão de Barcelona de Mies e a Glass House de Philip Cortelyou Johnson. Como variável a esta disputa, quisemos introduzir o sítio associado ao conceito serpentiano pelos jardins pitorescos de Kensington, estudando a desconstrução do pensamento tschumiano na idealização do conceito enquanto espaço urbano que reformulou ideias e conceitos na exploração do tema évènement pela promoção cultural e a noção de mouvement enquanto actividade dinâmica. Dentro deste universo arquitectónico entre um devir-pensar e um devir-entender, procurámos conhecer o entendimento das ideias na composição do efémero como crítica comparativa às duas intervenções do arquitecto japonês Sou Fujimoto pelas suas peças de colecção da e da colecção de . Por último, a lógica do fenómeno da reencarnação do efémero estudado em pela política do número de interpretações que o artefacto é sujeito pelo mundo da cultura contemporânea como um readymade de Marcel Duchamp. Sobre este autor, houve a intenção de metamorfosear os seus porquês em devir-questionar como uma construção clínica do pensamento no conteúdo empírico de imaginar e perceber o significado de se ser um indivíduo. Finalmente, em devir-experimentar, a experiência de experimentar como uma mise en scène, uma linguagem técnica do cinema, a experiência acumulada ao longo dos últimos anos no papel de professor, ensaísta e agitador, casos discutíveis como o de uma coluna vertebral da nossa consciência, subordinada à sociedade do mundo cultural e consequentemente o da arquitectura.

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Ribeiro, Carlos Frederico Botão D’Alincourt 1969. "A influência do ready-made na escultura moderna." Master's thesis, 2016. http://hdl.handle.net/10451/23524.

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Abstract:

The work produced by Marcel Duchamp revolutionized and redirected the path of the Visual Arts, allowing vast and numerous developments for artists and their creations. Under his influence, several changes came quickly and sequentially in many avant-garde movements and their transgressive and libertarian effects can be noticed in the artistic achievements over the past century and in contemporary times. This text intends to contribute to the quest for understanding a little better the relationship between Duchamp’s readymades and their influx, their parallel and consequences in the universe of sculpture. On the basis of information provided by the author and leading experts, covering the primary context for the second half of the 20th century, this research aims to address some unique aspects of the “duchampian” object as against or/in favor of sculpture. Although we have a wide perception of the groundbreaking and insurgent thoughts of Marcel Duchamp, his directions, proposals and intentions, it is relevant the need of an analysis of the readymade under the sculptural bias, as a three-dimensional conceptual object offered as opposing a three-dimensional “retinal” object and its impact as beneficial to Sculpture and, therefore, to Art

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Lino, João 1987. "Rui Chafes : a escultura como sopro." Master's thesis, 2014. http://hdl.handle.net/10451/11469.

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Abstract:

Tese de mestrado, Escultura Pública, Universidade de Lisboa, Faculdade de Belas Artes, 2014
The sculpture of Rui Chafes has the largest references in medieval art, german Romanticism, a subtle intersection of philosophical and literary references (Plato, Nietzsche, Rilke, among others), but also the post-minimal art. The sculptures of this artist, when is possible and sufficient the assumption of that status, are presented as discrete and subtle catalysts that recall a Beauty that is before and after us. Through iron, painted black, the artist seems to want to recover the primary function of art, exceeding the inherent aesthesic dimension of the piece of art or artistic object. By activating an emotional and ideal of spectator participation, this sculpture provides, or seeks to provide, his reconnection with a spiritual dimension that has characterized the relationship of humans with art, a relationship that the sculptor seems to recognize unequivocally in medieval and romantic art. Incidentally, it will be in this reconnection that is possible to find the Beauty that has always characterized the Art

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Quintela, Ana Carolina Marques da Cunha 1991. "A suspensão do tempo na escultura de Rui Chafes." Master's thesis, 2016. http://hdl.handle.net/10451/24116.

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Abstract:

The work of Rui Chafes is the irreducible expression of a sculpturesque thinking that intends to overcome the limits of materiality, aiming the reencounter with a lost spirituality. From the various influences that his work welcomes, the spiritual legacy present in the late german gothic, the german romanticism, as well as the formal heritage of post-minimalism stand out. The objects build are only possible as the translation of an Idea, since, for the sculptor, the “matter is filthy and wrong”; denying their materiality, they’re solely the support of something which is before and after their own objectuality. Like so, by refusing them the matter, of which they are yet made of, and by providing, through the aesthetic experience, the spiritual transformation of the spectator, he irreversibly denies the time which resides in them, as a constituent of historical and chronological reality. Being time a fundamental dimension of the human existence, necessarily inherent to the artistic production, it seems suspended in the objects of Rui Chafes

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Ribeiro, Jorge Henrique Antunes Vieira. "As viagens de Paulo V : heterotopia, propagação e ubiquidade." Master's thesis, 2017. http://hdl.handle.net/10451/28558.

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Abstract:

As viagens de Paulo V. - Heterotopia, Propagação e Ubiquidade, consists in a theoretical and practical dissertation that has as its starting point the practice of amateur radio developed by Paulo V. - nuclear character of this reflection - activity to which he devoted himself for four decades, resulting in an extensive and diverse collection of elements. The questioning about the motivation of this practice, as well as the relevance of their relationship in an artistic context, conducted this research to Michel Foucault and his concept of heterotopia in which this reflects about the space and time in contemporary times, an issue that is developed in the chapter dedicated to theoretical framework. Thus, from this concept, the bridge is created for the thought of Jorge Luis Borges, establishing the basis of his recurring themes - eternity and infinity - an idea of propagation and ubiquity of the subject, relating these concepts to the practice of amateur radio. In order to frame the time when this activity had its golden age, it is observed the change that Futurism brought to the art scene at the beginning of the 20th century, setting forth the emerging appetite for progress. Subsequently, is identified the relation that this avant-garde movement had with Russian Constructivism, being visible the influence, at a plastic level, between the graphic and typographic paradigm by the artists linked to this movement, and the elements resulting from the amateur radio activity. This chapter concludes with some examples of artwork, identifying relationships of proximity between these authors and the core concepts of this dissertation. The last part of this document is devoted to the presentation of the authorial practical project, divided into two parts, each containing several pieces of diverse nature, contemplating the practices of photography, video, drawing and installation, called CT1LN

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Dissertations / Theses on the topic 'Duchamp, Marcel, 1887-1968 Appreciation'

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