Dissertations / Theses on the topic 'Dramaturges dans la littérature'
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1
Toubiana, Dany. "Dramaturgies d'expression française : des théâtres de la subversion." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030058.
Full textAbstract:
La francophonie concerne plus de 200 millions de personnes qui parlent le français à travers le monde. Depuis les années 60, de nombreux théâtres en français sont apparus. Ils sont porteurs d'une certaine subversion issue de la colonisation en Afrique subsaharienne, au Maghreb, mais aussi au Québec et dans certaines Départements Français d'Outre-Mer comme les Antilles ou La Réunion. Cette subversion est le dénominateur commun de l'ensemble des théâtres en français. Comment d'un pays à l'autre, les pièces se répondent-elles ? Tout théâtre est un lieu subversif par essence mais en s'appropriant le politique et l'Histoire, les théâtres d'expression française revisitent ces notions. Les femmes, les fous et les fantômes communs à la plupart des théâtres deviennent des outils de cette même subversion donnant d'autres références à ces personnages. Dans la dernière partie, nous constaterons comment les théâtres en français font éclater à la fois les cadres comme l'espace et le temps mais aussi les modèles théâtraux tels que le tragique et la langue, jouant à nouveau de cette même posture subversiveFrench is spoken by more 200 millions people throughout the world. Since the sixties, many french speaking theatres arose with their own specificities. They squeeze out subversion in ancient colonized countries like Subsaharian Africa, Maghreb but also Quebec and some overseas french departments like french West Indies and La Réunion. Subversion is the link between all these french speaking theatres. How do the plays respond to one another in these different countries? Every theatre is a place for subversion but through politics and History, french speaking theatres are proposing an other view of it. Women, lunatics and ghosts who are common characters in many plays crush this subversion in a new way. Last part of this survey will study how french speaking theatres transform space and time but also theatrical patterns like tragedy and language, playing with this subversive posture
2
Goma, Valérie. "Dramaturgies de l'espace carceral : de Genet à Bond." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030064.
Full textAbstract:
A l'exception de Calderon avec La vie est un Songe, le répertoire occidental ne connaît pas de représentation de l'espace carcéral avant l'écriture de Haute Surveillance, de Jean Genet, dont la première version connue date de 1942. La présente étude interroge l'irruption des dramaturgies de l'espace carcéral à travers un corpus thématique de huit pièces emblématiques : Haute surveillance ; Moi, Ulrike, je crie (Dario Fo) ; La passion du jardinier (Jean-Pierre Sarrazac) ; Roberto Zucco (Bernard-Marie Koltès) ; Maison d'Arrêt (Edward Bond) ; Sas (Michel Azama) ; Appelez-moi chef (Alphonse Boudard) ; The island (Athol Fugard, John Kani, Winston Ntshona). Dans la mise en perspective des mécanismes de la violence, avec le dévoilement de l'espace de la peine – habituellement dérobé au regard de la cité -, le théâtre réaffirme sa vocation politique et renoue avec l'essence tragique, tandis que, devant l'impuissance alarmante du personnage, le spectateur est invité à contempler sa propre passivitéApart from Calderon with La vie est un songe, the western catalogue hasn't known any representation of the prison space before the writing of Haute surveillance by Jean Genet, whose first known version dates back to 1942. The following study delves into the occurence of the prison theme in dramatic art through a thematic corpus of eight emblematic plays : Haute surveillance ; Moi, Ulrike, je crie (Dario Fo) ; La passion du jardinier (Jean-Pierre Sarrazac) ; Roberto Zucco (Bernard-Marie Koltès) ; Maison d'Arrêt (Edward Bond) ; Sas (Michel Azama) ; Appelez-moi chef (Alphonse Boudard) ; The island (Athol Fugard, John Kani, Winston Ntshona). Put under the light of the real in dramatic art for their critical reference to penitentiary verisimilitude settled into contemporary times, they outsketch shutting-up spaces which span well beyond the sole prison perimeter. Thus this corroborates Michel Foucault's vision of a general partitioning of society. In that perspective, action as in the Aristotelian logic, has disappeared from the fable in most cases and even when it is represented it remains inoperative – all it does is protract a prior situation of seclusion
3
Py, Maéna. "Littérature scène et musique dans les œuvres scéniques de Benjamin Britten." Thesis, Tours, 2009. http://www.theses.fr/2009TOUR2020.
Full textAbstract:
Les opéras de Benjamin Britten témoignent de l’engagement de leur auteur pour le renouveau de la scène et de la dramaturgie au XXe siècle. Par son travail avec l’avant-garde théâtrale (musique de scène, drame radiophonique, musique pour films documentaires), Britten a su se nourrir des innovations marquantes du début du siècle, se révélant alors un formidable passeur des théories et esthétiques dramatiques de cette période. Si ses oeuvres lyriques sont le lieu où cet apprentissage est mis en pratique, elles proposent et expérimentent également de nouvelles dramaturgies scéniques. La dramaturgie brittenienne n’a pas laissé le public indifférent : vivement appréciée des grands metteurs en scène européens, elle bouscula les Français dans leurs habitudes et leurs a priori face à la musique anglaiseBenjamin Britten’s operas are witness to their author's commitment to a renewal of the stage and dramaturgy in the 20th century. Through working with the theatrical avant-garde (stage music, radio dramas, music for documentary films), Britten knew how to take advantage of the outstanding innovations of the beginning of the century, becoming a wonderful conduit of the theories and dramatic aesthetics of that period. While he put this apprenticeship into practice in his lyric works, these works also suggest and experiment with new scenic dramatic arts. Britten's dramaturgy did not leave the public indifferent; keenly appreciated by the great European theatre directors, it jostled the French out of their habits and their prejudices against English music
4
Liazidi, Hamid. "Les oeuvres de Zakes MDA : Idéologie, dramaturgie et théâtralité." Nice, 1997. http://www.theses.fr/1997NICE2018.
Full textAbstract:
Le but de ce travail est de déterminer les spécificités idéologiques et esthétiques ainsi que les traits distinctifs de l'écriture de MDA par rapport à celle des autres écrivains noirs sud-africains. Afin de démontrer le caractère novateur et distingue de l'œuvre de MDA, nous avons opté pour une approche éclectique et comparative. La première partie de notre recherche est consacrée au rapport entre la dramaturgie et l'engagement de MDA. Elle montre, d'une part son idéologie libérale et modérée dans l'analyse du thème de l'oppression-libération, et d'autre part l'emploi d'une diversité de techniques pour médiatiser le discours et les situations dramatiques. Contrairement à la prédominance de l'idéologique sur l'esthétique dans l'œuvre panafricaniste, MDA les maintient constamment en équilibre. La deuxième partie porte sur les composantes structurales et techniques de l'œuvre de MDA. Elle démontre son esprit avant-gardiste, son innovation, et sa contribution à l'évolution de la dramaturgie sud-africaine. MDA a adapté les techniques empruntées à la dramaturgie et la pensée modernistes au contexte socio-politique en Afrique du sud. Par ailleurs, son insertion des éléments de la culture traditionnelle est destinée à diversifier les thèmes et les situations plutôt que de construire une dramaturgie indigenThe objective of this work is to determine the ideological and esthetic qualities as well as the distinctive features of mda's works by comparison to those by the other black south african writers. We have provided an ecclectic and comparative approach in order to demonstrate mda's innovation and distinction. The first part is devoted to the relation between mda's mode of writing and commitment. It shows on the one hand mda's moderate and liberal thought in his analysis of the theme of oppression-liberation and on the other hand his use of various techniques in order to mediate dramatic discourse and situations. The predominance of the ideological properties on the esthetic ones in the panafricanist works stands in contrast to the constant balance mda maintains. The second part focuses on the structural and technical components of mda's works. It demonstrates his avant-gardiste thought, his innovation and contribution to the evolution of the south african writing. MDA has adapted the techniques borrowed from the modernist tradition to the socio-political context in south africa. His implementation of elements from the traditional culture is intended to create a diversity of themes and situations rather than to construct an indigenuous dramatic theory
5
Roche, Virginie. "L'unité perdue : poétique du mythe dans l'œuvre du dramaturge irlandais Brian Friel." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2002PA040183.
Full textAbstract:
Cette étude a pour objectif de présenter la nature organiquement " mythique " du théâtre de Brian Friel, afin de montrer comment ce dernier parvient, à partir d'un théâtre ancré dans les problématiques spécifiquement irlandaises, à révéler la nature humaine. La poétique de Friel, fondée structurellement et thématiquement sur le mythe, se construit autour de l'unité perdue tant géographique, psychique que linguistique. Nous traitons des mythes de Dionysos, d'Apollon, de Thanatos et d'Eros. Nous montrons ensuite comment Friel recherche dans le silence, l'absence, l'obscurité et l'image du double qui le hante une réponse à sa quête métaphysique qui oscille entre nihilisme et épiphanie christique. Nous définissons enfin de quelle façon Friel tente de transcender les divisions religieuses, politiques et culturelles en dénonçant le sectarisme, l'oppression coloniale et l'extrémisme nationaliste. Friel revitalise un théâtre de paroles, un théâtre où le mythe s'offre comme solution de rechange au cri métaphysique de l'homme face au silence déraisonnable du mondeThe purpose of this study is to present the mythic nature of Brian Friel's theatre so as to show how the playwright succeeds by exploring a theatre rooted in specific Irish problematics, in showing human nature. Friel's poetics, structurally and thematically based on the myth builds up around the idea of a unity, which is geographically, mentally and linguistically lost. This loss of unity is analysed through a study of the myths of Dionysos, Apollo, Thanatos and Eros. We then show how Friel looks for an answer to his metaphysical quest in silence, absence, darkness and in the image of the Doppelgänger. And Finally, we show how Friel tries to transcend the religious, political and cultural divisions by denouncing sectarianism, colonial oppression and national extremism. The theatre of Brian Friel revitalizes a theatre of words, where myth offers itself as an alternative solution to the metaphysical cry of man when faced with the unreasonable silence of the world
6
Dobby-Poirson, Florence. "Le pathétique dans l'œuvre de Robert Garnier." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100176.
Full textAbstract:
Le pathétique caractérise le théâtre de Garnier. Influence par l'éloquence et la poétique d’Aristote, il veut édifier et délecter en représentent les émotions violentes déclenchées par des malheurs extrêmes. Une catastrophe nationale constitue le sujet, atroce et lamentable, et faisant référence aux guerres de religion. Garnier élabore une dramaturgie favorisant le pathétique. Le lieu de l'action, élargi, permet d'opposer les points de vue et instaure une atmosphère angoissante. Conséquences d'un malheur antérieur, de multiples évènements funestes se déroulent presque en temps réel. La structure interne de la pièce souligne les situations d'urgence, d'incommunicabilité et d'échec que vivent les personnages. Mais ces vaincus peuvent surmonter leur sort en accédant a une liberté intérieure héroïque. Combinant les effets pathétiques de l'éloquence et du théâtre antique, le dialogue est en constante interaction avec le spectacle. La thématique, le style et la prosodie exacerbent l'expression des passions, soulignant les signes physiques du trouble intérieur. Proférée par le chœur et presque tous les personnages, la plainte envahit le discours théâtral. Exprimant une douleur universelle à laquelle le public est invité à s'associer, elle sert le didactisme de l'œuvre : le pécheur tente de discerner les desseins de la transcendance dans un monde instablePathos is the main feature of the theatre of Garnier. Influenced by eloquence and Aristotle’s poetics, it represents grieves provoked but great misfortunes, in order to instruct and delight. A national disaster constitutes the terrible and pitiable subject of the play. The dramatic techniques Garnier builds up are likely to produce pathos. Many deadly events, following on an earlier disaster, occur in a very short time, but in a place where different points of view can easily be exposed by opposite characters. The scenery sets up an atmosphere of fear. The structure of the play emphasizes the predicament daused by emergency, lack of communication and defeat. But the heroes can overcome their fate when they conquer their inner liberty. The show and the dialogue constantly interact. Themes, style and prosody emphasize the physical signs of passion. As the chorus and most of the characters bewail their lot, lamentation spreads to the whole text. Pathos helps also to instruct : the public is requested to take part to the universal grief of man, liable to passion and to unsteady fortune, and who tries to guess the aims of transcendence
7
Cicekoglu, Oya. "Le conflit des générations dans la dramaturgie de Jean Anouilh." Université Nancy 2, 1986. http://www.theses.fr/1986NAN21027.
Full text
8
Couderc, Christophe. "Le systeme des personnages de la "comedia" espagnole (1594-1630) : contribution a l'etude d'une dramaturgie." Paris 10, 1997. http://www.theses.fr/1997PA100148.
Full textAbstract:
La premiere partie de cette etude est descriptive. A partir du phenomene de l'histoire du theatre francais qui prend son inspiration directe en espagne, au xviie siecle, il est propose une tentative de classification du corpus etudie, compose par des comedies adaptees de comedias, et par ces comedias elles- memes. Puis on decrit les lignes directrices des transformations qui affectent les personnages, et l'eclairage qu'elles apportent sur la dramaturgie espagnole. La seconde partie est constituee d'analyses systematiques de comedias espagnoles appartenant au sous-genre de la comedie d'intrigue, definie precedemment. La reference au theatre francais se reduit alors a des allusions ponctuelles aux variations significatives apportees par les francais a leurs modeles. Ces comedias, qui presentent des modulations d'un certain nombre de proprietes formelles du systeme des personnages, donnent lieu a une analyse plus detaillee, a partir des notions de role et de situation. On presente ainsi trois groupes : les illustrations d'une epure des relations entre les personnages; le redoublement complet de ce premier modele, par le developpement d'identites fictives; des jeux portant plus specifiquement sur le statut socio-dramatique des protagonistes. Cette lecture fonctionnaliste donne lieu, dans la troisieme partie, a un bilan critique, pour degager, d'une part, des archetypes, pour les roles principaux des personnages feminins et masculins; d'autre part, pour revenir sur la notion de sequence et ses implications; enfin, a partir de la reconsideration de la notion de heros, dans le cadre d'une etude des modes de structurations de l'action, pour avancer une hypothese sur l'evolution des formesThe first part of this study is a descriptive one, that tries to propose a classification of the texts, and examine examples of recurrent changes realized by french dramatists that adapted the spanish golden age comedy on the french stage of the xviith century. The second part present some modulations of the relationships between the characters of the spanish comedia : the simple formula of these relationships, the more complex constructions, and the significative variations of the socio-dramatic status. In the third part, an assessment is made of this functionnalistic analysis of the spanish comedy : it is possible to define a few archetypical figures for male and female characters, and to explain their relationships thanks to the notion of sequence. The study concludes with a hypothesis of historical and formal evolution
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Bérard, Stéphanie. "Au carrefour du théâtre antillais : littérature, tradition orale et rituels dans les dramaturgies contemporaines de Guadeloupe et de Martinique." Aix-Marseille 1, 2005. http://www.theses.fr/2005AIX10107.
Full textAbstract:
La très grande richesse et l'extrême hétérogénéité du théâtre antillais contemporain se manifeste dans la variété des matériaux utilisés par les dramaturges et metteurs en scène de Guadeloupe et de Martinique qui puisent leur inspiration dans des traditions multiples représentatives du métissage culturel de la société créole. Littérature, tradition orale et rituels profanes et religieux nourrissent la création théâtrale antillaise qui absorbe, assimile et transforme ces matériaux suivant différents processus de transposition formelle et sémantique. Le remodèlement de la tradition dramatique classique occidentale, de la poésie et du roman caribéens et africains, de la tradition orale et des composantes des rituels du carnaval, du vaudou et du "lewoz" contribue à la force et au dynamisme de dramaturgies qui se situent au confluent de différentes influences et font preuve d'audace et d'originalité créatrice en s'orientant vers des voies esthétiques nouvelles.
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Hodant, Jean-Philippe. "Rhétorique et dramaturgie musicales dans l'oeuvre de Jean Guillou." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040120.
Full textAbstract:
A travers le prisme de trois œuvres de Jean Guillou, La chapelle des abimes, Judith-symphonie, Hypérion ou la rhétorique du feu, cet essai tente de mettre en lumière l'esthétique du compositeur. Chacune des œuvres retenues présente une problématique différente liée au texte littéraire, texte latent, texte présent dans le tissu musical, texte absent ou virtuellement issu du discours musical. Ces trois cas de figures mettent à jour une rhétorique musicale comparable à un discours littéraire qui contient des gestes dramatiques stylisesThrough the prism of three of the works of Jean Guillou, La chapelle des abimes, Judith-symphonie, Hyperion ou la rhétorique du feu, these experimental pieces attempt to demonstrate and bring out the aesthetic light of the composer. Each one of the works retained presents a different problem which is related to the literary text, a latent text, a text which is present in the musical tissue, a text absent or virtually issue of the musical discourse. These three examples bring to light a musical rhetoric which is comparable with a literary discourse which contains dramatic stylized gestures
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Giuliani, Pierre. "Un sang tragique : Racine, Phèdre et le sang : mise en perspective dramatique." Lyon 3, 2007. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/out/theses/2007_out_giuliani_p.pdf.
Full textAbstract:
Forts des qualités que l'Antiquité et la Renaissance leur ont accordées, le sang et l'imaginaire qui lui est associé jouissent d'un grand prestige au XVIIe siècle. Dans leurs domaines respectifs, la médecine, l'anthropologie culturelle, la rhétorique et les belles-lettres rendent compte de cette élection, même si de récentes découvertes infléchissent alors graduellement la teneur des appréciations axiologiques portées sur l'humeur vermeille. Or, à cette même époque, la tragédie française a connu une évolution sensible dont témoigne le théâtre de Racine. C'est ainsi que l'examen de Phèdre – œuvre qui recourt abondamment au mot sang – donne l'occasion de remettre en perspective les questions liées à la représentation dramatique de la violence et au bon usage des émotions : dans cette mesure, l'attention portée au motif du sang funeste dans Phèdre se présente aussi comme une contribution à l'intelligence du corps classique saisi par la passionImbued with the qualities that Antiquity and the Renaissance granted them, blood and the imaginary associated with it enjoy great prestige in the seventeenth century. In their respective domains, medicine, cultural anthropology, rhetoric, and belles-lettres bear witness to this status, even if recent discoveries have gradually modified the value judgments made about the ruby-red humor. In the same period of time, French tragedy was undergoing an evolution that is particularly notable in the theater of Jean Racine. Consequently, the analysis of his masterpiece Phèdre, a work that has frequent recourse to the term "blood", offers the opporhmity to rethink questions linked to the dramatic representation of violence and to the use of the passions for moral purposes : it becomes clear that studying the theme of "fatal blood" also has the advantage of being a contribution to the understanding of the classical body in the throes of passion
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Ailloud-Nicolas, Catherine. "Le dénouement dans les pièces en un acte de Marivaux : structure dramaturgique." Lyon 2, 2003. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2003/ailloud.
Full textAbstract:
Cette thèse, qui a pour objet d'analyser le fonctionnement du dénouement marivaudien, s'attache d'abord à rendre compte des difficultés terminologiques liées au concept de dénouement, à proposer des explications de l'origine de ces difficultés et à élaborer des propositions théoriques. Elle repère dans les pièces en un acte de Marivaux les processus dynamiques à l'oeuvre avant de les classer en types de dramaturgies. Enfin, elle analyse plus spécifiquement les caractéristiques des fins marivaudiennes afin de proposer une formalisation de la séquence de fin et en particulier de la micro-séquence de dénouement, de repérer les liens avec le divertissement final. L'analyse de quelques problèmes posés par la fin marivaudienne au metteur en scène conclut l'ensemble.
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Rozon, Brigitte. "Se mettre à mort, se mettre au monde, le meurtre dans trois pièces de la dramaturgie gaie québécoise." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp04/mq22391.pdf.
Full text
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Metais-Chastanier, Barbara. "L’Enquête à l’œuvre : la représentation inquiétée dans les dramaturgies contemporaines." Thesis, Lyon, École normale supérieure, 2013. http://www.theses.fr/2013ENSL0863.
Full textAbstract:
À travers l’étude d’une cinquantaine de pièces, textes et spectacles, issues du répertoire européen contemporain, il s’agit d’envisager la représentation dramatique comme un fait anthropologique, mettant en jeu des pratiques du signe et de l’interprétation, à travers le prisme de l’enquête – entendue comme processus de création, comme forme structurante mais aussi comme mode de relation au monde et au spectateur. Parcours des hypothèses, laboratoire des fonctions cognitives et heuristiques de la représentation, il apparaît que l’enquête désigne ce trouble par lequel le théâtre se pense comme représentant quelque chose. Cette thèse inscrit donc les dramaturgies contemporaines à l’intérieur du paradigme indiciaire, identifié par C. Ginzburg, en regard des formes romanesques de l’enquête (roman naturaliste et policier). Elle entend ainsi réparer le déficit théorique dont souffre cette fiction maîtresse » (D. Kalifa), permettant ainsi de penser les significations de la reprise d’une démarche moderne, attachée à la recherche d’un sens et d’une lisibilité, dans une période marquée par le postmodernisme, caractérisée par une posture de relativisme et de suspens herméneutique. Le recours aux scènes du procès, de la reconstitution, de l’interrogatoire, étudié dans une seconde partie, découvre des opérations critiques et réflexives où les dispositifs de production du vrai sont interrogés comme autant de politiques et de poétiques du signe. Quant à l’écriture documentaire, qui fait l’objet d’une troisième partie, elle apparaît comme traversée par trois orientations distinctes – thétique, constatative et interrogative – que nous identifions à partir de leur rapport à l’enquêteThrough the analysis of about fifty plays, texts, and performances from the contemporary European repertoire, this study will consider dramatic representation as an anthropological fact involving practices of signs and interpretation, through the prism of the investigation – understood as a creation process, a structuring form but also a way of relating to the world and the spectator. A path of hypotheses and a laboratory of the cognitive and heuristic functions of representation, it appears that the investigation refers to this confusion through which theatre is thought to represent something. This dissertation therefore inscribes contemporary dramaturgies within the clue paradigm, coined by C. Ginzburg, in relation to novelistic forms of the investigation (naturalistic and detective novels). Thus it intends to repair the theoretical deficit plaguing this “master fiction” (D. Kalifa), opening a reflection on the meanings of reusing a modern approach, tied to the search for meaning and legibility in a time marked by postmodernism and characterized by an attitude of relativism and hermeneutic suspense. The use of scenes of trial, reconstitution, and questioning, studied in the second part, uncovers critical and reflexive operations in which the devices of truth production are questioned as politics and poetics of the sign. As for documentary writing – the focus of the third part, it appears crossed by three distinct orientations – assertive, constatative and interrogative – which will be identified according to their relations to the investigation
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Latifses, Adja. "Dramaturgie de la ruse dans les tragédies d’Euripide : action, discours, spectacle." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0045.
Full textAbstract:
Ressort narratif hérité de l'épopée homérique, la ruse constitue depuis Eschyle l'un des ingrédients privilégiés de la tragédie attique. Mais c'est incontestablement le plus jeune des trois grands poètes tragiques de l'Athènes du Ve siècle avant J. -C. Euripide, qui a poussé le plus loin l'exploitation de ce dispositif dramaturgique jusqu'à en faire un élément emblématique de sa poétique. Fondé sur l'examen de l'ensemble des tragédies intégralement conservées de ce poète, notre travail propose une étude dramaturgique de la ruse euripidéenne, successivement envisagée à différents niveaux de la construction du drame, la première partie examine ainsi le lexique euripidéen de la ruse, les personnages qui l'incarnent et la mettent en œuvre, et son insertion dans l'intrigue. La seconde partie est quant à elle centrée sur l'analyse du fonctionnement discursif et spectaculaire des trois scènes-type qui composent le scénario rusé, à savoir les scènes de planification, les scènes de tromperie, et les scènes conclusives, consacrées aux résultats et au dévoilement de la supercherie. Cette étude montre que la mise en scène de la ruse offre à Euripide les moyens d'un profond renouvellement des formes tragiques héritées, en même temps qu'un remarquable instrument pour une exploration systématique des ambiguïtés de la parole et dit visible. A travers la représentation des machinations de ses astucieux héros, le poète s'inscrit ainsi dans le débat intellectuel qui agite l'Athènes des sophistes. Mais il propose également une réinterprétation de l'anthropologie tragique traditionnelle, où trompeur ingénieux et dupe aveugle apparaissent comme les deux faces d'une même humanitéAs a narrative feature inherited from tin Homeric epic, tricks have been from Aeschylus onwards one of the favorite components of the Attic tragedy. But incontestably, it is the youngest of the three great tragic poets of the fifth-century. Athens, Euripides, who put the greatest emphasis on the exploitation of this dramaturgical device, turning it into an emblematic element of his poetics. Embracing all the complete tragedies of the poet, this dissertation presents a dramaturgical study of the euripidean tricks, which are successively considered at different levels of the drama's construction. The first part thus investigates the euripidean trick-vocabulary, the characters that embody it and bring it into play, and its insertion into the plot. The second part, on the other hand, focuses on the analysis of the discursive and spectacular working of the three typical scenes that compose the trick-pattern : planning-scenes, deceit-scenes, and conclusive scenes, which are about both the results and the unveiling of the deception. This study aims to show that through the representation of tricks. Euripides deeply renews the inherited tragic forms, and at the same time, achieves a systematical exploration of the ambiguities of both language and appearances. By dramatizing his cunning heroes' plots, the poet thus takes part in the intellectual debate that fascinates Athens at the time of the sophists. But he just as well reinterprets the traditional tragic anthropology, presenting the ingenious deceiver and the blind dupe as the two sides of the same humanity
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Marot, Patrick. "Dramaturgie de la connaissance dans trois œuvres de Julien Gracq : au château d'Argol, un beau ténébreux, le rivage des Syrtes." Paris 10, 1988. http://www.theses.fr/1988PA100089.
Full textAbstract:
La connaissance chez Julien Gracq relève, dans les trois premiers romans, d'une quête initiatique qui n'apparait guère comme objet ou comme contenu, mais qui requiert de la part des personnages une mise en jeu d'eux-mêmes. Celle-ci s'effectue par une lecture de signes assignateurs et désirables, dont la circulation énergétique détermine la dynamique élementale et l'organisation de l'espace, orienté vers l'émergence d'une scénographie de la révélation. La dimension temporelle des récits conduit à cette révélation selon deux axes indissociables : celui d'une continuité anagogique qui entraine les signes, celui d'une discontinuité propre à l'irruption d'un présent - processus simultané d'ouverture et de clôture qui débouche sur un tragique : la mise en jeu est irréversible, mais rien ne garantit l'émergence d'une scène de la parousie, celle-ci relevant d'un présent de la présence par définition extérieur à la représentation romanesque. Ce tragique redouble les diverses modalités selon lesquelles les personnages donnent une cohérence (lyrique ou épique) à leur lecture des signes, et fait des espaces de mise en jeu (jeu, mythe, histoire) des champs d'inscription problème- tiques. La quête en est radicalement ambiguisee, aussi bien dans l'expression de son objet, dans ses figures majeures (le sacrifice), que dans la définition de ses sujetsIn Julien Gracq's first three novels, cognition partakes of an initiatory quest which does not refer to any particular object or message, but demands from the characters a staging of their very existence. This is carried out by a decyphering of desirable signs that prescribe the requirements of reading; the energizing circulation of theses signs determines the dynamics of elements and the organizing of space - the latter being directed to the emergence of a staging of revelation. The temporal dimension of these novels leads to revelation along two undissociable axes: first, a signs-involving anagogical continuity; then, a discontinuity leading to the irruption of the present - this being simultaneously an opening-up and a closing-down process which reveals a tragic dimension. The action is irreversible, yet the emergence of a stage for Parousia can never be certain, in so far as it is dependent on a "present de la presence" which necessarily remains exterior to any novel-like representation. The tragic dimension redoubles the various ways the characters achieve a coherent reading of signs, either in a lyric or an epic mode; it also turns the narration processes (stage, myth, and story) into a space for reading to assert itself in. This imparts a radically cryptic undertone to the quest, in the expression of its object and in its major figures (sacrifice) as well as in the definition of its subjects
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Diassinous, Nicolas. "Crise de scène : dramaturgies poétiques du romantisme au symbolisme." Electronic Thesis or Diss., Aix-Marseille, 2018. http://www.theses.fr/2018AIXM0398.
Full textAbstract:
Cette réflexion porte sur l’influence de la poésie lyrique dans les œuvres théâtrales du romantisme au symbolisme. En essayant de confronter les corpus du drame romantique et du théâtre symboliste et en exhumant celui du théâtre des poètes parnassiens et de leurs contemporains, elle entend dégager des constantes et mettre en lumière une crise du théâtre aristotélicien, dont les effets se prolongent jusque dans les dramaturgies de l’extrême contemporain. Mais penser un théâtre de poètes, autrement dit un théâtre qui intègrerait les propriétés de la poésie lyrique au sein du genre dramatique, revient à soulever un certain nombre de paradoxes.Ce théâtre des poètes est d’abord un théâtre qui minore de plus en plus le poids de l’action, au profit de l’expression lyrique. Le drame et le système actantiel qu’il véhicule tendent à se réduire à une seule situation, unique et statique, de laquelle les conflits intersubjectifs ont été évacués. La poésie lyrique, de par sa subjectivité, intériorise le drame et c’est désormais au sein d’un même sujet qu’il faut chercher les composantes dramatiques. Son intérêt pour l’intériorité conduit le théâtre des poètes à délaisser le système de la représentation mimétique, parce qu’il préfère, à la réalité objective et concrète, le domaine plus abstrait des idées. Cette subjectivité qu’importe la poésie dans le genre théâtral pousse finalement les dramaturges à braver le tabou absolu du théâtre aristotélicien, à savoir la présence du poète dans son œuvre : la lyricisation du théâtre entraîne ainsi la manifestation du poète dans sa pièceThis reflection deals with the influence of lyrical poetry over theatrical works from romanticism to symbolism. By confronting the corpuses of the romantic drama and the symbolist theater, but also by exhuming the Parnassiens’ theater, it envisions encountering constants and highlighting a crisis of Aristotelian theater whose effects extend up until the most contemporary dramaturgies. But considering the existence of a theater by poets, one that integrates the characteristics of lyrical poetry into the dramatic forms, raises several paradoxes. This theater by poets is before all one that reduces more and more the importance of the action, in favour of the lyrical expression. The drama and the actantial model it implies get converted in one unique and static situation, where all the intersubjective conflicts have been erased. Because of its subjectivity, lyrical poetry internalizes the drama: and thus all the dramatic components have to be searched for inside the subject. Its interest for interiority leads the theater by poets to abandon the mimetic representation system, because of its favouring of the abstraction of ideas over the objective and material reality. This subjectivity imported by poetry into the dramatic form explains why the dramatists break the absolute taboo of Aristotelian theater: the poet’s presence inside his play. The lyricisation of theater entails the poet’s manifestation in a form where it is prohibited
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Gbouablé, Edwige. "Des écritures de la violence dans les dramaturgies contemporaines d’Afrique noire francophone (1930-2005)." Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00199210/fr/.
Full textAbstract:
La violence traverse la production théâtrale d’Afrique noire francophone depuis ses origines. Elle y est sujette à des mutations thématiques et esthétiques qui font évoluer sa nature d’une époque à une autre. On est ainsi passé du vase clos des théâtres de la violence assimilatrice où la forme constituait un moyen d’assujettissement à une écriture éclatée de la violence dans les œuvres contemporaines. Elle apparaît dans le théâtre de William Ponty (1930) sous forme de conflit culturel tiré des mœurs africaines. Devenue politique, la violence des années 70 embarque les catégories dramaturgiques dans l’affrontement colons/colonisés. Avec le théâtre de 1980, la violence, toujours politique, prend une autre configuration marquée par une tentative de rupture d’avec les canons classiques. L’association du burlesque au tragique, le court-circuit de la langue française, le dialogue entre tradition et modernité à travers une écriture endogène sont autant de réalités caractérisant l’expression des conflits du désenchantement. Dans la majorité des pièces d’après 1990, en revanche, les conflits revêtent une image plurielle qui convoque le monde et des modes d’expression distincts. C’est une écriture hybride dans laquelle la violence est portée par une désarticulation des catégories dramatiques et du sens pouvant en ressortir. De cette écriture dynamique de la violence, résulte un déplacement des enjeux théâtraux dans la mesure où les drames africains aujourd’hui se débarrassent des relents nationalistes pour épouser les réalités du monde. Aussi, l’ouverture des théâtres contemporains suscite-t-elle une diversité de formes dont la complexité remet en question la notion d’africanitéViolence comes across black african French-speaking theatrical production since its origins. It is prone to thematic and aesthetic changes which makes it evolve from one period to another. We have thus passed from confined theatres of assimilated violence where the form was a constraint to an outburst of writings dealing with violence in contemporary works. Violence appears in the plays of William Ponty (1930) under the form of cultural conflict drawn from African customs. Turned into political violence, it embarks the dramaturgic categories during the Seventies in the confrontation of the colonizer against the colonised. With the theatre of the 1980’s, violence, still political, takes however another form marked by an attempt to disrupt with classical theatrical canons. Associating the burlesque with tragedy, bypassing the French language, establishing a dialogue between tradition and modernity through an endogenous writing are as many realities characterizing the expression of conflicts about disillusionnement. In most of the plays following the1990’s, on the other hand, the conflicts take on a plural image which convenes the world through distinctive modes of expression. It results in a hybrid writing in which violence is voiced out through the dislocation of the dramatic categories and of the meaning that emerges out of it. From this scriptural dynamics of violence arises a displacement of the theatrical stakes in so far as African dramas today get rid of the nationalist inclinations to endorse the world’s realities. Thus the opening of contemporary theatres to the world creates a variety of forms whose complexity calls into question the concept of Africanity
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Häcker, Andreas Franz Ernst. "Dramaturgie de l'estomac : l'obsession du manger dans le théâtre de George Tabori." Lyon 2, 2008. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2008/h_cker_afe.
Full textAbstract:
Manger est un acte existentiel. Le motif nourricier marque en particulier le théâtre de George Tabori. Fauves, sensuelles, intimistes, palimpsestes, autobiographiques et comiques, ses pièces et mises en scène remuent "les tripes" des comédiens et des spectateurs. S'inspirant de Bertolt Brecht, Lee Strasberg et de la gestalt-thérapie, Tabori travaille avec ses comédiens sur la mémoire sensorielle et émotionnelle en introduisant des aliments concrets pendant les répétitions. La faim et la mélancolie se concentrent dans Les Cannibales (1968) que 'auteur dédie à son père mort à Auschwitz. Cette pièce perturbante commémore la Shoah. Elle évoque la famine dans les camps et les obsessions culinaires des déportés se rassurant par la "masturbation d'estoma". Tabori juxtapose les récits des survivants – le témoignage de Primo Levi est sa source principale – aux passages bibliques, shakespeariens (Roi Lear et Titus Andronicus) et aux recettes de cuisine. Le refus de la nourriture est un motif central dans Artistes de la faim (1977) du théâtre laboratoire de Brême qui dramatise la nouvelle de Kafka. La démarche de la troupe taborienne suscite une vive discussion politique et esthétique. Le maire adjoint à la culture interdit l'expérience collective des comédiens ayant entamé un jeûne pour sonder le personnage kafkaïen qui s'abstient de manger. Dans sa dernière pièce Gesegnete Mahlzeit (2007), Tabori réchauffe trois textes, il dessine des personnages insatiables en quête du bonheur. La pièce comporte trois scènes de repas : le dernier petit-déjeuner de Franz Kafka et son amante Milena, un déjeuner d'affaires et le dernier repas de Don Juan qui reçoit une prostituée constipéeEating is an existential act. Food is a particular feature of George Tabori's theatre. His autobiographical and comic plays and performances are aimed at upsetting the actors and spectators' guts in an untamed, sensual, intimate, multilayered way. Inspired by Bertolt Brecht, Lee Strasberg and the Gestalt-therapy, Tabori works with his actors on sensual and emotional memory introducing real food during rehearsals. He focuses on hunger and melancholy in The Cannibals (1968) dedicated to his father who died in Auschwitz. This disturbing Holocaust memory play shows starvation in the death camps and the culinary obsessions of the deportees trying to find comfort in "stomach masturbation". Tabori juxtaposes the accounts given by Holocaust survivors. Primo Levi's testimony is his main source as are biblical texts, Shakespearian scenes (King Lear and Titus Andronicus) and kitchen recipes. Refusing food is one of the main themes in Hunger Artists (1977), a short story by Kafka, staged by the Bremer Theaterlabor. During the preparation of this play, Tabor's group invokes an acrimonious esthetical and political discussion. The actors had started fasting in order to understand Kafka's Hunger Artist, who refuses to eat, but were forbidden by the deputy-mayor in charge of culture to continue this collective experiment. In his last play Gesegnete Mahlzeit (2007), Tabori "heats up" three texts which portray insatiable characters in search of happiness. The play is made of three scenes depicting meals: Franz Kafka's last breakfast with his lover Milena, a business lunch and Don Juan's Last Supper with a constipated prostitute
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Paul, Salomé. "Avatars contemporains du tragique grec : le Mythe dans la dramaturgie de Sartre, Anouilh, Camus, Paulin, Kennelly et Heaney." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL029.
Full textAbstract:
Cette étude a pour objectif de démontrer le changement paradigmatique qui s’est opéré dans l’approche du phénomène tragique et du genre de la tragédie à l’époque contemporaine. La tragédie, telle qu’elle est pratiquée par les Grecs durant le Ve siècle avant J.-C., se construit autour du concept de dikè, c’est-à-dire de justice. Toutefois, au XXe siècle, la pensée tragique se porte sur la question de la liberté humaine. Cette transformation quant à l’appréhension philosophique et dramatique du phéno-mène résulte des événements socio-politiques qui secouent le monde occidental, et plus particulière-ment européen, durant cette période. Notre étude repose ainsi sur la comparaison de plusieurs tragédie grecques — Les Perses, L’Orestie, et Prométhée enchaîné d’Eschyle ; Antigone et Philoctète de So-phocle ; Médée et Les Troyennes d’Euripide — avec des transpositions contemporaines, qui ont été créées en France et en Irlande en réponse à des événements socio-politiques menaçant la liberté des individus, ou du moins d’une partie d’entre eux. De ce fait, notre corpus se compose de trois pièces mises en scène durant ou après l’Occupation : Les Mouches de Sartre (1943), Antigone d’Anouilh (1944), et Caligula (1945) de Camus ; d’une pièce écrite lors de la période de la décolonisation dans les années 1960 : Les Troyennes de Sartre (1965) ; de trois pièces créées pendant la période des Troubles (1968-1998) : The Riot Act (1984) et Seize the Fire (1989) de Paulin, et The Cure at Troy de Heaney (1990) ; et de trois pièces composées durant le débat portant sur les droits des femmes dans les années 1980 en République d’Irlande : Antigone (1986), Medea (1989), et The Trojan Women (1993) de KennellyThis research intends to underline the paradigmatic change that has occurred reguarding the approach to the tragic phenomenon and the genre of tragedy in the contemporary period. Tragedy, such as dramatized by the Greeks in the 5th century B.-C., was built on the concept of dikè, meaning justice. However, in the twentieth century, the idea of tragic is apprehended through the perspective of human freedom. This transformation of the philosophical and dramatic approaches to the tragic phenomemon arises from the social and political events occuring in the Western world, and more specifically in Eu-rope, during that period. Thus, our research relies on the comparison of several Greek tragedies — Aeschylus’s The Persians, The Oresteia, and Prometheus Bound; Sophocles’s Antigone and Philocte-tes; Euripides’s Medea and The Trojan Women — with some contemporary transpositions that have been produced in France and in Ireland to adress events threatening individual freedom of, at least, a part of the population living in France or in Ireland. Therefore, our research considers three plays creat-ed during or shortly after the Nazi Occupation of France: Sartre’s The Flies (1943), Anouilh’s Antigone (1944), Camus’s Caligula (1945); one play performed during the decolonial period of 1960: Sartre’s The Trojan Women (1965); three plays produced during the period of the Troubles (1968-1998): Paulin’s The Riot Act (1984) and Seize the Fire (1989), and Heaney’s The Cure at Troy (1990) ; and three plays performed to deal with the issue of women’s rights in the Republic of Ireland: Kennelly’s Antigone (1986), Medea (1989), and The Trojan Women (1993)
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Loubière, Philippe. "Le mythe de Don Juan dans l'œuvre du dramaturge roumain Teodor Mazilu (1930-1980). De la démythisation sociale et politique à la démythisation de soi." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030207.
Full textAbstract:
Teodor Mazilu est un dramaturge à succès, poète et romancier roumain, de l’époque communiste. Sa comédie humaine éreinte férocement les parvenus du régime, amoraux et candides. Cette satire plonge ses racines dans les profondeurs du spécifique roumain, à l’instar de Caragiale, Vasile Alecsandri et Urmuz, autant qu’elle s’inscrit dans le courant de l’absurde qui lui est contemporain. Teodor Mazilu est cependant original : il est allé plus loin que Caragiale dans la satire, et refuse d’endosser la philosophie de l’absurde. En revanche, l’absence de toute psychologie des personnages de Teodor Mazilu et le parallélisme de certaines de ses pièces avec celles d’Ionesco permettent d’affirmer que l’histoire du théâtre de l’absurde, ou plus exactement du théâtre d’avant-garde, serait incomplète sans Mazilu. Son théâtre, parfois interdit par la censure, a une lecture politique implicite qui dénonce le mythe de la fausse construction personnelle, qu’elle vienne de soi ou qu’elle soit imposée par les contraintes sociales. La grande originalité de Mazilu, dans la pièce Don Juan meurt comme tous les autres,est de montrer que le Commandeur et Sganarelle peuvent devenir un seul personnage,gardien de prison et de mythe, à la fois. Cette fusion est, naturellement, en rapport avec la société totalitaire, créatrice vigilante de mythes sociaux, où il vivait. La pédagogie de l’auteur est de montrer ainsi le lien de nécessité entre dissidence d’ordre politique et dissidence d’ordre intimeRésumé en anglais non fourni par l'auteur
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Boudaa, Louiza. "L'évolution de la conception de la famille dans l'œuvre camusienne." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080086.
Full textAbstract:
Il est indéniable que la notion de la famille dans l’œuvre camusienne est centrale ; cet axe fondamental est soutenu par d’autres thèmes majeurs, tels que la fraternité, la solidarité, et surtout l’humanité. Nous avons opté pour quatre axes pour les analyser :Dans la première partie, la filiation naturelle, il s’agit moins de montrer la part autobiographique que de démontrer l’impact des figures familiales sur l’œuvre camusienne. La progression du personnage du fils vers le cycle de la révolte participe à l’émergence d’un désir de fraternité ; celui-ci fait l’objet de la deuxième partie.L’étude de cette tendance vers la fraternité nous permet de déceler une mesure nécessaire dans les relations. Cette mesure, rappelée dans « le silence éloquent » d’une mère, met en évidence l’importance de la « pensée solaire », inhérente à la Méditerranée ancestrale, étudiée dans la troisième partie. Les paradigmes rattachés à cette mer ancestrale ne sont pas exclusifs à une communauté sans une autre ; leur adoption dans l’œuvre camusienne permet à celle-ci d’aspirer vers une parenté plus large : la parenté dans l’humanité, analysée dans la dernière partie. Nous avons conclu à la nécessité d’imaginer « le premier homme » heureux ; l’inachèvement du Premier homme ne devrait pas, en effet, estomper l’évolution de la conception de la famille vers une parenté humaine, mise en évidence dans mythe de l’autochtonieThe notion of family is highly central to Camus’s work. The axial nature of this concept is an impetus to begin this thesis which aims at examining the expanse of this concept on Camus’s thinking. This major theme is supported by other ones as brotherhood, solidarity and above all humanity. We have chosen to divide it on four parts of analysis:The first part deals with natural descent. It is more about the impact of family characters on Camus’s work than on the autobiographical side; dealt throughout the three adopted cycles Absurdism, revolt, and at last love and reconciliation. The evolution of the son character towards the cycle of revolt in the mid of inevitable ups and downs took part in the emergence of fraternity desire, and this is the major theme in the second part. The study of this trend towards brotherhood has allowed us to uncover a necessary measure in the relationships. This measure recalled in “the eloquent silence” enhance the importance of “la pensée solaire” inherent in the ancestral Mediterranean Sea, and this makes it an object of study in the third part. The paradigms linked to this ancestral Sea are not exclusively specific to one community without another. Their adoption in Camus’s work allowed it to strive towards a larger parenthood; the parenthood of humanity dealt with in the last part. We have concluded by asserting the necessity of imagining the “first man” happy. The incompletion of Le Premier homme should not blur the evolution of the family conception to a human relationship, highlighted in the myth of autochthony
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Baconnet, de Saint-Aubert Hélène. "L'Histoire de Tobie et de Sara (Paul Claudel) : pour une dramaturgie de la gloire." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040122.
Full textAbstract:
Cette thèse (cinq parties, 1273 pp. ) propose une lecture de la dernière grande pièce de Claudel, L'Histoire de Tobie et de Sara (1938), à la lumière du concept de "gloire" - notion qui autorise en retour un parcours transversal des conceptions tant dramaturgiques, esthétiques, anthropologiques que théologiques de l'auteur. Ce drame transpose en structures dramatiques une théologie spirituelle de l'Histoire. Saturé de citations bibliques, il met en place un théâtre exégétique et une poétique analogique qui voient l'union accomplie du Verbe et du mot. Il édifie enfin une dramaturgie totale usant de tous les arts pour mettre en scène le totum simul de la gloire. Le corps glorieux, parfaite expression sensible de l'esprit, informe le traitement du corps ainsi que la conception du langage : il est l'attracteur secret de cette dramaturgie. Une étude des différentes mises en scène complète la réflexion en annexe.
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Sanchez, Joana. "Un imaginaire du lien : famille et société dans le théâtre indépendant argentin (1975-2015)." Thesis, Strasbourg, 2019. https://publication-theses.unistra.fr/restreint/theses_doctorat/2019/Sanchez_Joana_2019_ED520.pdf.
Full textAbstract:
À partir d’une approche transdisciplinaire croisant la sociologie, l’anthropologie, l’histoire et la philosophie, il s’agit d’abord de penser comment la famille, lieu quotidien d’un maillage dialectique entre le même et l’autre, peut être le support privilégié d’un « imaginaire du lien ». C’est au regard de cette hypothèse, et depuis une perspective sociocritique, que la thèse questionne les croisements entre le lien familial (exposé sur la scène), le lien social (qui s’y projette, par la médiation de l’imaginaire) et le lien théâtral (qui structure les dramaturgies et définit une théâtralité spécifique), durant deux périodes particulièrement complexes d’un point de vue socio-politique : la dernière dictature militaire puis la post-dictature. À la croisée des études théâtrales et des sciences sociales, cette recherche explore les enjeux politiques et sociaux du sujet, tout en plaçant l’analyse dramaturgique du corpus au premier plan de la démonstrationFrom a transdisciplinary approach at the crossroads of sociology, anthropology, history and philosophy, this research, in a first instance, considers how the family, everyday playground of a dialectic mesh between the same and the other, can be the privileged substrate of an “imaginary of the bond”. In the light of this hypothesis, and through the social criticism, this thesis interrogates the intersections between family bond (exhibited on stage), social bond (projected on it) and theatrical bond (which structures the dramaturgy and defines a specific theatricalness), during two timeframes particularly intricate on a socio-political standpoint: the last military dictatorship and the post-dictatorship. On the crossroads of theatrical studies and social sciences, this research explores political and social issues while bringing to the forefront the dramaturgical analysis of the corpus
¿Por qué el teatro, y en particular en Argentina, parece tan obsesionado con el tema de la familia ? Rechazando la retórica de la «familia disfuncional», esta tesis analiza las ficciones familiares en su relación con lo social. Desde una perspectiva pluridisciplinar (con herramientas de sociología, antropología, historia y filosofía), se trata primero de pensar cómo la familia, espacio cotidiano de una dialéctica entre lo mismo y lo otro, puede ser el soporte de un «imaginario del vínculo». A partir de esta hipótesis, y con las herramientas de la teatrología y la sociocrítica, la tesis interroga los cruces entre vínculo familiar, vínculo social y vínculo teatral (el que estructura la dramaturgia y la teatralidad), durante dos períodos complejos a nivel sociopolítico: la última dictadura militar y la posdictadura. Respecto al teatro producido durante la dictadura, se matiza la idea de una intención sistemáticamente metafórica (al asumir que un teatro concebido como mero código sería un vínculo teatral profundamente vertical que no corresponde con gran parte de las obras), y se analizan «manchas temáticas» recurrentes, que plasman en las ficciones familiares un «vínculo tiránico», a la par de la política de terror de la Junta militar.En la posdictadura, se sigue profundizando una dinámica de fragmentación social, que también se puede vislumbrar en la producción teatral. Mientras que las condiciones de producción del teatro independiente (en espacios cada vez más íntimos) favorecen la multiplicación de dramas familiares, las nuevas dramaturgias, a pesar de reivindicar su autonomía, también están atravesadas por el contexto social e histórico (mediante motivos temáticos recurrentes y formas dramáticas fragmentadas). Entre los estudios teatrales y las ciencias sociales, este trabajo de investigación explora la dimensión política y social del tema familiar, con el análisis dramatúrgico del corpus en el primer plano de la reflexión
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Aubin, Maxime. "Créer et se créer : La figure de l'homosexuel créateur dans la dramaturgie québécoise depuis 1980." Thesis, Université Laval, 2009. http://www.theses.ulaval.ca/2009/26193/26193.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire tente de brosser un portrait de la figure de l’homosexuel créateur dans la dramaturgie québécoise depuis 1980. À travers l’examen de neuf pièces représentatives de ce corpus, il s’agit ainsi de démontrer en quoi l’expression de l’identité sexuelle des personnages est liée à la création (théâtre, écriture). En analysant comment les personnages homosexuels de ces pièces sont soumis au regard de la société, notamment en ce qui a trait à l’importance accordée aux rôles généralement dévolus aux genres (masculin/féminin), notre travail cherche à dégager l’influence de la condamnation de l’homosexualité dans le processus d’affirmation de l’identité sexuelle de ces personnages. Il s’agit ainsi d’étudier le mouvement qui mène de l’assignation d’un rôle déterminé à la réinvention de soi. Par ailleurs, le regard diachronique que propose ce mémoire permet d’observer la transformation de la représentation de la figure de l’homosexuel qui s’est opérée dans la dramaturgie québécoise depuis 1980.
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Jobard-Wagner, Catherine. "La représentation de la défaite dans le théâtre du dix-septième siècle 1634-1663." Thesis, Besançon, 2013. http://www.theses.fr/2013BESA1014/document.
Full textAbstract:
Cette thèse est l'aboutissement de huit années de travail qui ont portés sur la représentation de la défaite dans le théâtre du dix-septième siècle. Notre corpus comprend 75 pièces, 60 tragédies, 14 tragi-comédies et une comédie-heroïque jouées entre 1634 et 1663 et mettant en avant le thème de la défaite, telle que la définissent les dictionnaires de l'époque, c'est-à-dire la perte d'une bataille après une intervention armée qui peut aller des guerres externes ou internes, internationales, civiles ou religieuses, qui dominent dans les tragédies de la première période étudiée, soit les années 1634-1643, aux complots militaires ou privés qui seront plutôt l'apanage des pièces de la dernière période, soit les années 1653-1663This thesis is the outcome of eight working years wich concerned the representation of the defeat in the theater of the seventeenth century. Our corpus includes 75 plays, 60 tragedies, 14 tragicomedies and a heroic comedy played between 1634 and 1663 and putting forward the theme of the defeat, such as defined in the dictionaries of this time, that is the loss of a battle after an armed intervention which can go external or internal, internaltional, civil or religious years 1634-1643, in the military or private plots dominate in the tragedies of the first studied period, or which will be rather the priviledge of the plays of the last period, or the years 1653-1663
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Hausbei, Kerstin. "Thomas Bernhard et Anton Tchekhov : aspects d'une rencontre dramaturgique et intertextuelle." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030139.
Full textAbstract:
Après une phase expérimentale dans les années cinquante, Thomas Bernhard fonde ses pièces longues, écrites entre 1967 et 1988, entre autres sur une intertextualité massive avec les pièces d'Anton Tchekhov, que l'on peut notamment observer dans les pièces à partir de La société de chasse (1974). Bernhard découvre chez Tchekhov la possibilité de combiner les dominantes de son esthétique antérieure-la métaphore et le symbole-avec une composante mimétique fondée sur la situation et le personnage. Bernhard passe désormais comme Tchekhov par le détour de la fiction pour attribuer au lecteur/spectateur un rôle plus actif consistant à transcender le signe mimétique en direction du symbole. Bernhard intègre les textes de Tchekhov de deux façons différentes dans ses oeuvres. Il s'agit d'une part d'un travail intense sur les structures dramaturgiques (hypertextualité imitative), et d'autre part de l'écriture de plusieurs pièces à partir d'oeuvres précises de Tchekhov qui sont reprises et transformées dans leurs principales structures et thématiques (hypertextualité transformationnelle). .After an experimental period in the fifties, Thomas Bernhard bases his full-length plays, written between 19867 and 1988, among other things on an important intertextuality with the plays of Anton Tchekhov, a phenomenon which is clearly observable in the plays since 1974 (The hunting party), Bernhard discovers in Chekhov's esthetic the possibility of mixing the dominants of his earlier esthetic-metaphoric and symbol-with a mimetic component based on situation and character. Bernhard then proceeds, as Chekhov does, by the detour of the fiction in order to assign to the reader/spectator a more active role which consists in transcending the mimetic sign in direction of a symbol. Bernhard integrates Chekhov's texts in his plays in two different ways : on the one hand an intense work on dramaturgic structures (imitating hypertextuality pattern) and on the other hand the writing of several plays on the basis of precise plays of Chekhov, Bernhard taking over and transforming their principal structures and themes (transforming hypertextuality pattern). .
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Galtier, Fabrice. "Tacite, historien et dramaturge : étude des schèmes et de la thématique tragiques dans les "Opera Maiora" de Tacite." Clermont-Ferrand 2, 2000. http://www.theses.fr/2000CLF20024.
Full textAbstract:
Les deux grands ouvrages historiques de Tacite, les "Histoires" et les "Annales", offrent de nombreux points communs avec la tragédie gréco-latine. Ils doivent être replacés dans le contexte de la tradition littéraire antique, qui inscrit le genre historiographique dans le domaine de la poiesis. L'histoire est donc imprégnée des traits en partie hérités de la tragédie. L'examen de la composition des récits qui constituent les "opera maioru", permet d'y déceler la présence d'épisodes dont se révèle la forme dramatique, nourrie a la fois par la structure narrative et les effets de " mise en scène ". Le recours systématique à certains schémas, la récurrence de certains motifs donnent aux personnages historiques traités par Tacite le statut de personnages tragiques, portant le masque que leur fonction au sein du récit leur attribue. C'est notamment le cas de la figure tyrannique. Fondée sur la notion de conflit tragique, l'écriture tacitéenne décrit un monde livré à la violence et au trouble, où les hommes mettent en péril l'ordre nécessaire à l'accord entre la communauté romaine et les dieux. Elle révèle l'ambiguïté d'une conscience tiraillée entre le désir de participer à l'ordre nouveau établi par le principat et l'inquiétude face à l'avenir de l' urbs
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Mirkovic, Radovan. "Tacitisme et dramaturgie. Le principat de Tibère dans les tragédies anglaises et françaises du XVIIe siècle (1605-1694)." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040129.
Full textAbstract:
Jusqu’ici les études sur le tacitisme des XVIe et XVIIe siècles se limitaient à la théorie politique et à l’historiographie. Ce travail étend l’analyse au théâtre, dans une optique comparatiste qui confronte, à propos du principat de Tibère, les pièces anglaises et françaises : Sejanus His Fall de Ben Jonson, Claudius Tiberius Nero d’un auteur anglais anonyme, La Mort de Germanic Caesar de Bénigne Griguette, Seianus de Jean Magnon, La Victime d’Estat de Jean Le Royer de Prade, La Mort d’Agrippine de Cyrano de Bergerac, Germanicus de Dominique de Colonia, et Germanicus d’Edme Boursault. Le plan de la thèse suit l’alternance des séquences dramaturgiques de la dissimulation, des affrontements verbaux et des coups de théâtre qui intègrent la pratique juridique. L’analyse de la dissimulation est répartie entre la non-interaction (observation, silence, discours dérobé sur scène), l’interaction (discours dissimulateur symétrique et asymétrique) et la distanciation (du public, et des récepteurs internes sur scène et en coulisses). Les séquences des affrontements verbaux sont examinées en fonction des preuves, des témoins et des arbitres dans les disputes dramatiques. Enfin, les séquences des coups de théâtre font objet d’une analyse en deux temps : la juridisation des conflits dramatiques et l’esthétisation de l’effet violent. La thèse se clôt sur un examen de la construction d’exemplarité dans les tragédies du corpus et des interprétations dramatiques du principat en tant que l’institution. Dans les appendices de la thèse se trouvent les transcriptions modernisées de quatre pièces rares du corpus français, accompagnées d’un commentaire philologique, littéraire et historiqueThe studies of tacitism in the 16th and 17th centuries were limited so far to political theory and historiography. Our thesis extends the scope of research to theatre, in that it explores in a comparative perspective the rewritings of the principate of Tiberius in English and French 17th century tragedy: Sejanus His Fall by Ben Jonson, Claudius Tiberius Nero by an anonymous English dramatist, La Mort de Germanic Caesar by Bénigne Griguette, Seianus by Jean Magnon, La Victime d’Estat by Jean Le Royer, La Mort d’Agrippine by Cyrano de Bergerac, Germanicus by Dominique de Colonia and Germanicus by Edme Boursault. The arrangement of topics discussed follows a dramatic movement from the sequences of dissimulation and agonistic confrontation towards dramatic turns of events covered by legal procedure. The sequences of dissimulation are analysed in terms of non-interaction (observation, silence, asides), interaction (symmetrical and asymmetrical dissimulation) and the distancing effect (in regard to internal receivers and the audience). The study of agonistic sequences focuses on dramatic functions of proofs, witnesses and arbitrators. Finally, the dramatic turns of events are considered first from the point of view of their juridical origins and specific references to the legal procedure, and then with regard to the aesthetics of violence. The closure of the thesis broadens the perspective by analysing construction of exemplarity and dramatic interpretations of the principate as an institution. The appendices offer a standard language transcription of rarely studied French pieces of our collection, accompanied by a philological, literary and historical commentary
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Vanhaesebrouck, Karel. "Le mythe de l’authenticité : lectures, interprétations, dramaturgies de Britannicus de Jean Racine en France (1669-2004)." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100160.
Full textAbstract:
Au centre de cette thèse de doctorat se trouve le mythe de l’authenticité, qui en tant que modèle idéal incontournable, ou cadre de référence, définit fondamentalement l’histoire de la représentation théâtrale du classicisme en France en général et de Britannicus de Jean Racine en particulier. Cette idée est née de l’hypothèse que ce mythe de l’authenticité apparaît comme une formation discursive ou un régime d’historicité, et que c’est à l’aune de cette formation discursive qu’il est décidé quelles sont les pièces et les interprétations représentables sur scène. Chaque représentation renvoie alors nécessairement à un certain modèle idéal. Ce renvoi à un modèle correspond à un processus structurel de prime importance pour la pratique théâtrale française, même si ce renvoi est en réalité un rejet du modèle. La question à laquelle cette étude tente de répondre est double: 1. Sous quelles formes ce mythe de l’authenticité apparaît-il à travers l’histoire, aussi bien dans la pratique théâtrale que dans toutes sortes d’études théoriques ? 2. Quelles nouvelles orientations ce mythe subit-il au cours de l’histoire? À l’aide de la tripartition construction / reconstruction / déconstruction nous avons développé un système d’interprétation qui permet de décrire la relation de la représentation concrète avec ce modèle mythologique. Cette relation permet de dégager les différences entre les diverses conjonctures théâtrales. Celles-ci se distinguent par leur rapport spécifique avec ce modèle idéal. D’une part nous avons essayé d’établir un cadre théorique cohérent, d’autre part nous avons greffé la structure conceptuelle binaire de cette étude sur l’analyse de huit interprétations concrètes de Britannicus, depuis la toute première représentation en 1669, jusqu’à la mise en scène de Brigitte Jaques-Wajeman pour la Comédie-Française en 2004This study focuses on the myth of authenticity, which as a necessary ideal model or frame of reference fundamentally determines the staging history of classicism in France in general and of Britannicus in particular. At the basis of this idea lies the hypothesis that this myth of authenticity takes the form of a discursive formation (‘formation discursive’) or a regime of historicity (‘regime d’historicité’), which determines what interpretation and, especially, what mode of representation is conceivable and, therefore, communicable on a stage. Every performance necessarily relates to a particular ideal model, which is of structural importance for French theatrical practice, even if this relation is ex negativo. The question this dissertation deals with is double: (1) what different forms does this myth of authenticity take on through history, in theatrical practice, but also in various theoretical writings and (2) what reorientations does the myth of authenticity go through in the course of history? The threefold division construction, reconstruction and deconstruction leads to the development of an interpretation scheme that permits to describe the relation between the actual performance and that mythological model. This relation makes it possible to differentiate various theatrical trends (the French historian Braudel used in this context the heuristic category of ‘conjoncture’), which can be distinguished because of their specific relation to that ideal model. On the one hand a coherent theoretical framework was developed, on the other hand the double research question was applied to the analysis of eight actual interpretations of Britannicus, from the very first performance in 1669 to the production of Brigitte Jaques-Wajeman for the Comédie-Française in 2004
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Lhostis, Nathalie. "Dramaturgie et morale dans les comédies de Ménandre et de Plaute. La question de l'axiologie." Thesis, Lyon, École normale supérieure, 2013. http://www.theses.fr/2013ENSL0860.
Full textAbstract:
Notre étude intitulée « dramaturgie et morale », porte sur la mise en scène des valeurs morales dans les comédies de Ménandre et de Plaute. Notre approche consiste à repérer quelles sont les valeurs mobilisées, à étudier la manière dont elles sont exprimées et articulées entre elles. Il s’agit d’analyser leur traitement et la place qui leur est conférée : sont-elles soumises à réflexion, confirmées, mises à l’épreuve ? Ainsi l’enjeu n’est pas tant de chercher la « morale » des pièces ou le message moral qu’elles délivreraient, mais de décrire l’architectonique des valeurs dans les comédies. Nous nous sommes intéressée plus particulièrement à l’axiologie, c’est-à-dire à la forme que prend l’évaluation morale dans les comédies de Ménandre et de Plaute. Quels sont les critères qui déterminent cette évaluation ? Quel est l’enjeu de cette évaluation ? La valeur, telle qu’elle apparaît dans les comédies de Ménandre et de Plaute, est essentiellement de trois types : matérielle, symbolique et éthique. La question est de comprendre comment elles sont pensées et articulées les unes aux autres dans chacun des deux corpus. Cette perspective rejoint la question du rapport entre l’intérêt particulier et l’intérêt d’autrui, centrale dans les philosophies antiques qui posent la question de savoir dans quelle mesure il est nécessaire pour l’agent éthique de prendre en compte l’intérêt d’autrui pour atteindre son propre bonheur.Une première partie est consacrée aux notions de valeurs et d’échange, autour de deux types d’échange : l’échange marchand et l’échange social, le premier mettant en œuvre une morale de type utilitariste et le second faisant appel à des vertus coopératives. Une seconde partie étudie la notion d’infraction. Il s’agit d’examiner les modalités d’évaluation d’une action singulière. Dans une troisième partie, nous étudions la comédie comme expérimentation éthiqueThis study, entitled “dramaturgy and morals”, looks at the dramatization of moral values in the comedies of Menander and Plautus. I employ an approach that identifies which values are evoked and looks at how they are conveyed and structured in relation to one another. The aim is to analyse how they are treated and the place that is accorded to them. Are they subjected to reflection, affirmed, or critiqued? Thus what is at stake is less about finding the “morals” in the plays or their supposed moral message, but rather delineating the architectonics of values in these comedies. This study will focus more specifically on axiology, that is to say the form that moral evaluation takes in the comedies of Menander and Plautus. According to which criteria is this evaluation carried out? What is at stake in this evaluation?The concept of value, as it appears in the comedies of Menander and Plautus, entails essentially three domains: the material, the symbolic, and the ethical. The issue at hand is understanding how they are conceived of and related to one another in the comedies of Menander and Plautus. Such a perspective intersects with the question of the relationship between personal interest and the interests of others, a key concern in Ancient philosophy which seeks to discover to what extent an ethical agent is obliged to take into consideration others in order to achieve happiness. The first section is concerned with the concepts of moral values and trade. It looks at two types of trade: commercial trade, which outlines the primacy of utilitarian morals, and communal trade, which is based on co-operative values. The second section deals with the idea of contravention. It examines the procedures used to judge a particular action. The third section looks at comedy as ethical experimentation
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Athanasopoulou, Dimitra. "Théâtre et psychanalyse : la femme sous le regard "masculin" de la dramaturgie." Paris 7, 2013. http://www.theses.fr/2013PA070095.
Full textAbstract:
Le rapport entre la psychanalyse et le théâtre date d' Oedipe ou bien depuis la tragédie grecque. Le mythe freudien qui a nourri la théorie psychanalytique au niveau universel est alors un « scénario grec ». Si nous considérons respectivement le théâtre comme la forme littéraire qui parle le plus de la psychanalyse et la psychanalyse comme la théorie de la dramaturgie, nous pouvons également considérer que Strindberg, Ibsen et Lorca ont créé des figures théâtrales dont le décodage revient à dire quelque chose de l'expérience de l'inconscient. Nous souhaitons ouvrir un dialogue avec ces auteurs. La trilogie Strindberg, Ibsen, Lorca vise à montrer l'image de la femme « transformée ou non transformée » par la structure psychique de l'homme dramaturge. La trilogie théâtrale rencontre alors la trilogie freudienne (névrose, psychose et perversion). Strindberg, Ibsen, Lorca mettent en scène la question féminine. Nous nous attacherons à montrer comment se construit chez eux la figure de la femme. L'homme voit la femme par le prisme de castration. Nous souhaitons montrer la falsification de la femme par castration ou délire, autrement dit la vérité de la femme du côté de l'homme. La femme a été toujours regardée au travers du fantasme, jamais abordée dans la réalité. Quel est alors le rapport de Strindberg, d'Ibsen, de Lorca à l'Autre sexe ? Comment traitent-ils la question du non rapport sexuel ? Chacun à sa manière, selon symptôme, sa structureNous constatons que Strindberg fait oeuvre jusqu'à la folie. . Nous souhaitons mettre l'accent sur la portée pour la psychanalyse d'un dramaturge considéré comme misogyne, sur ce qu'il nous apprend sur le rapport à la femme et plus précisément sur le rapport à l'étranger féminin. Nous entamerons un questionnement analogue avec Henrik Ibsen et Federico Garcia Lorca. La femme est un moyen de revisiter l'oeuvre des hommes dramaturges. Mais en retour les oeuvres deviennent un moyen de revisiter la question du fémininThe connection between psychoanalysis and theater dates from Oedipus or, rather, from the Greek tragedy. Therefore, the Freudian myth that has nourished the psychoanalytic theory in a universal level is a "Greek scenario. If we see theater as the literary form that talks about psychoanalysis more than all the other literary forms, and respectively psychoanalysis as the theory of dramatic art, we might as well consider that the greatest European dramatists of the 20th century -Strindberg, Ibsen and Lorca- have created theater characters whose decoding has something to say about the experience of the unconscious. Therefore we are wondering whether psychoanalysis would be possible without theater, without the knowledge that theater has transmitted us on the subject and its passions, if we could think about Freud without thinking about the great dramatists. So how are we going to apply psychoanalysis in a theater play? What is the text's resistance to the analytical interpretation? Our goal is not only to question the literary creation in connection to the symptom, but to study as well the female characters in Ibsen, Strindberg, Lorca in order to support our hypothesis: The woman made hysterical and blamed by the male dramatist with no regard to her structure, her sexuality, her nationality. We wish to open a dialogue with the authors. The Strindberg, Ibsen, Lorca trilogy aims to show an image of the woman "transformed or not" by the psychical structure of the male dramatist. Therefore the theatrical trilogy meets the Freudian trilogy (neurosis — psychosis and perversion)
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Boudier, Marion. "La représentation du monde sans jugement : Réalisme et neutralité dans la dramaturgie moderne et contemporaine." Thesis, Lyon, École normale supérieure, 2012. http://www.theses.fr/2012ENSL0796.
Full textAbstract:
L’idée de « représentation du monde sans jugement », double visée du réel et du neutre, rassemble des œuvres qui aspirent à donner à voir le monde sans en orienter le commentaire et en débusquant le jugement dans nos représentations. En faisant l’hypothèse d’un « réalisme neutre », nous étudions les stratégies dramaturgiques de suspension du sens qui répondent à cette intention. Nous interrogeons l’existence d’une lignée de dramaturges qui, depuis le théâtre clinique de Tchekhov et à l’opposé du théâtre critique brechtien, conduit le spectateur à « l’étonnement d’un monde sans procès » (Barthes). En confrontant ces représentations du monde sans jugement au théâtre documentaire et au réalisme critique brechtien, nous analysons un changement de paradigme dans la représentation du réel, sa modélisation clarifiante et engagée laissant place à une expérience ouverte à l’interprétation. De Horváth aux auteurs quotidiennistes, en passant par Fleisser, Adamov, Kroetz et jusqu’à des réinventions contemporaines d’un théâtre « presque documentaire », comment ces esthétiques de la monstration échappent-elles à une simple symptomatologie superficielle du monde ainsi qu’aux malentendus induits par la délégation du jugement au spectateur ? Cette question oriente notre étude des décentrements dramaturgiques du réalisme, à travers lesquels s’affirment une autre pensée de la responsabilité critique du dramaturge et une dimension politique du neutre. Les œuvres et démarches de M. Vinaver, O. Hirata, J. Pommerat et L. Norén illustrent quatre modalités de ce « réalisme neutre », de l’exemption à la pluralisation du sens, en passant par le trouble, l’errance ou le saisissement du spectateurPrejudice-free depictions of the world are the aim both of reality and of any neutral approach. They bring together works of art that show the world without inducing any commentary while exposing our opinions in all representations. We will hypothesise the concept of “neutral realism” to analyse the strategies used by dramatic arts to produce suspension of meaning. We question the existence of a tradition of dramatic authors – ranging from Tchekhov’s “clinical theater” to Brecht’s “critical theater” – that lead spectators to what Barthes termed the “astonishment upon discovering a trial-free world”. We will weigh such prejudice-free representations of the world against documentary drama and against Brecht’s critical realism. Such a comparison will evidence a paradigm shift where an explicit, committed type of modelling seems to give way to a more open interpretative experience. From Horváth to daily-life authors and to Fleisser, Adamov, Kroetz and other contemporary re-inventors of “quasi- documentary-style” drama, the question can be thus articulated: how do such illustrative aesthetics succeed in circumventing both merely superficial symptomatology of the world and the misunderstandings that might arise from the decision of leaving the viewer to judge the work on their own? The answer to the question guides our analysis of the dramatic arts’ decentering of realism, through which another vision of the responsibility of the dramatic author emerges, as well as a new take on the political nature of a neutral approach. The works and reflections of M.Vinaver, O. Hirata, J. Pommerat and L. Norén evidence four aspects of this “neutral realism”, ranging from the cancellation of meaning to multifaceted meaning and to troubled, disconnected or awed spectators
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Diassinous, Nicolas. "Crise de scène : dramaturgies poétiques du romantisme au symbolisme." Thesis, Aix-Marseille, 2018. http://www.theses.fr/2018AIXM0398.
Full textAbstract:
Cette réflexion porte sur l’influence de la poésie lyrique dans les œuvres théâtrales du romantisme au symbolisme. En essayant de confronter les corpus du drame romantique et du théâtre symboliste et en exhumant celui du théâtre des poètes parnassiens et de leurs contemporains, elle entend dégager des constantes et mettre en lumière une crise du théâtre aristotélicien, dont les effets se prolongent jusque dans les dramaturgies de l’extrême contemporain. Mais penser un théâtre de poètes, autrement dit un théâtre qui intègrerait les propriétés de la poésie lyrique au sein du genre dramatique, revient à soulever un certain nombre de paradoxes.Ce théâtre des poètes est d’abord un théâtre qui minore de plus en plus le poids de l’action, au profit de l’expression lyrique. Le drame et le système actantiel qu’il véhicule tendent à se réduire à une seule situation, unique et statique, de laquelle les conflits intersubjectifs ont été évacués. La poésie lyrique, de par sa subjectivité, intériorise le drame et c’est désormais au sein d’un même sujet qu’il faut chercher les composantes dramatiques. Son intérêt pour l’intériorité conduit le théâtre des poètes à délaisser le système de la représentation mimétique, parce qu’il préfère, à la réalité objective et concrète, le domaine plus abstrait des idées. Cette subjectivité qu’importe la poésie dans le genre théâtral pousse finalement les dramaturges à braver le tabou absolu du théâtre aristotélicien, à savoir la présence du poète dans son œuvre : la lyricisation du théâtre entraîne ainsi la manifestation du poète dans sa pièceThis reflection deals with the influence of lyrical poetry over theatrical works from romanticism to symbolism. By confronting the corpuses of the romantic drama and the symbolist theater, but also by exhuming the Parnassiens’ theater, it envisions encountering constants and highlighting a crisis of Aristotelian theater whose effects extend up until the most contemporary dramaturgies. But considering the existence of a theater by poets, one that integrates the characteristics of lyrical poetry into the dramatic forms, raises several paradoxes. This theater by poets is before all one that reduces more and more the importance of the action, in favour of the lyrical expression. The drama and the actantial model it implies get converted in one unique and static situation, where all the intersubjective conflicts have been erased. Because of its subjectivity, lyrical poetry internalizes the drama: and thus all the dramatic components have to be searched for inside the subject. Its interest for interiority leads the theater by poets to abandon the mimetic representation system, because of its favouring of the abstraction of ideas over the objective and material reality. This subjectivity imported by poetry into the dramatic form explains why the dramatists break the absolute taboo of Aristotelian theater: the poet’s presence inside his play. The lyricisation of theater entails the poet’s manifestation in a form where it is prohibited
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Tchamitchian, Raphaëlle. "Dramaturgie / jazz. Le théâtre de Suzan-Lori Parks ˸ poétique et expérience créatrice." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030038.
Full textAbstract:
Cette thèse en Études Théâtrales vise à théoriser la tension « dramaturgie / jazz » à travers l’œuvre de l’autrice dramatique africaine américaine Suzan-Lori Parks. Née en 1963, Suzan-Lori Parks est aussi célèbre aux États-Unis qu’elle est inconnue en France. Traversé par la mémoire de l’esclavage et de la traite négrière, son théâtre dé(re)configure l’Histoire pour inverser le point de vue dominant, fabriquer un nouveau récit et apporter réparation aux vivants et aux morts. Aborder son écriture au prisme du jazz, c’est inclure dans l’espace de la réflexion la « double conscience » constitutive de sa poétique, et les enjeux anthropologiques, historiques et politiques qui y sont associés.Dans son théâtre, le jazz n’est pas seulement une présence musicale, mais une vision du monde, un complexe de conduites poétiques et une présence organique qui met l’écriture en mouvement de l’intérieur. De cette présence/absence paradoxale émerge non pas un modèle mais un ensemble de lignes de fuite. Instruites par le jazz, la liquidité et la fugitivité apparaissent comme les éléments clefs d’une poétique de la variabilité. Cette poétique est tributaire de l’expérience créatrice de l’autrice, laquelle donne en retour naissance à une expérience créatrice chez le spectateur. In fine, il s’agit de comprendre la manière dont le jazz affecte le théâtre au point de produire un autre type de théâtreThis dissertation in Theatre Studies aims to theorize the tension between “drama / jazz” through the works of African American playwright Suzan-Lori Parks. Born in 1963, Suzan- Lori Parks is as famous in the United States as she is little known in France. Informed by the memory of slavery and the African slave trade, her theatre dis(re)members History to reverse the dominant discourse, make a new story and provide reparation to the living and the dead. By approaching her writing through jazz, we take into account the “double consciousness” that is constitutive of her poetics, and the anthropological, historical and political issues it raises. In her theatre, jazz is not only a form of music, but also a way of looking at the world, a cluster of poetic conduits and an organic presence that sets the writing in motion from within. From this paradoxical presence/absence what emerges is not a model but instead a group of converging lines of flight. Liquidity and fugitivity appear to be key jazz-shaped elements of a poetics of mutability. This poetics is linked to the creative experience of the playwright, which in turn gives birth to a creative experience for the spectator during performance. In short, the task is to understand the ways jazz affects theatre to the point of producing a new kind of theatre
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Michel, Carole. "La dramaturgie d'Egon Wolff : itinéraire dramatique pour une unité entre individu et société." Besançon, 2002. http://www.theses.fr/2002BESA1018.
Full textAbstract:
Cette thèse présente et analyse la dramaturgie de l'auteur chilien Egon Wolff. Après avoir posé les fondements méthodologiques de l'étude, l'ensemble de la production d'Egon Wolff est envisagée, puis sept oeuvres analysées de façon détaillée afin de mettre en relief l'unité dramatique wolfienne longtemps décriée par la critique.
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Lamy, Mathilde. "Cléopâtre dans les tragédies françaises de 1553 à 1682 : Une dramaturgie de l’éloge." Thesis, Avignon, 2012. http://www.theses.fr/2012AVIG1114/document.
Full textAbstract:
Dernière reine d’Égypte, Cléopâtre est, en France, la première héroïne de tragédie. Présentée comme un monstre de débauche et d’ambition par les auteurs latins, elle devient une figure majestueuse et digne sur la scène : la dramaturgie humaniste naît sous le signe de l’éloge.L’entrelacement des thèmes et des motifs, la composition des pièces ainsi que le travail stylistique et rhétorique des dramaturges mettent en place un tribunal où est instruit le procès de Cléopâtre, l’étrangère, la femme fatale qui a déjà séduit César et qui, responsable d’Actium, précipite la mort de Marc Antoine. Mais le suicide de la reine est mis en valeur par le recours au dénouement étendu, instrument dramaturgique au service d’une logique d’héroïsation. Ainsi réhabilitée dans le théâtre humaniste et « classique », la figure de Cléopâtre illustre à merveille la définition du héros tragiqueCleopatra, the last queen of Egypt, is the first heroine of tragedy in France. Depicted by Latinauthors as a debauched and ambitious monster, she became a lofty and dignified figure onstage: thus was born humanist dramaturgy under the sign of eulogy. The interlacing ofthemes and topics, the composition of the plays together with the stylistic and rhetorical workof the playwrights set up a court where is conducted the trial of Cleopatra, the foreigner, thefemme fatale who had seduced Caesar and who, responsible for the defeat of Actium,hastened Mark Antony’s death. But the suicide of the queen is enhanced by the use of theextended outcome, a dramatic instrument serving a logic of heroizing. Thus cleared of hermisdeeds in the humanist and "classic" theatre, the figure of Cleopatra marvelouslyillustrates the definition of the tragic hero
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Boudrika, Mohammed Amin. "Jan Fabre : dialogue du corps et de la mort. Ecriture, scénographie et mise en scène." Thesis, Normandie, 2018. http://www.theses.fr/2018NORMR154/document.
Full textAbstract:
Le dialogue du corps et de la mort chez jan Fabre est fondé sur un corpus de textes théâtraux. En ce qui concerne la démarche de mon travail, elle était principalement axée sur trois volets principaux d’abord les héritages et les inspirations artistiques et culturelles ensuite le rituel et le sacrifice dans sa dimension historique philosophique et artistique et enfin la fabrication du spectacle : de la genèse à la représentation scénique. L’objectif de ma thèse est de démontrer la volonté de l’artiste d’affranchir les limites, de violer les codes de la société et de créer un langage artistique authentique inspiré de toute matière possible pour toucher à la vulnérabilité de l’homme contemporain. Pour ce faire Jan Fabre a élaboré une méthode de travail qui fait redécouvrir un corps brut et instinctif, un corps générant une énergie vitale résultant ainsi à des sensations fortes. Dans ce processus de travail j’ai remarqué que pour Fabre la notion de recherche a une place primordiale en se basant sur une évolution conceptuelle, philosophique et historique. Jan Fabre construit ses spectacles de sorte que tous les composants de la représentation s’entremêlent. Une écriture textuelle et visuelle singulière construit une sorte d’état post-mortem dans le sens où la logique est cédée à l’intuition, une écriture qui offre un univers scénique riche d’images et d’allégories. Une composition scénique où l’espace, le temps et le rythme se basent surtout sur la tension et l’élaboration d’une atmosphère rituelle. Finalement le corps et la mort dans son univers font unité et il manifeste un travail récurant entre l’apparition et la disparationJan Fabre's dialogue of body and death is based on a body of theatrical texts. Regarding to the approach of my work, it was mainly focused on three main aspects, first the inheritances and the artistic and cultural inspirations, then the ritual and the sacrifice in its historical philosophical and artistic dimension, and finally the production of the performance: from genesis to scenic representation. The goal of my thesis is to demonstrate the artist's desire to overcome the limits, to violate the codes of society and to create an authentic artistic language inspired by all possible materials to touch the vulnerability of contemporary man. To do this Jan Fabre has developed a method of work that rediscover a body raw and instinctive, a body generating a vital energy and resulting in strong sensations. In this work process I noticed that for Fabre the notion of research has a primordial place based on a conceptual, philosophical and historical evolution. Jan Fabre builds his performances so that all the components of the performance interweave. A singular textual and visual writing constructs a sort of post-mortem state in the sense that logic is ceded to intuition, a writing that offers a scenic universe rich in images and allegories. A scenic composition where space, time and rhythm are based mainly on tension and the development of a ritual atmosphere. After all, the body and death in his universe are united and he manifests a recurring work between the appearance and the disappearance
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Rahbari, Morvarid. "Le féminin dans l’œuvre dramatique de Samuel Beckett." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA148/document.
Full textAbstract:
Dans l’œuvre de Samuel Beckett, les personnages féminins qui au début sont quasi absents, prennent de plus en plus d’importance et présentent alors différentes images féminines. L’univers féminin qui apparaît ne cesse de prendre de l’ampleur. Pour aborder le fait féminin, il faut prendre en compte les différents langages esthétiques spécifiques des personnages-femmes. En effet, ces langages - faits de diverses tournures imagées -, mettent en exergue l’identité féminine de ces personnages. Ces langages recouvrent de nombreux domaines : corporel, gestuel, scénique et pictural. Cette recherche permet de mieux comprendre le traitement du féminin dans l’œuvre dramatique de Samuel Beckett et de souligner les aspects majeurs des personnages fémininsIn Samuel Beckett’s works the female characters are seen to be absent at the beginning, but throughout the story their presence becomes more significant, and represents the different images of the female characters.The female characters in his work expand and grow constantly.To understand the female characters, we need to analyze the languages that have been used by each character. The languages provide a different image which highlights the identity of each character. They also cover many areas such as body, gestural, scenic, and pictorial. This research paper helps us to better understand how Samuel Beckett deals with feminine in his works, and highlights the major features of the female characters
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Jori, Constance. "La dramaturgie dialectale à Naples dans la première moitié du XVIIIème, de la comédie en prose à la commedeja pe mmuseca : parcours linguistiques, figures de l'ambigui͏̈té." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030052.
Full textAbstract:
Au debut du xviii eme, lorsque naples passe sous la domination autrichienne, un nouveau genre theatral dialectal se developpe, a la fois en prose et en musique. De 1706 a 1730 environ, ces commedeje pe mmuseca (<< comedies en musique >>) entierement en dialecte mettent en scene le milieu populaire urbain. Elles semblent surgir des nouvelles exigences rationalistes de reforme litteraire, au nom de la nature, d'une volonte de rupture avec la tradition baroque. Le <
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Picco, Frédéric. "Les Maîtres de l'illusion dans l'oeuvre de Sophocle : étude sur l'influence de la sophistique dans "Ajax", "Les Trachiniennes", "Electre" et "Philoctète"." Paris 10, 1997. http://www.theses.fr/1997PA100206.
Full textAbstract:
Le propos de ce travail est de montrer en quoi sophocle est influence par la sophistique. Trop souvent l'on croit qu'euripide seul est inspire par les reflexions des sophistes. Mais si l'on etudie le probleme du vrai, du faux et de la tromperie chez sophocle, l'on s'apercoit que ses tragedies posent toujours le probleme de la vraisemblance et de l'illusion. Ensuite il est clair que sophocle montre toujours les consequences de la tromperie, ce qui le distingue d'euripide. Nous fondons notre analyse sur quatre pieces: ajax, les trachiniennes, electre et philocteteThe aim of this work is to show how an influence of sophistry upon the theatre of sophocles can be felt. Too often critics have thought that euripides alone was inspired by the reflexions of the sophists. But if one studies the problem of truth, falsehood and deceit in sophocles, then one notes that his tragedies set the problem of likelihood and illusion. Besides, it is clear that sophocles always shows the consequences of deceit, a point that distinguishes him from euripides. Our analysis is based upon four tragedies: ajax, the trachiniae, electra, and philoctetes
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Wesseler, Fedora. "Dramaturgies du Sublime entre théâtre et opéra (1890 – 1939) : présence et métamorphose d’un concept dans l’écriture théâtrale de Romain Rolland, Richard Beer-Hofmann, William Butler Yeats et Hugo von Hofmannsthal." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040194.
Full textAbstract:
Au début du XXe siècle, la scène européenne est marquée par une recherche de nouvelles formes d’expression théâtrale, qui coïncide avec un refus du matérialisme. Le Sublime comme conscience de la dignité humaine, tel qu’il fut défini par Schiller, prend de l’importance : rempart face au changement perpétuel qui caractérise la condition humaine, le Sublime devient solidaire d’une conscience de l’Histoire et confère à l’homme une part infime d’éternité. Les efforts de W. B. Yeats pour fonder une communauté irlandaise à l’Abbey Theatre, de Max Reinhardt et de Hugo v. Hofmannsthal pour donner naissance au Festival de Salzbourg, mais aussi le projet de Romain Rolland d’un « Théâtre du Peuple », ou encore le théâtre de Richard Beer-Hofmann qui vise à réunir les individus par la mémoire d’un passé commun, manifestent la mission attribuée au théâtre. Les quatre auteurs donnent une réponse aux forces destructrices de leur temps en créant un théâtre de la dignité humaine où l’héroïsme sublime subit une métamorphose grâce à une nouvelle valeur : la compassion. L’imagination qui la rend possible devient essentielle à la dramaturgie du Sublime. Étudié en tant que principe philosophique et dramaturgique, le Sublime révèle alors sa filiation avec l’opéra et le mélodrame. Leurs interférences, déjà présentes chez Schiller, témoignent de la volonté d’élever les spectateurs au-dessus du quotidien grâce à une dramaturgie visionnaire fondée sur l’aspiration à une réalité supérieurEuropean drama at the beginning of the 20th century was in search of new forms of artistic expression. In this context which coincides with the rejection of materialism, the Sublime as consciousness of human dignity gained in importance. A bulwark against the perpetual and inevitable succession of human life, the Sublime as defined by Schiller more than a century earlier attained equality with the awareness of History, lending to humankind an element of eternity. The efforts of W.B. Yeats to restore a sense of Irish community at the Abbey Theatre, those of Max Reinhardt and Hugo von Hofmannsthal who created the Salzburg Festival, but also Romain Rolland’s project of a « People’s Theatre » as well as Richard Beer-Hofmann’s plays which integrated the memory of the past, all reveal the reconciliatory function newly conferred on drama. These four authors found an answer to the destructive forces of their time by creating a drama of human dignity in which sublime heroism shifts through compassion. Its source, imagination, plays an essential role in the dramaturgy of the Sublime. The examination of the Sublime as a philosophical and dramatic principle elucidates its relationship to both opera and melodrama. The overlapping of genres can already be noticed in Schiller’s plays and proves the intention of raising the audience above the daily round, thanks to a visionary dramaturgy, based on the longing for a higher reality
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Balkowski, Tatiana. "Daniel Danis : une dramaturgie du retrait." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0075.
Full textAbstract:
À partir d'une lecture thématique, structurale et stylistique de l'œuvre dramatique de Daniel Danis, ce travail a pour objectif premier de définir ce qu'est le retrait. Motif de fond et au fondement de l'écriture de l'auteur, le retrait est une figure essentielle, d'une part, parce qu'elle est à la base de son système dramaturgique, d'autre part, parce qu'elle est corrélée à la « préoccupation fondamentale » de l'auteur, à savoir « l'Être ». Le retrait étant le lieu et la forme de l'Être, la phénoménologie du retrait dans l'œuvre de Danis permet de répondre à la question ontologique « qu'est-ce que l'Être ? ». En outre, comme l'ontologie est indissociable de l'ontique, la figure du retrait permet à l'auteur de réfléchir à la question de la représentation et, en cela, au théâtre, qui est l'art de représenter l'absence. Selon les différentes caractéristiques que prend la figure du retrait dans les textes de notre corpus, nous établirons quatre types de retrait : le retrait qui marque l'absence ; le re-trait comme tentative de démarcation ; le retrait comme répétition de l'absence ; le retrait comme présence de l'absence, ou comme absence marquée et remarquée. Cette classification devra nous permettre de mettre en avant tout ce qui est en retrait dans l'œuvre de Danis (mot, images, idées, figures), et de faire apparaître le lien indéfectible entre ontologie et dramaturgie, discours sur l'Être et discours de l'êtreThis essay provides a thematic, structural and stylistic analysis of Daniel Danis' dramatic writings, with the main goal of defining the concept of withdrawal (retrait). A fundamental pattern and a foundation of the author's writing, the figure of withdrawal appears as an essential one, on the one hand because it lies at the basis of Daniel Danis' dramaturgie system, and on the other hand because it is related to the author's "fundamental concern" with the "Being". Seeing that withdrawal is the place and the form of the "Being", the phenomenology of withdrawal in Danis' work enables us to answerthe ontological question: "What is the Being?" Moreover, ontology being inseparable from the ontic, the figure of the withdrawal enables the author to consider the question of representation and, in doing so, to reflect on theater, which is the art of representing the absence. In relation with the different characteristics of the withdrawal in our body of texts, we will establish four types of withdrawal: withdrawal as a mark of absence; "with-drawal" as an attempt to demarcate, to draw a dividing line; withdrawal (retrait) as a repetition of the absence (in reference to the meaning of the prefix "re-" in French, as the mark of the repetition); withdrawal as a presence of the absence, or as a denoted and noted absence. Such a categorization will enable us to highlight all that is withdraw in Daniel Denis’ work (words, images, ideas, figures) and, more generally, to evidence the unfailing link between ontology and dramaturgy, between speech on the Being and speech of the being
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Afkir, Fatima. "L'image de l’Égypte dans l’oeuvre de Tawfīq al-Ḥakīm." Thesis, Bordeaux 3, 2014. http://www.theses.fr/2014BOR30059/document.
Full textAbstract:
Si on contemple l’abondante production du dramaturge, on réalise à quel point l’Égypte est omniprésente dans ses écrits et dans sa vie. Elle couronne l’ensemble de son oeuvre littéraire qui met en lumière chacun des différents aspects de ce pays : social, historique, culturel et politique. Cependant, dans cette étude, nous allons essayer de limiter notre sujet de l’Image de l’Égypte dans l’oeuvre de T. al-Ḥakīm à deux époques celle de la révolution de 1919, et celle de 1952. Ses écrits retracent clairement ces deux évènements importants. Sa façon de penser, d’écrire, de critiquer et d’analyser avant et après la révolution de 1919 n’est plus la même après la révolution de 1952. D’un écrivain rêveur, idéaliste, il en devient un autre plus réaliste et engagé littérairement. Notre problématique globale s’articulera autour des questions suivantes : quelle représentation l’oeuvre de Tawfīq al-Ḥakīm donne-t-elle de l’Égypte ? Peut-on considérer son retour aux mythes anciens comme une continuité entre l’Égypte moderne etl’Égypte ancienne ? Dans une première partie nous traitons les deux révolutions qui ont eu des répercussions sur ses écrits et sa vision politique. La deuxième partie, abordera la société de son roman ‛Awdat al-rūḥ, (l’Âme retrouvée), 1933, dans lequel il décrit une Égypte vue par un égyptien de souche et les liens forts qui unissent ce peuple à sa nation. La troisième partie sera réservée à la femme et au fallāḥ qui ont énormément inspiré l’écrivain. La quatrième partie sera consacrée à l’Égypte pharaonique. On va voir comment il a pu être influencé par l’Égypte ancienne pour décrire l’Égypte moderne. Nous nous appuyons aussi sur plusieurs lectures de différents auteurs afin de trouver une authenticité entre ce qu’il écrit et ce qu’il pense, entre la réalité et l’imagination dans ces oeuvres. Nous analyserons comment il voit, observe et critique son pays natalIf we contemplate the playwright's rich production, we realise to what extent Egypt plays a prominent part in his work and life. It is the crowning achievement of his literary work which highlights all the aspects of this country, social, historical, cultural and political However, in this study, we will try to limit our subject of The image of Egypt in T.al-Hakim's work to two particular eras, the revolutions of 1919 and 1952. His writings clearly relate those major events. The way he thinks, writes, criticizes and analyses before and after the 1919 revolution is no longer the same after the 1952 revolution. He started being a dreamy idealistic writer, and turned into another one, more realistic and committed in his literary work. Our global problematics will hinge on the following issues: what representation of Egypt does Tawfiq al-Hakim's work give? Can we regard his return to ancient myths as a continuity between modern Egypt and ancient Egypt? In a first part, we deal with the two revolutions which have had repercussions on his writings and political vision. The second part will tackle the society of his novel, in which he describes a country seen through a native Egyptian, and the strong ties which link the Egyptian people to their nation. The third part will focus on women and on the fallah, which greatly inspired the writer. The fourth part will be dedicated to the Pharaonic Egypt. We will see how far he has been influenced by ancient Egypt to descibe the modern one. We have relied on a few works of different writers so as to find an authentic link between what he writes and thinks reality and imagination in his works. We will analyse the way he sees, observes and criticizes his own country
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Ding, Ruoting. "La Légitimité visible. L’usurpation du pouvoir dans le théâtre français du XVIIe siècle (1636-1696)." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040075.
Full textAbstract:
Ce présent travail étudie la mobilisation des concepts relatifs à la légitimité et à l’usurpation dans le théâtre français classique, et a pour corpus toutes les pièces (tragédies, tragi-comédies et comédies héroïques) représentant des perturbations étatiques liées à l’usurpation entre 1630 et la fin du XVIIe siècle. Si la mise en scène de bouleversements politiques extraordinaires confère une certaine grandeur à l’œuvre dramatique, elle implique un aspect référentiel qui, surtout dans une France où l’absolutisme s’établit et s’affirme, pourrait conduire à une difficulté. Or, c’est précisément cette problématique qui assure l’efficacité propre du thème de l’usurpation. La référence idéologique et morale est elle-même mobilisable sur un plan dramaturgique et peut constituer un élément structurant de l’effet dramatique, assurer l’engrenage de l’action, et répondre à une vision poétique. En même temps, à travers ces procédés dramaturgiques, les pièces construisent leur sens qui, tout en faisant écho à l’absolutisme monarchique, peut parfois présenter un écart par rapport aux réflexions politiques contemporaines. Cette étude s’articule autour de trois concepts – le droit de régner, le devoir de régner et la volonté de régner. L’analyse de la manière concrète de leur mise en place mène à une réflexion sur l’évolution du traitement du thème durant le siècle et sur le rapport complexe entre idéologie et dramaturgieThis piece of work studies the mobilization of concepts relating to legitimacy and usurpation in classical French theater. The corpus includes all plays (tragedies, tragi-comedies and heroic comedies) representing state-level disruptions linked to usurpation from 1630 to the end of the seventeenth century. If the representation of extraordinary political disorders makes the subject of a play more elevated, it also implies a referential dimension that could give rise to a complication, especially in a France where absolutism was taking shape. Yet it is precisely this problem that warrants the value of the theme of usurpation. Once dramaturgically mobilized, the ideological and moral reference constitutes a structural element that creates the dramatic effect, which ensures the circle of the action and echoes a poetic vision. At the same time, through these dramaturgical features, the plays construct their meaning, which besides reflecting absolutist ideology can sometimes deviate from contemporary political thought. This study hinges on three concepts – the right to rule, the duty to rule and the will to rule. The analysis of the concrete means of their implementation is followed by a reflection on the evolution of the treatment of the theme throughout the century as well as on the complex relationship between ideology and dramaturgy
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Ngo, Bilong Ate Elise Flore. "Etude de l'action dans la dramaturgie de Montherlant." Phd thesis, Université Paris-Est, 2010. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00647136.
Full textAbstract:
Henry de Montherlant a développé tout au long de sa vie une œuvre théâtrale importante et variée. La problématique de l'action fournit une piste pour pénétrer dans son univers dramaturgique. Selon les critiques contemporains, les pièces de Montherlant manquent d'action. Le dramaturge a renoncé aux coups de théâtre et rebondissements extérieurs pour créer une action dont la seule machinerie consiste à décrire les mouvements intérieurs de l'âme humaine. Cet idéal est inspiré d'une conception classique du théâtre où la simplicité de l'action conduit à l'analyse psychologique. Le but de ce travail est d'identifier l'action et d'analyser son fonctionnement. La première partie, s'appuyant sur la théorisation antique de la dramaturgie, aborde l'action comme intrigue. La partie suivante montre comment l'action extérieure, superposée au mouvement, est supplantée par la parole : l'action est alors considérée comme acte. Cette partie complète l'étude de l'action avec trois approches : l'approche pragmatique et l'approche communicationnelle d'une part, qui permettent d'analyser le phénomène de la parole comme acte, et l'analyse actantielle d'autre part qui appréhende la psychologie du personnage que la dramaturgie classique et néo-classique appelle le caractère, et montre comment l'auteur construit l'intrigue. La dernière partie est consacrée au temps et à l 'espace comme éléments constitutifs de l'action dramatique.
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Vennemann, Aline. "Architectures et architectures de la mémoire : le théâtre d’Elfriede Jelinek et de Peter Wagner (1991-2011)." Thesis, Rennes 2, 2013. http://www.theses.fr/2013REN20039/document.
Full textAbstract:
Le théâtre d'Elfriede Jelinek et de Peter Wagner s'inscrit dans la (re/con)quête d'une identité mise à mal par les traumatismes successifs de l'histoire austro-allemande ainsi que par les relations contradictoires qu'entretient le peuple germanique avec son passé fasciste. A la montée des commémorations officielles depuis le début des années 1990, qui va de pair avec la disparition des derniers témoins de la Shoah, les textes, tout comme les mises en scènes et performances vocales qu'ils suscitent, opposent un théâtre des lieux et des milieux de la mémoire. L'analyse des stratégiestextuelles et scéniques, sous l'angle des formes, structures et des enjeux de la mémoire et du souvenir, met au jour une esthétique théâtrale particulière de ce que l'on peut appeler un art du « remembrement»Elfriede Jelinek and Peter Wagner's plays are part of the quest for—or conquest of—an identity shaken by the traumas of Austro-German history, and by the contradictory relationship between the Germanic peoples and their fascist past. The 1990s saw the deaths of many of the last Holocaust witnesses, and an increase in official commemorations to which the texts, as well as their staging and their vocal performance, respond through sites of memory and real environments of memory. The analysis of textual and scenic strategies, in particular the forms, structures and implications of memory, shedslight on a special theatrical aesthetic belonging to what may be called an art of « rememberment»
Das Theater von Elfriede Jelinek und Peter Wagner trägt zur Wieder(an)erkennung und Wiederfindung einer Identitätbei, die durch die sukzessiven Traumata der österreichischdeutschen Geschichte sowie durch das widersprüchlicheVerhältnis Deutschstämmiger zu ihrer faschistischen Vergangenheit beeinträchtigt wurde. Den offiziellen Gedenkfeiernseit Anfang der 1990er Jahre, die mit dem allmählichen Verschwinden der letzten Holocaust-Zeitzeugen einhergehen,setzen die von ihnen hervorgerufenen Texte, Inszenierungen und stimmlichen Performances ein Theater derGedächtnisorte und -räume entgegen. Die Analyse der textuellen und szenischen Strategien unter dem Blickwinkelder Formen, Strukturen und Funktionen von Erinnerung und Gedächtnis bringteine spezielle Theaterästhetikdessen an den Tag, was alseine Kunst «erinnernderWieder-Holung» bezeichnetwerden kann
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Postert, Kirsten. "Tragédie historique ou Histoire en Tragédie ? : les sujets d’histoire moderne dans la tragédie française (1550-1715)." Thesis, Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040235.
Full textAbstract:
Dès son apparition en 1550, la tragédie française trouve la plupart de ses sujets dans l’histoire. Si les auteurs dramatiques, suivant le goût du temps, semblent favoriser l’histoire antique ou mythologique, les sujets d’histoire moderne ou contemporaine n’en sont pas moins très présents dans la production théâtrale des années 1550-1715. Le présent ouvrage explicite les liens entre histoire et tragédie : il ne confronte pas seulement œuvres dramatiques et histoire véritable, il met aussi en lumière les rapports entre historiographie et écriture dramatique aux XVIe et XVIIe sièclesFrom its apparition in 1550, French tragedy tends to draw most of its subjects from history. Though most dramatic authors, according to the taste of the times, tend to favour classical or mythological plots, subjects drawn from modern or contemporary history are nevertheless very present in the works produced between 1550 and 1715. The present work seeks to explain the links between history and tragedy. It compares not only the dramatic works with real historical events but also seeks to illuminate the relationship between historiography and dramatic writing in the 16th and 17th centuries
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Issiaka, Diafar. "Scénographies du crime dans quelques nouvelles de Guy de Maupassant." Electronic Thesis or Diss., Université Clermont Auvergne (2021-...), 2022. http://www.theses.fr/2022UCFAL009.
Full textAbstract:
La présente étude se donne pour but d’analyser les scénographies du crime dans les nouvelles de Guy de Maupassant. Le crime étant au cœur des nouvelles maupassantiennes, le concept de scénographie permet une large analyse dans sa mise en scène. L’ethos permet de cerner le criminel dans son profil mais aussi dans ses agissements, dans ses prises de parole à l’intérieur du texte. L’étude de la scénographie du crime qui s’articule autour de la mise en scène du crime nous permettra de questionner les procédés énonciatifs et narratifs en nous intéressant à la polyphonie, au monologue et au dialogue afin de comprendre le langage du crime et du criminel maupassantien. L’analyse du fait divers a permis de comprendre l’écriture du crime mais aussi nous a montré l’étroitesse du lien qui unit la presse et la littérature au XIXe siècle. Le corpus de cette étude est composé d’un ensemble de nouvelles de Guy de Maupassant. Toutes ces nouvelles reposent sur la mise en scène du crime. Le choix de ces nouvelles réside dans cette mise en scène plurielle liée au principal personnage. C’est ce qui a permis de cerner les questions esthétiques et la poétique du crime en cette fin du XIXe siècle chez Guy de MaupassantThe purpose of this study is to analyze the scenographies of crime in Guy de Maupassant's short stories. The crime being at the heart of Maupassant's short stories, the scenography concept allows a broad analysis in its staging. The ethos makes it possible to identify the criminal in his profile but also in his actions, in his speeches within the text. The study of the scenography of the crime which is articulated around the staging of the crime will allow us to question the enunciative processes and the narrative by interesting us in the polyphony, the monologue and dialogue in order to understand the language of the crime and Maupassantian criminals. The analysis of the news item made it possible to understand the writing of the crime but also showed us the closeness of the link which united the press and literature in the 19th century. The corpus of this study is composed of a brunch of short stories by Guy de Maupassant. All these short stories have in common the staging of the crime. The choice of these short stories lies in this plural staging linked to the main character. This is what made it possible to identify the aesthetic questions and the poetics of crime at the end of the 19th century with Guy de Maupassant
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Al, Iftaihat Mareim. "Le comique problématique dans l'œuvre d'Eugène Ionesco." Thesis, Lyon 2, 2013. http://www.theses.fr/2013LYO20058.
Full textAbstract:
Eugène Ionesco est un «nouveau classique» dont la dramaturgie est à la fois en rupture avec la dramaturgie traditionnelle et en progrès sur elle, la dramaturgie ionescienne est alors labyrinthique. Les composants de cette dramaturgie sont également labyrinthiques : la construction dramatique, les personnages, le langage, le temps et l'espace. Ce labyrinthe total mène à une absurdité totale celle de l'indécision et de déséquilibre. Pour envisager cette absurdité, l'homme ionescien a recours à la révolte, à l'indifférence et au rêve, mais il se heurte toujours à sa condition tragique d'un errant sans racines ni buts. Il ne lui reste alors que le rire, d'où la naissance d'un comique à la recherche de son identité. C'est le comique problématique d'Eugène Ionesco. L'aspect problématique de ce comique est dû aux points suivants : premièrement, sa naissance dans une ambiance labyrinthique crée l'absurde qui rend incertaine même l'humanité de l'homme. Deuxièmement, ce nouveau comique s'inspire du comique classique de Molière, mais son essence n'est plus d'instruire, de corriger ou de plaire mais de réfléchir. Troisièmement, ce comique révèle la condition tragique de l'homme par des scènes qui augmentent l'angoisse au lieu de la dissiper. Par conséquent, c'est un comique problématique soit par rapport au tragique, soit par rapport au rire qui devient, à son tour, un effet du tragique. C'est pour cette raison que ce comique reste ouvert à de multiples hypothèses même celle de son inexistenceEugene Ionesco is a "new classic" which is both dramatic break with the traditional drama and progress on it, the ionesco's dramatic is so labyrinthine. The components of this dramatic are labyrinthine: the dramatic structure, personages, language, time and space. This total maze leads to the utter nonsense of indecision and imbalance. To consider this absurdity, the ionescien man uses the revolt, indifference and dreams, but he still faces his tragic condition of a rootless wanderer or goals. He is left while laughing, hence the birth of a comic in search of his identity. This is the comic problematic of Eugene Ionesco. The problematic of this comic appearance is due to the following points: first, his birth in a labyrinthine environment creates the absurd makes uncertain even the humanity of man. Second, this new comic inspired by the classic Molière comic, but its essence is not to instruct, correct or pleasing but to reflect. Thirdly, the comic reveals the tragic condition of man by scenes that increase anxiety rather than dissipate. Therefore, this problematic is a comic or tragic compared to or relative to laughter becomes, in turn, an effect of tragedy. It is for this reason that this comic remains open to many assumptions even of its nonexistence