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Journal articles on the topic 'Douleur dans les arts du spectacle'

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Author: Grafiati

Published: 27 July 2024

Last updated: 28 July 2024

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1

Dubreuil, Clément, and Delphine Dion. "Le spectacle de la douleur dans l’expérience : une étude dans les stades de rugby." Recherche et Applications en Marketing (French Edition) 34, no. 4 (January 16, 2019): 31–51. http://dx.doi.org/10.1177/0767370118812559.

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Abstract:

Résumé Cette recherche s’attache à comprendre comment le spectacle de la douleur contribue à l’expérience des spectateurs. Reposant sur une approche abductive et une collecte de données mixte et longitudinale de trois ans dans les stades, ce travail identifie quatre fonctions du spectacle de la douleur, en détaille les modalités et la progressivité. Cette recherche sur les matchs de rugby contribue à la littérature sur l’expérience et sur la douleur. Premièrement, elle approfondit la compréhension de l’ambivalence des expériences. Elle montre que les dimensions négatives de l’expérience sont valorisées par un système moral et normatif. Deuxièmement, cette recherche contribue à approfondir les connaissances sur l’attrait de la douleur, en montrant son association à un contenu symbolique. Troisièmement, elle introduit le concept de domestication de la violence face à la douleur. Le spectacle de rugby s’inscrit dans une dialectique nature / culture, avec d’un côté une violence pseudo-primitive et de l’autre une sophistication de codes et de règles. Des recommandations managériales et des perspectives de recherche sont également présentées.

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2

Therrien, Ève Irène. "Le Corps sous le signe de la torture : une question de plaisir. Le Théâtre médical des Laboratoires Crête." L’Annuaire théâtral, no. 34 (May 6, 2010): 161–76. http://dx.doi.org/10.7202/041547ar.

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Abstract:

L’article propose d’analyser le premier spectacle des Laboratoires Crête, plus particulièrement le protocole intitulé : lien de causalité entre douleur physique et interprétation chez l’acteur en représentation. Le but de l’expérience de la douleur vise à enrichir le jeu de l’acteur. Pourtant l’essai démontre une dichotomie : l’hypersensibilité du corps du comédien ajoute à sa performance ou, au contraire, empêche l’interprétation du personnage. Dans le cadre des Laboratoires, violence et jeu sont à la base du spectacle. Aussi, le parallèle entre le sadomasochisme et le théâtre s’impose. L’article étudie la structure sadomasochiste, plus particulièrement la relation bourreau-victime et voyeur, pour mieux comprendre l’enjeu d’une telle épreuve théâtrale.

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3

Wagner (editor, first and second book), Marie-France, Claire Le Brun-Gouanvic (editor, first and second book), and Nathalie Dauvois (review author). "Les arts du spectacle dans la ville (1404-1721); Les arts du spectacle au théâtre (1550-1700)." Renaissance and Reformation 37, no. 2 (January 1, 2001): 92–95. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v37i2.8700.

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4

Ransom, Holly E., Marie-France Wagner, and Claire Le Brun-Gouanvic. "Les Arts du Spectacle dans la Ville (1404-1721)." Sixteenth Century Journal 34, no. 3 (October 1, 2003): 847. http://dx.doi.org/10.2307/20061574.

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5

Canova-Green, Marie-Claude, Marie-France Wagner, and Claire Le Brun-Gouanvic. "Les Arts du spectacle dans la ville (1404-1721)." Modern Language Review 97, no. 4 (October 2002): 958. http://dx.doi.org/10.2307/3738650.

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6

Nadeau, Anne, Caroline Raymond, and Martin Lépine. "La transposition didactique du spectacle professionnel comme objet de savoir en classe d’arts : proposition d’un modèle d’analyse intégratif." Didactique 2, no. 2 (October 27, 2021): 41–62. http://dx.doi.org/10.37571/2021.0203.

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Abstract:

Dans le cadre scolaire, les disciplines associées au domaine des arts se distinguent par leur nature praxique. Dans ce contexte, les pratiques artistiques des personnes enseignantes spécialistes des arts, que ce soit comme créatrices, interprètes ou spectatrices, influencent leur processus de transposition didactique. Cet article présente comment un spectacle professionnel apprécié par les spécialistes des arts est considéré comme un objet de savoir et comment il peut se transposer en classe. En croisant deux modèles théoriques, soit la triple dimension de l’enseignement des arts (Raymond, 2014, 2018) et le rapport au spectacle (entre autres inspiré des travaux d’Émery-Bruneau, 2010, 2014), nous proposons un modèle d’analyse intégratif de la transposition didactique, en classe, du spectacle professionnel en fonction du rapport qu’entretiennent les personnes enseignantes avec cet objet de savoir et des dimensions artistique, esthétique et culturelle propres au domaine des arts.

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7

Camerlain, Lorraine. "En de multiples scènes." Canadian Theatre Review 43 (June 1985): 73–90. http://dx.doi.org/10.3138/ctr.43.009.

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Abstract:

Au Québec, en 1974, deux spectacles ouvrent la voie à une nouvelle expression dramatique (et théâtrale) des femmes. Le Grand Cirque Ordinaire produit un premier spectacle “de filles,“ ironique et dont l’orientation est avouée: Un prince, mon jour viendra. La même année, le Théâtre des Cuisines (ainsi nommé en réaction au nom d’une autre troupe de théâtre militant: le Théâtre d’Ia Shoppe1) produit un spectacle engagé, non équivoque: Nous aurons les enfants que nous voulons. Le feu est mis aux poudres: le théâtre féminin s’engage irréversiblement dans une expression essentiellement féminine; le théâtre féministe est bien enclenché.

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8

Boespflug, François. "Un étrange spectacle : le Buisson ardent comme théophanie dans l'art occidental." Revue de l'Art 97, no. 1 (1992): 11–31. http://dx.doi.org/10.3406/rvart.1992.347998.

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9

Bœspflug, François. "Un étrange spectacle : le Buisson ardent comme théophanie dans l’art occidental." Revue de l'art N° 97, no. 3 (March 1, 1992): 11–31. http://dx.doi.org/10.3917/rda.097.0011.

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10

Hoët-van Cauwenberghe, Christine. "Afficher le spectacle en Gaule Belgique : l’Énéide de Virgile au théâtre de Vendeuil-Caply (vicus des Bellovaques)." Revue des Études Anciennes 122, no. 2 (2020): 535–59. http://dx.doi.org/10.3406/rea.2020.6961.

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Abstract:

Les fouilles de Gérard Dufour ont révélé en 1979 un titulus pictus sur le mur extérieur du premier état de construction du grand théâtre de Vendeuil-Caply (cité des Bellovaques). Nous proposons une nouvelle lecture de cet écrit incomplet peint en rouge comme élément d’une affiche de spectacle. Nous l’identifions à un vers de l’Énéide de Virgile, qui a été utilisé deux fois dans ce poème épique (I, 313 et XII, 165). Le titulus pictus trouvé dans une villa d’Otford (Kent) pour la même période, nous donne un parallèle. Ce vers et peut-être d’autres ainsi que des images, peints sur ce mur, étaient susceptibles d’attirer le public et de faire naître un suspens pour le spectacle du type pantomime donné à l’intérieur du théâtre.

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11

Aghasi, Maya. "Remembering Genocide: The Sacred Madonna and Narrative Closure in Atom Egoyan’s Ararat." Canadian Journal of Film Studies 30, no. 2 (September 1, 2021): 49–74. http://dx.doi.org/10.3138/cjfs-2019-0024.

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Abstract:

Cette étude examine le cadre épistémologique d’ Ararat (Atom Egoyan, 2002) afin de comprendre le génocide arménien. Confronté à une demande de spectacle sensationnel et à l’impossibilité de le visualiser, le film Ararat montre comment narrativiser les traumatismes persistants de ce passé. L’article montre la façon dont ce film utilise la famille comme structure narrative, avec l’image sacrée de la Madone et de l’Enfant en son centre, afin d’articuler les effets moins spectaculaires, et silencieux du traumatisme historique. Traquant des « actions de désir » et leurs moments de catharsis, l’article tente de montrer qu’en renonçant au spectacle sensationnel, le film met en lumière la mélancolie de « sans avenir » produite par une postmémoire de génocide. En mettant en avant-plan l’affiliation étroite de Celia avec la famille, l’article soutient que sa relation tenue fait d’elle un personnage central dans l’articulation et la survie de la mémoire du génocide. Ainsi, l’esthétique postmoderne du film permet de traiter des « outsiders » dans son défi de reconnaissance du génocide arménien.

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12

Lanzoni, Rémi. "Romarcord: Flânerie, spectacle et mémoire dans la Rome de Federico Fellini, Marina Vargau (2021)." Journal of Italian Cinema & Media Studies 11, no. 1 (January 1, 2023): 212–13. http://dx.doi.org/10.1386/jicms_00171_5.

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Abstract:

Review of: Romarcord: Flânerie, spectacle et mémoire dans la Rome de Federico Fellini, Marina Vargau (2021) Toronto: Guernica World Editions, 500 pp., ISBN 978-1-77183-689-0, p/bk, CAD$39.95, US$34.95, £19.95

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13

Poirson, Martial. "Le spectacle est dans la salle. Siffler n’est pas jouer." Dix-huitième siècle 49, no. 1 (2017): 57. http://dx.doi.org/10.3917/dhs.049.0057.

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Saudrais, Anthony. "Présence du spectacle dans l’imaginaire pictural de Charles-Antoine Coypel." Dix-huitième siècle 49, no. 1 (2017): 263. http://dx.doi.org/10.3917/dhs.049.0263.

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15

Polanz, Dorothée. "Sexe, performance et techniques de spectacle dans le récit libertin." Dix-huitième siècle 49, no. 1 (2017): 277. http://dx.doi.org/10.3917/dhs.049.0277.

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16

Bristol, Michael D., and Francois Laroque. "Shakespeare et la Fete: Essai d'Archeologie du Spectacle dans l'Angleterre Elisabethaine." Shakespeare Quarterly 40, no. 3 (1989): 349. http://dx.doi.org/10.2307/2870735.

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Cater, Suzy. "Regard, spectacle et séduction dans trois récits merveilleux (Gueullette, Bibiena, Marmontel)." Dix-huitième siècle 45, no. 1 (2013): 481. http://dx.doi.org/10.3917/dhs.045.0481.

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Martinuzzi, Paola. "De l’agrément utile à l’inquiétude décorative. Le spectacle dans l’espace domestique." Dix-huitième siècle 49, no. 1 (2017): 335. http://dx.doi.org/10.3917/dhs.049.0335.

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19

Arlais, Marie, and Raphaël Rialland. "Étrange Miroir." apropos [Perspektiven auf die Romania], no. 2 (July 12, 2019): 178–89. http://dx.doi.org/10.15460/apropos.0.1407.

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Abstract:

Le collectif Étrange miroir expérimente des formes artistiques qui croisent les sciences humaines, le reportage, le spectacle vivant, la vidéo, la création numérique et les arts plastiques dans le but de proposer à un large public des espaces de réflexions qui questionnent notre société.

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20

Fisher, Dominique D. "L’écriture du spectacle Seuls de Wajdi Mouawad : poétique et détours transculturels." L’Annuaire théâtral, no. 50-51 (July 17, 2013): 125–39. http://dx.doi.org/10.7202/1017317ar.

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Abstract:

Dans Seuls, Wajdi Mouawad exploite une nouvelle forme de transposition d’écriture scénique qu’il nomme « polyphonie d’écriture ». Ce texte se donne comme le produit d’une pratique théâtrale polymorphe qui met en dialogue plusieurs arts et/ou médias sur l’espace de la page. Cet article examine les multiples facettes de cette pratique scripturale dans un contexte transculturel et post-orientaliste ainsi que la manière dont Mouawad met en crise les modèles artaudien et lepagien qu’il recycle.

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Doni, Luana. "Formes mineures et minoritaires dans les arts du spectacle, S. Dubouilh, P. Katuszewski (éds.)." Studi Francesi, no. 181 (LXI | I) (March 1, 2017): 204–5. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.6972.

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22

Ravel, Jeffrey S. "Inventer l’acteur. Émotions et spectacle dans l’Europe des lumières by Laurence Marie." Eighteenth-Century Studies 55, no. 3 (March 2022): 406–8. http://dx.doi.org/10.1353/ecs.2022.0029.

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Caïe, Thibault, Léa Garcia, Amandine Schreiber, and Laure Turner. "Billetterie du spectacle vivant en 2022." Culture chiffres N° 4, no. 4 (April 25, 2024): 1–24. http://dx.doi.org/10.3917/culc.234.0001.

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Abstract:

Théâtre, cirque, musique, danse ou encore seul-en-scène… le spectacle vivant, deuxième secteur culturel en matière de poids économique après l’audiovisuel, couvre une large variété de domaines esthétiques. D’après les données déclarées auprès du dispositif du ministère de la Culture SIBIL (Système d’information billetterie) et enrichies de celles du Centre national de la musique (CNM) et de l’Association pour le soutien du théâtre privé (ASTP), au moins 200 000 représentations de spectacle vivant ont été données en 2022, qui ont rassemblé 53 millions de spectateurs et généré une recette de billetterie de 1,7 milliard d’euros. La diversité du spectacle vivant induit une grande hétérogénéité d’un domaine esthétique à l’autre mais aussi au sein d’un même domaine, où le nombre de représentations, de spectateurs, la recette par billet et par représentation varient. Ainsi, les concerts rassemblent la moitié du public et génèrent les recettes les plus élevées (1 milliard d’euros, soit 60 % de la recette totale de billetterie) devant le théâtre et les arts associés (27 % du public et 320 millions d’euros), les comédies musicales, l’humour, le cabaret, le music-hall (18 % et 290 millions d’euros) et la danse (5 % et 74 millions d’euros). Cependant, une représentation de spectacle vivant sur deux relève du théâtre ou des arts associés, souvent jouée dans de plus petites salles (140 spectateurs en moyenne par représentation) que pour les représentations musicales (570 spectateurs), les spectacles de danse (300 spectateurs) ou d’humour (195 spectateurs). C’est en Île-de-France que sont données quatre représentations sur dix de spectacle vivant mais l’offre de festivals participe fortement à la vitalité culturelle des territoires. Les festivals rassemblent 400 spectateurs par représentation, moyenne qui varie de 80 pour le théâtre ou le conte, marionnettes et mime à 1 800 pour le pop, rock et 3 500 pour le rap, hip-hop, ces deux derniers genres musicaux générant les recettes les plus élevées. Si la diversité des propositions artistiques est grande, celle des déclarants l’est aussi. Une représentation sur deux est déclarée par une société commerciale, une sur trois par une association et une sur six par un établissement public ou une collectivité territoriale. Parallèlement, deux représentations sur dix sont données au sein du réseau constitué par les établissements publics nationaux ou les structures auxquelles le ministère de la Culture a délivré un label ou une appellation. Pour ces structures, la reprise post-crise sanitaire est lente : le nombre de représentations déclarées en 2022 excède de 6 % celui de 2019, mais la fréquentation est en baisse de 7 % et les recettes, de 11 %. La fréquentation et les types de spectacle proposés sont ainsi détaillés dans cette étude qui établit une toute première photographie de la billetterie du spectacle vivant en 2022.

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Howard, Philip S. S., and Édouard Laniel-Tremblay. "Quand se glisser dans la peau c’est s’immiscer dans la peau : antinoircité, proximité, résistance et le cas du spectacle SLĀV." Theatre Research in Canada 43, no. 2 (October 1, 2022): 239–65. http://dx.doi.org/10.3138/tric.43.2.a04.

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Abstract:

SLĀV is a musical stage play directed by Robert Lepage, and based on recordings by singer Béatrice “Betty” Bonifassi. The recordings are Bonifassi’s reinterpretations of music composed by enslaved and incarcerated African Americans—that is Black people labouring under, and resisting, the conditions of slavery and its afterlife. Though Lepage and Bonifassi promoted the show as an homage to Black people, SLĀV opened at the 2018 Montreal International Jazz Festival to protests by the SLĀV Resistance Collective, accusing it of cultural appropriation. SLĀV was eventually cancelled as Black artists began pulling out of the festival. Unsurprisingly, Lepage, Bonifassi and much of the Quebec public accused the protestors of censorship, and of misunderstanding Quebec’s unique context. Situating its analysis within the field of Black Canadian Studies, in this article Howard examines the discourse around SLĀV as manifested through the words of Bonifassi, Lepage, journalists, and commenters. Howard argues that SLĀV instantiates the broader context of antiblackness in Quebec, and pays particular attention to gestures of inclusion and proximity consistent with modes of slavery and its afterlife in New France/Quebec. These gestures attempt to contain Blackness within national, linguistic, and other boundaries, disciplining the ways it is allowed to assert itself. Black resistance must therefore defy these boundaries and claim solidarity between and across variously located Black people.

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25

Foley, Kathy, Hélène Bouvier, and Helene Bouvier. "La Matiére des Émotions: Les Arts du Temps et du Spectacle dans la Societé Madouraise (Indonésie)." Asian Theatre Journal 15, no. 2 (1998): 299. http://dx.doi.org/10.2307/1124137.

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Smith, Annie. "Clicking a Collaborative Path: Exploring What (re)Conciliation Can Look Like in Inheritance: a pick-the-path experience." Theatre Research in Canada 42, no. 1 (May 2021): 120–38. http://dx.doi.org/10.3138/tric.42.1.f02.

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Abstract:

Cet article part d’un entretien avec des membres de l’équipe de création du spectacle Inheritance : a pick-the-path experience, présenté par les compagnies Alley Theatre et Touchstone Theatre, en collaboration avec le Vancouver Moving Theatre et le Centre d’amitié autochtone de Vancouver. Inheritance propose au public d’explorer les dynamiques sous-jacentes à la (ré)conciliation en choisissant comment se déroulera sur scène un récit où la souveraineté des Autochtones sur le territoire s’oppose au privilège des colons dans une cabane isolée en Colombie-Britannique. La personne qui mène les entretiens découvre la genèse du projet et son développement, et on lui explique comment la participation du public détermine le déroulement de l’intrigue.

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Aziza, Claude. "L’image de Rome dans la bande dessinée (1946-2016)." Revue des Études Anciennes 119, no. 1 (2017): 181–95. http://dx.doi.org/10.3406/rea.2017.6827.

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Abstract:

Le lecteur trouvera ici le premier article d’une série qui se propose de faire l’histoire d’une autre Antiquité, que je nommerais volontiers « imaginaire », voire « fantasmatique ». Depuis quelques décennies, en effet, partout en Europe, mais surtout en France – raison linguistique oblige – on a vu s’opposer – nouvelle querelle des Anciens et des Modernes – deux conceptions de l’étude de l’Antiquité. Fausse querelle bien entendu : rien ne saurait remplacer l’étude sérieuse et approfondie, qui passe par la connaissance de la langue, de la littérature, de l’histoire, de la civilisation des sociétés antiques. Mais à une époque, la nôtre, qui voit – étonnant paradoxe – l’étude du latin et du grec décliner inexorablement, alors que fleurissent les romans historiques, les films à grand spectacle et les bandes dessinées, il est permis de s’interroger sur de nouvelles procédures qui permettront d’allier le sérieux au ludique et de faire un va et vient constant entre le rêve et la réalité, pour le plus grand bien de cette dernière. Il est temps de réconcilier les deux Antiquités et de montrer – autant que faire se peut – que la rigueur universitaire n’est pas incompatible avec l’apparente fantaisie du sujet.

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Leadley, Allison. "Better Baby Contests at the CNE: Spectacles of Public Health, Hygiene, and Nationhood in Early-Twentieth Century Toronto." Theatre Research in Canada 42, no. 1 (May 2021): 61–81. http://dx.doi.org/10.3138/tric.42.1.a04.

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Abstract:

Pendant près d’un demi-siècle, les concours du meilleur bébé constituaient l’une des attractions les plus populaires à l’Exposition nationale canadienne (CNE), une fête foraine annuelle à Toronto. Dans le cadre de ces concours, un panel de juges de la région (des médecins, généralement) attribuait des points aux bébés en fonction de catégories liées à « l’apparence saine, la beauté, les méthodes d’alimentation, l’absence de défauts physiques, la propreté, la tenue vestimentaire soignée et la proportion quant à la taille et le poids » avant d’attribuer le grand prix convoité. Tout comme d’autres sites de culture d’exposition, les concours du meilleur bébé misaient sur les pulsions scopophiliques du public et constituaient un mélange complexe de spectacle et d’édification. S’appuyant à la fois sur des études sur les concours de bébés et la culture d’exposition et sur une synthèse de la couverture médiatique des concours qui avaient lieu au CNE au début du vingtième siècle, Allison Leadley fait valoir que ces événements étaient emblématiques de la culture d’exposition dans leurs qualités formelles et stylistiques, mais aussi dans le travail performatif qu’ils mettaient en œuvre : la création, la promulgation et le maintien de nouvelles visions de la « normalité » façonnées par le domaine en pleine expansion de l’eugénisme.

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Deslauriers, Rosaline. "Quand l’homme et l’image se disputent le plateau : la compagnie de théâtre Les Deux Mondes et ses machinations." L’Annuaire théâtral, no. 42 (May 5, 2010): 107–22. http://dx.doi.org/10.7202/041693ar.

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Abstract:

Depuis près d’une trentaine d’années, la scène contemporaine confronte son public à d’étranges spectacles : tantôt le dispositif scénique prend l’allure d’une installation, tantôt la représentation s’approche du happening ou de la performance, tantôt écrans et technologie de pointe montent sur les planches aux côtés de comédiens devenus chanteurs, danseurs ou acrobates. Semblable mutation, tour à tour considérée comme un effet de mode ou une idéologie représentative de la pensée de notre temps, incite bon nombre de théoriciens à se pencher sur le brouillage des frontières entre théâtre, danse, arts visuels et multimédias. À travers cette mouvance, où les tenants du « virtuel » applaudissent le renouveau des arts « vivants » alors que d’autres craignent un résultat plutôt « mortifère », on peut se demander si le théâtre d’aujourd’hui peut exister… sans acteurs. Le spectacle 2191 nuits, créé par la compagnie de théâtre Les Deux Mondes, servira ici de point d’appui au développement de cette problématique. Dans le cadre de cet article, je m’interrogerai sur le processus qui mène à la création d’un spectacle où la machine joue un rôle central et sur les transformations que celle-ci opère sur l’art de l’acteur.

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Brun, Michaël. "Prise en charge psychothérapeutique de la douleur dans la fibromyalgie. À propos d’un cas." Annales Médico-psychologiques, revue psychiatrique 172, no. 2 (March 2014): 128–31. http://dx.doi.org/10.1016/j.amp.2014.01.008.

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Pradier, Jean-Marie. "L’ethnoscénologie. Vers une scénologie générale." L’Annuaire théâtral, no. 29 (May 4, 2010): 51–68. http://dx.doi.org/10.7202/041455ar.

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Abstract:

L’ethnoscénologie est une nouvelle ethnoscience (1995) fondée sur la nécessité de maîtriser toute forme d’ethnocentrisme dans l’étude des arts du spectacle vivant placés dans leur contexte historique, culturel et social. La spécificité de l’ethnoscénologie est définie par rapport à l’ethnomusicologie, les performance studies, la théorie de l’ethnodrame (Mars) et l’anthropologie théâtrale (Barba). La définition exploratoire est suivie de l’examen de la notion de pratique performative — dérivée du néologisme introduit par Jerzy Grotowski (1997). Cette notion constitue un outil épistémologique utile pour la constitution d’une scénologie générale. L’auteur soutient qu’il est nécessaire d’abandonner la monodisciplinarité propre aux études théâtrales, d’adopter une perspective transdisciplinaire, en incluant notamment les neurosciences et les sciences cognitives, tout en développant un dialogue entre expertises scientifiques et la connaissance des performers eux-mêmes.

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Emelina, Jean. "Peut-on imaginer un classicisme heureux ?" Revue d'histoire littéraire de la France o 100, no. 6 (June 1, 2000): 1481–502. http://dx.doi.org/10.3917/rhlf.g2000.100n6.1481.

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Abstract:

Résumé Depuis plus d’un siècle, en dépit de l’éclat de la civilisation du Roi soleil, on se plaît à donner du « classicisme » et de sa vision, de l’homme une image pessimiste et jansénisante, que l’on oppose volontiers à l’optimisme et à l’héroïsme du temps de Descartës et de Corneille. En fait, l’époque demeure marquée dans la vie sociale, les lettres et les arts, par le goût de la gloire, du faste,du plaisir et de l’enjouement. Elle raffole de jeux littéraires; de galanterie et ..d’opéra. La beauté, l’enchantement et l’émerveillément dominent dans cette «, société du spectacle » hédoniste. C’est une vision tronquée du « classicisme », perpetuee par une critique austère et un enseignement moralisateur, fondée seulement sur quelques chefs-d’oeuvre d’exception, que

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Jouanna, Jacques. "Texte, interprétation et spectacle dans les Choéphores d'Eschyle : v. 712 sq. et v. 675 (sens de αὐτόφορτος)." Revue des Études Grecques 111, no. 1 (1998): 61–73. http://dx.doi.org/10.3406/reg.1998.4306.

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Susca, Vincenzo. "Le nouveau paradis artificiel." Sociétés 163, no. 1 (April 15, 2024): 85–98. http://dx.doi.org/10.3917/soc.163.0085.

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Abstract:

Après une longue période où la technique a joué surtout le rôle d’instrument au service de l’être humain, nous nous trouvons aujourd’hui dans un système intégral d’informations, de machines, d’algorithmes et de réseaux, dont les intelligences artificielles sont la dernière manifestation, si puissant que, après en avoir définitivement perdu le contrôle, c’est nous-mêmes qui dérivons d’eux. Nous sommes pris dans leurs rets, qui nous enveloppent et nous attachent à tout ce qui est autre. Happé par une spirale contagieuse, l’être humain devient à la fois chose, information, spectacle, marchandise, œuvre d’art et artiste. Il se défait de sa propre identité́ pour se dissoudre dans l’altérité́ et se retrouver autre que soi. Nous voici comme autant de technomagiciens et de cobayes volontaires d’une expérimentation totalisante sur la vie à venir, en temps réel. Dans ce scénario, les IA ne se limitent pas, selon les utopies modernes, à travailler à notre place. Elles finissent par agir avec nous – et même par nous remplacer – dans les domaines jadis exclus à l’emprise technique : l’art, la création, le jeu…

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Urrutiaguer, Daniel, and Laure de Verdalle. "Transfiguration théâtrale des objets par les sonorités et valeur esthétique." L’Annuaire théâtral, no. 56-57 (August 30, 2016): 123–34. http://dx.doi.org/10.7202/1037333ar.

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Abstract:

Les compositions contextuelles visent à agir sur l’imaginaire des spectateurs afin de modifier la perception des objets et des espaces urbains par leur transfiguration poétique. Ces compositions sont basées sur l’amplification des sonorités de matériaux hybrides et sur une interprétation comportant une part d’improvisation. Le contexte de ces créations est en outre influencé par les possibilités de financement. Celles-ci dépendent du degré de reconnaissance de la valeur esthétique de la production artistique des compagnies dans un environnement marqué par une institutionnalisation encore fragile des arts de la rue et une crise de diffusion du spectacle vivant.

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Menger, Pierre-Michel. "Un marché du travail d'exception. L'intermittence dans les arts du spectacle est-elle viable et à quel prix ?" Raison présente 163, no. 1 (2007): 115–33. http://dx.doi.org/10.3406/raipr.2007.4055.

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Canova-Green, Marie-Claude. "Les Arts du spectacle dans la ville (1404-1721) by Marie-France Wagner , Claire Le Brun-Gouanvic (review)." Modern Language Review 97, no. 4 (October 2002): 958. http://dx.doi.org/10.1353/mlr.2002.a828475.

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Phinney, Alison, Elaine M. Moody, and Jeff A. Small. "The Effect of a Community-Engaged Arts Program on Older Adults’ Well-being." Canadian Journal on Aging / La Revue canadienne du vieillissement 33, no. 3 (August 11, 2014): 336–45. http://dx.doi.org/10.1017/s071498081400018x.

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Abstract:

RÉSUMÉCette étude utilisant des méthodes mixtes a évalué l'effet d'un programme d'arts communautaires engagés sur le bien-être physique, émotionnel et social des personnes âgées. Ateliers hebdomadaires ont été offerts pendant une période de trois ans dans des centres communautaires où les artistes ont collaboré avec quatre groupes de personnes âgées pour produire une œuvre d'art collective ou la performance d'une présentation publique. Les participants ont rempli questionnaires avant et après et des entretiens de groupe ont été menées à la fin du programme. Des analyses t-test appariés ont indiqué que les personnes âgées ont connu une amélioration perçue dans leur état de santé générale, l’expérience de la douleur, et le sens de la communauté. Une analyse descriptive et intérpretative des entretiens de groupe a révélé six thèmes qui ont éclairé la compréhension: (1) fournissant de la structure et de la discipline; (2) facilitant l’adaptation; (3) nécessitant un travail acharné et des efforts; (4) faisant ressortir son côté artistique; (5) la promotion de la participation sociale; et (6) apportant une contribution. Ces résultats concordent avec les recherches antérieures et contribuent à une meilleure compréhension de la façon dont les arts communautaires engagés peuvent favoriser le bien-être des personnes âgées.

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Laclotte, Michel. "L’Institut national d’histoire de l’art." Art Libraries Journal 23, no. 3 (1998): 4–7. http://dx.doi.org/10.1017/s0307472200011056.

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Abstract:

Le projet d’Institut national d’histoire de l’art (INHA) a une longue histoire, qu’il serait trop long de détailler dans le cadre de cet article. Je préfère me réjouir de la bonne nouvelle: l’INHA va enfin voir le jour.L’INHA doit s’installer rue Vivienne et rue de Richelieu, dans une partie des locaux libérés par les Départements des Imprimés et des Périodiques et par certains services de la Bibliothèque nationale de France. Le bâtiment Colbert, rue Vivienne, abritera les activités de recherche et d’enseignement au niveau du 3e cycle, ainsi que les espaces destinés à l’accueil, aux rencontres scientifiques et aux expositions, tandis que la bibliothèque et l’iconothèque documentaire seront rassemblées rue de Richelieu.La Mission interministérielle des Grands Travaux a conduit une étude de programmation. Elle a permis de prévoir, dans le détail, l’utilisation des lieux dans le bâtiment Vivienne et de tracer les grandes lignes d’une implantation de l’Institut dans le quadrilatère Richelieu, à côté des Départements spécialisés de la BnF, appelés à se redéployer: Département des Estampes et de la Photographie, Département des Manuscrits, Département des Cartes et Plans, Département des Monnaies, Médailles et Antiques, Département de la Musique, Département des Arts du spectacle.

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De Feo, Linda. "For a sociology of the imaginary." Sociétés 162, no. 4 (December 28, 2023): 85–96. http://dx.doi.org/10.3917/soc.162.0085.

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Abstract:

Un thème central du débat sociologique international concerne le rôle fondamental de l’imaginaire. Il reflète les contenus et les formes de la société et relance les processus impliquant les différents contextes spatio-temporels. À cet égard, les réflexions de Fabio La Rocca sont certainement pertinentes. Il propose une analyse approfondie de la transition de la société du spectacle à la cultura de l’information et jette un regard complet sur des segments importants de l’encyclopédie imaginative moderne et contemporaine. Le sociologue italien montre comment l’ensemble kaléidoscopique de métaphores, symboles, allégories, qui alimente les modalités expressives, se révèle être à la fois un indicateur et un outil herméneutique des aspects extra-esthétiques de la réalité. La Rocca met en évidence le rôle important de l’horizon imaginatif tant dans la représentation que dans la constitution de la complexité sociale.

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Ruprecht, Lucia. "Book Review: Représentations du corps dans les arts du spectacle et la littérature des pays germaniques. Darstellungen des Körpers." Journal of European Studies 36, no. 2 (June 2006): 230–32. http://dx.doi.org/10.1177/004724410603600218.

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Bonnot, Olivier, Jean Xavier, and Sylvie Tordjman. "Réactivité à la douleur dans les schizophrénies : un phénomène spécifique ou lié au fonctionnement psychique des patients ?" Annales Médico-psychologiques, revue psychiatrique 172, no. 2 (March 2014): 123–27. http://dx.doi.org/10.1016/j.amp.2014.01.002.

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Légeret, Katia. "Briller, obscurcir ou aveugler ? La lumière dans le théâtre et la danse contemporaine." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 17, no. 1 (2009): 259–74. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2009.883.

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Abstract:

Dans certaines mises en scène contemporaines du spectacle vivant, fondées sur l’interculturalité, les dispositifs lumineux n’éclairent plus une dramaturgie préétablie mais ils participent activement au processus de création collective, invitant le public à en multiplier les lectures possibles. En effet, lorsque la lumière est perçue par son concepteur comme un élément essentiellement aveuglant, toute instrumentalisation la réduisant à un objet ou à une technique est ainsi évitée. Dès lors, la lumière se situe entre les arts et entre les corps des acteurs et des danseurs, tel un matériau ou un environnement transculturel, résistant à certaines pratiques et conceptions du signe. Cultivant la réception d’un spectateur qui accepte de ne plus rien voir a priori, ces performances risquent cependant de préférer à la lumière son contraire. La mise en œuvre d’une telle esthétique de la disparition, notamment dans des mises en scène de Pina Bausch, de Carolyn Carlson et de Bartabas, remet en question l’idée d’un corps qui serait à la fois visible et voyant, et joue sur les limites de ses formes sensibles et de ses transformations possibles.

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Skelling Desmeules, Marie-Eve. "Quand les circassiennes se réapproprient. Le pouvoir de leur corps par le théâtre." Cercetări teatrale 4, Special (2023): 157–76. http://dx.doi.org/10.46522/ct.2023.s1.10.

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Abstract:

"Les écoles de formation professionnelle en arts du cirque invitent les étudiant.es à suivre une multitude de cours liés à la préparation physique, à différentes spécialisations disciplinaires, à des projets de création dirigée, de même qu’à des domaines artistiques complémentaires tel que le théâtre. Cet article porte spécifiquement sur la manière dont les cours de jeu offerts dans deux écoles professionnelles de cirque incitent les circassien.nes à se réapproprier le pouvoir de leur corps scénique. Constamment appelé.es à se surpasser physiquement et à mettre en scène un corps « extraordinaire », les étudiant.es qui amorcent des cours de théâtre sont amené.es à explorer le potentiel du corps « ordinaire » dans toute sa fragilité et son authenticité. Les cours en théâtre leur font rapidement réaliser que « performer » ne signifie pas « impressionner » par un exploit physique et que le pouvoir d’un corps scénique ne se limite pas aux capacités physiques permettant d’accomplir des prouesses risquées. Dans le cadre d’une recherche visant à mieux comprendre les expériences de formation professionnelle en arts du cirque, une attention particulière a été portée sur ce contexte de cours afin de faire la lumière sur les enjeux et les défis associés aux expériences d’apprentissage qui y sont liées et qui invitent repenser le pouvoir du corps dans les arts du spectacle. Appuyée sur le concept d’expérience, cette recherche qualitative interprétative s’est déroulée dans deux des plus grandes écoles de cirque à travers le monde (Centre national des arts du cirque, France ; École nationale de cirque de Montréal, Canada) et a profité de la participation de 54 étudiant.es et de 3 enseignant.es de théâtre. Ayant pour principales stratégies de collecte de données l’observation participante, l’entrevue individuelle et le groupe de discussion, elle permet de tisser des liens entre les expériences vécues par les étudiant.es au sein de différents contextes de cours qui les sensibilisent à ce qu’ils/elles peuvent dégager et produire sur scène non pas en tant qu’acrobates, mais en tant qu’artistes. "

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Reichardt, Dosia. ""Only your picture in my mind": the image, the heart, and the mirror in some seventeenth-century poems." Renaissance and Reformation 30, no. 2 (January 1, 2006): 67–82. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v30i2.9575.

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Abstract:

La subjectivité aux débuts des temps modernes demeure un thème d'un grand intérêt. Toutefois, les « poèmes au miroir » de Cavalier, caractérisés par l'inversion étrange qu'il fait subir à la logique usuelle de la louange propre au lyrisme amoureux, ont été particulièrement négligés. Cet article examine donc la façon de réagir qu'ont les poètes face au spectacle d'une femme absorbée par son miroir. Les récits d'Ovide au sujet de Echo et Narcisse servent d'assise à cet examen des anxiétés de nature sexuelle et à leur évocation du masochisme ironique de Marvell. Les amoureux masculins du milieu du XVIIe siècle tendent dans les « poèmes au miroir » à perdre leur identité en échange de qualités féminines apparentées à l'affliction. De superbes et froides maîtresses deviennent simultanément des Narcisses (présentées comme vaniteuses et ridicules par Ovide) ainsi que leur dur reflet sur la surface du miroir. À une époque où la cour devait renvoyer l'image du monarque, l'exploration que ces poèmes offrent de la stérilité de ce procédé comporte à la fois des sous-entendus politiques, et une retraite non seulement en campagne - comme Cavalier l'a fait, mais également dans les plaisirs du texte.

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Perazzolo, Paola. "Les Arts du spectacle et la référence antique dans le théâtre européen (1760-1830), M. Fazio, P. Frantz et V. De Santis." Studi Francesi, no. 188 (LXIII | II) (August 1, 2019): 357–59. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.19806.

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Gomez-Géraud, Marie-Christine. "Judas, Mores, renégats et crocodiles : Le spectacle de la traîtrise dans le Bouquet sacré des fleurs de la Terre sainte de Jean Boucher (1614)." Seizième Siècle 5, no. 1 (2009): 61–74. http://dx.doi.org/10.3406/xvi.2009.939.

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French, French, and Julia Guimarães Mendes. "Parler de soi, parler de nous : A Invenção do Nordeste." Voix Plurielles 17, no. 2 (December 12, 2020): 54–65. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v17i2.2600.

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Abstract:

Le théâtre brésilien contemporain traverse un important tournant performatif depuis les années 2000. Plus récemment, on observe que certaines œuvres inspirées par des textes théoriques cherchent à dénaturaliser des imaginaires sociaux hégémoniques, tout en produisant des mises en scène provocatrices, inspirées de discours autoréférents et autobiographiques. Le spectacle A Invenção do Nordeste, « L’Invention du Nord-Est », du groupe Carmin, problématise un agencement des représentations sur ce qui serait (ou ce que devrait être) le nordestino, terme désignant une personne originaire du Nord-Est du Brésil. De fortes doses d’autodérision sont employées en guise de recours dramaturgique, en vue de susciter une réflexion chez le spectateur, tout en l’amenant à identifier les figures liées à l’imagerie du Nord-Est. En problématisant une thématique apparemment régionale, ce spectacle propose un panorama historique des rapports économiques et culturels entre « centre » et « périphérie » dans la société brésilienne, en consonance avec l’ouvrage homonyme de Durval Muniz Albuquerque Júnior, A invenção do Nordeste e outras artes (1999) (« L’invention du Nord-Est et autres arts »).À partir de la remise en question des identités et des imageries liées au nordestino proposée par ce spectacje, le jeu théâtral démontre la façon dont les mécanismes culturels s’inscrivent sur les corps et les subjectivitées, tout en inventant et en créant des identitées et des stéréotypes autour de certains groupes d’individus. En outre, nous cherchons à appréhender comment le théâtre pourrait contribuer à la construction transdisciplinaires de la connaissance, lorsqu’il traduit et matérialise en actions et en situations scéniques des processus théoriques complexes. Mot-clés : théâtre brésilien contemporain, performativité, identité, altérité, autodérision, performing knowledge

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Ternisien, Cæcilia. "L’entrelacs sur Le Chant du cygne de Bernard Noël et Bertrand Dorny, inspiré du concert de Mathieu Le Nain." Nord' N° 83, no. 1 (June 21, 2024): 139–45. http://dx.doi.org/10.3917/nord.083.0139.

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Abstract:

Le Chant du cygne , écrit par Bernard Noël et illustré par Bertrand Dorny en 1996, fut inspiré à l’écrivain et à l’artiste par Le Concert , tableau de Mathieu Le Nain, exposé au Musée de Laon. Ce livre d’artiste manuscrit répliqué en dix exemplaires réunit les qualités essentielles de l’écriture noëllienne, telle une signature : il écrit l’espace, le corps, et le vivant. De manière métapoétique, l’auteur – avec l’artiste Bertrand Dorny qui, de ses papiers colorés et découpés en grandes bandes, disloque, module et relie espaces et perspectives – ouvre l’œuvre, qui en devient chemin, espace infini. Le Chant du cygne évoque la tentative de l’écriture du Tout ainsi que la tentation du silence, comme une « chute de blanches », un silence, une phrase blanche, « le pneuma ». Le langage devient ultime chant de douleur. Le chant du cygne, chant gracieux à la mort de l’oiseau mythologique compagnon d’Apollon dieu des arts, évoque le chant sur la mort du signe et/ou contre la mort du signe. Le texte noëllien devient à son tour abandon, ouverture totale, à l’infini, dans une extériorité qui appelle le lecteur.

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Laudin, Gérard, and Didier Masseau. "Laetitia Levantis , Venise, un spectacle d’eau et de pierres, Architecture et paysage dans les récits de voyageurs français 1756-1850 , Grenoble, éd. Ellug, 2016, 292 p." Dix-huitième siècle 49, no. 1 (May 30, 2017): XLVI. http://dx.doi.org/10.3917/dhs.049.0729at.

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