Dissertations / Theses: 'Douleur dans les arts du spectacle'

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Hong, Yi-Chen. "La profession artistique dans les arts du spectacle contemporains à Taïwan." Paris, EHESS, 2009. http://www.theses.fr/2009EHES0013.

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Abstract:

Cette thèse présente les traits principaux et l'histoire de la profession artistique à Taiwan et explique comment elle évolue avec le changement social. La recherche montre que le déclin et la renaissance de l'art du spectacle traditionnel démontrent une interaction évidente entre le monde de l'art et la société. Nous tentons également de trouver les critères de la division du travail artistique en analysant l'évolution de sa définition et de la classification dans les nomenclatures officielles des industries et des professions sous le contexte historique taïwanais. La thèse se focalise sur la profession artistique à partir d'une recherche comparative sur musiciens, danseurs et comédiens de théâtre moderne, et tente de dégager le profil sociologique des artistes professionnels. Privilégiant une approche socio-historique, nous nous intéressons aux cadres institutionnels et politiques de la profession artistique et à l'impact de la modernisation de la société taïwanaise sur celle-ci. Nous examinons notamment leur mode de formation à travers le système éducatif des arts du spectacle, et leurs situations particulières comme leurs conditions communes. Ce travail met aussi en évidence les caractéristiques du métier artistique comme l'irrégularité et l'instabilité du travail, ainsi que la polyvalence et le cumul de revenus. La question de l'absence de travail et du chômage des artistes est discutée en comparaison avec l'ensemble de la population active. Enfin, nous dressons une typologie des difficultés et des mesures adoptées par les artistes dans leurs moyens de subsistance
This dissertation presents the main features and history of the artistic profession in Taiwan and how it evolves with the social change. The decline and revival of the traditional performing art reveals an obvious interaction between the artic world and society. We try to find the criteria of the division of artistic works by analyzing the evolution of its definition and classification in official classifications system within the historical context in Taiwan. This dissertation focuses also on the artistic profession from a comparative research on musicians, dancers and actors of Modem Theater, and tries to identify their sociological profile. With a socio-historical approach, we focus on institutional frameworks and policies of the artistic profession and the impact of the modernization of Taiwanese society; we analyze particularly the education system of the performing arts, and the particular situations of artistic working conditions. This work also highlights the characteristics of artistic work suh as irregularity and instability of work, and the accumulated income. The issue of lack of employment and unemployment for artists is discussed in comparison with the general labor population. Finally, we draw a typology of challenges of artistic works and the measures adopted by artists for their survival

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Becquet, Alexandra. "Ford Madox Ford et les arts : peinture, musique et arts du spectacle dans l'oeuvre romanesque." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030166.

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Abstract:

Ford Madox Ford est un écrivain impressionniste qui se veut historien de son temps et paraît représenter la vie moderne grâce à un texte envisagé à partir du visuel pour faire voir. Il encourage ainsi le rapprochement de son écriture avec l’art des peintres français du XIXème siècle, mais il engage dans ses récits une multitude d’arts et d’esthétiques afin de produire son impression suivant sa pensée originale et singulière. Celle-ci soutient l’accumulation et l’association artistiques mises en œuvre dans les romans en brisant les cadres esthétiques établis pour fusionner arts et esthétiques dans une forme qui s’adapte au réel afin d’en structurer l’informe et de le révéler pour en offrir une expérience au lecteur. Soumis au pictural et au théâtral pour se donner à voir dans des tableaux et des scènes, le récit dévoile en fait comment la modernité résiste à l’illusion mimétique. Peinture et théâtre figurent donc non le visible mais sa perte, et les romans sont poussés par leur objet à la dé-figuration proprement moderne que l’esthétique fordienne promeut et que le cinéma porte. Celui-ci donne alors accès à la vision d’un monde fragmenté et en mouvement par sa totalisation dans la métamorphose continue du filmique, qui en outre invite l’identification visuelle. Mais le cinématographique n’ouvre pas à la totalisation du roman, ni à ce dialogue que l’auteur entend engager avec son lecteur sym-pathique pour lui transférer son œuvre. Ce transfert se fait bien par le texte et sa structure mais en définitive hors de la figuration, grâce à la musique du roman qui à la fois gouverne, rassemble et abolit la représentation, les arts et le texte pour faire com-prendre l’œuvre
Ford Madox Ford is an impressionist writer who purports to be a historian of his own time and seems to represent modern life in a text conceived visually to make you see. He thus encourages a parallel between his writing and the nineteenth-century French painters’ art to be drawn ; yet he draws on a vast array of arts and aesthetics in his narratives to forge his impression according to his original and singular conception of art. That conception supports the artistic accumulation and association exercised in the novels while it shatters established aesthetic frameworks to merge arts and aesthetics in a form which adapts to reality to structure its formlessness and reveals it to offer an experience of it to the reader. In obeying pictorial and theatrical norms to be seen as pictures or in scenes, the narrative in fact discloses how modernity resists mimetic illusion. So painting and the theatre do not represent visibility but its loss, and the novels are forced by their object to embrace a thoroughly modern de-figuration which Fordian aesthetics endorses and the cinema realises. The latter then grants access to the vision of a fragmented and moving world totalled by the continuous metamorphosis of film, which besides encourages visual identification. However the cinema does not lead to the totalisation of the novel, nor to the dialog which the writer intends to have with his sympathetic reader in order to transfer his artwork onto him. That transfer does happen by means of the text and its structure but ultimately without figuration, through the music of the novel which at once governs, unites and abolishes representation, the arts and the text so the artwork be com-prehended

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Bordeaux, Marie-Christine. "La médiation culturelle dans les arts de la scène." Avignon, 2003. http://www.theses.fr/2003AVIG1037.

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Abstract:

Une théorie de la médiation culturelle doit prendre en compte les liens croisés de la production, de la mise en objet et de la réception d'une catégorie particulière d'objets culturels : les œuvres de l'art. Il ne s'agit pas seulement de changer de point de vue, de déplacer le regard généralement absorbé par les extrémités de la médiation (accomplir l'œuvre d'art, toucher le public), pour privilégier l'entre-deux de la médiation. Car la médiation culturelle n'est pas un mode de communication entre deux mondes considérés comme séparés : le monde de l'art, et celui de ses récepteurs. Elle n'est pas seulement lien, passage. Elle désignerait plutôt un espace de production d'objets mixtes qui permettent un partage du sens. La thèse analyse ce que fait la médiation dans un secteur peu étudié de ce point de vue, celui des arts de la scène, où sont mises en œuvre des actions de recherche de nouveaux publics, de sensibilisation, de transmission, de partage esthétique autour de la création contemporaine en théâtre et en danse. Ce qu'elle fait non seulement à ses différents acteurs, mais également aux œuvres elles-mêmes, avec lesquelles elle entretient une relation transitive complexe, parfois même improbable. Les récits des acteurs de la médiation, croisés avec une observation de terrain, conduisent à une description de quelques " genres " de situations et d'objets produits par la médiation : le médiation ordinaire d'un ballet d'opéra, un débat public artistique au Festival d'Avignon, la diffusion de la culture chorégraphique par un spectacle de danse résultant d'une commande à caractère pédagogique. Ces objets sont ensuite analysés dans une perspective sémio-pragmatique, à la fois comme situations d'expérience sociale, lieux privilégiés de production de la croyance, intégrant comme une donnée majeure la hiérarchisation des objets culturels, et comme des dispositifs, structures où se combinent deux types d'intentionnalité : la production artistique et la réception esthétique

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Bouvier, Hélène. "Les Arts du temps et du spectacle dans la société madouraise (Madura-Est, Indonésie)." Paris, EHESS, 1990. http://www.theses.fr/1990EHES0049.

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Abstract:

L'etude de terrain a ete menee de septembre 1985 a fevrier 1987, dans la partie orientale de l'ile de madura (indonesie). Methode d'observation participante liee a un sejour fixe dans un village, entretiens avec specialistes, amateurs et public, enregistrements audio et video, et leurs transcriptions, notations musicales, enquetes systematique menee en fin de sejour aupres de 37 familles villageoises sur les gouts et pratiques artistiques, et observation directe de 160 seances, furent les methodes qui permirent de constituer le corpus d'etude, croisant les necessites de l'ethnographie et de l'etude thematique. Le chapitre i presente le support musical incontournable de ces pratiques. Dans le chapitre ii, l'auteur s'est attachee a ordonner le corpus tres varie des genres artistiques vivants de cette region, livrer quelques reperes quant a la structure des seances et au repertoire, degager les differenciations regionales, esquisser une chronologie. Le chapitre iii analyse comment sont mis en oeuvre le corps, la voix et les techniques extra-corporelles. Le chapitre iv est consacre aux conditions de temps, de lieu, d'organisation economique et humaine necessaire a l'apprentissage, la pratique, et la reception par un public, ainsi qu'aux tendances et evolutions les plus recentes. Indissociables de la vie quotidienne, ces pratiques artistiques constituent des tentatives de solution et de reponse a des problemes et aspirations tant individuels que collectifs, et comptent comme les elements de strategie de survie, de prestige, de pouvoir economique ou politique
Fieldwork was carried out from september 1985 to february 1987, in the eastern part of the island of madura (indonesia). Participant observation through residence in a village, interviews with specialists, amateurs and audiences, audio and video recordings and their transcriptions, musical notations, systematic surveys conducted near the end of the fieldwork on the artistic tastes and practices of 37 families, and direct observation of 160 performances were the methods enabling the constitution of the corpus of study, addressing the need for ethnographic and thematic study. Chapter i presents the inevitable musical support for these practices. In chapter ii, the author classifies the varied corpus of the region's living artistic genres, offering guidelines concerning performance structure and repertoire, identifies regional differentiation and provides a chronological frame. Chapter iv is devoted to spatial, temporal, economic and human conditions necessary for learning, practice and for reception by an audience, and to the most recent developments. Grounded in daily life, these artistic practices constitute attempted solutions and responses to problemes and aspirations that are both individual and collective, and may be seen as strategies for survival, prestige, or for economic or political power

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Stentz, Barbara. "Les représentations de la douleur dans les arts graphiques en France au XVIIIè siècle." Thesis, Strasbourg, 2012. http://www.theses.fr/2012STRAG032.

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Abstract:

Notre thèse interroge les formes et les enjeux des représentations de la douleur au XVIIIe siècle dans les arts graphiques, les dessins et les gravures revêtant à la fois un caractère d’expérimentation et d’indice dans la diffusion des thèmes. L’étude tient compte des conventions, des débats et des codifications dont elles faisaient alors l’objet dans le domaine esthétique, médical, social et politique. À l’heure où l’on estime que la douleur doit s’effacer, il nous paraît important d’évaluer ses occurrences et ses mises en scène passées. À cet égard, les arts figurés de la seconde moitié du XVIIIe siècle offrent, en France, un champ d’étude remarquable. Les débats esthétiques autour du groupe sculpté du Laocoon et du voile dit « de Timanthe », mais aussi, sur le plan médical, les interrogations à propos de la persistance de la douleur chez les suppliciés par décollation, témoignent de cet intérêt
This study aims to examine the forms and the issues of pain in graphic arts during the 18th century, as drawings and engravings take on an experimental aspect and constitute precious evidence of patterns diffusion. It considers the conventions, the debates and the codifications determining its figurative representations, in relation to aesthetic, médical, social and political matters. In a time when pain tends to be obscured by people who are supposed to be in charge of it, it seemed important to appraise its occurrences and its past depictions. Seen from this perspective, the French figurative arts through the second half of the 18th century offer a remarkable field of study. The aesthetic debates about the sculpted group of Laocoon and the veil of Timanthes, or, on a medical level, concenring pain persistence in persons convicted and decapitated, reveal that this passion was of great interest for the theorists at that time

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Gabison-Crétenet, Martine. "La représentation de l'Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l'horreur." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30064.

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Abstract:

Le sujet La représentation de l’Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l’horreur exige-t-il d’être juif ou pas ? Nous ne le pensons pas. Afin de pouvoir mieux cerner les enjeux, on abordera dans la première partie, l’histoire du judaïsme et de l’antisémitisme afin de disposer de tous les éléments qui nourrissent les analyses des œuvres choisies. Ensuite, pour mesurer les enjeux que pose notre hypothèse - représentation et esthétisation de l’horreur - nous avons analysé les notions de beau, d’esthétique, d’esthétisation et d’horreur en essayant de dégager une grille de lecture des œuvres qui permette de mieux comprendre les rapports entre production de sens et excès de forme. Dans la troisième partie, nous avons retenue deux œuvres dans quatre domaines : le cinéma - Steven Spielberg et Roberto Benigni - , la bande dessinée - Pascal Croci et Art Spiegelman -, le théâtre - Pip Simmons et Edward Bond - et les arts visuels - Jochen Gerz et Anselm Kiefer - , produites par un artiste juif et un artiste non-juif. Le choix a été difficile devant l’abondance des œuvres se rapportant à l’Holocauste mais nous avons privilégié une connaissance et une fréquentation personnelles des œuvres retenues. Nous nous sommes efforcée d’appliquer les mêmes méthodes d’analyse mais chaque mode d’expression artistique a ses propres exigences. Notre conclusion générale s’efforce de reprendre les points précis que nous pensons avoir pu dégager en particulier sur la difficile frontière entre production esthétique et esthétisation largement liée au bagage culturel des publics qui ont lu ou vu les œuvres choisies
Le sujet La représentation de l’Holocauste dans les arts visuels et du spectacle et esthétisation de l’horreur exige-t-il d’être juif ou pas ? Nous ne le pensons pas. Afin de pouvoir mieux cerner les enjeux, on abordera dans la première partie, l’histoire du judaïsme et de l’antisémitisme afin de disposer de tous les éléments qui nourrissent les analyses des œuvres choisies. Ensuite, pour mesurer les enjeux que pose notre hypothèse - représentation et esthétisation de l’horreur - nous avons analysé les notions de beau, d’esthétique, d’esthétisation et d’horreur en essayant de dégager une grille de lecture des œuvres qui permette de mieux comprendre les rapports entre production de sens et excès de forme. Dans la troisième partie, nous avons retenue deux œuvres dans quatre domaines : le cinéma - Steven Spielberg et Roberto Benigni - , la bande dessinée - Pascal Croci et Art Spiegelman -, le théâtre - Pip Simmons et Edward Bond - et les arts visuels - Jochen Gerz et Anselm Kiefer - , produites par un artiste juif et un artiste non-juif. Le choix a été difficile devant l’abondance des œuvres se rapportant à l’Holocauste mais nous avons privilégié une connaissance et une fréquentation personnelles des œuvres retenues. Nous nous sommes efforcée d’appliquer les mêmes méthodes d’analyse mais chaque mode d’expression artistique a ses propres exigences. Notre conclusion générale s’efforce de reprendre les points précis que nous pensons avoir pu dégager en particulier sur la difficile frontière entre production esthétique et esthétisation largement liée au bagage culturel des publics qui ont lu ou vu les œuvres choisies

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Bressan, Yannick. "Du principe d’adhésion dans la représentation théâtrale : des anciens à une expérience de neurosciences cognitives." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100156.

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Abstract:

Si l’on se pose la question de l’adhésion d’un sujet lors d’une représentation théâtrale vient immédiatement en question le phénomène de la perception d’une réalité (théâtrale) en parallèle de la « réalité proche » du sujet. En d’autres termes, lorsque l’adhésion est effective lors d’une représentation théâtrale « l’objet mental » que se fait le sujet de la représentation est, par instant, supérieur aux percepts. C’est la qu’intervient le principe d’adhésion ; lorsque le spectateur perçoit Hamlet à la cours d’Elseneur alors qu’il voit un comédien sur un plateau vide. Comment cette substitution de réalité s’opère t-elle ? Le metteur en scène, par son travail sur l’émergence d’une réalité théâtrale constituée d’événements théâtraux, a-t-il une action particulière dans la perception qu’a le sujet percevant d’une réalité en train de se dérouler ? Le texte engage-t-il physiologiquement et neurologiquement le spectateur ? Quels sont les éléments neuro-anatomiques engagés dans l’adhésion du spectateur à la réalité théâtrale ? Si l’on effectue une introspection, ces zones sembleraient être celles de l’empathie c’est à-dire la zone temporo-pariétale. Est-ce effectivement le cas ? Est-ce la seule ? Le théâtral peut être envisagé comme un tube à essais d’une représentation circonscrite dans l’espace et dans le temps. En effet, pour tenter de mettre en évidence le principe d’adhésion en action lors d’une représentation théâtrale il est nécessaire de tenter d’isoler le phénomène. En effet, une localisation des aires cérébrales en interdépendances (interactions ?) lors de l’adhésion permettra, probablement d’aller plus loin dans la compréhension, fondamentalement ontologique, de l’être au monde et de notre rapport d’être humain à la réalité et sur la manière dont nous (nous) la faisons émerger, par-soi
If there is the question of the accession of a subject at a theater in question immediately comes the phenomenon of perception of reality (theater) in parallel "reality close of the topic. In other words, when adhesion is effective in a theatrical "mental subject" that is the subject of representation is, for now, higher than the perception. That is where the principle of accession, when the viewer sees Hamlet in the course of Elsinore when he sees an actor on an empty shelf. How this occurs alternative reality she? The director, for his work on the emergence of a theatrical reality consists of theatrical events, he limited support in the perception about the receipt of a reality taking place? The text calls he physiological and neurological viewers? What are the neuro-anatomical elements involved in the accession of the viewer to reality theater? If you are performing an introspection, these areas appear to be those of empathy is to say the temporo-parietal area. Is this the case? Is it alone? The theater can be seen as a test tube of a circumscribed in space and time. Indeed, in an attempt to highlight the principle of adhesion in action during a theatrical performance it is necessary to attempt to isolate the phenomenon. Indeed, a location of brain areas in interdependencies (interactions?) Upon accession will probably go further in understanding the fundamental ontological of being in the world and our report to be human reality and how we (we) make it emerge Par-soi

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Johansson, Franz. "Le corps dans le théâtre de Paul Valéry." Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040059.

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Abstract:

Parmi toutes les écritures, celle du théâtre engage le corps d’une manière particulière : elle l’accueille non seulement comme une représentation mais aussi comme un instrument, un matériau, une présence. Le dramaturge se trouve confronté au corps de la manière la plus étroite ; aux prises avec sa constitution, ses ressources, ses limites et, en définitive, avec son essence. C’est pourquoi nous abordons le rapport qui lie Paul Valéry au corps précisément à travers son expérience théâtrale : le drame est sans doute le domaine privilégié où cet auteur explore et approfondit sa relation au corps -une relation qui, pour être problématique et conflictuelle, n’en est pas moins riche. Valéry est un grand écrivain du corps. La première partie de notre étude se penche sur le rapport que l’auteur entretient vis-à-vis de l’incarnation scénique : son théâtre suppose-t-il, appelle-t-il ou, du moins, tolère-t-il le corps ? Nous sommes amenés, dans une deuxième partie, à analyser la manière dont le dramaturge se saisit de la présence vivante de l’interprète et l’incorpore dans son écriture scénique ; à définir donc la place que le corps occupe à l’intérieur de l’esthétique théâtrale de l’auteur. Dans la troisième partie, nous cherchons à préciser les représentations, les visions ou les conceptions du corps qui se dessinent au fil des drames et des ébauches tracés par l’écrivain ; en d’autres termes à déterminer quels sont les discours sur le corps que tient ce discours du corps qu’est l’oeuvre théâtrale de Valéry
Among all the literary genres, theatre deals with the human body in a unique way: not only is the body figured in a play but it also becomes a substance, an instrument, a presence on the stage. A playwright will always, in some way or another, be confronted with the body in the meaning of its biological constitution, its shape and movement, its resources and limitations and, ultimately, its essence. Theatre is therefore one of the most interesting fields for studying Valéry’s approach to the human body : in no other part of his work does the writer embrace the body in such an immediate, complex, profound - and nonetheless problematic and ambiguous -way. Valéry is an immense artist of the body. The first part of this work explores how Valéry contemplates the experience of theatrical embodiment: do his dramatic works and projects need and call on the actor’s active matter ? Or do they, at least, tolerate it ? The second part analyses the different ways in which Valéry’s aesthetic principles incorporate the presence and movement of the body in dramatic writing: how are the expressive means of the actor seized and transformed by artistic conventions, processes or techniques ? The last part aims to specify the conceptions of the body that emerge from Valéry’s plays and drafts: what does this theatre, as a language of the body, tell us about the human body ?

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Bourgeon-Renault, Dominique. "Essai de modélisation du comportement dans le domaine culturel : une application au spectacle théâtral." Dijon, 1994. http://www.theses.fr/1994DIJOE015.

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Abstract:

Le secteur des activités culturelles est traditionnellement caractérisé par la primauté de la création (offre) sur la demande. Pourtant ce secteur n'échappe pas aux contraintes économiques. Certaines activités culturelles ont déjà massivement adopte la démarche marketing au moins au niveau de l'aval de la création (cinéma). En revanche, le secteur théâtral reste relativement traditionnel, alors qu'il est confronté à un besoin d'extension de sa base de public. La recherche étudie la problématique du comportement de fréquentation des institutions culturelles. Le champ d'investigation en est le théâtre. La recherche propose de développer un cadre conceptuel pluridisciplinaire inspiré du modèle de recherche d'expériences de Morris B. Holbrook et Elisabeth Hirschman (1982). La méthodologie adoptée est fondée dans un premier temps, sur une démarche quantitative. Dans un deuxième temps, une méthodologie qualitative reposant sur une analyse lexicale des discours tenus par le public s'avère nécessaire afin de mieux cerner le comportement des individus en vue d'agir sur la fréquentation
The field of cultural activities is traditionally characterised by a situation where creation (the offer) prevails over the demand. Nevertheless, the field is not beyond economic requirements. Some cultural activities have already largely adopted a marketing view, at least as regards creation backing (cinema). However, theatre remains a quite traditional field, which is all the same confronted to the need to extend its public base. This research deals with the problematic of individual behaviors as regards frequenting cultural institutions. The investigation field is theatre. This study attempts to put forward an interdisciplinary conceptual framework inspired by the experiential research model developed by Morris B. Holbrook and Elisabeth Hirschman (1982). The chosen methodology is initially based on a quantitative process. Then it has proved necessary to use a qualitative methodology based on a lexical analysis in order to better understand individual behaviors with a view to acting on frequenting

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Massa, Charlotte. "Valeur, service et sensation dans l'expérience du concert de musiques actuelles : approche interprétativiste par des données quantitatives et des données qualitatives." Thesis, Toulouse 1, 2014. http://www.theses.fr/2014TOU10026/document.

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Abstract:

Ce travail doctoral propose une compréhension globale de l’expérience du spectacle vivant, à travers le cas du concert de musiques actuelles. Il cherche à cerner l’essence symbolique et les mécanismes sous-jacents au vécu d’une telle expérience. Après avoir dressé un état des lieux épistémologique de notre discipline, une posture interprétativiste ouverte aux données quantitatives et qualitatives est défendue. Par le croisement d’une approche qualitative exploratoire (phénoménologie, observation participante, introspection) et d’un quantitatif exploratoire (modélisations interprétatives par l’outil statistique) combiné à un qualitatif confirmatoire (coproduction de résultats basée sur les modélisations), nous proposons une théorisation de l’expérience du concert. Tout d’abord, par le système de valeurs du concert, nous pouvons comprendre les sens attribués par les spectateurs à leur expérience. Ensuite, nous positionnons la dimension sensorielle comme le fondement de tout moment vécu par l’individu, par la mobilisation de la théorie incarnée. Enfin, cette thèse éclaire la dimension servicielle de l’expérience d’un spectacle vivant, à travers un double-processus engageant deux entités : l’artiste et la salle de spectacle
This research provides a comprehensive understanding of the performing arts experience, with the case of concert. It aims at understanding the symbolic nature and mechanisms underlying this experience. After establishing a picture of the epistemology in marketing, an interpretativist approach with both quantitative and qualitative methodologies is supported. By crossing an exploratory qualitative approach (phenomenology, participant observation and introspection) and an exploratory quantitative approach (interpretative models with statistical tools) combined with a confirmatory qualitative approach (coproduction of results based on the models), we propose a comprehensive theorization of the concert experience. First, through the concert value system, we understand the meanings assigned by spectators to this experience. Then, we state the sensory dimension as the foundation of all individual experiences, through the use of the embodied theory. Finally, this thesis enlightens about the service-based dimension of performing arts experience, through a double process involving two entities: the artist and the concert hall

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Hennaut, Benoît. "Théâtre et récit, l'impossible rupture: la place du spectacle dans le spectacle postdramatique entre 1975 et 2004, selon Romeo Castellucci, Jan Lauwers, Elizabeth LeCompte." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2013. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209559.

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Abstract:

Dans sa période particulièrement dense de production au cours des années 1980 et 1990, le spectacle dit « postdramatique » affirme régulièrement sa volonté de rompre avec toute forme de narration qu’illustrent des formes dramatiques plus conventionnelles. C’est même devenu un topos critique de dire que le théâtre postdramatique échappe à la narration ou la rend problématique, tant pour qualifier sa production (en termes de projet dramaturgique) que sa réception par le public.

Cependant, la force du déni installe le doute. Je me suis inquiété de l’insistance avec laquelle une certaine manière de concevoir le théâtre écartait ou s’opposait à un élément aussi structurant et persistant que le récit (en termes culturels, littéraires, dramatiques, …). Après avoir posé les termes de sa définition, j’ai voulu vérifier si le spectacle postdramatique ne contenait vraiment plus aucune forme de récit, quand bien même cette fonction lui serait implicitement ou explicitement contestée. Ma décision de mener l’enquête a été essentiellement provoquée par deux phénomènes :une intuition narrative qui se manifeste quand même vis-à-vis de ces spectacles (sur quoi est-elle fondée ?), et l’existence de textes qui en font le compte-rendu sur un mode narratif à la réception. Par ailleurs, j’ai senti le besoin d’analyser de manière un peu plus fine cette poétique non-narrative déclarée par les auteurs.

* * *

During a particularly dense production period running in the 1980s and 1990s, the so-called “postdramatic” theatre regularly attempted to break from all forms of narration utilized in more conventional dramatic forms. It became a recurring critical leitmotif to say that postdramatic theatre either eschewed narration entirely or rendered it problematic, whether as a qualifier to its production (in dramaturgical terms) or to explain audience reaction.

However, repeated denial definitely inspires doubt. I was concerned that one particular way of thinking about theatre seemed to refuse or rule out such a consistent and structural element as the narrative (culturally, dramatically, as well as in literary terms). I therefore wished to be sure that certain postdramatic pieces really had not retained any form of storytelling, had the choice been made implicitly or explicitly to exclude it. My decision to begin this investigation was triggered by two specific phenomena: a narrative intuition which manifests itself whether one wants it or not when one sees one of these pieces (what is its foundation?), and the existence of texts produced at the reception level which still seem to form a narrative stream when examined. I also felt the need to undertake a more detailed analysis of this non-narrative poetics as laid out by its creators.

Doctorat en Langues et lettres
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Ra, Jin-Hwan. "L'acte éthique dans le processus créatif du performer de P’ansori »." Paris 8, 2001. http://www.theses.fr/2001PA083713.

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Abstract:

Cette thèse est une étude du processus créatif et artistique du « performer » de « p’ansori », une pratique performative spécifique issue de l'héritage coréen, prenant en considération à la fois le point de vue du praticien et du théoricien dans la perspective de l'ethnoscénologie. Cette étude montre le processus créatif du « performer » de « p’ansori » en prenant pour critère les quatre entités constitutives proposées par Sin Chae-Hyo et reprises par les maîtres de « p’ansori » aujourd'hui. À travers l'entretien des maîtres qui paraît proche des fondements théoriques, nous pouvons considérer le processus créatif du « performer » de « p’ansori » comme un acte éthique qui relève de la volonté morale, de l'intelligence et du comportement. C'est ainsi que l'entraînement corporel aussi bien que mental se poursuit durant la vie entière
This thesis is a study of the creative and artistic process of the "p’ansori" performer, a specific performance resulting from the Korean heritage, considering the viewpoint of ethnoscenology at the same time. This study shows the creative process of the "p’ansori" performer by taking as criteria the four constitutive entities proposed by Sin Chae-Hyo and shown by the masters today. Through the conversation with masters who appear to have the theoretical bases, we can consider the creative process of the "p’ansori" performer as an "ethical act" that concerns moral will, intelligence and behavior. Thus, the corporal and mental training continues during the whole life

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Iconomopoulou, Christina. "Le spectacle populaire, les mouvements cubisme-futurisme et leur alliance esthétique dans le ballet Parade." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040061.

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Abstract:

Le ballet Parade, présenté pour la première fois en 1917, fut le résultat de la collaboration créative entre Jean Cocteau, Erik Satie, Pablo Picasso et Léonide Massine. A travers une analyse menée en profondeur, l'auteur instaure des correspondances éloquentes entre l'esthétique de plusieurs distractions populaires en vogue durant les années '10 à Paris, et l'élaboration du livret, du rideau et des costumes, de la musique et de la chorégraphie du spectacle, sans pour autant délaisser les aspects de parade -tels que le décor et les costumes-constructions des managers, le grimage d'un des protagonistes du ballet et le bruitisme de la musique- qui semblent être directement influencés par les principes du cubisme et du futurisme. Par la suite, l'auteur repère les processus esthétiques grâce auxquels s'effectue dans le ballet, l'alliance du spectacle populaire et des mouvements cubisme-futurisme. L'étude sur le ballet parade s'achève sur la mise en évidence de sa valeur moderniste, son importance pour l'évolution de la troupe dans laquelle il est né, et son apport dans la carrière ultérieure de ses demiurges.

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Fargier, Noémie. "Expériences sonores et intersubjectivité dans le spectacle vivant contemporain. L'inter[o]ralité, entre désir et pouvoirs." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA152.

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Abstract:

Cette thèse propose une réflexion sur la relation entre scène et salle se tissant à travers l’écoute. Dépassant le modèle activité/passivité auquel pourrait être rattachée l’expérience sonore du spectateur, nous tenterons de cerner les contours de cette relation où l’un émet tandis que l’autre reçoit, mais aussi répond. Le pouvoir semble du côté de la scène, capable de forcer l’écoute du spectateur, d’écraser toute réaction, tandis que le désir serait l’enjeu même de cette relation asymétrique, et circulerait de part et d’autre. Associant la notion d’auralité, qui englobe en un seul terme l’écoute et l’audition, à celle d’oralité, acte d’émettre une parole à l’intention d’un auditeur, la notion d’inter[o]ralité, fusionne les deux pôles, émission et réception, et les deux organes, bouche et oreille. Elle cherche à cerner la dimension intersubjective de la relation d’écoute liant la scène à la salle : si celle-ci prend modèle sur la situation d’énonciation, elle ne se réduit pas à l’écoute muette d’une parole ; elle est jeu d’adresse, intention d’attention.Cette réflexion, mûrie au fil d’une expérience de spectatrice, nourrie de la mémoire, souvent fragmentaire, de spectacles, se fonde sur un corpus d’oeuvres vues et entendues entre 2004 et 2017, créées par des artistes de la scène européenne tels que Joël Pommerat, Romeo Castellucci, Maguy Marin, Vincent Macaigne, Gisèle Vienne, Rimini Protokoll, dont le rapport au sonore est remarquable ou parlant du fait de la relation qu’il engendre avec le spectateur. Aussi cette réflexion invite-t-elle à une appréhension plus large de l’écoute : non seulement comme réception du sonore et de ce qu’il y a à entendre, mais comme réponse à une proposition émise à l’attention d’un autre, attention à cette attention elle-même, à laquelle ce dernier est libre, à tout moment, de se dérober
This thesis explores the relationship between stage and audience as it arises in listening. Going beyond the activity/passivity paradigm that could be used to describe the audience’s sonic experience, we will try to draw the contours of a relationship in which the one produces while the other not only receives, but also responds. Power seems to belong to the stage in order to enforce listening on the part of the spectator and to prevent any reaction, while desire appears to be circulating back and forth as the purpose of this asymmetrical relationship. Conflating the notion of aurality, which gathers “listening” and “hearing”, and the notion of orality, which is the act of producing speech for a listener, the notion of inter[o]rality combines the two sides, production and reception, and the two organs, mouth and ears. It aims at capturing the intersubjective dimension of the listening relationship between stage and audience : even if it is modeled on the paradigm of enunciation, it is not limited to the mute listening of what is being said ; it is a game of addressing, an intention of attentiveness. This reflection, which has matured along with my experience as a spectator and which relies on the often incomplete memory of the shows I have seen, is based on a corpus of works that I watched and heard between 2004 and 2017. They were produced by European stage directors and artists such as Joël Pommerat, Romeo Castellucci, Maguy Marin, Vincent Macaigne, Gisèle Vienne, or Rimini Protokoll, whose connection to sound is remarkable or significant because of the relationship it creates with the spectator. In this way, this reflection encourages a wider approach to listening, considered not only as the reception of sound and of what is to be heard, but also as a response to what is offered to the attention of an other, and as an attentiveness to this attention itself, which the other is free, at any moment, to relinquish

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Mencarelli, Rémi. "L'interaction lieu – objet dans le cadre de l'expérience vécue : approche par la valeur et la fidélité du consommateur." Dijon, 2005. http://www.theses.fr/2005DIJOE010.

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Abstract:

Nous avons développé une réflexion autour de la notion d'expérience de consommation qui, depuis 20 ans, a éveillé l'intérêt des chercheurs et des praticiens. Mais cette notion a vu sa portée se réduire. Notre réflexion a été développée dans le champ du spectacle vivant. Nous avons tenté de démontrer que l'expérience culturelle ne doit pas se limiter à la seule prise en compte de l'objet culturel mais doit intégrer le lieu de consommation. Pour appréhender l'expérience vécue, nous avons mobilisé la valeur définie comme une préférence relative caractérisant l'expérience d'un sujet en interaction avec un objet. Enfin, nous avons abordé le rôle de l'expérience vécue comme déterminant de la fidélité (une expérience réussie étant considérée comme le déclencheur d'une relation de long terme). Pour interroger les spectateurs sur leur expérience vécue ainsi que sur la fidélité dans une perspective longitudinale, nous avons mobilisé Internet comme outil d'enquête et les données de panels
We developed a reflexion around the concept of consumption experience which, over the last 20 years, has waked up the interest of the researchers and the professionals. But this concept has been reduced. Our reflexion was developed in the field of performing arts. We tried to show that the cultural experience should not be limited to the relation between the consumer and the cultural object but must integrate the role of the cultural place. We explore the track of value defined as an interactive relativistic preference experience. Then, we approached the role of the experience like determinant of loyalty (a successful experience is often regarded as the beginning of long term relationship). To question the spectators on their experience and loyalty from a dynamic point of view, we mobilized Internet like tool of investigation and the sample groups

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Doua, Edmond. "Les médias dans les politiques culturelles africaines : le cas du MASA en Côte d'Ivoire." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30023.

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Abstract:

Ce travail aborde, à la lumière du cas du Marché des Arts du Spectacle Africain (MASA), la question des enjeux des médias dans la promotion des politiques culturelles du continent. Il résulte de l’observation selon laquelle le marché des produits culturels se trouve de plus en plus confronté à de profondes mutations : extension considérable de l’offre en matière de loisirs qui sont dorénavant appréhendés comme des activités culturelles parmi d’autres (le sport, le tourisme, etc. ) ; essor des industries culturelles qui contribuent à l’accroissement de la production et de la diffusion en série de nouveaux biens culturels ; percée éclatante des stratégies de communication corporate, marketing et publicitaire qui conditionnent, pour partie, le succès ou l’échec d’un projet culturel. En effet, le constat de crise dans la diffusion, la promotion et la circulation des artistes africains ainsi que celle de leurs œuvres a suscité la création d’un marché dans l’intention de servir de fer de lance aux opérateurs du secteur. À ses débuts, le MASA a effectivement répondu à leurs attentes. Au travers de ses dimensions marché, festival ou rencontres professionnelles, l’événement a revêtu d’importants enjeux. D’abord, contribuer à la préservation de la diversité culturelle, face à la menace d’une mondialisation vue comme un éventuel facteur d’uniformisation des cultures. Ensuite économiques, dans la mesure où les artistes pourraient désormais proposer leurs œuvres aux acheteurs de divers horizons. Après six éditions, il paraît opportun de dresser un bilan factuel de ce marché afin de déterminer ce que relèvent ses politiques de promotion et de repositionnement. L’hypothèse principale émise ici se fonde sur des réalités et éléments du terrain, à partir de questionnements établis eux-mêmes sur des faits, des constats et des déclarations de personnes-ressource. Se situant dans une perspective qualitative, l’étude ambitionne de mieux comprendre les motifs des épreuves auxquelles le MASA fait face depuis quelques années dans la réalisation de ses missions. L’analyse de sa politique de promotion s’insère ainsi dans un paradigme compréhensif et dans une logique de construction, à partir d’un raisonnement inductif. Les théories en sciences de l’information et de la communication convoquées pour appréhender cette réalité sont : la cybernétique et The two step flow of communication. Ce cadre théorique permet, in fine, de démontrer que l’efficacité et la pertinence de la politique de promotion du MASA reposeraient, en partie, sur l’instauration d’une interaction égalitaire entre sa direction et les leaders d’opinion (journalistes, critiques d’arts, créateurs, responsables d’institutions culturelles etc. )
This work addresses, in the light of the case of Market for African Performing Arts (MASA), the question of media issues in the promotion of cultural policies of the continent. It follows from the observation that the market for cultural products is increasingly confronted with profound changes: extension of the provision of recreation are now perceived as cultural activities among others (sport , tourism, etc. . ) development of cultural industries that contribute to increased production and dissemination of new series in cultural property; dazzling breakthrough strategies for corporate communication, marketing and advertising that determine, in part, the success or failure of a cultural project. Indeed, the observation of crisis in the dissemination, promotion and circulation of African artists and their works has prompted the creation of a market with the intention to serve as spearhead for operators. At its inception, MASA has actually met their expectations. Through its market size, festival or professional meetings, the event has taken on important issues. First, contribute to the preservation of cultural diversity, facing the threat of globalization seen as a possible factor in the standardization of cultures. Then economic, to the extent that artists could now offer their works to buyers from various backgrounds. After six editions, it seems appropriate to develop a factual record of this market to determine what are its policies for the promotion and repositioning. The key assumption made here is based on the realities of the terrain and elements, from questioning established themselves on facts, findings and statements of resource people. Ranging from a qualitative study aims to better understand the reasons which tests MASA faced in recent years in achieving its missions. The analysis of its policy to promote and fits into a comprehensive paradigm and a logic of construction, from an inductive reasoning. Theories of information science and communication convened to grasp this reality are: cybernetics and the two step flow of communication. This theoretical framework allows, ultimately, to demonstrate that the effectiveness and relevance of the policy of promoting MASA based in part on the establishment of an egalitarian

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Caillat, Isabelle. "Développement d'outils de management et actes de langage dans les entreprises de spectacle vivant." Thesis, Lyon 3, 2011. http://www.theses.fr/2011LYO30052/document.

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Abstract:

Les entreprises de spectacle vivant évoluent dans un contexte de diminution de ressources externes et de modification des modalités d’attribution des subventions par l’application de la LOLF (Loi Organique relative aux Lois de Finances). Leur problématique repose sur les moyens à mettre en œuvre pour faire face à ces contraintes. Nous nous attachons à démontrer que leur développement dépend de l’amélioration de la logique de coopération entre les acteurs à partir du projet artistique et de l’appropriation des contraintes d’évaluation de la LOLF, pour révéler les performances cachées et développer des ressources internes. Cette recherche se construit à partir de l’hypothèse que l’amélioration de la performance globale des organisations dépend d’une action transformative qui opère selon trois axes interdépendants : l’intervention, les outils de management, le langage–acteur. A partir d’une recherche-Intervention dans un théâtre et d’un diagnostic qualitatif dans un autre, nous accompagnons les acteurs dans une conduite de changement et étudions les conditions de développement managérial dans ce type d’organisation. Nous analysons comment l’utilisation du langage dans le cadre de l’Intervention Socio-Economique modifie les représentations et contribue à l’élaboration d’un nouveau dispositif managérial. Nous proposons d’associer les outils de management socio-Économiques, utilisés comme des matrices de lecture de l’organisation, aux critères d’évaluation et de subvention des pouvoirs publics pour en faire des outils de réflexion sur le processus de réalisation et de diffusion de spectacle et construire une représentation partagée entre les différents acteurs
Performing arts companies operate in a context of declining resources and changes in the rules governing the allocation of grants, in accordance with the LOLF (Organic Law relative to the Laws of Finance). Their challenge lies in finding ways to address these constraints. We aim to demonstrate that their development depends on improving the manner in which all parties cooperate, based on the artistic project and taking into account the constraints resulting from the evaluation used by the LOLF, to reveal hidden costs and to develop internal resources. This research is based on the hypothesis that improving the overall performance of organizations depends on a transformative action that operates in three interdependent areas: intervention, management tools, and the speech-Actor. Based on intervention-Research in one theatre and on a qualitative study in another, we have assisted actors in the process of change management and examined the conditions in which managerial development takes place in this type of organization. We analyse how language use in the context of Socio-Economic Intervention modifies the representations and contributes to the elaboration of a new managerial instrument. We propose the use of socio-Economic management tools, serving as a framework for analyzing the organisation, combined with the criteria of evaluation and allocation of public funding as a basis of reflexion on the process of creation and dissemination of shows, as well as a means of building a shared representation between the different actors

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Barut, Benoît. "Un Spectacle dans un fauteuil. Poétiques et pratiques didascaliques d'Axël à Zucco." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030134.

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Abstract:

Parce qu’elle se donne comme un discours ancillaire chargé d’actualiser le dialogue et de construire la représentation, parce qu’elle semble empiéter sur le terrain réservé du metteur en scène mais ne peut égaler la magie du spectacle, parce qu’elle n’est ni vraiment littéraire ni réellement scénique, la didascalie est longtemps restée le parent pauvre des études théâtrales. Depuis quelques années, elle fait l’objet d’un engouement relatif. D’une part, des études linguistiques décrivent le fonctionnement standard du discours didascalique en synchronie.D’autre part, des études critiques éclairent les poétiques didascaliques d’auteurs en s’intéressant particulièrement aux infractions par rapport à une pure fonctionnalité supposée.Dans cette thèse, nous cherchons à dépasser cette approche clivée en fournissant une poétique générale de la didascalie et, afin de lui donner sens, poids et nuance, nous l’ancrons résolument dans l’histoire en nous fondant sur le théâtre du XXe siècle, de Villiers à Koltès, soit un XXe siècle élargi, solidement ancré dans le XIXe et les yeux déjà tournés vers le XXIe. C’est le moment où la didascalie se redéfinit du fait de l’avènement et de la prise de pouvoir du metteur en scène, le moment où elle sort spectaculairement de son ornière sans pour autant pouvoir ou vouloir se débarrasser totalement d’un fond utilitaire. Elle apparaît alors sans conteste comme une parole boitant "un pied dans le devoir, un pied dans le désir", une parole icarienne tendue entre des catégories théoriquement exclusives. Dans une première partie, nous posons le format du discours didascalique, son territoire,son fonctionnement énonciatif (c’est-à-dire la place exacte qu’il occupe dans la communication dramatique) et ses caractéristiques graphiques (ponctuation, typographie, mise en page). Dans une seconde partie, c’est la fabrique même de l’écriture didascalique qui est étudiée, c’est-à-dire sa tension constitutive entre le pacte qui la régit (clarté, économie) et sa fondamentale aspiration à devenir (devenir-spectacle, devenir-poème, devenir-roman…)
Because they seemingly have to make the dialog work as well as to construct theperformance, because they seem to encroach upon the director’s grounds and yet cannot level with the magic of the actual staging, because they are not a real piece of literature nor do they belong to the show, the stage directions have long been overlooked by theater studies. In the past few years, a mild interest has arisen. On the one hand, linguists describe in a synchronic fashion the generic features of this particular type of discourse. On the other hand, critics wish to seize the specificity of each author’s stage directions, with an emphasis on the breaches of their theoretical functional purity.In this thesis, we intend to go beyond this fragmented approach by offering an overall poetics of stage directions and, in order for it to carry meaning, weight and nuance, we choose to base it on history and, specifically, on XXth century theater, from Villiers to Koltès, an enlarged century, deeply rooted in the XIXth and already glancing at the XXIst. It is then that stage directions redefine themselves as a result of the advent of the director and his coming to power ;it is then that they spectacularly travel out of joint but appear, nonetheless, incapable or unwilling to get rid altogether of their fundamental usefulness. Unequivocally, they prove to be a form of speech limping “one foot in duty, on foot in desire”, an icarian discourse reconciling what is theoretically opposed.This study starts with the format of the stage directions, their territory, their enunciation (i.e. the exact role they play in the dramatic communication), their graphic characteristics (punctuation, typography, lay-out). Then, we investigate the very fabric of stage directions writing, the perpetual tension between the pact that rules them (clarity, economy) and a fundamental drive to become something else (to become stage, to become poem, to become novel…)

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Del, Perugia Alexandre. "La présence dans l'ailleurs : réflexions sur l'art du Jeu." Thesis, Montpellier 3, 2016. http://www.theses.fr/2016MON30061.

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Abstract:

L'expérience d'artiste et de pédagogue d'Alexandre Del Perugia l'a mené à élaborer une théorie et une pédagogie sur la présence de l'artiste en scène. La première partie relate la trajectoire du pédagogue A. Del Perugia depuis son enfance et met en évidence ses capacités précoces en matière de perceptions, intuitions et transmission, ainsi que son parcours professionnel du Théâtre-École du Passage avec Niels Arestrup à la codirection du CNAC en passant par la création du lieu culturel de l'Hostellerie de Pontempeyrat. La deuxième partie expose la manière d'être du pédagogue A. Del Perugia. Profondément attaché à la liberté de pensée, il n'est ni un maître socratique, ni un maître ignorant, mais davantage un accompagnant. Ses cours sont des cours de re-création où les artistes de toutes disciplines jouent aux jeux d'Enfant pour retrouver le chemin vers le plaisir et les états de présence. La troisième partie établit les fondements théoriques de l'approche artistique d'A. Del Perugia. Après avoir acquis les outils du joueur (attitudes, principes, dynamiques) au cours de deux étapes de maturation, l'élève en arrive à ne plus jouer, mais à se laisser traverser et se faire agir : le geste juste est toujours celui qui s'échappe. La présence n'est autre que la présence en soi et réside dans un espace-temps différent de la réalité offerte à nos sens : le réel. La quatrième partie retranscrit 37 jeux pédagogiques créés par A. Del Perugia. Ces 240 pages de dessins permettent d'avoir un aperçu concret et pas-à-pas de sa pédagogie et théorie
L'expérience d'artiste et de pédagogue d'Alexandre Del Perugia l'a mené à élaborer une théorie et une pédagogie sur la présence de l'artiste en scène. La première partie relate la trajectoire du pédagogue A. Del Perugia depuis son enfance et met en évidence ses capacités précoces en matière de perceptions, intuitions et transmission, ainsi que son parcours professionnel du Théâtre-École du Passage avec Niels Arestrup à la codirection du CNAC en passant par la création du lieu culturel de l'Hostellerie de Pontempeyrat. La deuxième partie expose la manière d'être du pédagogue A. Del Perugia. Profondément attaché à la liberté de pensée, il n'est ni un maître socratique, ni un maître ignorant, mais davantage un accompagnant. Ses cours sont des cours de re-création où les artistes de toutes disciplines jouent aux jeux d'Enfant pour retrouver le chemin vers le plaisir et les états de présence. La troisième partie établit les fondements théoriques de l'approche artistique d'A. Del Perugia. Après avoir acquis les outils du joueur (attitudes, principes, dynamiques) au cours de deux étapes de maturation, l'élève en arrive à ne plus jouer, mais à se laisser traverser et se faire agir : le geste juste est toujours celui qui s'échappe. La présence n'est autre que la présence en soi et réside dans un espace-temps différent de la réalité offerte à nos sens : le réel. La quatrième partie retranscrit 37 jeux pédagogiques créés par A. Del Perugia. Ces 240 pages de dessins permettent d'avoir un aperçu concret et pas-à-pas de sa pédagogie et théorie

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Zandieh, Rezvan. "Esthétique du corps blessé dans les pratiques performatives d’aujourd’hui, des années 60 a nos jours." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030052.

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Abstract:

Dans cette thèse, nous explorons les différents rapports du corps, du pouvoir, de l’identité(sexuelle, raciale, etc) et du politique à travers le corps blessé de l’artiste sur scène. Il s’agit d'un parcours qui retrace les différentes manifestations du corps blessé depuis les années 60, au cours desquelles l’artiste commence à user de son propre corps et de son propre sang comme matériau artistique, jusqu’à aujourd’hui. Se fondant sur deux axes, historique et théorique,l’analyse que nous faisons de performances emblématiques issues du mouvement artistique du Body art permet d’examiner les particularités et les singularités des enjeux du corps blessé de l’artiste comme catégorie de l’art. En conceptualisant le « corps blessé » de l’artiste, en étudiant les différents usages du sang et de la blessure dans des performances choisies pour leur originalité et leur force, la recherche montre les enjeux politiques et les questionnements philosophiques liés à ces pratiques. À partir de 200 performances que nous explorons, nous établissons des catégories (corps blessé et corps ensanglanté) afin de saisir les différences esthétiques à l’oeuvre et le sens de la violence et de la douleur exprimés dans ce contexte. De manière emblématique, le corps blessé de l’artiste met en lumière la querelle du normal et de l’anormal, des sujets assujettis et des sujets résistants, de la soumission et de la rébellion. Ce corps, à travers l’esthétique de la violence et de la douleur pose les questions fondamentales liées à l’aliénation et à la forme spéciale des rapports entre le corps et le pouvoir dans les sociétés sous le règne du « biopouvoir ». Il montre le malaise de notre société
In this thesis, we explore the different relationships of the body, the power, the identity(sexual, racial, etc.) and politics through the injured body of the artist on stage. It’s a journeythat traces the various manifestations of the body since the 60s, during which the artist beginsto use his own body and his own blood as artistic material, until today. Based on two axes,historical and theoretical, our analysis of emblematic performances from the body artmovement allows to examine the peculiarities and singularities of the issues of the injured bodyof the artist as a category of art. By conceptualizing the artist's "injured body", by studying thedifferent uses of blood and injury in performances chosen for their originality and strength, theresearch shows the political issues and philosophical questions related to these practices. Fromthe 230 performances that we explore, we establish categories (injured body and bloody body)in order to grasp the aesthetic differences at work and the meaning of violence and painexpressed in this context. In an emblematic way, the injured body of the artist highlights thequarrel of the normal and the abnormal, subjugated subjects and resistant subjects, submissionand rebellion. This body, through the aesthetics of violence and pain poses the fundamentalquestions related to the alienation and the special form of the relationship between the body andthe power in the societies under the reign of "biopower". It shows the malaise of our society

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Adoumbou, Caroline. "L'installation d'une fonction managériale dans les Très Petites Organisations de Spectacle Vivant : cas de deux recherches-interventions." Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSE3008.

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Abstract:

En France, dans un contexte de création et de diffusion artistique où les moyens financiers, humains et de temps mis à disposition des structures sont contraints, nous avons observé sur le terrain une prise en charge partielle voire inexistante de la fonction managériale dans les très petites organisations de spectacle vivant. Ce phénomène mène à un gaspillage des ressources (financières, humaines, de temps) à disposition des structures. Cela contribue à mettre en péril la pérennité de leurs activités. À partir de deux recherches-interventions, nous nous efforçons de montrer que dans les Très Petites Organisations de Spectacle Vivant, la structuration et l'organisation ne sont pas antagonistes du développement du projet artistique, mais qu'elles peuvent au contraire le favoriser. Nous montrons que l’installation d’une fonction managériale adaptée aux particularités des Très Petites Organisations de Spectacle Vivant et basée sur une approche socio-économique, contribue à une augmentation de leur performance globale (économique, sociale et artistique)
In France, in a context where organizations dealing with artistic creation and diffusion are given less and less resources, we have observed in some of them, a lack of proximity management regarding the steering of performance. This leads to a waste of resources threatening the development and the sustainability of the activity. The aim of this thesis based on two intervention-researches is to identify which are the management’s tasks that are not performed and to study the factors that can explain this phenomenon. We show that the installation of an accurate management based on the socio-economic approach improves the global performance (economic, social and artistic) of these organizations

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Venegas, Ferrin Marianela. "Danse ethno-contemporaine, théâtre de rue et spectacle drag-cholo dans les Andes équatoriennes : étude de trois arts du spectacle vivant à partir de leur origine historique et de leurs dimensions esthétique, populaire et "chola"." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2020. http://www.theses.fr/2020PA080059.

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Abstract:

Danse ethno-contemporaine, théâtre de rue et spectacle drag-cholo dans les Andes équatoriennes. A partir de l’étude de trois processus créatifs de danse et de théâtre, cette thèse tente de comprendre, depuis un parcours historique et esthétique, la notion de “cholo” (concept culturel qui désigne la personne en manque d’identité : ni indigène, ni blanche, ni métisse) dans sa problématique scéno-esthétique, dans la ville de Quito, en Équateur, lors des vingt dernières années.Dans une première approche qui vise à étudier les histoires du spectacle pré et post-colonial andin, nous observons comment les discours officiels utilisent certaines ressources discursives externes ou coloniales qui mettent en évidence une réinterprétation des théâtralités et néglige les dialogues et négociations qui s’établissent au sein du domaine socio-culturel populaire et esthétique des arts andins.Dans un second temps, nous analysons trois formes d’arts vivants et populaires qui se développent à Quito ces dernières années : la danse ethno-contemporaine, le théâtre de rue et le spectacle drag-cholo. A travers ces études, nous voyons comment la “cholisation” est l’objet de débats où les pouvoirs d’agir des arts scéniques populaires andins et leur mobilité jouent un rôle au sein des dimensions culturelles hégémoniques du monde post-colonial
Ethno-contemporary dance, street theatre and drag-cholo show in the Ecuadorian Andes. Through the study of three methods of theater and dance creation, this dissertation aims to understand the concept of “cholo” (cultural concept that refers to the person who lacks identity: neither indigenous, nor white, nor mestizo) from a historical and aesthetic perspective during the last 20 years in the Andean environment of Quito, Ecuador.On a first assessment of the history of the pre- and post-colonial Andean scene, it was noted that official speeches used external and colonial discursive resources. These types of speeches reveal the re-interpretation of theatrical scenes and they exclude the dialogs and negotiations established in the socio-cultural, popular, and aesthetic of the Andean arts.In addition, three forms of life and popular art that were developed in Quito were analyzed: ethno-contemporary dance, street theater, and the drag-cholo performance. Through these studies, it was learned that “cholojizacion” is a subject of debate where empowerment of the popular Andean scenic arts and their mobility play a role within the hegemonic cultural dimensions of the post-colonial world
Danza etnocontemporánea, teatro de calle y espectáculo drag-cholo en los Andes ecuatorianos. A través del estudio de tres procesos de creación dancística y teatral, esta tesis intenta comprender desde un recorrido histórico y estético el concepto de “cholo” (un concepto cultural que se refiere a la persona que carece de identidad: ni indígena, ni blanca, ni mestiza) en su problemática escénica-andina, dentro de la ciudad de Quito, Ecuador, durante los últimos 20 años. En una primera aproximación por estudiar las historias del espectáculo pre y post colonial andino, observamos como los discursos oficiales utilizan algunos recursos discursivos externos o coloniales que ponen en evidencia una re-interpretación de las teatralidades y deja de lado los diálogos y negociaciones que se establecen en lo socio-cultural popular y estético de las artes andinas. En según lugar, analizamos tres formas de artes vivas y populares que se desarrollan en Quito estos últimos años: la danza etno-contemporánea, el teatro callejero y el espectáculo drag-cholo. A través de estos estudios, entendemos como la “cholojización” es un campo en disputa donde las agencialidades de las artes escénicas populares andinas y su movilidad juegan dentro de las dimensiones culturales hegemónicas del mundo post-colonial

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Kim, Won. "Les contrepoids du mime corporel dans le monde contemporain." Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080064/document.

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Abstract:

Cette thèse examine le phénomène du contrepoids issu du mime corporel, un art inventé par Etienne Decroux (1898-1991). À partir de son analyse aux niveaux physique, technique et poétique, cette étude met en lumière la possibilité de dépasser l’illusion de la représentation par la compréhension pratique du contrepoids poétique, non seulement pour le mime corporel, mais également pour toutes les activités liées au sport, à l’art de la scène, et à la résistance politique. Le contrepoids contribue à expliquer l’importance éthique et le succès international croissant de sports comme le breakdanse et le skate-boarding durant ces trente dernières années. Dans le domaine de la résistance politique, cette notion permet de mieux comprendre le succès de Muhamed Ali tout autant que l’émotion suscitée par l’homme debout, seul devant les chars sur la place Tian’anmen. Enfin, dans le domaine des arts du spectacle, cette thèse propose une pédagogie pratique du théâtre physique focalisée sur le contrepoids en tant que base du mouvement dramatique. Avec la tendance, aujourd’hui, de s’orienter vers un art interdisciplinaire et pluriculturel, qui ouvre les frontières entre les arts plastiques, le théâtre et la danse, cette pédagogie offre une méthode pour les acteurs mais aussi pour les danseurs qui cherchent à créer un art transversal capable de surmonter les barrières des langages, des langues et des cultures
This thesis examines the phenomenon of counterweights of corporeal mime, an art invented by Etienne Decroux (1898-1991). And through the optic of three existential levels: the physical, the technical, and the poetic, this study presents the possibility of going beyond the illustrative representation and the illusion with the practical understanding of poetic counterweights not only for the art of corporeal mime, but across all corporeal activities related to sports, performing arts, and political resistance. Counterweights help explain the ethical importance and international rise of sports like breakdancing and skateboarding within the past thirty years. And in the political resistance arena, it helps to better understand the secrets to Mohammed Ali’s success, as well as the emotional affect of the “tank man, ” a lone man standing in front of a column of tanks at the Tiananmen Square. Finally, for the realm of performing arts training, this thesis proposes a practical pedagogy of physical theatre focused on counterweights for the basis of dramatic movement. With the current trends toward interdisciplinary and multi-cultural performance art that opens the boundaries between fine art, theatre, and dance, this pedagogy offers a training method for both actors and dancers who seek to create transversal art that reaches across the boundaries of language and local cultures

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Svobodova, Karolina. "Des lieux intermédiaires dans un pays en chantier. Nouvelles réponses spatiales aux défis culturels, artistiques et urbains dans la Belgique des années 1970-1980." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2021. https://dipot.ulb.ac.be/dspace/bitstream/2013/320963/7/Contrat.pdf.

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Abstract:

Cette thèse étudie les enjeux et processus de création de lieux intermédiaires (friches culturelles, tiers-lieux) dans le contexte spécifique de la Belgique des années 1970. Dans une situation de revendications sociales, culturelles et artistiques et de luttes urbaines, alors que le pays est en plein chantier institutionnel conséquemment à la première révision de la Constitution, de nouveaux acteurs réclament leur place dans la cité et leur droit à la ville. Les études sur les lieux intermédiaires se multiplient depuis vingt ans en lien avec les enjeux d’aménagement du territoire. L’état de l’art révèle que tandis que les géographes, urbanistes et sociologues investissent des lieux contemporains pour analyser à quelles dynamiques territoriales – et plus spécifiquement urbaines – ils participent, les historiens de l’art et du théâtre rédigent des monographies sur l’invention de ces nouveaux espaces et sur leurs enjeux et effets dans le monde de l’art.En étudiant, à l’aide de fonds d’archives actuellement non traités et de l’histoire orale, trois lieux intermédiaires fondés en Belgique durant les années 1970 – les Halles de Schaerbeek, le Cirque Divers et la Raffinerie du Plan K – cette thèse propose d’articuler ces deux démarches en montrant comment, par l’esthétique, les choix d’aménagement et les modes de sociabilité développés dans ces lieux, ces derniers élaboraient un imaginaire urbain spécifique, participaient à l’expérience de la cité et s’inscrivaient dans le monde de l’art.La mise en place de ces infrastructures constituait une solution spatiale qui devait permettre de développer de nouvelles pratiques artistiques, susciter d’autres rapports à la culture et privilégier des modes festifs de sociabilité dans un contexte culturel peu dynamique. La thèse montre comment la logique Do It Yourself qui animait la création des lieux intermédiaires ainsi que leur manque de moyens structurels rendaient ces derniers particulièrement sensibles à leur environnement (institutionnel, urbain, socio-culturel, artistique) et les ouvraient sur la vie et les besoins de la cité. On observe que les trois lieux résultaient d’une dynamique de coopération et des appropriations des usagers, davantage que d’une logique oppositionnelle. Face au contexte actuel du city marketing et des ambitions de la ville créative qui mobilise les infrastructures et événements culturels à des fins économiques et promotionnelles, la perspective historique de cette thèse vise à réinterroger le statut de ressource que représente le lieu de culture. À partir de l’histoire de ces trois lieux, elle invite à penser les conditions de possibilité de l’infrastructure culturelle comme commun.
This dissertation examines the challenges and creative processes of intermediate places (cultural sites, third-places) in the specific situation of Belgium during the 1970s. In a context of social, cultural and artistic demands and urban conflicts, as the country was undergoing institutional reforms following the first revision of the Constitution, new actors claimed their place in the city and their right to the city.Studies on intermediate places have proliferated over the past twenty years with regard to land use planning issues. A review of the state of the art reveals that while geographers, urban planners and sociologists invested contemporary spaces to analyze the territorial - and more specifically urban - dynamics to which they contribute, art and theater historians produced monographs on the invention of such new spaces and about their significance and effects in the art world.Using unedited archive collections and oral history to study three intermediate places founded in Belgium in the 1970s - the Halles de Schaerbeek, the Cirque Divers and the Raffinerie du Plan K - this research suggests to combine these two approaches by showing how, through aesthetics, design choices and the modes of sociability implemented in these places, they developed a specific urban imaginary, contributed to the experience of the city and entered the art world.The implementation of such infrastructures provided a spatial solution that would enable the development of new artistic practices, encourage other attitudes towards culture and favor celebratory modes of sociability, in a poorly dynamic cultural context. The dissertation shows how the "Do It Yourself" movement that promoted the development of intermediate places as well as their lack of organizational means made them particularly sensitive to their - institutional, urban, socio-cultural, artistic - environment and exposed them to the life and needs of the city. Consequently, it can be stated that the three cultural sites arose from a dynamic of cooperation and appropriation by the users, rather than from an oppositional logic. In light of the current model of city marketing and the aspirations of the creative city, which relies on the use of public infrastructures and cultural events for economic and marketing purposes, the historical approach of this work aims at reexamining the value of cultural places as a resource. Drawing on the history of these three sites, it calls for a reflection on the conditions of possibility of cultural infrastructure as a common.Keywords: intermediate places, requalification, common, development, appropriation, 1970, creative city, celebration, spectacle, urban imaginary, Brussels, Liege, Belgium
Doctorat en Arts du spectacle et technique de diffusion et de communication
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Salmaoui, Saada Houda. "La présence et l'image de la femme tunisienne dans le théâtre et les arts (1956-1986)." Paris 10, 2001. http://www.theses.fr/2001PA100045.

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Abstract:

Parcourant presque plus d'un siècle de présence féminine dans le théâtre tunisien et plus particulièrement les trente ans qui se sont écoulés depuis l'indépendance de la Tunisie en 1956, cette thèse analyse la relation de la femme tunisienne avec les arts en général et avec le théâtre en particulier dans la Tunisie indépendante, en adoptant un point de vue historique et sociologie, à travers la description critique de l'état des lieux et la mise en valeur de l'apport des femmes qui se sont distinguées dans leurs domaines et à leur niveaux dans la vie artistique et culturelle tunisienne. Cette thèse tente de tracer, avec un souci d'équité et de neutralité, les contours du statut de la comédienne en Tunisie en établissant un parallèle entre son statut socio-juridique dans la Tunisie indépendante et son image qui émerge de l'essentiel de la production dramatique tunisienne durant la même période (1956-1986)
Covering nearly a century of the feminine presence on the tunisian stage and mainly the three decades following the independance of tunisian woman with arts in general and theatre in particular. This could not be achieved without having at hand, from a historical and sociological point of view, the literary review on one hand and the contibution of women who were distinguished in their fields and levels in the artistic and cultural tunisian life on the other hand. This thesis attemps to trace justly and objectively, the outline of the status of the tunisian actress and establishes a parallel between her social and legal status in the independent tunisia and her image that springs out from the core of the tunisian dramatic production during the same period (1956-1986)

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Péjaudier, Hervé. "Rituel ou spectacle ? : des représentations chamaniques coréennes (kut) dans des salles occidentales : autour de la chamane (mudang) Kim Kŭm-Hwa." Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0644.

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Abstract:

Ce travail étudie la réalisation des kut, rituels chamaniques coréens, sur les scènes occidentales aujourd’hui, à partir des performances de la mudang (chamane) Trésor national Kim Kŭm-hwa données à Paris en 2002 et 2005, du point de vue de la réception en s’appuyant sur deux fois vingt témoignages de spectateurs choisis pour leur diversité. La première section, intitulée « le point de vue des spectateurs », montre comment lors de la représentation de 2002 on a eu le sentiment qu’une triple barrière était levée, celle du lieu, de la langue et de la culture, permettant aux spectateurs de se sentir intégrés dans une communauté et pris dans un jeu auxquels ils s’abandonnaient ; ce qui ne les empêchait pas de réfléchir sur la dichotomie bien ressentie entre « rituel » et « spectacle », pour aboutir à l’idée que les deux aspects atteignaient leur but, le rituel distribuant la chance, et le spectacle la joie. L’analyse des résultats de 2005 permet d ’établir une matrice des modes de représentations associés par les spectateurs à la perception d’un kut, renforce l’idée d’une collectivité assemblée autour de la mudang, et fait ressortir l’étonnant lien personnel que beaucoup de témoins souhaitaient établir avec elle. La seconde partie s’élargit au « point de vue des producteurs » ayant fait venir des kut en France. La synthèse de leurs propos nous a permis de déterminer les 7 mauvaises raisons de le faire, qui reposent sur les notions de croyances et de véracité entraînant apories et ratages. Nous construisons en miroir le système des 7 bonnes raisons, qui repose sur les notions de jeu et d’efficience, pour retrouver la motivation du kut et le partage avec le public. Enfin, « le point de vue de la mudang » nous entraîne en Corée, où comprendre comment la présence chamanique infuse toute la société, comment la parole des mudang est perçue par les « clients » (même quand ils sont anthropologues) et ce qu’il en est d’un kut privé donné par Kim Kŭm-hwa en son sanctuaire, pour arriver à la notion de « forme émergente », adaptation du kut aux contraintes d’aujourd’hui, seul moyen sans doute d’assurer sa survie, dans une nouvelle répartition des composantes rituelles et spectaculaires
The main goal of this work is the study korean shamanistic rituals, called « kut », on western stages nowadays, based upon the performances of the mudang (shaman) and National Treasure Kim Kŭm-hwa, as she performed in Paris in 2002 and 2005. Around forty interviews of various people chosen for their diversity were used to study the audience and how they perceived it. Hence the first part of this work, called “the audience’s point of view”, which shows how during the performance of 2002, we could feel that three obstacles were overcame: place, language and culture. Thanks to this, the audience feels integrated in a new community and takes part in a new game, in which they totally surrender, though it doesn’t prevent them from thinking about the dichotomy between “ritual” and “show”. Both of these two ideas play their part well: ritual gives out luck, and the show gives out joy. Besides, the analysis of 2005 performance results in a numerous way of visualizing a kut, and enhances the idea of a group surrounding the mudang, and the personal link each individual wish to establish with her. The second part of this work expands to “the producers’ point of view”, the same who made these performances possible in France. The synthesis of their interviews made it possible to determine “7 bad reasons” to make such performances, reasons based upon belief and truth. On the other hand, there are also the “7 good reasons”, based upon the notions of performance, efficiency and sharing with the audience, which is the main goal of the kut ritual. Finally, “the mudang’s point of view” leads us to South Korea, where it is possible to understand how shamanism instills in society, how the “clients” – even though they are sometimes anthropologists– perceive the mudang’s speech, and what is a private kut; all this will lead us to the notion of “arising”, when the kut ritual has to bend into nowadays obligations, its only way to survive in this new world of ritualistic and spectacular concepts

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Halimi, Carole. "Le tableau vivant de Diderot à Artaud, et son esthétique dans les arts visuels contemporains (XXe-XXIe siècles)." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010655.

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Abstract:

Le tableau vivant, qui est à l'origine une pratique théâtrale articulée à la représentation picturale et artistique en général, est ici abordé comme un médium de l'image, au sens où l'entend Hans Belting, à savoir une modalité de captation des images. Le corps, singulier ou collectif, est conduit, dans la pratique du tableau vivant à « faire tableau », en regard d'une référence iconique, textuelle, mémorielle. Le vivant se modélise sur ce qu'Alain Roger a nommé des « schèmes artialisants », qui revêtent la plupart du temps, l'aspect de références culturelles connues. L'objet de cette thèse est à la fois de retracer l'histoire du tableau vivant en tant que pratique depuis le milieu du XVIIIe siècle, pour en examiner l'usage dans les arts visuels contemporains, plus particulièrement à partir des années 1980, où il apparaît que le tableau vivant opère un retour, légitimé surtout par sa nature de simulacre. Trois approches nous paraissent en effet déterminantes dans la nature de cette forme: son caractère de représentation, en relation avec le regard et la complicité d'un spectateur; sa nature de simulacre, qui entraîne le corps humain sur le terrain d'une déréalisation ; et enfin le jeu établi avec la frontière du tableau. L'étude de ces différents aspects nous a conduit à concevoir le tableau vivant comme une forme située sur un espace frontalier, entre le réel et l'illusion. Les usages du tableau vivant, servent par conséquent souvent à produire de l'hétéroclite, de l'hybridité, à rendre l'œuvre d'art à sa qualité de créature, de simulacre, c'est-à-dire d'image vivante.

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Proust, Sophie. "La direction d'acteurs : dans la mise en scène théâtrale contemporaine." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082154.

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Abstract:

Principalement basée sur une expérience de stagiaire et d'assistante à la mise en scène de Denis Marleau, Matthias Langhoff, Yves Beaunesne et Robert Wilson de 1997 à 1999, cette recherche définit en quatre parties le travail du metteur en scène avec les acteurs en relation avec un objet de création lors de la période des répétitions pour créer un spectacle. Elle répertorie les prémisses à toute direction d'acteurs dans un processus de création, place le travail du metteur en scène avec les interprètes au-delà d'une simple relation binaire, développe les manifestations du langage spécifique du directeur d'acteurs et les fonctionnements de la direction d'acteurs. Les annexes contiennent notamment des entretiens réalisés avec Matthias Langhoff, Stéphane Braunschweig, Claude Régy, Ferruccio Soleri et François Chat, et des notes de répétitions
Based on my experience as an intern and assistant director for Denis Marleau, Matthias Langhoff, Yves Beaunesne and Robert Wilson between 1997 and 1999, this research defines, in four parts, the director's work with actors during rehearsals for the creation of a production. It indexes the premises necessary to the direction of actors in a creative process, places the director's work with the performers beyond a simple binary relationship, and develops the manifestations of language specific to the director of actors and the functioning of the direction of actors. The appendixes contain, in particular, interviews with Matthias Langhoff, Stéphane Braunschweig, Claude Régy, Ferruccio Soleri et François Chat, as well as rehearsal notes

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Martineau, Jacques. "L'opéra et l'amour dans La Comédie humaine d'Honoré de Balzac." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1993PA040238.

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Abstract:

Le but de ce travail n'est pas de retrouver l'opéra réel du début du XIXème siècle dans l'œuvre de Balzac, mais d'essayer de comprendre comment le réel est mis en fiction dans la Comédie humaine. Pour cela, on s'intéresse au travail de métaphorisation dont est l'objet l'opéra : Balzac a construit, tout en conservant une fidélité absolue au modèle, un univers lyrique tissé de sens et de symboles qui lui donnent cohérence et autonomie. A travers le thème de l'opéra et de l'amour on voit comment s'opère chez Balzac la reconstruction d'un réel disparate pour lui donner la cohérence de l'œuvre d'art. Pour cela j'étudie d'abord, en première partie, l'amour à l'opéra : Balzac reprend le motif littéraire de la scène de loge et le développe à l'intérieur de son univers fictif. En seconde partie, j'analyse la musique lyrique dans la vie privée des personnages. Intimement lié à l'amour, l'opéra s'impose dans la Comédie humaine comme image de l'amour proposant représentations et métaphores que les personnages, comme l'auteur, exploitent
The aim of this work is not to treat Balzac’s novels as a source of information on the operatic scene in early 19th-century France, but rather to examine how that information is transmuted into fiction in la Comedie humaine. Although imaginary, the operatic world recreated by Balzac remains perfectly faithful to its real-life counterpart, and reproduces the complex networks of signs and symbols which make for the specificity and the unity of opera as an art-form. A study of two closely inter-related themes, love and opera, further highlights the process of reconstruction which, throughout la Comedie humaine, transcends a fragmented reality and endows it with the oneness of a work of art. The first part of the work deals with a recurrent motif, the "box scene", which Balzac borrows from literary tradition but subjects to an original treatment, linking it to key aspects of his thought and work (such as the recurrence of characters, the notion of "energy", and so on). The second part focuses on the role of music in the characters' private lives, and examines the way both the author and his characters draw on the wealth of images and metaphors provided by opera

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Garrabé, Laure. "Les rythmes d’une culture populaire : les politiques du sensible dans le maracatu-de-baque-solto, Pernambuco, Brésil." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083327.

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Abstract:

Cette thèse propose une contribution à une anthropologie esthétique dans une perspective interdisciplinaire où l’esthétique est interrogée entre ses compétences socialisante et individuante. Dans une critique constante du langage, elle observe comment les communautés réunies autour d’une esthétique (forme et affect) définissent, s’approprient et se socialisent à travers une pratique spectaculaire de la culture dite populaire. Le maracatu-de-baque-solto est une forme du spectacle vivant de Pernambuco (Brésil) élaborée par des paysans de la canne à sucre. Une fois inséré dans le circuit institutionnel urbain du carnaval, il connut des transformations formelles et symboliques aujourd’hui accélérées par les logiques de l’industrialisation et de la professionnalisation. La première partie analyse la formation de la société pernambucana où la structure des rapports de domination est appréhendée dans une approche socio-esthétique. La seconde déconstruit le système imagético-discursif de la pauvreté résultant des idéologies raciales et politiques dans lesquelles le maracatu s’est constitué. La troisième constitue une ethnographie du spectacle dans ses deux modalités, la fulgurance du carnaval et l’ordinaire de fêtes. Les arts de faire y sont distinctement négociés en fonction des logiques de la spectacularisation et du processus de création. Celles-ci résonnent dans la brincadeira, notion vernaculaire définissant l’ordre populaire du maracatu en tant que spectacle et mode de créer. Dans la société maracatuzeira, elle décline un mode d’être sur le mode du faire s’articulant sur l’exigence d’une contribution personnelle à la collectivité dans les limites de la tradition. Les rythmes, ou manières singulières de fluer, d’une communauté, observés à partir de la production, mise en scène et transmission de formes et normes esthétiques collectivement investies, permettent d’interroger la fabrique d’une culture par-delà le jeu de son institutionnalisation
This research is a contribution to an aesthetic anthropology in an interdisciplinary perspective, where aesthetics is questioned in relation to its socializing and individuating competences. In a constant criticism of language, this work is about performing practices of popular culture observing how communities gathered around one aesthetic (form and affect) define it, appropriate it and socialize themselves through it. The maracatu-de-baque-solto is a performing art from Pernambuco (Brazil), which was created by sugar cane plantation workers at the beginning of the 20th century. Once it was incorporated into the urban institution of the carnival, it went through formal and symbolic transformations that are now accelerated by the logics of entertainment and increasing professionalism. The first part of this work analyses the constitution of the Pernambucana society where the structure of domination is understood according to a socio-aesthetical approach. The second part is a deconstruction of the imagetico-discursive system of poverty resulting from social, political and racial ideologies in which the maracatu took form. The third part is an ethnography of the performance in its two forms: the razzmatazz of the carnival and the ordinary of more common celebrations in which it is still practised. The modes of doing are distinctively negotiated according to the logics of the spectacle and the creative processes. These resound in the brincadeira, a common notion defining the maracatu as a live spectacle and as patterns of creation. In the Maracatuzeira society, it represents a mode of being and a mode of doing based upon the demands of a personal contribution to the group in the limits of tradition. The rhythms, or singular manners of flowing, of communities, observed from the production, distribution and transmission of aesthetical forms and norms which are collectively invested, enable us to understand the making of a culture beyond the game of its institutionalization

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Bressan, Yannick. "Du principe d'adhésion dans la représentation théâtrale : des Anciens à une expérience de neurosciences cognitives." Phd thesis, Université de Nanterre - Paris X, 2008. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00462376.

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Abstract:

Si l'on se pose la question de l'adhésion d'un sujet lors d'une représentation théâtrale vient immédiatement en question le phénomène de la perception d'une réalité (théâtrale) en parallèle de la « réalité proche » du sujet. En d'autres termes, lorsque l'adhésion est effective lors d'une représentation théâtrale « l'objet mental » que se fait le sujet de la représentation est, par instant, supérieur aux percepts. C'est là qu'intervient le principe d'adhésion ; lorsque le spectateur perçoit Hamlet à la cours d'Elseneur alors qu'il voit un comédien sur un plateau vide. Comment cette substitution de réalité s'opère t-elle ? Le metteur en scène, par son travail sur l'émergence d'une réalité théâtrale constituée d'événements théâtraux, a-t-il une action particulière dans la perception qu'a le sujet percevant d'une réalité en train de se dérouler ? Le texte engage-t-il physiologiquement et neurologiquement le spectateur ? Quels sont les éléments neuro-anatomiques engagés dans l'adhésion du spectateur à la réalité théâtrale ? Si l'on effectue une introspection, ces zones sembleraient être celles de l'empathie c'est à-dire la zone temporo-pariétale. Est-ce effectivement le cas ? Est-ce la seule ? Le théâtral peut être envisagé comme un tube à essais d'une représentation circonscrite dans l'espace et dans le temps. En effet, pour tenter de mettre en évidence le principe d'adhésion en action lors d'une représentation théâtrale il est nécessaire de tenter d'isoler le phénomène. En effet, une localisation des aires cérébrales en interdépendances (interactions ?) lors de l'adhésion permettra, probablement d'aller plus loin dans la compréhension, fondamentalement ontologique, de l'être au monde et de notre rapport d'être humain à la réalité et sur la manière dont nous (nous) la faisons émerger, par-soi.

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Bernard, Judith. "Rhétorique du discours de mise en scène : mythes et pratiques de la parole dans la répétition de théâtre." Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/bernard_j.

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Abstract:

Cette recherche a pour objet les répétitions de théâtre des années 1980-90, et concerne le théâtre de texte dans des mises en scène francophones. Il s'agit d'observer les principes structurels de la créativité théâtrale à travers les formes et les fonctions de la parole en répétition. Une étude de type interactionniste permet d'abord de dégager les spécificités de la répétition théâtrale comme interaction communicative. Puis, la parole de mise en scène est considérée comme parole sur le texte de théâtre, discours à la fois critique et poétique : le metteur en scène y est vu comme un lecteur verbalisant, et traduisant, sa lecture de la pièce en un langage susceptible d'être figuré à la scène. C'est ensuite l'aspect rhétorique de cette parole qui est envisagé : sa valeur persuasive et figurale est interrogée dans sa capacité à nourrir l'imaginaire des comédiens, afin de stimuler leur force de proposition et de rendre pérenne la vitalité de leur jeu. La parole de mise en scène est enfin abordée dans sa relation avec les signes dans le jeu d'acteur : " miroir " verbal du jeu d'acteur, la parole du metteur en scène cherche à renvoyer l'image de ce qui a été fait sur scène, pour le fixer, l'effacer ou le nuancer ; il faut alors convoquer ou forger des outils sémiologiques en mesure de décrire l'interaction qui se développe entre parole de mise en scène et production de signes dans le jeu d'acteur.

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Chatelais, Clotilde. "L'animal en droit français de la propriété littéraire et artistique." Master's thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/67768.

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Abstract:

Thèse en cotutelle : Université Laval, Québec, Canada et Université Paris-Saclay, Cachan, France.
Le monde de la propriété littéraire et artistique est aujourd’hui ébranlé par de nouveaux acteurs qui font douter du monopole de l’Humain dans le secteur artistique. L’animal - reconnu depuis 2015 par le Code Civil français comme un être vivant doué de sensibilité - vient confirmer ces doutes. En effet, la présence de ce dernier dans le domaine artistique est incontestable : l’animal est autant représenté dans les longs et courts métrages que sont les films, les publicités ou les documentaires, qu’il apparaît en premier plan d’une exposition de photographies. Les œuvres animales, qui ne sont pas une hérésie, volent même parfois la vedette aux œuvres humaines sur la scène du marché de l’art. Cependant, malgré sa proactivité, l’animal est dénué du droit français de la propriété littéraire et artistique alors que les revenus et bénéfices générés par son exploitation dans ce domaine existent et sont conséquents. Dès lors, il apparaît légitime de s’interroger sur l’animal en tant que sujet du droit de la propriété littéraire et artistique : s’il ne peut l’être par le droit positif, alors par un droit prospectif.

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Courtes, Noémie. "L'écriture de l'enchantement : magie et magiciens dans la littérature française du XVIIe siècle." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040073.

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Abstract:

En France au XVIIe siècle, la magie appartient à un lexique ambigu mais est une catégorie proprement littéraire car stylisée. Présente dans l'épopée et le roman, elle intervient surtout dans les arts du spectacle (pastorale, ballet, opéra). Le magicien est même un type, qui obéit à une rhétorique propre et occupe des fonctions spécifiques, en particulier ornementales : le personnage du magicien fait entrer dans un autre régime de vraisemblance qui rehausse le statut de ses opposants. Son "charme " est de servir de référence commune à un imaginaire qui engendre des allusions dans tous les domaines de l'écrit ; il peut en outre être parodié voire servir à dénoncer la superstition (dans la comédie). Issue du quotidien, la magie catharsise l'irrationnel du siècle. De 1581 à 1735 au moins, elle assure sa permanence en s'adaptant à toutes les situations et en étant compatible avec les autres merveilleux (mythologique et chrétien), comme le montrent les figures de Circé, Médée et Armide
In XVIIth-century France, magic belongs to an ambiguous vocabulary but is a properly literary category since it is stylised. Besides epic and novel, it occurs mainly in theatrical arts (pastoral, ballet, opera). The magician is a type who complies with a proper rhetoric and holds specific positions, ornamental ones in particular. The character of the magician introduces to another order of verisimilitude which heightens the status of his opponents. His "charm" serves as a common reference of a fancy in all the fields of written works ; he can besides be parodied, and even serve to denounce superstition (in comedy). Stemming from everyday life, magic in fact serves as catharsis for the irrationality of the XVIIth-century. From 1581 to 1735 at least, it establishes its permanence by adapting itself to all situations and being compatible with the other types of marvellous (mythological and Christian ones), as is shown by the characters of Circea, Medea and Armide

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Schenck, Cécile. "De la crise de l'homme moderne à la construction de l'homme nouveau dans les arts du spectacle (théâtre et danse) français et allemands des années 1880-1920." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030152.

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Abstract:

Ma thèse porte sur l’utopie d’un Homme nouveau, censée remédier à la crise européenne de l’homme moderne apparue dès la fin du XIXe siècle, et sur les différentes conceptions du lien social rattachant l’individu à la collectivité dans deux domaines d’expression : le théâtre et la danse, dont les diverses manifestations dans le champ des arts du spectacle français et allemands reflètent un large spectre de significations esthétiques, morales, idéologiques et politiques, révélateur des profondes mutations culturelles des années 1880-1920. À un moment de grande effervescence politique et intellectuelle liée à l’Histoire européenne, artistes et intellectuels ne cessent d’invoquer la nécessité d’un changement radical de l’homme et du monde. C’est dans les arts du spectacle que cet espoir paraît certes le plus vif, mais aussi le plus ambivalent : dramaturges et chorégraphes tendent en effet à substituer à l’idée proprement révolutionnaire la thématique d’une conversion et d’une rédemption spirituelles, devant réconcilier l’individu avec lui-même et avec sa communauté, comme le montrent, des deux côtés du Rhin, les œuvres d’inspiration wagnérienne dans les années 1880-1920. Des dernières pièces de Villiers de l’Isle-Adam au théâtre mystique de Péladan et aux drames préchrétiens du jeune Claudel, des premières mises en scène chorales de Rudolf Laban aux représentations parisiennes des Ballets russes et suédois, du Théâtre du peuple à la scène futuriste et au Bauhaus, le rêve d’une œuvre d’art totale est indissociable d’une réflexion multiforme sur les possibilités d’un renouveau esthético-religieux de l’humanité décadente
My thesis bears on the utopia of the New Man, which is supposed to be a remedy to the crisis of the modern man at the end of the 19th century. It also bears on the different conceptions of the social ties by means of which the individual is attached to the community ; it explores these conceptions in two domains of expression : theater and dance, whose diverse manifestations in the field of the French and German arts of expression reflect a large spectrum of esthetic, moral, ideological and political significances. Those manifestations reveal the profound cultural mutations of the years 1880-1920. In a time of great political and intellectual effervescence related to the particular moment of European history, artists and intellectuals incessantly evoke the neccessity of a radical change of the man and the world. It is in the arts of spectacle that this hope appears in its most vivid, but also in its most ambivalent : dramatists and choreographs have the tendency to replace to a properly revolutionary idea by the thematics of a spiritual conversion and redemption, that should reconcile the individual with herself and her community, as we can see, on both sides of the Rhin river, the works inspired by Wagner in the years 1880-1920. From the last pieces of Villiers de l’Isle-Adam to the mystical theater of Péladan and the pre-christian pieces of young Claudel, from the first choral stagings of Rudolf Laban to the parisian representations of the Russian and Swedish ballets, from the People’s Theater to the futurist scene and to the Bauhaus, the dream of a total work of art is indissociable from a manifold reflexion on the possibilities of an esthetic and religious renewal of decadent humanity

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Tissoires, Amélie. "L'opéra mental : formes et enjeux de l'écriture du spectacle chez Jean-Jacques Rousseau." Thesis, Grenoble, 2012. http://www.theses.fr/2012GRENL005.

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Abstract:

La réflexion de Rousseau concernant le spectacle (théâtral, musical, pictural) s'élabore au cours de nombreux textes théoriques qui interrogent le statut du spectateur et sa relation à ce qui est vu et entendu. Cette relation est source de nombreuses interrogations pour l'écrivain qui réfléchit à ce que l'on pourrait appeler une « économie de la distance », afin d'ajuster au mieux son regard face à l'objet mis en scène et de régler l'émotion induite par le dispositif « spectaculaire ». Cette réflexion sur le spectacle permet également de s'intéresser à la pensée de l'origine chez Rousseau car il semble que ce soit à partir de sa conception de la nature que la notion de spectacle et les émotions qu'elle suscite, s'élaborent. La qualité de l'émotion est particulièrement travaillée par Rousseau qui distingue le spectacle visuel du spectacle auditif. À la fascination de l'image créée par le dispositif théâtral s'oppose le sentiment musical, source d'une communication idéale entre le musicien et l'auditeur, et créateur d'un spectacle mental. L'importance du spectacle musical est telle que l'écriture de Rousseau ne se conçoit pas sans une constante référence à ses caractéristiques, l'écrivain devenant alors un auditeur de musique subjugué par les sentiments qu'il éprouve. Cette réflexion sur les spectacles trouve une chambre d'écho dans les œuvres narratives de Rousseau qui mettent en application les caractéristiques dégagées par la théorie. Influencé par l'esthétique du tableau théâtral telle qu'elle a été conceptualisée par Diderot à propos du drame bourgeois, Rousseau tempère sa suspicion à l'égard de l'image théâtrale, qui trouve, selon lui, sa meilleure voie d'expression dans La Nouvelle Héloïse. Ce roman, de fait, dépasse à certains endroits la linéarité de l'écriture pour proposer des tableaux, transformant ainsi le lecteur en spectateur d'un drame bourgeois, mais pas seulement : en effet, la mise en image de la narration puise également à des sources picturales (avec notamment la réflexion sur les Sujets d'estampes) et offre une réflexion sur le regard que la plupart des personnages prennent en charge. Mais c'est surtout en s'inspirant de ses propres conceptions musicales que Rousseau est conduit à trouver de nouvelles formes d'écriture qui renouvellent la relation au lecteur. Enfin, les œuvres autobiographiques proposent une mise en scène musicale de soi. Le compositeur devient alors un des modèles de l'écrivain parce qu'il donne à lire le « je » comme une partition instrumentale. En même temps, la structure du spectacle visuel est réinterrogée par Rousseau dont l'écriture épouse le modèle musical. C'est en dernier lieu le copiste qui, dans les œuvres autobiographiques, propose un modèle d'écriture, celui de la « chambre obscure » où le spectacle de soi se transforme en signe musical
Rousseau's reflections on the spectacle (whether theatrical, musical or pictorial) are elaborated through a number of theoretical texts that question the status of the spectator and his relationship with what is seen and heard. This relationship is a source of numerous questions for the writer who reflects on what could be termed an 'economy of distance' , so as to better adjust the way he looks on the object mis en scène and to regulate the emotions provoked by the structure of the spectacle. This approach to the spectacle also allows us to explore Rousseau's approach to origins as it seems that it is from his conception of nature that the notion of the spectacle and the emotions it provokes are developed. Emotional quality is particularly explored by Rousseau who distinguishes the visual spectacle from the auditory one: to the fascination of the image created by the theatrical setting is opposed the musical sentiment, seen both as a source of ideal communication between the musician and the listener, as well as the creator of a mental spectacle. Such is the importance of the musical spectacle that the writing of Rousseau is not conceived without a constant reference to its characteristics. The writer thus becomes a listener of music subjugated by the sentiments he feels. These reflections on spectacles find an echo in the narrative works of Rousseau that apply those characteristics identified by his theory. Influenced by the aesthetics of the theatrical tableau conceptualised by Diderot and reflecting on the bourgeois drama, Rousseau tempers his suspicion concerning different types of theatrical images that according to him find their best expression in the way of looking. The Nouvelle Héloïse goes at times beyond the linearity of writing to propose certain tableaux that borrow from the estampe and the bourgeois drama. The reader is thus transformed into a spectator of a bourgeois drama, but not exclusively so: indeed, the representation in images of the narrative draws equally on pictorial sources (with in particular the considerations on the Sujets d'estampes) and offers a reflection on the looks assumed by the majority of characters. But, above all, it is by seeking inspiration in his own musical concepts that Rousseau is led to finding new forms of writing that renew the relationship to the reader. Indeed, the autobiographical works propose a musical mise en scène of the self. The composer becomes therefore one of the writer's models because he enables the 'I' to be read as a musical partition. At the same time, the structure of the visual spectacle is re-questioned by Rousseau whose writing marries the musical model. In the last instance it is the copyist who, in the autobiographical works, offers a writing model that of the chamber obscure, where the spectacle of the self is transformed into musical signs

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Deves, Cyril. "Une figure emblématique dans les arts du XIXème siècle en France : Don Quichotte." Thesis, Lyon 2, 2011. http://www.theses.fr/2011LYO20118.

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Abstract:

Le Don Quichotte de Cervantès a inspiré tous les domaines artistiques du XIXème siècle (1789-1914). Le choix de regrouper dans un même corpus les arts graphiques et plastiques, les arts populaires, les arts du spectacle et cinématographiques, permet de voir comment les arts s’influencent, se répondent ou s’opposent. Le Don Quichotte est, comme tout sujet littéraire traité dans les domaines artistiques, confronté à son image littéraire, celle créée par son auteur. Notre volonté est de distinguer comment se profilent puis se figent les caractéristiques physiques des personnages principaux au cours du XIXème siècle et ce, principalement en France.Les artistes sont amenés à interpréter le texte. Ils se détachent de l’image littéraire pour s’intéresser aux possibilités plastiques et iconographiques qu’offre le roman de Cervantès. Au-delà de la traduction plastique d’un texte littéraire, l’enjeu est de comprendre comment les artistes parviennent à s’insérer dans la pensée de leur société, c'est-à-dire comment ils arrivent à influer sur la lecture d’une œuvre littéraire. En comparant l’iconographie de don Quichotte à celle d’autres héros, il s’agit de voir en quoi le personnage créé par Cervantès permet aux artistes de se réapproprier cette silhouette et à quelle fin. Son image est largement exploitée dans les domaines de la publicité et de la caricature. L’étude vise à saisir par quels moyens les deux héros vont se retrouver transposés dans une société pour en faire, tantôt la critique, tantôt l’apologie, au gré des contingences politiques, économiques et sociales, voire oniriques ou fantaisistes, c'est-à-dire sans substrat critique et par pure référence ludique
The Don Quixote of Cervantes has inspired all fields of arts of the nineteenth century (1789-1914). The choice to group in one corpus the visual arts, popular arts, performing arts and film, let us see how the arts influence, answer or oppose each other. The Don Quixote is, like any literary subject within the arts, confronted with his literary image. Our desire is to distinguish the emerging profiles of the main characters of nineteenth century France and then analyse their physical characteristics.Artists are asked to interpret the text. They detached themself from the literary image and have greater interest in the visual and iconographic opportunities offered within the novel of Cervantes. Beyond the visual translation of a literary text the challenge is to understand how artists manage to fit into the thinking of their society, or in other words, how they can influence the reading of a classic work of literature. By comparing the iconography of Don Quixote through other heroes we can understand how the character allows artists to adapt this figure and for what purpose. His image is widely used in the fields of advertising and caricature. The study aims to understand the means by which the two heroes will find themselves transposed into a society to make, sometimes critical, sometimes complientary comments, according to the political contingencies, or economic, social, even whimsical and fantastical i.e. without a basis of critical reference and amusing

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Lee, Hyun joo. "Martyrs et héros : le théâtre des missions catholiques françaises en Corée dans les premières années du XXe siècle : contribution à la recherche en ethnoscénologie." Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA083934.

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Abstract:

La thèse met en regard l’introduction en Corée du modèle européen du théâtre venu du Japon, et les pratiques théâtrales des missionnaires catholiques français des Missions Étrangères de Paris venus évangéliser le pays. Après avoir reconstitué le contexte politique et culturel de l’époque marquée par l’occupation japonaise et l’occidentalisation, elle présente et analyse un corpus inédit de pièces de théâtre retrouvées à Séoul dans les archives de l’Église catholique de Corée. L’ensemble est constitué de deux types de manuscrits et de polycopiés réalisés avec des duplicateurs à alcool : des fragments de spectacles représentés au séminaire de Yongsan à Séoul de 1912 à 1920 ; une pièce complète de théâtre, écrite en latin par un missionnaire français Émile Devred (1877-1926) en l’honneur d’un des martyrs les plus célèbres de la Corée, premier prêtre coréen, le Père André Kim : Acta et Gesta Venerabilis Andreas Kim. A la version latine s’ajoutent l’adaptation de cette pièce, écrite en caractères coréens et chinois, selon l’habitude du début du 20ème siècle en Corée, et une troisième version, en Coréen, publiée dans la revue catholique Kyeong Hyang en 1921 et 1922 sous forme de feuilleton. L’étude des œuvres dramatiques est complétée par l’analyse d’un article sur la position de l’Église sur le théâtre (1917). La thèse contribue à mettre en évidence les malentendus à l’œuvre dans l’acculturation
This dissertation examines the similarity and dissimilarity between European Theatrical pattern introduced to Korea through Japan, and MEP French Catholic missionaries’ theatrical practices who came to evangelize the country. After reconstructing the political and cultural context of the time marked by the Japanese occupation and westernization of Korea, we present and analyze a novel corpus found in the archives of the Catholic Church in Seoul. The set consists of two types of manuscripts and duplicated texts: small fragments of shows played at the Yongsan seminar in Seoul from 1912 to 1920 and a play which was written in Latin by Emile Devred (1877-1926) a French missionary in honor of one of the most Korean famous martyrs and first priest, Father Andrew Kim: Acta et Gesta Venerabilis Andreas Kim. In addition to the Latin version we found two translated adaptations of this play, written in Korean and Chinese characters, according to the custom of the early 20th century in Korea, and a third version published in serial form in Kyeong Hyang (1921-1922), an important Catholic magazine in Seoul. The study of dramatic work is complemented by the analysis of an article on the Korean Catholic Church’s particular point of view on theater (1917). The thesis contributes to highlight misunderstandings at work in acculturation

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Etcheverry, Giadrosich Rosario. "La question de la participation dans les arts sonores en réseau : approche généalogique et organologique au regard de la notion de transindividuation." Thesis, Lille 3, 2016. http://www.theses.fr/2016LIL30065.

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Abstract:

Depuis sa démocratisation dans les années 1990, Internet est devenu un milieu technologique et symbolique d’échanges à échelle mondiale dans lequel les individus d’une grande partie de la planète se retrouvent. En effet, permettant à tout un chacun d’y accéder non seulement comme récepteur, mais également comme émetteur et producteur, ce milieu se présente depuis ses origines comme un milieu ouvert à la participation de chacun des utilisateurs. Cette propriété apparaît prometteuse pour des artistes qui depuis les années 1960 sont à la recherche de nouvelles formes à travers lesquelles provoquer la participation d’un public de plus en plus anesthésié par les médias de masse et le rapport de consommation qui lui est associé. À travers cette recherche, nous proposons d’aborder la question de la participation dans les dispositifs d’art sonore en réseau télématique dits participatifs. Terme employé pour qualifier un grand nombre d’activités, la notion de « participation » nous apparaît problématique à une époque où l’hypercontrôle est au coeur d’une société de plus en plus informatisée. Tenter de comprendre les enjeux en termes de participation de ces nouvelles formes apparues avec les réseaux télématiques nécessite de les inscrire auparavant dans un processus plus large qui est celui des transformations organologiques supportant et engendrant le processus d’individuation psychosociale à partir duquel est construite toute sensibilité. Pour cela, le concept de transindividuation proposé par Bernard Stiegler à partir de Gilbert Simondon, mais aussi d’André Leroi-Gourhan, nous paraît fondamental,car il permet d’inscrire la participation au sein d’un circuit qui dépasse les seules actions.Nous proposons ainsi d’étudier ces nouvelles formes d’art sonore en réseau au regard d’une histoire du circuit de la sensibilité musicale à partir de la notion de dispositif. Il s’agit de rediriger l’attention vers une organologie élargie, en étudiant les formes d’organisations spatiales,temporelles et relationnelles des différentes périodes historiques, dans l’objectif de dégager leur fonctionnement en termes de circuit de participation. L’étude de l’organologie propre aux dispositifs d’art sonore en réseau requiert d’un plus grand élargissement qui dépasse largement le cadre de la musicologie, ce qui nous conduit à importer des outils d’étude issus d’autres disciplines scientifiques. C’est en adoptant cette approche généalogique et organologique que les enjeux en termes de participation de ces nouvelles « formes dispositifs » peuvent être ainsi étudiés dans leur complexité
Since its democratization in the 1990s, the Internet has become a technological and symbolic medium for global exchanges in which individuals from a large part of the world find themselves. Indeed, enabling everyone to access not only as receiver, but also as transmitter and producer, this environment presents itself from its origins as an environment open to the participation of each user. This property appears promising for artists who since the 1960s are looking for new forms through which to provoke the participation of a public increasingly anesthetized by the mass media and the relationship of consumption associated with it. Through this research, we propose to address the issue of participation in sound art devices in telematic networks known as participatory. A term used to describe a large number of activities, the notion of "participation" seems problematical to us at a time when hypercontrol is at the heart of an increasingly computerized society. To try to understand the stakes in terms of the participation of these new forms appeared with the telematic networks requires to include them before in a broader process which is that of the organological transformations supporting and generating the process of psychosocial individuation from which all sensitivity is constructed . To do this, the concept of transindividuation proposed by Bernard Stiegler from Gilbert Simondon, but also from André Leroi-Gourhan, seems fundamental to us, because it allows participation in a circuit that goes beyond actions alone. We propose to study these new forms of networked sound art in the light of a history of the circuit of musical sensitivity from the notion of device. It is a question of redirecting attention to an enlarged organology by studying the spatial, temporal and relational forms of the various historical periods, with the aim of identifying their functioning in terms of participation patterns. The study of the organology specific to the devices of sound art in network requires a greater enlargement that goes far beyond the framework of musicology, which leads us to import tools of study coming from other scientific disciplines. It is by adopting this genealogical and organic approach that the stakes in terms of the participation of these new "device forms" can thus be studied in their complexity

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Siaud, Florent. "Les processus de la mise en scène : polyphonie et complexité dans la création scénique." Thèse, Lyon, École normale supérieure, 2014. http://hdl.handle.net/1866/12820.

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Abstract:

Les processus de la mise en scène reposent nécessairement sur une réalité humaine complexe, faite de dialogues et de rapports de force en constante redéfinition. Afin de les théoriser, plusieurs travaux ont institué en corpus les documents produits en cours de réunion ou de répétition, pour leur appliquer les méthodes issues de la génétique des textes. Or le transfert s’avère problématique : vestiges lacunaires, ces supports ne sauraient témoigner à eux seuls de la vie organique et polyphonique de la mise en scène en gestation. Une première solution consiste à opter pour une approche radicalement intermédiale des archives d’un spectacle : dans la mesure où la mise en scène fait interagir plusieurs disciplines artistiques, pourquoi ne pas la penser en confrontant activement les différents media générés lors de son élaboration ? Complémentaire de la première, une seconde proposition suppose que le chercheur s’implique dans une observation in vivo de réunions et de répétitions afin de disposer d’une matière plus complète. À cette clarification épistémologique succède un essai de théorisation des processus de la création scénique. Il apparaît tout d’abord que l’espace de travail est aussi bien un contenant physique de la recherche des artistes qu’un catalyseur : c’est en se l’appropriant à plusieurs qu’un groupe de collaborateurs donne corps à la mise en scène. L’espace de création révèle par là même une dimension polyphonique que l’on retrouve sur le plan du temps : dans la mesure où il engage un ensemble d’artistes, un processus ne possède pas de linéarité chronologique homogène ; il se compose d’une multitude de temporalités propres à chacun des répétants, qu’il s’agit de faire converger pour élaborer un spectacle commun à tous. Les processus de la mise en scène se caractérisent ainsi par leur dimension fondamentalement sociale. Réunie dans un espace-temps donné, la petite société formée autour du metteur obéit à un mode de création dialogique, où les propositions des uns et des autres s’agrègent pour former un discours foisonnant dont la force et l’unité sont garanties par une instance surplombante.
A complex human reality, based on dialogues as well as power relations which are permanently being redefined, is at the heart of the process of performance creation. So as to theorize such processes, several studies have been building a corpus compiling the documents which are produced during meetings or rehearsals. However, such a transfer has proven questionable : as it is made of incomplete traces, such material is necessarily too incomplete to bespeak of the organic and polyphonic life of a performance in gestation. A first solution is to elect a decidedly intermedial approach of a performance’s archives : since various artistic disciplines interact in the process of a performance’s production, one may analyze it by actively comparing and contrasting the different media which are generated during its elaboration. As a complement to the first proposal, a second approach will lead the researcher to get involved into an in vivo observation of meetings and rehearsals so as to have at his disposal a more comprehensive research material. This epistemological clarification paves the way for an attempt to theorize the processes of stage creation. First, it appears that the stage or work space is as much of a physical receptacle for the artists’ research as it is a catalyst : it is in the course of getting to own this space collectively that a group of collaborators gives substance to the production. The creative space thus reveals a polyphonic dimension which is also true regarding time : since it involves an ensemble of artists, a creative process has no uniform chronological linearity ; it comprises a whole array of relations to time which are specific to each of the participants, and one has to bring these temporalities together to give birth to a performance that belongs to all. There is therefore a fundamentally social dimension to any staging process. As it is gathered in a given space and time, the small society which is formed around the stage director has to follow a creative process based on dialogue, where the suggestions of the different individuals coalesce to produce a prolific discourse whose strength and unity are guaranteed by the presence of the director.

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Sessa, Jacqueline. "Le rite et la licence dans la comédie européenne de la renaissance et de l'époque baroque : (thèmes, motifs, situations relatifs à la sexualité, au mariage et à la vie de famille)." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100003.

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Abstract:

Cette thèse propose, après délimitation chronologique et géographique du corpus, une définition de la comédie, expression du défoulement carnavalesque au sens le plus large du terme, mais également d'une morale collective. L'existence d'un pharmakos comique, expulse ou châtie avant que ne se déroulent les rites de fertilité, assure une structure initiale de laquelle ne s'écarteront expressément que quelques sous-catégories. La première partie, dans une perspective historique, démontre à la fois la permanence et l'évolution du travesti des deux sexes, d'abord transgression des lois religieuses puis simple élément d'intrigue. Le passage de certains schémas de l’Italie a la France, l’Espagne ou l’Angleterre permet d'étudier la différence de traitement esthétique (burlesque ou romanesque des situations), mais aussi les degrés de licence tolèrent dans les différents pays ou la sublimation des dramaturges eux-mêmes. La deuxième concerne plus précisément les affrontements à l'intérieur du cercle familial ; rivalité père fils puis luttes conjugales, au nom d'une morale assez floue ou la notion de "nature" semble l'emporter sur les règles imposées par les églises ou les états. La troisième partie démontre la volonté de réconciliation dans et par la comédie : le mariage, qui en constitue le dénouement naturel, peut-être inverse en fausses noces ou en divorce bouffon. Les fêtes traditionnelles, premier mai, Saint-Jean, marquent encore la survivance des rites de fertilité
This thesis intends, after setting chronological and geographical bounds to its corpus, to give a definition of comedy, as an expression of carnivalesque release, in the broadest meaning of the phrase, as well as of public morals. The existence of a comic pharmakos. Expelled or punished before the fertility rites are accomplished, initiates a pattern from which few subcategories actually differ. The first part, in a historical approach, demonstrates both the permanence and evolution of the male and female disguise, first a transgression of religious rules then a mere plotting device. The transferring of some schemes from Italy to France, Spain or England, allows one to examine the differences in aesthetic treatments (burlesque or romantic situations) and also the degrees of freedom permitted in the various countries or the sublimation by the dramatists themselves. The second part deals more precisely with the struggles inside the family circle: competition between father and son, conjugal strife’s - and their assessment on the grounds of rather dim morals where the idea of nature seems predominant over the rules of either churches or states. It studies rough music as a burlesque means of punishment. The third part demonstrates the desire for reconciliation in and by the means of comedy: the wedding, its specific catastrophe, may be inverted into false nuptials or ludicrous divorce. Traditional festivals, May Day, midsummer, also point to the survival of fertility rites

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Dray, Charlène. "Le protocole scientifique comme processus de création artistique appliqué au cheval : entre arts et sciences, des espaces hybrides où écrire le vivant." Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30085.

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Abstract:

À l’ère de l’anthropocène, les sciences du vivant et les pratiques artistiques émergentes opèrent un décloisonnement des savoirs et des pratiques nous invitant à reconsidérer la présence des animaux en spectacle. Cette thèse a pour objectif de concevoir un processus de création favorisant l’agentivité du cheval sur scène au travers d’outils et de connaissances à même de donner à voir une nouvelle approche des relations interespèces. L’auteure de cette thèse, scénographe-chercheuse-écuyère et ses deux chevaux de randonnée Listan et Luzio, explorent les modalités de leur espèce de compagnie (Haraway) en la mettant à l’œuvre au cœur du dispositif scénique. Appuyées sur cette pratique de 2008 à 2019 dans le champ professionnel de la performance et du spectacle vivant, 152 expériences ont été réalisées. En se référant à l’histoire de l’art équestre (Hodak- Druel), à l’éthologie (Lorenz), à la sociologie et la philosophie (Despret) ainsi qu’aux courants plus récents tels que la technozoosémiotique (Bec), les partenariats art, science et technologie (Fourmentraux) et à l’éthologie cognitive (Leblanc), la recherche s’articule en trois parties. La première est consacrée à la transformation de la science de l’équitation en art de monter à cheval au XVIIe siècle (de Pluvinel) entraînant l’avènement du cirque moderne au XVIIIe puis du spectacle équestre tel qu’on le connait aujourd’hui (Zingaro). La seconde partie s’ouvre au-delà des domaines de recherche habituellement associés au cheval. D’une part sur des expériences d’amateurs éclairés qui ont dévoilé des capacités équines jusque-là insoupçonnées. D’autre part dans le champ de l’art, sur différentes manières d’aborder la création avec l’animal. Sans éviter d’aborder les questions d’actualité quant au travail animal (Porcher), une approche sémiotique (Bouissac) interroge le statut symbolique et la puissance d’agir (Latour) de ces animaux au cœur de l’œuvre. Cette seconde partie se termine, en croisant les recherches en cognition animale associées au développement d’interfaces technologiques qui permettent à l’auteure de s’engager à explorer de manière inventive, les modalités expressives d’une forme de langage animal/machine/homme. À la recherche de la création, la troisième partie met à l’épreuve ces différents constats. Adoptant une pratique artistique expérimentale, cette recherche donne alternativement aux chevaux le statut d’expérimentateurs au laboratoire et de partenaires artistiques à la scène (Hediger). Les performances qui en résultent considèrent la scénographie comme un agrès virtuel, qui engage une relation d’intermédialité entre l’animal usant d’outils interactifs et l’interprète humain qui les accompagne conviant les spectateurs à la mise en lumière d’une nouvelle place de la relation et du vivant dans l’art
At the time of the Anthropocene, life sciences and new artistic practices are decompartmentalizing knowledge and practices, inviting us to reconsider the presence of animals in performing arts. The aim of this thesis is to design a creative process that favors the agency of the horse on stage thanks to tools and knowledge that can reveal a new approach to interspecies relations. The author of this thesis, scenographer-researcher-rider and her two trail horses Listan and Luzio, explore the modalities of their particular breed (Haraway) by putting it to work at the heart of the scenic device. Based on this practice from 2008 to 2019 in the professional field of performance art and live performance, 152 experiments were conducted. Referring to the history of equestrian art (Hodak), to ethology (Lorenz), to sociology and philosophy (Despret), as well as to more recent trends, such as technozoosemiotics (Bec), partnerships between art, science and technology (Fourmentraux) and cognitive ethology (Leblanc), the research is divided into three parts. The first part is devoted to the transformation of the science of horse riding into the art of riding, in the 17th century, (de Pluvinel) leading to the advent of the modern circus in the 18th century and into equestrian show as we know it today (Zingaro). The second part opens beyond the areas of research usually associated with the horse. On the one hand, on the experiences of enlightened amateurs that reveal previously unknown equine capacities. On the other, in the field of the arts, on different ways of approaching creation with the animal. Without avoiding the current issues around animal work (Porcher), a semiotic approach (Bouissac) questions the symbolic status and agency (Latour) of these animals at the core of the art piece. This second part ends by associating research in animal cognition with the development of technological interfaces that allow the author to explore in an inventive way the expressive modalities of a form of animal / machine / human language . In search of creation, the third part tests these different findings. Opting for an experimental artistic practice, this research alternately gives the horses the status of experimenters in the laboratory and artistic partners onstage (Hediger). The resulting performances consider scenography as a virtual apparatus that produces an intermediality between the animal using interactive tools and the human interpreter who accompanies them, bringing to light for the spectator a new place for relationship and life in art

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Pelagalli, Paola. "Le processus cathartique dans le parcours de l'acteur chez Jerzy Grotowski." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030015.

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Abstract:

La présente étude porte sur l’activité théâtrale de Jerzy Grotowski (1933-1999), metteur en scène et pédagogue polonais, notamment connu pour l’influence que son training de l’acteur a eu sur le théâtre occidental. À travers une étude du parcours proposé par Grotowski à l’acteur, nous proposons de réfléchir aux critères qui définissent le cathartique dans le théâtre contemporain. Le training grotowskien étant basé sur la suppression des blocages psychophysiques de l’individu, notre étude de la catharsis de l’acteur chez Grotowski suit trois axes de réflexion principaux : premièrement, celui concernant la quête identitaire à travers la pratique théâtrale ; deuxièmement, la mise en jeu des matériaux de l’intime pendant l’entraînement de l’acteur ; et enfin, celui d’une pratique théâtrale comme exercice spirituel, favorisant l’épuration d’éléments identitaires résultant de conditionnements sociaux, et qui entravent la quête d’une subjectivité cachée et authentique. Nous défendons qu’au cours de son parcours d’entraînement chez Grotowski, l’acteur réalise un processus cathartique au cours duquel il purge sa subjectivité des conditionnements comportementaux dérivant de son contexte socio-culturel d’appartenance. Nous reconnaissons trois moments constitutifs de ce processus. Dans un premier moment cathartique, le training agit comme un exercice hygiénique pour prédisposer le corps et l’intériorité de l’acteur à l’acte créatif. Nous traitons le deuxième moment de la catharsis de l’acteur à l’aune des théorisations jungiennes de l’inconscient collectif, qui constituent une référence pour Grotowski lui-même. Dans cette perspective, la préparation de la mise en scène permet à l’acteur comme au spectateur de se confronter avec les archétypes, les mythes de sa culture et, à travers une purification de ces contenus psychiques collectifs, de s’approcher de sa propre singularité subjective. Continuant à explorer les possibilités cathartiques de la représentation, nous soutiendrons que pendant la représentation, l’acteur atteint le sommet de son processus cathartique, en dévoilant publiquement son intimité sur scène. Dans cet offrande faite au spectateur, nous identifions le dernier moment de la catharsis de l’acteur chez Grotowski
The present study focuses on the theatrical activity of Jerzy Grotowski (1933-1999), a Polish director and educator, known in particular for the influence his actor’s training has had on Western theatre. Through a study of the path proposed by Grotowski to the actor, we intend to reflect on the criteria that define the cathartic in contemporary theatre. Since Grotowski’s training is based on the removal of psychophysical blockages in the individual, our study of the actor’s catharsis in Grotowski's work will follow three main lines of investigation: firstly, the quest for identity through theatrical practice; secondly, the use of intimate materials during the actor’s training; and finally, the enacting the theatrical practice as a spiritual exercise, the purpose of which is to reflect on the identity elements learnt through social conditioning, which stand in the way of developing an authentic subjectivity We will argue that in the course of Grotowski's training, the actor experiences a cathartic process in which he purges his subjectivity of the behavioural conditioning deriving from his socio-cultural background. We will recognise three constituent moments of this process. A first cathartic moment operating within the training, which acts as a hygienic exercise to predispose the body and the interiority of the actor to the creative act. The second moment of the actor’s catharsis will be treated in the light of the Jungian theories about the collective unconscious, explicitly drawn upon by Grotowski. The preparation of the staging would allow both the actor and the spectator to confront the archetypes, i.e. the myths of his culture, and, through a purification of these collective psychic contents, to get closer to his own subjective singularity. Continuing to explore the cathartic possibilities of performance, we will argue that during the performance the actor reaches the peak of his cathartic process by publicly revealing his intimacy on stage. We argue that, for Grotowski, the final moment of the actor’s cathartic process lies in this act of offering oneself to the spectator

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De, Luca Valeria. "Les univers sémiotiques de la danse : Formes et parcours du sens dans le tango argentin." Thesis, Limoges, 2016. http://www.theses.fr/2016LIMO0063/document.

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Abstract:

Dans quelle mesure le geste dansé a-t-il du sens ? Et, lorsque celui-ci est indissociable de lapratique qui le fait exister, à quel niveau doit se situer l’analyse ? Quelle serait la contributionspécifique que la sémiotique peut apporter aux savoirs chorégraphiques ? Ce travail vise àrépondre à ces questions à travers le choix d’un objet d’étude complexe, tel que le tangoargentin. Ce phénomène multidimensionnel est abordé dans sa globalité, c’est-à-dire en tantqu’interaction corporelle, pratique, et moteur de constructions identitaires et imaginaires à lafois. Pour ce faire, ce travail interroge certains modèles théoriques et méthodologiquesexistants actuellement en sémiotique. En particulier, les spécificités d’un objet d’étude commele tango invoquent la mise en place d’un modèle capable de tenir ensemble une perspectivesémiogénétique et expressiviste avec une approche syntagmatique. Finalement, l’articulationentre différents niveaux de déploiement et de développement du tango que le modèle propose,pourrait contribuer à éclairer le débat autour des enjeux de la patrimonialisation d’unepratique fondée sur l’improvisation
To what extent does dancing gesture make sense ? If considered as inseparable from the wholepractice of dance, at which level should the analysis be placed? How could semiotics make asignificant contribution to dance studies ? This work aims to answer to these questionsfocussing on the Argentinian tango. It is approached as a complex object of analysis, a "wholeof sense", that is both as bodily interaction and practice, and as a fundamental driver inidentity and imaginary building processes. To this end, we examine and test some theoreticaland methodological models in current semiotics. The peculiar aspects of tango require a pointof view able to keep together a semiogenetic approach and a syntagmatic one. Therefore, wepropose a model which strengthens different levels of deployment and development of tango.Finally, we show how this framework could provide an original perspective about some issueson patrimonialization and improvisation, as a crucial topic in the current debate on tango

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Rivier, Estelle. "L'espace scénographique dans les mises en scène des pièces de William Shakespeare en France et en Angleterre au vingtième siècle." Orléans, 2003. http://www.theses.fr/2003ORLE1049.

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Abstract:

Afin de déceler les sens divers que transmettent les pièces de Shakespeare, ce travail propose de décoder les constructions scénographiques bâties par les metteurs en scène français et britanniques du vingtième siècle. Comprendre les motivations artistiques de ces derniers suppose nécessairement une relecture pointue de la lettre, de même que, à la lumière de la gestuelle, de l'architecture théâtrale, de l'occupation de l'aire de jeu, des décors, des costumes, des couleurs, des éclairages et des matières, d'autres interprétations des drames shakespeariens se font jour. Ainsi, ce qui est vu est guidé par la lecture tout comme, à l'inverse, ce qui est lu fait sens grâce à l'action théâtrale. Ce travail aborde le phénomène de façon tout d'abord terminologique (répertoire sémiologique constituant un bagage critique de la scène contemporaine), puis historique (parcours à travers les créations shakespeariennes du début du siècle) en insistant en dernier lieu sur les réalisations d'Edward Gordon Craig, précurseur des configurations de l'espace scénique actuel. Les six derniers chapitres de cette étude s'intéressent plus particulièrement au travail d'hommes de théâtre clefs de la fin du siècle : quelles furent les thématiques shakespeariennes mises en valeur dans les espaces scénographiés par Peter Brook, la Royal Shakespeare Company, le nouveau Théâtre du Globe, les théâtres de la Cartoucherie, de Daniel Mesguich, enfin, de Stéphane Braunschweig ? L'œuvre de Shakespeare semble constituer un répertoire privilégié dans le domaine scénographique, mais existe-t-il une matière textuelle transmise par la matière visuelle propre à refléter les valeurs du vingtième siècle ? C'est à ces interrogations que ces recherches tentent de répondre avec pour méthode première une démarche souhaitée systématique, susceptible de proposer un modèle d'analyse des scénographies shakespeariennes
So as to discover the different meanings Shakespeare's plays vehicle, this study aims at decoding scenographies which were created by twentieth-century French and British stage directors. In order to understand their artistic motivations it is necessary to peruse the playwright's text carefully. Yet in the light of the theatrical architecture, the actors' movements in the acting space, the sets, the costumes, the colours, the lightings, and the materials, other interpretations emerge. Thus, what is seen is guided by the text just as what is read is meaningful thanks to the performance. Firstly this work tackles the phenomenon from a terminological point of view (the semiotics of drama should help us to describe the productions). Secondly the history of Shakespearean creations dating from the beginning of the century is recounted, and a special part is devoted to the work of Edward Gordon Craig who highly influenced the shape of modern staging. The six last chapters of this study deal with contemporary directors' main works: which Shakespearean themes did Peter Brook, the Royal Shakespeare Company, the New Globe Theatre, the Cartoucherie Theatres (at Vincennes), Daniel Mesguich and Stéphane Braunschweig choose to enlighten in their scenographies? Shakespeare's drama seems to be a favoured repertory in scenography and yet is there a textual material conveyed by a visual material which mirrors twentieth-century values? Thanks to a systematic method which is meant to be a model of the analysis of Shakespearean productions, our investigations try to answer those questions

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Deramond, Julie. "Jeanne d'Arc en accords parfaits : musiques johanniques en France (1800-1939)." Toulouse 2, 2009. http://www.theses.fr/2009TOU20053.

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Abstract:

A partir du début du XIXe siècle, le culte de Jeanne d’Arc s'affirme dans toute la France. Il se reflète particulièrement bien en musique, et entre 1800 et 1939 émergent plus de sept cent œuvres musicales de formats et de renommée très différents. Les plus grands compositeurs contribuent à cet hommage à Jeanne d'Arc en musique, parmi lesquels Liszt, Gounod, Verdi ou Honegger aux côtés d'anonymes, d'abbés inconnus et d'autres chansonniers en herbe. Cantiques, opéras, polkas, musiques de scène ou radiophoniques se côtoient durant ce long siècle, en contrepoint des œuvres d'art mais aussi des histoires qui s'affichent à la même période. Après l'ouvrage majeur de Gerd Krumeich consacré aux récupérations politiques de Jeanne d'Arc, il s'agit de combler un vide historiographique en cherchant à retrouver – sans viser à l'exhaustivité – ces œuvres musicales et à les confronter à leur contexte de création. Nous nous intéresserons aux rapports qu'entretiennent les Français avec Jeanne d'Arc à travers ce média sensible qu'est la musique. Histoires politique et religieuse, historiographie et anthropologie servent une démarche qui s'ancre largement dans l'histoire culturelle
Since the beginning of the XIXth century, the worship of Joan of Arc becomes apparent in the whole France. It is particularly well reflected in music, and between 1800 and 1939 more than seven hundred various musical compositions appear. A great deal of well-known composers contributes to this homage to Jeanne d'Arc in music : Liszt, Gounod, Déodat de Séverac, Paul Paray or Honegger, and also unknown artists… Sacred music, operas, polkas, stage music are displayed in the same period as a counterpoint of works of art or stories. After Gerd Krumeich's major book, dedicated to the political recoveries of Joan of Arc, this dissertation is a matter of filling up a historiographic gap by trying to find – without aiming at the exhaustiveness – these musical compositions, and to confront them with their context of creation. This work relies on the relationship that French people maintain with Joan of Arc, through this sensitive media that music is. Political and religious Histories, historiography and anthropology answer a project which becomes widely integrated in cultural history

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Labar, Morgan. "La gloire de la bêtise : régression et superficialité dans les arts depuis la fin des années 1960." Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H055.

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Abstract:

Depuis la fin des années 1960 se sont développées différentes pratiques artistiques délibérément bêtes, assumant et parfois même revendiquant leur bêtise. Dans une approche ancrée à la fois dans l'histoire culturelle et la théorie esthétique, prenant en compte les paramètres que sont les modalités d'exposition, l'industrie du divertissement et le rôle des collectionneurs, il s'agit de comprendre comment un phénomène à l'origine excentré, marginal et parfois contestataire, est devenu une donnée centrale de la production artistique contemporaine. Le premier mouvement revient sur la tradition de la bêtise en histoire de l'art. Partant de l'expression « bête comme un peintre », y est proposé une relecture du « retour à la peinture» du début 1980 (Figuration Libre, Mülheimer Freiheit à Cologne, bad painting américaine). Le deuxième moment porte sur les mécanismes de diffusion, d'expansion, de légitimation et d'institutionnalisation de l'art bête dans les années 1990 et 2000, abordant notamment les pratiques Martin Kippenberger, Jeff Koons, Paul McCarthy, Mike Kelley, Richard Jackson, Gelitin, Wim Delvoye ou encore Damien Hirst. Le troisième et dernier temps consiste en une généalogie alternative de cette histoire de la bêtise en prenant la Californie comme paradigme. On y développe l'hypothèse qu'à Los Angeles sont en germe, depuis le milieu des années 1960, les formes de bêtise artistique qui s'imposent à l'échelle internationale depuis les années 1990 : l'industrie du divertissement et le culte du succès, de la célébrité et de la richesse, et son contre-point dynamique, son envers dévoyé, le modèle du bad boy made in L.A
Stupidity (bêtise) can be apprehended as bodily, vulgar, even regressive. Or it can simply be understood as foolish, silly or childish. I investigate all of these strains of "bêtise" in order to demonstrate the key role it has played in shaping aesthetic styles and debates about contemporary art from the late 1960s to the present day. The dissertation thus traces these fluctuations by looking at the shift from the 1960-l 970s, when dumbness, used as a critical tool, occupied a position at the margins of the art world, to the l 980-1990s when "bêtise" began to constitute an autonomous aesthetics mobilized by the art world's biggest stars. What used to be marginal then became preeminent, what used to be popular culture became high art, while lowbrow turned into highbrow. The first part takes a look back at the tradition of stupidity in art history. Viewed from the popular phrase "stupid as a painter", I propose a reevaluation of the so-called "return to painting" in the early 80s (Figuration libre, Bad Painting, Mülheimer Freiheit Grup in Koln) as an initial step. The second section analyses the mechanisms of diffusion, expansion, legitimation and institutionalization of "dumb art" in the 90s and 2000s, focusing on practices of artists like Martin Kippenberger, JeffKoons, Paul McCarthy, Mike Kelley, Gelitin, Wim Delvoye or Damien Hirst. The third and last part is an attempt to write an alternative narrative to this history of stupidity, in which I propose California as a paradigmatic model. The entertainment industry and the cult of success, fame and wealth, and its dynamic counterpoint, its dark side, the made-in-L.A.-bad-boy model played major roles in that process

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Dubois, Sylvie. "Le sonore dans le cinéma néoréaliste italien, composante des définitions d’un courant." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2018. http://www.theses.fr/2018PA080127.

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Abstract:

Autour d’une approche visant à retravailler les définitions du néoréalisme italien, ce sujet souhaite être abordé grâce à un passage d’une démarche proche de la démarche archéologique à une démarche peut-être plus anthropologique. L’idée d’une simple évolution d’une école qui verrait sa naissance dans les années quarante atteint ses limites si nous allons chercher au-delà des cadres temporels préétablis par les diverses histoires du cinéma. En outre, même ces dernières ne sont pas en total accord avec les données de cette naissance. C’est pour cela qu’une recherche sur l’évolution du courant peut se mêler à une recherche opérant des croisements entre l’esthétique et l’histoire (datée) du cinéma néoréaliste. Qu’il s’agisse d’histoire ou d’esthétique, s’il y a bien une question commune c’est celle de « l’être » de ce que nous étudions. Ce qui le fait exister tel que nous tentons de le désigner. La composition esthétique (et historique) de ce courant se veut être étudiée au travers d’un élément précis de la constitution du film néoréaliste, à savoir le son. A propos d’une esthétique qui s’est vue définie par l’observation, le sujet sonore s’est presque vu éclipsé des réflexions portant sur le néoréalisme. La dimension sonore ne semble pas trouver de place définie dans l’esthétique néoréaliste traitée jusqu’ici. Et d’ailleurs, non plus dans l’histoire du néoréalisme, en ce qui concerne son aspect technique notamment, puisque la postsynchronisation fut beaucoup utilisée aux débuts du courant. Ainsi, par une dimension analytique du son dans le néoréalisme, les définitions de ce dernier peuvent être repensées
Since the 50s in France and in Italy and the 70s in Anglo-Saxon countries, the definitions of neorealism are given through the prisms of the aesthetic, of technique, of politics and of history. It is important here to bring the latter to the fore through the perspective of sound. Indeed, it seems that as neorealists in the 40s would more often get out of studios to shoot the pictures, they are quite as likely to go back to them to record the sound that goes along with them. The analysis of the work by directors responsible for the birth, the extension, the peak and the alleged “death” of the cinema movement is at the heart of this study which aims at including this less studied aspect. Roberto Rossellini, Luchino Visconti, Vittorio De Sica and Cesare Zavattini are the main figures that are included in this work. However, observing the early stages and the legacy of neorealism seems mandatory given the importance of sound. The pioneer movies by Mario Camerini for instance are produced in the 30s, an era during which sound technologies have evolved. Likewise, successors of the movement such as Michelangelo Antonioni and Pier Paolo Pasolini, were shooting their feature films as new possibilities of live sound recording were making their appearance, namely thanks to the democratization of magnetic tapes. By bringing together the different technological contexts and the aesthetic analyses produced thanks to theoretic and historical supports, the definitions of Italian neorealism may be broadened while at the same time demonstrating how postsynchronization plays a vital role in it

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Ferrari, Cécilia. "Il y a plus de choses dans la salle et sur la scène que n’en montre votre scénographie : Étude spatiale et iconographique du « théâtre populaire » à partir des expériences de Firmin GÉMIER : Festivals suisses, TNAG, Œdipe Roi de Thèbes (1903-1919) ; Jacques COPEAU : Savonarola, Florence (1935) ; Jean VILAR : La Tragédie du Roi Richard II, Avignon (1947)." Caen, 2014. http://www.theses.fr/2014CAEN1016.

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Abstract:

Entre la fin du XIXe et le début du XXe siècle, plusieurs hommes de théâtre désignent le public qu’ils visent à rassembler par le terme peuple et leur théâtre par l’expression théâtre populaire. Leur attention se concentre sur la recherche d’un espace traduisant l’égalité propre à la société démocratique. Afin d’offrir à tous une bonne visibilité de la scène, ils choisissent le Festspielhaus de Bayreuth comme modèle de référence : le public est disposé face à la scène et la salle est plongée dans l’obscurité. Qui est le peuple que l’on place dans ce type d’espace où les échanges entre les spectateurs sont réduits et où chacun est fasciné par l’image scénique ? Pour répondre à cette question, la thèse propose d’étudier le dessin (projet de la scène et de la salle) de quelque spectacle populaire pour en mieux comprendre le dessein (acception du terme « populaire »). Grâce à l’élaboration d’une grille typologique analysant la scène, la salle et la scénographie, l’étude porte sur les expériences de Gémier (1903-1919) et le travail de Copeau pour Savonarola (1935). Ces exemples attestent la cristallisation du modèle frontal pour une réception de l’image-écran proposée par la figure naissante du metteur en scène. La grille est ensuite appliquée à une régie de Jean Vilar, La Tragédie du Roi Richard II (1947), spectacle n’utilisant ni le modèle frontal ni l’image illusionniste. En se faisant le régisseur d’une « scène illimitée » et d’une image polysémique confiée au spectateur, Vilar permet de passer de la réception passive à l’invention artistique. L’acception donnée au mot peuple se lit dans la scénographie : si l’on change de dessin, le dessein change aussi, ou vice versa
Between the end of the XIX century and the beginning of the XX century, many theater’s men call the audience they want to reunite as peuple and their theater as théâtre populaire. Their major interest is the research of a space capable to transmit the equality of the democratic society. In order to offer to everyone a good view of the stage, they choose the Bayreuth’s Festspielhaus as a reference model: the entire public is in front of the stage in the middle of darkness. Who’s the peuple that you place in that kind of space where spectators can’t almost have no exchange and where everyone is fascinated by the stage? In order to answer this question, the thesis proposes to study the dessin (room and scenography’s project) of a popular spectacle to better understand the dessein (acceptation of the word « populaire »). Thanks’ to a typological grid that analyzes the stage, the room and the scenography, the study will bring us to the Firmin Gémier’s experiences (1903-1919) and Jacques Copeau’s work for Savonarola (1935). These examples show the frontal model’s crystallisation for a reception of the image-screen proposed by the new figure of the metteur en scène. The grid is the used with Jean Vilar’s work, La Tragédie du Roi Richard II (1947); a spectacle that doesn’t uses neither the frontal model nor the illusionist image. Becoming the régisseur of « ilimitated stage » and of a polysomic image given to the spectator, Vilar allows to pass from a passive reception to an artistic invention. The acceptation given to the word peuple read in the scenography: if we change the dessin, the dessein also changes, or vice versa

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Marchais, Sarah. "La fictionnalisation du spectateur : fabrique et critique de l'imaginaire du capitalisme dans le théâtre contemporain." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080029.

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Abstract:

La Fictionnalisation du spectateur interroge des dispositifs scéniques reposant sur le concept d'intégration du spectateur à la représentation par le biais d'une insertion fictionnelle, donnant lieu à des spectacles souvent immersifs et/ou participatifs. Elle interroge les frontières de la fiction théâtrale, de la capacité spectatrice ainsi que leurs portées politiques. Elle permet de confronter l'esthétique de certains dispositifs immersifs de théâtre avec les mutations et l'imaginaire du capitalisme contemporain. Au croisement de différents champs disciplinaires, cette recherche méta-création a été élaborée à partir d'une réflexion pratique de trois spectacles de notre compagnie Le Mot Nu Ment, intégrant la dimension du processus de création. Chaque spectacle a engendré une figure spectatorielle, reliée à un enjeu politique : le Spectateur Augmenté, invitant à une immersion fictionnelle via les nouvelles technologies, reprenant les codes du capitalisme cognitif ; le Spectateur Sensible, proposant une contre-critique du modèle attentionnel, par une tentative de décroissance de l'attention ; et le Spectre-Acteur, reprenant des codes d'alertes, de servitude et de domination. Ces figures fictionnalisantes sont illustrées par un corpus de spectacles contemporains occidentaux et majoritairement européens, visibles sur les scènes de théâtre public des artistes Rimini Protokoll, Zecora Ura, Clyde Chabot, Marcus Borja, Vlad Troitsky et Lotte van den Berg. La fictionnalisation du spectateur propose d'étudier les mutations de la fiction et du spectateur, comme insufflant de nouveaux états d'être au monde
The spectator’s fictionalization is a study of theater performances that integratethe spectator in the scenic representation thanks to a fictional insertion that transforms the play into an immersive or participative form. It looks at borders of drama fiction and spectator capacities through political reach. It leads to a confrontation between the aesthetic of theatrical performances and all the mutations of capitalism’s imagination. This research, called meta-creation, appeals to a disciplinary hybridization and takes source in a practical thinking with three performances of our company Le Mot Nu Ment, integrating the creation process. Each performance inspires the elaboration of a spectator figure, related to a political stake: the Augmented Spectator, asking to a fictional immersion with new technologies, using cognitive capitalism codes; the Sensitive Spectator, suggesting another critic of attentionnal models through a slow down proposal for the attention; and the Spectr-actor, recreating a threat system, through servitude and domination of the capitalist society. Those shapes of spectator’s fictionalization are illustrated by contempory occidental and mostly European performances forming a corpus of examples that are visible on Public Theatre stages such as: Rimini Protokoll, Zecora-Ura, Clyde Chabot, Marcus Borja, Vlad Troitsky and Lotte Van den Berg. The spectator's fictionalization is asking of fiction and spectator moving borders, as new states of being in the World

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Dissertations / Theses on the topic 'Douleur dans les arts du spectacle'

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