Academic literature on the topic 'Debussy, Claude (1862-1918) – Dans la presse'

Pour mettre en évidence l'importance du rôle de la critique dans la constitution de la figure historique de Debussy, il pourrait suffire de remarquer que sa carrière, qui commence vers 1884 et s'achève à sa mort en 1918, se superpose précisément à la période durant laquelle la presse française connaît son âge d'or. Mais ses conceptions musicales révolutionnaires ont en outre provoqué analyses et débats en nombre, dans un contexte parfois polémique. Et la création de Pelléas et Mélisande entraîna, en 1902, ce que l'on peut appeler la controverse critique du siècle. Notre projet de recherche a consisté à réunir des articles critiques assez nombreux pour que, de la confrontation des textes, puisse émerger la représentation la plus fidèle possible de Debussy tel que son époque le percevait. Nos annexes présentent ainsi quelque 800 extraits transcrits et classés. Le discours sur Debussy évolue, mais présente des constantes ; par exemple, les critiques en appellent souvent à des catégories issues de la peinture (impressionnisme) ou de la littérature (symbolisme) pour tenter — sans réel succès — d'agréger à des mouvements connus les œuvres d'un compositeur féru d'arts picturaux et de poésie. Un autre aspect se dégage du corpus : sa remarquable richesse formelle. Invention lexicale et rhétorique, pastiche, caricature, apologues, portraits… Si le littéraire envahit le champ critique, la critique, l'œuvre et le compositeur sont intégrés dans le champ littéraire, devenant objets de fiction. Des portraits et extraits fictionnels sont venus compléter le corpus, éclairant la façon dont la littérature a pu influer sur l'inscription de la figure du compositeur dans notre mémoire collective
To highlight the role of critics in the constitution of the historical figure of Claude Debussy, it could suffice to note that his career, which starts around 1884 and ends at his death in 1918, precisely overlaps the golden age of the French press. Though, his revolutionary musical conceptions also generated numerous analysis and debates, in a sometimes controversial context. And the première of Pelléas et Mélisande spurred, in 1902, what we may call the critical controversy of the century. Our research project aimed to gather critical articles in sufficient numbers so that, through the confrontation of the texts, could emerge the most faithful representation of Debussy, such as his time perceived him. Our appendixes present near 800 excerpts, transcribed and sorted. The discourse on Debussy evolves, but does present some constants; for example, critics often call upon categories coming from painting (impressionism) or literature (symbolism) in order to attempt — with little actual success — to categorize among familiar movements the works of a composer, keen on pictorial arts and poetry. Another dimension emerges from the corpus: its remarkable formal richness. Lexical and rhetorical invention, pastiche, caricature, apologues, portraits… As the literary spills into the field of the critic, the works and the composer are conversely integrated in the literary field, and become fictional matter. Portraits and novel extracts have completed the corpus, shedding light on the way literature has contributed to the imprint of the figure of the composer in our collective memory

Claude Debussy n’est pas habituellement un compositeur dont on associe la production musicale à l’humour. Il existe pourtant un Debussy humoriste, trop souvent oublié, qu’il est nécessaire de réhabiliter afin d’obtenir une image plus fidèle de son œuvre. Pour comprendre les raisons pour lesquelles on n’a pas, à ce jour, accordé à l’humour de Debussy la place qu’il mérite dans son style et sa production, nous dirigeons nos investigations vers les différents maillons de la relation esthétique à son œuvre, tels que les décrit Jean-Jacques Nattiez : le poïétique et l’esthésique. Il s’agit alors d’observer les facteurs risquant d’amener les différents rouages à se gripper dans la perception et la compréhension du comique musical
Claude Debussy isn’t a composer whose musical production tends to be associated to humour. However, one must consider and rehabilitate a humorist Debussy, too often forgotten, if one wants to obtain a more faithfull idea of his work. In order to understand the reasons why one has not, until this day, accorded to Debussy’s humour the role it deserved in his style and production, we will investigate the different steps of the aesthetical relation with his work, as described by Jean-Jacques Nattiez: the poïetic and the aesthesic. We shall observe the downside risk that may seize up the mechanism of comic perception and understanding in music

La première partie de cette étude gravite autour de trois concepts-clé : le discours métaphorique, la corporéité et l'imaginaire. L'analyse des aspects principaux du "discours métaphorique" sur la musique montre la légitimité de son emploi dans le cadre de la recherche sur la signification musicale. L'expérience corporelle (corporéité) est une source privilégiée de production de métaphores. En particulier, le réseau d'images métaphoriques (imaginaire) qui voit la musique dans les termes d'une matière physique se rattache à l'expérience corporelle de matières manipulables. Une application de ces théories à l'oeuvre de Claude Debussy est proposée à partir de la deuxième partie. La critique musicale et la musicologie nous ont livré une image de ce compositeur où surabondent les métaphorse matérielles. Dans l'histoire de la réception de la musique debussyste, la présence de l'élément liquide a été examinée sous des points de vue différents et à l'intérieur de domaines disciplinaires distincts. Dans la troisième partie de cette thèse, on passe des métaphores produites sur la musique aux métaphores produites par la musique. Certaines compositions de Debussy sont d'utiles exemples du traitement "matériel" de la substance sonore. Une nouvelle approche de l'écoute et de l'étude de "Jeux de vagues" sera proposée : les constantes repérables au sein de l'imaginaire matériel évoqué par cette pièce chez les auditeurs peuvent fournir des points de référence pour un nouveau type d'analyse. Trois "gestes musicaux" conduisent, enfin, à une exploration interartistique : le parcours descendant (dont on analyse les conjonctions avec la peinture préraphaélite et nabi), le balancement (mis en relation avec une phase de la production de Claude Monet) et la vibration suspendue (rapprochée de la dernière période de Monet).

A la fin des années 1880, le langage musical de Claude Debussy, influencé à la fois par Wagner, le symbolisme, et la poétique de Baudelaire, se transforme en profondeur.Le système tonal, alors unique horizon d'attente (Jauss) des institutions musicales européennes, est repoussé à l'arrière plan des mélodies du compositeur, par des associations avec des thèmes poétiques comme les souvenirs, l'humour, et l'enfermement.Cette thèse se concentre sur une analyse de ces transformations, et sur une comparaison de ce langage musical neuf avec celui des Serres chaudes d'Ernest Chausson, cycle de mélodies qui partage pourtant les mêmes influences poétiques et musicales
In the late 1880's, Claude Debussy's musical language, influenced by Wagner, symbolism and Baudelaire's poetry, deeply transforms itself.The tonal system, still regarded as the unique horizon of expectations (Jauss) of European musical institutions, is pushed to the background in the composer's melodies by his characteristic associations with poetical themes like memories, humor, and reclusion.This thesis focuses on an analysis of these transformations and on a comparison of this new musical language with Ernest Chausson's Serres chaudes, which still shares the same poetic and musical influences

L’objet de cette thèse consiste à décrire le processus et les techniques de composition utilisées par Claude Debussy à la fin de sa vie. À partir d’une réflexion préliminaire sur la situation et les conditions des pratiques compositionnelles de Debussy, plusieurs éléments du processus créateur et un certain nombre de techniques de composition peuvent être illustrés, en se fondant sur une analyse des esquisses qui conservent la trace du travail créateur. Ces dernières prennent la forme de ratures, interprétables grâce aux outils que fournit la critique génétique. Le corpus considéré embrasse plusieurs avant-textes d’œuvres composées durant l’été 1915, En blanc et noir pour deux pianos, les Douze études pour piano et la Sonate pour violoncelle piano, auxquelles s’ajoute la Sonate pour violon et piano, composée entre 1916 et 1917. Les documents les plus intéressants des dossiers génétiques, porteurs de traces abondantes du processus créateur, ont fait l’objet de transcriptions diplomatiques. Ces dernières ne constituent pas des facsimilés normalisés, mais offrent une représentation du manuscrit dans sa dimension à la fois spatiale et temporelle, tout en le reliant au devenir de l’œuvre. Ces transcriptions sont au fondement des analyses par lesquelles sont envisagés trois grands angles d’approche que la lecture des esquisses a fait émerger : la genèse des idées, les techniques de composition appliquées au matériau et la gestation de la forme musicale. La notion d’idée musicale permet d’explorer d’abord la constitution du projet musical, souvent cristallisé autour d’un élément extra-musical, puis le rapport entre l’invention mélodique et le processus de composition et, enfin, la construction des phrases musicales. Les techniques de composition mises en lumière se structurent par couples complémentaires : l’ellipse et l’interpolation, l’harmonie et le rythme, la duplication et la variation. La forme musicale est abordée selon deux problèmes apparents dans les esquisses : premièrement, la relation entre les fonctions formelles et leur mobilité, propre à l’œuvre in statu nascendi ; deuxièmement, la difficulté spécifique des zones conclusives. Cette « visite » de l’atelier de Debussy permet de faire l’hypothèse d’une méthode de composition reposant sur les catégories dégagées par l’analyse que d’autres travaux pourront étayer, nuancer ou préciser
This dissertation describes the compositional process and the techniques used by Claude Debussy at the end of his life. Starting from a preliminary thought on the status of Debussy’s compositional practices, several features of the creative process and some compositional techniques may be highlighted, by analysing the sketches which record the traces of the creative work. These traces appear as crossings-out, which can be interpreted with the tools given by the genetic criticism. The corpus includes several avant-textes from works composed during the summer 1915, En blanc et noir for two pianos, the etudes for the piano, and the cello sonata plus the violin sonata, composed between 1916 and 1917. From the most pertinent documents, that are part of the genetic files and carry many traces of the creative process, diplomatic transcriptions have been realised. They do not constitute facsimile, nor normalised transcriptions; they rather represent the manuscript in terms of time and space, linking it also to the achieved work. These transcriptions form the basis of the analysis through which three perspectives are considered: the genesis of the ideas, the compositional techniques applied to the material, and the gestation of the musical shape. The notion of musical idea allows exploring first the constitution of a musical project, often focused on an extra-musical element, then the relationship between the melodic invention and the compositional process, and, lastly, the building of musical phrases. The compositional techniques go in complementary pairs: the ellipse and the interpolation, the harmony and the rhythm, the duplication and the variation. The musical shape is approached from two points of view: first, the relationship between the formal functions and their mobility, peculiar to the work in progress; second, the specific difficulty located in the conclusion areas. This ‘guide tour’ from Debussy’s studio leads up to hypothesise that there is a compositional method, relying on the categories identified by the analysis, and that further studies can support, moderate and precise

Le but de cette these est de proposer un modele de l'evocation applicable en poesie et en musique. Pour ce faire, nous sommes partis d'un double principe formel et cognitif, inspire de la theorie poetique dite de l' + evocation ;, elaboree par marc dominicy. Nous considerons que l'evocation est un processus cognitif present en poesie et en musique et qu'il fait appel a la memoire encyclopedique. Dans ce processus d'evocation, le parallelisme superficiel au sens de nicolas ruwet constitue le principe formel caracteristique de la poesie et de la musique, et la semantique du prototype sous-tend le contenu de l'evocation dans sa forme globale. En degageant ainsi les principes constitutifs d'une poesie (ou d'une piece musicale), nous soutenons qu'elle met en oeuvre une relation evocatrice entre sa forme globale et le ou les prototypes qu'elle represente. Nous proposons ensuite une procedure qui permet de reconstituer le contenu mis en oeuvre par le createur, en tenant compte de la specificite de chacun de ces arts. Au travers de l'analyse d'oeuvres traitant du theme du reflet dans l'eau, nos recherches montrent comment le poete et le musicien manipulent le materiau artistique qui leur est propre pour construire l'evocation. Ils explorent les proprietes typiques formelles et semantico-cognitives de cette image - effet de miroir, liquidite, fluidite, mouvement ondoyant, miroitement lumineux. Reverie mysterieuse, image renversee. Ce sont ces elements qui permettent au recepteur de retrouver la representation mentale qui lui est propre et qu'il aura conservee dans sa memoire a long terme. Nous concluons enfin, en avancant l'idee d'une application possible de ce modele dans l'etude d'autres arts comme par exemple le cinema ou l'opera
The aim of this thesis was to work out a model accounting for the process of evocation which could apply to both poetic and musical analysis, based on a double formal and cognitive principle inspired by marc dominicy's "evocation theory". We do consider evocation to be a cognitive process common to poetry and music and relying on encyclopedic memory. The formal principle peculiar to both means of artistic expression is that which is defined by nicolas ruwet as superficial parallelism. The semantics of the prototype underlies the content of evocation in its global form. By pointing out the main principles of poetical and musical works; we argue that there is a relation of evocation between their global form and the prototypes they represent. We then suggest a procedure that enables us to find back the content put in hy the author while taking into account the specificity of each of those arts. Through the analysis of poetry and music dealing with the theme of water reflection, our research shows how poets and musicians manipulate their own artistic material in order to build evocation. They explore the formal and semantic-cognitive prototypical properties of this image: mirror effect, liquidity, fluidity, wave motion, light mirroring, mysterious reverie, and downward image. All these elements that help the reader or the listener recovering his own mental representation, held back in his long-term memory. We finally conclude on the idea that tilts model could also apply to other sorts of arts. As movies or opera for instance

La présente thèse est centrée sur une approche critique de l'identité esthétique du compositeur japonais Tōru Takemitsu (1930-1996). Dans ce sens, l'analyse de la relation Orient-Occident dans sa musique consiste principalement à déterminer la place de son œuvre dans la tradition occidentale de la musique savante. Après un premier chapitre consacré aux écrits sur Takemitsu, les deuxième et troisième chapitres de la thèse sont consacrés à la découverte de l'art japonais traditionnel par Takemitsu. Le quatrième chapitre – Principes et Tendances esthétiques – essaye de déterminer les fondements esthétiques de la musique de Takemitsu en la considérant dans un idéal cosmique. L'approche analytique aborde principalement les caractéristiques suivantes : la lenteur et le statisme, la positivité du vide, le concept spatio-temporel du ma, la fluidité silence/son, la circularité du temps mythique, le jardin japonais et la spatialité du son. Le cinquième chapitre – Refus de la caractérisation formelle – analyse la pensée formelle de Takemitsu qui s'appuie sur la tradition extrême-orientale par la recherche d'absolu en art. La musique de Takemitsu se caractérise par l'absence de lois strictes qui régissent le langage musical, par l'inspiration de la nature ainsi que par l'influence de la pensée philosophique de Gaston Bachelard. Finalement, le dernier chapitre met en évidence l'influence de Debussy que Takemitsu considérait comme son mentor – avec Messiaen. L'analyse de "How slow the wind" pour orchestre de Takemitsu établit un rapprochement avec "Prélude" à l'après-midi d'un faune" de Debussy
This manuscript is based on a critical approach of the aesthetical identity of the Japanese composer Tōru Takemitsu (1930-1996). In this sense, the analysis of the East-West relationship in the music of Takemitsu mainly consists of situating his work in the occidental written music tradition. Following a brief first chapter describing the writings on Takemitsu, the second and third chapters of this manuscript describe Takemitsu's discovery of traditional Japanese art. The fourth chapter – Aesthetical principles and tendencies – tries to determine the aesthetical foundations of the music of Takemitsu by considering it in a cosmic ideal. The analytical approach principally considers the following characteristics: the slowness and the statism, the positivism of emptiness, the spatio-temporal concept of ma, the fluidity sound/silence, the circularity of mythical time, the Japanese garden and the spatialness of sound. The fifth chapter – The refusal of formal characterization – analyses the formal thought of Takemitsu that is based on the eastern tradition on the search of absolute in art. The music of Takemitsu is characterized by the absence of strict laws that rule the musical language, by the inspiration of nature as well as by the influence of the philosophical thought of Gaston Bachelard. Finally, the last chapter shows the clear influence of Debussy that Takemitsu considered to be his mentor – as well as Messiaen. The analysis of "How slow the wind" for orchestra of Takemitsu establishes a point of similarity with "Prélude à l'après-midi d'un faune" by Debussy

Interprétation possible de l'Ut pictura poesis d'Horace pour comprendre le phénomène de l'interférence des arts autour de la figuration aquatique, cet essai a été enrichi des apports de différentes disciplines comme la littérature, l'esthétique, la linguistique. Il vise à construire une esthétique cohérente, apte à expliquer la puissance d'incitation artistique des images aquatiques et de l'eau elle-même en tant qu'élément naturel. Au sein du genre mélodique, la création des compositeurs français converge dans la recherche d'une poétique musicale tendant vers une fusion artistique du texte, de la musique et de l'image évoquée. Les préoccupations de durée et de fuite du temps qui sont au coeur de l'époque charnière des XIXe et XXe siècles sont greffées sur les images de l'eau. Le poème s'impose comme expérience de pensée et de perception et, loin de mettre seulement la musique au service du texte, la mélodie, entre métaphore et figuralisme, révèle le poème comme musique. Trois poèmes et leurs mises en musique sont objets d'étude et de comparaison : Le Jet d'eau de Baudelaire, Soupir de Mallarmé et Il pleure dans mon coeur de Verlaine. L'ouverture des artistes à la nature de l’élément aquatique éveille en eux ce que Bachelard appelle "l'imagination de la matière". Ainsi, le personnage d'Ophélie, entre créations originales et universaux dont Shakespeare l'avait doté, devient porteur de symboles. La figure d'Ophélie imprègne des vertus de l'eau "mélancolisante" les Poèmes d'automne de Dupont. Peut-on aller jusqu'à décrire une esthétique de la fluidité ? C'est à cette question que cet essai risque une réponse
This study, a possible way of interpreting Horace's Ut picture poesis, is an attempt to understand the mutual interplay of the arts around water-related representations. It draws from the various disciplines such as literature, aesthetics, and linguistics and aims at constructing a coherent aesthetics that will highlight the power of water and aquatic imagery as artistic stimulants. Within melody as a genre, the creations of French composers converged in the quest for a musical poetics tending towards an artistic fusion of text, music and metaphors. The concern for the ephemeral and for time as duration which was at the heart of the transition period at the turn of the 20th century finds its expression through water images. The poem imposes itself as an experience of thought and perception. Melody, far from merely placing music at the service of text, reveals – beyond metaphors and figuration -- the poem itself as music. Three poems and their musical adaptations are analysed and compared in this study : Baudelaire's Le Jet d’eau, Mallarmé's Soupir and Verlaine's Il pleure dans mon coeur. The willingness of artists to embrace the aquatic element awakens in them what Bachelard called, "the imagination of matter". In that sense, the character of Ophelia, whether through original creations or through the universal features Shakespeare endowed her with, becomes centrally symbolic. The figure of Ophelia suffuses Dupont's Poèmes d'automne, with the melancholy-inducing virtues/qualities of water. Could one go as far as to talk of an aesthetics of fluidity ? This study attempts to provide an answer to this question

Si l’opéra sur un livret en prose ne se manifeste publiquement en Europe qu’au tournant des XIXe et XXe siècles, dans les domaines russe, puis français, enfin allemand et tchèque, des essais de chant de prose et des réflexions sur ses conditions de possibilités sont cependant intervenus, en France, dès le XVIIIe siècle. Envisagée comme forme verbale apériodique, la prose peut ainsi être considérée comme étant au fondement du genre de l’opéra. D’une part, en effet, dans la tragédie lyrique et auparavant dans l’opéra italien, des vers mêlés apériodiques sont d’emblée associés à un chant lui aussi largement apériodique, notamment dans le récitatif. Cette caractéristique formelle du récitatif est soulignée par la notion analogique péjorative de « prose musicale », élaborée dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, en France et en Allemagne, par les partisans de la mélodie périodique italienne. D’autre part, l’ opposition entre le régime du récitatif et le régime de l’air peut être interprétée comme un conflit entre un principe dramatique linéaire de prosa oratio et un principe lyrique circulaire de versus. Sur un plan stylistique, la notion formelle de prose s’articule en outre à celle de prosaïsme, non seulement dans le drame lyrique naturaliste en prose, mais plus généralement dans le chant de type récitatif, considéré par certains théoriciens comme la prose du chant, parce qu’il est apériodique et dévolu aux matières de moindre valeur lyrique. Cette articulation entre les plans formel et stylistique s’opère notamment dans la prosodie musicale, et plus spécifiquement à travers le traitement de l’e caduc, qui fait l’objet de débats idéologiques touchant aux limites entre le naturel et le prosaïsme. Les tentatives de divers compositeurs, poètes et théoriciens pour dépasser l’antagonisme entre le vers et la prose conduisent dès lors à repenser le genre, non en termes de dichotomie formelle et stylistique, mais comme une unité organique. Celle-ci prend ainsi la forme d’un poème lyrico-dramatique, qui s’incarne dans un discours poético-musical associant chant, orchestre, et silence. Le problème du chant de la prose dans l’opéra apparaît donc comme un révélateur des enjeux génériques, esthétiques, voire idéologiques du théâtre lyrique
Although prose opera only appeared in Europe at the turn of the nineteenth and twentieth centuries, in Russian, French, German and Czech opera, some ventures into prose singing and reflections about it did occur in France as early as the eighteenth century. Seen as an aperiodic verbal form, prose can be considered to have been an essential part of the operatic genre from the beginning. Indeed, aperiodic free mixed verse is used in French tragédie en musique, and before that in Italian opera, in association with largely non-periodic singing, especially in recitative. This formal characteristic of recitative is summed up in the metaphoric and pejorative phrase of “musical prose”, which was created in France and Germany in the second half of the eighteenth century by admirers of the Italian periodic melody. This opposition between two modes of singing, recitative-like and aria-like singing, can be seen as a conflict between two contradictory principles in opera: on the one hand, a prosa oratio principle, whose linearity represents the dramatic progressive succession ; on the other hand, a versus principle, whose periodic circle constitutes the traditional form of lyrics. On a stylistic level, prose also has to do with prosaic matters and language, not only in the naturalistic drame lyrique, but more generally in recitative singing. The latter is sometimes considered the prose of music, not only because of its form, but also because it deals with less lyrical matters than aria. This relationship between formal and stylistic levels is particularly tight in prosodic matters, especially in the treatment of the famous mute e, which provokes multiple ideological debates concerning natural, realistic, or prosaic styles of diction. Attempts to solve this problematic opposition between verse and prose logics led various musicians, librettists and theorists to go beyond formal and stylistic dichotomy and to rethink opera as an organic whole: in the form of a lyric-dramatic poem and a poetic-musical speech, where singing, orchestra, and silence are combined. The problem of prose singing in opera thus clearly reveals the generic, aesthetic, and ideological issues concerning lyric theatre