Dissertations / Theses on the topic 'Critique musicale – France'
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Coronat-Faure, Raphaële. "Naissance de la critique musicale en France : 1750-1774." Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081597.
Abstract:
La critique musicale prend son essor au milieu du siecle des lumieres grace au developpement des supports (journaux, correspondances litteraires, ecrits esthetiques) et de leur diffusion. Ces comptes rendus presentent toutes les caracteristiques etablies, apres etudes, au xxieme siecle, a savoir une presentation de l'uvre avec analyse du livret et de la musique, l'etablissement d'un jugement, des remarques sur la realisation. Le critique possede des connaissances juste suffisantes pour aborder la musique, mais l'apprentissage de la rhetorique lui permet de discuter de tout, de montrer une certaine objectivite et du style. D'un point de vue esthetique, l'imitation de la nature est encore l'idee qui regit les arts ; elle va etre abandonnee car elle n'explique pas la musique instrumentale. La reforme theatrale de diderot, qui donne naissance au drame, influence les operas-comiques, l'opera, le jeu des acteurs. Cette critique musicale du xviiiieme siecle constitue un riche apport historique ; elle nous permet de connaitre la musique interpretee, celle qui plait au public, l'importance de ce dernier ou encore la personnalite des chanteurs.
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Flynn, Timothy Scott. "A study in music criticism and historiography : sacred music : journals in France, 1848 to 1870 /." Ann Arbor : UMI, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb371033947.
Abstract:
Diss.--Philosophie--Evanston, Ill., 1997.Contient des analyses d'articles parus dans les périodiques suivants : Revue de musique ancienne et moderne, Le Plain-chant, Revue de musique sacrée ancienne et moderne, le choeur, la Maîtrise. Bibliogr. p. 518-535.
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Reibel, Emmanuel. "L'écriture de la critique musicale dans la presse française : 1820-1870." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040094.
Abstract:
Malgré un lent processus de spécialisation, la critique musicale demeure polymorphe tout au long du XIXe siècle. Écrivains ou musiciens, dilettantes ou journalistes, tous s'interrogent sur une activité menacée par de nombreux obstacles. Par réaction, ils l'investissent d'une mission utopique et tentent de définir des méthodes de jugement impartiales, voire scientifiques. Mais dans la pratique, à côté d'une approche rationnelle par " écoles " nationales, leurs jugements résultent toujours d'une approche sensible s'enracinant dans une esthétique de l'effet. De là découlent trois modalités d'écriture que la critique ne cesse de métisser : un puissant modèle rhétorique (dû à ses finalités didactiques et " judiciaires "), assoupli par le cadre journalistique du feuilleton, lui-même ouvert à une poétique métaphorique (résultant de cette esthétique de l'effet, qui engage à dire la musique plutôt qu'à l'analyser)In spite of a slow process of specialisation, music criticism remained polymorphous throughout the 19th century. Writers or musicians, dilettantes or journalists - all reflected on an activity which was threatened by numerous obstacles. As a form of reaction, they invested this activity with a utopian mission and attempted to define unbiased, even scientific methods of judgement. Actually, along with a rational approach based on the different national "schools", judgements always resulted from a sensitive approach which was rooted in the aesthetics of effect. Hence, three modes of writing that musical reviews ceaselessly blended : a powerful rhetorical model (due to their " judicial " purposes), softened by the frame of their publication in instalments, a frame which was itself open to a metaphorical form of poetics (resulting from the aesthetics of effect, which encouraged people to tell rather than analyse music)
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Arden, Charles. "Vers une critique musicale créatrice : une redéfinition du concept de critique comme rapport entre le discours sur l’œuvre et la poétique musicale." Paris 8, 2013. http://www.theses.fr/2013PA083939.
Abstract:
Cette recherche part d'un constat d’adéquation historique au XIXe siècle entre le développement de la presse comme support de l'expression notamment musicale, l'avènement d'une méthode avec les disciplines liées au discours sur l’art, ainsi qu’une production artistique particulière : la musique à programme et le poème symphonique qui révèlent un nouveau lien entre le son et le verbe. Notre choix de la critique musicale comme sujet se porte donc sur un lieu de révélation de tous ces enjeux. Le texte critique repose en effet sur une méthode de jugement qui respecte les catégories propres à son objet et offre une prise de conscience du contexte de son élocution : le discours critique devient dès lors méta-discours, renforçant l’analyse et la compréhension de l'œuvre par tout ce qui peut en être dit, tout ce qui s’offre comme mode de travail du langage avec l'expression d’un ressenti. Afin que ce travail permette de mieux comprendre la musique qui trouve son inspiration et son explication du littéraire pour inspirer la plume critique, nous partons de la connaissance acquise d'une œuvre musicale et observons comment cette connaissance évolue au fur et à mesure des concepts que nous convoquons dans le parcours historique de la discipline. Ainsi l’herméneutique, l’heuristique, l’épistémologie, le structuralisme, le formalisme, la linguistique serviront d’outils à la démonstration musicologique que, partant du musical, nous y revenons après l’étude du texte critique avec d'autant plus de détails, de forces, d’évidence. C’est selon cette même logique que la critique renforce le travail musicologique des apports pluridisciplinaires. Notre contribution se veut ainsi un bilan et une prospective des modalités qui ont été trouvées dans le discours pour comprendre le musical : donnant à l'auditeur des outils pour construire un langage qui renforce son vécu artistique ; donnant au créateur un matériau discursif mais esthétique qu'il pourra confronter à son œuvre pour approfondir son esthétique, amender sa production, continuer à produire ; donnant à leur médiateur une liste de critères qui lui permettront de renforcer son discours d’outils correspondant à l’identité de l’œuvre et de ceux qu’il met en rapportThis research starts from an historical adequacy in the nineteenth century between the development of the press as a medium of expression including music, the advent of a method with the disciplines related to art discourse, and a particular artistic production: programmatic music and the symphonic poem that reveal a new link between the sound and the verb. Our choice of music criticism as subject is therefore oriented towards a place of revelation of all these issues. The critical text is in fact based on a method of judgement that respects its own object classes and provides an awareness of the context of his speech: critical discourse then becomes meta-discourse, enhancing the analysis and understanding of the work by all that can be said, all that is offered as a way of working with linguistic expression of a feeling. In order to enable this work to better understand the music that finds its inspiration and explanation of literary criticism to inspire the pen, we start from the knowledge acquired of a musical work and observe how this knowledge evolves progressively with the concepts that we present in out historical course of the discipline. Hermeneutics, heuristics, epistemology, structuralism, formalism, linguistic tools are used to focus on musicology and demonstrate that, leaving the musical, we come back after the text's critical study with more evidences, details, strengths. This, according to the same logic based on which critique reinforces musicology by multidisciplinary scopes. Our contribution is intended as a review and prospective ways that have been found in the speech to understand the musical: giving the listener the tools to build a language that reinforces his artistic experience, giving the creator a material discursive aesthetic that it can compare his work with to deepen its aesthetic, amend its production, continue to produce; giving the mediator a list of criteria which will enhance his speech tools corresponding to the identity of the work and those it links
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Simon, Yannick. "Etude historique et critique de l'esthétique de la musique en France de 1968 à 1991." Paris, EHESS, 1996. http://www.theses.fr/1996EHES0321.
Abstract:
Cette etude decrit les conditions dans lesquelles s'est developpee la creation musicale en france entre 1968 et 1991. Elle s'interesse tout particulierement a l'evolution des rapports entre les institutions et l'avant-garde et pourrait etre sous-titree : l'avant-garde et l'institutionnalisation de la musique en france (1968-1991). La periode 1968-1991 est caracterisee par le parachevement d'un processus, deja ancien, la periode 1968-1991 est caracterisee par le parachevement d'un processus, deja ancien, d'institutionnalisation du champ musical francais dont la creation de la direction de la musique est l'acte fondateur. Mais, paradoxalement, cet organisme etatique, dont l'elaboration est concomitante du developpement de l'avant-garde musicale, va devenir l'un des outils de l'ascension de ce qu'elle avait tente de contrer. Des lors, le lien entre l'institution et l'esthetique musicale est incarne par la technologie. La foi ambiante dans l'innovation et le besoin general d'organisation et de controle influencent le debat esthetique, notamment en placant en son centre la question de l'integration de l'electroacoustique dans la creation musicale. Dans le meme temps, la technologie musicale devient l'instrument d'un recentrage esthetique qui fait perdre a la musique d'avant-garde sa fonction critique. Evoluant dans un environnement qui lui est de moins en moins favorable, la creation musicale francaise est l'objet de nombreuses remises en question. Elle demeure neanmoins vivace et recherche, en dehors du langage tonal, les moyens de developper des strategies esthetiques susceptibles de favoriser la comprehension du discours musicalThis study describes the circumstances in which the musical creation expanded in france between 1968 and 1991. It observes particularly the evolution of relations between the institutionalization of music in france (1968-1991). The period 1968-1991 is characterized by institutions and the avant-garde. It could be subtitled : the avant-garde and the institutionalization of music in france (1968-1991). The period 1968-1991 is characterized by the completion of a process of institutionalization,yet old, of the french musical world of which the creation of the "direction de la musique" is the base. But, paradoxically, this organization of the state the elaboration of which is concomitant of the development of the musical avant-garde, will become one of the means of the rise of what it wanted to thwart. From that time onwards, the connexion between the institution and the musical aesthetics is embodied by technology. The belief in surrounding innovation and the general requirement of organization and control influence the aesthetic dispute. The question of the integration of electroacoustic technologies in the musical creation represents the principal centre of interest. At the same time, the musical technology becomes the means of an aesthetic correction and takes its critical function from the avant-garde. Evolving in an environment less and less favourable, the french musical creation is the object of many criticisms. But it remains long-lived and searches, without the tonal language, for the means to expand aesthetic strategies capable of favouring the comprehension of musical discourse
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Gaucher, Pierre. "De la spirale au groupe Jeune France (1935-1945) : les tourments d'une avant-garde musicale." Tours, 2001. http://www.theses.fr/2001TOUR2046.
Abstract:
Jeune France (Yves Baudrier, Daniel-Lesur, André Jolivet et Olivier Messiaen) compte parmi les principaux groupes musicaux de la première moitié du vingtième siècle à Paris. Embrassant les années 1935-1945, cette thèse vise à mieux comprendre le contexte contemporain, les desseins communs des compositeurs et la nature de leurs concerts. La partie initiale est consacrée à la Spirale (1935-1937), société de musique de chambre parisienne qui précéda le groupe Jeune France. La constitution du groupe Jeune France fut fatale à la Spirale. [. . . . ]Cette étude témoigne des bouleversements sociaux et politiques contemporains. L'économie culturelle subit de profondes mutations, dépassant le seul cadre du mécénat mondain pour tendre vers une prise en charge par l'Etat. Les convergences paradoxales en ce domaine de mouvements politiques successifs (Front Populaire, Vichy) illustrent une propension récente de la société françaises tendant vers une démocratisation culturelle. Le groupe Jeune France fut contemporain de cette évolution dont les résonances sont encore d'actualité.
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Pariot, Christian. "Le Monde et la musique : du pluralisme musical à l'écoute plurielle ; champ critique et postmodernité." Toulouse 2, 2005. http://www.theses.fr/2005TOU20068.
Abstract:
Les évolutions de la critique musicale du journal Le Monde, de 1985 à 2000, révèlent l'influence de l100a postmodernité, qui se traduit, notamment, par une large ouverture au pluralisme musical et par une attention toute particulière donnée au phénomène des croisements et métissages musicaux. Le pluralisme critique entraîne la multiplication des experts, mais ne met toutefois pas en cause le secteur de la grande culture qui échappe à la déhiérarchisation postmoderne. Il est cependant permis de faire le constat de l'affaiblissement de la fonction critique par la perte de la mission pédagogique, inhérente à la culture moderniste. En lieu et place de la théorie du progrès en art, reformulation du concept d'inaudible, qui siège désormais au coeur de l'esthétique postmoderne. Topologie de l'écoute plurielle et essai de définition d'une écoute métisseThe evolutions of Le Monde musical criticism, under postmodern influence, from 1985 to 2000. Study of musical pluralism and of musical cross over. Rephasing the concept of unheard, at the core of postmodern aesthetic. Topology of a plural listening and essay of definition of an interbred listening
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Gislason, Donald Garth. "Castil-Blaze, De l'opéra en France and the feuilletons of the Journal des débats (1820-1832) /." Ann Arbor : UMI, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb370597819.
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Pompidor, Henri. "Les maîtrises des cathédrales métropolitaines en France (1600-1789) : étude institutionnelle et musicale." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1995PA040169.
Abstract:
Jusqu'à la Révolution, les maitrises capitulaires ont été les principales écoles de musique existantes en France. Au cours des XVIIème et XVIIIème siècles elles connaissent une longue période de prospérité et d’apogée. Plusieurs principes règlent l'organisation et le fonctionnement des écoles. Les élèves, dont le nombre varie entre quatre et douze, entrent à la maitrise vers l’âge de sept ou huit ans, et en sortent à dix-sept ou dix-huit ans. Durant leur séjour à la maitrise, ils reçoivent un double enseignement musical et général qui a pour objectif de les préparer au service des offices ordinaires et des fêtes. Le personnel enseignant est composé du maitre de musique, du maitre de grammaire et de plusieurs professeurs. Les élèves et les maitres vivent sous le même toit, à la maison de la maitrise. Leur temps est partagé entre le service musical des offices de la cathédrale et les cours à l'école. Dissoutes au moment de la Révolution, les maitrises n'ont jamais été remplacées complétement par les conservatoires de musique qui présentent des caractéristiques différentes. Ainsi, cette étude institutionnelle et musicale sur les maitrises vise-t-elle à souligner l'importance du rôle qu'elles ont joué et, partant, d'éclairer le lecteur sur les conditions de leur rétablissement de nos jours (1995)Capitular choir schools remained the main music schools in France until the (French) Revolution. At their peak during the seventeenth and eighteenth centuries, they enjoyed a long period of prosperity. Several principles ruled the organization and functioning of these schools. The pupils, whose number ranged from four to twelve, entered the school at about seven or eight years old and left it aged seventeen or eighteen. During their school years, they attended a double education, which was musical and general that education aimed at preparing them for common services and religious celebrations. The teaching staff was composed of a music master, a grammar one and several teachers. Pupils and masters lived under the same roof, inside the choir school. They spent their time attending musical services in the cathedral and school lessons. Choir schools were broken up during the French revolution. They have never been fully replaced by the academies of music that reveal different characteristics. Thus, this institutional and musical study of choir schools aims and emphasizing how important the role they played is and informing our readers about the conditions which have to be fulfilled to restore them nowadays
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Anglade, Sandrine. "Les journalistes, critiques de théâtre : émergence et construction d'une identité professionnelle : histoire de l'Association de la critique dramatique, 1899-1937 /." Lille : ANRT, 1998. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40045102g.
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Lefebvre, Dominique. "La musique dans le texte, France, 1660-1750." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030037.
Abstract:
L'objectif de ce travail est d'analyser comment se constitue et évolue un discours sur la musique en France, depuis l'époque classique (création de l'opéra) jusqu'aux environs de 1750 (période précédant la Querelle des Bouffons). Cette thèse étudie les fondements et l'évolution de l'esthétique musicale de cette époque, et les rapports qu'elle entretient avec l'esthétique littéraire et picturale. L'explosion de la musique et la naissance de la critique musicale sont examinées en tant qu'événement social et objet d'historiographie. Par musique, il faut entendre l'opéra et la musique instrumentale. Par texte, il faut entendre les traités scientifiques et techniques de l'Académie royale des Sciences, les ouvrages théoriques, les ouvrages d'esthétique, les lettres de particuliers, les dictionnaires et certains périodiques qui traitent de la musiqueThe ultimate objective of this work is to analyse how to put together a dissertation on the development of music in France since the classical period (with the creation of the opera) until the seventeen-fifties (period before the Querelle des Bouffons). This thesis is a study of the founding and development of aesthetics in musical appreciation of that period and its connection to aesthetics in literature and painting. The explosion of music and the beginning of criticism in music are examined as a social event and an object of historiography. Our study of music has been limited to opera and instrumental music. The texts which have been studied concern scientific and technical treatises of the Royal Academy of Sciences, theoretical works, works on aesthetics, private correspondance, dictionaries and some specialist publications on music
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Rudent, Catherine. "Le discours sur la musique dans la presse française : l'exemple des périodiques spécialisés en 1993." Paris 4, 2000. http://www.theses.paris-sorbonne.fr/these-%20Rudent.pdf.
Abstract:
Dans les magazines musicaux français des années quatre-vingt-dix, la musique apparait comme scindée en unités plus petites - le jazz, le rock, le rap, la techno : il ne s'y agit pas de la musique, mais "des" musiques, chacune dotée d'une certaine cohérence. Une analyse de contenu portant sur tous les magazines d'une année récente permet de saisir la teneur de ces subdivisions : elles n'y sont pas définies par leurs seules caractéristiques sonores, mais par d'autres, non sonores. Le rock y est ainsi donné tantôt comme musique de la provocation et de la rébellion, tantôt comme plaisant, rieur et désengagé ; la chanson comme une parole amicale et douce, à laquelle des instruments le plus divers possibles servent seulement d'écrin et d'escorte ; la musique savante comme une alliance paradoxale entre la logique la plus stricte et l'expression la plus véhémente ; le jazz y a le raffinement de l'arabesque et la profondeur du secret ; enfin la techno, festive et dansante y est également rêveuse et pacifique. En déconstruisant la façon dont la presse musicale, media petit mais plus influent qu'il ne semble, associé à chaque type de musique un ensemble de traits à la fois arbitraires et significatifs, on montre la nature réductrice de sa tâche. Mais en même temps on voit l'un des cheminements à travers lesquels, de nos jours, la musique est investie de sens.
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Barrera, Juan David. "La musique pour orgue en France à l'âge classique : une représentation du sacré." Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAC003/document.
Abstract:
Notre étude de la musique pour orgue en France à l’Âge classique se centre sur sa dimension signifiante, et tout particulièrement sur sa fonction représentative du sacré. Notre intérêt a pour origine un constat : à l’heure actuelle, les travaux les plus importants consacrés à ce répertoire négligent la question, alors que la genèse de cette école organistique coïncide avec l’un des moments historiques les plus remarquables de la spiritualité catholique française (en effet, le XVIIe siècle n’est pas seulement le « Grand Siècle des idées » mais aussi le « Grand Siècle des âmes »). Dans cette optique, et partant du principe que la musique religieuse peut se comprendre comme un produit esthético-théologique façonné en fonction des besoins symboliques et expressifs de la liturgie (au même titre que d’autres manifestations d’art sacré), ce travail cherche à mettre en lumière la manière dans laquelle, grâce à un ensemble de catégories esthétiques et de topiques musicaux dirigés par des principes rhétoriques, la musique des organistes français peut communiquer les notions fondamentales de la doctrine chrétienne. Pour ce faire, nous proposons un parcours en quatre parties, abordant successivement les contextes culturel et spirituel du XVIIe siècle en France, les éléments constitutifs de l’univers signifiant du répertoire, l’organisation stylistique du répertoire, et finalement, d’un point de vue herméneutique, l’œuvre de trois compositeurs majeurs de cette tradition musicale : Nicolas de Grigny, Jean-Adam Guilain et François CouperinThis study of French organ music during the “Classical period” focuses on its signifying dimension, and particularly on its representative function in the liturgy. Our interest springs from an observation: the most important works devoted to this repertoire neglect the question, whereas the genesis of this organ school coincides with one of the most remarkable historical moments of Catholic spirituality. From this point of view, and assuming that sacred music can be understood as an aesthetic-theological product shaped according to the symbolic and expressive topics of the liturgy (in the same way as other manifestations of sacred art), our research seeks to demonstrate the way in which the music of French organists can communicate the fundamental notions of Christian doctrine through a set of aesthetic categories and musical topics directed by rhetorical principles. In this way, our work is divided into four parts, successively highlighting the cultural and spiritual contexts of the seventeenth century in France, the elements of the signifying universe of these music, the stylistic organization of the repertoire, and finally, from a hermeneutic point of view, the analysis of three major composers of this musical tradition: Nicolas de Grigny, Jean-Adam Guilain and François Couperin
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Kéraudren-Rességuier, Elvie. "Images de l'opéra à travers le Mercure Galant (1672-1748)." Toulouse 2, 2005. http://www.theses.fr/2005TOU20090.
Abstract:
Le dépouillement de soixante-quinze années de parution du Mercure galant permet de découvrir différentes images de l'opéra de Jean-Baptiste Lully à Jean-Philippe Rameau. Variété des lieux de représentations, des auteurs, des formes revêtues par le “ spectacle opéra ”, éloge des concepteurs, la grande histoire et les petites histoires se côtoient dans ce périodique, qui, tout en étant généraliste dans les sujets qu'il aborde, porte un regard sur la musique de cette période demeurant pour nous aujourd'hui, un témoignage capital. Cette étude trace un portrait musical de la période 1672-1748 : il faut dépasser l'aspect “ organe officiel ” du journal reflété par ses abondantes louanges, au profit de la mise en parallèle d'éléments plus discrets, qui permettent d'appréhender le goût du public de l'opéra et de la cour. Le recoupement des informations laisse deviner les évolutions de l'opéra et la position du périodique face aux grands débats esthétiques de la période : querelle des Anciens et des Modernes, goût pour la musique italienne, l'opéra considéré comme genre littéraire ou musical. Le Mercure change plusieurs fois de rédacteurs durant ces années, qui ont presque tous été aussi des hommes de théâtre : il est intéressant de lire leurs opinions et prendre la mesure de leurs silences, afin de comprendre la ligne de conduite du journal et de juger de ses forces et de ses faiblessesThe detailed study of the french periodical Mercure galant over 75 years reveals a variety of aspects of opera from J. B. Lully to J. P. Rameau. In a rich variety of articles accessible to the general public dealing with venues, authors, dramatic art forms and critical acclaim, the magazine reflects the history of music during this period and provides a valuable record for us today. While this study portrays a musical portrait of the period 1672-1748, an attempt has also been made to go beyond the "official" face which the magazine embodies through its generous critical acclaim and appreciate analogous and less apparent facets which illustrate the public's taste for Opera (royal Academy of music) and the Court. Data have been cross referenced to shed light on both the evolution of opera during this period as well as the magazine's standpoint on the major aesthetic debats of the day : the dissidence between Ancients and Moderns; the taste for Italian music; opera as literary or as musical genre. The Mercure galant had a number of different editors over this period, most of whom where men of theatre: it is of interest to read what they had to say and to bear in mind what they did not say in order to understand the magazine's editorial line and to judge its strengths and weaknesses
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Duhamel, Jean-Marie. "Musique et sociabilité en France, de la Régence à la fin du règne de Louis XV : recherches sur l'histoire culturelle au siècle des lumières." Lille 3, 1991. http://www.theses.fr/1991LIL30015.
Abstract:
Au 18e siecle, la musique occupe en france une place fondamentale. Presente, omnipresente dans toute la societe de l'ancien regime, en particulier au coeur de la vie urbaine, elle est un element moteur dans les pratiques de la vie sociale comme dans l'evolution des idees. Dans l'esprit des academies dont ils sont les contemporains et les heritiers, l'opera, les societes de concerts qui s'ouvrent peu a peu au public, viennent revolutionner l'ensemble de la vie culturelle du royaume. Espaces artistique, espaces de mondanite, ils deviennent rapidement de veritables buttes-temoins, des miroirs pour les elites qui y cherchent une identite, mais sous les vernis des pratiques elegantes et manierees de la vie mondaine, on decouvre d'apres querelles, de violents debats : a partir du milieu du siecle, la musique devient a la fois un enjeu et un revelateur des tensions et des conflits qui agitent et perturbent l'ensemble de la societeIn the 18th century, music had a fundamental position in france. Present in all ancient regime society, especially in the heart of urban life, it was a driving element in social life, and in the evolution of thought. In the spirit of academies whose contemporaties and heirs they were, opera and concert societies, gradually opening to the public, start to revolutionize the whole of cultural life in the kingdom. As artistic places and social haunts, they quickly grew into genwine withesses or mirrors for an elite in search of its own identity. But, benind the polish of elegance and affected attitudes in social life, we discovered bitter quarrels and violent squables. From mid-century, music not only became a gamble, but also reveales the tensions and struggles that shook and disturbed the whole of society
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Kiuchi, Mariko. "La Grande Messe des morts de Hector Berlioz (1837) : son langage musical et sa stratégie rhétorique." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL040.
Abstract:
La Grande Messe des morts d’Hector Berlioz se remarque entre autres choses par la variété de styles et le changement rapide de climats expressifs. Son écriture novatrice éveille l’émotion du public en cultivant de nombreux effets d’inattendus que la presse de l’époque a soulignés lors de la création. Comment caractériser les différents styles musicaux sur lesquels le Requiem s’articule ? Comment le compositeur captive et éveille-t-il l’émotion de l’auditeur ? Comment l’auditeur perçoit-il la stratégie déployée par le compositeur ? La présente thèse a pour but d’éclaircir le fonctionnement des matériaux musicaux variés chez Berlioz, le mécanisme de la communication compositeur-auditeur et sa conception de la musique « sacrée ». L’étude de la rhétoricité du Requiem est fondée sur quatre enquêtes successives fondées sur la théorie de la communication musicale de Jean Molino et Jean-Jacques Nattiez et l’analyse de la rhétoricité selon Jean-Pierre Bartoli : 1. étude du processus génétique de la composition (analyse de la poïétique externe) ; 2. étude de la critique de la presse musicale (analyse de l’esthésique externe) ; 3. étude des principes du développement et forme narrative (analyse de la poïétique inductive) ; 4. étude des jeux sur l’attente ménagés par le compositeur (analyse de l’esthésique inductive). De cette recherche, on conclut que Berlioz réussit à concilier l’intensité dramatique et la religiosité à travers un certain art du discours, qui maintient l’unité de l’œuvre dans la variété de ses climats, des topiques exploités et des styles d’écritureHector Berlioz’s Grande Messe des morts has been particularly recognized by its variety of styles and the rapid change of expressive atmospheres. His innovative style arouses public’s emotion by cultivating a great number of unexpected effects that the music press in time of its first performance emphasized. How can be characterized various musical styles which connect with one another in this Requiem? How does the composer behave to attract the audience and to arouse their emotion? How did the audience feel composer’s strategy which was deployed in this work? This thesis aims to make clear the function of various musical materials in his composition, a communication mechanism established between composer and audience, and his conception of the “sacred” music. A study of rhetoric in his Requiem is founded on four successive analyses, inspired by Jean Molino and Jean-Jacques Nattiez’s musical communication theory and Jean-Pierre Bartoli’s rhetoric analysis: 1. study of the creative process of the composition (analysis of the external poïétique); 2. study of the music criticism of press articles (analysis of the external esthésique); 3. study of the principal of the music’s development and its formal narrativity (analysis of the inductive poïétique); 4. study of the tactics on audience’s expectation handled by the composer (analysis of the inductive poïétique). This study concluded that Berlioz succeeded in managing the dramatic intensity and the religiousness through a certain art of discourse, which maintains the work’s unity with a variety of atmospheres, musical topics and styles
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Reynaud, Cécile. "La notion de virtuosité dans les écrits critiques de Franz Liszt." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030161.
Abstract:
La virtuosité pianistique appartient au genre de la musique instrumentale, en plein essor dans la musique européenne de la première moitié du XIXe siècle. Pourtant, du fait de ses caractéristiques d'exécution et de démonstration, elle cumule les désavantages de la musique instrumentale (pas de mot, donc pas de sens), et ceux de la musique vocale dramatique (elle serait du côté de la gesticulation plus que de l'expression). Comment, sur les bases de la philosophie romantique allemande, en particulier d'E. T. A. Hoffmann - la musique instrumentale et la virtuosité pianistique acquièrent-elles en France un nouveau statut ? Les détracteurs de la virtuosité trouvent une tribune dans la Revue musicale de Fétis, qui constitue notre première source. .Pianistic virtuosity is a highly significant element in the evolution of the flourishing art of European instrumental music during the first half of the 19th century. And yet, by dint of the very demands of execution and exhibition that it imposes, such virtuosity manifests some of the disadvantages of instrumental music (which, lacking words, may be said to lack "meaning") and some of the disadvantages of dramatic vocal music (which can suggest mere gesticualtion rather than true emotional expression). How then, in the historical context of late 18th-and early 19th century German romantic philosophy, and in particular that of E. T. A. Hoffman, did instrumental music in general and pianistic virtuosity in particular acquire in France a newly meaningful status ? Detractors of mere virtuosity found a platform for their ideas in the Revue musicale of F. -J. Fétis, who offers us our first primary source material. .
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Diguerher-Mentelin, Nancy. "Rameau, du cas à la singularité : germination, éclosion, ramification d'une intellectualité musicale au temps des Lumières." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0069.
Abstract:
L'objet de cette thèse est de mettre en lumière les raisons spécifiquement musiciennes qu'a eu Rameau, dès son arrivée à Paris en 1722 et indéfectiblement, de se consacrer à l'écrit. Réunissant l'ensemble de ses textes, elle en propose une trajectoire de lecture chronologique, où l'on voit comment le compositeur, enseignant et théorisant la musique, se prépare à défendre la sienne. Une première partie fait l’histoire de ce qui, à ses débuts en compagnie de Descartes, singularise l'entrée de Rameau dans le registre théorique. Elle exhausse, en même temps que les raisons d'en faire un cas, les origines et les enjeux de ce type d'instruction, né de l'éveil de Rousseau à l'esthétique et ressaisi par d'Alembert sur le terrain épistémologique. Une figure singulière de musicien émerge à l'occasion de ses premiers échanges avec les Encyclopédistes en 1749, au moment où il prépare le Mémoire inaugural d'une série d'importants démêlés. C'est l'intellectualité musicale ramiste, en germe dans ses pérégrinations théoriques, qui éclôt en même temps que d'inquiétants déboires musicaux. À l'analyse de cet épisode primitif, la deuxième partie de la thèse observe, au voisinage des grands ouvrages tardifs de Rameau, une : même configuration de crise qui contraint le musicien à sans cesse revoir sa stratégie de défense et à se chercher de nouvelles ressources extra-théoriques, dans une veine critique et esthétique qui convie au besoin l'histoire et la métaphysique. Ses écrits tardifs sont le lieu d'une intense ramification dont l'étude fait apparaître un acteur musicien d'un nouveau genre, déterminé à se rapporter à la philosophie de son temps, qui tient aussi un rôle dans le Neveu de RameauThis work aims to reveal Rameau's musical reasons from his arrivaI in Paris in 1722, when he started to devote his career to writing. This thesis takes a chronological reading of all his texts to demonstrate how the composer -teaching and researching music -prepares to back his own music. The first part of the thesis emphasizes Rameau's early stages, focusing on the influence of Descartes, and examines his « entry » into music theory. On the one hand, this first part raises the reasons that make Rameau an interesting case to study, on the other hand it : shows the origins and stakes of this case, that is influenced by Rousseau 's awakening to aesthetics and further developed by D'Alembert's research on epistemology. A singular musician character emerges on the occasion of his first exchange with the Encyclopedists in 1749, when Rameau was preparing the Mémoire that triggered a range of important arguments. Rameau's musical intellectuality stands at the heart of his theoretical peregrinations and raises at the same time as worrying musical disappointments. Analyzing this original episode the second part of this work observes, on the basis of a detailed analysis, the closeness of Rameau’s principle later books; the same crisis case repeatedly forces him to revise his defence strategy and to seek new extra-theoretical resources in a critical and aesthetical field that considers history and metaphysics. His late writings evidence an intense branching-out that reveal a new type of musical re¬: searcher intended to refer to philosophy of the time, who plays a major role in Rameau's Nephew
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Pfeiffer, Anne Claire. "La vie musicale dans les lieux de cultes à Strasbourg au XVIIIe siècle." Thesis, Université de Lorraine, 2014. http://www.theses.fr/2014LORR0364.
Abstract:
La vie culturelle a toujours laissé entrevoir de riches heures dans le paysage musical alsacien. L’ouvrage de Jean-Luc Gester La musique religieuse en Alsace au XVIIe siècle, donne les bases d’une histoire de la musique sur le plan religieux, mais également la diffusion et la réception de la musique italienne à Strasbourg notamment. Dès 1681, avec le récent rattachement de Strasbourg à la France, une intense activité musicale se développa et ce, tout au long du XVIIIe siècle. À cette période, certaines églises furent restituées à la religion catholique ; quant aux protestants, ils conservèrent les droits garantis par les traités de Westphalie, soit la liberté de culte et les biens qu’ils possédaient, à l’exception de la Cathédrale. La religion catholique fut alors en pleine reconstruction dans une ville à forte présence protestante. Fait unique en France, les traditions musicales des deux confessions se virent dans l’obligation de coexister. De cette réunion à la France, Strasbourg connut alors des heures de gloire avec le mariage par procuration de Louis XV et Maria Leczinska en la Cathédrale de Strasbourg en 1725, la visite de Louis XV en 1744 ou encore celle de Marie-Antoinette en 1770. D’autres événements marquèrent la ville à travers le siècle et eurent donc une incidence sur la vie musicaleThe Alsatian cultural landscape has always been marked by the region’s rich musical life. Jean-Luc Gester’s study La musique religieuse en Alsace au XVIIe siècle lays the foundations for a history of music in the religious sphere, but also of the diffusion and reception of Italian music, more particularly in Strasbourg. From 1681 onwards, with the attachment of Strasbourg to France, an intense musical activity began to develop and continued throughout the eighteenth century. At this period, a number of churches were restored to Catholic worship; nevertheless, the Protestants retained the rights guaranteed them by the Peace of Westphalia, namely freedom of worship and continued ownership of their possessions, with the exception of the cathedral. Roman Catholicism was in the process of reconstruction in a city with a strong Protestant presence. In a situation unique in France, the musical traditions of the two confessions were forced to coexist. Strasbourg was henceforth to enjoy moments of glory following its union with France, including the proxy marriage of Louis XV and Marie Leszcznska in the cathedral in 1725 and the visits of Louis XV in 1744 and Marie-Antoinette in 1770. A number of other events marked the city’s existence over the course of the century and thus also had an impact on musical life
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Dias, Correia Filipe Elsa. "Les tendances de la musique mixte en France depuis 1981." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL005.
Abstract:
La musique savante occidentale a toujours bénéficié des avancés technologiques disponibles dans chaque époque. L’influence de ceux-ci s’est révélée au niveau de la facture instrumentale ayant comme conséquence d’abord, l’élargissement du langage musical et compositionnel et, par la suite, demandant de l’instrumentiste un travail d’adaptation à des nouvelles techniques de jeu et d’interprétation. Le rapide développement technologique qui a marqué le XXe siècle, a poussé cette situation à des limites jusqu’alors inconcevables. La musique mixte, un nouveau genre qui associe la musique électroacoustique aux instruments acoustiques, y trouve son origine. Notre thèse propose une étude sur les tendances de la musique mixte en France depuis 1981. Premièrement, nous analyserons les principaux concepts inhérents au sujet ainsi que leurs problématiques. Ensuite, nous nous orienterons vers l’organisation de l’environnement social, économique, politique, culturel et musical existant en France qui a permit le développement de ce genre musical. Finalement, nous nous attacherons à l’idée de recherche musicale pour tracer les lignes principales des tendances de la musique mixte en France depuis 1981. Pour cela nous utiliserons des œuvres musicales qui sont représentatives de ce travail pluridisciplinaire qui caractérise la recherche musicaleWestern scholarly music has always benefited from the technological advancements available in each era. The influence such has proved to be, at the instrumental level, resulting initially in the broadening of the musical and compositional language and, subsequently, requiring the instrumentalist to adapt to new playing and interpretation techniques. The rapid technological development which marked the twentieth century pushed this situation to limits previously inconceivable. This is the origins of mixed music, which is a new kind of music that combining electro-acousitc music and acoustic instruments. Our thesis proposes a study on the trends of mixed music in France since 1981. First, we will analyze the main concepts inherent to the subject as well as their issues. Then, we will head towards the organization of the social, economic, political, cultural and musical environment existing in France which allowed the development of this musical genre. Lastly, we will focus on the idea of musical research to trace the main lines of mixed music trends in France since 1981. To do so, we will use musical works that are representative of this multidisciplinary work wich characterizing musical research
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Marty, Laurent. "1805, la création de Don Giovanni à Paris." Paris 12, 2003. http://www.theses.fr/2003PA120007.
Abstract:
La première représentation à l’Opéra de Paris du Don Giovanni de Mozart fut l’un des événements marquants de la saison 1805, car c’était la première fois qu’une oeuvre véritablement intégrale du compositeur était jouée en France. Après l’étude du contexte musical et esthétique de l’époque, cette thèse retrace l’historique de cette création, avec de nombreux documents et extraits de correspondance montrant les nombreuses réticences de l’administration et la peur des chanteurs. L’étude détaillée du livret et de la partition de la version française, en comparaison avec l’oeuvre de Mozart et Da Ponte, révèle les très nombreuses différences entre original et adaptation et permet de mieux comprendre l’esthétique musicale française du temps. Enfin, l’étude de la réception de l’oeuvre au travers de la presse française et étrangère met en évidence les réticences du public français au style de Mozart et plus généralement à la musique allemande, vus comme une atteinte au “bon goût” classiqueFirst performance of Mozart’s Don Giovanni at the the Opera de Paris was one of the outstanding events of 1 805 season, because it was the flrst time that a truly coniplete work by this composer was played in France. After studying musical and aesthetic context of the tirne. This thesis recalls the history of this creation, with many documents and extracts of correspondence showing administration’s reserves and singers’ fear. The detailed study of French version booklet and score, in comparison with work by Mozart and Da Ponte. Reveals the very many differences between original and adaptation and makes it possible to understand better French musical aesthetics oftime. Lastly, study ofreception ofwork through French and foreign press highlights reluctance of French audience to Mozart’s style, and more generally to German music, seen to be an attack on classical “good taste’
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Montagnier, Jean-Paul. "Charles-Hubert Gervais (1671-1744) : l'homme et son œuvre religieux." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040359.
Abstract:
Charles-Hubert Gervais (1671-1744) fut surintendant de la musique du duc Philippe II d'Orléans et sous-maitre de la musique à la Chapelle Royale de Louis XV, aux côtés de Michel-Richard de Lalande, Nicolas Bernier et André Campra. Malgré ces deux prestigieuses situations (qui laissent suspecter l'importance de ce musicien dans l'histoire de la musique baroque française), aucune étude n'a été consacrée à sa vie et à son œuvre religieux. Gervais fit ses débuts au Palais-Royal où Philippe d'Orléans, un musicien amateur, protégeait l'art italien. Ce mécène influença non seulement la carrière du musicien, mais aussi l'histoire de la musique française. Tout en étant à son service (1671-1722), Gervais écrivit plusieurs opéras, dont Hypermnestre (1716), qui remporta un très grand succès, et un opéra-ballet. Sa nomination à la Chapelle Royale (en janvier 1722) marque un tournant dans sa carrière : son attention se tourna vers le répertoire sacré. Durant les 21 années suivantes, sa production fut fonction du gout de la cour et du cérémonial nécessaire à la grandeur de la monarchie. Cette première partie biographique s'achève par un portait de Gervais et de ses rapports avec les autres compositeurs. La seconde partie analyse l'œuvre religieux. Le grand motet était le genre musical le plus important à la Chapelle Royale. La production de Gervais est abondante (42 grands motets). Pour la première fois, les sources sont examinées, une chronologie est établie, et les supports littéraires sont identifiés dans leur contexte esthétique et théoriqueCharles-Hubert Gervais (1671-1744) was surintendant of the music of duke Philippe II d'Orléans, and sous-maitre de musique of Louis XV's Chapelle Royale, along with Michel-Richard de Lalande, Nicolas Bernier and André Campra. Despite these two prestigious positions (which naturally lead one to suspect that his role in the history of French baroque music is particularly interesting), no studies have yet been devoted to his life and sacred music. Gervais made his musical debut at the Palais-Royal where the Italianate art was patronized by Philippe II d'Orléans, an ardent musical amateur and patron of the arts, who influenced not only the composer's career but more generally French musical history. While in his service (1671-1722), Gervais wrote several operas and an opera-ballet; Hypermnestre (1716) proved the most successful. His appointment as sous-maître in the Chapelle Royale of Louis XV (in January 1723) was a turning point: his attention shifted to sacred repertoires, as the position demanded. For the next 21 years, his output reflected the tastes of the court and fulfilled requirements for ceremonial music necessary to the grandeur of the monarchy. Finally, part I attempts to draw a picture of Gervais’s personality and relationship to other composers. Part II is devoted to an analysis of his church music. The grand motet was the most important genre at the Chapelle Royale. Gervais's contributions are significant and representative of his craftsmanship
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Bonin-Livet, Déborah. "Salomé dans la France musicale au début du XXe siècle. Approche comparative de La Tragédie de Salomé de Florent Schmitt et de Salomé d’Antoine Mariotte." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040019.
Abstract:
L’histoire biblique de Salomé est un vaste sujet qui passionne artistes et écrivains depuis longtemps. En musique, il semble toutefois plus présent au début du XXe siècle. L’œuvre testamentaire sur le sujet demeure encore aujourd’hui l’opéra de Richard Strauss, créé à Dresde en 1905. Pourtant, maints compositeurs vont également traiter la légende qui met en cause Salomé à la même époque, dont notamment Florent Schmitt, avec son ballet La Tragédie de Salomé et Antoine Mariotte qui s’inspirera, tout comme Strauss, de la pièce théâtrale éponyme d’Oscar Wilde pour écrire son opéra.Considérant la date de création de l’œuvre de Mariotte (1908) et l’existence du ballet de Schmitt composé en 1907, notre objectif est de comprendre pourquoi ces deux compositeurs se sont intéressés quasi simultanément en France à ce même sujet. Pour cela, nous nous concentrerons sur les rapports d’ordres historique, social, esthétique et musical qui uniront Salomé au symbolisme, avant d’orienter notre travail vers d’autres tendances de cette époque, comme l’orientalisme voire l’aspect psychanalytique du sujet, ainsi que vers l’étude des créations et des grandes représentations de l’œuvre.À travers cette approche comparative de La Tragédie de Salomé de Florent Schmitt et de la Salomé d’Antoine Mariotte, suivant leur conception, leur organisation et leur réception, nous pourrons conclure, outre la fascination, à la puissante représentativité de ce sujet dans la France musicale du début du XXe siècleThe biblical story of Salome is a vast subject that has inspired artists and writers alike for years. In music however, the story was evoked the most at the beginning of the twentieth century. To this day, the work of reference on the subject remains Richard Strauss’s opera composed in Dresden in 1905. And yet, numerous composers of the same era were to use the legend of Salome, namely Florent Schmitt with his ballet ‘The Tragedy of Salome’ and Antoine Mariotte. The latter, like Richard Strauss, sought inspiration for his opera from the play of the same name by Oscar Wilde.Bearing in mind the date of conception of Mariotte’s work (1908) and the existence of Schmitt’s ballet composed in 1907, our aim is to understand why these two composers, both in France, became interested in the same subject at practically the same time. To this end, we will concentrate on historical, social, artistic and musical accounts that link Salome to symbolism. Our work will then explore other trends of the time, such as orientalism and even the psychoanalytical nature of the subject. The final part of our study will deal with the premières and major performances of the work. Through this comparative study of the conception, organisation and reception of ‘The Tragedy of Salome’ by Florent Schmitt and of ‘Salome’ by Antoine Mariotte, we can not only conclude that the subject was a source of great fascination, but also that it had a strong influence on music in France at the beginning of the twentieth century
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Cohen, Bezerra Letierce Claudia. "Le violon dans les œuvres orchestrales de Maurice Ravel : Les techniques orchestrales et instrumentales au service de l’expression musicale." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=http://theses.paris-sorbonne.fr/2020SORUL041.pdf.
Abstract:
Ce travail de thèse propose une analyse des techniques instrumentales et orchestrales liées au violon dans treize partitions de Maurice Ravel. Dans le cadre de l’orchestre symphonique, sont ainsi présentées diverses observations concernant le traitement de cet instrument ainsi qu’une approche comparative de ses modes de jeu dans les œuvres de ce compositeur. Ces observations conduisent à une réflexion sur la façon dont les nombreuses possibilités violonistiques sont mises au service de la constitution d’un style et de modes d’expression caractéristiques, notamment à travers le timbre et une couleur instrumentale spécifiques. En exposant les techniques et les possibilités expressives du violon, cette étude contribue à mettre en lumière l’importance de cet instrument dans le domaine de l’orchestration du début du XXe siècle, à travers l’écriture ravélienne, ses constances, son évolution, ses innovations et sa postéritéThis thesis proposes an analysis of instrumental and orchestral techniques related to violin in thirteen Maurice Ravel's scores. In the framework of the symphony orchestra, various observations are presented on the treatment of this instrument as well as a comparative approach of its modes of play in the works of this composer. These observations lead us to reflect on the way in which the numerous violinist possibilities are put at the service of the constitution of a style and of characteristic modes of expression, particularly through the specific timbre and instrumental color. By exposing the techniques and the expressive possibilities of the violin, this study contributes to highlight the importance of this instrument in the field of the orchestration of the beginning of the 20th century, through the Ravelian writing, its constancies, its evolution, his innovations and his posterity
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Collin, Florence. "Le parallélisme de la musique et des arts plastiques dans les écrits de Francis Poulenc : une approche originale de la conception et de la perception musicale." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040141.
Abstract:
En tant que compositeur, interprète, critique musical et auditeur, Francis Poulenc (1899-1963) a produit un corpus important d'écrits, d'entretiens et d'émissions radiophoniques, dans lesquels il a évoqué de nombreux parallèles entre la musique et les arts plastiques. La première partie de cette thèse propose une étude des correspondances entre les œuvres des compositeurs cités par Poulenc et les réalisations plastiques qu'il met en abyme. Ce même travail, concernant ses propres compositions, constitue la deuxième partie. Enfin, la troisième partie aborde les œuvres picturales de créateurs inspirés par Poulenc. Après l'étude des différents niveaux de convergence entre les œuvres citées, nous avons tenté de déterminer en quoi les parallèles évoqués par le compositeur permettent de mieux expliciter ses préoccupations esthétiques liées à la conception et à la perception des œuvres musicalesAs composer, interpreter, musical critic and listener, Francis Poulenc (1899-1963) produced lots of writings, interviews and broadcastings, in which he evoqued many parallels between music and fine arts. The first part of this work studies connects between composers' works and fine arts works Poulenc has mentionned. The same study, with his own compositions, constitutes the second part. In the third part, we study pictural works from artists inspired by the composer. After these connects, we tempted to find why the parallels evoqued by Poulenc allow to show his esthetics cares about conception and perception of musical works
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Iordanou, Charis. "La théorie de la basse fondamentale en France. Étude de sa diffusion et de sa didactisation au XVIIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040012/document.
Abstract:
L’objet de cette thèse est d’étudier l’intégration, la didactisation et la modification de la théorie ramiste, de son statut et de sa finalité dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle en France, à travers les ouvrages didactiques sur l’écriture musicale. Elle vise à comprendre et à expliquer, d’une part, le remplacement des ouvrages théoriques de Rameau par des ouvrages de ses interprètes et, d’autre part, le rejet de la théorie de la basse fondamentale au début du XIXe siècle. La première partie de la thèse présente l’œuvre théorique de Rameau, la réception, l’interprétation et la propagation de son système par ses contemporains. Dans une deuxième partie, la pratique des partisans ramistes est située dans son contexte (scientifique, socio culturel, éducatif, philosophique et didactique), pour examiner la démarche de ces auteurs, esquisser une typologie de leurs ouvrages et déterminer la place qu’ils occupent dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle. Enfin, la troisième partie, consacrée à l’analyse des ouvrages didactiques, cherche à faire émerger le rôle de ces médiateurs dans le devenir paradoxal de la théorie ramiste et à dégager les transformations théoriques et didactiques de cette théorie ainsi que les facteurs influençant positivement ou négativement son interprétation et sa diffusionThis work is concerned with the analysis of the integration, didactisation and modification of Rameau’s theory, as well as of its status and definiteness in the second half of the XVIIIth century in France, via the study of the didactic treatises on music. This thesis aims in understanding and explaining, first, the substitution of the theoretical works of Rameau by the studies of its interpreters, and second, the rejection of the fundamental bass theory in the beginning of the XIXth century. More specifically, the first part of the thesis presents the theoretical work of Rameau, in particular, the reception, interpretation and transmission of his system by his contemporaries. In the second part of the thesis, the practice of Rameau’s supporters is put into context (scientific, socio-cultural, educational, philosophical and didactic), in order to investigate the reasoning of these authors, to outline the typology of their treatises and to determine the significance of their work in the second half of the XVIIIth century. Finally, the third part of this thesis deals with the analysis of the didactic works on music and attempts to bring out the role of Rameau propagators to the paradoxical fate of Rameau’s theory in order to remove its theoretical and didactic transformations as well as to reveal and eliminate the positive or negative influential factors of its interpretation and diffusion
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Ji, Eun Min. "Echanges culturels dans une économie mondialisée. La réception du spectacle de langue française en Corée, 1960-2012." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030036.
Abstract:
L’histoire des relations culturelles internationales à travers l’étude des circulations et des transferts culturels, dans un contexte de mondialisation, est un sujet de plus en plus fréquent. Nous comprenons alors que l’action dans le domaine culturel correspond à l’intérêt que portent les États et les nations à faire connaître leur réalité sociale, politique, économique, scientifique et technique, afin de mieux échanger leurs réalisations. Dans le contexte particulier de la Corée du XXe siècle, les spectacles en langue française sont davantage perçus pour leur approche académique. Si ces derniers sont compris comme des œuvres savantes, mais aussi critiques et politiques, les spectacles coréens se focalisent davantage sur leur popularité auprès du grand public. En revanche, la comédie musicale de langue française, déjà présente sur le sol coréen mais qui jusqu’alors était perçue pour son approche académique, investit désormais le champ du divertissement populaire. Nous pouvons relever les principaux facteurs contribuant à ce succès au travers d’une approche esthétique et une méthodologie propre au marketing. Dans un contexte de circulation internationale des produits culturels, le plus important est de saisir dans quelles mesures cette culture peut s’adapter et influencer le développement d’une autre culture. Notre étude consacrée à la réception de la comédie musicale de langue française en Corée devrait constituer un moyen de révéler les points de convergences ou de différences entre deux cultures radicalement éloignées, géographiquement, certes, mais aussi sur le plan historique, social ou généalogique. Notre analyse du rôle de la mondialisation repose sur la réception d’une culture sur un terrain étranger afin d’évaluer les influences réciproques que se portent ces deux culturesThe history of cultural relations in the international arena, carried out through circulations andtransfers, has come to be a subject emerging more and more frequently in the context of globalization. It hasbecome apparent that actions of interchange in and from cultural domains respond to the states’ interestwhile countries allows others to acknowledge their social, political, economic, scientific and technical reality,in order for their realizations to be exchanged better. As for the context of Korea in the midst of its 20thcentury development, performances in French have been well perceived mainly through their academicapproach. They tend to be understood as technical, as well as critical and political maneuvers, whereasKorean performing arts exhibit the tendency of focusing on gaining popularity from a large public. On theother hand, musical theatre in French, readily present in Korean stages but perceived predominantly in thelight of academic approach, is starting to shift to the popular entertainment realm. Some of the principalfactors to its success can be studied through an aesthetic approach and methods oriented on marketing. Interms of international flow of cultural products, with the recognition of globalized economies, the essentialquestion is to grasp to what extent one culture can be assimilated into and influence the development ofanother. The efforts directed towards the Korean reception of musical theatre in French will have to give riseto a system in which the point of convergence or the differences between two radically distinct cultures notonly in geographical, but also in historical, social and genealogic respect should be duly noted. Our analysisof the role of the process of globalization lies on the inflow of one culture into a foreign territory, with thereciprocal influences arising from the relationship between the two
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D'Eredità, Raffaele. "Le dernier Massenet : Esthétique dramaturgique et analyse musicale des oeuvres ultimes du compositeur." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040048.
Abstract:
L’étude des derniers travaux de Jules Massenet (1842-1912), conçus pendant les cinq dernières années de savie, dans le contexte artistique et philosophique de la Belle-Époque, veut mettre en évidence les traces d'uneévolution du langage musical du compositeur. Dans les trois sections de notre recherche nous proposons uneanalyse dramaturgique et musicale d’un corpus constitué des cinq oeuvres ultimes, dont on considère Bacchus(1909) comme un opéra de transition fondamentale dans le dernier revirement stylistique du compositeur,représenté par les deux diptyques : Don Quichotte/Panurge et Roma/Cléopâtre. En outre, à traversl’observation systématique des langages comique et tragique présents dans ces ouvrages, et une comparaisoncontinue avec la production antécédente du compositeur on propose une définition de cet extrême renouveaude l’écriture de Massenet. Une écriture qui s’avère complexe au moment de l’analyse à cause de sonextraordinaire éclectisme – un heureux équilibre entre érudition et modernité –, bien inséré dans un contextestylistique expressif et en même temps dépouillé. Notre étude – menée à travers l’analyse des manuscritsautographes et des partitions imprimées, ainsi que d’une vaste bibliographie comprenant monographies,dissertations, correspondances, articles, documents de mise en scène – couvrira différents aspects du styledernier du compositeur : conception historique et littéraire, analyse narratologique comparée des livrets,pertinence dramatique du style musical, conception mélodique, emploi des harmonies et des formes musicales,constantes et innovations dans l’orchestrationThe study of the works of Jules Massenet (1842-1912) created in the last five years of his life, during the artisticand philosophical context of the Belle-Époque, wants to highlight the traces of the evolution of musicallanguage of the composer. In the three sections of our research we propose a dramaturgical and musical analysisof a selection including five last works, which are considered Bacchus (1909) as a key transitional work in thelatest stylistic shift the composer, represented by the two diptychs: Don Quichotte/Panurge andRoma/Cléopâtre. Also, through the systematic observation of comic and tragic languages of these works andtheir continuous comparison among the composer’s antecedent production, we propose a definition of thisextreme evolution of Massenet writing. A writing that is complex to analyse because of its extraordinaryeclecticism – an effective balance between tradition and modernity – although inserted into an expressive andessential stylistic context. Our study – carried out through the analysis of original manuscripts and printedscores, as well as an extensive bibliography including monographs, essays, correspondence, articles, stagingdocuments – will cover different aspects of the composer's late style: historical design and literary narratologycomparative analysis of librettos, dramatic appropriateness of musical style, melodic design, use of harmoniesand musical forms, constants and innovations in orchestration
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Théoleyre, Malcolm. "Musique arabe, folklore de France ? : musique, politique et communautés musiciennes en contact à Alger durant la période coloniale (1862-1962)." Thesis, Paris, Institut d'études politiques, 2016. http://www.theses.fr/2016IEPP0038/document.
Abstract:
Dans cette thèse, nous tâchons de démontrer que l’histoire de la musique à Alger entre les années 1860 et l’indépendance ne peut se passer d’une approche en termes de rencontre et de transferts entre les expressions musicales européennes et indigènes. Spectacle vivant et lieu de rencontre, la pratique musicale a été saisie très tôt au cours du XXe siècle comme un moyen de travailler au rapprochement des communautés ; un des principes auquel ont œuvré de nombreux acteurs de la société civile, appuyés de manière croissante par les autorités publiques. Le frottement soutenu entre les différents genres musicaux a contribué à en former et à en consolider les contours, de sorte que la musique dite aujourd’hui « çan‘a » ou « andalouse » d’Alger est le produit d’un dialogue entre Européens et indigènes. Ainsi, entre 1862 et 1962, il est possible de parler de chemin « franco-musulman » parcouru par les musiques d’Algérie ; chemin qui contribue à modeler leur forme et qui révèle que la portée historique de l’indépendance dans le champ musical est aussi limitée que sa force mémorielle est démesurée, quand on considère les discours nationalistes dont les musiques d’Algérie sont aujourd’hui investies. Cependant, le cas musical algérois est peut-être plus significatif dans le champ d’une histoire culturelle de la France : il révèle – contre toute attente ? – qu’en France, le multiculturalisme n’est pas une fonction de l’impérialisme. Considérer un instant qu’Alger n’est pas foncièrement « coloniale » entre 1862 et 1962, reconnaître qu’elle a un temps partagé le destin de l’hexagone et constater qu’elle est un lieu d’application d’une politique culturelle de la diversité interroge le jacobinisme français, dont on répète pourtant à l’envie, qu’il est congénitalIn this dissertation, we seek to demonstrate that the history of music in Algiers from the 1860s to independence must be apprehended in terms of meeting and transfers between European and indigenous musical expressions. Characterized by live performance and being a point of contact, musical practice has been understood, as early as the beginning of the 20th century, as a means to create and tighten ties between communities; a purpose to which many actors of civil society have worked, increasingly supported by public authorities. Rubbed together, the different musical genres were modelled and consolidated, so that the Algiers’s so-called “Andalusian” musical tradition was, in fact, shaped by the dialogue between Europeans and indigenes. Thus, from 1862 to 1962, one can speak of Algerian music’s “franco-muslim” path; a path which reveals that the historical significance of Algerian independence in the field of music is as limited as its memorial weight is overwhelming in contemporary nationalist narratives on Algerian music. However, the Algiers musical case might be more telling from a cultural history of modern France point of view: it shows – surprisingly? – that in France, multiculturalism is not tied to imperialism. If one considers for a moment that Algiers, from 1862 to 1962, is not fundamentally “colonial”, admits that it has for a time shared a common destiny with the hexagone, and yields to the fact that it hosted a genuine cultural policy aimed at the promotion of diversity, one is led to wonder if Jacobinism, as is often said, is consubstantial to France
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Rollin, Vincent. "Rendre les derniers devoirs en musique : Rituels, chants et pompe musicale des cérémonies funèbres catholiques à Paris sous le régime concordataire." Thesis, Saint-Etienne, 2015. http://www.theses.fr/2015STET2210/document.
Abstract:
Cette étude vise à mettre en lumière les ressorts, pratiques et répertoires propres à l’usage des chants et de la musique au cours des convois et messes funèbres catholiques à Paris sous le régime concordataire (1802-1905). La solennisation cantorale et musicale de, ajoutée à et pendant la messe des morts (plain-chant, faux-bourdon, contre-point, musique figurée) est tout d’abord analysée au prisme de ses cadres d’organisation et de production : d’une part, les textes et rubriques relatifs aux rituels, cérémonies, prières et chants inscrits dans les livres de l’Église, suivant le rite romain ou le rite propre de Paris ; d’autre part, la législation, l’économie et l’administration de la messe funèbre tarifée suivant les barèmes officiels des pompes funèbres et le casuel paroissial, gradués par classes de convois. La fabrique de la pompe musicale extraordinaire est ensuite étudiée à travers l’analyse de quatre cas particuliers : la participation des militaires in et ex ecclesia, par le truchement des honneurs rendus par les troupes et de la mobilisation de musiques militaires ; les convois et célébrations funèbres à caractère officiel et national, de par leur financement, leur dimension symbolique et les lieux qu’elles investissent, voire les répertoires officiels qu’elles convoquent ou commandent ; les deuils de la communauté des gens de musique et de théâtre, impliquant non seulement une mobilisation spontanée et bénévole des musiciens, des choix singuliers quant aux œuvres exécutées, mais aussi un discours funèbre et honorifique produit par la musique mêmeThis thesis studies the motivations, practices and repertories of chant and music used in catholic funeral ceremonies at Paris under the Concordat (1802-1905). The singing and musical solemnization of, added to and during the Mass of the Dead (plain chant, false bourdon, counterpoint, music) is analyzed for its scopes of organization and production : on the one hand the texts and rubrics of the rituals, ceremonies, prayers and chants of the liturgical books (roman and parisian rites) ; on the other hand the legislation, economy and administration of the funeral mass the official fees regulation of “pompes funèbres” fees and parishes. Then the making of the extraordinary musical “pompe” is studied by means of four particular cases : the involvement of the soldiers in and ex ecclesia (military honours and music) ; official and national funeral ceremonies, with their financing, symbolic system, places and official musical repertories ; the mournings of the musical community, involving not only a voluntary summoning up of musicians, singular choices for the musical program, but also a funeral discourse through music
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Fryberger, Annelies. "De l'évaluation en musique contemporaine en France et aux Etats-Unis : jurys de pairs, commandes d'œuvres et médias sociaux." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0110.
Abstract:
Cette thèse porte sur l'évaluation de la musique contemporaine, telle qu'elle est pratiquée d'après le principe d'une évaluation par les pairs, en distinguant trois moments : lors des comités de sélection pour des bourses et des commandes, lors de l'interaction commanditaire-compositeur, et à l'occasion des prises de position des compositeurs dans les médias sociaux. Nos recherches portent principalement sur deux organismes de financement, New Music USA, aux Etats-Unis, et les commandes d'État du Ministère de la Culture et de la Communication en France. La comparaison franco-américaine de l'évaluation fait voir des approches contrastées de l'évaluation par les pairs, ce qui a de nombreuses conséquences : des systèmes de vote différents, une catégorisation différente des sous-genres de la musique contemporaine, et une vision opposée du rôle du compositeur dans la société. Si les jugements sur les arts contemporains peuvent être dits incertains (Menger 2009), ce travail montre que l'incertitude est le résultat d'une indifférence à l'égard de certaines œuvres ou personnes se trouvant le plus souvent au milieu d'un classement, plutôt que de doutes fondamentaux quant à leur qualité. Dans le cadre d'une commande, les évaluations croisées du compositeur et du commanditaire ont un impact profond sur l'œuvre, ce qui va à l'encontre de la vision du compositeur autodéterminé, fréquente surtout dans le contexte français. Tous ces « moments de valuation » (Antal et al. 2015), y compris les informels, sont pour les acteurs des occasions de prendre position, ce qui aide le compositeur à élaborer et à imposer un cadre interprétatif favorable pour son travail créateurPeers are responsible for evaluating contemporary music, or new music as it is often called in the American context. This dissertation looks at this evaluation at three distinct moments: during evaluation committees appointed to select composers for commissions or grants, in the commissioner-composer relationship, and in position-takings by composers in social media. This research is based primarily on fieldwork with two funding bodies for contemporary music: New Music USA in the United States and public subsidies distributed directly to composers by the Ministry for Culture in France. This Franco-American comparison of evaluative practices reveals contrasting understandings of peer review, which has a number of effects: different voting systems, divergent ways of categorizing the different sub-genres of contemporary music, and distinct views of the role of the composer in society. Judgment in the contemporary arts is often qualified as uncertain (Menger 2009), but the present research shows that this uncertainty is the result of indifference toward certain works or people - often found in the middle of ranked lists - rather than fundamental doubts regarding their quality. In the case of a commission, the bi-directional evaluation conducted by the composer and the commissioner has a profound impact on the work produced, which goes against the vision of the self-determined composer (more present in France than in the US). These different moments of valuation (Antal etal. 2015), including informal ones, are opportunities for the composer to position him- or herself, which helps him/her formulate or impose an interpretative framework favorable to his/her creative work
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Aubert, Eduardo Henrik. "Ecrire, chanter, agir : les graduels et missels notes en notation aquitaine avant 1100." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0078.
Abstract:
Cette thèse s'occupe des Graduels et Missels notés dans le Sud de la France entre le IXe et le XIe siècle. Son centre d'intérêt est la transformation dans la culture musicale écrite entre la Renaissance carolingienne et la réforme grégorienne (vers 880-vers 1090). Mon argument est que la transformation d'une modalité de transmission exclusivement orale à l'usage généralisé des livres notés n'a pas été un développement inexorable limité à un champ indépendant de la « musique », mais un indice et un agent dans la transformation radicale qui conduisit la société à devenir progressivement dominée par des structures ecclésiastiques hiérarchiques, bien définies et efficaces -partie du processus de la création de la chrétienté comme un « cadre de vie » structurant l'ensemble de la société. Cette thèse se déroule en deux parties. Dans la premières, je définis la nature de cette culture musicale écrite dans son rapport aux pratiques musicales en présentant en catalogue raisonné des sources (chapitre 1), une étude sémiologique de leur notation (chapitre 2) ainsi qu'une analyse des variantes musicales (chapitre 3). La seconde partie étudie des manuscrits spécifiques qui peuvent être explorés comme des points d'éclairage sur des contextes particulièrement importants: les fonctions de la notation dans le plus ancien Graduel-Antiphonaire conservé du Sud de la France (manuscrit Albi, Bibliothèque Municipale, 44, chapitre 4), la négociation faite par un scribe entre sa maîtrise limitée de l'écriture et son expérience fondamentalement orale (manuscrit Florence, Biblioteca Medicea-Laurenziana, Ashburnham 62, chapitre 6) et l'essai d'introduire la réforme de l'Église à Toulouse (manuscrit Londres, British Library, Harley 4951, chapitre 6)My dissertation concems the GraduaIs and Missals written in Southem France between the ninth and the eleventh centuries. Its main focus is the transformation in musical literacy from the Carolingian Renaissance to the Gregorian Reform (c. 880-c. 1090). My contention is that the leap from exclusively oral transmission to the widespread use of notated books was not an inexorable development limited to an independent realm of 'music' , but rather an index and an active agent in the radical transformation that led society to become progressively dominated by hierarchical, well defined and efficient ecclesiastical structures -part of the creation of Christendom as an over arching, all-encompassing 'cadre de vie'. The dissertation proceeds in two parts. In the first, I define the nature of this musical literacy in relation to musical practices by providing a comprehensive catalogue of sources (chapter 1), a semiological study of their notation (chapter 2) and an analysis of musical variants (chapter 3). The second part deals specific manuscripts that can explored as windows relevant contexts: the functions notation the oldest extant Gradual-Antiphonary Southern France (MS Bibliothèque Municipale, 44, chapter a scribe' s negotiation between literacy and predominantly oral experience Florence, Biblioteca Medicea-Laurenziana, Ashburnham chapter and the attempt to introduce Church reform in Toulouse London, British Library, Harley 4951, chapter 6)
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Fautereau, Vassel Émilie de. "Émergence de la figure historique de Claude Debussy dans la presse et la littérature de son temps." Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2024. https://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=https://theses-intra.sorbonne-universite.fr/2024SORUL005.pdf.
Abstract:
Pour mettre en évidence l'importance du rôle de la critique dans la constitution de la figure historique de Debussy, il pourrait suffire de remarquer que sa carrière, qui commence vers 1884 et s'achève à sa mort en 1918, se superpose précisément à la période durant laquelle la presse française connaît son âge d'or. Mais ses conceptions musicales révolutionnaires ont en outre provoqué analyses et débats en nombre, dans un contexte parfois polémique. Et la création de Pelléas et Mélisande entraîna, en 1902, ce que l'on peut appeler la controverse critique du siècle. Notre projet de recherche a consisté à réunir des articles critiques assez nombreux pour que, de la confrontation des textes, puisse émerger la représentation la plus fidèle possible de Debussy tel que son époque le percevait. Nos annexes présentent ainsi quelque 800 extraits transcrits et classés. Le discours sur Debussy évolue, mais présente des constantes ; par exemple, les critiques en appellent souvent à des catégories issues de la peinture (impressionnisme) ou de la littérature (symbolisme) pour tenter — sans réel succès — d'agréger à des mouvements connus les œuvres d'un compositeur féru d'arts picturaux et de poésie. Un autre aspect se dégage du corpus : sa remarquable richesse formelle. Invention lexicale et rhétorique, pastiche, caricature, apologues, portraits… Si le littéraire envahit le champ critique, la critique, l'œuvre et le compositeur sont intégrés dans le champ littéraire, devenant objets de fiction. Des portraits et extraits fictionnels sont venus compléter le corpus, éclairant la façon dont la littérature a pu influer sur l'inscription de la figure du compositeur dans notre mémoire collectiveTo highlight the role of critics in the constitution of the historical figure of Claude Debussy, it could suffice to note that his career, which starts around 1884 and ends at his death in 1918, precisely overlaps the golden age of the French press. Though, his revolutionary musical conceptions also generated numerous analysis and debates, in a sometimes controversial context. And the première of Pelléas et Mélisande spurred, in 1902, what we may call the critical controversy of the century. Our research project aimed to gather critical articles in sufficient numbers so that, through the confrontation of the texts, could emerge the most faithful representation of Debussy, such as his time perceived him. Our appendixes present near 800 excerpts, transcribed and sorted. The discourse on Debussy evolves, but does present some constants; for example, critics often call upon categories coming from painting (impressionism) or literature (symbolism) in order to attempt — with little actual success — to categorize among familiar movements the works of a composer, keen on pictorial arts and poetry. Another dimension emerges from the corpus: its remarkable formal richness. Lexical and rhetorical invention, pastiche, caricature, apologues, portraits… As the literary spills into the field of the critic, the works and the composer are conversely integrated in the literary field, and become fictional matter. Portraits and novel extracts have completed the corpus, shedding light on the way literature has contributed to the imprint of the figure of the composer in our collective memory
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Peslerbes, Céline. "La musique française à Londres sous le règne de la reine Victoria 1ère." Rennes 2, 1998. http://www.theses.fr/1998REN20024.
Abstract:
La vie musicale à Londres sous le règne de Victoria est intense. Attires par la présence de la souveraine, les fastes de la saison et des avantages financiers, beaucoup d'artistes se produisent dans les nombreuses salles de spectacle du West End. Parmi eux figurent quantité de chanteurs et cantatrices italiens au début de l'ère victorienne car, en matière lyrique, la mode est à l'opéra italien ou, du moins, chanté en italien. La musique instrumentale est surtout allemande et l'oratorio est très apprécié dans la vie musicale anglaise. Dans ce paysage musical, peu encouragée par un establishment qui perpétue des traditions dans une société régie par des principes conservateurs, la musique française tient une place plutôt modeste. A Covent Garden, le Royal Italian Opera, les oeuvres françaises de Meyerbeer - et des autres compositeurs - subissent l'épreuve de la traduction avec les inconvénients que cela comporte, et notamment le danger de certaines modifications. Vers la fin du règne de Victoria, l'italianisme régresse en raison d'une évolution sociale et politique, ce qui permet l'introduction de nouveautés dans les répertoires. Ces changements sont d'autant plus faciles à réaliser que bien des membres de la classe dirigeante, désormais souvent d'origine allemande et non plus italienne, sont favorables aux idées nouvelles. En outre, un renouveau musical a lieu en France et de plus en plus d'artistes et compositeurs français se produisent à Londres. Ils favorisent la pénétration de la musique française, sont ses meilleurs ambassadeurs au niveau lyrique, instrumental ou choral. Bientôt, il n'est pas rare d'entendre un concerto de Saint-Saens, une mélodie de Massenet, une symphonie de Berlioz, Carmen de Bizet et surtout Faust, de Gounod, a l'affiche a Covent Garden chaque saison depuis 1863, date de sa création londonienne. C'est aussi grâce à ses oratorios que le maître acquiert une place de choix dans le coeur du public. . . Et de la reine Victoria elle-mêmeMusical life in London in the reign of queen Victoria was important. Attracted by the sovereign's presence, the splendours of the season and financial advantages, many artists gave public performances in the great number of the west end theatres. During the start of her reign there were a lot of Italian singers amongst them because Italian opera - or at least opera sung in Italian - was fashionable. Instrumental music was mostly German and oratorio was very well appreciated in England. In this musical background, not very encouraged by the establishment which carried on traditions in a society governed by conservative principles, French music had quite a modest place. At Covent Garden, the royal Italian opera, French works by Meyerbeer - and the other composers - were subjected to translation with the drawbacks involved, mainly the danger of modifications. Towards the end of Queen Victoria’s reign there was a decrease in Italianism due to a political and social evolution, which made it possible to introduce changes in the repertoires. These gradual changes were all the easier to carry out as many members of the musical establishment, who now came from Germany and no longer from Italy, were in favour of new ideas. Furthermore, a musical revival took place in France and more French artists and composers appeared in London. They furthered the development of French music and were its best representatives as far as opera, instrumental and choral music are concerned. From now on it was not uncommon to hear a concerto by Saint-Saens, a melody by Massenet, a symphony by Berlioz, Bizet's Carmen and especially Gounod's Faust, running at Covent Garden each season since 1863, when it was created in London. It is also thanks to Gounod's oratorios that he won a particular place in the audience's heart. . . And Victoria's
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Quesney, Cécile. "Compositeurs français à l’heure allemande (1940-1944) : le cas de Marcel Delannoy." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040029.
Abstract:
Si la vie musicale en France sous l’Occupation est aujourd’hui un champ de recherche bien balisé, le parcours de l’un des compositeurs majeurs de cette période, Marcel Delannoy (1898-1962), n’a encore fait l’objet d’aucune étude approfondie. Appuyé sur un large éventail de sources, dont le riche fonds Delannoy conservé à la BnF, ce travail vise à combler cette lacune en situant Delannoy dans le contexte plus large d’une génération particulièrement exposée sous Vichy. Dans ce contexte coercitif mais favorable à la création musicale, plusieurs compositeurs de cette génération (notamment Poulenc et Honegger) sont en effet impliqués dans diverses activités qui révèlent leurs engagements et leur degré d’accommodation face à la situation d’Occupation. Pour rendre compte des activités de Delannoy sous Vichy, il s’est avéré nécessaire d’élargir la périodisation. D’abord parce que son principal projet et succès de la période, Ginevra, un opéra créé en 1942 à l’Opéra-Comique, est le fruit d’une commande d’État de 1938. Et plus généralement parce que ses choix musicaux et extra-musicaux, comme ceux de ses contemporains, ne peuvent être compris dans le seul contexte des 4 années d’OccupationAlthough the French musical life during the Occupation is now a familiar field of research, no detailed study has been made of Marcel Delannoy (1898-1962), one of the most important composers of the period. Supported by a wide range of sources, including the large collection of Delannoy’s papers conserved at the BnF, the present work aims to fill this gap by situating Delannoy in the larger context of a generation of musicians that were especially visible during the Vichy years. In this context, both coercive and favorable to musical creation, several composers (notably Poulenc and Honegger) were indeed involved in a number of activities that reveal their commitments and the degree of adaptation in the face of the Occupation. To account for Delannoy’s activities under Vichy, it was necessary to extend the period under study: his principal project and success of the period, Ginevra (an opera premiered in 1942 at the Opéra-Comique), was the result of a 1938 State commission; more generally, his musical and extra-musical choices, much like those of his contemporaries, cannot be understood if they are restricted to the four years of the Occupation
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Robert, Alexandre. "Une approche sociomusicologique de la création musicale : la pratique de la composition pianistique de Déodat de Séverac." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040165.
Abstract:
Comment Déodat de Séverac élabore-t-il ses œuvres pianistiques ? L’enjeu de cette thèse est de comprendre et d’expliquer les manières singulières que ce compositeur a d’écrire pour le piano au prisme des diverses dispositions (c’est-à-dire des diverses tendances à agir, à penser, à sentir, etc.) forgées au sein des cadres de socialisations qu’il est amené à fréquenter au cours de sa trajectoire biographique. Afin de restituer le « faire » pianistique de Déodat de Séverac (ses dispositions, ses logiques pratiques, ses schèmes esthétiques, etc.) et ses éventuelles mutations au long de sa trajectoire, l’auteur articule trois opérations analytiques : la reconstruction des espaces sociaux et des cadres de socialisation successifs traversés par le compositeur tels que la sphère familiale, les cercles littéraires régionalistes et surtout les deux pôles antagonistes de l’avant-garde du champ musical français que sont la Schola Cantorum et la bande des « Apaches » ; l’analyse des actions et des discours du compositeur ; l’analyse musicale de l’ensemble de sa production pianistique. Cette enquête sociomusicologique repose ainsi sur un travail sur archives et sur l’exploitation de plusieurs types de sources, des divers écrits du compositeur – comme sa correspondance ou ses critiques musicales notamment – aux multiples traces musicales de ses œuvres – éditions originales des partitions, manuscrits ou esquisses – en passant par les nombreux indices de ses interactions avec ses contemporains – notamment les écrits sur Séverac et les lettres qui lui sont adresséesHow does Déodat de Séverac develop his piano works? This thesis purpose is to understand and explain the composer’s singular ways of writing for the piano through the various dispositions (that is to say the various tendencies to act, to think, to feel, etc.) forged within the frames of socialization he is led to frequent all along his trajectory. To restore the Déodat de Séverac’s “compositional doing” (his dispositions, his practical logics, his aesthetic schemes, etc.) and its possible transformations, the author articulates three analytical operations : a reconstruction of the successive frames of socialization crossed by the composer (such as the familial sphere, the regionalist literary circles, or the two opposing poles of the avant-garde of the French musical field that are the Schola Cantorum and the group of the “Apaches”) ; an analysis of the actions and the speeches of the composer ; an analysis of his whole piano production. This sociomusicological investigation is based on a work on archives and on an exploitation of several types of sources, from the writings of the composer – such as his correspondence or his music criticisms – to the various musical tracks of his works – original edited scores, manuscripts or sketches – via the numerous indications of his interactions with his contemporaries – particularly the writings on Séverac and the letters that are addressed to him
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Gaboriaud, Marie. "« Ce maître mystérieux » : la construction littéraire du mythe de Beethoven sous la Troisième République." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040159.
Abstract:
La Troisième République a « mystifié » Beethoven. Elle en a fait un personnage de fiction, et l'a intégré au canon républicain français, en le dotant de toutes les valeurs morales et idéologiques qui fondent alors la construction de l'identité nationale. Ce travail vise à mettre en lumière le corpus particulier qui a contribué à la formation de ce mythe, en partie héritier du romantisme, mais aussi éminemment moderne. La critique musicale, la biographie, le roman, le théâtre, l'édition de vulgarisation et l'édition pédagogique sur Beethoven forment un ensemble organique, qui contribue au même but : la glorification du musicien de Bonn. Son image devient alors un matériau littéraire qui va former une véritable littérature beethovénienne, ainsi qu'une poétique, marquées par les emprunts multiples à l'épopée, à l'hagiographie, au roman-feuilleton, au roman picaresque et au drame bourgeois notamment. Cet ensemble composite tend pourtant à la standardisation, dans la mesure où se figent des motifs et des récits-types. Tout ceci contribue à faire de Beethoven le « héros de la conscience moderne ». L'idéologie républicaine l'élève comme figure d'identification et d'édification morale au même titre que les « classiques », de sorte que les intellectuels de l'entre-deux-guerres feront de ce nom un outil de sauvegarde des valeurs humanistes, face à la montée des périlsThe Third Republic « mystified » Beethoven. It turned him into a fictional character, and integrated him into the French republican canon, endowing him with all the moral and ideological values that then were at the root of the construction of national identity. This work aims to highlight a specific corpus, which contributed to the creation of the myth, which partly draws on Romanticism but is also eminently modern. Music criticism, biographies, novels, drama, popularization and educational works about Beethoven constitute an organic group of works, aiming at the glorification of the musician from Bonn. His image thus becomes a literary material, and contributes to building a beethovenian literature, and a beethovenian poetics, which borrows its aesthetics in particular from the epic, hagiography, serialized novels, picaresque novels and bourgeois drama. However this heterogeneous corpus tends towards standardization insofar as the narrative patterns somehow froze as commonplaces. All this leads to Beethoven being turned into the “hero of modern consciousness”. The republican ideology raised him to the rank of an icon both for identification and moral edification, in the same way as the “classics”. To the intellectuals of the interwar period he embodied humanist values and was a symbolic weapon against the rise of totalitarianism
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Turbé, Sophie. "Observation de trois scènes locales de musique métal en France : pratiques amateurs, réseaux et territoire." Thesis, Université de Lorraine, 2017. http://www.theses.fr/2017LORR0391/document.
Abstract:
Comment comprendre ce qui lie la passion musicale au territoire, ou en d’autres termes, ce qui articule la « scène » au « local » ? Le monde du metal constitue un objet de choix pour observer les manifestations de la passion musicale de ses amateurs au travers d’un continuum de pratiques, qui les inscrivent à la fois dans les sphères de la consommation et de la production des scènes locales. Pour attayer ce propos, il s’agit de faire l’étude ethnographique des mécanismes de coordination de la production musicale en région, en s’appuyant sur l’observation de trois scènes locales de musique metal en France. La thèse montre comment l’action collective de ces amateurs est toujours attachée à un territoire, autant qu’aux objets musicaux qui guident leurs pratiques et leurs trajectoires. L’observation des ancrages et des mobilités, à la fois des objets et des humains qui composent ces scènes, démontre ainsi que l’action collective au sein d’un territoire de proximité est toujours pris dans de multiples enchevêtrements d’échelles et de réseaux d’acteurs qui ne peuvent se réduire à l’observation d’un monde musical à huis-closA multisited ethnography of three local metal scenes in France. Amateurs practices, networks and territory. How a musical passion can be connected to the territory or, in other words, what links a musical "scene" — in the sense of a local world of art — to its location ? The world of metal inform the manifestations of the musical passion of its fans through a continuum of practices, which are the supports of the sphere of consumption and production of local metal scenes. To reach a better understanding of this local anchoring of the world of metal, we have implemented an ethnographic study of the coordination mechanisms of musical expression and production in the context of local scenes, through the observation of three local metal scenes in France. This ethnographic study shows that the collective agency of music amateurs is always attached to a territory, as well as depending of the musical objects — local and translocation — that guide their practices and their trajectories. The observation of the forms of anchoring and of the mobilities, both of objects and humans, that contribute to the production of these scenes, reminds us that music amateurs always operate within the frame of a local territory. Their collective action is always caught in an entanglements of scales and networks actors, meaning that we cannot reduce the observation of a musical world to practice operated alone and behindclosed doors
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Soret, Marie-Gabrielle. "Camille Saint-Saëns, journaliste et critique musical (1870-1921)." Thesis, Tours, 2008. http://www.theses.fr/2008TOUR2023.
Abstract:
Compositeur, pianiste et organiste, fondateur de la Société nationale de musique, Camille Saint-Saëns (1835-1921) est une personnalité essentielle de la musique française. Célèbre pour ses prises de position affirmés, Saint-Saëns s'est abondamment exprimé par voie de presse, pendant plus de cinquante années (de 1870 à 1921) sur des sujets aussi divers que l'étaient ses centres d'intérêts. Bien que certains écrits, aient été ensuite publiés sous forme de recueils, beaucoup d'autres sont tombés dans l'oubli. En traduisant les goûts, les choix esthétiques de leur auteur, ces textes révèlent aussi ceux de ses contemporains et les luttes artistiques dans lesquelles ils étaient engagés et dont Saint-Saëns se faisait bien souvent le porte-parole. Ces écrits révèlent aussi un pan de la vie de l'interprète et du compositeur - du moins ce qu'il a bien voulu livrer au public - et contribuent ainsi, à brosser un éloquent tableau de l'histoire de la musique française sous le Troisième RépubliqueComposer, pianist and organist, founder of the Société nationale de musique, Camille Saint-Saëns (1835-1921) is essential in French music. He was renowned for his forthright pronouncements, Saint-Saëns expressed his opinions profusely in newspapers and magazines (from 1870 to 1921) on topics as diverse as his range of interests. Although some of these articles were published as collections, many others have fallen into obscurity. By revealing the tastes, the aesthetic choices of their author, these texts reveals also those of his contemporaries and the artistic debates in which they were involved. They also light the hidden part of the life of the composer and contribute to enrich history of French musical life under Third Republic
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Gribenski, Fanny. "L'église comme lieu de concert : pratiques musicales et usages de l'espace ecclésial dans les paroisses parisiennes (1830-1905)." Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0131.
Abstract:
Alors que de nombreux travaux ont mis en lumière le rôle central de Paris dans la vie musicale européenne du XIXe siècle, l'histoire de certains de ses hauts lieux de musique est demeurée dans l'ombre. Reconduisant le topos d'une déchristianisation de la France de cette période, l'historiographie a eu tendance à passer systématiquement sous silence l'importance des églises dans la vie musicale parisienne du temps. Tout au long du siècle, les « fêtes musicales » organisées dans les paroisses les plus riches de la capitale, mais aussi dans des églises plus modestes, ont pourtant compté au nombre des événements importants de la saison musicale parisienne. Certains temps forts du calendrier des paroisses - principales célébrations religieuses de l'année, fêtes patronales, exercices de dévotion, prières publiques, inaugurations d'orgues, etc. - furent ainsi l'occasion d'une « musicalisation » exceptionnelle des sanctuaires. Fondées sur le recrutement de chanteurs et d'instrumentistes extérieurs aux bas-chœurs des paroisses et sur l'exécution d'ouvrages musicaux de grande ampleur, annoncées et parfois longuement commentées dans la presse, ces solennités dans lesquelles la musique occupe une place absolument essentielle - quoiqu'elle soit presque toujours articulée à une action liturgique - attirent un public formé en grande partie d'amateurs de musique. À la croisée de la musicologie, de l'histoire culturelle et religieuse, et de la sociologie de l'espace, cette thèse montre la manière dont les mutations caractéristiques de la vie musicale du XIXe siècle se sont traduites - outre par l'apparition de lieux nouveaux et spécifiquement dédiés à la musique - par la transformation des églises parisiennes en d'éphémères salles de concertWhile numerous works have highlighted the central role of Paris in nineteenth-century French musical life, the history of some of its most important musical spaces remains relatively unknown. Marked by the topos of France's secularization at this time, the historiography about the period has tended to systematically ignore the importance of churches as spaces of musical innovation and practice. Throughout the century, the « musical celebrations » organized in both the wealthiest and the poorest parishes of the city counted amongst the most important events of the musical season. Some highlights of the parishes' calendar (main religious celebrations of the year, patron-saint feasts, devotional exercises, political ceremonies, organ inaugurations. . . ) provided opportunities for an exceptional "musicalization" of the sanctuaries. Based on the hiring of musicians and singers who were not themselves members of the parishes, these events—announced and commented on at length in local periodicals—attracted crowds of music lovers, even though they were almost always articulated with a liturgical action as well. At the crossroads of musicology, cultural and religious history, and sociology of space, this study shows how the mutations characterizing nineteenth century musical life were not only carried by the creation of new urban spaces dedicated specifically to the performance of music, but were also translated through the transformation of churches into ephemeral concert halls
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Gaudin-Naslin, Christine. "Sociabilités musicales et sociabilités maçonniques en France au XIXe siècle." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1993PA040279.
Abstract:
L'histoire de la musique maçonnique est un champ d'investigation qui s'enrichit au contact de domaines plus vastes : l'histoire des sociétés musicales, l'histoire économique et sociale, l'histoire des mentalités. Dans cette perspective interdisciplinaire sont étudiés la participation des artistes aux cérémonies maçonniques, la valeur discursive des productions musicales, et les parcours sociaux des musiciens. Cette recherche nécessite la construction d'un schéma conceptuel approprié à l'analyse des corpus (notices biographiques, recensement des oeuvres, relevé et typologie des cadres festifs). Le répertoire du XIXe siècle se caractérise par une évolution thématique (autour de sujets tels que la morale, la bienfaisance, le travail. . . ), et une influence de la musique non maçonnique. Le corpus biographique témoigne de l'intégration progressive des amateurs, d'un apport substantiel des militaires, d'une concentration significative d'artistes renommés et de personnes d'influence. Les pratiques elles-mêmes montrent que la musique associe des fonctions différentes selon les aspirations et les ambitions des francsmaçonsThe history of the masonic music is a field of investigations that fortifies itself in the contact of wider sciences : the history of the music societies, the economical and social history, the history of moral attitudes. From this interdisciplinary view point are studied the contributions of the artists to the masonic ceremonies, the speech value of musical productions, and the social development of the musicians. This study leads to the building-up of a conceptual frame adapted to the analysis of information brought forward by archives, such as biographic reviews, works inventory, and facts studies. In the mineteenth century, the lodges repertory is caracterized by a thematic evolution (dealing with subjects such as morals, charities, and work), and by the influence of non masonic music. The biographic reviews reveal the progressive integration of amateurs, the substantial contribution of the military, and the meaningful concentration of famous artists and influential people. The very practices show that music takes on the different functions according to the aspirations and the ambitions of the freemasons
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Vittu, Mathilde. "Les airs de Sébastien et Charles Le Camus (1653-1708) : catalogue, édition, analyse et interprétation." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL013.
Abstract:
L’objectif principal de cette étude est de mettre à jour l’œuvre de Sébastien Le Camus († 1677), un nom derrière lequel se cache également celui de son fils, Charles Le Camus († 1717), lui-même compositeur. Les 32 airs connus du père ont été rassemblés dans un recueil d’auteur posthume publié en 1678 à l’initiative du fils. En faisant appel à la métaphore du cercle avec ce recueil au centre, nous parcourons, en périphérie, l’ensemble des sources écrites qui permettaient la diffusion du genre de l’air, sérieux et spirituel, dans la seconde moitié du XVIIe siècle et au début du XVIIIe siècle : les recueils collectifs musicaux et poétiques imprimés chez Ballard, les manuscrits conservés en France et à l’étranger, un roman – Clélie de Madeleine de Scudéry – et un périodique, le Mercure galant. Les 211 airs de Sébastien et Charles Le Camus collectés à ce jour ont été détachés de ces sources pour être maintenant rassemblés dans un catalogue (vol. 3) et dans une édition musicale moderne (vol. 4). La dynastie en miniature amène à s’interroger à la fois sur l’objet « partition » et sur la notion d’auteur, questionnée puis mise au centre de notre étude (vol. 1 et 2). En maniant finement cette notion plastique, nous offrons au musicien et au musicologue une analyse tant du contexte de création des airs que du matériau musical en tant que tel. Cette analyse, qui propose un va-et-vient entre la théorie et la pratique contemporaines de nos auteurs, amène à voir l’air comme un genre en mouvement dont la vie dépend tant de son succès dans les réseaux de sociabilité que de sa faculté à être composé, décomposé et recomposé pour s’adapter aux circonstances de son exécutionThe main goal of this study is to unveil the work of Sébastien Le Camus († 1677), behind whose name one also finds that of his son, Charles Le Camus († 1717), himself a composer. A collection of the father’s 32 known airs was published posthumously in 1678 upon the son’s initiative. By means of a metaphor, where that collection is at the centre of a circle, we navigate on the circle’s periphery through the set of written sources that allowed for diffusion of the genre of the French air, both secular and sacred, in the second half of the 17th century and at the beginning of the 18th century: The collections of airs and song-texts published by Ballard, the manuscripts kept in France and abroad, a novel – Clélie by Madeleine de Scudéry – and a periodical, the Mercure galant. The 211 airs by Sébastien and Charles Le Camus collected to date, extracted from those sources, are now gathered in a catalogue (vol.3) and in a modern music edition (vol.4). The miniature dynasty leads to explore the « score » as an object as well as the notion of author, first questioned and then set at the core of our study (vol.1 and 2). By subtle handling of that flexible notion, we offer to musicians and musicologists an analysis of both the airs’ creation context and the music material itself. This analysis, based on a constant dialogue between the theory and the practice of our authors’ time, leads to viewing the air as a dynamic genre whose life depends on its success within social milieus as much as on its ability to be composed, decomposed and recomposed according to the requirements of its performance context
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Lagarde, Benjamin. "Réunion maloya : La créolisation réunionnaise telle qu'entendue depuis sa musique traditionnelle." Thesis, Aix-Marseille, 2012. http://www.theses.fr/2012AIXM3118.
Abstract:
Le présent travail se concentre sur la documentation du maloya. En effet, il est apparu que les informations disponibles à son sujet ne remplissaient pas les attentes que l'on est en droit de formuler à l'égard d'une pratique inscrite depuis octobre 2009 sur la liste représentative du patrimoine immatériel mondial définie par l'UNESCO. Après avoir résumé les connaissances disponibles à l'égard du maloya considéré, bien que sous d'autres noms, comme la « musique des Noirs » depuis le début de la colonisation bourbonnaise, nous plongeons dans l'histoire réunionnaise des années 1960-2000. Celle-ci porte la marque de l'opposition idéologique ayant tendu à cliver les insulaires de part et d'autre de la revendication autonomiste vis-à-vis de la France. Le maloya y apparaît des plus malléables et sa contribution à la définition d'une identité réunionnaise contemporaine y est interrogée au fil d'une histoire qu'il nous donne à entendre de manière unique. À partir de notre connaissance du rôle rituel du maloya, nous proposons toutefois de renverser l'approche habituelle pour l'entendre et le penser depuis l'univers sémantique des usagers d'une musique religieuse. Dégageant une typologie des répertoires du maloya ainsi que ses différentes acceptions régionales, ce sont les tendances évolutives de ce dernier qui apparaissent dans notre analyse, démontrant ainsi son rôle dans la créolisation locale. Derrière ces usages sociaux de l'art, c'est aussi la figure du « Noir » (le « Kaf ») que l'on voit ainsi évoluer dans l'île, rappelant et son association au maloya et son caractère déterminant sur le plan culturel insulaireWhereas a reflexive chapter, focused on the progressive immersion we realised among the actors of possessions cults from afro-malagasy origins living in Reunion Island, had been primarly thought to join this thesis, the main effort consists here in the documentation of the maloya. Effectively, an overlook to what's been said of this traditionnal music requiered such a missing work attached to an element recently inscribed on the UNESCO patrimonial list. Resuming the available knowledge about the maloya, which is considered since the early moment of the colonization as the reunionese « Black music », the purpose was to reach the modern era and then underlying the importance of this esthetical practice in the definition of what could be called, under certain conditions, this « kréol identity ». The post-colonial role that played maloya during the years 1960-1970 appears newly as we emphasize his historical implications. We've also been able to relocate the common point of vue already existing of the maloya in scientifical field as well as on the public scene from the musicians and their cultual significations. Analyzing, for example, his four distincts repertories, we open to an original understanding of the past and the present of a creolized culture that had always took music as a fundement of its existence. This work makes also possible the reflexion about the place of the « Kaf » (Reunionneses of black origins) in this cultural construction, and maybe, the one of the afro-descendents and their so-called « black music » in the invention of our new globalized world
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Mathis, Thierry. "Le clavecin en France aux XVIIe et XVIIIe siècles : découvertes organologiques et nouvelles techniques de l’interprétation." Thesis, Strasbourg, 2013. http://www.theses.fr/2013STRAC011.
Abstract:
La musique française pour clavecin des XVIIe et XVIIIe siècles est-elle jouée de nos jours telle qu’elle devrait l’être ? De quelles sources disposent musicologues et musiciens pour approcher au plus près l’authentique sonorité du clavecin, la technique de son jeu, et la compréhension de son répertoire ? Cette approche nous a conduit à discerner neuf points déterminants, essentiels à la compréhension de la facture du clavecin. La mesure d’octave des claviers français de l’époque était inférieure à celle des instruments des pays voisins, et notamment inférieure à celle appliquée dans la facture de nos jours. Pour mémoire, cette mesure conditionne l’écartement entre le pouce et l’auriculaire, lequel écartement influence le jeu. Si l’écart est de moindre taille, les doigts sont plus rapprochés, et de ce fait, la main gagne en décontraction. Le jeu à la française se distingue aussi depuis ses origines par l’extrême souplesse de l’harmonisation, le peu de tension des cordes et le diapason bas (le La3 à 392 – 406 Hz). Par ailleurs, nous avons pu révéler l’existence de clavecins à trois claviers, la présence du seize pieds et du jeu nasal dans certains instruments (alsaciens notamment), et la paternité française de l’éclisse courbe en forme de « S ». Concernant les claviers, l’évolution de l’ambitus de l’instrument depuis le début du XVIIe jusqu’à la fin du XVIIIe siècle est bien connue des musicologues et des musiciens. Toutefois, aucune étude de cette évolution n’a été réalisée pour démontrer l’élargissement des claviers depuis le premier livre imprimé en 1670, les pièces de clavecin de Chambonnières, jusqu’à l’ambitus définitif des cinq octaves imposées dans les pièces de clavecin en concerts de Rameau en 1741. Notre étude s’est également étendue aux cordes, par la vérification de leur épaisseur et des matières dont elles étaient faites. Il s’avère que les facteurs de l’époque utilisaient des diamètres inférieurs à ceux des cordes actuelles, et qu’elles n’ont jamais été en cuivre dans les basses. Seul le laiton à forte teneur en cuivre était considéré comme satisfaisant pour la sonorité des cordes les plus graves. Quant aux cordes des trois cinquièmes supérieurs du clavier, elles étaient faites en fer mou qui n’avait qu’une faible tension. Il va sans dire que l’acier, employé de nos jours, était inconnu à cette époque. Enfin, il est admis aujourd’hui que le clavecin, une fois le tempérament posé, s’accorde en octaves pures, alors qu’il en était tout autrement au XVIIIe siècle, ainsi que nous l’avons établi à travers un texte de CorretteIs French harpsichord music of the 17th and 18th centuries played today as it should be ? What sources can help musicologists and musicians to reproduce the authentic harpsichord sound and playing techniques of that epoch, and understand its repertoire, as faithfully and fully as possible ? The mere fact that this music went unplayed for so long prompts that question. In fact, the harpsichord was forgotten overnight. The favoured instrument of court and fashionable society under the ancien régime, it had aristocratic associations which doomed it when the Revolution came. A century later, in June 1889, the noble, silvery sound of its plucked strings made a first, hesitant comeback, thanks to Louis Diémer. But it was only in the 20th century, between the two world wars, that Wanda Landowska’s tireless enthusiasm gave this baroque keyboard instrument a new lease of life. Interest in building “old-style” harpsichords, using traditional techniques, first developed in the late 1950s, and their popularity has grown steadily ever since. Today’s enthusiasts want to go back to the origins, and revive old ideas and techniques, but they still have a long way to go. At an earlier stage, techniques used in making pianos were extended to harpsichords - and some of these “alien” elements and additions are still present. We felt the time had come to clarify the picture by consulting certain contemporary texts, which had been unduly neglected. We found indeed that these were at odds with twentieth- century improvements, had been mistranslated or misunderstood, or were, quite simply, hard to find.Anyone wishing to form an idea of the original harpsichord sound must start with organology, and the various instruments used by French musicians in the 17th and 18th centuries offer valuable clues. X-ray examination reveals their design and shows how they were regulated (keys, jacks, plectra).Thanks to this approach, we have identified nine essential factors which illuminate the design and construction of these instruments. French manuals of the time had a narrower octave span than those of instruments made in neighbouring countries - or today. Span, of course, determines the distance between thumb and little finger, which itself affects playing. The smaller the gap, the closer the fingers, and the more relaxed the hand. From the beginning, the French sound was also distinguished by its highly flexible harmonies,low-tension strings and low pitch (A3 at 392-406 Hz.). We also found that some harpsichords had three manuals, that some (particularly Alsatian instruments) had 16 foot stops and a lute stop, and that the S-shaped bentside was a French innovation. Musicologists and musicians already know in general terms how manuals evolved from the early 17th to the late 18th century, but no specific research has been done on the process by which they became wider, between 1670, when the first book, Chambonnière’s Pièces de clavecin, was published, and 1741, when Rameau’s Pièces de clavecin en concerts made five octaves the norm.We have also studied strings, their thickness and the materials of which they were made. We have found that string diameter was smaller than it is now, and that bass strings were never made of copper. Only brass with high copper content was thought to give the deeper strings a satisfactory sound. Strings on the upper three-fifths of the manual were made of soft iron, which had little tension. Steel, which is used today, was obviously unknown.Finally, harpsichords, once their temperament is established, are today tuned in pure octaves –which, as a text by Corrette has shown us, was far from being the case in the 18th century
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Neymarck, Emmanuelle. "Maurice Ravel : une poétique de l’orchestration." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040192.
Abstract:
Orchestrateur de référence du XXe siècle, Maurice Ravel, avec la Rapsodie espagnole, Daphnis et Chloé, Ma Mère l’Oye, La Valse ou encore avec l’orchestration des Tableaux d’une exposition, ne cesse de nous égarer dans des domaines sonores inattendus. Des réductions pour piano aux enseignements reçus au Conservatoire de Paris, en passant par la lecture des traités d’instrumentation et d’orchestration, Maurice Ravel apprend, dompte et confère à son orchestre une couleur unique qui le place au rang des plus grands orchestrateurs de son temps. Réalisée à partir de quinze œuvres symphoniques du compositeur, une analyse approfondie des aspects de l’instrumentation et de l’orchestration ravélienne a mis en lumière les principaux traits stylistiques de cet orchestrateur. Mais définir la poétique orchestrale de Maurice Ravel ne se limite pas à dresser un inventaire des seuls éléments techniques : c’est également comprendre le rôle et l’impact de ses transcriptions pour orchestre sur son langage et son œuvre. Les orchestrations ravéliennes sont-elles en définitive une simple parure de la version pianistique ou un moyen de créer une œuvre nouvelle ?Maurice Ravel, a reference among the 20th century composers, has always led his audience into unexpected musical fields with works such as the Rapsodie espagnole, Daphnis et Chloé, Ma Mère l’Oye, La Valse or the orchestration of the Tableaux d’une exposition. While writing piano reductions, while studying at the Conservatoire de Paris and reading treatises on instrumentation and orchestration, Maurice Ravel learned, tamed and gave his orchestra a unique tint, the tint that has made him one of the greatest composer of his time. Based on the study of fifteen of his symphonic works, a thorough analysis of the aspects of Ravelian orchestration has highlighted his main stylistic features. However defining Ravel’s poetical orchestration cannot be restricted to a mere listing of technical elements; it is also trying to understand the role and impact of his orchestra transcriptions on his language and on his work. Are Ravelian orchestrations simply an ornament of the piano version or the creation of a new work?
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Cadalanu, Marie. "Le film musical français dans les années trenteconstitution d’un genre ?" Caen, 2016. http://www.theses.fr/2016CAEN1037.
Abstract:
Si la majorité des études consacrées au film musical comme genre se concentrent sur le paradigme hollywoodien, il existe d’autres traditions de cinéma musical souvent passées sous silence du fait de leur irréductibilité à ce modèle. Le cinéma français des années trente développe ainsi, pour des raisons à la fois historiques, culturelles et techniques, toute une production de films musicaux et chantants qui ne répondent pas aux codes du musical hollywoodien et qui sont caractérisés par une inventivité et un foisonnement remarquables. La présente étude se propose de rendre justice à la spécificité et à la diversité de cette production, par le biais d’une interrogation sur la possibilité d’une approche générique similaire à celle que la doxa critique applique au musical hollywoodien. La première partie pose les bases théoriques d’un genre du film musical français, avant de proposer une typologie des divers courants de la production cinématographique musicale nationale. La deuxième partie souligne l’importance des échanges internationaux dans les films musicaux, en particulier par le biais des versions multiples. La troisième partie se concentre sur la réception contemporaine de ces films, afin d’évaluer l’importance des critères génériques dans les divers discours, de la production, de la critique et du public. Enfin, la quatrième partie propose de dépasser le carcan générique pour aborder le foisonnement sans équivalent de films à chansons dans les années trenteWhile the vast majority of musical film critics consider only the Hollywood paradigm, there are other national traditions of musical cinema, to which critics often turn a blind eye because of incompatibility with this model. Indeed, French cinema of the thirties develops, for historical, cultural and technical reasons, a wealth of musical and singing films which do not fit with the Hollywood codes of the genre and which are characterized by outstanding inventiveness and richness. The present study aims to do justice to the specificity and the diversity of this corpus, by exploring the possibility of a generic approach analogous to that which the critical doxa applies to the Hollywood musical. The first part establishes the theoretical bases for the genre of French musical film, before offering a typology of the various trends in this national musical cinematography. The second part focuses on the importance of international exchanges in these productions, particularly through the practice of creating multiple versions. The third part focuses on the contemporary reception of these films, in order to assess the importance of a generic approach in the various discourses emanating from the production companies, critics and the public. Finally, the fourth part proposes how to go beyond the generic constraints in order to tackle to the unprecedented abundance of singing productions made during the decade
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Gross, Guillaume. "L'Organum à Notre-Dame de Paris au XIIIe siècle : étude sur les modes d'élaboration d'un genre musical." Tours, 2004. http://www.theses.fr/2004TOUR2018.
Abstract:
L'@organum a été chanté à la Cathédrale Notre-Dame de Paris à la fin du douzième siècle. L'étude montre pourquoi et comment les Tripla et les quadrupla ont été composés dans ce contexte culturel et quelles conditions ont présidé à l'élaboration de ces compositions virtuoses. Dans la seconde moitié du treizième siècle, Jean de Garlande et de l'anonyme IV évoquent des procédés d'ornementation (colores) utilisés dans les grands organa. Les auteurs réemploient le vocabulaire d'une poésie didactique contemporaine des pratiques polyphoniques parisiennes. Les arte poeticae proposent un vaste éventail de techniques ornementales et certaines relatives au phénomène de la répétition, sont utilisées dans l'organum. Ce travail montre comment les clercs utilisèrent ces procédés rhétoriques afin d'élaborer un discours musical complexe et vise à comprendre dans quelles circonstances, comment et à quelles fins, les chantres ont composé de mémoire une très haute manifestation de la parole chantéeBy the end of the 12th century, organum was sung at the cathedral of Notre-Dame of Paris. This study discusses the cultural context in which the tripla and quadrupla came to be composed and the conditions which brought into effect the elaboration of such virtuoso compositions. In the second half of the thirteenh century, the music theorists Johannes of Garlandia and Anonymous IV discuss some of the ornamental processes (colores) used in the great organa. These authors employ the vocabulary used for didactic poetry contemporary with the Parisian polyphonic practice. The artes poeticae offer a wide range of ornamental techniques and some them, relating tot the phenomenon of repetition, are used in the organum. This study shows how the clerics used these rhetorical processes to elaborate a complex musical elocution, and aims to comprehend under which circumstances and to what purpose the cantors were able to create by memory such noble manifestations of the sung word
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Hodant, Jean-Philippe. "Rhétorique et dramaturgie musicales dans l'oeuvre de Jean Guillou." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040120.
Abstract:
A travers le prisme de trois œuvres de Jean Guillou, La chapelle des abimes, Judith-symphonie, Hypérion ou la rhétorique du feu, cet essai tente de mettre en lumière l'esthétique du compositeur. Chacune des œuvres retenues présente une problématique différente liée au texte littéraire, texte latent, texte présent dans le tissu musical, texte absent ou virtuellement issu du discours musical. Ces trois cas de figures mettent à jour une rhétorique musicale comparable à un discours littéraire qui contient des gestes dramatiques stylisesThrough the prism of three of the works of Jean Guillou, La chapelle des abimes, Judith-symphonie, Hyperion ou la rhétorique du feu, these experimental pieces attempt to demonstrate and bring out the aesthetic light of the composer. Each one of the works retained presents a different problem which is related to the literary text, a latent text, a text which is present in the musical tissue, a text absent or virtually issue of the musical discourse. These three examples bring to light a musical rhetoric which is comparable with a literary discourse which contains dramatic stylized gestures
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Vaillant, Anaïs. ""La batucada des gringos" : Appropriations européennes de pratiques musicales brésiliennes." Thesis, Aix-Marseille, 2013. http://www.theses.fr/2013AIXM3109.
Abstract:
À partir de l'exemple du phénomène des batucadas en France et en Europe, cette thèse propose d'explorer des processus d'appropriations culturelles de modèles musicaux brésiliens, en particuliers ceux du samba enredo carioca, du samba- reggae bahianais et du maracatu recifense. L'ethnographie, entreprise entre 2000 et 2010, se compose de nombreux récits de vie et entretiens semi-directifs réalisés auprès d'amateurs de percussions brésiliennes et de musiciens professionnels (français et brésiliens) ; d'observations de pratiques musicales en Europe et au Brésil ; de participations de l'ethnographe à des projets artistiques dans le sud de la France. À rebours d'une approche historique de l'objet diffusé, ce travail propose de restituer des parcours d'appropriations en partant de l'émergence et du déploiement de la batucada en France. Sont abordés plusieurs champs de l'appropriation musicale : la forme instrumentale de la batucada, les modèles brésiliens, et les postures artistiques vis-à-vis de ces modèles qui révèlent une recherche commune d'une pratique culturelle « populaire », vivante et festive. Des représentations idéalisées du Brésil, de ses musiques et de ses carnavals semblent répondre à cette quête. Les voyages vers les sources musicales au Brésil tendent à devenir une étape importante de l'appropriation musicale européenne et leur observation permet de mettre en exergue les enjeux sociaux et culturels entre Brésiliens et étrangers autour des transmissions musicales (...) Enfin, l'appropriation de la batucada permet d'ouvrir un débat général sur l'appropriation culturelle dans le contexte de la mondialisationUsing the example of the batucada phenomenon in France and Europe, this thesis explores the processes of cultural appropriation of Brazilian musical models, in particular those of Rio's samba enredo, Bahia's samba-reggae and Recife's maracatu. The ethnographic fieldwork, conducted during the first decade of 2000, is composed of: numerous life stories and semi-structured interviews with French and Brazilian amateur percussionists and professional musicians, observations of musical practices in Europe and Brazil, and participating observations in the framework of artistic projects in the South of France. Rather than taking a historical approach of the diffusion of objects, this work analyzes the trajectories of the appropriations of batucada in France, from its emergence to its spread. Several fields of musical appropriation are broached: the instrumental form of the batucada, the Brazilian musical models, and the artistic positions taken regarding these models which reveal a common quest for a “popular”, lively and festive cultural practice. Idealized representations of Brazil, its music and its carnivals seem to respond to this quest. Travels to the musical sources in Brazil appear as an important step in the Europeans’ musical appropriation. Observation of these travels allows underscoring the social and cultural stakes of musical transmissions between Brazilians and foreigners. Lastly, the appropriation of batucada enables enlarging a general debate on cultural appropriation in a context of globalization
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Montersino, Isabella. "Saint-Eustache des Halles au XIXe siècle : portrait musical d'une église parisienne d'après les archives du conseil de fabrique." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040338.
Abstract:
Construite sous le règne de François Ier dans un style gothique tardif,l'église Saint-Eustache se dresse dans l'un des plus anciens quartiers de Paris. Les dimensions exceptionnelles de l'édifice,sa beauté captivante ainsi qu'une qualité acoustique particulièrement claire en ont fait un haut lieu de la musique en France. Notre étude offre une description minutieuse des structures musicales de cette église au XIXe siècle ; elle est essentiellement axée sur le dépouillement des archives que les administrateurs de Saint-Eustache nous ont laissées. La première partie présente les révélations des archives paroissiales sur la vie musicale de cette église parisienne peu conventionnelle,classées par ordre rigoureusement chronologique. La deuxième partie met en évidence les principaux aspects de la musique à Saint-Eustache : la tradition du chant et ses nombreux avatars,le rôle des instruments accompagnateurs,le développement du grand orgue et la naissance d'une tradition de concerts qui se réalisera pleinement au XIXe siècleThe church of Saint-Eustache was built in late Gothic style during the reign of Francis I in one of the oldest quarters of Paris. Its unusual size,fascinating beauty and particulary clear acoustics have made it a significant centre for music-making in France. .