Academic literature on the topic 'Création collective (art) – Italie'

L’organisme Culture pour tous développe depuis 2007 le programme de créations collectives Art au travail avec la collaboration d’artistes et d’entreprises privées, publiques et parapubliques. Une trentaine de projets ont été réalisés à ce jour, dans une variété de lieux à travers le Québec : usines, compagnies financières, centres sociaux, services municipaux, etc. Ce programme s’ancre dans une volonté de l’organisme d’accroître la participation citoyenne en culture en rapprochant les artistes et les processus créatifs des milieux de vie. Culture pour tous s’allie également à des chercheurs en sociologie et en communication afin de documenter et de valoriser les impacts des projets de médiation et de création partagée. À l’heure où la capacité des organisations à se transformer est un enjeu primordial, les valeurs et processus liés au monde de l’art et de la création sont de plus en plus considérés comme des outils de management.

Le développement des technologies numériques au XXIe siècle engendre à la fois des bouleversements dans les champs cinématographique et audiovisuel, et dans le domaine psychanalytique. L’individu peut s’emparer de ces outils à notre époque, pour témoigner de son existence, et tenter d’inscrire son histoire personnelle, parfois intime, dans une histoire humaine globalisée. Dans un contexte où les images s’échangent à grande vitesse, en renseignant sans trêve toutes les crises qui agitent le monde, chaque sujet cherche à s’approprier sa propre histoire, et sa place parmi les autres. Donner un sens personnel à son existence serait aussi indispensable que complexe pour les sujets rescapés d’une histoire traumatique collective. Le travail psychique nécessaire pour y parvenir pourrait alors être soutenu par les qualités artistiques et techniques du film et par un accompagnement art-thérapique adapté. En s’appuyant sur un travail de médiation artistique réalisé avec deux jeunes femmes rescapées du Bataclan, l’auteure tente de montrer quelles sont les spécificités de la création vidéo et de son accompagnement dans le champ art-thérapique et en quoi ceux-ci favoriseraient une reconstruction personnelle.

<p>Resumen</p><p>En el presente ensayo se enuncia y des-encubre a la danza como experiencia colectiva, conectada con el éxtasis celebratorio de la vida y alejada de las voces de los “especialistas”. Además, se la problematiza como creación artística, resultado de la relación entre “sujeto creador” y “objeto de arte”, y se pone en evidencia su sentido colonial y eurocéntrico. También se relata su proceso de cosificación con la llegada de la economía capitalista, la imposición del modelo neoliberal y la obsesión desbordada de este por las ganancias. Con ello se hace notar que la aparente valoración de la “danza folclórica” por parte de los Estados nacionales a fines del siglo XX fue parte de un proceso de encubrimiento para convertirla en mercancía. Palabras claves Danza-ritual, danza artística, arte, folclor, dinámica festiva, colonialidad.</p><p>Muiurii Sutikamkuna: miMuiuriikuna “suma muiurií Boliviapi Oruropi Sugllapi Kaipi willarikami imasa sugllapi kaugsakuna iachaikuna manda ancharingapa chiwa niri kagta iuiarispa muiuingapa chasara Kawangapa colonial Eurocentropas kasapimi iachari imasapi sugkuna iukagta neoliberal ima munaikuna iapa ganakungamanda chiwan xx watakunapi katunakurka. Ima suti Rimai Simi: Muiuriikuna, iachaikuska muiurií tunaikuna, dinámica, festiva, colonialidad.</p><p>What We Call Dance: Dance Ritual and “Artistic Dance” in Oruro, Bolivia. Abstract</p><p>Dance is named and un-concealed in this essay as a collective experience that is connected with the celebratory ecstasy of life, far away from the voices of the “specialists”. Furthermore, it is problematized as an artistic creation, the result of the relationship between the “creative subject” and the “art object”, and its colonial and Eurocentric sense is revealed. We also report on its process of objectification with the arrival of the capitalist economy, the imposition of the neoliberal model and its obsession with unrestrained profit. The apparent appreciation of “folk dance” coming from national states in the late twentieth century was part of a process of concealment to turn dance into merchandise. Keywords Dance ritual, artistic dance, art, folklore, festive dynamics, colonialism. </p><p> </p><p>Cela que nous appelons danse</p><p>Danse-rituelle et « danse artistique » dans l’Oruro, Bolivie Résumé Dans cet essai est énoncé et dé-couvert la danse comme expérience collective, en rapport avec l’extase célébratrice de la vie et éloignée des voix des « spécialistes ». En outre, elle est problé- matisée comme création artistique, résultat de la relation entre le « sujet créatif » et l’« objet d’art », et son sens colonial et eurocentrique est mis en évidence. Son processus de chosificacion est également décrit avec l’arrivée de l’économie capitaliste, l’imposition du modèle néo-libé- ral et l’obsession exagérée de celui-ci pour le profit. De cette façon nous faisons remarquer que la valorisation apparente de la « danse folklorique » par les États nationaux à la fin du XXe siècle a fait partie d’un processus de dissimulation afin de la transformer en marchandise. Mots clés Danse-rituelle, danse artistique, art, folklore, dynamique festive, colonialité. O que chamamos de dança: Dança-ritual e “ dança-artística” em Oruro, Bolívia Resumo Neste ensaio é afirmado e um-esconde dançar como experiência coletiva, conectado com o êxtase de comemoração da vida e longe das vozes dos “especialistas”. Além disso, é problematizada como uma criação artística, resultado da relação entre “ sujeito criativo “ e “ objeto de arte “ e destaca o sentido colonial e o eurocêntrico. O processo de objetivação também é relatado com a chegada da economia capitalista, a imposição do modelo neoliberal e essa obsessão oprimido por lucro. Trata-se notar que o valor aparente de “ dança folclórica “ por parte dos Estados nacionais no final do século XX foi parte de um processo de ocultação para transformá-la em mercadoria.</p><p>Palavras chaves</p><p>Dança-ritual, dança artística, arte, folclore, dinâmica festiva, colonialismo .</p>

ResumenEl proyecto artístico interdisciplinario Casa Tomada opera como disparador para el abordaje de problemáticas propias de la coyuntura social y artística contemporánea. La ficción creada por la Casa Nacional del Bicentenario, espacio cultural de la Ciudad de Buenos Aires, abre el camino a considerar formas de creación alternativas en las que se pone en jaque el estatuto del trabajo del artista y se vislumbran renovados intersticios a través de la acción de los múltiples actuantes que circundan el proyecto. Con la acción política ilícita como puntapié inicial –la ocupación forzada de un espacio público– Casa Tomada apuesta por la mostración de una multiplicidad de conflictos, tensiones, preguntas, así como posibles respuestas, siempre contingentes, aplicables tanto al ámbito social como al artístico. Palabras claves Arte contemporáneo; ocupación; política; trabajo colectivo; interdisciplinariedad Work, Dialogue, Occupation and Cooperativism at Casa TomadaAbstractThe interdisciplinary art project Casa Tomada operates as a trigger for addressing issues of the social and artistic contemporary juncture. The fiction created by the National House of the Bicentennial, cultural space of the City of Buenos Aires, opens the way to consider alternative forms of creation in which the status of the artist's work is put in check and renewed interstices are glimpsed through the action of the multiple actors that surround the project. With illegal political action as a starting point – the forced occupation of a public space, Casa Tomada is committed to showing a multiplicity of conflicts, tensions, questions as well as possible answers, which are always contingent and applicable both to the social and the artistic spheres.KeywordsContemporary art; occupation; politics; collective work; interdisciplinarityTrabajo, cotidianeidad, ocupación cooperativismo sug uasipe iaikuska kaskaMaillallachiska:Chi proyecto artístico interdisciplinario sug uasipe iaikuska kaska sug togiachidorsina abordajepe problematikakuna chi coyuntura social y artística contemporánea. Chi ficción uiñachiska uasi nacional Bicenterariopa, luar cultural Buenos Aires ciudadmanda,mpaskan ñambe consideraspa sug uiñachiskakuna alternativa churra jaque estatuto trabajope artistapa y vislumbrarse renovado intersticiokuna multiple actuantekuna que circundadn el proyecto. Chi acción política ilicitak sug artagsina inicial- chi ocupación fuerzaskak sug luar publicocasa tomada apuesta, kauachiska sug multiplicidad de conflictos, tensiones, tapuchiikuna , chasallata sug aineikuna, siempre contingente aplicables tanto al ámbito social como artístico.Rimangapa Ministidukuna:Arte contemporáneo; ocupación; política; trabajo colectivo; interdisciplinariedadTravail, dialogue, occupation et coopératisme à Casa TomadaRésuméLe projet d'art interdisciplinaire Casa Tomada fonctionne comme un déclencheur pour résoudre les problèmes dérivés de la situation social et artistique contemporaine. La fiction créée par la Maison Nationale du Bicentenaire, espace culturel de la Ville de Buenos Aires, ouvre la voie à la recherche de formes alternatives de création dans lesquelles le statut de l'œuvre de l'artiste est mis en échec et des interstices renouvelés sont visibles par action des acteurs multiples qui entourent le projet. Avec l'action politique illégale comme point de départ –l'occupation forcée d'un espace public– Casa Tomada est engagée à montrer une multiplicité des conflits, des tensions, des questions et de possibles réponses, toujours contingentes, applicables à la fois au champ social et à l’artistique.Mots clésArt contemporain; profession; politique; travail collectif; interdisciplinarité

L’année 2012 s’est caractérisée en Espagne par l’adoption d’une des réglementations avec plus de répercussion publique, étant donnés les changements opérés sur le régime juridique du travail en vigueur à ce moment-là; en fait, nous faisons référence au Décret-loi 3/2012 du 10 février, de mesures urgentes pour la réforme du marché du travail, validé ultérieurement par la Loi 3/2012 du 6 juillet. Une des nouveautés inclues à la réforme, a été la création d’une nouvelle modalité de contrat dénommée « Contrat de soutien aux entrepreneurs ». En général, le régime qui lui est appliqué est celui des contrats réglementés par le Code du Travail et les conventions collectives, qui s’applique aux contrats ordinaires à durée indéterminée, avec la seule exception de la durée de la période d’essai (art. 4.3 de la Loi 3/2012); celui-ci est le point le plus polémique puisqu’il établit une durée “d’une année”, indépendamment du poste de travail et de la compétence préalable du travailleur. Deux ans après de l’adoption de cette modalité contractuelle, tel qu’on pouvait l’espérer, les tribunaux se sont prononcés au sujet de la période d’essai imposée, lors de la résiliation d’une relation de travail pendant cette période. D’abord, la sentence du Juge de l’ordre social nº 2 de Barcelone du 19 novembre 2013, et ensuite les sentences du Juge de l’ordre social nº 1 de Tarragona y Mataró du 2 et 29 avril 2014, sont très importants parce qu’ont inappliqué la normative national que permet cette période d’essai, et conséquemment ont caractérisé le licenciement comme abusif, utilisant comme principal argument juridique la violation de l’article 4.4 de la Charte Sociale Européenne et la jurisprudence du Comité Européen des Droits Sociaux prononcée dans la décision sur le bien-fondé du 23 mai 2012 (Réclamation nº 65/2011). Ce commentaire analyse l’application du contrôle de conventionnalité, par première fois entre la Charte Sociale Européenne et une loi, adoptée et justifiée par le Gouvernement espagnol, comme mesure pour faire face à la crise économique.----------------------------------------------------------------------------In 2012 Spain was characterized by the adoption of some of the norms that most public impact has had in recent times, as a result of the changes that took place in the legal labour framework existing in these moments, in particular, reference is made to the Act 3/2012, of July 6, of urgent measures to reform the labor market. One of the new features included in the reform, was the creation of a new type of contract called "contract of support for entrepreneurs". The legal regulation applied is the indefinite contracts regulated, in general, in the Statute of Workers’ Rights and the collective agreements, with the exception of the duration of the probation period (art. 4.3 of the Law 3/2012)); this is the most controversial point since it sets it to a year, with independence of the job position and the previous work experience. After more than two years since the implementation of this type of contract, as it was to be expected, the courts have pronounced about this probation period, as terminations of contracts have been produced during that same period. First of all, the judgment of the Labour Court Nr. 2 of Barcelona of November 19, 2013, and the next judgments of the Labour Court Nr. 1 of Tarragona and Mataró of April 2 and 29, 2014, are very important because they have unapplied the regulation that allows to impose this probation period based on the violation of the art. 4.4 of the European Social Charter and the case law of the European Committee of Social Rights pronounced in its decision on the merits of May 23, 2012 (Complaint No. 65/2011). The present essay analyses the application of the conventionality control for the first time, between the European Social Charter and an Act adopted and justified by the Spanish Government as a measure to cope with the economic crisis.

<p>Resumen</p><p>Hace casi cuatro décadas que Throbbing Gristle hizo su aparición en la escena underground internacional como un estallido inesperado, e inesperable, cuyas reverberaciones se prolongan hasta nuestros días. Surgidos del colectivo artístico COUM Transmissions, la banda dio nombre a la música industrial mediante la fundación de su propio sello discográfico, Industrial Records, en 1976. Desde aquellos años ha adoptado formas y estilos diversos, mostrando un espíritu siempre renovado y propagando un modo más amplio de entender el arte de los sonidos al fundirlo con otras disciplinas y usar de manera compleja samples pre-grabados, sobresaltos y distorsiones. Este ensayo presenta a Throbbing Gristle como uno de los grandes motores no solo de la música sino de la estética y el arte contemporáneos.</p><p>Palabras claves</p><p>Cut up, Genesis P-Orridge, música industrial, ruidismo, sampling, Throbbing Gristle.</p><p> </p><p>PASKASKA MANA PUCHUKASKA KUTISKA THROBBING GRISTLE Sugllapi Ñalla kami chusku patsha watakuna. Throbbing Gristle kawaririgta undergroundpi tukui llagtama ugnarigta, chiuramandata kunankamami kawariri sugllapi iachakunawa. COUM Transmissions, sutichirka suma tunaikunata, paikikin Discogra ficopi Asintaska. Manaunailla industriaska waranga iskun chunga kanchis chunga Sugta watamandata samaiachiska, allilla uiari kachu. Kaikuna kawachirka Throbbing Gristleta iapa iacha kagmanda chi suma uiariikunata iachangapa. Ima suti Rimai Simi: Cut up, Genesis P- Orridge, suma sugrigcha uiari uiaritukui, Sampling, Throbbing Gristle.</p><p> </p><p>THE OPEN, THE UNFINISHED: A RETURN TO THROBBING GRISTLE. Abstract</p><p>Four decades have passed since Throbbing Gristle first appearance in the international underground scene as an unexpected explosion, as an electronic explosion whose reverberations extend to the present day. Born from the performance art collective COUM Transmissions, the band gave a name to “industrial music” by founding their own record label, Industrial Records, in 1976. Since then it has adopted different styles, showing always a renewed attitude and propagating ample ways to understand the art of sounds, by fusing it with other disciplines and introducing a complexity based on pre-recorded samples, shocks and distortions. This essay showcases Throbbing Gristle as one of the greatest engines behind not only contemporary music, but also contemporary aesthetics and art.</p><p>Keywords Cut up, Genesis P-Orridge, industrial music, noise aesthetic, sample, Throbbing Gristle</p><p>L’OUVERT, L’INACHEVÉ: UN RETOUR À THROBBING GRISTLE. Résumé</p><p>Cela fait presque quatre décennies que Throbbing Gristle a fait son apparition dans la scène underground internationale comme une venue inattendue, et inespérable, dont les répercussions s’étendent jusqu’à nos jours. Résultant du collectif artistique COUM Transmissions, le groupe donna un nom à la musique industrielle à travers la création de son propre label discographique, Industrial Records, en 1976. Depuis ces années cela a pris des formes et des styles divers, affichant un esprit sans cesse renouvelé et diffusant une manière plus large de comprendre l’art des sons en le fusionnant avec d’autres disciplines et utilisant de façon complexe des samples préenregistrés, des soubresauts et des distorsions. Cet article présente Throbbing Gristle comme l’un des grands moteurs non seulement de la musique, mais aussi de l’esthétique et de l’art contemporain.</p><p>Mots clés</p><p>Cut up, Genèse P-Orridge, musique industrielle, musique bruitiste, sampling, Throbbing Gristle.</p><p>O ABERTO, O INACABADO: UM RETORNO A THROBBING GRISTLE. Resumo</p><p>Faz quase quatro décadas que Throbbing Gristle fez sua aparição na cena underground internacional como um estouro inesperado, e inesperável, cujas reverberações se prolongam até nossos dias. Surgidos do coletivo artístico COUM Transmissions, a banda deu nome à música industrial mediante a fundação de seu próprio selo discográfico, Industrial Records, em 1976. Desde aqueles anos foi adotado formas e estilos diversos, mostrando um espírito sempre renovado e propagando um modo mais amplo de entender a arte dos sons ao fundi-lo com outras disciplinas e usar de maneira complexa samples pré-gravados, sobressaltos e distorções. Este ensaio apresenta a Throbbing Gristle como um dos grandes motores não somente da música senão da estética e da arte contemporâneas.</p><p>Palavras chaves</p><p>Cut up, Genesis P-Orridge, música industrial, ruidismo, sampling, Throbbing Gristle.</p>

O trabalho busca, a partir do Projeto Graffita Salvador, ilustrar as complexas relações entre arte, espaço público e suas apropriações, através da dimensão midiática da cidade, permitindo o estabelecimento de nexos entre: cidade, arte, mídia e estratégia comunicacional (de empresas e do poder público). A cidade e suas apropriações constitui-se em elemento midiático estratégico e faz parte de um complexo sistema de comunicação. A arte também comunica e persuade. Ademais, as empresas e os governos vêm investindo na criação de imagens corporativas positivas junto à opinião pública, objetivado fortalecer suas imagens a partir da constituição de símbolos de referência culturais e coletivos da cidade. Num quadro de dificuldades do financiamento público, favorecem alternativas e estratégias baseadas em parcerias entre o público e o privado na gestão das cidades, reforçando-se positivamente as imagens tanto governamental (idéia de comprometimento, participação e eficiência) como empresarial (responsabilidade social). As indagações relativas ao Projeto Grafita Salvador podem ajudar na compreensão dessas dinâmicas e suas conseqüências. A partir delas é possível estabelecer-se nexos entre as estratégias de comunicação, as formas de expressão artísticas, a cidade, os movimentos sócio culturais, a arte de rua, e a constituição do espaço público e suas apropriações, no contexto contemporâneo. PALAVRAS-CHAVE: cidade, mídia, arte de rua, juventude, política pública.CITY - MEDIA AND STREET ART Any Brito Leal Ivo This study tries to illustrate, starting from the Projeto Graffita Salvador, the complex relations among art, public space and their appropriations, through the mediatic dimension of the city, allowing the establishment of connections among: city, art, media and comunicational strategy (both from private and public sectors). The city and its appropriations are an strategic mediatic element and are part of a complex communication system. Art also communicates and persuades. Besides, the public and private sectors are investing in the creation of positive corporate images for the public opinion, aimed at strengthening their images from the constitution of cultural and collective reference symbols of the city. In a framework of public financing difficulties, alternatives and strategies based in partnerships between the public and the private sectors are favored in the administration of the cities, positively reinforcing the images both of government (idea of commitment, participation and efficiency) and private sector (social responsibility). The inquiries regarding the Projeto Grafita Salvador can help in the understanding of those dynamics and their consequences. Starting from them it is possible to establish connections among the communication strategies, the artistic expression forms, the city, the social and cultural movements, street art, and the constitution of the public space and its appropriations, in the contemporary context. KEYWORDS: city, media, street art, youth, public policies.LA VILLE – LES MEDIAS ET L’ART DE LA RUE Any Brito Leal Ivo Ce travail se veut d’illustrer, à partir du Projet Graffita Salvador, les relations complexes entre l’art, l’espace public et ses appropriations, au travers d’une dimension médiatique de la ville permettant l’établissement de rapports entre: ville, art, médias et stratégie communicationnelle (des entreprises et des pouvoirs publics). La ville et ses appropriations sont des éléments médiatiques stratégiques et font partie d’un système complexe de communication. L’art aussi communique et convainc. De plus, les entreprises et les gouvernements investissent dans la création d’images corporatives positives auprès de l’opinion publique, cherchant à consolider ces images à partir de la constitution de symboles de référence culturels et collectifs de la ville. Le contexte des difficultés de financement public favorise les options et les stratégies basées sur des partenariats entre le public et le privé pour la gestion des villes et renforce positivement autant l’image du gouvernement (l’idée de compromis, la participation et l’efficacité) que celle des entreprises (responsabilité sociale). Les questions liées au Projet Graffita Salvador peuvent aider à comprendre ces dynamiques et leurs conséquences. A partir de celles-ci, il est possible d’établir des liens entre les stratégies de communication, les formes d’expression artistiques, la ville, les mouvements socioculturels, l’art de la rue et la constitution de l’espace public et de ses appropriations dans le contexte contemporain. MOTS-CLÉS: ville, art de la rue, jeunesse, politique publique.Publicação Online do Caderno CRH:http://www.cadernocrh.ufba.br

Artivisme est un néologisme composé des mots art et activisme. Il concerne l’engagement social et politique d’artistes militants (Lemoine et Ouardi 2010) mais aussi l’art utilisé par des citoyen.ne.s comme moyen d’expression politique (Salzbrunn 2014, 2015 ; Malzacher 2014 : 14 ; Mouffe 2014). La distinction qui porte sur la formation initiale est davantage analytique qu’empirique dans la mesure où la définition d’artistes ou d’œuvres d’art en lien avec une formation institutionnelle (hautes écoles d’art) est aujourd’hui mise en question : Le succès planétaire d’artistes autodidactes engagés comme le photographe français JR montrent qu’on peut acquérir une reconnaissance en tant qu’artiste sans avoir été formé dans une école d’art. De plus, la différence entre l’engagement politique des artistes et leurs œuvres au sens propre est de plus en plus difficile à saisir (Roussel 2006 ; Dufournet et al. 2007). Sur le plan conceptuel, les recherches sur l’artivisme remettent en question la distinction entre l’art considéré comme travail et l’art pour l’art, discutée entre autres par Jacques Rancière dans « Le partage du sensible. Esthétique et politique » : « Produire unit à l’acte de fabriquer celui de mettre au jour, de définir un rapport nouveau entre le faire et le voir. L’art anticipe le travail parce qu’il en réalise le principe : la transformation de la matière sensible en présentation à soi de la communauté » (Rancière 2000 : 71). Les expressions artistiques couvrent un très large panel, allant de l’art plastique et mural, en passant par le graffiti, la bande dessinée, la musique, le flash mobs, le théâtre, à l’invention de nouvelles formes d’expression (Concept Store #3, 2010). L’artivisme actuel, notamment les performances, trouvent leurs racines dans d’autres courants artistiques expérimentaux développés dans les années 1960, notamment le théâtre de l’opprimé d’Agosto Boal, le situationnisme (Debord 1967), le fluxus (http://georgemaciunas.com/). Certains remontent encore plus loin vers le surréalisme et le dadaïsme auxquels l’Internationale situationniste (1958-1969) se réfère afin de pousser la création libre encore plus loin. Tout comme le mouvement situationniste cherchait à créer des situations (1967) pour changer la situation et déstabiliser le public (Lemoine et Ouardiri 2010), et que le théâtre de l’opprimé (Boal 1996) pratiquait le théâtre comme thérapie, l’artivisme contemporain vise à éveiller les consciences afin que les spectateurs sortent de leur « inertie supposée » et prennent position (Lemoine et Ouardi 2010 ; pour les transformations dans et de l’espace urbain voir aussi Schmitz 2015 ; Salzbrunn 2011). Ainsi, les mouvements politiques récents comme Occupy Wallstreet (Graeber 2012) ou La nuit debout (Les Temps Modernes, 2016/05, no. 691 ; Vacarme 2016/03, no. 76) ont occupé l’espace publique de façon créative, se servant de la mascarade et du détournement (de situations, notamment de l’état d’urgence et de l’interdiction de rassemblement), afin d’inciter les passants à s’exprimer et à participer (Bishop 2012). D’autres courants comme les Femen, mouvement féministe translocal, ont eu recours à des performances spectaculaires dans l’espace public ou faisant irruption au cours de rituels religieux ou politiques (Femen 2015). Si ces moyens d’action performatifs au sein du politique étaient largement employés par les courants politiques de gauche (Butler et Athanasiou 2013), l’extrême-droite les emploie également, comme le mouvement identitaire qui a protesté par des actions coup de poing contre les réfugiés dans les Alpes françaises en hiver 2018 (https://www.lemonde.fr/police-justice/article/2018/04/30/militants-identitaires-dans-les-alpes-les-autorites-denoncent-une-operation-de-communication_5292856_1653578.html). Les thèmes politiques abordés se situent néanmoins majoritairement à gauche de l’échiquier politique : mouvement zapatiste, LGBTqueer, lutte anti-capitaliste, antifasciste et pro-refugiés, (afro-/latino-) féminismes (de Lima Costa 2012), mouvement contre l’exclusion des personnes à mobilité réduite, protestation contre la gentrification et la dépossession de l’espace urbain qui s’opère en faveur des touristes et spéculateurs immobiliers et qui va à l’encontre des habitants (Youkhana 2014 ; Pisanello 2017), mouvement d’occupation d’espace, de squat et de centres sociaux auto-gérés, lutte créative en faveur de nouvelles formes de vie commune comme dans la ZAD (Zone à défendre) contre l’aéroport de Nantes etc. (Rancière 2017 : 65-73). Si ces luttes s’inscrivent dans une réflexion critique générale sur les conséquences de la glocalisation, elles se concentrent parfois sur l’amélioration de l’espace local, voire micro-local (Lindgaard 2005), par exemple en créant une convivialité (Caillé et al. 2013) ou des espaces de « guerilla gardening » (mouvement de jardinage urbain comme acte politique) au sein d’une ville. Les « commonistes » qui s’occupent de biens communs et développent les créations par soi-même (DIY – Do it yourself) à travers des FabLabs (laboratoires de fabrication) s’inscrivent également dans cette philosophie en mettant en question de façon créative le rapport entre production et consommation (Baier et al. 2013). Enfin, les mouvements actuels ont largement recours aux dernières technologies d’information et de diffusion, pendant le processus de création et pendant la circulation des œuvres, des images et des témoignages (Salzbrunn et al. 2015). Plus radicalement encore, les hacktivistes interviennent sur des sites web en les détournant et en les transformant. Dans certains endroits, l’humour occupe une place centrale au sein de ces activités artistiques, que ce soit dans le recours aux moyens de style carnavalesques (Cohen 1993), en réinventant le carnaval (Salzbrunn 2014) ou encore en cherchant à créer une ambiance politico-festive réenchantente, assurant un moment de joie et de partage heureux pour les participants. Betz (2016) a traité ce dernier aspect en analysant notamment des « Schnippeldiskos », discos organisés par le mouvement slow food jeunesse qui prennent la forme d’une séance joyeuse de coupage de légumes destinées à une soupe partagée, un moment de « protestation joyeuse », une « forme hybride de désobéissance collective ». Ces nouvelles formes d’interaction entre art, activisme et politique appellent au développement de méthodes de recherches anthropologiques inédites. Ainsi, l’ethnographie est devenue multi-sensorielle (Pink 2009), attentive au toucher, aux parfums, au goût, aux sensations des chercheur.e.s et des personnes impliquées dans l’action artivistique. L’observation participante devient plus radicale sous forme d’apprentissage (Downey et al. 2015). Enfin, les anthropologues qui travaillent sur l’artivisme ont non seulement recours à de nouvelles méthodes, mais aussi à de formes inédites de restitution de leurs recherches, visant notamment à dépasser le centrage sur le texte (Schneider et Wright 2006) en tournant des films documentaires, créant des bandes dessinées (www.erccomics.com), discutant avec les artivistes à travers blogs (www.erc-artivism.ch), ou interagissant à travers des performances comme « Rawson’s Boat », conduite par le Nigérian Jelili Akiku en mai 2018 au Musée d’Acquitaine de Bordeaux.

À partir de l’après-guerre, de nouvelles méthodes « collectives » de production cinématographique voient le jour en Italie : d’abord, dans les années 1940 et 1950, sous la forme de coopératives, et à partir de la décennie suivante, sous celle de collectifs cinématographiques ou d’unités de production indépendantes. Ces initiatives collectives ont produit une grande variété de films, tant sur le plan thématique que formel : des films partisans aux contre-actualités cinématographiques, des fictions aux documentaires, pour en arriver aux bandes vidéo militantes des années 1970. Ces films s’appuient sur un même choix politique : le travail collectif en alternative à l’industrie. Un choix car, pour chacun d’entre eux, il ne s’agit ni d’un repli, ni d’une solution dictée par l’impossibilité ou l’incapacité d’accéder au circuit commercial, mais d’une décision consciente et assumée, en opposition à ce même circuit. Le titre « Contre-produire » souligne cette corrélation entre le refus des méthodes de production du cinéma « dominant » et l’adoption d’une approche collective pour en inventer de nouvelles. Les procédés hégémoniques dont il est question ne se limitent pas seulement aux normes imposées par les circuits du cinéma commercial, mais également aux formes du cinéma « dissident » qui réduisent les films à leur fonction de communication politique. L’objectif est de mettre en lumière une sélection de films, de projets, de théories et d’utopies collectives qui ont émergé à « la marge » du cinéma italien dans l’une de ses périodes les plus fécondes. Loin d’être « marginales » au sens de secondaires, elles ont constitué un laboratoire majeur de nouvelles formes cinématographiques dans l’Italie des années 1950-1970
From the post-war period onwards, Italy witnessed the emergence of new “collective” approaches to film production: in the 1940s and 1950s, it took the form of cooperatives; and in the subsequent decade, it evolved into film collectives or independent film production units. These collaborative endeavors yielded a wide array of films, encompassing a rich diversity of themes and styles : from partisan films to “counter-newsreels,” from fictions to documentaries, culminating in the 1970s militant videotapes. All these films embraced a common political commitment: adopting a collaborative and independent approach for filmmaking as an alternative to the labor-divided and market-oriented film industry. In fact, these films neither embody a desire of withdraw nor a circumstantial response to an inability to break into the well-established commercial networks; on the contrary, they serve as the tangible expression of a deliberate and resolute choice, one made in direct defiance of the prevailing film production system. The neologism “counter-production” aims to underscore the interplay between two fundamental dimensions of the Italian collective cinema: on one hand, the critique of the production modes of “dominant” cinema and, on the other, the embrace of a collaborative approach for filmmaking. In other words, “to counter-produce” extends beyond the mere act of challenging the industry norms, it is also characterized by a critical perspective on certain militant cinematic forms that reduce films to useful tools for political messaging. This dissertation follows a twofold program: it seeks to underscore both the commonalities among these collective practices and the inherent uniqueness found within each cinematic form they explore. By examining a carefully selected body of materials – projects, theories, and collective utopias that surfaced on the “fringes” of Italian cinema during one of the most fertile periods of its history – the overreaching objective is to reevaluate the marginal status of this corpus: rather than occupying a secondary role, it appears to have served as a central and significant experimental ground for pioneering cinematic innovations in Italy from the 1950s to the 1970s

La création romanesque est conçue, en règle générale, comme l'aboutissement d'un acte solitaire qui met en œuvre l'utilisation des composantes de la personnalité de l'auteur. Aucun roman écrit en collaboration, revendiqué comme tel, n'est recensé avant le dix-neuvième. Or, à partir des années 1820, il est surprenant de constater le nombre important d’œuvres écrites en collaboration et particulièrement de romans dont les co-auteurs laisseront leurs noms à la postérité : G. Sand, J. Sandeau, A. Dumas, H. Monnier, A. Houssaye, Th. Gautier, Mme de Girardin, Mery, Ph. Chasles ou encore Balzac. Après avoir cerné la notion de "collaboration littéraire", des interrogations surgissent : que sous-entend cette pratique ? Comment la comprendre, l'analyser, et tenter de l'expliquer ? S'appuie-t-elle sur des causes sociales, politiques, économiques, culturelles ou artistiques ? Le roman est-il le genre d'une expression strictement individualiste ou au contraire, à un stade de son évolution, a-t-il préféré une élaboration en couple ou en équipe ? Le cheminement intellectuel a conduit à s'attacher aux objectifs de recherche suivants : la description du phénomène de l'explosion des œuvres littéraires écrites en collaboration sous la monarchie de Juillet, l’étude du mode de constitution des équipes, l'analyse des modalités de la création en collaboration (les démarches adoptées, le comportement du romancier au sein du groupe), la recherche du sens et de la fonction de l’écriture en collaboration, une réflexion à propos des répercussions sur la carrière littéraire des auteurs. Reflet de son époque, le roman de collaboration porte témoignage de la tentative, de la part de jeunes romanciers, de donner une réponse aux bouleversements économiques et culturels, aux tendances de leur temps. Prenant le prétexte de la camaraderie littéraire et du goût du jeu intellectuel, des relations originales s'instaurent. Le roman écrit en collaboration fournit à une génération d'auteurs, un schéma de travail proche des modèles nouveaux de l'artisanat, et de la création artistique entre 1830 et 1850
As a rule, romantic creation is regarded as the final result of a personal and solitary action which is based on the use of the intimate aspects of the author's personality. Not a single novel, written under joint authorship, and claimed as such by the authors, was recorded before the 19th c. However, since the 1820s, the number of works written under joint authorship has been surprisingly high, and among them, many novels whose author's names have been famous ever since, such as G. Sand, J. Sandeau, A. Dumas, H. Monnier, A. Houssaye, Th. Gautier, Mme de Girardin, Mery, Ph. Chasles or Balzac. After grasping the notion of "literary joint autorship", many questions arise : what does this practise infer ? What can be done to understand, analyse and explain it ? Is it based on social, political, economical, cultural or artistic grounds ? Does romance express individualism, or has it on the contrary, at some point of its evolution, chosen to be written by two or more people ? This intellectual process lead to the following points of research : describing the increase of literary works written under joint authorship during the july monarchy ; studying how groups were formed ; analysing the methods of creation in joint authorship (the different steps that have been taken, the novelist's behaviour in the group) ; looking for the meaning and the use of joint authorship ; and finding out the consequences on the author's literary career. The novel written under joint authorship reflects its period and shows the novelist'attempts to give a satisfactory answer to the economical and cultural major changes of their time. Under the pretense of literary friendship, relationships tangle up. The novel written under joint authorship gives to a generation of young authors a working scheme close to the new models of handicrafts and of the artistic creation between 1830 and 1850

Cette thèse retrace la mémoire de nos déplacements de vie afin de voir de quelle manière ils nourrissent notre pensée pratique artistique. Du corps à l'oeuvre nous articulons, à travers nos propositions plastiques, les modes de projection de notre mémoire. Il s'agit de montrer que l' oeuvre est toujours une extension du corps et de son auteur et que celui -ci, en la produisant, cherche à en construire le sens en invitant, d'une certaine façon, le 'regardeur' à s'y projeter. La photographie analogique, empreinte lumineuse gravée sur un négatif ainsi que la technique de l'empreinte, contact physique porteur d'une trace, ont été les dispositifs utilisés pour prélever et transporter nos gestes sur d'autres situations. Articulant ces formes de toucher avec nos manipulations, nous avons réalisé plusieurs expériences. L'écriture de la thèse a illuminé le sentier de notre création pour dévoiler un réseau d'errance. Nous pouvons y voir comment ce réseau nous a permis de déceler la visibilité d'un système et la construction d'un espace mobile, capable à la fois de contenir la mémoire de notre parcours artistique et d'être le lieu d'articulation de nouveaux départs. Mettant en lumière un champ singulier, notre recherche a abouti à la mise en place d'une dynamique du double, d'un revenir en devenir du corps, toujours autre.

Que ce soit pour communiquer avec des proches, des collègues de bureau ou encore des administrations, nous échangeons constamment des informations sous la forme de données numériques. Et dès que ces données présentent un certain degré de complexité, doivent résister à des attaques, être partagées simultanément par plusieurs personnes, il est hautement probable que celles-ci soient stockées dans une base. Nous interagissons ainsi quotidiennement avec des systèmes de gestion de bases de données qui assurent – en tant que « technologies intellectuelles 1 » – des opérations de classification et de circulation de l’information. Mais qu’en est-il de leur usage dans le champ des arts médiatiques ? Quelles fonctions remplissent les systèmes de gestion de bases de données utilisés par les artistes contemporains ? Quelles collections d’objets et relations permettent-ils précisément de sauvegarder et d’établir ? Quels espaces de représentation permettent-ils de configurer ? Et finalement, quels mouvements et formes d’exposition permettent-ils d’attribuer aux images produites aujourd’hui ? Afin de répondre à l’ensemble de ces questions, je partirai de ma pratique artistique et étudierai certaines des applications et installations que j’ai réalisées au cours des dernières années, notamment dans le cadre des actions de recherche et de création organisées par le CiTu 2. Dans le but d’attribuer à ma réflexion une plus large portée, j’introduirai ces projets par l’analyse d’autres dispositifs artistiques choisis autant pour leur fonction ordonnatrice que pour leur capacité à rendre compte d’une « poétique des données » à l’oeuvre dans le champ des arts médiatiques, et qui vise à accorder aux flux d’images produits par notre société, de nouvelles formes d’accès, de mobilité et de présentation. Parce que les bases de données modifient non seulement la manière d’accéder aux images, mais aussi les méthodes permettant de les élaborer, il sera parallèlement étudié leur présence et utilisation au sein même des logiciels d’infographie et environnements de programmation. Il s’agira ainsi – à partir de l’étude de dispositifs artistiques et des logiciels permettant de les développer – de montrer comment l’utilisation de bases de données rend non seulement possible la construction d’espaces de partage, et de réseaux de création collective, mais aussi l’élaboration des éléments qui peuplent ces espaces et leur attribuent une identité
When we communicate via Internet with relatives, office colleagues or administrations, we exchange information under the form of digital data. And as soon as these data have a certain degree of complexity, have to resist attacks or have to be shared simultaneously by several people, they are probably stored, at some point, in a database. We interact daily with content management systems and databases. As “intellectual technologies” (Goody, 1979) they provide ways to gather and share information. But what are their uses in new media art? What kind of functions do content management systems used by artists perform? To what extent do they help us to establish object’s collections and connections? What kind of spaces do they allow us to create? And finally, what freedom and exposure do they give to images that are produced and stored online today? We will answer these questions through our artistic practice. We will indeed study some of the installations and web applications we have realized over the last few years. In order to give our thinking a broader scope, we will also accompany these studies with theoretical investigations and the presentations of other artworks chosen for their ability to handle large amounts of data but also for their capacity to introduce, by handling them, a poetics of data. Because databases change not only the way to access images but also the methods to create them, we will study their presence in computer graphics software and programming environments too. It will be shown not only how databases allow us to set up sharing spaces and create networks of collective creation but also how databases allow us to create the elements these spaces contain

L’émergence de la Renaissance en Italie s’est accompagnée d’un intérêt renouvelé pour la problématique des origines et, plus spécifiquement, de la création du monde. Les figures de la genèse qui imprègnent le discours humaniste, aux XVe et XVIe siècles, n’ont cessé d’exalter la fonction matricielle du mythe cosmogonique pour penser le rapport au temps présent. Les images – en particulier les œuvres d’art – constituent les traces visibles de ces spéculations qui touchent autant les conceptions religieuses et philosophiques relatives au commencement que les moyens visuels, mis en œuvre par les artistes, pour figurer le mystère de la première naissance. La première partie de ce travail consiste en une étude de l’imaginaire de la création du monde aux XVe et XVIe siècles à travers la mise en évidence de son rôle fondamental dans la pratique de l’histoire, la structuration des savoirs sur la nature et l’exercice du pouvoir. Une série d’étude de cas de grands décors peints – de la voûte de la chapelle Sixtine, complétée en 1512, à la sala della Creazione du palazzo Besta, achevée à la fin du Cinquecento – compose la deuxième partie et la troisième partie de cette thèse. À partir de la mise en évidence d’un ensemble de textes et d’images, la quatrième partie de ce travail explore les ressorts poétiques et figuratifs de l’analogie entre la création du monde et le faire artistique. L’investissement théorique de l’iconographie de la création du monde à la Renaissance a été au fondement de la définition de la notion de « création artistique » et de l’œuvre comme monde agencé par l’artiste qui marque la conception moderne de l’art
The emergence of Renaissance in Italy was associated with a renewed interest in the questioning of origins and, more specifically, in the creation of the world. The humanist discourse in the fifteenth and sixteenth centuries was permeated by figures of the genesis that ceaselessly glorified the matrix functionality of the cosmogonic myth to conceive the relationship to the present time. Images, and more specifically works of art, constitute the visible remnants of these contemplations, affecting the religious and philosophical representation of the beginning, as well as the visual means used by the artists to portray the mystery of the first birth. The first part of this study analyses the idea of the creation of the world, during the fifteenth and sixteenth centuries, through the portrayal of its fundamental role in the practice of history; the construction of knowledge about nature; and the exercise of power. The second and third part of this thesis take the form of case studies focusing on mural paintings - the vault of the Sistine Chapel, completed in 1512, to the Sala della Creazione of Palazzo Besta, completed at the end of the Cinquecento. Finally, the fourth part of this study will explore the poetic and figurative drive emerging from the analogy between the creation of the world and the artistic practice, illustrated via an evocative ensemble of texts and images. During the Renaissance, the theorized iconography of the world’s creation yielded the concept of “artistic creation” and of the work of art as a universe modeled by the artist, thus introducing the modern notion of art

Cette thèse, ancrée à la croisée de la sociologie de l'art et du travail, se propose de faire une sociologie des collectifs d'individualités au travail à partir d'une enquête comparée qualitative de collectifs d'artistes plasticiens à Paris et à Berlin de formes diverses (atelier autogéré, espace-projet, artiste-collectif). Dans une première partie, après une histoire originale des formes de collectifs d'artistes pour l'art moderne et contemporain, la comparaison Paris-Berlin met en évidence, malgré une différence massive de volume au profit de Berlin, des situations de marginalité partagée. Dans une deuxième partie, consacrée à la cohésion des collectifs d'individualités, les espaces de recrutement des futurs membres sont identifiés et les finalités des collectifs cernées : plus qu'artistiques ou politiques, elles sont professionnelles. Trois facteurs de cohésion sont dégagés : la personnification du collectif, le type d'auctorialité artistique et la situation de parité artistique entre les membres. Selon le degré et la nature cohésive du collectif, celui-ci oscille ainsi entre une subordination ou une émancipation des individualités en son sein. Dans une troisième partie, consacrée à la construction des parcours professionnels des membres, l'approche par les capacités de Sen permet de revenir sur ce choix improbable des artistes solitaires de s'engager en collectif. Quatre ethos d'artiste-en-collectifs sont révélés par l'analyse, selon le désintéressement artistique et collectif vécu. L'approche multiscalaire du social mise en œuvre ici permet d'identifier des parcours professionnels typiques attachés à ces ethos, se déployant au sein ou en dehors du champ de l'art
At the cross-road between Art and Work sociology, this thesis intends to do a sociological study of a collective of individualities at work, using a qualitative compared investigation on different ! types of visual artist collectives in Paris and Berlin (studios community, artist-run-space, artist group). The first section includes a historical description of artists collectives for the modern and contemporary art history, and discusses the comparison Paris-Berlin: this shows a shared ; situation of precarity, despite a great difference in terms of volume in favour of Berlin. The I second part is devoted to the cohesion of such collectives of individualities. Recruitment fields of the future members are identified and the finalities of the collectives are grasped: more than artistic or political, they are professional. Three factors of cohesion are distinguished: the personnification of the collective, the type of artistic authorship and the situation of artistic parity among the members. According to the cohesive nature of the collective, it swings between a subordination or an emancipation of the individualities in its centre. The third part is devoted to ; the construction of the members' professional paths. The capability approach by Sen allows to ; revisit this unlikely choice of solo artists to engage themselves in a collective. Four ethos of artist-| in-collective are highlighted by the analysis according to the degree of artistic and collective selflessness of the members. This multi-scalar approach of the social conducts to identify typical professional paths stick to these ethos, which unfold themselves within or without the artistic field

Pour parvenir à sa concrétisation, l'œuvre d’un auteur doit très souvent traverser un système de fabrication impliquant des méthodes, des outils et des individus. Pour transformer une sensibilité, un élan talentueux, en une création artistique, le dialogue et le lien entre les intervenants sont fondamentaux. Aujourd'hui, le cinéma et l'audiovisuel - secteurs essentiellement basés sur la division du travail - se voient confrontés à cette même problématique : les idées d'un auteur doivent traverser un système complexe impliquant la collaboration de multiples acteurs. Apparues il y a plus d'une vingtaine d'années au sein de ce système, les technologies numériques entraînent des bouleversements profonds, en s'immisçant dans les processus existants, ou en initiant de nouveaux procédés artistiques, comme la synthèse d'images animées. Lors de la création collective d'images de synthèse, l'outil numérique peut constituer une plate-forme intéressante pour drainer l’information, l'archiver et la redistribuer. Paradoxalement, malgré ses aptitudes à regrouper ainsi support de création et de communication, l'ordinateur ne permet pas plus l'économie d'échanges entre les corps de métiers : l'observation des pratiques atteste toujours de la difficulté des équipes à s'organiser, à se coordonner et à communiquer. Aux difficultés liées à la production artistique (spécificité des produits, gestion de la créativité. . . ), s'ajoutent aujourd'hui un bouleversement identitaire des métiers et le poids d'une technique. Cette thèse analyse la complexité de l'environnement de production d'images numériques et met en lumière l'importance du facteur humain au sein d'une activité " ordicentrique "
To bring an artist's work to life, it must often go through a system of fabrication which relies diverse methods, tools and individuals. Inspiration and technical mastery are insufficient in themselves to create a work of art. To transform an idea into reality, a dialogue must be established between the different participants. Today, the cinematic and audiovisual arts - which rely on production methods founded on specialisation - are confronted with the same problem : an author's original ideas must go through a complex collaborative process. Digital technology, which started to appear in the creative process some 20 years ago, brings profound changes whether by complementing existing techniques or, as with cgi, by making entirely new ones possible. In the process of creating digital images, todays software offers a powerful tool for gathering, storing and distributing information. But despite these possibilities, information technologies has not broken the communication barrier between the different sectors: through observations, it's clear that teams still find it as difficult as ever to organize themselves, to communicate and co-ordinate their activities. Today, in addition to the classic production problems (originality of fabrication and originality of a product, creative management,. . . ) can be added the apheavals to the different work sectors and the weight of technologies. This thesis analysies the complex environment of cgi production and demonstrates the importance of the human factor in a computer-centric activity

On s'intéresse ici à une classe particulière de phénomènes musicaux improvisés : ceux qui réunissent au moins deux musiciens improvisant simultanément et librement. Les musiciens placés dans cette situation doivent affronter un problème particulier : il n'y a aucun ensemble intersubjectif de données musicales (voire extra-musicales) qui vienne contrôler non seulement le devenir formel de l'improvisation (inter-détermination horizontale) mais encore la coexistence concurrente des différents discours improvisés (inter-détermination verticale).A partir de là, il s'agit de montrer que l'on peut penser l'improvisation collective libre, en tant qu'elle est une situation interactive, stratégique et collaborative, sous la catégorie générique du problème de coordination.Cette appartenance étant posée, la question est ensuite envisagée sous différents angles. Dans la première partie, la théorie des jeux, en particulier la théorie des points focaux, est mobilisée pour déterminer les heuristiques cognitives qui seront utilisées par les improvisateurs pour parvenir effectivement à se coordonner. On montre dans la deuxième partie la place centrale qu'occupe l'idée de coordination dans la dynamique et la gestion formelle d'une improvisation collective libre. Le cadre théorique est finalement confronté à deux types de données empiriques : des analyses d'extraits du festival Company Week, organisé par le guitariste Derek Bailey, dans la troisième partie ; et les résultats de cinq proto-expérimentations menées auprès de musiciens issus de la Norwegian Academy of Music et du CNSMD de Lyon, dans la quatrième partie.

Les œuvres d’art participatives remettent en cause le triptyque traditionnel d’un auteur- d’une œuvre – et d’un public spectateur qui constitue le socle du droit d’auteur. Difficilement classifiables en raison de leur immatérialité, elles soulèvent de nombreuses questions de droit d’auteur, car aussi bien l’artiste que le public participent à la création. Pour autant, une économie du participatif se fait naissante, et requière des statuts clairs pour se développer. Cette recherche envisage les possibles protections par la propriété intellectuelle de cette forme artistique, en proposant au préalable une définition et classification des différents degrés de relation entre une œuvre et son public. Il s’agit de proposer un régime juridique à ces œuvres particulières en convoquant le droit d’auteur et les droits voisins, et en prenant appuis sur des écrits artistiques, philosophiques, et politiques.

La pratique actuelle des arts du spectacle témoigne d’une compénétration des disciplines artistiques. Souvent pluridisciplinaire, le spectacle d’aujourd’hui s’emploie à gommer les frontières traditionnelles entre les arts, voire à les dépasser en proposant des formes hybrides de production. De l’abandon du théâtre de répertoire à la danse minimaliste, en passant par la performance, les œuvres scéniques remettent en cause les conventions entre artistes et spectateurs, revisitent les notions de forme ainsi que de genre artistique et renouvellent la fonction de l’auteur. Or ce seul constat suffit à justifier d’entreprendre l’étude de ces pratiques artistiques dans le champ du droit et notamment du droit d’auteur. En tant que droit de l’art, le droit d’auteur demeure la terre d’élection des œuvres artistiques. Il permet ainsi aux créateurs de se prévaloir de droits de propriété intellectuelle sur le bien immatériel que constitue leur création intellectuelle. Mais la protection du droit d’auteur n’en demeure pas moins subordonnée au respect de conditions strictes mises à la charge des œuvres candidates. Aussi faut-il déterminer l’aptitude des œuvres scéniques actuelles, qualifiées dans le champ de l’art d’œuvres de spectacle vivant, à satisfaire les exigences formulées par le droit d’auteur dont l’objet est circonscrit aux œuvres de l’esprit. Le caractère éphémère des œuvres en cause, leur immatérialité, leur contemporanéité sont-ils autant de raisons de renoncer à leur intégration dans le champ du droit d’auteur ou, au contraire, suffit-il de constater l’existence d’une création dans l’univers des formes pour envisager cette intégration ? La réflexion sera ainsi centrée sur la condition première de l’existence du droit d’auteur : la forme. Celle par laquelle toute chose acquiert une existence réelle. Une fois conduite, cette réflexion permettra alors de mesurer l’applicabilité du régime juridique de l’œuvre de l’esprit aux œuvres en cause. Souvent conçues sur la base d’un mode de création collectif, les œuvres de spectacle vivant conduisent à s’interroger sur les qualifications légales applicables aux créations plurales. L’analyse de l’œuvre de spectacle vivant est ainsi l’occasion de revisiter les fondamentaux du droit d’auteur
Le résumé en anglais n'a pas été communiqué par l'auteur