Academic literature on the topic 'Créateur de costumes'

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Journal articles on the topic "Créateur de costumes"

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David, Gilbert, and Maria Stasinopoulou. "Le projet Andersen de Robert Lepage : (trans-)figurations du soliste démiurgique ou le nouveau théâtre du merveilleux." L’Annuaire théâtral, no. 58 (December 13, 2016): 91–114. http://dx.doi.org/10.7202/1038322ar.

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Abstract:
Cet article vise à mettre en relief la dramaturgie singulière du Projet Andersen de Robert Lepage en comparant notamment la version de 2005 à celle de 2006. Au-delà des nombreux changements repérables dans la fable, c’est la configuration des personnages et des figures en une quête ontologique qui fait toute l’originalité de ce solo polyphonique, marqué par le recours à un large éventail de moyens techniques (costumes, objets, projections, musique, sonorisation, lumière, etc.), tous à même de rehausser et de complexifier le jeu du soliste. Il en résulte une composition fondée sur l’ethos démiurgique de l’acteur-créateur qui invente un monde où la réflexion sur l’être et le paraître se révèle finalement indissociable d’un appel à l’émerveillement.
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Debard, Clara. "Dans le viseur d’un metteur en scène‑dramaturge : Jacques Copeau et l’image scénique (Vieux‑Colombier, 1919-1924)." Tangence, no. 124 (September 23, 2021): 131–50. http://dx.doi.org/10.7202/1081691ar.

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Abstract:
Directeur du Vieux-Colombier à Paris, Jacques Copeau y a mis en scène dix-sept nouvelles pièces françaises entre 1919 et 1924. Selon quels choix visuels ? Archives et manuscrits conservés à la Bibliothèque nationale de France permettent de cerner les créations scéniques du Paquebot Tenacity et de Michel Auclair par Charles Vildrac, de L’oeuvre des athlètes par Georges Duhamel, des Plaisirs du hasard par René Benjamin, de Bastos le hardi par Léon Régis et de L’imbécile par Pierre Bost. Si les références au cinéma – jugé inférieur au théâtre par Copeau – sont totalement absentes de ses décors, accessoires et costumes, il construit un savant réseau d’images fixes, peintures et photographies, à l’intérieur de ses spectacles. Avec La maison natale, pour la première fois, Copeau dramaturge associe texte et mise en scène en se donnant le rôle d’un vieillard à moitié fou, métaphorique du créateur, qui, retranché dans une mansarde, au sein d’une famille qui se déchire, manipule un petit théâtre miniature. Par cette création particulière, il illustre sa conviction que les jeux avec les images et les objets offrent un point commun entre les enfants, les acteurs, les dramaturges et les metteurs en scène, créant, dès lors, des liens de complicité essentiels avec le public.
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Dissertations / Theses on the topic "Créateur de costumes"

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Arzatian, Céline G. "Mode et cinéma en france de 1896 à 1930. Comment habille-t-on les actrices et acteurs ?" Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030022.

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Abstract:
À travers une étude générale de l’organisation et de l’évolution des costumes au cinéma en France, du début du cinématographe jusqu’à la fin du muet, l’ambition de cette thèse est d’étudier les liens qui se sont créés entre la mode et le cinéma par le biais des maisons de couture participant à la confection des costumes de la vedette principalement. Il s’agit également de montrer quel a été l’impact de l’arrivée d’un professionnel de l’écran : le créateur de costume dans la conception des costumes d’un personnage. Cette thèse analyse à travers les dimensions historiques, humaines, économiques, esthétiques, la création et l’évolution du costume au cinéma. La première partie aborde les débuts du cinématographe, le rôle des opérateurs Lumière tournant leurs premières vues « mises en scène » avec des méthodes héritées du théâtre. Puis la thèse met en valeur les différentes pratiques mises en place par Georges Méliès pour habiller ses artistes et figurants à la Star Film. Elle s’attache ensuite aux premiers acteurs célèbres confrontés à l’utilisation d’un costume particulier pour créer leur personnage : Max Linder, Charles Chaplin et Pearl White. La deuxième partie s’intéresse à la manière dont le cinéma français s’est servi de la mode dans les films pour tenter de rivaliser avec le cinéma américain. Puis, dans une troisième et quatrième partie, l’analyse s’attache au travail de la maison de couture lorsque celle-ci est appelée à créer et prêter des vêtements sous l’impulsion du réalisateur ou à exécuter sous l’autorité du créateur de costumes, les vêtements de la vedette pour des fictions à costumes ou à sujet contemporain. Enfin la cinquième partie relève les points de convergence entre ces deux arts : la mode et le cinéma lorsqu’à la fin de la Première Guerre mondiale, les arts se stimulent mutuellement donnant naissance au nouveau style de cette époque. Le projet de Louis Delluc, qui s’inspire d’une revue de mode pour réaliser une revue de cinéma, mais également l’introduction au Salon d’Automne de la mode et du cinéma, puis la réalisation de L’Inhumaine comme point de bascule vers cette synthèse des arts, et enfin l’Exposition des Arts décoratifs qui contribuent à faire de la mode et du cinéma des arts complémentaires, modernes et emblématiques de la période dite des Années Folles
Through a general study of organisation and evolution of costumes in cinema in France, from the birth of the cinematograph to the end of the silent film era, the ambition of this thesis is to study the created links between fashion and cinema, looking at fashion houses participating in creating the costumes of the main movie star. It is also about highlighting what the impact of the costume designer in the costume conception of a character is. This thesis analyses the creation and the evolution of the costume in cinema, through the historical, human, economical and aesthetical perspectives.The first part tackles the birth of the cinematograph and the Lumiere’s operators capturing their first shots, created with the methods inherited from the theatre. Then, this thesis highlights how Georges Méliès styled his stars and extras at the Star Film. Moreover, it points out to the first movie stars realizing that their costumes begin to create their characters for Max Linder, Charles Chaplin and Pearl White. The second part addresses the way French cinema used fashion to try and compete with the American cinema. Then, in a third and fourth part, the analysis focuses on the work of the fashion house when it is called to create and lend (in response to the director) or to only execute (in response to the costume designer) the clothes of the lead actress, for costume movies or with a contemporary subject.Finally, the fifth part points out the convergence points between these two arts: fashion and cinema at a specific time, the end of WW1 where arts stimulate each other and create together the new style of this era. It’s also Louis Delluc’s project, inspired by a fashion review to create a cinema magazine, it’s the introduction of the Fashion Autumn Salon followed by the cinema one, it’s the realization that L’Inhumaine is the tilted point towards this new style and it’s the Art Deco Exhibition confirming fashion and cinema as arts, in this era called the Années folles
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Coulon, Anne. "Du maniaque à l'insouciance, la stratégie du costume chez les chorégraphes contemporains." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010585.

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Abstract:
En danse contemporaine, le champs du costume recouvre un large domaine, allant du nu à une quasi accessoirisation du corps, en passant par la fripe ou des tenues diversement élaborées. Réelle interface entre le corps du danseur et le regard du spectateur, le costume reste trop souvent du domaine de l'évidence, ne bénéficiant que rarement d'une attention dans les discours relatifs à la danse. C'est la relation entre les costumiers et les chorégraphes que nous nous proposons de regarder ici de plus près, au-delà des relations trop souvent obscures qui lient costume et danse. Après un retour dans l'histoire, (Noverre, le ballet romantique, Loie Füller, Isadora Duncan, les ballets russes, parade, Marie Wigman, le Bauhaus, Martha Graham, Merce Cunningham, Alvin Nikolais, Pina Bausch), nous nous penchons plus précisément sur la définition, l'analyse du costume, avant d'en proposer une typologie en danse contemporaine. Les chorégraphes Daniel Larrieu, Maguy Marin, Karine Saporta, Hervé Robbe, Régine Chopinot, Philippe Découfle, et Jean-Claude Gallotta ont été interrogés. Pour Dominique Bagouet, disparu au moment de l'étude, nous avons écouté ce qu'en disaient ceux qui avaient travaillé avec lui. Pour certains, un costumier « majeur » c'est le cas de Dominique Fabrègue pour Bagouet, de Philippe Guillotel pour Decoufle ou de Jean-Yves Langlais pour Gallotta. Pour d'autres, de fréquents changements. Autant d'orientations esthétiques et de solutions pratiques pour intégrer le costume dans le projet chorégraphique, qui en viennent à nous préciser les instants et instances de création. Le choix du costume est-il finalement le résultat d'une stratégie de la part du chorégraphe, ou bien résulte-t-il d'un ensemble de conjonctions et de faits empiriquement établis ? Cette dernière analyse nous mène, en forme de conclusion, à nous demander si l'on peut réellement parler en termes de stratégie lorsqu'il s'agit des démarches des chorégraphes pour mener à bien leur projet. Nous avons tenté de cerner la possibilité de suivre et d'analyser la venue du costume dans la chorégraphie, avec ce que nous ont livré les uns et les autres, aides de traces, photos, schémas, empreintes, afin de soutenir le propos et d'essayer d'aller à la rencontre de ce dont nous supposons l'existence, à savoir une stratégie de définition visuelle des corps sur scène.
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Nguimfack-Perault, Sylvie. "Une approche ethnologique du costume de spectacle, de ceux qui le portent à ceux qui le fabriquent : identité, savoir faire et transmission." Paris 7, 1999. http://www.theses.fr/1999PA070117.

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Abstract:
On reconnaît l'individu de spectacle à son allure. On ne peut confondre l'acrobate avec la danseuse, la tragédienne avec le clown. Le costume de scène conjugué à l'attitude du corps constitue un puissant indicateur implicite sur le personnage représenté. Dans ce cadre, la danse et en particulier le music-hall où le paraître est porté à son comble constituent une référence obligée. La formation pour passer du statut de danseuse à celui de Girl est identique à une forme d'initiation. On en retrouve les ingrédients : le choc émotionnel (l'audition), l'isolement (la formation), la régression (le statut de "fille" qui est un statut de personne dépendante), la perte du moi (la conscience émoussée du sujet et le baptême en signe d'appartenance au groupe). Une mémoire spécifique est activée dès lors que le costume de scène st porté car c'est en fonction du port et des contraintes qu'il implique que la mémoire se construit. C'est aussi le passage définitif de la personne au personnage. La fabrication de ces costumes se fait par des artisans spécialisés : les artisans du spectacle. Représentants de savoir faire existants depuis le treizième siècle, ils se sont adaptés à l'utilisation de matériaux nouveaux. Ils sont les seuls à vivre l'état naissant de la création et le passage de la matière brute - à dompter - à l'objet fini, celui de l'esquisse à plat au volume. Ils sont tributaires du travail des uns et des autres tandis que l'artiste rassemble et porte chaque pièce du costume. Cependant les ateliers ferment un à un car leur économie n'est pas en adéquation avec cette fin de siècle. Quel avenir pour la jeune création, alors ? Quel devenir et quelle transmission pour ces savoir faire ?
We recognize the artist in the way he's dressed. We can't confuse between an acrobat and a dancer or a tragedian and a clown. The stage costume associated to a body attitude constitutes a strong indicator about the represented character. In the domain of dance, Music Hall is particularly interesting because of the extravagance of the stage costume. It will be our reference. The formation to become Girl is similar to an initiation. The observer will find all ingredients : emotional shock (audition), loneliness (during fomation) regression (being a Girl means depend on somebody), the new personality and the dull consciousness, the baptism as a sign of belonging to a new community. As a link of this particular formation, the body will have a new memory going beyond the fact of knowing dancing. This fact starts when one wears the stage costume and it's according to this fact that dancing bodies built specific memory. The making of these stage costumes needs a specific knowledge. Specialized handcrafts men possess it. They represent old french corporation of XIIIth century. They adapted ancient knowledge to new raw material. They are the only one to live the birth estate of creation : the transition of raw material to an object, from the esquiss to the volume. All handcrafts men depend on the others to see their creation in a full existence when the artist gathers and wears each part of the costume. However, workshops close one by one because of inadaptated economy. How will creation be going on ? How will knowledge be transmitted ?
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Juchet, Aurore. "Les costumes de scène et leurs dessinateurs à Paris au temps du Romantisme 1825-1850 : le triomphe du costume historique." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100164.

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Abstract:
Au début du XIXe siècle, il était encore fréquent de voir sur scène des acteurs jouer ensemble dans une même représentation vêtus de costumes de différents styles et différentes époques. Pourtant, depuis le milieu du XVIIIe siècle, un vaste mouvement de réforme s’était engagé visant à rétablir la vérité historique dans le costume. Mais ce n’est finalement qu’entre 1825 et 1850 que les costumes historiques, élaborés par des artistes à partir de sources archéologiques et de documents anciens s’imposèrent véritablement sur la scène tant au théâtre qu’à l’opéra. L’intérêt nouveau du public pour tout ce qui touchait à l’Histoire contribua largement à cette réforme. La vie réelle avec ses décors et ses costumes s’invita sur la scène. Drames romantiques et grands opéras offrirent un déploiement de détails pittoresques et d’éléments de couleur locale. Les auteurs tels que Victor Hugo et Alexandre Dumas firent appel à leurs amis peintres pour dessiner les maquettes des costumes de leurs drames : Louis Boulanger pour le premier, Eugène Giraud pour le second. Ce dernier fut également le dessinateur des costume pour le Théâtre Français. A l’Opéra, le dessinateur Paul Lormier s’imposa comme le grand spécialiste du costume historique. Il s’y consacra exclusivement pendant plus de cinquante ans, devenant à ce titre le premier dessinateur professionnel de costume. Durant cette période, le nombre de costumes de scène augmenta considérablement : chaque époque, chaque catégorie de population devant être représentée avec ses propres costumes. Par conséquent, la réforme des costumes de scène eut également des répercussions sur les acteurs et sur les ateliers de confection des théâtres
At the begining of the nineteenth century, it was quite normal to see actors dressed with costumes from different style and period playing together in a same play. Nevertheless, since the middle of the eighteenth century, began a reform in order to impose the right costume to the stage. But until 1825-1850 there was not great result. With the romantics at theater and opera, the historic costumes created by artists based archeological and historical documents became essential. The real life with décor and costume invaded the stage. Romantic dramas and french “Grand Opéra” were full of pitoresque and local colour. Writers like Victor Hugo or Alexandre Dumas asked their friend Louis boulanger and Eugène Giraud, two painter for creating the costumes of their plays. Paul Lormier was the costume’s designer of the “Académie de Musique”. He was considered as the best historical costume designer. As he worked his all life at the Opera, he could be considered as the first professional costume designer. During this time, the number of costume explosed since it was necessary to have costumes for each period, each category of person. Consequently, this reform changed also lot of things for actors and theater costumes workshop
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Vamos, Julianna. "Labyrinthe d'une peau commune : observation et analyse d'une création collective." Paris 10, 1986. http://www.theses.fr/1986PA100020.

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Viémont, Gaëlle. "Les costumiers, ces orfèvres d'un art dramaturgique sans nom : assises, enjeux et perspectives d'un secteur professionnel méconnu." Thesis, Strasbourg, 2018. http://www.theses.fr/2018STRAC016.

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Abstract:
Cette thèse cherche à comprendre et à analyser les fondements historiques, sociaux, culturels et genrés d’une méconnaissance et d’une sous-valorisation actuelles des costumiers et des costumières, en accordant un primat à leur parole propre. Traitant des origines théoriques de l’art costumier à partir de l’apparition de l’appellation professionnelle consacrée, la première partie retrace le parcours et les luttes multiples de Pierre-Nicolas Sarrazin, en cherchant à identifier les motifs de l’échec de la valorisation professionnelle entreprise par ce dernier au XVIIIe siècle. La deuxième partie présente, à partir de l’analyse d’un recueil d’entretiens de costumiers d’aujourd’hui, les notions de métiers de service et de rapport de commande, de genre et de « souci de l’autre » comme étant les caractéristiques de cette activité professionnelle, et autant de leviers potentiels d’oppression. Enfin, la troisième partie étudie la carrière de Dominique Fabrègue – spécialiste de la coupe en un morceau – en tant que « fabrique » d’une œuvre dont la portée est esthétique et critique, de manière à défendre l’idée que l’art costumier constitue un art à part entière, qui pour être second dans l’élaboration d’un spectacle, n’est pas pour autant secondaire
This work aims at analyzing the historical, social, cultural and gender factors responsible for the current undermining of the costume designers and makers profession. The first part consists in a historical research onthe theoretical origins of the Art of Costume starting with the appearance of the professional vocable - Costumier - invented by Pierre-Nicolas Sarrazin, as well as a study of the means this latter used to promote his field of work during the 18th century and how he came to fail. The second part is an interview-collection (2013 to 2016) - based reflection on the order nature of the work, the gender characterization of the workers and « care » as a creative motivation. It demonstrates how these specifics are potential ways to oppress the costume designers and makers and to deny them the appreciation and salary they deserve. The third part is an a esthetic critique of Costume Designer Dominique Fabrègue’s career, and the « Cut in one piece » Artwork she specialized in. This section argues that the discipline of designing costumes is an Art in full, and as it may come second in the process of putting on a play, is not for all that secondary and shouldn’t be considered assuch
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Books on the topic "Créateur de costumes"

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Michel Robichaud. [Montréal]: Éditions de l'Homme, 1988.

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Musée des arts décoratifs de la ville de Lausanne. Jeunes créateurs de Suisse romande: La mode et la création de bijoux : du 6 février au 9 mars 1997. Lausanne: Musée des arts décoratifs, 1997.

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United States Institute for Theatre Technology, ed. Late & great: American designers 1960-2010. Syracuse, N.Y: U.S. Institute for Theatre Technology, 2010.

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Montreal Museum of Fine Arts, ed. The fashion world of Jean Paul Gaultier: From the sidewalk to the catwalk. Montreal: Museum of Fine Arts, 2011.

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Staff, Musée Galliéra. Fashion Mix : Mode D'ici: Créateurs D'ailleurs. Flammarion et Cie, 2015.

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Sims, Joshua. Fashion (Collins Gem). HarperCollins (UK), 2000.

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Fashion (Collins Gem). HarperCollins (UK), 2000.

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History of the Theatre Costume Business. Taylor & Francis Group, 2021.

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Morris, Gregory, Rachel Pollock, and Triffin Morris. History of the Theatre Costume Business. Taylor & Francis Group, 2021.

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10

La Mode au XXe siecle. Thames & Hudson, 2003.

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