Dissertations / Theses on the topic 'Cinéma – États-Unis – 1945-1960'

Quelle image le cinéma de Hollywood projette-t-il de la société américaine? Pour répondre à cette question 99 films à succès produits entre 1985 et 1994 ont été analysés. Le genre, le ton et les thèmes qui les définissent sont mis en parallèle avec les mythes, les modes et les courants de pensée qui caractérisent les américains de cette fin de siècle. Les genres natifs aux États-Unis, tels que le western, le dessin animé ou la comédie musicale, se sont greffés sur d'autres, donnant au film commercial américain une identité nouvelle qui parle à l'inconscient collectif des spectateurs. Les intrigues, qui tendent à s'écarter du rationnel et accordent une place croissante au surnaturel et à l'anticipation, s'articulent parfois autour de la personnalité de l'acteur principal qui donne sa version personnelle du héros américain. Le ton se veut réaliste. Le vocabulaire est familier, voire vulgaire. La violence est crue, la sexualité explicite. Même si la nudité est rare. Il semblerait donc que la censure ait disparu. Pourtant, elle a souvent pris une autre forme, celle du respect des règles tacites d'une représentation politiquement correcte de la société américaine. Hollywood se penche sur la crise d'identité qui fait suite à la fin des trente glorieuses et à la défaite du Viêt-Nam. Ses films montrent, d'une part, la fission de la famille nucléaire et, d'autre part, la lutte entre des héros solitaires et les institutions corrompues. Le droit à la réussite sociale et la poursuite du bonheur s'accompagne de devoirs, tel que celui de défendre les principes de la démocratie. Mais un individu déterminé, qui croit en lui, en dieu et en l'Amérique, triomphe toujours des forces du mal. De l'image déformée que Hollywood projette de la société, ressort la pérennité du rêve américain et des valeurs qui le sous-tendent
What image of American society does Hollywood project? To answer this question, 99 blockbusters, produced between 1985 and 1994, have been analysed for their genre, their tone and their themes, all of which are drawn from the fads, myths and tends of thought which characterize America at the end of this century. Indigenous American genres, such as the western, the cartoon, or the musical, have been grafted onto others, creating a new identity for commercial films which directly addresses the audience's collective unconscious. The plots increasingly depart from the rational and venture into the supernatural and a fictional world of science. Spiralling around the personality of a central actor who provides his interpretation of the classic American hero. The tone of these films attempts to be realistic. The vocabulary is usually colloquial and often profane. Violence is graphic, sex explicit, though prefrontal or total nudity seldom makes an appearance. One could easily conclude that censorship has all but disappeared. However, it has merely taken another form: the unswerving observance of the tacit rules governing the politically-correct American society. The identity crisis in the United States, which followed the post-war years of economic prosperity and the defeat in Vietnam, are reflected in Hollywood’s blockbusters. These films reveal the fission of the nuclear family, and the incessant duel between solitary heroes and corrupt or ineffectual social and political institutions. The right to succeed and the pursuit of happiness are accompanied by societal duties, such as the defence of democratic principles. A determined individual who believes in god, America and himself, always defeats evil. The deformed image of American society projected on the screen by the blockbusters bears testimony to the fact that the American dream, in all its mythical splendour, is alive and well, and thriving in Hollywood

Le travail developpe dans cette these s'appuie sur des donnees cinematographiques et analyse, sur l'echelle d'une decennie, l'evolution de la representation filmique du phenomene de l'adolescence, apparu aux etats-unis au debut des annees cinquante. Notre problematique s'articule autour de deux points : - le premier est d'ordre evenementiel. Il concerne les chocs intenses vecus par l'opinion publique americaine lors de la sortie des films suivants : l'equipee sauvage en 1953, graine de violence et la fureur de vivre en 1955. Ces films proposaient une vision de la jeunesse totalement inedite, montrant l'univers desordonne et violent d'un groupe social en pleine formation. - d'ordre structurel, le second point se rapporte a la maniere dont se sont edifies, cinematographiquement parlant, l'archetype puis le stereotype de l'adolescent. Materialisee par le passage de films surles adolescents aux films pour les adolescents, cette perspective nous a offert la possibilite d'explorer l'elaboration d'une conscience collective particuliere
The arguments developed in this thesis lean on cinematographics data and analyse how the phenomenon of adolescence appeared, simultaneously, in the american pictures and society of the fifties. Our general approach is based on two initial points : - the first one may be qualified as historical. It concerns the shocks endured by the american society when the wild one (1953), blackboard jungle or rebel without a cause (both in 1935) were projected. Effectively, these movies proposed an original vision of american youth, for they showed the violent and desorganised universe of an active and, up to this date, ignored social group. - the second point is sociological and must be related to the way that movies builded up the archetype and the stereotype of adolescence. Studying the passage from the pictures on adolescence to the pictures for adolescents, we explored the elaboration of a critical social thought

Cette these s'interesse a l'approche socio-historique du cinema a travers le film noir americain des annees quarante et cinquante et le melodrame comme genre. L'utilisation par le film noir du modele melodramatique est concu comme le moyen utilise par l'epoque pour projeter un commentaire, un point de vue, qui caracterisent un ensemble de significations qu'une societe a cherche a se donner pour elle-meme. Deux qualites particulieres au film noir sont retenues : la reference a un genre narratif (le melodrame) et l'expression d'un sentiment (la desillusion). Le melodrame est un genre de longue duree, caracterise par des representations multiples dans le temps et dans l'espace mais identifiable a un noyau formel specifique qu'il est possible de lier a un contenu ideologique relativement stable. En utilisant certaines figures et themes melodramatiques, le film noir leur attribue une fonction. Quant a la desillusion, elle est concue d'apres la definition qu'en donne freud qui permet d'isoler deux observations : la relation du sentiment avec une conception de l'autre et le rapport que cela implique avec les figures de doubles et la repetition ; d'autre part, une disposition particuliere a l'egard de la croyance
This thesis is devoted to a socio-historical approach to cinema through a study of american film noir of the 1940s and 1950s, and of melodrama as a genre. The use by film noir of the melodramatic model is presented as a means of projecting a commentary, a point of view, which characterizes a set of meanings through which a society attempted to describe itself. Two specific qualities of film noire are singled out : its reference to a narrative genre (melodrama) and its expression of a particular feeling (disillusion). Melodrama is distinguished by multiple representations in time and space which remain linked to a specific formal core that determines its own relatively stable ideological content. Film noir, in using certain melodramatic figures and themes, assigns to them a different function. Disillusion is defined by freud, and allows two observation : the expression of a concept of the other (a relationship which is implied through the figure of the double and through repetition), and a specific disposition, created by the feeling of disillusion, toward belief

Les tribunaux et les juges, dont l'influence ne cesse de s'etendre aux etats-unis, ont depuis longtemps envahi l'imagerie hollywoodienne, et le theme du proces est au centre de tres nombreux films de fiction. Il s'agit d'etudier le sens des images de la justice contenues dans ces productions, a travers l'analyse d'un certain nombre de drames judiciaires representatifs : twelve angry men de lumet,anatomy of a murder de preminger, to kill a mockingbird de mulligan, amistad de spielberg, et bien d'autres. . . L'audience du tribunal apparait comme une sorte de petit theatre de l'amerique ou se jouent des tragedies, ou s'expriment des en jeux nationaux, ou se reglent des conflits de societe. Cette recherche met en avant les contradictions liees a ces films : d'une part, on peut considerer que les proces, au cinema, participent d'une vision ideale, voir ideologique de l'amerique. Ils tendent a presenter le fonctionnement exemplaire d'un modele de democratie, reposant sur des institutions judiciaires solides et efficaces ; ils exaltent un certain nombre de valeurs federatrices, liees au reve americain : le proces est la vitrine d'une justice garantie par la loi et la constitution. En tantque tribune, il permet aussi d'apporter une solution eclatante aux dysfonctionnements de la societe, par l'arbitrage d'un juge ou d'un jury. D'autre part, ces films revelent aussi, indirectement, des crises profondes, des angoisses nationales, des fractures politiques et sociales. La solution judiciaire, exemplaire en apparence, laisse parfois transparaitre une realite sociale accablante ou devoile des comportements humains inquietants, qui illustrent aussi l'ambiguite du genre.

Le but principal du film de fiction classique est de faire en sorte que le spectateur adhere aux valeurs de la societe dans laquelle il a ete realise et de le disposer a une action reelle, expression et actualisation de ces valeurs. Il s'agit, en fait, d'impliquer le spectateur dans le film et de l'orienter vers ces valeurs. L'implicatioin s'effectue dans la mesure ou l'experience fictive apparait comme une experience possible et actualisable. L'orientation duspectateur vers des valeurs est, elle, mise en oeuvre grace a l'orientation des desirs des personnages et a l'accent mis sur la desirabilite des valeurs
The main aim of the classical fiction film is to make the spectator cling to some values which come from the society in which the film is produced. The film leads the spectator to express those social values in actual life. The question is to involve the spectator in the film and to make him stick to these values. The implication will be achieved through the introduction of the fictitious experience in the field of the possible and reproductible experience. The orientation will be actual through the orientation of the character's desires and by the emphasis put on the attraction for these values

A la suite de la deuxieme guerre mondiale et de la fermeture de la frontiere, le cinema americain repercuta la crise d'identite qui secoua le pays et reconsidera les valeurs qu'il avait traditionnellement vehiculee. Dans les annees cinquante et soixante, il modifia son infrastructure, deploya des themes qui illustrerent le malaise de la societe (particulierement la revolte de la jeunesse) et experimenta une ecriture nouvelle dont l'incoherence refleta l'epoque. Aggravee par la guerre du viet nam, cette crise trouva une "pseudo" resolution dans les annees quatre-vingt
After the second world war and the closing of the frontier, the american movies echoed the identity crisis which shook the country and reconsidered values. The had traditionally conveyed. In the fifties and the sixties, the cinema's infrastructure was altered; the medium developed themes which illustrated the society's ill-being (stressing the youth rebellion) and tried out a new kind of writing which reflected the general incoherence of the time. Increased by the viet nam war, this crisis came to a "pseude" resolution in the eighties

L'histoire du star system cinématographique américain a donné lieu à un mythe : celui de sa mort autour de 1960. Bien qu'il s'agisse là d'un réel mythe, certains théroriciens et journalistes continuent de prétendre que le star system n'existe plus. Une nouvelle conceptualisation du terme « star system » propose une solution à ce conflit : une qui différencie entre un « star system classique » et un « néo-star system ». Autre aspect central relié à ce phénomène : la relation entre la mode et la beauté d'un côté, et le fonctionnement du star system de l'autre. En traitant la star de « système de mode et de beauté » en rapport avec l'histoire du star system, il est évident que ce dernier persiste nécessairement au-delà des années 60
The history of the American star system has given rise to a myth: the system's death around 1960. Even though it really is nothing else but a myth, certain theorists and journalists continue to pretend that the star system does not exist anymore. A new conceptualization of the term « star system » proposes a solution to this conflict: one that distinguishes between a « classical star system » and a « neo-star system ». Another central aspect linked to the phenomenon is: the relation between fashion and beauty on the one hand, and the function of the star system on the other. In dealing with the star as a « fashion and beauty system » as related to the American star system, it is obvious that this system necessarily continues to exist after the 60s

Les années quarante ont vu l'émergence d'un mouvement esthétique original que le film noir synthétise en se démarquant des conventions alors en vogue à Hollywood. Surveillé par la censure en raison du contenu subversif qui le caractérise, le film noir convoque une série de stéréotypes dont l'étude nous permet de mesurer l'influence du politique et de l'idéologique sur son mode de représentation. Structures narratives et mode de représentation travaillent de concert à la création d'une mythologie (la femme est fatale tandis que le héros est dit "hard boiled") que l'industrie cinématographique va abondamment exploiter dans sa stratégie commerciale. Le film noir révèle l'instabilité des codes qui servent à représenter le féminin et le masculin, suggère l'ambiguité des désirs qui poussent à l'acte meurtrier, fouille l'inconscient des êtres en proie à des pulsions morbides à travers les lumières contrastées qui composent l'espace. La criminalité apparaît comme le symptôme d'une véritable crise d'identité sociale et individuelle, semant dès les années cinquante les racines d'un mal que l'on voit exploser dans la violence du polar et du film néo-noir. Modernité et postmodernité ont affecté la relation de l'individu à l'espace social, à lui-même, comme elles ont transformé le statut de l'image dans la société. Le film noir et ses avatars trahissent les angoisses qui accompagnent une évolution incontrôlable, remplissent toujours une fonction politique à l'intéérieur du pays, invitant à un questionnement des valeurs individuelles et collectives à travers l'investigation de crimes dont l'horreur va croissante. Le film néo-noir interroge directement la culture et la civilisation postmodernes, s'amuse à déconstruitre les codes cinématographiques du film noir afin de mettre l'accent sur l'artificialité de la construction des images qui nous entourent et nous représentent, mais dont les enjeux nous échappent
Classical Hollywood narratives are characterized by a set of conventions which film noir shattered as it emerged in the 1940s. Not only did the newly born genre disrespect the realist effect that ruled representation in classical films while playing upon mise en scene, but it also proved quite subversive as far as content is concerned. It relied on a series of stereotypes (the femme is fatale while the hero is hardboiled) that need to be recognized and analyzed in order to understand why film noir was closely watched by censorship. No doubt the political power of film noir was enhanced by its narrative structure and its mode of representation, implicitly referring to mythological narratives and figures, which the film industry also endowed with a commercial purpose. Film noir plays on the expressionist quality of black and white in order to express the ambiguity of desires leading individuals to the margins of crime, thus emphasizing that instabilities of gender were already incipient in the forties. Violence has pervaded the genre while laying stress on the urban crisis and expressing the psychological conflicts undermining the individual's sense of identity. The study of crime and violence in film noir and neo-film noir allows us to understand how modernity and postmodernity have affected the relationship of the individual to his environment and to himself. Film noir echoes the troubles caused by the transformation of society into a modern world whereas neo-film reflects the social and identity crisis triggered by a postmodern state and a new cultural and economic order. Postmodern aesthetics questions the rules of cinematic representation while deconstructing the genre, thus demystifying the American set of values vulgarized by Hollywood films and cinema itself

Les films americains realises dans le cadre du studio system, des debuts du parlant a la fin des annees cinquante, constituent un ensemble esthetique exceptionnel ; en entreprenant l'histoire des agencements rhetoriques qui y sont a l'oeuvre, on peut tenter de comprendre, par-dela des explications economiques, psychologiques ou sociales souvent incompletes, la fascination qu'exercent durablement les grands modeles hollywoodiens. L'etude de l'ellipse constitue une etape de cette entreprise. L'ellipse, figure determinante du langage comme du recit litteraire, figure-cle dans la rhetorique narrative du film, l'est encore plus dans une cinematographie hollywoodienne qui manifeste un talent naturel pour une vision elliptique du monde. Cette vision sera abordee, dans une premiere partie d'analyses, a travers quatre variations sur l'ellipse temporelle classique: le systeme narratif du melodrame, le montage frequentatif ou sommaire, l'ouverture et l'ellipse de metamorphose. Dans la seconde partie d'analyses, l'ellipse se verra elargir au champ plus vaste du travail elliptique, en tant qu'il affecte la representation de l'espace et de l'acteur, le style de grands cineastes reputes pour leur sens du raccourci; en tant qu'il gouverne non seulement l'efficacite du recit mais sa portee morale; reflechir sur l'ellipse, c'est aussi, en etudiant cet operateur elliptique que fut le code de production, voir tout ce qui se joue dans les cruciales articulations dramatiques de l'instant sexuel et de l'instant mortel, et dont la mise en images, ou en non-images, est souvent un choix non seulement ideologique mais philosophique
The american films made under the studio system, from the coming of sound to the end of the 1950s, represent an exceptional aesthetic group ; to undertake the history of the rhetorical arrangements which are at work in this group is to try to understand, beyond often-incomplete economic, psychological or social explanations, the lasting fascination exerted by the great hollywood models. The study of ellipsis represents a forward step in this enterprise. Ellipsis, a key element both of language and of literary narration, is also a keystone to the rhetorical narrative of any film, and even more so within hollywood film-making, which displays a natural ability to shape an elliptical world vision. This vision will be treated, first, through analyses of four variations on the classic temporal ellipsis : the narrative structure of melodrama, the + montage sequence ; or summary, the overture, and, finally, the ellipsis as it shelters a wide range of physical and psychological character metamorphoses. The second group of analyses considers the larger subject of the elliptical work as it affects the representation of space and of the actor, as well as the style of film-makers known for their sense of abbreviation. The ellipsis governs not only the efficiency of the narration but also its moral weight. Thus studying the elliptical influence represented by the production code means reflecting upon that which was at play in the crucial dramatic articulations of the sexual moment and the mortal moment, the capture of which, either in images or non-images, expresses in many ways an option that is not only ideological but also philosophical

Le classicisme hollywoodien permet d’explorer la variété des sens que revêt au cinéma le concept de réalité à partir de fragments de réalité matérielle enregistrés, du réalisme ontologique qui s’y attache, de la réalité diégétique qui constitue l’univers des films, et de la réalité philosophique, qui renvoie le spectateur à son être propre par le partage de l’expérience de personnages auxquels il s’identifie. Par l’instrumentalisation de ces réalités relatives, Hollywood crée une nouvelle forme de récit qu’alimenteront la littérature, les mythes et la psychanalyse, participant à la diffusion d’un fonds culturel commun à tous les Américains. Parce que la réalité cinématographique n’est pas ce que croit le spectateur, elle a naturellement partie liée avec le rêve et le fantasme, justifiant une réflexion sur leurs interrelations et sur la dynamique de transformation de l’art cinématographique qui se joue dans ces interrelations.Les mondes hollywoodiens, soumis à l’ imaginaire et au désir des cinéastes, n’ont que l’apparence du nôtre, jusqu’aux mondes intérieurs dont les portes nous seront ouvertes par Hollywood à travers la représentation des rêves, créant une hybridité entre réalité, rêve et fantasme. Mais un doute se créera chez le spectateur à qui on aura fait croire au rêve et au fantasme autant qu’à la réalité, et ce doute mettra en péril la « suspension d’incrédulité » qui avait fait le succès d’Hollywood et contribuera à la fin du classicisme, le rêve ayant contaminé la fiction
Through classical Hollywood cinema, one can explore the broad variety of meanings that the concept of reality has in cinema: fragments of recorded reality material, the ontological realism that is attached to it, the narrative reality that constitutes the universe of films, and the philosophical reality that transports the viewer back to his own self by sharing the experience of characters with whom he identifies. Through the instrumentalisation of these relative realities, Hollywood creates a new form of narrative that nourishes literature, myths and psychoanalysis, and help spread a common cultural background to all Americans. Because cinematographic reality is not what the audience believes it is, it is naturally linked with dream and fantasy, justifying thoughts on their inter-relationships and on the dynamics of the transformation of cinematographic art that is played out in these inter-relationships.Subjects of the imagination and desire of filmmakers, the worlds created by Hollywood merely have the appearance of our world. This even encompasses inner worlds, whose doors will be opened to us through the representation of dreams, creating a hybridity between reality, dream and fantasy. But a doubt will be created in the spectator, who has been made to believe equally in dreams, fantasy and reality, and this doubt will jeopardize the "suspension of disbelief" that has made Hollywood successful, ultimately contributing to the end of classicism; the dream having contaminated fiction

Le paysage cinematographique est toujours une image complexe aux liens profonds avec les autres arts de l'image (peinture, photographie etc. ); le concept d'image-paysage definit ici le cinema comme producteur d'intertextes visuels et pas seulement comme narrateur d'intrigues; dans les auteurs classiques americains l'analyse des plans de paysage montre l'epaisseur iconologique du film et la culture du paysage comme "nature" et "ville". Le cinema apparait comme le retour differe des questions iconologiques dans un art populaire (western, melodrame, policier)
Cinematographic landscape is always as an intricated image witch has important and profound links with the other arts of the image (peinting, photography, etc. ); the concept of image-landscape is the definition of cinema like a production of visual intertexts and not only like a "narrateur" (teller) of plots. In american classics authors the analysis of landscape shots shows the iconological layers of the film text and the culture of landscape as "country" and "tows". Movies appear like the retourned difference of iconological questions into a visual art which is mostly popular (western, melodrame, thriller)

Le cinéma est ici considéré comme un fait social et comme un produit culturel susceptible de véhiculer des positions idéologiques. De plus, en ce qui concerne les Etats-Unis, une liaison intime entre film et nation se dégage de l'histoire du pays. Il s'est alors agi de déterminer si, durant deux décennies charnières, les années 30 et les années 90, Hollywood a développé une vision homogène de l'idéal national. Ainsi, malgré l'existence de nombreux débats concernant la forme de l'Etat fédéral ou la définition de la citoyeneté, la démocratie de l'homme du peuple paraît avoir été érigée en un absolu politique et social par le cinéma des années trente. De la même manière, alors qu'ils sont souvent décrits comme ne possédant aucune cohérence thématique ou stylistique, les films hollywoodiens de la dernière décennie du vingtième siècle se sont révélés porteurs d'une image unifiée de la société idéale, essentiellement définie par les caractéristiques idéales typiques d'un modèle technocratique
Cinema here is considered as a social event and as a cultural product liable to convey ideological stances. Moreover, as regards the United States, an intimate connection between film and nation emerges from the very story of the country. It has therefore been a matter of determining whether, during two transition decades, the 30's and the 90's, Hollywood developed an homogeneous vision of the national ideal. Thus, in spite of the existence of numerous debates concerning the form of the federal state or the definition of citizenship, the democracy of the common man seems to have been raised to the status of a political and social absolute by the cinema of the 30's. In the same manner, although they are often described as devoid of any thematic or stylistic coherence, Hollywood movies from the last decade of the XXth century have actually proved to be conveying a unified picture of the ideal society, perfectly defined by the typical ideal characteristics of a technocratic model

Dans l’œuvre de John Cassavetes et de Martin Scorsese, la folie s’incarne selon deux modalités opposées: affectivité débordante chez l’un, enfermement mental et pulsion destructrice chez l’autre. La représentation de la folie implante dans l’image cinématographique une théâtralité spécifique, dont cette thèse explore les dimensions. La théâtralité d’un film peut d’abord être engendrée par le travail sur l’espace. Il est alors reconfiguré aux dimensions de la scène de théâtre, et affranchi du réalisme traditionnellement rattaché au cinéma. La représentation se resserre sur l’acteur qui incarne des personnages hystériques (chez Cassavetes) ou histrioniques (chez Scorsese). La mise en scène de ces troubles de la personnalité intimement liés au regard de l’autre et à la surexpressivité injecte une forte théâtralité dans l’image filmique. Or, cette intensité, voire cette violence, font de la folie un objet de représentation problématique. Lorsque l’image est fascinante, elle aliène le regard du spectateur qui n’est plus en mesure de penser la représentation. Intervient alors une autredimension de la théâtralité, envisagée comme dispositif permettant d’affranchir le regard du spectateur. Chacun à leur manière, Cassavetes ouvrant la voie, les deux cinéastes ont tenté d’investir le cinéma indépendant américain d’un pouvoir d’émancipation face à un medium dont ils savaient pleinement la puissance
In their films, John Cassavetes and Martin Scorsese portray madness in opposite ways: exuberant affectivity for the former, and mental isolation and destructive impulse for the latter. The representation of madness embeds in the filmic image a specific theatricality, which this thesis explores more in depth.One can produce theatricality in a film firstly by working on the space itself, whose dimensions are reconfigured to match those of a stage and is freed of the elements of realism traditionally associated with cinema. The focus is turned fully on the actor who embodies characters that are hysterical (Cassavetes) or histrionic (Scorsese). The staging (or mise en scene) of these personality disorders, intimately linked to the gaze of the other and to superexpressivity, injects theatricality into the filmic image. However, this intensity, or even violence, makes madness a problematic object of representation. When the image is fascinating, it alienates the gaze of the viewer who can no longer think (reflect on?) about the performance. That’s when another dimension of theatricality intervenes, as a way to free the viewer’s gaze. Both filmmakers, with Cassavetes paving the way, have in their own specific ways, attempted to invest independent American cinema with a capacity for emancipation in the face of a medium whose power they only knew too well

Cette thèse se concentre sur une poignée de films hollywoodiens se situant à Berlin (les Berlin- Films) au début de la Guerre froide, plus exactement de la fin de la Seconde Guerre mondiale (1945) à la construction du Mur de Berlin (1961). D'un point de vue théorique, cette thèse se concentre sur la vision que ces films nous offrent de la Guerre froide, une période de tensions et de conflits idéologiques et politiques entre les États Unis et l'URSS (et leurs alliés respectifs). Ici, la Guerre froide sera étudiée au prisme notamment des gender studies et plus précisément des rapports sociaux de genre au sein de la ville de Berlin, symbole de la défaite de l'Allemagne nazie, mais aussi d'une future Allemagne dénazifiée, démilitarisée, décentralisée, désindustrialisée, et démocratique (comme préconisé lors de la conférence de Potsdam, 1945). La ville de Berlin est aussi perçue comme largement féminisée et sous l'égide américaine. En d'autres termes, elle se propose d'analyser la sensibilité du cinéma hollywoodien (mais aussi ouest- et est- allemands) aux bouleversements induits dans le champ des rapports sociaux de genre et familiaux par la Guerre froide, et plus généralement par des facteurs externes (production, distribution, réception, considérations commerciales, diplomatiques et historiques). Bien que revêtant un caractère documentaire indéniable pour les spectateurs américains de l'époque (à qui ces films étaient principalement adressés) en ce qui concerne la défaite de l'Allemagne, la réception des Berlin-Films, tant par la presse que par les spectateurs, est partagée entre un désir de réalisme et une volonté de fuir le quotidien. De nombreux critiques ont souvent pointé du doigt le fait que les films constituant notre corpus réduisaient les relations internationales États Unis/Allemagne à une somme d'invariants ou à un ensemble de stéréotypes. Transformant un conflit politique en un conflit romantique, le couple GI/Fräulein deviendrait alors une allégorie des relations internationales. Or, repenser la victoire des États Unis (ou la défaite de l'Allemagne) au prisme des rapports de genre nous permet de réfléchir au traditionnel antagonisme stéréotypé vainqueur/vaincu, mais aussi à ses évolutions étudiées par des historiens tels que Michaela Hoenicke Moore ou Brian Etheridge. Ces histoires d'amour tournées à l'étranger, dans une quête perpétuelle de réalisme, participeraient ainsi à la réorientation d'un récit centré sur la Seconde Guerre mondiale et le nazisme à un récit centré sur la Guerre froide et le communisme. Elles deviendraient une illustration de la transformation idéologique du rapport américain à leurs anciens adversaires (d'ennemis à alliés), transformation qui, dans les Berlin-Films, serait permise par des personnages aux identités abîmées, fluctuantes et instables, en particulier chez les personnages féminins
This thesis focuses on a handful of Hollywood films set in Berlin (Berlin-Films) in the early years of the Cold War, from the end of World War II (1945) to the construction of the Berlin Wall (1961). In this thesis, theoretical emphasis is placed on the perspective these films provide on the Cold War, a period marked by ideological and political tensions and conflicts between the United States and the USSR (and their respective allies). The Cold War will be examined here through the lens of gender studies, specifically analyzing the gender-based social relations within the city of Berlin, symbolizing the defeat of Nazi Germany and the vision of a future denazified, demilitarized, decentralized, deindustrialized, and democratized Germany (as advocated by the Potsdam Conference in 1945). Berlin is also portrayed as significantly feminized and under American influence. In other words, this thesis aims to analyze the sensitivity of Hollywood cinema (but also West and East German films) to the upheavals induced in the field of gender and family social relations by the Cold War and external factors such as production, distribution, reception, commercial, diplomatic, and historical considerations. Even though they provide undeniable documentary features for the American moviegoers of that time (to whom these films were primarily addressed) regarding Germany's defeat, the reception of these Berlin-Films, both by the press and the spectators, seems divided between a desire for realism and a wish to escape daily life. Many critics have often criticized these films for reducing U.S./Germany international relations to a set of invariants or a collection of stereotypes. Transforming a political conflict into a romantic one, the GI/Fräulein couple becomes an allegory of international relations. However, rethinking the victory of the United-States (or the defeat of Germany) through the lens of gender relations allows us to reconsider the traditional stereotyped victor/vanquished antagonism and its evolutions studied by historians such as Michaela Hoenicke Moore or Brian Etheridge. These runaway romances set abroad, in a perpetual quest for realism, thus help the Americans negotiate the reorientation of a story centered on World War II and Nazism to one focused on the Cold War and Communism. They exemplify the ideological transformation of the American relationship with their former adversaries (from enemies to allies), a transformation illustrated by characters with damaged, fluctuating and unstable identities, especially among female protagonists in the Berlin-Films

Bien que le terme « film noir » soit généralement réservé au cinéma hollywoodien, cette appellation a en réalité été forgée dans la France des années 1930 pour désigner des films français, et elle renvoie plutôt à une forme transnationale, circulant entre l’Europe et Hollywood. C’est à ce titre que l’on se propose de l’étudier dans le cinéma hexagonal, en montrant que le genre noir s’inscrit en France dans le cadre d’une tradition ancienne, et en analysant l’évolution du « film noir français » après-guerre, selon une approche historique et culturelle. En postulant que le film noir est indissociable d’un discours sur la modernité, cette thèse montre qu’il existe trois actualisations de la forme « noire » dans la France de 1946-1960, qui témoignent chacune des ambivalences d’une nation en transition, devant négocier le basculement entre l’Occupation et l’entrée dans la société de consommation : le « réalisme noir » exprime un fort pessimisme ayant des implications nostalgiques, masculinistes et nationalistes ; la « série noire pour rire » propose au contraire une réappropriation ludique de l’Histoire et de la modernité ; le film de gangsters confronte des personnages vieillissants marqués par la guerre aux mutations contemporaines et à l’American way of life. Par sa diversité même, le film noir français illustre ainsi les contradictions de la France d’après-guerre : désireuse de se plonger dans l’avenir mais obsédée par son passé traumatique, en partie séduite par la « tentation américaine » mais déterminée à conserver sa « francité »
Although the term « film noir » is generally associated with Hollywood cinema, this generic label was originally coined in France in reference to French films made in the 1930s, and the « noir » genre defines a transnational form which circulated between Europe and Hollywood. We intend to study « noir » films in French cinema through this lens, highlighting that the genre is rooted in an old French tradition. Our analysis of the evolution of French film noir foregrounds historical and cultural aspects, positing that film noir articulates a critical discourse on modernity. This doctoral thesis shows that the « noir » form underwent changes which evidenced the ambivalence of identity in a nation in transition between 1946 and 1960, that had to negotiate the cultural shift from Occupation to the Consumer society : the « noir realism » cycle expressed a strong pessimism that has nostalgic, masculinist and nationalist implications, in opposition to the « série noire pour rire » which illustrated a playful reappropriation of History and modernity ; last but not least, gangster films built on the contrast between older characters, marked by the burdens of war, and contemporary mutations, including the development of the American way of life in France. Through its diversity, French film noir reveals the contradictions of post-war French society : the country was keen to dive into the future but obsessed with its traumatic past ; in part seduced by the « American model », it was however determined to keep its « French identity »

Cette thèse explore les masculinités comme un terrain pluridisciplinaire pour penser les rapportsde pouvoir. A partir d’un rapprochement entre les films musicaux et les mélodrames réalisés parJacques Demy et Vincente Minnelli, ce travail examine les performances masculines dans lecontexte de l’après-guerre. Cette période de transformations sociales voit l’avènementd’une culture filmique transatlantique qui interroge et remet en cause les normes liées au genreet à la sexualité. Articulant approches esthétique et actorale, l’étude de la mise en scène met aujour la production de discours genrés ambivalents, historicisés en fonction des spécificités socio-culturelles propres aux cadres de production hollywoodien et français. Le film musical et lemélodrame, dans leur esthétique camp, se révèlent des lieux de négociations identitaires où seconstruit un rapport inédit au politique. On montre ici que les deux cinéastes, réunis par leur stylemélodramatique analogue, imaginent et rêvent des modèles de masculinités alternatives fondéessur des valeurs empathiques. Devant la caméra, la vulnérabilité, les émotions et les grandssentiments deviennent des armes politiques pour refonder et réinventer la communauté
This thesis explores masculinities as a multidisciplinary field for thinking power relations. By connecting musical films and melodramas by Jacques Demy and Vincente Minnelli, this work examines male performances in the post-war context. This period of social transformations has given rise to the emergence of a transatlantic film culture that questions and challenges normsrelated to gender and sexuality. Articulating aesthetic and cultural studies approaches, the study of mise en scène brings to light the production of ambivalent gendered discourses, historicized according to the specific socio-cultural aspect of Hollywood and French film production environments. Musical films and melodramas, through their camp aesthetics, reveal themselvesas spaces of identity negotiation where an unprecedented rapport with politics is constructed. Both filmmakers, united by their similar melodramatic style, imagine and dream about models of alternative masculinities based on empathic values. In front of the camera, vulnerability, emotions and strong feelings become political weapons to refound and reinvent the community