Academic literature on the topic 'Cinéma de création'
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Journal articles on the topic "Cinéma de création":
1
Bellemare, Denis, and Paula Morgado Dias Lopes. "La création d’un partenariat." Recherches amérindiennes au Québec 48, no. 1-2 (November 5, 2018): 143–53. http://dx.doi.org/10.7202/1053711ar.
Abstract:
Cet article est le fruit de la rencontre de deux chercheurs, issus de formations distinctes, l’une en anthropologie, l’autre en cinéma, et de leurs réflexions sur le développement d’un partenariat de recherche avec des communautés autochtones du Brésil et du Canada. Leur principal objectif est de nourrir un dialogue toujours en processus sur leur travail de collaboration en termes d’approches participatives. Leurs objectifs, souvent communs, témoignent aussi de la différence de leurs approches, d’où l’importance de la dimension comparative engagée tout au long de cet article. La création, ici en cinéma, se veut un outil de transmission culturelle où les membres des communautés autochtones sont les acteurs et auteurs de leurs produits de diffusion.
2
Bouchard, Vincent. "Cinema van et Interpreter. Deux éléments fondamentaux du système de propagande britannique." Cinémas 20, no. 1 (February 17, 2010): 23–44. http://dx.doi.org/10.7202/039283ar.
Abstract:
Résumé Cet article décrit et analyse la création du Colonial Film Unit (CFU) par le gouvernement britannique au début de la Seconde Guerre mondiale. Le CFU était chargé de gérer la production et la distribution des films éducatifs dans les colonies britanniques. Afin de replacer le système colonial de projection cinématographique dans le contexte du cinéma éducatif britannique, ce texte présente les principales caractéristiques des expériences qui ont influencé la création du CFU (Nigeria Health Propaganda et Bantu Educational Cinema Experiment). Enfin, il souligne les aspects novateurs des réseaux mis en place en Gold Coast, en décrivant la place du cinema van et de l’Interpreter dans le système colonial de propagande cinématographique et en analysant comment ce dispositif de projection structure de manière très spécifique l’activité des spectateurs.
3
Lichaa, Flora. "Éthique et création dans la Chine contemporaine : du cinéma indépendant au cinéma d’auteur." Cahiers d'Outre-Mer 71, no. 277 (January 1, 2018): 191–212. http://dx.doi.org/10.4000/com.8988.
4
Cohen, Tamar, and Jérôme Bourdon. "Journalistes, professionnels du cinéma, universitaires… ou citoyens ? Les critiques de cinéma en Israël." Le Temps des médias 41, no. 2 (October 20, 2023): 133–50. http://dx.doi.org/10.3917/tdm.041.0133.
Abstract:
Fondé sur des entretiens semi-directifs avec onze critiques de cinéma israéliens complétés par une analyse de leur présence digitale, cet article suggère que, dans le contexte d’un renouveau d’une création cinématographique soutenue par les pouvoirs publics, avec des succès internationaux notables, les critiques israéliens ont surmonté la menace de dilution de leur travail dans le monde numérique et négocié un statut spécifique à l’intersection de trois mondes, l’industrie du cinéma, l’académie et le journalisme. Ils fonctionnent comme des « marginaux sécants », exportant dans chaque monde les ressources des autres, sans appartenir pleinement à aucun. De plus, dans une nation inquiète de son image internationale, ils développent un rôle public dans l’exaltation du cinéma national.
5
Lebrat, Christian. "[no title]." Art Libraries Journal 17, no. 1 (1992): 18–19. http://dx.doi.org/10.1017/s0307472200007574.
Abstract:
Il n’y a pas de relation directe, mais de contiguïté, entre mon travail d’artiste et celui de bibliothécaire.En tant qu’artiste – j’ai commencé avec le film en 1976 puis la photographie en 1978 – j’ai toujours été intéressé par le livre: j’ai participé dans les années 70 à la création d’une revue d’art (Melba) et m’occupe aujourd’hui d’une petite maison d’édition consacrée au cinéma comme forme d’art (Paris vu par le cinéma d’avant-garde 1923-1983; Peter Kubelka).
6
Leduc, Véro. "Est-Ce Vraiment une Bande Dessinée? Langues des Signes, Déconstruction et Intermédialité." Canadian Journal of Disability Studies 8, no. 1 (February 21, 2019): 58–97. http://dx.doi.org/10.15353/cjds.v8i1.471.
Abstract:
La bande dessinée est un medium pensé en 2D et souvent déployé sur papier (Falardeau, 2008). Comment en créer une en langue des signes québécoise (LSQ), cette langue tridimensionnelle (3D) dont la vidéo s’avère la meilleure forme d’écriture ? Une bande dessinée vidéo… est-ce encore une BD ?
C’est tombé dans l’oreille d’une Sourde est une bande dessignée, néologisme créé pour désigner cette bande dessinée bilingue vidéographiée en langue des signes québécoise (LSQ) et en français. Produite à partir d’extraits de rencontres avec des personnes sourdes et des membres de ma famille entendante réalisées dans le cadre de ma thèse de recherche-création, elle propose diverses réflexions sur la sourditude (Ladd, 2005), ce concept qui englobe les diverses manières de vivre comme personnes sourdes et de réfléchir aux enjeux que cela soulève.
Chassé-croisé entre écriture créative en français, citations thématiques en LSQ et extraits de ma thèse inédite, cette contribution propose une réflexion, dans une posture de déconstruction, sur la création signée (en langues des signes) et l’intermédialité, en prenant comme site particulier la production d’une BD en LSQ, une création aux confins de la bande dessinée, de la littérature et du cinéma. L’article aborde notamment un survol des systèmes d’écriture en langue des signes, une réflexion sur la déconstruction de la bande dessinée entendante et une exploration de l’intermédialité comme site d’agentivité. Si « l’écriture est la condition de l’epistémè » (Derrida, 1967), la recherche-création à travers les médias numériques favorise cette écriture signée nécessaire à la création de savoirs et de productions culturelles en langues des signes.
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Langlois, Philippe. "Musique contemporaine et cinéma : panorama d’un territoire sans frontières." Circuit 26, no. 3 (December 23, 2016): 11–25. http://dx.doi.org/10.7202/1038514ar.
Abstract:
Musique contemporaine et images cinématographiques ont une histoire en commun qui s’est illustrée tout au long du xxe siècle par la richesse et l’inventivité qui ont résulté de leur rencontre. Dans le contexte cinématographique, la musique contemporaine ne se déploie plus seulement dans la sphère du cinéma expérimental et d’avant-garde, mais touche un plus large public du fait de son emploi de plus en plus fréquent dans le cinéma de fiction, le documentaire de création ou le cinéma d’auteur. L’influence de la musique concrète et électroacoustique après 1945, l’influence du courant minimaliste américain à partir de 1960-1970 et l’apparition du postmodernisme dans les années 1980 constituent les jalons qui ont décuplé l’étendue des possibilités de dialogue audiovisuel.
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Perraton, Charles, and Nathalie Bouchard. "Montrer, dire et saisir l’espace dans le cinéma des premiers temps : le cas du Great Train Robbery." Cinémas 5, no. 3 (February 28, 2011): 9–27. http://dx.doi.org/10.7202/1001144ar.
Abstract:
Les deux auteurs retracent ici, à travers une analyse serrée du film The Great Train Robbery (1903), quelles stratégies ont été déployées par le réalisateur E. S. Porter et quelles compétences ont été exigées des spectateurs dans la création d’un nouvel espace filmique. Au coeur des mouvances stylistiques traversant le cinéma des premiers temps, le film émerge du croisement de deux systèmes cinématographiques : l’esthétique de l’attraction et l’esthétique de la narration. Cette hybridité encourage une liberté d’expérimentation de la part du créateur et des spectateurs, elle ouvre à la création d’un contexte encyclopédique inédit et à la production de nouvelles règles de lecture de l’espace filmique.
9
Queiroz Lambach, Claudia Maria. "Le spectateur mobile: une entrevue avec Roger Odin." INTERIN 27, no. 1 (December 28, 2021): 178–87. http://dx.doi.org/10.35168/1980-5276.utp.interin.2022.vol27.n1.pp178-187.
Abstract:
Roger Odin est l'un des plus importants représentants de la pensée sémiologique française. Tout au long de sa carrière, il a construit un modèle de communication tentant d'articuler une approche pragmatique et immanentiste, dans un modèle qu'il qualifie de sémio-pragmatique. Odin est professeur émérite à l'Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3 et il a été directeur de l'Institut de recherche sur le cinéma et l’audiovisuel (IRCAV). Parmi les divers thèmes de recherche sur lesquels il travaille, tels que : le cinéma, la télévision, le cinéma amateur, les films de famille, notamment, Odin explore aussi la production audiovisuelle réalisée avec un téléphone mobile.
Depuis 2012, l'université organise une série de séminaires académiques annuels tels que le colloque international organisé par le groupe de recherche « Mobile et création ». L'objectif de ces rencontres est d'échanger sur la création audiovisuelle tournée avec les nouveaux supports de communication. De nombreux sujets à cet égard ont déjà été abordés. En décembre 2020, le colloque intitulé « Pandemix.mob » s’est concentré vis-à-vis de la pandémie. À cette occasion, Odin a commencé son séminaire en utilisant un livre-masque (Fig. 1) qui était un objet créé afin d’affronter la réalité. Il a également présenté un court-métrage, « Méfiez-vous de la crypte », concernant ses propositions, réalisé avec un téléphone mobile pendant le confinement dans une ferme en France. C'est à propos de ce travail et de cette expérience avec le téléphone mobile que nous aimerions l’interviewer.
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Queiroz, Aída. "Cinéma d’animation brésilien. Entre liberté de création et contraintes du marché." Cinémas d’Amérique latine, no. 27 (April 1, 2019): 82–91. http://dx.doi.org/10.4000/cinelatino.5966.
Dissertations / Theses on the topic "Cinéma de création":
1
Philippe, Gaëlle. "Le remake-actualisation : une norme de création universelle ?" Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030046/document.
Abstract:
Un remake-actualisation est un film reprenant l’intrigue et les personnages d’un film de même nationalité réalisé antérieurement. Le remake entretient donc une relation hypertextuelle avec son film source. Cependant, la réalité de son hypertextualité s’avère paradoxale à tous les stades de son existence. Sa production met en lumière différentes dynamiques qui ne coïncident pas nécessairement avec sa déclaration et encore moins avec son interprétation. Le remake cherche donc à se construire en tant que création tout en maintenant un lien plus ou moins marqué avec le film original. Qu’il soit télévisuel ou cinématographique, le remake devient le lieu de confrontation des différentes conceptions du média en question. Mais l’objet répond-il à une norme de création universelle ?L’universalité relative de l’objet illustre à la fois une unification de la conception la plus industrielle du cinéma et de la télévision et une nouvelle façon d’appréhender la création audiovisuelleAn updating remake is a movie which takes the plot and the characters from a filmof the same nationality released earlier. The remade film develops an hypertextualrelationship with its model. However, its hypertextuality is paradoxical at every stages ofits existence.Its production highlights different working-rules which do not necessarily match itsdeclaration or interpretation. The remake film aims at building itself as a creation and atthe same time, at maintaining a link more or less emphasized with the original motionpicture. Televised or cinematographic, the remake becomes the confrontation place of thedifferent media views. But does the object answer to a universal creative rule?The relative universality of the remakes both shows a unification of the mostindustrial conception of cinema and television and a new way to apprehend the audiovisualcreation
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Bourehla, Hedia. "La tradition orale, source d'inspiration à la création cinématographique arabe." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010604.
Abstract:
La tradition orale est un mode de communication traditionnelle qui a joué un rôle primordial quant à la transmission du savoir et des connaissances dans la culture arabo-musulmane. L'avènement de l'Islam et son expansion a permis à la société arabe de passer d'une culture orale à une culture visuelle, celle de l'écrit et de la représentation malgré l'opposition religieuse aux arts de l'image. Plusieurs formes de représentation sont apparues. On peut citer la calligraphie qui est devenue un moyen de figurer par l'écrit, la miniature, la peinture, le théâtre d'ombres, le théâtre occidental et les arts de l'image fixe et en mouvement. L'adoption de ces nouvelles formes de communication par la société arabe a permis à la tradition orale d'affirmer son pouvoir d'adaptation et d'être une source d'inspiration pour ses artistes créateurs. En revanche, elle a fait perdre à la tradition orale sa place d'autrefois - l'unique gardienne de la mémoire collective-. La création audiovisuelle comme un des supports d'adaptation de la tradition orale, a rencontré plusieurs problèmes car c'est une technique étrangère à la société arabe. Des initiatives de sauvegarde et de revalorisation de ce patrimoine traditionnel ont été faites par des producteurs et des cinéastes arabes. Le cinéma et la télévision peuvent être les meilleurs moyens pour préserver des éléments de la tradition orale. Toutefois, le passage du récit oral au récit cinématographique entrainera nécessairement une modification de la forme du langage, du temps et de l'espace. L'analyse des films inspirés de la tradition orale démontre d'une part, que l'attitude du cinéaste envers son patrimoine varie d'une personne à l'autre car elle suit ses exigences morales et intellectuelles. D'autre part, que le récit oral et le conte peut être producteur de nouvelles formes narratives dans le cinéma arabe et une des sources de son authenticitéThe oral tradition is a mode of traditional way of communication that has played a key role as a vehicle of the knowledge transmission in the arabo-islamic culture. The advent of the Islam and its expansion has led to a major change from an "oral type culture" to a "visual type culture" based mainly on written documents, and image figuration, thus, dispite the religion opposition to the image reproduction. Among the many representation modes that had appeared at that time, calligraphy, which became a new artistic way of writing, the miniature, the painting, the shadow theater, the western theater and in general arts of the image ether fixed or in movement, were from the most important artistic changes. Those new communication moves had evolved as major ways of communication, the oral tradition which had been the unique vehicle for the collective memory storage has to adapt effectively itself to remain as a source of inspiration for artists and creators. One of the most obvious new adaptation mode of the oral tradition that had appeared, the audiovisual creation was one from the most significant. But the audiovisual creation faced many problems mainly because it was a technique imported from foreigner countries. Many trials of the safeguard of the oral tradition have been carried out by several producers and film makers from the oral world the cinema and the television indeed way and do represent the best way to preserve the basic elements of the oral tradition. However the transition from an oral tradition to an image representation tradition (i. E. Cinematographic account) will necessarly lead to a change in the langage form. The analysis of some films made directors form the arab culture, and inspired from earther oral traditio, illustrates the different attitude of the arab film directors towards the inherited patrimony which varies from one to another depending on this moral and intellectual standards in life. Nevertheless, and despite the difficulties faced by the arab oral tradition in integrating completly transmission mode (i. E, cinema), the oral account can without doubt generate new narrative forms in the arab cinema and can be one of the most significant source of its authenticity
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Kim, Yang-Hee. "Habiter à la frontière : une question géopolitique vue par le cinéma." Thesis, Paris, EHESS, 2019. http://www.theses.fr/2019EHES0162.
Abstract:
J'ai commencé mon projet en questionnant l'habiter par des voies artistiques et cinématographiques ; il se poursuit sous forme d’un mémoire de thèse, en se confrontant à des textes philosophiques et théoriques. La présente thèse est issue très directement de mes expériences effectives sur le terrain et de mes travaux visuels (cinéma, photographie, installations). Néanmoins elle ne traite pas non plus directement, ni de mes expériences, ni de mes travaux visuels : ils en sont le fondement empirique, les fondations concrètes, et les idées que je peux émettre ici sont toujours fondées sur l’analyse du lien entre le cinéma et ces zones si particulières, les frontières, telle que me l’a inspirée une perception sensible exercée sur plus de quatre années. J’ai voulu ici engager une réflexion aussi analytique et aussi conceptuelle que possible, mais sans jamais quitter mon point de vue premier, celui d’une cinéaste pour qui son sujet a d’abord été incarné dans une poétique (et dans une phénoménologie) : c’est par cette quête du lien identitaire attaché à un lieu (de naissance, d’habitation stable), tel celui de protagonistes ou d’auteurs vivant dans un état « déterritorialisé », que j’ai décidé de construire ma thèse, à travers l’analyse des films, de fiction ou documentairesI started my project by a questioning of the notion of inhabiting, through artistic and cinematic ways. It is going on here under the form of a more intellectual and analytical research, where philosophical and theoretical issues are tackled. This dissertation arises very directly from my actual and personal field experience, and is a development of a large part of my visual works (films, photographies, installations). However, it does not deal immediately with this experience or with these works: they stand, rather, as its empirical foundation, its concrete core. The ideas that I am proffering here are all based on an analysis of the link between cinema at large and the quite particular physical zones designed as “borders” – as inspired by a sensitive perception exerted over a span of more than four years. I am striving here to engage in a consideration of the question, as analytical and as conceptual as possible, without ever abandoning my original point of view, that of a filmmaker whose subject has been embodied in a poetics and in a phenomenology. It is through such a quest of the identity link that one recognizes with a given place (one’s birthplace, a location where one dwells in a stable way), and particularly, in the case of protagonists or authors living in a “deterritorialized” way, that I have endeavoured to put together this thesis, by analyzing, on a par, fiction films and documentaries
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Park, Heui-Tae. "Deux modes fondamentaux de la création cinématographique : au-delà de l'émotion (Takeski Kitano) et au-delà du visible (Hong Sangsoo)." Thesis, Montpellier 3, 2010. http://www.theses.fr/2010MON30095.
Abstract:
Selon le philosophe Gilles Deleuze, l’arrivée du néo-réalisme italien constitue le point de passage entre une forme classique du cinéma (L’image-mouvement) et une forme moderne (L’image-temps) entre le cinéma moderne. Une telle distinction est largement approuvée par les théoriciens, les critiques les historiens du cinéma. Loin de correspondre à unerupture historique, elle renvoie à deux types de cinéma qui possèdent leurs propres caractéristiques. Cette étude envisage dans un premier temps d’aborder, à partir de la typologie deleuzienne, les spécificités de chacun de ces régimes du point de vue de la création. Les films de Takeshi Kitano, cinéaste japonais, et Hong Sangsoo, cinéaste coréen, sont analysés selon cette perspective. Les premiers présentent effectivement une structure basée sur un régime classique, tandis que les seconds se fondent sur les caractéristiques du cinéma dit moderne. Leur analyse permet aussi de suivre le processuscréatif de ces deux réalisateurs reconnus internationalement. Cette étude tente, dans un deuxième temps, de montrer qu’ils s’inscrivent dans une perspective universelle sur le plan de la créationAccording to the studies of French philosopher Gilles Deleuze, the arrival of Italian neorealism is the crossing point between a classic form of film (The movement-image) and a modern one (The time-image). Such a distinction is widely endorsed by theorists, critics and historians of films. Far from corresponding to a historical rupture, it refers to two types of films that have their own characteristics. This study intends initially to approach, from Deleuze's typology, the specifics of each of these regimes in terms of creation. The films of Takeshi Kitano, Japanese filmmaker, and Hong Sangsoo, Korean director, are analyzed under this prospect. The former represent a structure based on a classical scheme, while the latter is based on the characteristics of modern film. The analyst also allows following the creative process of these two internationally renowned filmmakers. This study attempts secondly to illustrate that they have a universal perspective in terms of creation
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Buyer, Véronique. "Le Mur comme catégorie esthétique centrale dans la création cinématographique de Michelangelo Antonioni (et quelques liens transfilmiques)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080070.
Abstract:
Au-delà de l'importance de l'espace dans l’œuvre de Michelangelo Antonioni, considérer le mur permet de mettre en évidence le rapport entre le corps sensible des personnages et leur environnement à partir de cet élément à échelle humaine et de découvrir que le mur apparaît également dans des configurations qui ne font plus appel à la notion de volume, mais à celle, métacinématographique, d'écran. En examinant les différents aspects que le terme « mur » recouvre dans l’œuvre, mon propos s'attache à démontrer que si le mur devient catégorie esthétique c'est par son omniprésence à l'écran mais aussi par sa capacité à s'étendre à toutes les dimensions de la fable. La thèse s'organise selon deux idées-cinéma : le mur-objet – qui considère le mur selon son acception la plus concrète – et le mur-écran – pour souligner la proximité du mur, devenu surface, avec l'écran cinématographique. À chaque étape, des lignes transversales sont tendues vers d'autres œuvres et d'autres arts. À partir du mur, élément en apparence stable et immuable, se dévoile un mouvement de libération inhérent à l’œuvre. Les murs sont surfaces de déplacements, formes en mouvement qui entraînent les personnages le long des lignes de déterritorialisation qu'ils proposent. Comme dans sa réalité concrète entre deux espaces, le mur se situe toujours à une limite. Penser le mur, c'est se confronter à cette limite, lieu de basculement, lieu d'instabilitéBeyond the importance of spaces in Michelangelo Antonioni's work, considering the wall allows to highlight the relationships between the characters' sensitive bodies and their environment from this human scale element and to discover that the wall also appears in configurations which do not depend on the notion of volume but on the metacinematographic notion of screen. By studying the various aspects the term "wall" recovers, I attempt to demonstrate that the wall becomes esthetic category by its omnipresence but also by its capacity to extend in all the dimensions of the fable. The thesis is organized according to two ideas-cinemas: the wall-object - which considers the wall according to its most concrete meaning - and the wall-screen - to underline the closeness of the wall, as a surface, with the film screen. In every stage, transverse lines are tightened towards other works and other arts. From this seemingly stable and unchanging element unfold a movement of liberation inherent to the work. Walls are surfaces of movements, forms in movement which lead the characters along the lines of deterritorialisation they propose. As in its concrete reality between two spaces, the wall is always on a limit. Considering the wall is confronting with this limit, this place of shift and instability
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Hallé, Esther. "Antonio Pietrangeli, critique et création (1940-1965). : pensées du réalisme cinématographique." Thesis, Normandie, 2017. http://www.theses.fr/2017NORMC042.
Abstract:
Antonio Pietrangeli (1919-1968) est une figure incontournable du paysage cinématographique italien, en tant que critique tout au long des années 1940, puis comme réalisateur à partir de 1953. Formé par les débats critiques qui ont accompagné l’élaboration du néoréalisme, il place son premier film (Le Soleil dans les yeux, 1953) sous les auspices d’une saison néoréaliste finissante, ensuite réélaborée à travers un réalisme conçu sous les termes de la perte et de l’inachèvement, dont on trouve un écho dans son attention à la condition féminine. La présente étude propose une première monographie en langue française sur l’œuvre de Pietrangeli, conduite d’après l’ambition d’établir un dialogue entre son œuvre critique et filmique. L’hypothèse d’une pensée pietrangelienne du réalisme cinématographique, en mettant au jour des modalités de pensée spécifiques à la critique et la création, permet d’établir un dialogue dans lequel la question réaliste apparaît comme un outil conceptuel, qui éclaire la contribution de Pietrangeli à l’élaboration d’une modernité cinématographique. Les trois premiers chapitres retracent un « combat réaliste » qui s’inscrit pleinement dans l’historiographie du néoréalisme italien et se caractérise par sa spécificité morale. Elle annonce une transition épistémologique d’après laquelle la pensée du cinéma s’éloigne d’une tradition idéaliste au profit de perspectives existentielles, incarnées dans une filmographie où le réel, devenu objet de doute, dessine une phénoménologie sceptique que nous aborderons dans les quatrième et cinquième chapitresAntonio Pietrangeli (1919-1968) has been a prominent figure in Italian cinema, as a critic throughout the 1940’s and as a director from 1953. As an actor in the critical debates during the elaboration of neorealism, Pietrangeli places his first film (Empty Eyes, 1953) under the auspices of a neorealist ending season. This style will evolve afterwards towards a realism conceived under the concepts of loss and incompleteness, which is particularly visible in the light of his concern to the condition of women. The present study proposes the first french-language monography about the work of Pietrangeli, with the ambition to establish a dialogue between his critical and filmic work. The hypothesis of a Pietrangelian conception of cinematographic realism, by revealing specific relations between critics and creation, established a dialogue where the realistic question appears as a conceptual tool, which enlightens Pietrangeli's contribution to the elaboration of a cinematic modernism. The first three chapters trace back a "realistic struggle", which is fully part of Italian neorealism’s historiography, and is characterized by its moral specificity. It announces an epistemological transition, meaning that the conception of cinema moves away from an idealistic tradition in favor of existential perspectives, embodied in a filmography where reality, becoming questionable, indicates a skeptical phenomenology, which constitutes the core of the fourth and fifth chapters
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Gutman, Pierre-Simon. "La création d'une communauté américaine dans le cinéma de Michael Cimino." Paris 7, 2008. http://www.theses.fr/2008PA070060.
Abstract:
Le statut actuel de Michael Cimino dans l'histoire du cinéma américain est très particulier, presque non existant. Le cinéaste a pourtant posé des questions essentielles sur l'identité américaine. Dans la trilogie centrale de son œuvre (Voyage au bout de l'enfer, La Porte du paradis, L'Année du dragon), Cimino fait de la guerre du Vietnam le point zéro de son histoire américaine. Il resitue son cinéma dans la tradition classique hollywoodienne qui, de Griffith à Ford en passant par Cimino, a également constitué l'identité nationale. Cimino y ajoute une notion de doute typique des années 1970 et de l'après Vietnam. Cette trilogie présente des personnages en apparence différents, mais qui appartiennent tous à une communauté similaire, composé d'immigrés aux origines salves. Le cinéaste observe donc l'intégration progressive de cette communauté au cœur de la société américaine. Il évoque ainsi la possibilité d'une identité nationale bâtie sur la violence, le conflit permanent. Ce conflit se lit également dans une lutte des classes, générée par le culte du profit d'une certaine société américaine. Tous ces éléments font du meltingpot une entité complexe, qui ne tient, en fin de compte, que par des rites rigides, capables de maintenir ensemble les composantes divers de cette nation. C'es peut-être parce que Cimino s'est interrogé sur l'aspect instable et inachevé de la communauté américaine que son œuvre continue de susciter un certain rejet dans son propre pays. Michael Cimino's current status in the history of american cinema is very particular, even almost non existent This film maker has asked essentials questions about the american identity. In the trilogy, which constitutes the center of his work (The Deer Hunter, Heaven 's Gate, Year ofthe Dragon}, Cimino takes the Vietnam war to make it the point zero of his own american history. He sets his cinema in the classical hollywood tradition thaï from Griffith to Ford, has always helped build the national identity. Cimino adds the shadow of a doubt, typical from the post Vietnam era. The trilogy presents characters apparently differents, but who all belong to a similar community, made of immigrants with russian roots. The director observes the gradual adaptation of this community in the heart of american society. He evokes the possibility of a national identity built on violence, permanent struggle. The struggle can also be read in a war of classes, provoked by-greed of a certain american society. All these elements turn the melting pot into a very complex entity, who can only barely be held by the observation of strict rituals, able to put together all the different faces of this nation. Maybe the fact Cimino asked questions about the instable and unfinished nature of the melting pot can explain the rejection his movies still suffer in the United States today
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Buyer, Véronique. "Le Mur comme catégorie esthétique centrale dans la création cinématographique de Michelangelo Antonioni (et quelques liens transfilmiques)." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080070.
Abstract:
Au-delà de l'importance de l'espace dans l’œuvre de Michelangelo Antonioni, considérer le mur permet de mettre en évidence le rapport entre le corps sensible des personnages et leur environnement à partir de cet élément à échelle humaine et de découvrir que le mur apparaît également dans des configurations qui ne font plus appel à la notion de volume, mais à celle, métacinématographique, d'écran. En examinant les différents aspects que le terme « mur » recouvre dans l’œuvre, mon propos s'attache à démontrer que si le mur devient catégorie esthétique c'est par son omniprésence à l'écran mais aussi par sa capacité à s'étendre à toutes les dimensions de la fable. La thèse s'organise selon deux idées-cinéma : le mur-objet – qui considère le mur selon son acception la plus concrète – et le mur-écran – pour souligner la proximité du mur, devenu surface, avec l'écran cinématographique. À chaque étape, des lignes transversales sont tendues vers d'autres œuvres et d'autres arts. À partir du mur, élément en apparence stable et immuable, se dévoile un mouvement de libération inhérent à l’œuvre. Les murs sont surfaces de déplacements, formes en mouvement qui entraînent les personnages le long des lignes de déterritorialisation qu'ils proposent. Comme dans sa réalité concrète entre deux espaces, le mur se situe toujours à une limite. Penser le mur, c'est se confronter à cette limite, lieu de basculement, lieu d'instabilitéBeyond the importance of spaces in Michelangelo Antonioni's work, considering the wall allows to highlight the relationships between the characters' sensitive bodies and their environment from this human scale element and to discover that the wall also appears in configurations which do not depend on the notion of volume but on the metacinematographic notion of screen. By studying the various aspects the term "wall" recovers, I attempt to demonstrate that the wall becomes esthetic category by its omnipresence but also by its capacity to extend in all the dimensions of the fable. The thesis is organized according to two ideas-cinemas: the wall-object - which considers the wall according to its most concrete meaning - and the wall-screen - to underline the closeness of the wall, as a surface, with the film screen. In every stage, transverse lines are tightened towards other works and other arts. From this seemingly stable and unchanging element unfold a movement of liberation inherent to the work. Walls are surfaces of movements, forms in movement which lead the characters along the lines of deterritorialisation they propose. As in its concrete reality between two spaces, the wall is always on a limit. Considering the wall is confronting with this limit, this place of shift and instability
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Martz-Kuhn, Émilie. "Écritures scéniques de la catastrophe humaine dans le théâtre contemporain - Étude de cas & recherche-création." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30048/30048.pdf.
Abstract:
Cette thèse de doctorat en littérature et arts de la scène et de l’écran examine les écritures scéniques de la catastrophe humaine dans le théâtre contemporain. Elle explore les dynamiques qui sous-tendent la représentation de la barbarie au sein de formes spectaculaires marquées par une forte dimension visuelle. Divisé en deux volets – un premier, critique et un second, pratique –, le travail s’articule d’abord autour d’un corpus composé de trois spectacles : Kamp du collectif Hotel Modern, Rwanda 94 du Groupov et Rouge décanté signé par Guy Cassiers. En observant les œuvres à la lumière de la complexité et en les abordant à l’aide d’une approche systémique, l’étude tente de révéler les mouvements – esthétiques, perceptifs et thématiques – qui animent ces écritures hétérogènes. La seconde partie de la thèse rend compte d’un processus d’expérimentation mené dans l’espace scénique. Ce dernier, consacré à esquisser une création artistique originale, questionne les mémoires occidentales du génocide des Tutsi du Rwanda. L’expérience pratique fait écho à plusieurs des problématiques soulevées par l’investigation critique et propose une autre forme de réflexion, menée directement sur le plateau. Mots clés : Théâtre contemporain, Recherche-création, Complexité, Génocide, Images, Europe.This doctoral thesis in performing arts looks into scenic writings of human disasters in contemporary theatre. It examines dynamics underlying the representation of barbarism within spectacular forms imprinted with a visual dimension. Split into two parts – a first one, critical and a second one, practical -, the work is firstly structured around a corpus composed of three shows : Kamp of the Hotel Modern group, Rwanda 94 of Groupov and Rouge décanté by Guy Cassiers. Through the observation of the works in the light of the complexity and by analysing it with a systemic approach, the study attempts to reveal the moves – aesthetic, perceptive and thematic – that drive these heterogeneous writings. The second part of the thesis deals with a process of experimentation led in the scenic space. The latter, dedicated to outline an original artistic creation, questions occidental memories on the Tutsi genocide in Rwanda. The practical experience echoes back to several issues raised by the critical investigation and proposes another form of reflection, directly led on the stage. Keywords : Contemporary theatre, Research-creation, Complexity, Genocide, Images, Europe.
10
Dallaire, Frédéric. "Création sonore et cinéma contemporain : la pensée et la pratique du mixage." Thèse, Paris 10, 2014. http://hdl.handle.net/1866/11587.
Abstract:
Notre thèse décrit et analyse les conditions esthétiques, matérielles et idéelles qui rendent possibles les agencements sonores du cinéma contemporain. Au cours des 30 dernières années, le raffinement des outils de manipulation du son, l’importance grandissante du concepteur sonore et le nouvel espace de cohabitation des sons (favorisé par le Dolby et la diffusion multicanal) sont des facteurs qui ont transformé la création et l’écoute du son au cinéma. Ces transformations révèlent un nouveau paradigme : le mixage s’est graduellement imposé comme le geste perceptif et créateur qui rend compte de la sensibilité contemporaine. Notre thèse explore les effets de la pensée du mixage (qui procède par résonance, simultanéité, dosage et modulation) sur notre écoute et notre compréhension de l'expérience cinématographique. À l'aide de paroles de concepteurs sonores (Murch, Beaugrand, Thom, Allard…), de textes théoriques sur le son filmique (Cardinal, Chion, Campan), de documentaires sur des musiciens improvisateurs (Lussier, Glennie, Frith), de films de fiction à la dimension sonore affirmée (Denis, Van Sant), de textes philosophiques sur la perception (Leibniz, James, Straus, Szendy…), d'analyses du dispositif sonore cinématographique, notre thèse rend audibles des tensions, des récurrences, de nouveaux agencements, des problèmes actuels et inactuels qui forgent et orientent l'écoute du théoricien, du créateur et de l'auditeur. En interrogeant la dimension sonore de la perception, de l’action, de l’espace et de la pensée, cette thèse a pour objectif de modifier la façon dont on écoute, crée et pense le son au cinéma.This thesis describes and analyzes the esthetic, material and conceptual conditions that make the acoustic structures of contemporary cinema possible. The refinement of tools used for manipulating sound, the growing importance the sound designer and the emergence of a new space for sounds to coexist in (brought on by Dolby and multichannel sound systems) are factors that, over the past 30 years, have transformed the way we work with and listen to sound in film. These transformations reveal a new paradigm: mixing gradually imposed itself as the creative and perceptual act capable of accounting for our contemporary sensibility. This thesis explores the effects of the “thought process of mixing” (which functions by resonance, simultaneity, dosage and modulation) on the way we hear and understand the cinematographic experience. Working from the accounts of sound designers (Murch, Beaugrand, Thom Allard…), theoretical texts on film sound (Cardinal, Chion, Campam), documentaries on improvisational musicians (Lussier, Glennie, Frith), fiction films with a acute acoustic sensibility (Denis, Van Sant), philosophical texts on perception (Leibniz, James, Straus, Szendy…) and analyses of the cinematographic sound apparatus, this thesis renders audible the tensions, the recurrences, the structural connections and the problems, old and new, that forge and direct the theoretician, the artist and the auditor’s way of listening. By questioning the auditory dimension of perception, action, space and thought, this thesis aims to change the way we hear, create and think cinema.
Books on the topic "Cinéma de création":
1
Bergala, Alain. La création cinéma. Crisnée: Yellow now, 2015.
2
Chateau, Dominique, and José Moure. Cinéma, création et recréation. Bruxelles: Impressions nouvelles, 2018.
3
Poirson-Dechonne, Marion. Jeux vidéos et cinéma: Une création interactive. Condé-sur-Noireau: Éditions Charles Corlet, 2018.
4
Schifano, Laurence. Le cinéma italien, 1945-1995: Crise et création. Paris: Nathan, 1995.
5
Chateau, Dominique. La direction de spectateurs: Création et réception au cinéma. [Bruxelles]: Impressions nouvelles, 2015.
6
Ruer, Juliette. Générique: Les métiers derrière la création d'un film. Montréal: INIS, 2006.
7
Barski, Odile. Never mort. Paris: Éd. du Masque, 2011.
8
Association française des enseignants et chercheurs en cinéma et audio-visuel. Colloque. Penser la création audiovisuelle: Cinéma, télévision, multimédia : 5e Congrès de l'Association français [sic] des enseignants et chercheurs en cinéma et audiovisuel, Aix-en-Provence, 14-15-16 septembre 2006. Aix-en-Provence: Publications de l'Université de Provence, 2009.
9
Véron, Daniel, Jacinto Lageira, and Agnès Tricoire. L'oeuvre face à ses censeurs: Le guide pratique de l'Observatoire de la liberté de création : art contemporain, théâtre, littérature, musique, cinéma ... Paris]: Observatoire de la liberté de création, 2020.
10
Sloan, Justin. Creative writing career: Becoming a writer of movies, video games, and books. [Place of publication not identified]: [publisher not identified], 2012.
Book chapters on the topic "Cinéma de création":
1
"4. Les vies au cinéma." In Filmer l'acte de création, 186–88. Presses universitaires de Rennes, 2009. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.1172.
2
DELTORN, Jean-Marc. "L’artiste et l’automate." In Algorithmes et Société, 129–38. Editions des archives contemporaines, 2021. http://dx.doi.org/10.17184/eac.4549.
Abstract:
Les développements technologiques ont toujours été pour l'artiste source d'inspiration et d'exploration. L'outil informatique ne fait pas exception. L'avènement des dernières générations d'algorithmes dits «~d'apprentissage~» offre ainsi un terrain d'expression fertile allant de la musique aux arts graphiques, de la littérature au cinéma. L'algorithme devient, ici, un nouvel instrument dans la palette expressive des artistes, là, il offre à un large public des moyens d'accès inédits à la production d'œuvres susceptibles de rivaliser avec les créations des professionnels. Dans tous les cas, la nature de ces intermédiaires techniques, en déléguant à l'automate un ensemble de prérogatives qu'on imaginait indissociables de l'activité artistique, remet en question le rôle de l'humain dans la création et interrogent la nature même de l'acte créatif.
3
Cléder, Jean. "Filmer l’écriture dans le cinéma de fiction." In Filmer l'acte de création, 189–99. Presses universitaires de Rennes, 2009. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.1173.
4
Kedraon, Anne. "L’œuvre en procès dans le cinéma de fiction." In Filmer l'acte de création, 201–10. Presses universitaires de Rennes, 2009. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.1175.
5
Brogowski, Leszek. "Avant-propos. L’acte de création sous le microscope du cinéma." In Filmer l'acte de création, 9–11. Presses universitaires de Rennes, 2009. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.1130.
6
Guidicelli, Carole. "Léo et son double : Arnaud Desplechin entre théâtre et cinéma." In Filmer l'acte de création, 99–112. Presses universitaires de Rennes, 2009. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.1152.
7
"Soulèvements féministes dans la création cinématographique à l’ONF." In Femmes et cinéma d'animation, 91–114. Les Presses de l’Université de Montréal, 2022. http://dx.doi.org/10.1515/9782760645783-007.
8
Vignaux, Valérie. "Henri Focillon et le cinéma, une archéologie du documentaire sur l’art." In Filmer l'acte de création, 161–68. Presses universitaires de Rennes, 2009. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.1165.
9
Adam, Christophe. "Chapitre 7. Le cinéma-documentaire au secours de l'enseignement." In Processus de création et processus cliniques, 137–51. Presses Universitaires de France, 2015. http://dx.doi.org/10.3917/puf.giust.2015.03.0137.
10
Frangne, Pierre-Henry, Gilles Mouëllic, and Christophe Viart. "Introduction. Entre captation et fiction : tensions et inventions du cinéma face à l’acte de création." In Filmer l'acte de création, 13–23. Presses universitaires de Rennes, 2009. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.1132.
Conference papers on the topic "Cinéma de création":
1
Cohen, Nadja, and Anne Reverseau. "Photographie ou cinéma ? Le brouillage des modèles dans la poésie moderniste." In Création, intermédialité, dispositif. Fabula, 2017. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.4430.
2
Dyephart, Anouchka. "Concevoir aujourd’hui un film sur la villa Savoye." In LC2015 - Le Corbusier, 50 years later. Valencia: Universitat Politècnica València, 2015. http://dx.doi.org/10.4995/lc2015.2015.652.
Abstract:
Résumé: Si de nombreuses images de la villa Savoye existent, par contre peu de films sont centrés sur elle. Je souhaite présenter ici un projet de film documentaire que je développe depuis 2012. Sur cette villa considérée comme une icône de l’architecture moderne, et déjà tant étudiée, je propose un regard un peu décalé, nourri à la fois par ma formation d’architecte et mon expérience de réalisatrice. J’aborde en particulier la question de l’impact de cette architecture ; comment est-elle perçue au XXIème siècle, en quoi peut-elle influer sur notre façon d’envisager l’espace ? Je développerai un aspect de ma démarche qui touche au rapport entre architecture et cinéma: comment montrer la villa par un film ? autrement dit comment traduire ce qu’elle représente par des images animées, des sons, mais aussi des ‘évènements’ qui dévoilent les contrastes de lumière et d’ambiances ? De quoi cette architecture est-elle le récit ? Ou, comme le proclame une des questions-slogans de Bernard Tschumi : “Et si l’architecture était autant une question de mouvement et d’évènement que d’espace ?”1. Resumen: Si existen numerosas imágenes de la Villa Savoye, escasos son, en cambio, los films que traten de ella. Deseo presentar aquí un proyecto de film documenta, sobre el que estoy trabajando desde el año 2012. Propongo una vision un poco desfasada, nutrida al mismo tiempo por mi formación de arquitecta y mi experiencia de cineasta, sobre esta obra ya tan estudiada, icono de la arquitectura moderna. Abordo especialmente la cuestión del impacto de esta arquitectura; ¿cómo es percibida en el siglo XXI?, ¿qué influencia puede tener en nuestra manera de considerar el espacio? Desarrollaré un aspecto de mi trabajo que trata de la relación entre la arquitectura y el cine: como mostrar la Villa Savoye en un film ? Es decir, como traducir lo que ella representa a través de imágenes animadas, sonido y “acontecimientos” que rebelen los contrastes de luces y de ambientes? ¿ De qué da cuenta esta arquitectura? O, como lo proclama una de las preguntas-eslogan de Bernard Tschumi: “¿Y si la arquitectura fuera tanto cuestión de movimiento y de acontecimiento como de espacio?” Mots-clés: villa Savoye ; film documentaire ; transmission ; création ; recherche formelle. Palabras clave: villa Savoye, película documental, transmisión, creación, investigación formal. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/LC2015.2015.652