Dissertations / Theses: 'Cinéma – 2000-'

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Kautzmann, Maryline. "Vieillir : le point de vue du cinéma américain contemporain (2000-2010)." Thesis, Strasbourg, 2018. http://www.theses.fr/2018STRAC010.

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Abstract:

La première décennie du XXIe siècle est une période charnière dans l’histoire des représentations du vieillir et de l’être vieux. Durant les années 2000, le cinéma hollywoodien offre de nouvelles images du vieillir, moins alarmistes, moins stéréotypées, en somme plus positives. Non plus systématiquement relégué au second plan, le personnage âgé se fait une place parmi les héros hollywoodiens. Le vieillir n’est alors plus dissimulé, mais mis à l’honneur, dans ces films portés par un héros âgé. Par leur présence et leur visibilité dans ce cinéma hautement commercial, ces nouveaux personnages vieillissants signalent un phénomène majeur : durant les années 2000, le vieillir devient commercialement profitable, notamment car se reconnaît dans ces films une génération exceptionnelle par de nombreux aspects, celle des baby-boomers. Par ailleurs, au travers de ces nouvelles représentations du vieillir se fait jour une transformation sociétale plus large avec l’avènement d’un nouveau rapport à la vieillesse, le « vieillir nouveau », qui substitue aux clichés âgistes et à l’idée du vieillir comme déclin un discours positif sur la vieillesse. Cette étude, circonscrite aux films hollywoodiens à succès de la période 2000-2010, propose de mettre en lumière ces nouvelles représentations hollywoodiennes du vieillir et la façon dont le cinéma s’est fait ainsi l’écho de discours innovants sur la question tout en tentant d’offrir sa propre version d’un vieillir nouveau
The first decade of the 21st century marks a transition in the history of the representations ofaging and old age. In the 2000s, Hollywood started offering new images of aging : less alarmist, less stereotypical, they are, all in all, more positive. As he is no longer pushed in the background,the aging character finds his way amid Hollywood heroes. In those films, which are carried by an old hero, aging is no longer concealed, but it is put in the spotlight. By their mere presence and visibility in such commercial cinema, these new aging characters signal a major shift : in the2000s, aging has become bankable, especially since its new portrayals speak to a generation which stands out on many different levels, the baby boomers. Besides, a wider social transformation shows through these innovative representations of aging, that of a new relationship to aging. “New aging” thus discards ageist clichés and the idea that aging isdeclining, and supplants these conceptions with a positive discourse on aging. This study revolves around popular Hollywood movies released between 2000 and 2010. It offers to shed a light on these new Hollywood representations of aging and on the way cinema has thus echoed innovative discourses on the matter, while attempting to offer its own version of a new outlook on aging

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Fdil, Abdellatif. "Regards croisés sur l'altérité et l'identité dans le cinéma français et marocain des années 2000." Thesis, Toulouse 2, 2015. http://www.theses.fr/2015TOU20100.

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Abstract:

Cette thèse est née d’une interrogation sur la représentation de l’Autre dans les imaginaires cinématographiques français et marocains qui se constituent actuellement ; c’est à dire au début des années 2000 (2000-2015). Plus précisément, elle s’interroge sur ce qui permet, à ce niveau de construction d’un regard croisé, de le différencier et de l’identifier distinctement sur le plan imaginaire et dramaturgique. Dans cette double perspective, l’Autre serait tour à tour Français et Marocain, le Nord et le Sud, le Maghrébin et l’Occidental ; ce qui permettra de comparer des représentations tantôt convergentes, tantôt divergentes, voire antagonistes. Car ceux qui traversent la Méditerranée ne sont pas seulement amenés à remettre en cause la prétendue supériorité de l’ancien colonisateur et à dénoncer la condition faite aux immigrés, mais sont aussi à l’origine d’une nouvelle vision du monde : ouverture à l’Autre et à son espace fondée sur le respect mutuel et la fécondité du métissage culturel. Il s’agit donc de mettre en place des rencontres cinématographiques françaises et marocaines pour comprendre comment le corps, son mouvement et son interprétation à l’écran, est le centre de gravité qui anime les regards croisés. Ainsi ressort-il une « correspondance » cinématographique franco-marocaine, carrefour des diversités linguistiques et culturelles, soulevant sans doute des interrogations complexes liées à ces rencontres enrichissantes et dignes d’intérêt scientifique. Comment l’Ailleurs marocain peut-il contribuer au récit filmique français, correspondre à une quête intérieure, ou au contraire conforter un désenchantement radical ? Comment la France entre-elle dans l’histoire contemporaine du cinéma marocain ? Comment le personnage français fait-il partie de son imaginaire ? Ce travail s’interroge parallèlement sur les dangers consécutifs à ce type de représentation qui se manifeste dans la réduction au pittoresque du récit filmique, l'inventaire complaisant de clichés révélant une vision stéréotypée de l'Autre et de son espace. Car les années 2000 conduisent certains films et penseurs à réagir encore et toujours à cette attitude qu’ils tournent souvent en dérision. Toutefois, le cinéma français et les films marocains, loin d’être réductible à cette contestation, proposent aujourd’hui une vision distanciée et originale d’elle-même, de sa culture, et aussi forcément de l’Autre
This thesis arose from a question about the representation of The Other in today's French and Moroccan filmic images; that is to say in the early 2000s (2000-2015). More precisely, it elaborates on what can allow the construction of a cross observation, which could clearly differentiate and identify the fictional and dramaturgical aspects of the subject. In this double perspective, the Other would be both French and Moroccan, the North and the South, the Maghreb and the West. This will lead to a comparison between representations which are sometimes convergent, sometimes divergent, and even antagonistic. For those crossing the Mediterranean are not only brought to call into question the supposed superiority of the colonizers and denounce the condition of the immigrants, but are also faced with a new vision of the world: the openness to the Other and its foundations implying mutual respect and the fruitfulness of a cultural mix. It is therefore necessary to contextualize the French and Moroccan cinematographic meeting points in order to understand how bodies, their movements and the way they are interpreted on the screen, are at the core of our cross observations. Thus a Franco-Moroccan cinematographic “correspondence" appears. A crossroad of linguistic and cultural diversity, raising undoubtedly complex questions related to these rich encounters and worthy of scientific interest. How can the Moroccan contribute to the French film narrative, corresponding to an inner quest, or on the contrary confirming a radical disenchantment? How does France enter Moroccan contemporary cinema? How do French characters fit in? This work also examines the consecutive dangers of that kind of representation which amount to mere picturesque film narratives, inventories full of cliches revealing a stereotypical view of the Other and their space. Because in the 2000s, some movies and thinkers still have this attitude, so they often feel derided. However, French cinema and Moroccan films, far from being reduced to this challenge, offer today an original and distanced vision of themselves, their culture, and most certainly the Other

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Lupetti, Elisa. "L’analyse des dialogues dans les scènes de dispute familiale du cinéma français (2000-2010)." Thesis, Lyon 2, 2014. http://www.theses.fr/2014LYO20122/document.

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Abstract:

Ce travail vise à réunir deux différents domaines : la linguistique française et les études cinématographiques. Il porte notamment sur l’analyse des conversation, l’analyse du discours en interaction et l’analyse du dialogue cinématographique afin de réfléchir sur un thème qui n’a été abordé jusque là que du point de vue psychologique : le conflit familial. L’originalité de ces pages repose ainsi sur la volonté d’utiliser le cinéma et ses dialogues pour entamer une recherche linguistique de neuf films français réalisés entre 2000 et 2010 : Ressources humaines (2000) de Laurent Cantet, Tout va bien, on s’en va (2000) de Claude Mouriéras, Aime ton père (2002) de Jacob Berger, Père et fils (2003) de Michel Boujenah, Je vais bien, ne t'en fais pas (2006) de Philippe Lioret, Nue propriété (2007) de Joachim Lafosse, Un conte de Noël (2008) de Arnaud Desplechin, Non ma fille, tu n’iras pas danser (2009) de Christophe Honoré, Mères et filles (2009) de Julie Lopes-Curval. Ces films, dont le corpus se compose, ont été examinés dans le but de distinguer les scènes de dispute familiale pertinentes pour mes analyses. Ainsi, après avoir transcrit les répliques des quarante-deux scènes choisies, j’ai mis en relief les actes linguistiques récurrents dans une situation conflictuelle. Pour ce faire, j’ai repris les travaux de Austin et Searle et, plus récemment, de C. Kerbrat-Orecchioni. J’ai ensuite focalisé mon attention sur la mise en scène du conflit, développant une analyse assez fine de ce qui a été défini dispute. Il faut préciser à ce propos que le corpus a montré l’existence de deux grandes typologies de dispute au cinéma (retenue et manifeste), qui se subdivisent en dispute dilogale, trilogale et polylogale, suivant le nombre des participants. L’application des outils interactionnistes à un corpus cinématographique a également révélé que l’on peut considérer la conversation des films comme une représentation simplifiée des échanges verbaux authentiques, les deux types de conversation présentant la même structure : une ouverture, un corps, une clôture de l’interaction. La dernière partie de la thèse porte sur la dispute prototypique du corpus (2009_MF_DisputeBAGARRE), ainsi définie car elle réunit les éléments verbaux et non verbaux principaux surgissant dans une situation conflictuelle. C’est justement sur ces mêmes éléments que j’ai focalisé mon attention dans la première partie de la thèse lors de la définition de l’objet d’étude et de son insertion dans le cadre théorique
This work aims to bring together two different areas: French linguistics and film studies. Topics covered include the analysis of conversation discourse analysis in interaction and analysis of film dialogue to reflect on a theme that has been discussed previously as psychologically : family conflict.The originality of these pages are based on the intention of using film and its dialogues to analyse nine French movies made between 2000 and 2010 :Ressources humaines (2000, Laurent Cantet)Tout va bien, on s’en va (2000, Claude Mouriéras)Aime ton père (2002, Jacob Berger)Père et fils (2003, Michel Boujenah)Je vais bien, ne t'en fais pas (2006, Philippe Lioret) Nue propriété (2007, Joachim Lafosse)Un conte de Noël (2008, Arnaud Desplechin) Non ma fille, tu n’iras pas danser (2009, Christophe Honoré)Mères et filles (2009, Julie Lopes-Curval)These films were examined in order to distinguish the relevant domestic dispute scenes for the analysis. Thus, having transcribed replicas of the forty- two selected scenes , I highlighted the recurring linguistic acts in a conflict situation . To do this , I resumed the work of Austin and Searle and , more recently, C. Kerbrat - Orecchioni . I then focused my attention on the stage of the conflict , developing a fairly detailed analysis of what has been defined dispute. It should be noted here that the body showed the existence of two large cinema dispute typologies ( restraint and manifest) , which are subdivided into dilogale dispute, and trilogale polylogal depending on the number of participants.The application of the interactionist tools to cinematic corpus also revealed that the conversation of the films can be considered as a simplified representation of authentic verbal exchanges, two types of conversations with the same structure : an opening, a body, a fence interaction.The last part of the thesis deals with the prototypical scene of the corpus ( 2009_MF_DisputeBAGARRE ), so defined since it brings together key verbal and non- verbal elements arising in a conflict situation. I properly focused my attention on these elements in the first part of the thesis in order to define the object of the study and its inclusion in the theoretical framework

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Crémona, Laëtitia. "Cinéma et histoire en Irlande de 1916 à 2000." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030047.

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Abstract:

Ce travail tente de comprendre les raisons pour lesquelles la représentation de l'histoire a dominé le cinéma irlandais entre 1916 et 2000. Après une exposition des problèmes théoriques rencontrés (concept de cinéma national; relation histoire et cinéma; historiographie irlandaise), nous analysons l'évolution de la représentation de l'histoire nationale à l'écran. Pendant toute la première moitié du siècle, le cinéma irlandais, bien qu'indépendant des institutions étatiques, a mythifié le passé afin de légitimer l'identité nationale institutionnalisée. A partir des années 1970, dans un double mouvement d'ouverture et de repli, les films historiques ont, sous l'impulsion révisionniste et postcolonialiste, remis en cause les représentations traditionalistes, tout en affirmant leur importance dans la re-construction d'une nouvelle identité
This dissertation attempts to trace the reasons why history was such a crucial preoccupation in Irish cinema between 1916 and 2000. As it examines the relation between cinema and history alongside the historiographical debates in Ireland, it seeks to show how cinematic representations of Irish history evolved throughout this period. During the first half of the twentieth century Irish films mainly conveyed a mythic vision of Ireland's past, the aim being to legitimise the institutionalised national identity. From the 1970s onwards, in a double movement of openness and closure, historical films have under the influence of revisionist and postcolonialist theories challenged traditional representations while asserting the latter's relevance when it comes to rebuilding a new identity

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Mabrouki, Anwar. "La société tunisienne contemporaine à travers la production cinématographique entre 2000 et 2007." Strasbourg, 2011. http://www.theses.fr/2011STRA1023.

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Abstract:

Je voulais engager un travail concernant la Tunisie contemporaine. J'ai alors cherché à savoir si l'image proposée par le cinéma tunisien reflète vraiment la réalité de la société tunisienne, ou si cette image, au ·contraire, est une image déformée, enjolivée ou noircie. Les cinéastes tunisiens ont-ils acquis suffisamment de maturité et de compétences artistiques pour pouvoir prétendre à une certaine autorité qui leur permettrait de jouer un rôle de porte-parole du peuple? Dans la première partie, afin de bien situer la place et le rôle du cinéma tunisien contemporain, j'ai tout d'abord examiné l'histoire du cinéma tunisien dans son ensemble. Dans la deuxième partie de ma recherche, je me suis interrogé sur la nature du lien entre la production cinématographique tunisienne contemporaine et la société tunisienne d'aujourd'hui. J'ai pour cela choisi d'analyser une vingtaine de films à travers un éclairage sociologique, en sélectionnant ces films sur des critères liés à des problèmes de société. J'ai consacré la troisième partie de mon travail à l'un des thèmes selon lesquels j'ai classé les analyses de films: il s'agit du thème de la femme. Enfin dans la quatrième partie, j'ai considéré les lieux de tournage et les décors des films. Je pense en effet que les lieux et les décors jouent un rôle important dans le lien qui s'établit entre un film et son public. Il y a donc un vrai débat sur la crédibilité du cinéma tunisien actuel, et sur sa capacité à toucher son public en profondeur et à réveiller les consciences sur l'état actuel de la société tunisienne. Ce problème ne pourra trouver sa solution que lorsque les entraves à la liberté d'expression seront levées
I wanted to start work on contemporary Tunisia. I then examined whether the image proposed by the Tunisian cinema truly reflects the reality of Tunisian society, or if the image, by contrast, is a distorted, embellished or blackened. Tunisian filmmakers have they gained enough maturity and artistic skills in order to claim some authority that allows them to act as a spokesperson of the people ? In the first part, in order to situate the place and role of contemporary Tunisian cinema, I first examined the history of Tunisian cinema as a whole. In the second part of my research, i wondered about the nature of the relationship between film and contemporary Tunisian society today. Why chose to analyse twenty films through a sociological light, by selecting the films on criteria related the social problems. I devoted the third part of my work at a theme by which i have classified the film analysis : this is the theme of women. Finally, in part IV, I considered the locations ant the sets of films. I think in fact that the locations and sets play an important role in the relationship that developped between a film and its audience. Therefore, there is a real debate on the credibility of the Tunisian cinema today, and its abiility to touch audiences deeply and awaken the consciences of the current state of Tunisian society. This problem cannot be solved only when the restrictions on freedom of expression are lifted

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Loscos, Carmen Gustrán. "El franquismo en el cine espanol (1975-2000)." Nantes, 2014. http://www.theses.fr/2014NANT3012.

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Abstract:

Cette thèse doctorale s'intéresse à la façon dont la dictature de Francoa été portée sur grand écran pendnat les vingt-cinq années qui ont suivi la mort de celui-ci, en analysant le traitement de cette époque, les périodes et les sujets les plus récurrents, les réalisateurs de ces oeuvres et la façon dont ces dernières ont alors été accueillies par le public et la critique. Nous cherchons donc à explorer les interférences entre le cinéma et l'histoire, entre la culture et les périodes politiques pendant lesquelles celle-ci est produite et consommée, afin de découvrir la relation que la société espagnole a entretenue avec ce passé récent. Pour cela, nous avons divisé ce travail en trois parties qui correspondent aux trois moments politiques de l'histoire espagnole récente : la première comprend la transition à la démocratie (1975-1982) ; la seconde, les quatre législatures pendant lesquelles le PSOE a gardé le pouvoir (1982-1996) ; et la troisième correspond à lapremière législature du Parti Populaire à la tête du gouvernement (1996-2000). A travers l'analyse individualisée de près de cent soixante films en suivant les catégories de Marc Ferro de "lecture cinématographique de l'histoire" et de "lecture historique du film", mais aussi grâce à l'insertion de ces films dans des séries filmiques d'analyse et à la recherche de constantes filmiques et de points d'ancrage (selon le concept de Pierre Sorlin), cette thèse retrace un panorama de la mémoire cinématographique du franquisme depuis la fin des années soixante-dix jusqu'au début du XXI siècle et, parallèlement, de la société espagnole elle-même tout au long de ces trois décennies
This doctoral dissertation analyses how the Franco regime was portrayed on the big scree in the twenty-five years that followed the death of the dictator. It investigates the depictions of the dictatorship, the most recurrent topics and periods represenetd and the movies' reception by critics and the general public. The thesis aims at exploring the interferences between cinema and history, between culture and the historicel contexts in which the latter is produced and consumed. , as a way of understanding how spanish ociety dealt with its recent past. The doctoral dissertation is divided into three parts, according to three different political eras in recent spanish history. The first covers the tarnsition to democraty (1975-1982). The second deals with the four consecutive terms that the spanish socialist workers party (PSOE) was in power (1982-1996). The third section explores the first term of the people 's party (PP) (1996-2000). The PhD thesis analyses more than 150 films. It zpplies Marc Ferro's concepts of "cinematic reading of history" and "historical reading of the film", Pierre Sorlin's ideas about filmic attachment points, together with filmic analytical series and filmic constants. This study aanlyses the cinematogarphic memory of francoism from the late 1970s to the beginning of the twenty-first century and thus spanish cociety throughout these years

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Valmary, Hélène. "Origines et poétique d'un héroïsme intranquille : les super-héros dans le cinéma américain (2000-2009)." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010597.

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Abstract:

De 2000 à 2009, l'industrie du blockbuster hollywoodien a produit en moyenne trois films de super-héros par an. Adaptant pour le cinéma ces personnages issus de la bande dessinée, elle va modifier et accentuer certaines de leurs particularités, en faisant des créatures hybrides, tenant à la fois du héros d' action et du monstre. Autour de cette double origine, nous réfléchissons à la constitution duelle de ce nouveau héros de cinéma en interrogeant les récurrentes thématiques et visuelles de ce personnage, son rapport à son original et au cinéma d' action qui lui est contemporain afin de faire émerger la poétique intranquille qui les anime.

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Ramos, Alquezar Sergi. "Fantômes, slashers et monstres dans le cinéma fantastique espagnol (1993-2005) : une approche du cinéma fantastique réalisé par les jeunes metteurs en scène espagnols des années 1990 et 2000." Thesis, Lyon 2, 2015. http://www.theses.fr/2015LYO20107/document.

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Abstract:

La thèse propose une approche du cinéma fantastique espagnol des années 1990 et 2000, et plus spécifiquement de la période allant de 1993 à 2005. En effet, on assiste alors à l’arrivée d’une nouvelle génération de réalisateurs qui donne un nouvel élan au genre en se le réappropriant. Nous partons du constat initial qu’au sein des diverses approches du genre présentes dans chacun de ces films, le fantastique espagnol semble privilégier l’apparition de trois incarnations du surnaturel : le fantôme, le slasher et le monstre. Notre étude se penche sur chacune d’entre elles afin de dégager quelles sont les lignes de force qui les structurent. Pour cela, nous nous servons de la notion de figure, qui à partir de l’étude de la représentation cinématographique des corps, permet également de déterminer quels sont les enjeux thématiques qui y sont associés, ainsi que la reconfiguration particulière que chacune d’entre elles opère sur le genre fantastique
This thesis tackles Spanish fantastic cinema from the 1990s and 2000s, and more specifically from 1993 to 2005. Indeed, this period of time corresponds to the rising of a new generation of directors who gave a new impetus to the genre by re-appropriating it. We start off with the initial premise that within the various approaches of the genre present in each of these films, the Spanish fantastic seems to favour the emergence of three types of supernatural : the ghost, the slasher and the monster. Our study focuses on each of these types so as to highlight its structuring driving forces. In that respect, we use the notion of figure which, based on the study of the cinematographic representation of bodies, also allows to determine the thematic stakes related to it, as well as the specific reconfiguration that each of them operates on the fantastic genre

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Guieu, Julien. "Esthétiques de l'indice dans le cinéma américain des années 2000." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030141.

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Abstract:

Plusieurs films américains des années 2000 (Mulholland Drive et INLAND EMPIRE de David Lynch, The Virgin Suicides de Sofia Coppola, Memento de Christopher Nolan, The Pledge de Sean Penn, Broken Flowers de Jim Jarmusch et Zodiac de David Fincher) opèrent une remise en question de la fonction, du fonctionnement et de la représentation des indices sur lesquels s’appuient tant la littérature que le cinéma policiers. Ces films, qui reprennent certains codes du genre sans être tous à proprement parler des « films policiers », ont pour point commun de mettre en scène une enquête qui n’aboutit pas et qui se retourne contre l’enquêteur jusqu’à ébranler son identité. Ils font ainsi écho aux récits de détection dits métaphysiques (The Crying of Lot 49 de Thomas Pynchon, City of Glass de Paul Auster...) : l’indice, loin de permettre la clôture du récit, devient le moyen de son ouverture. À sa juste interprétation succède le foisonnement des lectures et des histoires possibles. Autrefois transparent, il se fait opaque ; de fluide, sa circulation devient accidentée – ce à quoi correspondent de nouvelles manières de le filmer. Les codes du genre policier visant à marquer l’indice tout en favorisant sa lisibilité et l’identification avec l’enquêteur (insert en gros plan, raccord-regard, faible profondeur de champ…) sont détournés selon diverses stratégies : inversion, exagération, etc. Celles-ci ont pour effet de déjouer les attentes des spectateurs et de les rendre inquiets en rétablissant l’incertitude fondamentale de la littérature policière, que le cinéma policier tend à minorer, tout en la mettant au service de projets esthétiques par ailleurs très différents les uns des autres
A few American films released between 2000 and 2007 (David Lynch’s Mulholland Drive and INLAND EMPIRE, Sofia Coppola’s The Virgin Suicides, Christopher Nolan’s Memento, Sean Penn’s The Pledge, Jim Jarmusch’s Broken Flowers and David Fincher’s Zodiac) question the function, inner workings and representation of the clues on which detective fiction and film rely. These movies, which take up certain tropes of the genre without necessarily being detective films per se, all revolve around an investigation which is left incomplete and eventually turns against the investigator, to the point of shattering his or her sense of identity. They thus follow in the footsteps of metaphysical detective fiction (novels such as Thomas Pynchon’s The Crying of Lot 49 and Paul Auster’s City of Glass), in that the clue, instead of bringing about the closure of the narrative, becomes the instrument of its open-endedness. Its one correct interpretation is replaced by a proliferation of possible readings and stories. Once transparent, it turns opaque; once fluid, its circulation becomes problematic – which leads to new ways of filming it. The codes that detective films use to point out the clue, increase its legibility and foster identification with the investigator (close-up insert, eyeline match, shallow focus…) are subverted through a number of strategies such as inversion and exaggeration. These aim to deceive the spectator’s expectations and to unsettle him or her by reinstating the fundamental uncertainty of detective fiction, which detective films normally tend to repress, and which is here incorporated into aesthetic projects that otherwise differ widely

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Le, Poullennec Annael. "L'espace post-apartheid dans le cinéma sud-africain : état des lieux de la fiction (2000-2010)." Thesis, Aix-Marseille, 2013. http://www.theses.fr/2013AIXM3053.

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Abstract:

Cette thèse vise à définir l’espace post-apartheid tel qu’il est représenté dans le cinéma sud-africain. Depuis 1994, l’Afrique du Sud démocratique constitue un nouvel espace géographique et socio-économique, profondément marqué par l’héritage de l’apartheid. Notre thèse vise à conjuguer l’analyse stylistique de films sud-africains et une réflexion civilisationniste, influencée par la géographie et la sociologie, sur ce qui fonde l’espace post-apartheid. Nous étudions le cinéma de fiction qui permet la représentation de l’espace tel qu’il est perçu, voire souhaité par le cinéaste, parfois en contradiction avec les enjeux commerciaux. La refondation du cinéma sud-africain après 1994 a-t-elle donné naissance à une nouvelle représentation de l’espace ?L’espace post-apartheid au cinéma se définit d’abord en rapport avec l’ancien espace, en opposition ou dans la continuité. Notre étude se concentre sur l’héritage de l’apartheid dans les années 2000, dans l’industrie du film et dans la mise en image d’un territoire national clivé et de villes divisées. Nous abordons ensuite la représentation récurrente de trajectoires individuelles en butte à cette géographie héritée, focalisation qui contribue à mettre à distance l’espace prescrit par l’ancien régime. Nous établissons enfin que l’espace cinématographique post-apartheid est défini en rapport avec la construction d’une nouvelle identité depuis 1994. Certaines ambiguïtés en découlent, dans la représentation du township et des étrangers africains ou dans la réception des films, et soulignent la redéfinition complexe de l’espace et de l’identité en Afrique du Sud afin que celle-ci puisse être véritablement « nouvelle »
This study focuses on the representation of post-apartheid space in indigenous South African fiction films. I work towards a definition of cinematic post-apartheid space, putting forth its ambivalent relations to the apartheid past, between heritage and rejection, on the levels of geographical space, socio-economic space and, mostly, represented space. I situate myself at the intersection of South African cultural studies and reflections on post-apartheid space, and of the study of the new South African cinema. I focus on fiction since it gives most room for filmmakers to represent space as they perceive it, or desire it, to be, and on feature films which carry most of the South African industry’s ambitions in terms of international recognition.I first look at the heritage of apartheid in terms of the South African film industry, the divisions of the national territory and the structure of the South African city. I argue that post-apartheid cinematic space is first and foremost defined in relation to apartheid space, whether in opposition or in terms of heritage. However, recurrent representations of individual trajectories clash with that inherited geography and are a means for filmmakers to distance themselves from the previously prescribed relations between characters and space. I also argue that the definition of a new South African identity is crucial to the characterization of post-apartheid space in films. The ambiguous representations of township space or African foreigners in South African films and the emphasis on the nationality of films in film reception put forth how deeply paradoxical the reinvention of space and identity is in post-apartheid South Africa

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Landron, Fabien. "Images de la Sardaigne dans le cinéma sarde des années 2000." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030125.

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Une terre exotique aux moeurs archaïques, peuplée de bandits et marquée par la vendetta : c'est ainsi qu'a principalement été représentée la Sardaigne, pendant de nombreuses années, par un cinéma dit “sarde” s‟inspirant des classiques de la littérature deleddienne et de certains faits divers, et le plus souvent réalisé par des non Sardes. L‟image de l'île et des ses habitants a été forgée par le recours à un grand nombre de stéréotypes, parfois perçus comme outranciers par les spectateurs sardes. À la fin des années 80 apparaissent les premiers signes significatifs d‟une “réappropriation” du cinéma sarde par les Sardes eux-mêmes. Progressivement (et surtout dans les années 2000), plusieurs réalisateurs proposent de nouvelles approches des représentations filmées de leur île, jusqu‟à la constitution plus ou moins consciente d‟un mouvement non officiel appelé “nouveau cinéma sarde” : G. Cabiddu, G. Columbu, P. Sanna, S. Mereu et E. Pau en sont les représentants. Cette étude se propose d‟analyser, par le traitement des oeuvres significatives et une approche sociologique du mouvement, le phénomène collectif du “nouveau cinéma sarde” et les démarches individuelles des auteurs qui le composent, plaçant l‟identité au coeur de la question. Partant du modèle imposé par la littérature et le cinéma relatifs à la Sardaigne, les “nouveaux” cinéastes sardes ont su créer une cinématographie sarde basée sur l‟interprétation et la ré-élaboration des stéréotypes, dans une démarche visant à offrir une nouvelle vision de l‟île, de ses habitants et de leurs pratiques, à une instance spectatorielle hétérogène, à travers les différentes formes de distribution de leurs oeuvres
An exotic territory with archaic standards, populated by bandits and marked by vendetta : this is how has mainly been represented Sardinia for many years, by so called “Sardinian” movies inspired by the classics of deleddian literature and some news items, usually directed by non-Sardinians. The image of the island and its people was forged by using a large number of stereotypes, sometimes seen as outrageous by Sardinian spectators. In the late 80‟s had appeared the first significant signs of a Sardinian cinema “reappropriation” by the Sardinians themselves. Progressively (and especially in the 2000‟s), several directors propose new approaches to filmed representations of their island, until the more or less conscious constitution of an informal movement called “new Sardinian cinema” : G. Cabiddu, G. Columbu, P. Sanna, S. Mereu and E. Pau are its main representatives. This study aims to analyze, through the treatment of major works and a sociological approach to the movement, the collective phenomenon of “new Sardinian cinema” and the individual efforts of the authors who make it up, placing the identity to the heart of the matter. Leaving from the model imposed on Sardinia by literature and cinema, the “new” Sardinian directors have created a Sardinian film-making based on the interpretation and re-development of stereotypes, whose wants to offer a new vision of the island, its people and their practices, to a heterogeneous spectatorial instance, through the various forms of distribution of their works

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Ponze, Adrian. "La crise argentine de 2001 et ses conséquences : un regard à travers la littérature et le cinéma argentin des années 2000." Thesis, Paris Est, 2017. http://www.theses.fr/2017PESC0080/document.

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Abstract:

Ce travail est le résultat d'une recherche pluridisciplinaire basée sur l'hypothèse suivante : il existe une certaine porosité entre récits fictionnels et productions scientifiques en sciences sociales. A partir d‘un cadre théorique et méthodologique qui comprend la sociologie de la culture et la théorie littéraire et cinématographique, nous avons fait l‘analyse critique d'un corpus de textes de fiction relevant de la NNA (Nouvelle Narration Argentine) et de films relevant du NCA (Nouveau Cinéma Argentin), c‘est-à-dire des deux principaux courants artistiques auxquels une nouvelle génération d'auteurs, émergée en Argentine au début du XXIe siècle, a donné forme.Le corpus, d‘une quinzaine de romans et d‘autant de films, a été constitué selon un critère qui caractérise les œuvres choisies : la description de la crise en général et la présence spécifique d‘exclus économiques, en particulier les migrants (le départ d‘Argentins et l‘arrivée d‘étrangers), les villas miseria et leurs habitants, ainsi que la présence de membres de la diversité sexuelle.Nos recherches se sont orientées, d‘une part, vers les transformations observées dans les champs littéraire et cinématographique, notamment vers les changements touchant aux modes de production et de distribution des œuvres, et, d‘autre part, vers la manière dont sont représentés, dans les médias et les œuvres artistiques, les secteurs de la société traditionnellement exclus.L'observation de ces changements et modes de représentation à travers des récits fictionnels permet de confirmer l‘hypothèse de départ, dans la mesure où certains romans et films ont une valeur documentaire pour la recherche en sciences sociales, notamment dans des disciplines telles que l'histoire ou la sociologie
This work is the result of multidisciplinary research in which, using the theoretical and methodological framework of literary and film theory, and the sociology of culture, we have demonstrated that the boundaries between fiction and social science writing are porous. A corpus of fifteen fictional texts identified with the New Argentina Narrative (NAN) movement, and fifteen films made by the New Argentine Cinema (NAC) was analysed. New Argentina Narrative and NAC represent the production of a new generation of Argentine writers and filmmakers between 2000 and 2010. These works included the following topics: migrations from Argentina and immigration, poverty (the villas miseria inhabitants), and gender and sexual diversity in Argentina. The objectives of this study are to evaluate the transformations of Argentine society and how these were represented by a new generation of Argentine writers and filmmakers. Additionally, we have studied the influence of the socio-economic context on artistic expression. Thus, we have analysed not only the aesthetic dimension, but also the modes of production and distribution of Argentina literature and cinema, encompassing the processes of creation, editing and distribution. The observation of these processes through novels and films has allowed us to conclude that some literary and film fiction may have a documentary or testimonial value for research in social science disciplines such as history and sociology

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Bento, Ribeiro Ana Carolina. "Bâtir un nouveau cinéma : figures et participations des femmes dans le cinéma roumain contemporain." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100039/document.

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Abstract:

Cette thèse porte sur la représentation des femmes dans le cinéma roumain en tant que lieu révélateur des enjeux sociaux, économiques et institutionnels qui façonnent le renouvellement de la filière cinématographique roumaine au XXIe siècle. Notre recherche est axée sur l'époque postcommuniste, moment où la production filmique du pays atteint son état le plus critique, avant de connaître une reconnaissance internationale inouïe. Notre analyse s'articule en trois temps, afin de comprendre les ruptures et les permanences sociohistoriques manifestes dans le traitement des personnages féminins à l'écran et dans la participation des femmes à l'industrie. A partir d'une analyse détaillée de la généalogie du « nouveau cinéma roumain », nous nous concentrons sur les figures des femmes dans les productions du cinéma d'auteur et du cinéma commercial du pays. Enfin, nous illustrons les principaux enjeux et contraintes pratiques de l'émergence - et de l'affirmation - de ce nouveau cinéma à travers l'examen des parcours des femmes cinéastes
This PhD dissertation centers on women's participation and representation in Romanian cinema, as a means of understanding the multiple social, economic and institutional stakes intervening in the renewal of the Romanian film industry in the early 21st century. Our research focuses on the post-communist era, when the Romanian film production falls into its most critical state, before achieving unprecedented international recognition. We articulate our analysis around three chronological moments, aiming to perceive how social and historical ruptures and continuities pervade the treatment of female characters on screen and the women's presence in the film industry. We aim our attention at the New Romanian cinema of the 2000's. By tracing the genealogy of this « new cinema », we concentrate on the shaping of female characters in both auteur and commercial Romanian cinema. We illustrate the primary grounds conducing to the rise and consolidation of this renewed film industry by observing the career paths of Romanian female filmmakers

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Augé, Étienne F. "L'illusion culturelle : le monde de Hollywood 1990-2000." Paris, EHESS, 2002. http://www.theses.fr/2002EHES0031.

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Rousseau, Olivier. "Les formats larges dans le cinéma français de fiction (1953-2000) : histoire des techniques, production, exploitation, esthétique." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010522.

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Abstract:

Cette étude dresse un état des lieux diachronique de l'utilisation du format large par le cinéma national, depuis la commercialisation du CinemaScope et l'hégémonie de ses clones nationaux (Franscope, DyaliScope) puis des marques étrangères (Panavision), malgré le développement d'autres techniques qualitativement supérieures (70 mm), jusqu'au succès du procédé hybride Super 35 (lancé en France en 1980) visant la convergence des moyens de diffusion. Si les 730 films larges ne représentent que 12 % de la production française, ils offrent pourtant une meilleure chance de succès commercial (comédies). Contrairement au cliché, le cinéma large national a statistiquement plus privilégié le drame psychologique que le film historique spectaculaire. Sa production éclectique concerne autant le cinéma populaire que la révolution auteuriale : symbole de modernité luxueuse et de liberté de la mise en scène, il favorise une esthétique de l'excès, un look visuel désormais signe de cinématographicité.

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Baldacchino-Gauthey, Martine. "Vers l'abstraction de l'image cinématographique : (Quatre films de fiction d'Europe du Nord de 1978 à 2000)." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080028.

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Abstract:

La lumière transcende son entité qui est de « rendre les objets visibles ». Mais quelle est cette expérience artistique et quelles sont les intentions du réalisateur désirant communiquer sa subjectivité ? Quelle est cette lumière qui peut rendre visible l'invisible quand selon Carl Theodor Dreyer :Il s’agit, pour le metteur en scène de faire partager aux spectateurs ses propres expériences artistiques ou intérieures. L’abstraction lui offre une chance de le faire puisque, grâce à elle, il remplace la vérité objective par sa propre interprétation subjective. Mais si l’abstraction doit faire son entrée sur l’écran, il nous faut commencer à : chercher de nouveaux principes de création. Je soulignerai que je ne pense ici qu’à l’image.1Communiquer ses propres émotions est envisageable par l'abstraction selon le réalisateur danois, car l'abstraction permet de transcender l'objectivité.A quelles conditions la lumière et ses déclinaisons peuvent-elles induire une abstraction de l'image ? Comment se traduit l'abstraction ? Quels sont les signifiés d'une plastique lumineuse abstraite ?Cette recherche analyse l'ambiance lumineuse de « Stalker», « Europa» , « Trois couleurs bleu» et « L'homme sans passé », quatre films d'Europe du nord regroupés autour des mêmes thématiques. Les réalisateurs Andreï Tarkovski, Lars Von Trier, Krzysztof Kieślowski, Aki Kaurismäki influencés par Carl Theodor Dreyer, s'associent de toute évidence à sa problématique.Cette thèse démontre que l'abstraction de l'image est possible par sa plastique lumineuse susceptible d' exprimer une virtualité, une dissonance, un magnétisme, un enfermement. Elle interroge les directeurs photo et les réalisateurs du corpus sur les sensations éprouvées par l'esthétique lumineuse. Elle révèle enfin que, de multiples temps hétérogènes travaillant la lumière sont à l'origine de l'abstraction de l'image. 1 DREYER Carl Th, Réflexions sur mon métier, réédition Cahiers du Cinéma, 1997, Paris, p 105
Lighting transcends it's entity which is to "Render objects visible". But what is the artistic experience and what are the intentions of a director who desires to communicate his subjectivity? What is this light that can render the invisible visible when according to Carl Theodor Dreyer :For the director, it's about the ability to share to the spectators one's own artistic experiences or interior feelings. Through abstraction it is possible to realize this because it replaces the truthful objective by it's own subjective interpretation. However, if the abstraction has to present itself on the screen, we must start to search for new principles of creation. I will emphasize that I am referring here only to the image*.To communicate one's own emotions is possible through abstraction according to the Danish director, because abstraction allows to transcend objectivity.To what conditions may lighting and it's inflections induce an abstraction of the image? How may one translate such an abstraction? What are the signifiers of an abstract lighting?This research analyze the tonality of the lighting of "Stalker", "Europa", "Three colors : Blue" and "The man without a past". Four films from northern Europe that are grouped around similar themes. The directors Andreï Tarkovski, Lars Von Trier, Krzysztof Kieślowski, Aki Kaurismäki, influenced by Carl Theodor Dreyer, are connected without a doubt to his vision. This thesis is set to demonstrate how the abstraction of an image is possible through a certain plasticity of lighting effects which is susceptible to express a virtuality, a dissonance, a magnetism and an enclosing. This paper interrogates directors of photography and the directors of the corpus on the demonstrated feelings generated by the aesthetics of lighting. Finally it brings to the surface multiple heterogeneous times working light that are behind of the abstraction of image. *DREYER Carl Th, Réflexions sur mon métier, réédition Cahiers du Cinéma, 1997, Paris, p 105

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Damlaci, Ferry Pinar. "La narration classique dans le cinéma turc (1980-2000) : prémisses pour une étude structurale de la logique narrative et des principales figures héroïques." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010521.

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Abstract:

Le cinéma turc des années quatre-vingt et quatre-vingt-dix est, de manière générale et à sa façon, un cinéma classique. Par le cinéma classique, il faut entendre le style dominant propre au cinéma hollywoodien. Le classicisme hollywoodien se compose d'un conflit généré par l'action orientée vers un but, des personnages-motivés au centre du récit, des obstacles à surmonter, du rapport de causalité entre les faits et de la résolution du conflit. Par ailleurs, la particularité du style classique réside dans la description du personnage principal. Dans le cinéma turc, il s'agit d'un type de héros particulier que nous qualifions de justicier. Celui-ci se soumet à son existence (mauvaise fortune), alors que l'individu du « cinéma occidental», lui, construit son existence (futur à créer) La soumission au destin ne réduit pas le héros-justicier à l'inaction, au contraire il est la force dynamique principale de l'action du film. Selon la logique narrative, c'est-à-dire selon que le héros-justicier punit les méchants ou remédie à la situation, nous pouvons grouper les films turcs de notre corpus sous deux réseaux actionnels : le premier généré par le principe de « punition» et le deuxième par le principe de « réparation », Cette logique narrative fait naître le mythe du « surhomme», entre autres. L'étude des mythes véhiculés par le cinéma nécessite qu'on s'attache à la fiction et à ses thématiques qui dénoncent l'imaginaire social et les mentalités.

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Lambert, Frédérique. "Permanences et variations du souffle épique numérique dans le néo péplum Hollywoodien (2000-2018)." Thesis, Paris 10, 2020. https://bdr-parisnanterre-fr.faraway.parisnanterre.fr/theses/intranet/2020/2020PA100076/2020PA100076.pdf.

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Abstract:

Gladiator (Ridley Scott, 2000) inaugure une renaissance du genre péplum, mêlant dans l’esthétique post-moderne, culture patrimoniale et production de type blockbuster, cinéma d’action et cinéphilie. Les renaissances cycliques de ce genre dans l’histoire du cinéma sont liées à des innovations techniques et à une scénarisation du genre. Ici, les effets visuels revisitent dans un premier temps les scènes épiques clé (batailles rangées, destructions, décors, foules) et introduisent de nouveaux motifs (souffle, explosions, destructions) en utilisant des techniques et technologies hybrides (peinture, archéologie, jeux vidéo). De 2009 à 2014, la 3-D confère un second souffle à ce néo genre (immersions, jaillissements). Le storytelling biblique et l’esthétique de série ou de sport You Tube constituent le troisième temps de cette renaissance. Ce péplum est traditionnellement un genre d’adaptation sujet au remake. Les études de littérature comparée apportent un éclairage sur ces pratiques de reprise, qu’elles attribuent à l’epos, dans lequel le néo péplum s’inscrit. La pratique du remake correspond alors à une pratique typique de l’épopée qui permet de penser la crise politique en gestation. Les néo péplums fonctionnent dès lors génériquement comme signes de la crise en cours. Ces reprises offrent une grille de lecture permettant de penser l’inédit du changement en cours. Le motif du souffle épique surexploité dans ces néo péplums devient dès lors signifiant. De fait, les données économiques et la chronologie des crises politiques et géo stratégiques traversées par les Etats-Unis, confirment la dimension communicationnelle de ce genre à destination d’une communauté interprétative désormais mondialisée. De fait, l’héroïsme véhiculé et réactualisé dans les mythologies super héroïques traduisent les enjeux individuels et collectifs de la crise mondiale : une « médiamorphose » numérique dont ces néo péplums sont le reflet par leur esthétique, syntaxe et idéologie
Gladiator (Ridley Scott, 2000) inaugurates a renaissance of the peplum genre, blending post-modern aesthetics, heritage culture and blockbuster-type production, action cinema and cinephilia. Cyclical rebirths of this genre in the history of cinema are linked to technical innovations and « scriptwriting » of the genre. Here, the visual effects first revisit the key epic scenes (pitched battles, destruction, sets, crowds) and introduce new motifs (blast, explosions, destruction) using hybrid techniques and technologies (painting, archeology, video games). From 2009 to 2014, 3-D breathed new life into this neo genre (immersions, spurts). Biblical storytelling and the aesthetic of You Tube series or sports constitute the third phase of this rebirth. This peplum has traditionally been a remake-subject genre. Comparative literature studies shed light on these recovery practices, which they attribute to epos, in which the neo-peplum is inscribed. The practice of remaking then corresponds to a typical practice of the epic which allows us to think about the political crisis in the making. The neo-peplums therefore function generically as signs of the current crisis. These covers provide a framework for thinking about the unprecedented change in progress. The motif of the epic breath overused in these neo-peplums therefore becomes significant. In fact, the economic data and the chronology of the political and geo-strategic crises experienced by the United States confirm the communicational dimension of this kind intended for a now globalized interpretive community. In fact, the heroism conveyed and updated in super heroic mythologies translate the individual and collective issues of the global crisis : a digital "mediamorphosis" of which these neo-peplums reflect through their aesthetics, syntax and ideology

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Carrée, Roland. "Gosses d'Italie : les représentations d'une enfance marginale dans le cinéma italien des années 1990 et 2000." Thesis, Rennes 2, 2013. http://www.theses.fr/2013REN20052.

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Abstract:

Les années 1990 et 2000 sont une période cruciale pour le cinéma italien, qui connaît une certaine renaissance après avoir traversé une situation très délicate. Durant cette période, certains cinéastes se font remarquer pour leur tendance, selon différentes manières, à représenter une enfance marginale, à la fois porteuse de problèmes liés à la péninsule, mais également d’un avenir possiblement meilleur. Ces personnages d’enfants marginaux bénéficient d’un traitement différent de ceux du néoréalisme, notamment sur un plan esthétique. Le travail effectué sur les regards de ces enfants participe de leur marginalité, mais suggère également une légère interaction, des interrogations, des jugements, ou encore une certaine impossibilité de réconciliation avec le monde. La plupart de ces films se concentre en outre sur la question d’un imaginaire enfantin (plus précisément : le jeu et le rêve) régulièrement mis à l’épreuve du réel, et qui existerait parallèlement au monde des adultes, indifférents. Ces films suggèrent ainsi la marginalité des enfants, petits et grands (car les « adultes-enfants » sont aussi très présents dans cette période du cinéma italien), dans une société qui se soucie peu de leur sort ; mais aussi leur capacité à surmonter ces problèmes pour continuer à mener leur vie, grandir, etpeut-être pouvoir assurer des jours meilleurs à une Italie en manque de (re)pères
The 1990s and 2000s were crucial years for Italian cinema and witnessed a relative rebirth following a very critical phase. During that period, a few filmmakers became known for their habit of depicting marginal children confronted with problemscharacteristic of their country and heralding a hopefully better future. They are characters that are handled in a way that differs from that of neorealism, especially on an aesthetic level. The filmmakers’ attitude to the children’s gaze forms part of what defines their marginality but also suggests a degree of interaction, questioning, judgment, or even some difficulty of coming to terms with the world. Most of the films focus on the issue of childhood imagination – more specifically play and dreams – regularly put to the test of reality and existing in parallel with the world of the adults, who are indifferent to it. Thefilms thus suggest the marginality of children of all ages – the child-adult being very much a character of this period of Italian cinema – in a society that does not seem to care about their fate. They also suggest their ability to overcome their problems and to go on living their lives, growing up and perhaps changing the course of Italian society for the better at a time when it is in need of directions

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Vu, Cong Minh. "Les super-héros américains comme formes symboliques : étude d’un genre cinématographique contemporain." Caen, 2016. http://faraway.parisnanterre.fr/login?url=http://www.harmatheque.com/ebook/les-superheros-marvel-un-art-du-mythe-77819.

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Abstract:

La multiplication des films de super-héros depuis un peu plus d’une dizaine d’années n’est pas un simple fait anodin mais relève d’un phénomène important dans le cadre des sociétés occidentales. Ces films s’inscrivent d’une part dans la production de masse de l’industrie culturelle et d’autre part dans une tentative de représenter la société américaine actuelle. À cause de ce double statut, ils sont le reflet exact de la société libérale contemporaine. Du point de vue de la forme, ils sont soumis à l’impératif d’une production pour le plus grand nombre, si ce n’est pas universel. Du point de vue de la représentation, ils sont bien ancrés dans notre présent. Ainsi, il nous est légitime de nous demander dans quelle mesure les films de super-héros nous permettent-ils de comprendre notre propre actualité? Durant nos années de recherche afin de répondre à cette problématique, notre travail s’est concentré autour de trois pôles. D’abord, nous nous sommes intéressé au statut particulier du super-héros qui est d’être une représentation, un signe médiatique et ce, dénoncé par les films eux-mêmes. Ensuite, nous nous sommes basés sur les travaux concernant la structure trifonctionnelle des mythes et des épopées indo-européenne de Dumézil afin de montrer la provenance mythologique des super-héros à la fois dans la structure narrative et dans la construction des personnages. En dernier lieu, nous nous sommes concentré sur les thématiques religieuses, pour la plus part chrétiennes, développées dans ces films
The multiplication of super heroes’ movies during the last decade is not a meaningless fact but indicates an important phenomenon within occidental societies. These films belong, in one hand, to the culture industry’s mass production but in the other hand, they also reflect an attempt to represent the current American society. From this double status, they are the very exact image of the liberal society today. Thus, it is appropriate to wonder how super heroes’ movies allow us to understand our own actuality. In order to answer to this question, my researches were concentrated around three points. Firstly, my inquiry was about the particular situation of super heroes being a representation, a sign in different media. Secondly, using Georges Dumézil’s works concerning the trifunctional structure of Indo-European myths and epopees, I have tried to demonstrate the mythological sources of super heroes’ movies, at the same time in their narrative structure and their characters’ construction. Finally, I concentrated my researches on the religious themes, mostly christian, developed in these films

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Isabel, Thibault. "La fin de siècle du cinéma américain (1981-2000) : une évaluation psychologique et morale des mentalités contemporaines." Lille 3, 2004. http://www.theses.fr/2004LIL30044.

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Abstract:

En l'espace de vingt ans, depuis l'entrée en fonction de Ronald Reagan jusqu'à la fin de la présidence Clinton, le cinéma américain a considérablement évolué, épousant à sa manière le cours des mentalités du pays, mais aussi les façonnant et leur imprégnant des formes. Miroir du monde autant que transformateur culturel, donc, il a réfléchi et élaboré le passage global des Etats-Unis d'une posture psychologique dépressive à une posture mégalomaniaque. Entre la méfiance et le doute caractéristiques des années 80 et l'euphorie triomphaliste des années 90, il est ainsi passé d'un extrême à son opposé. Mais il s'est toujours appuyé en dernier ressort sur des représentations témoignant d'une tendance à la paranoïa, qui se révèle comme le trait dominant des mentalités du nouveau continent et détermine le mode d'expression spécifique de ses troubles collectifs nationaux. A travers le cinéma américain dominant, c'est une variété du nihilisme contemporain qui s'exprime, à la fois distincte extérieurement de celles qui apparaissent sur le reste de la planète - en Occident ou en Orient -, et semblable à elles, dans son fond

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Cao, Shuai. "La politique publique du cinéma en France (1981-2012)." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2019. http://www.theses.fr/2019UBFCH005.

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Abstract:

Le cinéma est né en France. En tant qu’art et industrie, le cinéma a connu des hauts et des bas en France pendant la période 1981-2012. Il s’est affronté à de nombreux défis internes et externes, qui ont donné lieu à la crise du cinéma, récurrente durant ces trente et un ans. Les pouvoirs publics, de leur côté, se réfèrent à des moyens financiers, réglementaires et politiques pour chercher à sauver le cinéma national de la crise, à assurer sa survie et à la faire prospérer. Notre recherche historique, en fondant sur des archives, porte ainsi sur le contexte, les ressorts, les mesures précises et les influences de la politique publique du cinéma durant cette période cruciale pour le cinéma français.De l’arrivée de la gauche au pouvoir en 1981 jusqu’à la fin du premier septennat en 1988, le cinéma français a enregistré une chute de fréquentation, et les changements radicaux du paysage audiovisuel français et européen deviennent une grande menace pour le cinéma. Pour résoudre ces problèmes, Jack Lang mène d’abord une réforme du cinéma en mettant en œuvre des mesures anti-trust et en enrichissant le système d’aides au cinéma. Afin d’harmoniser les rapports entre le petit et le grand écran, l’Etat, à travers les lois de 1982 et de 1986 sur la communication audiovisuelle, procède à une réglementation selon laquelle la télévision doit investir dans le cinéma. En même temps, le gouvernement français tente d’exporter et de promouvoir ce modèle de la politique audiovisuelle et cinématographique en Europe et dans le monde.Les enjeux européens et internationaux dominent pendant la période suivante, de 1988 en 1999, une décennie marquée par l’ « exception culturelle ». Si le « plan cinéma » mis en place par Jack Lang arrive à renforcer le régime d’aides, la France donne la priorité à la promotion de ce régime en Europe, tout en défendant les intérêts de la profession du cinéma dans la directive « Télévision sans frontières » et en favorisant la création d’Eurêka audiovisuel, du fonds d’Eurimages et du programme MEDIA. Lors des négociations du GATT en 1993, avec les efforts conjoints des pouvoirs publics et des professionnels, le dossier d’audiovisuel et du cinéma se voit exclu des négociations car « la culture n’est pas une marchandise comme les autres ». Bien que cette norme soit remise en question avec l’AMI et le cycle de négociations de l’OMC à Seattle, la France est parvenue à la défendre. Dans ce contexte, le cinéma français a connu une relance, surtout depuis le milieu des années 1990, mais des déséquilibres et des déstabilisations subsistent et l’efficacité de la politique du cinéma est à nuancer.La dernière phase, de 2000 en 2012, est caractérisée notamment par l’accélération de la mondialisation et l’avènement de l’informatique. La politique cinématographique, mûrie pendant les deux décennies précédentes, doit s’adapter aux nouveaux enjeux du nouveau millénaire. Généralement, le cinéma français se trouve dans une situation ambivalente : d’un côté, il se porte bien à plusieurs égards, surtout en matière de la fréquentation et de la production, de l’autre, il est fragilisé par des événements du secteur : l’apparition des cartes d’abonnement Illimité, la fusion Vivendi-Universal, le piratage ... L’Etat joue un rôle de « pompier » en mettant en place une politique informatique et le crédit d’impôt et en élaborant la loi HADOPI pour lutter contre le piratage. Les collectivités territoriales investissent même de plus en plus dans le cinéma. Cependant, depuis 2008, dans un contexte de rigueur budgétaire, l’Etat procède à une modernisation du CNC ainsi qu’à une restructuration du système d’aides, ce qui soumet la politique publique du cinéma et le cinéma françaisà un avenir incertain
The cinema was born in France. As art and industry, cinema had ups and downs in France during the period 1981-2012. It faced many internal and external challenges, which gave rise to the crisis of cinema which is recurrent during these thirty-one years. The public authorities, for their part, refer to financial, regulatory and political means to seek to save the national cinema from the crisis, to ensure its survival and to make it prosper. Our historical research, based on archives, thus deals with the context, the springs, the precise measures and the influences of the public policy of the cinema during this crucial period for the French cinema.From the arrival of the left in power in 1981 until the end of the first seven years in 1988, French cinema recorded a drop in attendance, and the radical changes in the French and European audiovisual landscape become a great threat to the cinema. To solve these problems, Jack Lang first led a film reform by implementing anti-trust measures and enriching the film support system. In order to harmonize the relationship between small and big screen, the State, through the laws of 1982 and 1986 on the audiovisual communication, proceeds to a regulation according to which the television must invest in the cinema. At the same time, the French government is trying to export and promote this model of audiovisual and cinematographic policy in Europe and around the world.European and international issues dominate during the next period, from 1988 to 1999, a decade marked by the "cultural exception". If the "cinema plan" put in place by Jack Lang can strengthen the aid scheme, France gives priority to the promotion of this regime in Europe, while defending the interests of the cinema profession in the “Television Directive without borders" and by promoting the creation of audiovisual Eureka, the Eurimages fund and the MEDIA program. During the GATT negotiations in 1993, with the joint efforts of the public authorities and professionals, the audiovisual and cinema file was excluded from the negotiations because "culture is not a commodity like the others". Although this standard is being challenged with the MAI and the WTO round of negotiations in Seattle, France has managed to defend it. In this context, French cinema has seen a revival, especially since the mid-1990s, but imbalances and destabilization remain and the effectiveness of film policy is nuanced.The last phase, from 2000 to 2012, is notably characterized by the acceleration of globalization and the advent of IT. The cinematographic policy, matured during the two preceding decades, must adapt to the new stakes of the new millennium. Generally, French cinema is in an ambivalent situation: on the one hand, it is doing well in many respects, especially in terms of attendance and production, on the other, it is weakened by events in the sector: the appearance of the Unlimited subscription cards, the Vivendi-Universal merger, the piracy ... The State plays a role of "firefighter" by setting up a computer policy and the tax credit and by elaborating the HADOPI law to fight against piracy. Local and regional authorities are investing more and more in the cinema. However, since 2008, in a context of budgetary rigor, the State has been modernizing the CNC and restructuring the aid system, which puts public film policy and French cinema in an uncertain future

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Ben, Ameur-Darmoni Kaouthar. "L'univers féminin et la drôle de guerre des sexes dans quelques films tunisiens." Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/ben-ameur_k.

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Abstract:

Le corpus d'analyse comprend quatre films tunisiens de fiction : "L'Homme des cendres" (N. Bouzid, 1986), "Halfaouine (F. Boughedir, 1990), "Les Silences du palais" (M. Tlatli, 1994) et "Tunisiennes" (N. Bouzid, 1998). Dans le premier chapitre, nous replaçons le cinéma tunisien dans son contexte maghrébin, historique et sociologique. Dans le deuxième chapitre, nous nous intéressons aux interrelations entre littérature et cinéma, et plus particulièrement dans le domaine de la narratologie. Le troisième chapitre est consacré à l'analyse narratologique des films du corpus. Le quatrième chapitre s'intéresse à la représentation du couple "moderne" qui fait ressortir un malaise qui procéderait de l'insatisfaction d^ue à la trop grande distorsion entre les anciens et les nouveaux modèles. . .

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Main, Elizabeth. "Quand les concierges balaient l'écran (1895-2000). . . : figures de concierge dans le cinéma français : essai d'analyse de la représentation à partir d'un corpus de films de fiction de long métrage." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010503.

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Abstract:

À partir des éléments formels qui permettent de comprendre comment le/la concierge est constitué (e) en personnage à l'écran, l'analyse procède à une archéologie de la représentation puis à une "anatomie du mythe" dans une perspective d'''intermédialité''. La thèse vise à montrer de quelle manière, grâce à ses interprètes, le cinéma français construit l'identité culturelle - française et parisienne - du personnage et quelle est la part des étrangers dans cette construction. En rupture avec la représentation du XIXe siècle auquel, paradoxalement, il emprunte les formes spinaliennes, le cinéma français participe à 1 'humanisation de la figure au XXe siècle, selon des codes esthétiques, à la fois propres au medium mais qui, très largement, empruntent à d'autres media. Enfin, la démarche adoptée donne à voir la façon dont un travail sur le "détail" - autrement dit sur un objet culturel de petite dimension - peut devenir un atout méthodique, facilitant le déploiement du "spectre" de la représentation

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Pachot, Christine. "Le cinéma des années 30 et la culture télévisuelle à l'ère de l'An 2000 : de l'efficience culturelle de la télévision : Fiction ou réalité ?" Université Pierre Mendès France (Grenoble ; 1990-2015), 1997. http://www.theses.fr/1997GRE29014.

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Abstract:

La creation cinematographique n'existe que par le regard du public. Aujourd'hui, le cinema entretient des relations tres etroites avec la television. A la fois, partenaires et adversaires, ils ne trouvent un terrain d'entente que lorsque la diffusion televisuelle se substitue a la projection en salle pour que perdure le film. Et c'est bien parce que la television propose regulierement des oeuvres du "realisme poetique", courant cinematographique des annees trente, qu'il est encore tres present dans nos esprits. Ce dernier est encore fortement apprecie, et c'est seulement a travers la television qu'il trouve l'essentiel de son public. La television prend le relais du cinema, et donne ainsi une nouvelle vie a des films disparus du grand ecran. En transmettant ce patrimoine a son public, elle devient alors objet de culture. Poursuivra-t-elle encore longtemps cet objectif ou bien changera-t-elle de cap pour tendre vers le "business to business"?
Cinema action doesn't exist but through the public's eyes. The cinema is in constant and close contact with television nowadays. Both partners and opponents, they only find common ground when the television broadcasting substitutes for cinema showing so that the film endures. It's definitely because television regularly shows works from the "poetic realistic movement" if this cinema movement of the thrities remains fresh in our minds. The latter is still widely appreciated and it's only through television that it finds most of its audience. Television takes over from the cinema and thus gives a new life to films which had disappeared from the screen. By passing this patrimony on to its public, television becomes object of culture. Will it aim at this target much longer or will it change course for the sake of business?

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Sánchez, Rivera Sonia. "Regards cinématographiques et corps adolescents. Une lecture poétique et socio-politique des représentations de l’adolescence dans six films contemporains." Thesis, Paris Est, 2018. http://www.theses.fr/2018PESC0069/document.

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Abstract:

Ce travail porte sur les représentations de l’adolescence dans le cinéma indépendant contemporain. Il s’agit d’examiner la mise en images et en discours de ce phénomène social dans six films issus d’Europe et d’Amérique et sortis en salle entre 2009 et 2014. En nous inscrivant en Sciences de l’Information et de la Communication, nous articulons une approche sémiotique et pragmatique afin de rendre compte des aspects plastiques, esthétiques et communicationnels des films du corpus. Notre analyse poétique et socio-politique explore simultanément le langage cinématographique, les conditions de production et l’horizon d’attente auxquels renvoient les œuvres.La première partie rend compte de la construction du cadre analytique et de la démarche analytique qui articule adolescence, cinéma et représentation. La deuxième partie de la thèse saisit les formes et les effets de sens des films. Le corps y est analysé comme le fondement de la représentation de l’adolescence, un objet sémiotique, social et politique. La troisième partie de la recherche s’intéresse à l’émergence d’images des corps adolescents et de discours susceptibles d’engendrer un regard sur l’adolescence cinématographique en tant que construction symbolique et sociale.La thèse conclut que ces films en tant que discours sur l’univers adolescent, invitent à une interprétation délibérative sur le monde social, historique et culturel qui est convoqué dans les films. L’angle sémio-pragmatique met en relief la manière dont les discours sur l’adolescence constituent des discours sociaux qui prônent une prise de position sur la place allouée à la jeunesse dans le monde social
This work focuses on the representations of adolescence in contemporary independent cinema. It is a question of examining the presentation in images and in discourse of this social phenomenon in six films coming from Europe and America and released in room between 2009 and 2014. By situating ourselves in the domains of Sciences of the Information and Communication, we articulate a semiotic and pragmatic approach to account for the plastic, aesthetic and communicational aspects of the films of the corpus. Our poetic and socio-political analysis simultaneously explores the cinematographic language, the conditions of production and the horizon of expectation to which the works refer.The first part sets out the theoretical categories and the method to follow to detect the relations between adolescence, cinema and representation. The second part captures the forms and effects of meaning of the films. The body is taken as the foundation of the representation of adolescence, a semiotic, social and political object. The third part focuses on the emergence of images of adolescent bodies and discourses likely to engender a look at cinematographic adolescence as a symbolic and social construction.The thesis concludes that these films constitute discourses on the adolescent universe, invite to deliberation, using a set of filmic forms that lead to reflections on the social, historical and cultural world that is deployed there. The semio-pragmatic angle makes it possible to interpret the messages that feature films want to deliver on the content of these representations in the frameworks of societies, the way in which the discourses on adolescence conform to social discourses that advocate a stance on this phenomenon

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Orain, Hugo. "Images et Révolution en mouvement : représentations fictionnelles de la Révolution française au cinéma, à la télévision et dans le jeu vidéo entre 2000 et 2020." Thesis, Rennes 2, 2022. http://www.theses.fr/2022REN20013.

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Abstract:

Notre thèse interroge les mythologies contemporaines qui transforment notre perception du passé, en nourrissant un imaginaire social, et en se heurtant aux récits des historiens. Pour cela, nous avons étudié 23 représentations fictionnelles de la Révolution française au cinéma, à la télévision et dans le jeu vidéo, en France, entre 2000 et 2020. La Révolution est un objet mémoriel qui persiste en grande partie grâce aux fictions. Des mythologies contemporaines, comme la focalisation sur la Terreur et la violence révolutionnaire, alimentent une vision sombre de l'histoire, et s'opposent à une mémoire républicaine positive. Les fictions que nous avons analysées sont vues et jouées par des millions d'individus, ainsi les récits fictionnels constituent une "école parallèle" qui concurrence les travaux historiques. Jusqu'à ce jour, aucune recherche en histoire n'avait véritablement été menée sur ces enjeux. Notre approche est inédite parce qu'elle est intermédiatique, c'est-à-dire que nous avons combiné les trois médias (cinéma, télévision et jeu vidéo), selon l'idée qu'il existe aujourd'hui une hybridation médiatique dans les processus de conception. Dans cette thèse, à l'aide de sources de conception et de réception (entretiens, making-off, art work, critiques...), nous avons déconstruit les fictions contemporaines pour appréhender les mécanismes de représentation du passé. Les historiens doivent faire entrer les fictions dans leur laboratoire
Our thesis questions the contemporary mythologies which transform our perception of the past, by nourishing a social imagination, and by colliding with historian narratives. For this, we studied 23 fictional representations of the French Revolution in cinema, television and video game, in France, between 2000 and 2020. The Revolution is a memorial object that persists largely thanks to fictions. Contemporary mythologies, such as the focus on the Terror and revolutionary violence, feed a dark vision of history, and oppose a positive republican memory. The fictions that we have analyzed are seen and played by millions of individuals, thus fictional narratives constitute a "parallel school" which competes with historical works. Until this day, no historical research has really been conducted on these issues. Our approach is unique because it is intermedia, that is to say that we have combined three media (cinema, television and video games), according to the idea that there is a media hybridization in design process. In this thesis, using sources of conception and reception (interviews, making-off, art work, reviews...), have deconstructed contemporary to understand mechanisms of representation of the past. Historians must bring fictions into their laboratory

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Guillaume, Cédric. "Genèse et construction d'un "empire ludo-industriel" : la Walt Disney Company (1923-2000)." Bordeaux 3, 2010. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=2010BOR30086.

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Abstract:

Les loisirs sont devenus un phénomène global qui s’inscrit dans le développement d’une société industrielle et urbaine. Ils sont avant tout un phénomène social car ils sont le miroir d’une société. Cela, Walt Disney l’avait compris dès les années 40. Notre étude porte sur un temps relativement long, environ 80 ans, entre la création du Disney Brothers studio en 1923 et les années 2000. Nous pouvons donc étudier comment, par la démocratisation et la massification, la Walt Disney Company est passée d’une petite affaire familiale à une multinationale leader dans le cinéma, la télévision, la communication ou encore la presse enfantine, les parcs d’attractions et les produits dérivés. L’innovation a toujours été au coeur des actions/orientations de la Walt Disney Company. A première vue, cette société, fondée par un self-made-man parti de rien, correspond parfaitement au modèle défini par Schumpeter : innover dans un domaine et s’appuyer sur cette innovation pour progresser en permanence. Néanmoins, d’autres angles d’analyse peuvent être envisagés. Les travaux de l’économiste Paul A. David en constituent un. Pendant près de vingt ans après la mort du fondateur, la société est tombée dans une douce torpeur qui a failli lui être fatale, jusqu’à sa reprise en main par Michael Eisner en 1984, qui en a fait l’une des trois plus grandes sociétés de communication et de loisirs au monde, en transformant son mode de fonctionnement et en créant une culture d’entreprise très forte. C’est ainsi que la Walt Disney Company, peut-être plus que toute autre entreprise, est marquée par les effets de verrouillage (Lock in Effect) et surtout par la dépendance de sentier (Path Dependancy). La Walt Disney Company est donc une société particulière, complexe, voire même particulièrement complexe ! Cette machine à distraire, qui emploie près de 150 000 personnes dans le monde entier est marquée par un élément, l’éternel balance entre l’héritage du fondateur et l’orientation vers le marketing total… La devise de la société est « Where the Magic Lives », mais peut-on vendre du rêve ?
Leisure has become a global phenomenon which logically comes with an industrial and urban society. They are a social phenomenon because it is the mirror of the society. Walt Disney had understood that in the early 40ies. Our survey deals with a long time (of about 80 years) between the creation of the Disney Brothers Studio and the beginning of the twenty first century. Therefore we can study how Walt Disney Company turned from a small family business into the leader of cinema, television, communication and of course amusement parks. Innovation has always been at the heart of all Walt Disney Company’s actions. At first sight, this company which was founded by a self-made-man can match with Schumpeter’s model: innovating in one field and keep focusing on it to always improve. However, another point of views can be explored. The economist Paul A David has worked on it ans his work is a true example of other possibilities. During almost twenty years after the founder’s death, the company has fallen into a soft torpor which was almost lethal until the arrival of Michael Eisner in 1984 which made out of Disney, one of the third biggest amusement and communication companies in the world. He also created a corporate culture which permits a deep change inside the company. This is why The Walt Disney Company, can be more than any company, influenced by the lock in effect and especially by the Path Depandancy. The Walt Disney Company is eventually a particular and complex company. We can even say that it is a very complex organization. This distracting machine, which employs 150 000 persons in the whole world is defined by one thing, the eternal balance between its creator’s legacy and the total marketing orientation. The company’s motto is “where the magic lives”, but can we sell dreams?

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Davila, Andrés. "Les formes de la transe dans le cinéma expérimental ethnographique contemporain." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030026.

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Abstract:

Cette recherche se concentre sur le travail de cinéastes contemporains dont la pratique artistique reprend l'un des thèmes centraux du cinéma ethnographique : le phénomène de la transe. Des artistes tels que Marc et Éric Hurtado (Jajouka, quelque chose de bon vient vers toi, 2012), Tiane Doan na Champassak et Jean Dubrel (Natpwe, le festin des esprits, 2013), Vincent Moon (Collection Petites Planètes), Soundwalk Collective et Patti Smith (Illuminations, 2018) ou Susana de Sousa Dias (Fordlandia Malaise, 2019), explorent de nouvelles voies de recherche ethnographique à travers le cinéma expérimental. Bien que relativement éloignés dans leurs champs d'expérimentation respectifs, ces artistes abordent différentes dimensions de la transe dans un même esprit de découverte. Pour ce faire, ils ont principalement recours à l'invention formelle et aux processus de production et de distribution en dehors de l'industrie cinématographique. Les œuvres de ces artistes relèvent d’une approche spécifique du cinéma et se caractérisent par l’utilisation de la pellicule (Super 16mm, 16mm, Super 8 et 8mm), l’exploration des particularités de la perception, le dédain pour les formats numériques standardisés et l’utilisation des pouvoirs du son et de la musique pour créer une expérience sensorielle. En outre, dans ces œuvres, nous voyons comment les cultes de transe dans le monde contemporain, pour la plupart populaires, continuent de résister à la subordination aux systèmes religieux. Dans de nombreux cas, les formes de transe de ces cultes trouvent de fortes résonances avec les mythes, la poésie et la musique de traditions qui s'écartent de l'orthodoxie religieuse. Ainsi, le caractère marginal et parfois transgressif de ces pratiques, par rapport aux religions institutionnelles, leur confère souvent une dimension subversive et libertaire. Ce travail de recherche utilise une méthode interdisciplinaire et interroge la relation entre ce groupe de films et l'ethnomusicologie, l'ethnographie de la possession, le cinéma ethnographique et le cinéma expérimental
This research focuses on the work of contemporary filmmakers whose artistic practice takes up one of the central themes of ethnographic cinema: the phenomenon of trance. Artists such as Marc et Éric Hurtado (Jajouka, quelque chose de bon vient vers toi, 2012), Tiane Doan na Champassak & Jean Dubrel (Natpwe, le festin des esprits, 2013), Vincent Moon (Collection Petites Planètes), Soundwalk Collective & Patti Smith (Illuminations, 2018) and Susana de Sousa Dias (Fordlândia Malaise, 2019), explore new avenues of ethnographic research through experimental film. Although relatively distant in their respective fields of experimentation, these artists approach different dimensions of trance in the same spirit of discovery. To do so, they mainly resort to formal invention and to production and distribution processes outside the film industry. The works of these artists have a specific approach to cinema and are characterized by the use of film (Super 16mm, 16mm, Super 8 and 8mm), the exploration of the particularities of perception, the disdain for standardized digital formats and the use of the powers of sound and music to create a sensory experience. Furthermore, in these works we see how trance cults in the contemporary world, mostly popular, continue to resist subordination to religious systems. In many cases, the trance forms of these cults find strong resonances with the myths, poetry, and music of traditions that depart from religious orthodoxy. Thus, the marginal and sometimes transgressive character of these practices, in relation to institutional religions, often gives them a subversive and libertarian dimension. This research work uses an interdisciplinary method and questions the relationship between this group of films and ethnomusicology, the anthropology of possession, ethnographic cinema and experimental cinema

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Grignon, Prisca. "Le champ d'existence de la novélisation francophone actuelle (10 dernières années) : la novélisation, un nouveau genre ?" Thesis, Montpellier 3, 2012. http://www.theses.fr/2012MON30031/document.

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Abstract:

Omniprésente dans l’édition pour la jeunesse ou à destination du grand public, la novélisation est pourtant peu visible dans le champ littéraire francophone, sans doute parce qu’elle est associée au versant le plus mercantile de la production éditoriale. D’où une pénurie d’études critiques la concernant. Seulement deux chercheurs, Monique Carcaud-Macaire et Jan Baetens, étudient ces textes, définis a minima comme un type d’adaptation d’un scénario cinématographique et/ou audiovisuel à un texte fictif. On constate que leur choix orthographique, « novellisation », fait autorité dans la critique, si succincte soit-elle. S’ils désignent ainsi le genre de manière globale, ils s’attachent surtout à des romans édités de façon marginale et dont les contextes d’écriture et d’édition posent, selon nous, la question de leur appartenance au genre. C’est en tout cas délaisser un pan conséquent de la production actuelle. Car tous les acteurs de la chaîne de production de ces textes (auteurs, éditeurs, producteurs, etc.) parlent tous, eux, de « novélisation ». On se propose donc de dresser un état des lieux de la novélisation francophone contemporaine sans critère de littérarité préétablie, c'est-à-dire sans briser le continuum qui va de la littérature dite industrielle à la Littérature. En s’appuyant sur des exemples précis et sur les témoignages des professionnels rencontrés, l’analyse des modalités de conception, d’écriture et de diffusion des différents corpus permettra de préciser les spécificités génériques de la novélisation. Hybride, par essence intermédiatique, le genre est emblématique d’une époque culturelle où les oeuvres ne cessent de circuler entre différents supports
Though omnipresent in youth publication or for the general public, novelization is not very visible in the French literary field, probably because it is closely associated to its most mercantile editorial production. Hence a shortage of critical studies about it. Only two researchers, Monnique Carcaud-Macaire and Jan Baetens, are studying these texts, defined a minima as a type of adaptation of a screenplay and/or audiovisual one to fictitious texts. We can observe that the way they chose to spell it : « novellisation » is accepted as an authority in the critics (as rare as they can be). If they globally designate the genre as such, they deal above all with published novels in a marginal way-the writing and publishing contexts of which-is asking for us the question of their belonging to the genre. This means leaving aside a consequent part of the actual production, as every actor in the process of these texts production(author, publishers, producers,etc.)speak of «novelisation ». We shall therefore map out the state of contemporary French novelisation regardless of pre-established literary criteria, meaning, without breaking the continuum of literature called industrial to the Literature. Based on specific examples and the testimonies of the professionals we have met, our analysis on the procedures ofconception , writing and the diffusion of different corpus will enable us to clarify the generic specificities of novelization. Hybrid, intermedial in essence, the genre is emblematic of a cultural era where the works constantly flow to and fro different media

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Bareille, Laurent. "Les représentations du « mauvais garçon » dans le cinéma japonais de 1955 à 2000, ou le questionnement à propos de l’évolution de la société japonaise par ce paradigme." Thesis, Lyon 3, 2015. http://www.theses.fr/2015LYO30016/document.

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Abstract:

Depuis la fin de la guerre la société japonaise connaît d’importants changements, le cinéma japonais traitant de son époque est on pourrait dire comme d’autres formes d’expressions artistiques un indicateur des mœurs, des fluctuations de la société, par le regard personnel d’un auteur. Nous verrons dans notre développement dans lequel nous nous arrêterons plus spécialement sur des œuvres « clé » comment par le prisme du personnage du « mauvais garçon », la vision d’un artiste, en l’occurrence un cinéaste prend le plus souvent racine dans une réalité sociale et générationnelle ; et dans le cas du Japon si elle est révélatrice ou non d’une « spécificité » japonaise dans le traitement du récit. Nous avons choisi une approche socio-historique pour notre travail, ainsi les deux parties de cette thèse sont divisées de la sorte : Les diverses formes de représentation des différents groupes de sous culture de la jeunesse japonaise, puis L’évocation de personnages écartés du groupe par ostracisme ou par leur propre volonté. Au cours de la première partie nous étudierons les films dits du Taiyôzoku (la tribu du soleil) tirés des écrits d’Ishihara Shintarô. Puis certains films de la nouvelle vague japonaise, la nouvelle vague dite Shôchiku (du studio du même nom). Dans un deuxième temps nous traiterons des films qui mettent en scène des jeunes appartenant aux sous cultures futenzoku (les hippies) et Bôsôzoku (les gangs de motards). Dans la seconde partie, nous analyserons les films d’Oshima Nagisa et Suzuki Seijun ayant pour sujet des « mauvais garçons ». Nous avons ensuite étudié le yakuza eiga (film de gangsters), plus particulièrement Jingi no hakaba de Fukasaku Kinji réalisé en 1965. Nous terminons notre étude avec l’évocation et les analyses de films des années 1990-2000, ceux d'Iwai shunji, Toyada Toshiaki ou encore Kitano Takeshi
Since the end of the War, Japanese society has gone through important changes; Japanese cinema dealing with its history is, we could say, as other forms of artistic expression, an indicator of customs, fluctuations in society, through the eyes of an author.We shall see in our development, in which we will focus in particular on «key» works, how, by the means of the «bad boy» character, the vision of an artist, here a film-maker, usually takes root in a social and generational reality, and in the case of Japan, whether it is revealing or not of a specific Japanese narrative process.We have chosen a socio-historical approach to our work, thus the two parts of this thesis can be divided as follows:The various forms of representation of the different groups of Japanese youth sub-culture, and then identifying the characters ruled out by the group, either by ostracism or by their own will.First, we shall study the so-called Taiyôzoku (tribe of the sun) films, based on Ishihara Shintarô’s written works. Next, some Japanese new wave films, notably of Shôchiku genre (from the studio of the same name). Then we shall deal with films featuring young people from Futenzoku (hippies) and Bôsôzoku (biker gangs) sub-cultures.In the second part, we shall study Oshima Nagisa and Suzuki Seijun films profiling «bad boys». To end, we have studied the yakuza eiga (ganster films), in particular Jingi no hakaba (Graveyard of Honor) directed by Fukasaku Kinji in 1965.We conclude our research by reviewing and analysing 1990-2000 films, those of Iwai Shunji, Toyada Toshiaki or Kitano Takeshi

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Bykova, Dognon Oksana. "La mafia russe et le crime organisé dans le cinéma : (1988-2010) : représentation, communication et esthétique." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2018. http://www.theses.fr/2018UBFCH034.

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Abstract:

Aujourd'hui, bien que la mafia russe soit officiellement démantelée, elle continue à influencer et à transformer l’identité de son «fidèle» spectateur par la voie cinématographique. Dans ce cas comme dans sans doute beaucoup d’autres, comme le rappelle à juste titre Valérie Pozner, « le cinéma doit être replacé au sein d’un vaste réseau de pratiques spectaculaires et de stratégies éducatives, politiques et informatives hétérogènes ».1Cette thèse revient en premier lieu sur les participants et les engagements de cette coopération entre la mafia et le cinéma. Avant de retracer les principaux traits de ce mariage ciné-mafia-politique, nous allons aborder les formes nouvelles qui apparaissent dans ce nouveau style de cinéma criminel très populaire et répandu dans la société russe. Pour cela faire, dans un premier temps, la recherche donnera certaines détaillées nécessaires pour illustrer les principaux acteurs et principaux événements de la véritable guerre sanglante des groupement criminelles pendant la Grande Révolution Criminelle Russe de 1988-1994. Dans un deuxième temps, nous analyserons les mécanismes de propagande, véhiculés par le cinéma du genre mafieux et criminel russe dont une partie appartient à l’héritage soviétique. Ces mécanismes de propagande, explicites ou masqués, mais surtout ayant un rôle de promotion pour la toute-puissance Russie, accompagnent cette brutalité d’un style de vie que les occidentaux étudient, afin de le comprendre, depuis des siècles. Un Etat « à part » ainsi que son cinéma, que l'on peut aimer ou détester, mais face auquel on ne peut rester indiffèrent !Ce travail de doctorat s'appuiera sur trois hypothèses :Hypothèse 1 : L'arrivée de la Mafia russe dans les circuits de financement du cinéma est aussi une médiation, une communication entre la vie de l'Organisation et le grand public. Elle s'exprime notamment par la mise en place de ce que nous pourrions appeler une « esthétique mafieuse ».Hypothèse 2 : Les attributs de cette esthétique mafieuse profitent des attributs de l'esthétique à laquelle elle succède : l’esthétique soviétique, le socialisme. La question de la conscientisation de ces transformations est une question cruciale.Hypothèse 3 : Cette esthétique mafieuse, cinématographique opère une communication publique et, donc, une évolution des représentations sociales des spectateurs. Nous allons faire l'évaluation de ces valeurs par le public
Today, although the Russian mafia and organized crime community is officially defeated, it continues to influence, transform the identity of his « faithful » viewers through by the way of cinema. It's necessary to understand the exchanges between the cinema said « criminal fiction » and its influence on the public reality. On the one hand the Russian mafia identity of cinema was built across the international market and international audiovisual film.The originality of Russian fictional crime genre, in particular, that it was in some cases produced, directed and performed by former criminals, who also faced historical changes, and were influenced by Hollywood mafia movies lived a period of transformation in « cinema professionals », as also the professionals in the field of other arts such as literature, publication, music, television. Such was the case of Vitaly Demochka 1, the former criminal, who became director, producer, actor and writer. The particularity of his case, that he directed and performed his own « life story » on the screen, as well the members of his former criminal team became the fictional heroes of his film « Spets ».In parallel, our work is focused on the study of “communicating objects”, such as a music, behavior, language, dress code, tattoos. Which have become representative as the 'weapon' of mafia propaganda, projected in the cinema and widely recycled in reality, and vice versa. It operates not only the mythification of public communication but therefore, the evolution of the social representations and even transformation of the spectators

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Jolivet, Anne-Marie. "Marcelino pan y vino : l'enfant au cinéma dans l'Espagne franquiste." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040164.

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Parmi les nombreuses productions avec enfants du cinema de l'epoque franquiste, la creation de ladislao vajda avec pablito calvo pose de facon originale, la question du sens et de la representation de l'enfance a l'ecran. L'analyse filmique de marceline pan y vino constitue l'essentiel de cette recherche et s'appuie sur l'etude des chemins suivis par l'adaptation du conte homonyme de sanchez silva, a partir des documents d'archives et des decoupages d'avant et d'apres tournage. Cette adaptation du conte mystique invite a l'hermeneutique car elle a a voir avec la dimension de l'enigme et du sacre. Malgre l'influence du contexte historique, l'approche minutieuse de sa realite filmique y decouvre des accents de modernite sur la question de l'enfant et du droit. Les codes qui structurent sa symbolique et son etrangete sont a lire dans l'imaginaire de l'enfance, le mythe de l'enfant trouve, le roman familial, le secret des origines, le desir et le manque, la differenciation et la transcendance. L'utilisation de l'enfant-acteur et de la proxemie filmique, la representation de dieu et du miracle de la mort donnent a ce film une place a part dans l'histoire du cinema espagnol. Montage de representation, au service d'une ideologie selon certains, son ambiguite s'inscrit dans la verite de l'image, la tradition iconographique et le champ de l'anthropologie religieuse relie a l'imaginaire de l'enfance et a l'ontologie historique de l'humain et du divin. La deuxieme partie aborde la problematique de l'enfant-acteur et s'interesse aux modalites d'utilisation de la matiere filmable constituee par le corps ou "l'etre en soi" de pablito calvo. Mi tio jacinto et un angel paso por brooklyn, par des techniques et des styles differents, retravaillent l'image de l'enfant en l'adaptant a d'autres enjeux figuratifs. Dans ces trois films, vajda interroge les fondements de notre humanite et pose la question du corps, de la filiation et de la mediation filmique.

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Marsaud, Gael. "Prendre position en documentaire : une sociologie politique des films documentaires tournés dans le Centre-ville de Saint-Denis et à la Joliette à Marseille (2000-2010)." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080067.

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Abstract:

Cette thèse analyse les processus de politisation et dépolitisation de films documentaires attachés à l'urbain stigmatisé et prend pour objet 42 films tournés dans les quartiers du Centre-ville Basilique à Saint-Denis et de la Joliette à Marseille entre 2000 et 2010. L'enquête s'appuie sur une série d'entretiens semi-directifs auprès des réalisateurs et d'analyses filmiques, ainsi que sur un ensemble de sources afférentes à l'activité promotionnelle ou théorique des réalisateurs. Au croisement des sociologies de l'art, du cinéma, du journalisme et des professionnels engagés, cette thèse vise à dresser les contours d'un espace documentaire en voie d'autonomisation. Elle propose une analyse des trajectoires sociales et professionnelles des documentaristes, des clivages qui le constituent et des collaborations nécessaires à la fabrique et la diffusion des documentaires. Elle est l'occasion de revenir sur nombre de représentations couramment accolées à cette pratique allant du rapport à la politique entendu au sens large, à la place accordée au réalisateur dans le processus de création et à la division entre cinéma et journalisme. En plaçant au centre les logiques de professionnalisation et les relations avec des acteurs, intervenants filmés et publics, étrangers à l'espace documentaire, ce travail reconsidère les conditions d'un engagement politique par et au travers des films
This thesis analyzes the process of politicization and de-politicization of documentary films that focus on stigmatized urban areas. It is based on 42 films made between 2000 and 2010 in the neighborhoods of Centre-ville Basilique in Saint-Denis and La Joliette in Marseille. This research draws from open-focused interviews with directors and content analysis of the studied films, as well as of other promotional or theoretical productions by the same directors. This thesis aims at understanding the structure and logics of a “documentary world” which is gaining structural autonomy towards other social fields. At the intersection of the sociologies of art, cinema, journalism and politically involved professionals, this study analyses the ambiguous positioning of the filmmakers when it comes to taking a political stand in the light of their social and professional backgrounds, of the professional collaborations that develop around the making and distribution of the films, and of the structural divisions organizing the documentary world. This approach allows us to question several dimensions of documentary film making that are often taken for granted: from the creative power of the director and his/her place in the creative process, to the opposition between cinema and journalism, and the relationship between documentary and politics generally speaking. By placing professionalization mechanisms and the relationships that directors develop with filmed participants and the public at the center of the study, this work sheds new light on the process of political commitment by and through cinematographic productions

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Ezzat, Elborhamy Shaimaa. "Télévision, cinéma et pouvoirs en Egypte sour le règne de Moubarak." Thesis, Paris 2, 2015. http://www.theses.fr/2015PA020086/document.

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Canet, Marie. "Pour une histoire à rebrousse-poil de la production cinématographique contemporaine : body Double (x) (1997-2000) de Brice Dellsperger, la transgression du modèle." Thesis, Metz, 2007. http://www.theses.fr/2007METZ005L.

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Abstract:

Ce travail est un commentaire d'œuvre, inspiré de la méthode d'analyse critique instruite par Walter Benjamin. Le point de départ est un essai écrit en 1941, "Sur le concept d'histoire" dans lequel il avance un certain nombre de points conduisant à redéfinir la place et la vocation de l'historien dans un contexte moderne, socialement, technologiquement et politiquement, bouleversé. Il demande à l'historien de brosser à rebours le poil "trop lisse" de l'histoire, soit de bloquer et de sauver des moments, de déplacer les points de vue et d'envisager la signifiance de ce moment pour l'ensemble de histoire. A partir de ce postulat, le film de B. Dellsperger, Body double (x), est mis en perspective comme temps particulier et manifeste, exemplaire d'un certain type de cinéma. Expérimental, formel, il est directement issu du remake, un phénomène que connurent les arts contemporains entre 1990 et 2000. Car Body double (x) est une copie, plan à plan et mot à mot, de L'important c’est d’aimer (1976) réalisé par A. Zulawski. Dans ce commentaire, les concepts benjaminiens de teneur chosale et teneur de vérité sont pratiqués. La teneur chosale correspond à l'analyse matériologique du film : à l'analyse formelle des constituants de l'image, de l'ensemble du processus propre à la remise en scène du film original. La teneur de vérité correspond à la mise en perspective philosophique, historique et politique du processus performatif et filmique. Le film, en tant que remake, questionne les notions de copie et d'original sur un mode relationnel. Enfin, en concentrant les regards sur le corps d'un unique acteur, Jean-Luc Verna, il rétablit un rapport d'ordre esthétique et éthique entre la figure humaine et sa représentation
This work is a film commentary, based on the critical analysis method introduced by Walter Benjamin. The starting point is an essay written in 1941, "About the concept of history", in which he puts forward a certain number of points leading to redifining the position and vocation of the historian in a sociolagically, technologically and politically shattered modern context. He asks the historian to rub history up the wrong way, by holding and saving moments, by moving points of views and envisaging the meaning of this moment in History. From this basic premise, Brice Dellsperger's film, Body double (x), is cast as a manifest and specific time, model of a type of film-making. Experimental, as well as formal, it was born from the remake, a phenomenon already known in modern arts between 1990 and 2000. For Body double (x) is a copy, frame for frame and word for word, of L'important c'est d'aimer (1976) directed by A. Zulawski. In this commentary, I use Benjamin's concepts : the thing content and the truth content. The thing content corresponds to the film material analysis, that is, the formal analysis of all the constituents of the picture, as well as the process, peculiar to the re-directing of the original movie. The truth content corresponds to the philosophical, historical and political angle on the film and performative process. The film, as a remake, questions about Copy and Original notions on a relational mode. Finally, by focusing looks on the body of one unique actor, Jean-Luc Verna, it restores an aesthetic and ethical link between the human figure and its representation

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Kasprowicz, Laurent. "Contribution à une sociologie de la consommation cinématographique : la réception des films à Longwy (France) au début des années 2000." Thesis, Metz, 2008. http://www.theses.fr/2008METZ012L/document.

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Abstract:

Débutée en 2002, ma thèse soutient l’intérêt, dans une optique compréhensive, d’une observation localisée de la pratique cinématographique, en total contre-point des études nationales (type C.N.C.) qui séparent publics et films ou des théories du cinéma d’inspiration sémiologique qui négligent l’ancrage social de l’expérience cinématographique. Le plébiscite accordé aux films de divertissement au box office du multiplexe de Longwy (54), célèbre ville ouvrière du Nord Est de la France, semble moins résulter de préférences absolues que de pratiques différenciées en matière de consommation cinématographique. Mes enquêtes statistiques (270 questionnaires) et qualitatives (70 entretiens avec des spectateurs et 10 avec des professionnels de la ville) et mes observations des pratiques des spectateurs (sorties cinéma et consommation à domicile) témoignent d’une profusion des genres de films, desupports de visionnage et de modes d’attention aux films. Cette hétérogénéité des pratiques du spectateur révèle des plaisirs différenciés du cinéma (« voir un film au cinéma, c’est pas pareil que voir un film à la maison ») et l’importance du mode de vie typiquement local (la ville est une ville dortoir où les gens sortent très peu en semaine et travaillent à Luxembourg-ville à 50 km). La vitalité de la sociabilité locale qui se noue autour des films, de même que le contact répété avec ces derniers met en lumière et stimule une capacité d’expertise de la part du spectateur « ordinaire ». Ces résultats me semblent ainsi valider l’intérêt d’une observation localisée, seule en mesure de restituer à la fois la richesse de l’expérience cinématographique du spectateur et ses déterminants. Elle appelle, je l’espère, d’autres études du même genre
Begun in 2002, my thesis supports the interest, from an understanding point of view, of a localised observation of the cinematographic practice, in total counterpoint of the national studies (standard C.N.C.) who separate public and films or from the theories of the semiological cinema of inspiration which neglect the social anchoring of the cinematographic experiment. The plebiscite granted to films of entertainment to the box office of multiplexes of Longwy (54), celebrates working city of North East of France, less seems to result from absolute preferences that practices differentiated as regards cinematographic consumption. My statistical surveys (270 questionnaires) and qualitative (70 discussions with spectators and 10 with professionals of the city) and my observations of the practices of the spectators (at Theaters and consumption in residence) testify to a profusion of the kinds to films, supports of viewing and modes of attention to films. This heterogeneity of the practices of the spectator reveals pleasures differentiated from films ("to see a film with the cinema, it is not similar which to see a film at the house") and the importance of the typically local way of life (the city is a dormitory town where people leave downtown very little in week and work at Luxembourg-city to 50 km). The vitality of the local sociability which is tied around films (especially when it’s written with Internet), just as the contact repeated with the latter clarifies a capacity of expertise on behalf of the "ordinary" spectator. These results thus seem to me to validate the interest of a located observation, in measurement to only restore at the same time the richness of the cinematographic experiment of the spectator and his determinants. It calls, I hope for it, other studies of the same kind

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Gharbi, Aymen. "Le roman, le cinéma et la télévision dans Les Soprano : la série télévisée entre art et industrie." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100152.

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Abstract:

Les prétentions esthétiques de la série télévisée Les Soprano nous ont convaincu qu’elle s’inscrit dans une période significative de l’histoire des médias : la migration du cinéma et la de littérature vers la sérialité télévisée, avec tout ce que cela implique de transformations sociale, esthétiques et économiques fondamentales. Nous mettrons cette période en parallèle avec celle du cinéma du vingtième siècle et du roman du dix-neuvième siècle, afin de montrer que l’œuvre est habitée, de manière aussi bien volontaire qu’involontaire, par certaines contradictions multidimensionnelles inhérentes aux mutations de l’industrie culturelle. Ces contradictions impliquent la contamination pathologique du récit par l’interruption et la répétition, connotant une passivité fondamentale de l’Homme moderne
The aesthetic pretensions of the television series The Sopranos have convinced us that it is part of a significant period in the history of the media: the migration of cinema and literature towards televised seriality with all that this implies of social, aesthetic and economic transformations. We will put this period in parallel with that of the twentieth century cinema and the nineteenth century novel to show that the work is inhabited, both voluntarily and involuntarily, by certain multidimensional contradictions inherent in the mutations cultural industry. These contradictions imply the pathological contamination of the story by interruption and repetition, which connotes a fundamental passivity of modern man

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Canet, Marie. "Pour une histoire à rebrousse-poil de la production cinématographique contemporaine : body Double (x) (1997-2000) de Brice Dellsperger, la transgression du modèle." Electronic Thesis or Diss., Metz, 2007. http://www.theses.fr/2007METZ005L.

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Abstract:

Ce travail est un commentaire d'œuvre, inspiré de la méthode d'analyse critique instruite par Walter Benjamin. Le point de départ est un essai écrit en 1941, "Sur le concept d'histoire" dans lequel il avance un certain nombre de points conduisant à redéfinir la place et la vocation de l'historien dans un contexte moderne, socialement, technologiquement et politiquement, bouleversé. Il demande à l'historien de brosser à rebours le poil "trop lisse" de l'histoire, soit de bloquer et de sauver des moments, de déplacer les points de vue et d'envisager la signifiance de ce moment pour l'ensemble de histoire. A partir de ce postulat, le film de B. Dellsperger, Body double (x), est mis en perspective comme temps particulier et manifeste, exemplaire d'un certain type de cinéma. Expérimental, formel, il est directement issu du remake, un phénomène que connurent les arts contemporains entre 1990 et 2000. Car Body double (x) est une copie, plan à plan et mot à mot, de L'important c’est d’aimer (1976) réalisé par A. Zulawski. Dans ce commentaire, les concepts benjaminiens de teneur chosale et teneur de vérité sont pratiqués. La teneur chosale correspond à l'analyse matériologique du film : à l'analyse formelle des constituants de l'image, de l'ensemble du processus propre à la remise en scène du film original. La teneur de vérité correspond à la mise en perspective philosophique, historique et politique du processus performatif et filmique. Le film, en tant que remake, questionne les notions de copie et d'original sur un mode relationnel. Enfin, en concentrant les regards sur le corps d'un unique acteur, Jean-Luc Verna, il rétablit un rapport d'ordre esthétique et éthique entre la figure humaine et sa représentation
This work is a film commentary, based on the critical analysis method introduced by Walter Benjamin. The starting point is an essay written in 1941, "About the concept of history", in which he puts forward a certain number of points leading to redifining the position and vocation of the historian in a sociolagically, technologically and politically shattered modern context. He asks the historian to rub history up the wrong way, by holding and saving moments, by moving points of views and envisaging the meaning of this moment in History. From this basic premise, Brice Dellsperger's film, Body double (x), is cast as a manifest and specific time, model of a type of film-making. Experimental, as well as formal, it was born from the remake, a phenomenon already known in modern arts between 1990 and 2000. For Body double (x) is a copy, frame for frame and word for word, of L'important c'est d'aimer (1976) directed by A. Zulawski. In this commentary, I use Benjamin's concepts : the thing content and the truth content. The thing content corresponds to the film material analysis, that is, the formal analysis of all the constituents of the picture, as well as the process, peculiar to the re-directing of the original movie. The truth content corresponds to the philosophical, historical and political angle on the film and performative process. The film, as a remake, questions about Copy and Original notions on a relational mode. Finally, by focusing looks on the body of one unique actor, Jean-Luc Verna, it restores an aesthetic and ethical link between the human figure and its representation

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Kressmann, Martin. "Le premier film dans le cinéma français des années 1960 à 2000 à travers l'exemple de six cinéastes : (Jacques Demy, Maurice Pialat, Christine Pascal, Claire Denis, Xavier Beauvois, Alain Guiraudie)." Thesis, Paris 10, 2017. http://www.theses.fr/2017PA100053.

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Abstract:

La thèse propose d'étudier sur cinquante ans de cinéma français l'évolution du concept du premier film de la Nouvelle Vague aux années 2000 sous un angle historique, esthétique et économique, analyser le début de carrière de six cinéastes français singuliers emblématiques d'une époque et d'une génération, comprendre et s'intéresser à leurs parcours avant leur premiers film, leurs influences, les aides qu'ils ont pu obtenir, leur lien avec la critique et la présence de leur film de jeunesse dans leur œuvre à venir
This thesis proposes to study the evolution of French cinema threw the concept of ''the first movie'' from the New Wave to the beginning of 21st century on a historic, esthetic and economic point of view. This research tries to analyse the beginning of the career if six French singulars directors whitch are iconic of a period or a generation, tries to understand and be interested on their course before their first movie, their youth, their influences, the financial and humain helps they found, their connections with the French critique and the presence of their first movie in all their future work

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Thabet, Mezghani Wafa. "The voice of silence as echoed by female filmmakers : reading between the shots." Thesis, Aix-Marseille, 2016. http://www.theses.fr/2016AIXM3108.

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Abstract:

La présente recherche vise à explorer des formes multiples de silence représentées dans un film et à étudier la façon dont le silence a été perçu et conçu par des cinéastes femmes selon la perspective de l’analyse critique de discours (ACD). Dans ce contexte, nous avons choisi quatre longs métrages produits durant le XXIe siècle par quatre femmes cinéastes originaires de deux milieux culturels différents — à savoir les États-Unis et la Tunisie, à travers lesquels nous avons abordé notre problématique. Nous avons adopté l’approche développée par Fairclough (1989) qui consiste en trois étapes analytiques : description, interprétation et explication, combinant pragmatisme et analyse sémiotique. Cette recherche introduit également le concept de ‘voicing’ en référence aux signes sémiotiques et aux techniques cinématographiques qui sous-tendent la signification du silence et sa dimension pragmatique. Les résultats de l'étude démontrent que l'utilisation de ‘voicing’ s’avère un moyen efficace pour créer une méthode systématique d'analyse du silence au cinéma. Ils montrent également qu’en dépit des différences, des thèmes abordés et du contexte socio-culturel des cinéastes, il existe un dénominateur commun entre les quatre films, à savoir leur positionnement féministe ou pro-féministe.En outre, il ressort de notre analyse que les films en question constituent des barrières de résistance à l'hégémonie patriarcale du cinéma grand public qui sont fortement influencées par les perceptions individuelles des cinéastes, leurs expériences personnelles et le contexte culturel auquel elles appartiennent
The current research aims to explore several of the manifold states of silence represented in film and to investigate how silence and silencing have been perceived and conceived by female filmmakers from a Critical Discourse Analysis (CDA) perspective.This is achieved by examining the case studies of four feature films produced in the twenty-first century by four female filmmakers from two different cultural backgrounds–namely the USA and Tunisia. Research questions are qualitatively applied to a corpus of four films, following Fairclough’s (1989) three analytic stages: description, interpretation and explanation, using pragmatics combined with semiotic analysis. The thesis also introduces the concept of ‘voicing’ with reference to the semiotic signs and film techniques that underpin the meaning of silence and its pragmatic dimension.The findings of the study show that using ‘voicing’ has proved to be effective in creating a systematic method of analyzing silence in films. They also show that even though the cinematographic practices, the themes dealt with and the socio-cultural background of the filmmakers may be different, there is a common denominator between the four films: their feminist or pro-feminist agenda.Further, it argues that the films under discussion may be considered as barriers of resistance to the hegemonic patriarchal mainstream cinema and that these barriers are strongly influenced by the filmmakers’ own individual perceptions, personal experiences and cultural background

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Semonsut, Pascal. "La représentation de la Préhistoire en France dans la seconde moitié du XXe siècle (1940-2000)." Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040001.

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Abstract:

Lorsque Lascaux renaît aux hommes, en septembre 1940, la Préhistoire est une époque bien connue depuis pratiquement un siècle. L'objectif de cette thèse est de retracer l'histoire de son image auprès des Français de la seconde moitié du XXe siècle. Pour ce faire, nous avons retenu cinq médias principaux : l'enseignement avec les manuels scolaires et les programmes, la littérature (de Rosny à Jean Auel), la bande dessinée (Rahan et Tounga essentiellement), le cinéma et la peinture (l'œuvre de Zdenek Burian). Nous leur en avons ajouté cinq autres complémentaires : la vulgarisation, les sites, les musées, la presse écrite et la télévision. La première partie de ce travail évalue la place que ces différents médias occupent dans la représentation de la Préhistoire. Une deuxième partie détaille les stéréotypes du préhistorien et du préhistorique. La partie suivante décrit l'image donnée de l'environnement naturel et anthropique des temps premiers. Enfin, une dernière partie analyse la pensée et la technologie prêtées aux hommes préhistoriques. Il ressort de cette étude que la représentation de cette période en fait une époque ambiguë : une époque noire, celle de tous les dangers, et une époque plus lumineuse, celle de tous les progrès et de toutes les promesses
When Lascaux reappeared to people, in September 1940, prehistory had been well known for almost a century. The purpose of this thesis is to relate how French people pictured it during the second half of the twentieth century. To do so, we have focused on fire main media: teaching, through school books and curricula, literature (from Rosny to Jean Auel), comic strips (mainly Rahan and Tounga), cinema and painting (Zdenek Burian’s work). We’ve added five further ones: popularization, places of interest, museums, the written press and television. The first part of this work assesses the part these different media play in the representation we have of prehistory. The second part shows the stereotypes of prehistorian and prehistoric. The next part shows the natural and anthropologic environment picture in ancient times. Finally, the last part analyses the alleged prehistorical men's thought and technology. What emerges from this study is that the picture we have of this period makes it an ambiguous time: a dark period, with many dangers, and a more luminous one with progress and promises

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Zalila, Ikbal. "Les mises en scène du politique dans les actualités cinématographiques tunisiennes entre 1956 et 1970." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010524.

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Abstract:

Au confluent de l'Anthropologie politique, de l'Histoire et de la Théorie du Cinéma, cette étude porte sur les mises en scène du politique dans les actualités cinématographiques tunisiennes entre 1956 et 1970. Elle couvre une période cruciale de l'Histoire de la Tunisie indépendante, celle de l'élan de construction nationale. L'Etat de l'indépendance est appréhendé du point de vue de ses mises en scène, essentiellement centrées sur le Président Bourguiba. L'ambition de cette recherche est de déconstruire le travail entrepris par les Actualités dans la médiatisation du spectacle du pouvoir, pour voir dans quelle mesure et jusqu'à quel point, elles ont induit une mutation du regard sur le pouvoir et une sorte de« déréalisation ». La partie analytique s'appuie sur un film documentaire intitulé «Monodrame de l'indépendance» qui est partie intégrante de la thèse.

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Pasquier, Aurélien. "L’influence de la résurgence des questions mémorielles sur la représentation du Japon dans les blockbusters sud-coréens : analyse de la répétition de l’Histoire dans « Fantôme » (1999), « 2009 Lost Memories » (2002) et « Péninsule » (2006)." Thesis, Lyon, 2017. http://www.theses.fr/2017LYSE3024.

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Abstract:

Ce travail explore la figure de la répétition de l’Histoire entre la Corée (du Sud) et le Japon dans plusieurs blockbusters sud-coréens depuis 1998. Les années 1990 qui devaient voir la désintégration de l’État-nation sont celles qui marquent le retour des « nationalismes ethniques ». Ce retour des nationalismes qui suit la fin de l’affrontement des deux blocs se manifeste par une résurgence des questions mémorielles entre la Corée du Sud et le Japon. Dans notre première partie, nous analysons comment les problèmes liés à la colonisation qui ressurgissent dès le début des années 1990 transforment le Japon en nouvel « ennemi national » de la Corée du Sud, au moment où les relations entre les deux pays se développent et que la consommation des produits culturels de l’autre est sans précédent. La réaffirmation de l’État dans certains secteurs qui accompagne le nationalisme sud-coréen des années 1990 se concrétise par la mise en place de politiques en faveur du développement de l’industrie cinématographique nationale. L’alliance de l’État et de plusieurs chaebol (conglomérats sud-coréens) permet à l’industrie cinématographique sud-coréenne de redevenir populaire grâce à la production de blockbusters sud-coréens. Après avoir mis en évidence la proximité existante entre les superproductions hollywoodiennes, chinoises, argentines et les superproductions sud-coréennes, nous établissons l’existence de ce que nous nommons une « Aura nationale » au centre de la consommation de ces films et qui permet de les considérer comme des films nationaux, car malgré son caractère fictif, la nation a une réalité effective sur les populations des États-nations. Ayant mis en évidence que les blockbusters sud-coréens qui mettent en scène l’histoire nationale sont devenus le miroir du spectacle national et nous consacrons notre dernière partie à la représentation de la répétition de l’Histoire dans les trois films au centre de notre problématique. L’analyse de ces trois superproductions nous permet de comprendre que la lutte pour défendre l’histoire nationale dans la résurgence des questions mémorielles s’inscrit, à l’image de Louis Bonaparte décrit par Karl Marx, dans les luttes passées pour la défense de la souveraineté nationale
This work explores the pattern of the repetition of the history between (South) Korea and Japan in several South Korean blockbusters since 1998. The 1990s, which was prophetised to mean the disintegration of the nation-state, marked the return of "ethnic nationalisms". The comeback of nationalisms that follows the end of the confrontation of the two blocs is manifested in the case of South Korea and Japan by a resurgence of memorial issues between the two countries. In the first part, we analyze how the issues from the colonial period that reappeared in the early 1990s transformed Japan into the new "national enemy" of South Korea at a time when relations between the two countries are developing and the consumption of cultural goods producted by the other side is unprecedented. The reaffirmation of the state in certain sectors that accompanies the South Korean nationalism of the 1990s is realized, among other things, by the establishment of policies in favor for the development of the national film industry. The alliance of the state and several chaebol (South Korean family conglomerates) allows the South Korean film industry to regain popularity through the production of South Korean blockbusters. After brought to light the proximity between Hollywood, Chinese, Argentinean blockbusters and South Korean blockbusters, we establish the existence of what we call a "national aura" at the center of the consumption of these films and which makes it possible to consider them as national films, for in spite of its fictitious character, the nation has real effects on the populations of the nation-states. The South Korean blockbusters staging the national history have become the mirror of the national spectacle and we devote our last part to the representation of the repetition of history in the three films at the center of our problematic. The analysis of the films allows us to understand that the struggle to defend national history in the resurgence of memorial issues is staged, like Louis Bonaparte described by Karl Marx, in the past struggles for the defense of sovereignty National level

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Trice, Jasmine Nadua. "Transnational cinema, transcultural capital cinema distribution and exhibition in Metro-Manila, Philippines, 2006-2009 /." [Bloomington, Ind.] : Indiana University, 2009. http://gateway.proquest.com/openurl?url_ver=Z39.88-2004&rft_val_fmt=info:ofi/fmt:kev:mtx:dissertation&res_dat=xri:pqdiss&rft_dat=xri:pqdiss:3380147.

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Abstract:

Thesis (Ph.D.)--Indiana University, Dept. of Communication and Culture, 2009.
Title from PDF t.p. (viewed on Jul 14, 2010). Source: Dissertation Abstracts International, Volume: 70-12, Section: A, page: 4494. Advisers: Gregory Waller; Barbara Klinger.

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Pointeau-Lagadec, Erwan. "Les Écrans de fumée : consommation de cannabis et fiction française : de la représentation filmique à l'imaginaire social (1969-2002)." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H088.

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Abstract:

En France, au début du XXle siècle, le cannabis est un produit de consommation courante. Cet état de fait trouve son origine dans le phénomène de la massiﬁcation des usages de drogues, qui a débuté à la ﬁn des années 1960. Depuis, il semble que les Français se soient accommodés à l’usage de la substance, développant une relative tolérance à son égard malgré son illicéité. Cette thèse se propose de vérifier l’hypothèse en étudiant l’imaginaire national de la pratique au prisme du long-métrage de ﬁction. Pour cela, nous avons créé une lexie ﬁlmique - le moment cannabique - qui nous a permis de rassembler un grand nombre de mises en scène de la consommation du stupéﬁant. Ces dernières sont mises en série puis passées au double tamis de l’analyse sémio-textuelle et de l’analyse culturaliste - production, médiation et réception des œuvres -, aﬁn de faire le lien entre représentations ﬁlmiques et représentations sociales de l’acte. À l’aide de cette méthode, nous avons fait émerger deux grands ordres de résultats : en diachronie, les trois étapes de l’accommodement culturel des Français au cannabis entre le tournant des armées I970 et le début des années 2000, et en synchronie, les principaux procédés rhétoriques ayant conduit à cette inﬂexion du regard, caractéristique de notre modernité. Notre travail vient ainsi compléter une historiographie nationale des drogues lacunaire, comme démontré en première partie
At the start of the twenty-ﬁrst century, it became apparent that cannabis had turned into a common consumer product in France, partly due to the massive spread of drug use since the late 1960’s. The French population seems to be getting used to cannabis consumption, developing a certain level of individual and collective tolerance despite its illicit nature. To assess the later hypothesis, this doctoral thesis studies the national imaginary of the practice through the lens of ﬁction feature ﬁlms. We built up a database of cinematic and televisual sequences depicting cannabis use that we grouped under the concept of “cannabis moment”. We perform a visual, textual and cultural analysis to derive social representations and link them to the ﬁlmic ones. This approach led to two main outcomes : a diachronic description of the three steps of the cultural accommodation of the French society to cannabis from the early 1970’s to the beginning of the twenty-ﬁrst century, and a synchronic examination of the main rhetorical processes having led to this inflexion point, distinctive of our modern world. Finally, this work adds to a deﬁcient national historiography of drugs outlined in the ﬁrst part of the thesis

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Cohen, Grégory. "Un cinéma de recherche entre fiction et documentaire : retour sur une expérience de film autour des relations filles-garçons avec des jeunes d’une cité HLM." Thesis, Université Paris-Saclay (ComUE), 2019. http://www.theses.fr/2019SACLE018.

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Abstract:

En partant d'une recherche filmique sur les jeunes et l'amour dans un quartier populaire, cette thèse, entre sciences sociales et cinéma, recherche et création, soulève une question de société - comment les jeunes composent avec les normes sociales imposées par leurs groupes d'appartenance ? - et une question de cinéma - en quoi le détour par la fiction et l'improvisation permet d'enquêter sur des réalités sociales et d'imaginer d'autres façons de travailler avec les enquêtés ?Elle est basée sur une enquête ethnographique de plusieurs années dans un quartier ouvrier et d'immigration de la région parisienne (Les Mureaux, Yvelines), ainsi que sur des ateliers cinéma et le tournage d'un film (La cour des murmures) entre fiction et documentaire avec des jeunes habitants âgés de 15 à 20 ans.Dans cet espace où l'interconnaissance est très développée et chacun veille à sa réputation, les jeunes montrent difficilement leurs sentiments et sont souvent contraints de jouer un rôle social. Nous avons voulu étudier la spécificité de cette présentation de soi théâtrale, qui est à la fois une contrainte – l'injonction à adopter une attitude propre à la morale du quartier – et un mode de survie et de résistance, puisqu'elle permet aussi d'échapper aux regards des autres et de manière plus large aux normes sociales qui pèsent sur ces jeunes.Le film est l'occasion de créer un espace de parole privilégié qui permet la réflexivité. Il devient alors un moyen de co-construire la recherche avec les filmés et de sortir des représentations dominantes sur les jeunes des quartiers populaires.L'écrit revient sur les questions de société et les questions de cinéma qui ont habité cette recherche. Il rend compte de la pensée à l'œuvre dans le film, aussi bien sociologique que cinématographique. Il revient sur ses conditions de fabrication, ses choix de réalisation, ses inspirations théoriques, les « moments de vie cinématographiques » qui ont émergé dans cette recherche
Starting from a filmic research on young people and love in a working-class neighborhood, this thesis, between social sciences and cinema, research and creation, raises a question of society - how young people deal with the social norms imposed by their groups of belonging? - and a question of cinema - how does the detour through fiction and improvisation allow us to investigate social realities and to imagine other ways of working with the surveyed ? It is based on a multi-year ethnographic survey in a working-class and immigration district of Paris suburbs (Les Mureaux - Yvelines), as well as on film workshops and the shooting of a film (The court of whispers) between fiction and documentary with young inhabitants aged 15 to 20 years old. In this space, where acquaintanceship is highly developed and each ensures his reputation, young people have difficulty showing their feelings and are often forced to play a social role. We wanted to study the specificity of this theatrical self-presentation, which is both a constraint - the injunction to adopt an attitude specific to the morality of the neighborhood - and a mode of survival and resistance, since it also allows to escape the eyes of others and more broadly the social norms that weigh on these young people. The film is an opportunity to create a privileged space of speech that allows reflexivity. It becomes a way of co-constructing research with the filmed and to release dominant representations of young people from working-class neighborhoods. The writing goes back to the social issues and cinema issues that have led this research. It reflects the thought in the film, both sociological and cinematographic. He goes back on his conditions of fabrication, his choices of realization, his theoretical inspirations, the "moments of cinematographic life" that emerged in this research

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Caoduro, Elena. "Interconnected memories : left-wing terrorism in postmillennial German and Italian cinema (2000-2010)." Thesis, University of Southampton, 2014. https://eprints.soton.ac.uk/374393/.

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Abstract:

This thesis examines the representation of left-wing political violence in Italian and German films from 2000 to 2010 drawing on postmodernism theory, film genre, memory studies and gender theory. It considers filmic texts and paratexts, historiography and political discourses to offer a comparative analysis of the mnemonic dynamics in new millennial Italy and Germany. This thesis looks at why the experience of revolutionary terrorism in the 1970s reappears at the turn of the new millennium in a cluster of fiction films, which innovate and sometimes challenge previous paradigms. It reads this revival in connection with industrial trends and historical events, such as the end of old ideologies, the early release of former terrorists and 9/11. The memory of left-wing terrorism has found new lifeblood in the new millennium because there are ample resonances with contemporary social issues, such as political activism and global fears of international terrorism. Focusing on eight case studies, I argue that the memory of left-wing terrorism unfolds beyond and across temporal and spatial boundaries, reactivated by present-day occurrences and through contacts with other traumatic memories. The notion of ‘interconnected memory’ is fundamentally conceived as a nexus of multiple meanings, the fruit of past recollections, and movements between different socio-historical dimensions and generational memories. Representational strategies and narrative trends are also explored to shed light on crossnational forms of memorialising political violence and its legacy. The first part analyses how postmillennial films deal with the possibility of forgiveness, here interpreted as an approach to normalise the past through narratives of pacification or exclusion. It highlights the figure of the teenager as a metaphor for the changing memory of terrorism, generational conflicts and the implications of 1970s violence for young generations. Moreover, it discusses the depiction of female terrorists and the containment strategies adopted to mitigate the anxiety for terrorist acts perpetrated by violent women. The second part of this thesis is concerned with the risks of forgetting and more precisely on an aesthetic normalisation of the terrorist discourse through popular genres and a more commercial style. It comments on the hyper-authenticity and retro aesthetics in biopics about notorious terrorist groups, and the spectacularisation of violence via the thriller and heritage film genre. It also investigates how contemporary comedies satirise the phenomenon of anarchist revolts and political kidnappings to reflect on present-day social problems.

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Lacoue-Labarthe, Mathieu. "La représentation des Indiens dans le western américain, des années 1930 à nos jours." Paris 8, 2009. http://www.theses.fr/2009PA083144.

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Abstract:

L'étude quantitative et qualitative d’un échantillon de 600 westerns américains réalisés entre 1930 et 2005 permet de distinguer une évolution dans la représentation des Indiens. Jusqu'au milieu des années 1950, l'Indien est plus souvent absent et presque toujours décrit sous des traits très négatifs. Ces préjugés sont dus aux origines du western, qui s'inspire de diverses formes d'expression littéraire et artistique en vogue du XVIIe au début du XXe siècles. A partir de 1945, on constate cependant une amorce d'évolution liée aux bouleversements causés par la Seconde Guerre mondiale avec la réalisation d'une série de westerns pro-indiens. Il faut toutefois attendre la seconde moitié des années 1950 pour voir s'opérer un changement plus profond. Le sauvage sanguinaire cède parfois la place au noble sauvage, mais certains westerns s'appliquent à remettre en cause tous les stéréotypes au sujet des Indiens, qu'ils soient positifs ou négatifs. Cette nouvelle image de l'Indien s’explique par les avancées du mouvement pour les droits civiques, la contestation de la guerre du Vietnam, du productivisme et de la société de consommation ainsi que par le souci croissant de l'environnement et le rajeunissement et les mutations de la société américaine
The study of a sample of 600 American western movies realized between 1930 and 2005 shows the evolution of the Native Americans' portrayal. Till the mid-50s, he is mostly absent and almost always depicted in a negative way. These prejudices are due to the roots of the western movie, inspired by different literary and artistic forms used between the XVIIth and the beginning of the XXth century. From 1945 on, the way Native Americans are shown becomes more positive because of the consequences of World War II. Nevertheless, it's not before the mid-50s that we can see a deep change in the way they are treated on the screen. Sometimes the bloodthirsty savage becomes the noble red man, but all the stereotypes, positive or negative, about the Indians are questioned in some movies. This new image of the Native American is due to the success of the civil rights movement and to the protest against productivism, consumerism, and the Vietnam war ; it is also due to the growing care for environment, the change and the new blood injected into the American society

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Cello, Serena. "La "littérature des banlieues" : quel engagement contemporain ?" Thesis, Tours, 2015. http://www.theses.fr/2015TOUR2022.

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Abstract:

Depuis les trente dernières années, le mot banlieue désigne l’inscription territoriale d’une question sociale, comme le souligne l’historienne experte de la banlieue parisienne Annie Fourcaut. Très en vogue dans les débats médiatiques et politiques, notamment depuis les premières émeutes urbaines médiatisées des années 1990 jusqu’à arriver aux plus violentes en 2005, les banlieues entendues comme quartiers populaires « sensibles », semblent rassembler autour d’elles et de leur jeunesse surtout, les connotations les plus disparates et péjoratives : paupérisation socio/économique, ségrégation résidentielle, dégradation du bâtiment, violence et délinquance. La rhétorique et les représentations liées à ces lieux sont donc devenues expression d’un malaise saisi par les spécialistes comme « épicentre du problème social contemporain ». Cette thèse du titre La littérature des banlieues : quel engagement contemporain ? s'inscrit dans ce contexte d'actualité et vise à réfléchir sur la représentation littéraire contemporaine de ces lieux. En effet, la situation délicate et marginale des banlieues lors des émeutes, serait la condition indispensable qui a permis l'essor d'une littérature émergente sur laquelle la critique a posé différentes étiquettes telles que "de/s banlieue/s", "des cités" ou "urbaine"
In the course of the last 30 years, the word banlieue has evoked the territorial movement of a social problem as the historical expert of the Parisian suburbs, Annie Fourcaut, substantiates. The banlieue which have been much in vogue in the mass media and political debates especially since the first 1990 mass media covered urban disorders, up to the more violent ones in 2005, are to be understood as sensitive working-class areas. During the past few decades the latter seem to gather around each other and, above all, around the juveniles who inhabit them in the most oddly assorted and detrimental situations : abject social/economic poverty, residential segregation, urban decay as well as violence and delinquency. As the years have gone by, the rhetoric and the representation of those sites has become the expression of a disadvantage that the specialists call: “epicentre of the contemporary social problem”. This work of thesis deals with these current events. It sets its objective as contemplation on the contemporary literary representation of these places. Indeed, the delicate and marginal situations of banlieue during the recent urban riots, are the essential conditions that have favoured the production of an emerging literatur classified by critics as the "banlieue literature" of "cités" or urban areas"
Negli ultimi trent’anni la parola banlieue evoca la trasposizione territoriale di una questione sociale come evidenzia la storica esperta della periferia parigina Annie Fourcaut. In voga nei dibattiti mediatici e politici, in particolare dopo i primi moti urbani conosciuti attraverso le reti d’informazione negli anni 1990 fino ad arrivare alle sommosse del 2005, le banlieue intese come quartieri popolari “sensibili”, sembrano attirare attorno ad esse e soprattutto attorno alla gioventù che vi ci abita, le situazioni più diverse e negative: pauperizzazione socio/economica, segregazione residenziale, degrado urbano nonché violenza e delinquenza. Con il passare degli anni, la retorica e le rappresentazioni legate a questi luoghi sono diventati l’espressione di un malessere riconosciuto dagli specialisti come “epicentro del problema sociale contemporaneo”. Il presente lavoro di tesi s'inserisce in tale contesto d'attualità politica e sociale; Esso si pone come obietivo la riflessione sulla rappresentazione lettaria contemporeana di questi huoghi al margine e marginalizzati. In effetti, la situazione delicata delle periferie urbane durante le recenti rivolte, costituirebbero il contesto determinante che ha favorito la produzione di una letteratura emergente classificata dalla critica francese come "letteratura della banlieue" delle "cites" o "urbana"

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Dissertations / Theses on the topic 'Cinéma – 2000-'

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