Journal articles on the topic 'Chroniques littéraires'

L’auteur propose d’interroger des sociabilités imaginées propres aux femmes de lettres canadiennes-françaises telles qu’elles se donnent à lire dans les journaux et les périodiques du tournant du xxe siècle. Plus spécifiquement, l’étude porte sur la communauté littéraire imaginaire que construisent les femmes de lettres en analysant la liste des auteurs les plus souvent recommandés par Joséphine Marchand, Françoise (pseud. de Robertine Barry), Gaétane de Montreuil (pseud. de Georgina Bélanger) et Madeleine (pseud. d’Anne-Marie Gleason) dans les différents périodiques et journaux dans lesquels elles signent leurs chroniques. Ce palmarès offre une perspective inédite sur la culture commune de l’époque. Outre qu’il permet de constater d’importantes distorsions entre les auteurs-vedettes et notre perception des auteurs qui comptent pour l’époque, des résultats préliminaires permettent de poser l’hypothèse que sous l’apparent conformisme moral et social des suggestions de lecture, les femmes de lettres construisent une communauté littéraire au féminin susceptible de faire admettre certaines pratiques littéraires des femmes sans heurter de plein fouet l’idéologie dominante.

Jamais Blanchot n'a écrit autant de critiques littéraires que pendant les années de guerre. Or ces textes, pour la plupart, restaient inconnus du public. Ils sont désormais accessibles sous le titre Chroniques littéraires du Journal des débats, 1941-1944 (Paris: Gallimard, 2007). On y trouve des pages sur Dante, Rabelais, Descartes, Montesquieu, Blake, Hoffmann, Jarry ou Joyce: autant d'auteurs sur lesquels Blanchot, ensuite, n'écrira plus. On y voit revenir quelques idoles: Giraudoux, Mallarmé, Valéry, les surréalistes français et les romantiques allemands. La critique de Blanchot n'est pas une critique universitaire. C'est d'abord une critique de jugement, qui ouvre la voie à une critique d'interprétation. C'est aussi une critique d'écrivain, qui se tient au plus près de l'acte de création. Et ce sont déjà les théories que Blanchot développera parfois bien plus tard, de La Part du feu à L'Entretien infini, qui se trouvent esquissées. Non sans contradictions ni pas de côté, et dans la certitude fiévreuse d'une oeuvre qui commence.

Résumé De nombreux témoignages ont été rédigés par des Juifs, pendant la guerre, dans les ghettos de Pologne. Conçus par leurs auteurs comme matière pour une histoire à venir et comme mémoire anticipée des générations futures, ces textes s'ancrent, en même temps, dans la tradition du judaïsme : ils reprennent, sous une forme sécularisée, une pratique commemorative sacrée. Chroniques factuelles ou écrits " littéraires ", ils constituent des sources pour une histoire nécessairement critique et des documents pour une phénoménologie des comportements et des représentations mobilisés face au désastre, mais ils posent aussi avec acuité la question des vecteurs privilégiés de la transmission.

Écrivain de premier plan et journaliste fécond de l’entre-deux-guerres, Pierre Bost a notamment tenu les chroniques cinématographiques des Annales politiques et littéraires à partir de 1930 (jusqu’à la guerre) et de l’hebdomadaire Vendredi depuis le premier jusqu’à son dernier numéro (novembre 1935 à décembre 1938). Bost a immédiatement été un spectateur et un critique sensible à l’émancipation du médium filmique et à ses qualités intrinsèques. Il s’agit ici de montrer quelle est l’approche de Bost du cinéma, sa conception des films, et sa volonté à en rappeler les caractéristiques qui en font un art parfaitement autonome. Au coeur de cette approche, le traitement des images joue un rôle déterminant.

Alors que les chroniques avaient incarné la voie d’accès au monde littéraire pour les femmes de lettres canadiennes-françaises de la génération des Françoise, Madeleine, Gaétane de Montreuil et Eva Circé au tournant du xxe siècle, elles deviennent de plus en plus marginales au sein d’un espace médiatico-littéraire en pleine transformation à la fin des années 1920 et au cours des années 1930. Ces chroniques et billets continuent néanmoins à se distinguer par leur double ancrage, littéraire et médiatique, qui en fait le baromètre de transformations de l’espace socioculturel. Les chroniques des années 1930 marquent ainsi la fin du cycle amorcé au tournant du xxe siècle, celui où la chronique littéraire joue un rôle médiatique de premier plan dans l’économie culturelle féminine.

Résumé À partir d'une brève comparaison entre Bonheur d'occasion de Gabrielle Roy et ¡es Chroniques du Plateau Mont-Royal de Michel Tremblay, cet article veut questionner la 'masculinité" du réalisme. Un premier moment de la démarche consiste à mettre en lumière la grande solidarité des textes de Tremblay avec une • culture au féminin" telle qu'esquissée par certaines critiques. Le moment second tend surtout à montrer que le réalisme masculin est une notion toute relative, en dégageant les aspects communs entre les oeuvres d'un écrivain et d'une écrivaine. Le troisième moment vise finalement à saisir la différence entre les démarches scripturales d'ensemble des deux auteurs, afin de souligner que d'un certain point de vue, Michel Tremblay 'dépasse- l'opposition écrit réaliste/écrit intimiste, opposition marquée dans l'oeuvre de Gabrielle Roy, signalant ainsi les problèmes que pose le rattachement a-priori des genres biologiques et des genres littéraires.

On ne peut pas dire que les ouvrages historiographiques médiévaux rédigés en arabe brillent par leur fantaisie, du moins si l'on en juge d'après ceux qui nous sont parvenus. Ce n'est d' ailleurs pas leur objet. Cette fantaisie qui devrait nous laisser entrevoir un peu de la vie des vivants d' alors, qui leur conserverait un peu de chair et de couleurs, on la trouvera plus facilement dans les textes pro- prement littéraires, "séances" (maqâmât), recueils d' anecdotes, contes, poésies. Certes, des récits merveilleux ( 'aga 'ib wa-àarâ' ib) agrémentent parfois les chroniques. Est-ce par souci de légèreté, de respiration dans un texte au demeu- rant très monotone, jusque dans ses prétentions littéraires - je pense ici aux exer- cices de virtuosité stylistique, comme l'emploi de la prose scandée (saà'), ou au jeu des références en tout genre, coraniques, poétiques, proverbiales, etc. ? Il est permis d'en douter. Car ces récits, même s'ils paraissent échapper à la trame du discours, obéissent néanmoins à son projet global, qui est de rendre compte d'un savoir entendu comme une somme d'informations (gumla min al-a&bâr), l'am- pleur de la collection rassemblée tenant lieu, bien souvent, de véritable connais- sance. Ne rien omettre semble donc être la devise de l'auteur, y compris lorsqu'il nous prévient qu'il en sait encore davantage, et c'est pourquoi il lui arrive de glisser dans l'assortiment qu'il nous tend une pièce suspecte que nous saurons, alertés par quelque formule convenue du type "je ne garantis rien" (wa-llâhu juger à sa juste valeur.

Resumo: Rétif de la Bretonne , escritor francês da segunda metade do século XVIII, embora pouco conhecido nos meios literários atuais, é o autor de uma vasta e curiosa obra literária, que toca os mais diversos gêneros: romance, conto, ficção autobiográfica, teatro, ficção científica, tratado e crônica. Além de conter inúmeras previsões, tanto no campo sócio-político como no campo da ciência, frutos de uma extraordinária lucidez profética, essa obra constitui um excelente documento sobre a sociedade de época. Mas, sobretudo, é ele o autor de uma das mais interessantes crônicas da Revolução francesa - talvez a única no gênero -, as Noites Revolucionárias, onde se tem um quadro vivo das cenas mais perturbadoras dos primeiros anos da Revolução, principalmente daquelas, violentas e cruéis, que enchiam as ruas das noites de Paris. A alternância de tais cenas com pequenos contos, cujo conteúdo oscila da mais ingênua história de amor platônico aos mais escabrosos casos de prostituição infantil e de violência sexual, confere a essa obra única um aspecto lúdico, que o autor explora sob vários angulos, e que, além de fazer dela um depoimento ímpar sobre o inconsciente coletivo do povo francês à época, inscreve-a também na linha da Modernidade literária.Résumé: Rétif de la Bretonne, écrivain français de la deuxieme moitié du XVIII° siècle pas assez connu dans les milieux littéraires d’aujourd'hui, est pourtant l’auteur d' une immense et curieuse oeuvre littéraire, qui touche aux genres les plus divers: roman , conte, fiction autobioqraphique, théatre, fiction scientifique, traité et chronique. Outre qu'elle contient d'innombrables prévisions, aussi bien dans le domaine socio-politique que dans le champ scientifique, fruits d'une extraordinaire lucidité prophétique, cette oeuvre constitue un excellent document sur la société française de l’epoque . Mais il est surtout l'auteur de l'une des plus intéressantes chroniques de la Révolution française - peut-être la seule dans son genre -, Les Nuits révolutionnaires, ou l'on a un tableau vivant de quelques-unes des plus bouleversantes scènes des premières années de la Révolution (1789-1793), et en particulier de celles, violentes et cruelles, qui remplissaient les rues des nuits de Paris. L’alternance de telles scènes avec de courts récits, dont le contenu bascule de la plus naive histoire d'amour platonique aux plus scabreuses affaires de prostitution enfantine et de violence sexuelle, confère à l' oeuvre un aspect ludique, que l’auteur exploite sous plusieurs angles, et qui, en plus de faire d’elle un temoignage unique sur l’inconscient collectif du peuple français à cette époque, l’inscrit aussi dans la lignée de la Modernité littéraire.

Résumé Le grand chroniqueur français, Jean Froissart, a composé vers 1380 un long roman en vers octosyllabiques. L'action de ce dernier roman français en vers se déroule au moment de la jeunesse des héros arthuriens. Complètement fictif, ne comprenant aucun des realia historiques, ce roman exprime mieux que les Chroniques les aspirations et les mentalités des nobles de l'époque.

Résumé Parallèlement à ses romans, Suzanne Jacob a signé pendant plusieurs années une chronique dans La Gazette des femmes. L'étude de cet aspect beaucoup moins connu de son oeuvre démontre que Jacob a su concilier écriture littéraire et écriture journalistique. Ces chroniques instituent une lecture personnelle, badine, des menus faits du quotidien, qui s'inscrit dans la démarche féministe de la revue tout en s'en démarquant à l'occasion par un parti pris pour /'individue au détriment de la collectivité au féminin.

Travaillant au renouveau de l’idée de poésie après la Seconde Guerre mondiale, Louis Aragon propose dans les Chroniques du bel canto, en 1946, de lire la poésie « comme le journal ». Envisagé surtout comme mode communicationnel et support engageant une lecture différente du livre, le « journal » sert au poète-chroniqueur de modèle pour repenser la communication poétique et conduire ses contemporains à une nouvelle sensibilité littéraire. C’est aussi une notion stratégique par laquelle Aragon prend position dans les débats de son temps et reconfigure l’histoire de la poésie de façon inédite, à partir d’une idée de la réception en poésie.

Traditionnellement délaissés par les littéraires, les récits pionniers se trouvent généralement rapportés au genre du journal ou de la chronique. C’est notamment le cas d’Un héros malgré lui de Marcel Durieux dont les préfaciers, Roger Motut et Maurice Legris, louent le style à la fois simple et concret. À contre-courant de cette lecture, nous montrerons que le texte de Marcel Durieux est travaillé par une ambition romanesque qui se manifeste à la fois par la construction d’une temporalité complexe, le désir de restituer la diversité culturelle et linguistique de la société pionnière et enfin le recours fréquent aux métalepses. En somme, il s’avère pertinent de considérer ce type de récits comme des textes romanesques susceptibles d’enrichir le patrimoine littéraire de la francophonie de l’Ouest.

Gilles Marcotte a été un brillant écrivain et critique des littératures québécoise et française et son oeuvre a marqué plusieurs générations d’étudiants. Il a également été un chroniqueur musical apprécié des lecteurs de la revue Liberté pour laquelle il a publié, entre 1985 et 1999, 73 chroniques sous le titre L’amateur de musique, en plus des références à la musique qui parsèment plusieurs de ses textes journalistiques. D’où lui est venu cet intérêt pour l’art musical ? Comment en parle-t-il ? Quels sont ses liens avec la littérature ? C’est à ces questions que nous souhaitons répondre en proposant dans un premier temps le parcours biographique, depuis Sherbrooke, sa ville natale jusqu’à Montréal où il s’installe en 1948, suivi dans un second temps, de l’analyse des chroniques musicales : l’importance qu’il accorde à la provenance du son, les instruments qu’il affectionne particulièrement, le répertoire fréquenté et ses propos sur la modernité et la musique contemporaine. L’article se termine par quelques observations sur le style littéraire qu’utilise Gilles Marcotte, « l’allure du parler », cette manière toute particulière d’entrer dans l’intimité du lecteur, et sur l’humour qui teinte agréablement plusieurs de ses textes.

Cet article pose les jalons pour l’analyse de l’oeuvre méconnue de Marie Louise (Magali de son nom de plume) Michelet, femme de lettres d’origine française ayant vécu une dizaine d’années en Alberta. En plus d’avoir signé une pièce de théâtre ainsi qu’un roman épistolaire, Magali est l’auteure d’une chronique intitulée « Le Coin féminin », qui a paru pendant près de dix ans dans l’hebdomadaire francophone Le Courrier de l’Ouest. Ayant correspondu avec des journalistes québécoises de renom comme Robertine Barry (alias Françoise), Magali s’est imposée comme une référence incontournable de la vie littéraire franco-albertaine du début du xxe siècle. Attirée par le milieu en pleine effervescence des lettres québécoises, Magali a épousé la cause canadienne-française tout en assumant pleinement ses origines françaises. Ainsi au fil de ses chroniques, Magali est parvenue à jeter un pont unique entre la France, le Québec et l’Alberta.

L’auteure utilise la forme littéraire de la fable pour rendre compte de sa vision de l’impact, sur le travail clinique, des changements survenus dans l’organisation gouvernementale des soins de santé mentale en France.

Cet article s’intéresse à l’expérience du temps dont témoigne le texte de Micheline Morisset Arthur Buies, chevalier errant. À l’aide de la notion de régime d’historicité, et plus précisément de celle de présentisme, développée par François Hartog, il y est montré que le texte de Morisset s’inscrit dans un contexte global où le passé est principalement envisagé selon la notion de patrimoine, mais qu’il témoigne également d’une conception littéraire de l’histoire. Faisant de Buies une figure tutélaire de l’histoire littéraire du Québec, Morisset propose de reconsidérer la tradition de lecture nationale en se recentrant autour de l’oeuvre du chroniqueur. Il en découle un rapport complexe au temps, où les enjeux du présentisme se conjuguent à ceux de l’histoire littéraire.

RESUMO: Este trabalho pretende discutir a crônica literária a partir de sua recepção, comparando-a com o conto e destacando elementos de sua estrutura e de sua estratégia narrativa.RÉSUMÉ: Cet article propose une réflexion centrée sur la chronique littéraire et le travail de réception de celle-ci. On emphatisera certains éléments de la structure et de la stratégie narrative de ce genre, en le comparant au conte.

RésuméLa chronique de Jacques Ier d’Aragon, connue d’après la tradition manuscrite comme leLlibre dels fets, est élaborée pendant la seconde moitié du XIIIesiècle à la cour aragonaise. Il s’agit d’un récit à la première personne et en langue catalane, que signe le roi lui-même. Jacques Ier relate ainsi par le menu, à l’aide d’un langage narratif fortement dramatisé, ses propres gestes et ceux de ses chevaliers dans leur lutte contre les musulmans. L’importance du texte dans la mémoire collective des Catalans, tout comme son originalité historiographique et littéraire, poussent l’auteur de l’article à proposer une analyse d’ensemble de son « contenu »et de sa « forme». Jusqu’à quel point leLlibre dels fetsprésente-il une dimension autobiographique au sens actuel de ce « genre littéraire », ou s’agit-il plutôt d’une « fiction autobiographique », dans laquelle le monarque dilue sa paternité littéraire, tout en conservant une autorité plénière en tant qu’auteur. L’analyse interne du processus d’écriture de l’oeuvre nuance sa véritable paternité, que le roi partage avec ses collaborateurs les plus proches. Le roi en est donc l’auctor, le garant, au sens médiéval, mais il n’en est pas l’« auteur »au sens contemporain, ou du moins pas le seul, puisque ce texte a été mis en forme par un ou plusieurs scribes, et qu’il incorpore des textes plus anciens.

Si, dans la première moitié du XIXe siècle, la littérature a pu servir de fond commun aux « manières de raconter » le monde et imposer ainsi sa marque au discours journalistique naissant, aujourd’hui c’est au roman — dont la frange la plus exigeante, au cours des décennies 1960-1970, a laissé en friche la référence à des événements connus et reconnaissables — de réinventer son appréhension du réel à l’aune du traitement que les médias lui réservent. Les romanciers français contemporains soumettent la pratique journalistique à la critique, ce qui leur permet en regard de légitimer leurs propres pratiques discursives ainsi que la saisie du réel qu’elles autorisent. Par l’examen de trois romans parus au cours des dix dernières années et qui ont en commun de tirer leur matière d’événements ayant défrayé la chronique (L’Adversaire d’Emmanuel Carrère, Moloch de Thierry Jonquet et L’Enfant d’octobre de Philippe Besson), je propose d’analyser à la fois les procédés textuels et les arguments convoqués par les romanciers pour définir l’efficace spécifique du roman dans sa saisie du réel.

Résumé Les « romans d’auteur », plutôt qu’autofictions ou récits autobiographiques, de Gilles Archambault sont inséparables de ses recueils de billets, chroniques et proses diverses. Tous ces genres, ou séries, sont hybrides à la façon de bien des textes contemporains, partagés entre la mémoire personnelle et l’histoire littéraire, l’autocritique et un nouveau regard (oblique) sur les institutions, la société, le monde. Deux livres d’Archambault — un roman, Les choses d’un jour (1991), un récit, Un après-midi de septembre (1993) — mettent en scène un triangle familial problématique. Les personnages de la mère, du fils et, fortement en creux, du père jouent un rôle fondamental, structurel, dans les rapports de l’auteur (qui devient l’Auteur) avec l’écriture, les identités successives ou simultanées, la nouvelle construction du sujet. Romans dans le roman ? Fragments du Roman à venir (comme l’autobiographie ou l’essai) et déjà là.

Si la véritable nature du roi Henri III, celui que Pierre Chevallier dénommait le roi shakespearien, demeure scellée pour l'éternité, les pièces de circonstance écrites pendant les premières années de son règne peuvent en revanche nous renseigner sur les tentatives parfois contradictoires de "mise en discours" de l'image du jeune souverain. L'analyse littéraire de ces œuvres, jumelée à l'étude de leur fortune chez les chroniqueurs et historiens qui fixèrent les premiers la légende du roi, permet donc de saisir les soubresauts des vastes manipulations imagistiques qui bientôt entraîneront le dernier des Valois dans les méandres d'une légende infâme.

Les Premières poésies d’Eudore Évanturel (1852-1919) forment un recueil qui détonne dans la littérature québécoise du XIXe siècle. Étranger au patriotisme littéraire de son temps, Évanturel est un poète de l’ut pictura poesis, comme Alfred Garneau, mais d’une manière tout à fait inattendue, avec un prosaïsme qui s’attache moins aux paysages silencieux qu’à l’univers urbain, à ses personnages variés, ses mondanités, ses intérieurs bourgeois. Poète ironique, livré à ses humeurs, Évanturel s’adonne à une flânerie qu’il faut distinguer de l’ivresse baudelairienne, car il est plus proche des chroniqueurs de son temps. Toutefois, dans cette attention distanciée, c’est la présence même du monde qui fait évènement.

Des années 50 à la fin des années 80, les publications de Jeanne Lapointe dans des revues, des journaux et des actes de colloques témoignent de l’efficacité de sa parole qui, même sans livres, contribue à transformer les milieux intellectuel et littéraire québécois. Parce qu’elles dévoilent les fondements de son combat contre les discours de domination, ses chroniques radiophoniques diffusées à l’émission Radio-Collège, sur les ondes de Radio-Canada, permettent d’établir la genèse discursive de sa pensée féministe, encore embryonnaire durant les années 50. Hautement éclairants, les textes inédits issus des séries Revue des arts et des lettres (1952-1954) ainsi que L’écrivain et son style (1955) révèlent déjà son idéal humaniste, né d’une révolte à la fois personnelle et collective, qui guidera constamment ses prises de parole subséquentes. Pour faire advenir le changement épistémologique qu’elle souhaite, Lapointe fait de la critique littéraire un acte engagé qui puise sa force dans l’exercice de style. Des figures de son style, c’est-àdire de son « accent inimitable », se dégage un portrait de l’intellectuelle et de la femme qui s’impose peu à peu comme porte-étendard d’un discours moderne que sa génération s’efforce de rendre efficace contre l’obscurantisme de la pensée. Par l’intermédiaire de la poétique de la critique, l’auteure montre que c’est dans la mise à profit d’une subjectivité authentique et exigeante que réside le secret d’une des voix féministes les plus efficaces du XXe siècle québécois.

Si Mérimée, enclin à donner une toile de fond exotique à ses récits narratifs, accorde somme toute peu de place à la Seine, il lui confère en revanche un rôle fondamental dans son seul vrai roman,Chronique du règne de Charles IX. Tout en valant pour la pierre angulaire de l’oeuvre mériméenne, ce texte participe à l’invention romantique de la forme littéraire du roman historique. Cet article se penche sur l’utilisation que fait Mérimée de la Seine dans son écriture romanesque, telle qu’elle est conditionnée en partie par son rapport à l’Histoire. On se propose d’abord d’explorer l’écriture du roman historique telle que la conçoit Mérimée, puis d’analyser son traitement de la Seine en particulier. Le fleuve parisien prend des couleurs souvent dramatiques et est présenté comme une frontière à traverser, un axe ténébreux qui scinde la ville en des mondes distincts.

Illustrant les différentes étapes du sur-titrage des deux pièces de Goethe, Faust I & II, depuis sa création jusqu’au spectacle créé par Robert Wilson en 2015, cet article offre un bref panorama de l’histoire du sur-titrage, développée dans la récente publication du Guide du sur-titrage au théâtre, publié par l’auteur, Laurent Muhleisen et Pierre-Yves Diez sur le site de la Maison Antoine Vitez. Le jeu scénique impose de conduire un sur-titrage à l’oreille et à l’oeil, une tâche facilitée par un premier logiciel, Torticoli, permettant l’envoi des titres, et remplacé récemment par un deuxième logiciel, Opus, permettant une édition juxtalinéaire des titres. Le traducteur procède au découpage du texte joué, établissant une hiérarchie dans les informations pour aboutir à des titres cohérents et immédiatement lisibles. Le rédacteur des titres ne peut donc se servir d’une traduction existante. L’exemple de l’oeuvre de Goethe permet de comprendre comment le rédacteur des sur-titres ne peut s’en tenir à la lettre du texte mais doit sur-titrer à la fois les mots, les situations et les images, montrant ainsi en quoi ce type de traduction diffère de la traduction pour la scène et l’acteur, qui elle-même diffère de la traduction littéraire.

Résumé Imprégnant toute l'oeuvre de Michel Tremblay, et en particulier les Chroniques du Plateau Mont-Royal, le fatalisme est considéré ici comme une attitude mi-philosophique mi-religieuse dont il s'agit de retracer et d'analyser les figures et les effets discursifs. Enté sur le merveilleux que la reprise du mythe des Moires institue tout au long du cycle romanesque, le fatalisme chez Tremblay ne consiste pas à présenter le destin des personnages comme nécessité, arrêté depuis toujours comme c'est le cas chez les Grecs, mais plutôt comme contingence et hasard impossibles à connaître et à prédire. Aussi, l'idée de destin n'opère pas seulement dans l'ordre des individualités, mais comporte une dimension collective qui renvoie à l'appartenance ethnico-nationale des personnages. Figurée sous l'espèce de déesses du tricot, l'idée de fatalité comporte également une dimension religieuse, sous laquelle s'organise un culte de la féminité. Enfin, le fatalisme induit une conception de l'écriture, qui fait de l'écrivain le principe d'un destin incontournable appliqué à ce qu'il raconte, assumant ainsi par sa fonction narrative la fatalité dont les Moires transformées en tricoteuses constituent les figures de représentation littéraire.

Cet article examine les expériences de solitude de Michel de Montaigne aux bains de La Villa dépeintes dans le Journal de voyage en Italie (1580-1581), ouvrage autobiographique portant en grande partie sur les épreuves de l'écrivain devenu voyageur en essayant de se guérir d'un cas sérieux et chronique de calculs rénaux. Les remèdes futiles que Montaigne cherche sans cesse pendant ses séjours à La Villa et les effets sur son esprit qui en résultent jouent un rôle d'une importance capitale dans le développement de sa conception du scepticisme à l'égard de la médecine, préalablement décrit dans les essais "Apologie de Raimond Sebond" (II, 12) et surtout "De la ressemblance des enfants aux peres" (II, 37). Cette analyse, qui procède donc d'un point de vue philosophique ainsi que littéraire, considère en particulier le rôle du rapport entre la solitude, le scepticisme à l'égard de la médecine - ancienne aussi bien que contemporaine - , l'empirisme, et l'ontologie de Montaigne dans l'établissement de la subjectivité proto-, voire méta-cartésienne, au seuil de la modernité.

Résumé Le présent article propose une analyse de L’interdit, roman (Wajcman, 1985), une oeuvre qui se compose presque exclusivement de notes de bas de page, le corps du texte étant « absent ». Si l’oeuvre semble, d’après ce qu’indique son sous-titre, conclure un pacte romanesque, force est cependant de constater qu’elle participe également d’une écriture autofictionnelle et testimoniale, centrée sur la mémoire de la Shoah. L’interprétation de ce projet littéraire se fait en trois étapes. Dans un premier temps, nous examinerons les fonctions esthétique et phatique des notes : une lecture linéaire et circulaire de celles-ci nous permettra de déceler les grands traits de la trajectoire du protagoniste. Troisièmement, l’analyse des citations intertextuelles (notamment celles tirées de Proust, de Dante et de Flaubert) nous conduira à approfondir les isotopies sémantiques des notes, ce qui confirme que l’apparente dissémination de sens dans L’interdit ne constitue qu’une impression de surface. Finalement, nous montrerons comment L’interdit réalise le projet testimonial que Wajcman définit dans ses ouvrages consacrés à la Shoah et à l’histoire de l’art (L’objet du siècle et Fenêtre,Chroniques du regard et de l’intime). De fait, appartenant lui-même à la deuxième génération de survivants juifs du génocide, l’auteur se construit dans son « roman » une position testimoniale qu’il fonde sur les concepts lacaniens du sujet décentré, de l’objet (a) et de « l’extime ».

Résumé S’appuyant sur la définition que Jack Kerouac a donnée de lui-même (« Je ne suis pas un “beat” mais un mystique catholique étrange, solitaire et fou… »), l’auteur lit l’immense oeuvre du « Ti-Jean » de Lowell comme si elle proposait, à travers une ethno-fiction, la mise en scène imaginaire du mythe fondateur d’un lignage Canuck, de la chronique généalogique de la migration des Kerouac, de la Bretagne aux États-Unis en passant par le Québec, et de la difficile américanisation d’une famille ouvrière, catholique et de langue française dans un des « Petits Canadas » des États-Unis. L’article démontre que l’image de « Beatnik » ne fait pas justice à l’extraordinaire créativité littéraire de cet écrivain qui a inventé un style d’écriture automatique inconnu avant lui, qui a mis en mots l’esprit de toute une époque dans un des « grands romans américains » du XXe siècle et qui a réécrit une nouvelle version de la mythologie américaine du voyage. Le monde imaginaire de Kerouac a été celui de l’exploration intérieure comme chez Walt Whitman, celui de l’excès dans l’errance, dans une descente en soi jusqu’à la folie et à la mort dans l’alcool, et enfin, celui du retour compulsif sur l’identité hybride des Franco-Américains dans une Amérique amérindienne. L’auteur montre que la légende franco-américaine des Duluoz a été, pendant quelques années, le mythe du peuple américain.

Cet article propose d’aborder la folie royale dans la Estoria de España, chronique retraçant l’histoire de l’Espagne depuis les origines, rédigée à la fin du XIIIe siècle sous l’égide du roi de Castille et León, Alphonse X le Sage. Au Moyen Âge, le paradigme de la folie est clairement codifié et renvoie à un certain nombre de topiques, comme la maladie, le péché ou encore quelques attributs physiques spécifiques, qui peuvent concerner toutes les catégories de la population. Néanmoins, la figure royale est normalement exclue de ce paradigme, car la folie et tous les dérèglements qu’elle comporte porteraient atteinte à l’essence même de la royauté. À la rigueur, le roi peut être associé à d’autres formes d’inconduite assimilées à la folie, telles que le péché ou le châtiment divin, mais pas à la maladie mentale en tant que telle. Dans ce contexte, comment la Estoria de España, qui narre l’histoire de l’Espagne à travers ses rois, concilie-t-elle l’image de la folie de certains rois – particulièrement les empereurs romains – héritée de ses sources avec les conceptions du XIIIe siècle ? Après un rappel de la conception de la folie au Moyen Âge, j’analyse ses manifestations dans le code juridique des Siete Partidas et surtout dans la Estoria de España afin de pouvoir appréhender la représentation, le sens et la fonction de la folie dans la narration littéraire des faits historiques.

"Comme Barthes qui pensait que la littérature devait céder la place à l’auto-écriture de tous, je pense que tout le monde devrait faire la même chose : raconter sa vie. Connais-toi toi-même. Mets-toi en forme. Mets-toi en ordre". Dustan, Guillaume (1999). Nicolas Pages (p. 400). Balland. Guillaume Dustan et sa particulière vision de la littérature (« en littérature, soit c’est soi, soit c’est du bidon », Dustan, 1999, p. 384) me permettent de commencer cette Ouverture du troisième numéro de la revue HYBRIDA. Revue scientifique sur les hybridations culturelles et les identités migrantes dont le Dossier central est intitulé SIDA/S – 40 ans. Pour suivre les conseils de Dustan, je vais raconter (un peu) ma vie : en 1994, étant ce que l’on appelle « jeune chercheur », j’ai présenté un projet sur « sida et littérature » qui m’aurait permis d’obtenir une bourse aboutissant à une thèse doctorale. Je n’ai pas eu la bourse et j’ai dû changer de sujet pour candidater à nouveau l’année suivante. J’ai finalement obtenu cette bourse, ce qui m’a permis de commencer ma « carrière » universitaire en 1996. Le fait est que, même si je me suis centré sur le corps dans le discours artistico-littéraire d’avant-garde, notamment dans le théâtre (« panique »), je n’ai jamais quitté ce premier projet et me suis toujours intéressé aux écritures liées à l’expérience de la maladie, et plus concrètement aux « récits de sida », surtout d’écrivains homosexuels ayant pour la plupart disparu à cause de l’épidémie. Le souvenir du congrès Sida y cultura (Sida et culture) à l’Université de Valence en 1997, organisé, il y a 25 ans, par Ana Monleón et Ahmed Haderbache, restera donc toujours comme un moment important dans ma mémoire affective et académique. Je leur serai toujours reconnaissant de m’avoir permis de publier mon premier article de recherche intitulé « Escribir en el apremio » (« Écrire dans l’urgence »). Malheureusement, ce « modeste » volume, qui a même été exposé au Musée d’Art Moderne de Valence (IVAM), n’a pas eu une large diffusion. C’est donc un privilège de pouvoir le rééditer comme Annexe à ce numéro d’HYBRIDA. Nous avons respecté l’édition originale de 1997, même si elle ne répond pas aux normes éditoriales de la revue ni aux critères actuels de « qualité » concernant les publications scientifiques. Le volume est composé d’un bel ensemble de dix-neuf contributions de personnes venues de générations, de formations et d’horizons différents, ce qui a permis une réelle circulation des savoirs et un échange intéressant entre l’activisme et l’Université. Certains d’entre eux nous ont quittés, prématurément. La mort nous surprend toujours. Voici donc toute ma reconnaissance (nunc et semper) à la Professeure de littérature française Elena Real, ma directrice de thèse, qui s’était spécialisée, entre autres, dans l’autobiographie contemporaine, concrètement dans l’écriture des femmes et les thématiques du corps et de la séduction ; et au journaliste et historien de la déportation homosexuelle Jean Le Bitoux, figure emblématique du militantisme en France et fondateur historique, avec d’autres intellectuels et activistes comme Frank Arnal (décédé à 42 ans en 1993) et Jean Stern, du magazine Le Gai Pied dont le premier numéro de 1979 contenait un article de Michel Foucault qui aurait suggéré le nom. Le magazine a été une grande fenêtre ouverte à la liberté d’expression et à l’activisme homosexuel jusqu’à sa disparition en 1992. Il comptait sur la collaboration habituelle d’intellectuel·le·s et d’auteur·e·s comme Jean-Paul Aron, Renaud Camus, Copi, Guy Hocquenghem, Nathalie Magnan, Hugo Marsan ou Yves Navarre, pour n’en citer que quelques-un·e·s. Même Jean-Paul Sartre lui a accordé une interview en 1980. Mais revenons à Sida y Cultura pour ajouter que les approches ont été riches et variées, aussi bien sociologiques que culturelles, sous une perspective historique (en comparant le sida avec d’autres maladies antérieures), du point de vue de l’analyse du discours sur le sida ou de l’analyse concrète d’œuvres et d’auteurs touchés par le sida comme Cyril Collard (mort en 1993 à 35 ans), Copi (mort en 1987 à 48 ans), Pascal de Duve (mort en 1993 à 29 ans), et bien évidemment Hervé Guibert (mort en 1991 à 36 ans). Nous avons eu la chance également de compter sur la collaboration de Juan Vicente Aliaga, critique d’art espagnol réputé, spécialiste en études de genre et LGBT, qui avait publié quelques années auparavant (1993), aux côtés de José Miguel G. Cortés, le premier essai fait en Espagne sur l’art et le sida intitulé De amor y rabia (D’amour et de rage) qui reste un référent important dans ce domaine. Concernant la coordination du Dossier central SIDA/S – 40 ANS, je tiens à remercier sincèrement Didier Lestrade, journaliste, écrivain et militant reconnu, fondateur d’Act Up-Paris, ainsi que du magazine Têtu, possédant une longue trajectoire et une importante production intellectuelle sur l’activisme LGBT. Ses trois derniers essais portent les titres suggestifs de : Minorités. L’essentiel (2014), Le Journal du Sida. Chroniques 1994-2013 (2015), « mon dernier livre sur le sida », affirme-t-il ; et I love Porn (2021), excellent essai qui reprend la forme du témoignage pour retracer une histoire particulière de la sexualité à partir des années 1970 par l’intermédiaire de la pornographie comme instrument politique de contestation. Je remercie également de tout cœur Ahmed Haderbache, traducteur de Guillaume Dustan en espagnol et grand spécialiste de son œuvre, d’avoir accepté de coordonner ce Dossier qui nous a paru nécessaire pour réactiver la mémoire d’une maladie et d’une production artistico-littéraire qui semble lointaine, voire révolue, surtout pour les jeunes générations, mais qui prend toute sa signification dans le contexte pandémique actuel. Ce Dossier, qui débute par un bel Avant-propos de Didier Lestrade intitulé « Sida : une épidémie presque oubliée » et par une Introduction d’Ahmed Haderbache, est composé de sept articles. Il part du fait sociologique et politique pour aborder la production littéraire, en passant par l’analyse filmique et théâtrale. Thierry Schaffauser s’intéresse aux personnes invisibles, voire oubliées, pour nous proposer une pertinente étude sur l’histoire des mobilisations des travailleuses du sexe contre le VIH en France et au Royaume-Uni ; Romain Chareyron fait une riche analyse des images du sida dans le film 120 battements par minute (2017) ; Henry F. Vásquez Sáenz aborde avec précision la pièce Une visite inopportune (1988), ce qui lui permet de restituer et de resituer la figure du dramaturge franco-argentin Copi en tant qu’auteur subversif et engagé, pionnier du théâtre autobiographique lié au sida. Les deux articles suivants, de Daniel Fliege et de l’écrivaine Ariane Bessette respectivement, proposent d’intéressantes analyses littéraires d’œuvres « autobiographiques » d’auteurs « controversés » car défenseurs des rapports sexuels non protégés ou barebacking : Guillaume Dustan (mort en 2005 à 39 ans) et Érik Rémès. Puisque HYBRIDA s’intéresse particulièrement aux contextes francophones ou comparés, nous avons créé une petite section à la fin du Dossier intitulée Autres regards afin de publier deux articles spécialement attirants. Le premier, écrit par Thibault Boulvain dont la thèse doctorale a été publiée en 2021 sous le titre L’art en sida 1981-1997, aborde les dernières années d’Andy Warhol (décédé en 1987) sous la perspective du sida ; le dernier, proposé par Caroline Benedetto, se penche sur les journaux intimes de l’artiste pluridisciplinaire américain David Wojnarowicz (mort en 1992 à 37 ans), en soulignant les influences françaises. Dans la section Mosaïque, où nous publions des études sur les hybridations culturelles et les identités migrantes qui ne correspondent pas à la thématique centrale du Dossier, nous publions trois articles. José Manuel Sánchez Diosdado analyse profondément les récits coloniaux des voyageuses françaises de la première moitié du XXe siècle qui se sont inspirées du Maroc. Feyrouz Soltani aborde le roman Verre Cassé de l’écrivain franco-congolais Alain Mabanckou pour y déceler les traces du métissage linguistique et culturel et, enfin, Rolph Roderick Koumba et Ama Brigitte Kouakou nous présentent la langue française comme instrument positif dans la construction de l’altérité à travers l’analyse des œuvres de l’écrivaine franco-sénégalaise Fatou Diome et de l’écrivaine franco-camerounaise Léonora Miano. La section Traces de la revue HYBRIDA est consacrée à la création littéraire et s’éloigne volontairement de l’esprit d’évaluation en double aveugle, bien que les soumissions soient strictement analysées et révisées par le comité éditorial. Dans ce numéro 3, nous publions quatre textes aussi différents qu’intéressants. Leurs auteur·e·s se sont inspiré·e·s de la thématique du Dossier central autour du sida. Nous avons l’honneur de publier un court récit de l’écrivaine québécoise Catherine Mavrikakis intitulé « Évitons de respirer l’air du temps » qui nous met en alerte par rapport aux préjugés qui perdurent de nos jours concernant le sida. Nous voudrions rappeler au passage que, partant de la pensée de Michel Foucault sur la santé et l’organisation sociale, ses recherches sur les écrits du sida, ainsi que sur les notions de contamination, d’aveu et de souffrance, sont d’une grande importance pour la thématique qui nous occupe. Nous ne pouvons que rester admiratifs face à sa double facette de professeure universitaire et d’écrivaine ; et souligner la force de ses romans « autofictionnels » dont Ce qui restera (2017), L’annexe (2019) et L’absente de tous bouquets (2020), pour n’en citer que les derniers. Ensuite, nous avons deux « témoignages » sincères et touchants. Le premier, intitulé Les spectres d’ACT UP, nous propose un parcours émotionnel et académique autour de l’expérience du sida. Son auteur, David Caron, Professeur à l’Université du Michigan, a fait une importante recherche dans le domaine des études LGBT et concrètement sur le VIH. Il s’est intéressé également aux études sur l’holocauste. Parmi ses dernières publications, nous trouvons The Nearness of Others. Searching for Tact and Contact in the Age of HIV (2014) et Marais gay, Marais juif. Pour une théorie queer de la communauté (2015). Le court et intense « témoignage » de Lydia Vázquez Jimémez (écrit en espagnol) intitulé « Filou, te fuiste demasiado pronto » (« Filou, tu es parti trop tôt ») nous montre la difficulté de l’aveu et de s’exprimer par rapport au sida, en nous dévoilant son expérience intime et douloureuse face au deuil dû à la perte de l’être aimé. Au-delà de sa brillante carrière universitaire en tant que spécialiste dans l’étude de l’érotisme et de la sexualité (notamment au XVIIIe siècle), avec une focalisation particulière sur les femmes et le collectif LGBT, je ne voudrais pas négliger sa facette de traductrice en espagnol de l’œuvre d’auteur·e·s admiré·e·s comme Abdellah Taïa, Annie Ernaux, Jean-Baptiste del Amo, Gabrielle Wittkop ou Fatima Daas, entre autres. En tant qu’auteure, j’aimerais signaler son livre illustré Journal intime (2019). Pour clore cette section de création littéraire et dans le but d’encourager l’écriture des jeunes écrivain·e·s, nous publions en espagnol la pièce inédite de Javier Sanz intitulée Reset. Volver a empezar (Reset. Repartir à zéro). Avec une fraîcheur et une franchise touchantes, la pièce aborde, en 2021, la problématique de l’incommunicabilité et de la difficulté à établir des relations amoureuses sincères, ainsi que la découverte de la séropositivité. Je suis persuadé que ce numéro d’HYBRIDA, 25 ans après Sida et Culture, marquera notre trajectoire en tant que revue universitaire. Il ne me reste qu’à remercier très sincèrement notre excellente équipe d’évaluation qui se nourrit et se diversifie à une grande vitesse grâce aux apports de spécialistes du monde entier. Et un sincère merci à José Luis Iniesta, Directeur Artistique de la revue, pour son investissement et son savoir-faire ; sans lui rien ne serait possible… Je vous propose un prochain rendez-vous pour fin juin 2022 pour le numéro 4 d’HYBRIDA. Salus in periculis

À Québec et en Louisiane, dans le dernier tiers du xviiie siècle, sont fondés les premiers journaux de langue française d’Amérique du Nord, tandis que le lancement du Journal de Paris en 1777 fait entrer la France dans le temps de la quotidienneté médiatique. Progressivement se constituent, de Paris à Bruxelles et à Genève, de Montréal à la Nouvelle-Orléans en passant par New York, de grands axes de circulation de journalistes, de corpus et d’imaginaires, à la source du premier mouvement de mondialisation médiatique dans sa dimension francophone, qui culmine au milieu du xixe siècle. Ce que nous appellerons la « francosphère médiatique » a ainsi reposé sur des traits culturels et littéraires (par la conscience d’user d’une langue commune prestigieuse — le français — avec ses oeuvres, ses auteurs et ses imaginaires collectifs), historiques (par la dynamique d’une « destinée » commune qui unit les deux façades atlantiques) et technologiques (par le développement des réseaux télégraphiques continentaux, du chemin de fer, des lignes maritimes et, en 1866, du premier câble transatlantique). Cet article posera ainsi l’hypothèse qu’il a existé, au milieu du xixe siècle et au coeur de ce système interconnecté, une littérature-journal de la francophonie qui s’est manifestée poétiquement sous la forme de certains genres journalistiques. Le genre de la chronique en a constitué le pivot central (nous en proposerons la synthèse avec ses grands praticiens, en France, en Belgique et au Québec), mais notre réflexion s’ouvrira également au reportage, qui émerge dans le dernier tiers du siècle de part et d’autre de l’Atlantique, et qui traduit les grandes mutations qui affectent le journalisme avec les nouveaux protocoles de l’écriture de l’information. Notre article se terminera sur les grands éléments poétiques du reportage au Canada français, domaine encore peu fouillé par la recherche, et qui a pourtant vu des journalistes — Lorenzo Prince, Auguste Marion, Jules Fournier ou encore Gilbert Larue — connaître de grands succès populaires.

El presente artículo trata sobre cuatro textos autobiográficos de la escritora belga Françoise Mallet-Joris (1930-2017): Lettre à moi-même (1963), La Maison de papier (1970), J’aurais voulu jouer de l’accordéon (1975) y La Double confidence (2000). Estos textos, a pesar de estar inspirados en las experiencias vitales de la escritora, se alejan considerablemente del modelo autobiográfico de Philippe Lejeune porque su autora, en vez de hablar de sí misma, cuenta sobre los demás. Las dificultades de hablar de su propia vida influyen en el carácter un tanto inusual de esos textos: son géneros ambigüos que se sitúan entre autobiografía, memorias, diario íntimo, ensayo, biografía y crónica. En los análisis me centro en la temática (obra literaria, vida de los demás, biografía de Marcelina Debordes-Valmore) y en la forma (géneros híbridos, estructura de masaico, fragmentarismo) que elige la autora y que hacen su “escritura sobre sí misma” tan original. Asimismo trato de averigüar por qué la autora se ve incapaz de escribir sobre sí misma y cómo aquello influye en la forma de sus textos autobiográficos. This article deals with four autobiographical texts by the Belgian writer Françoise Mallet-Joris (1930-2017): Lettre à moi-même (1963), La Maison de papier (1970), J'aurais voulu jouer de l'accordéon (1975) and La double confidence (2000). These texts, despite being inspired by the writer’s life experiences, are far from Philippe Lejeune's autobiographical model because the author, instead of talking about herself, narrates about others. The difficulties of speaking about her own life determines the somewhat unusual character of these texts: they are ambiguous genres that are placed between autobiography, memories, intimate diary, essay, biography and chronicle. In the analysis, I focus the author’s choice of theme (literary work, life of others, biography of Marcelina Debordes-Valmore) and form (hybrid genres, mosaic structure, fragmentarism) which makes this unique "writing about oneself "so original. I also try to find out why the author is unable to write about herself and how that influences the shape of her autobiographical texts. Le présent article est consacré aux textes autobiographiques de l’écrivain belge Françoise Mallet-Joris (1930-2017): Lettre à moi-même (1963), La Maison de papier (1970), J’aurais voulu jouer de l’accordéon (1975) et La Double confidence (2000). Bien qu’inspirés de la vie de l’auteure, ils s’inscrivent que partiellement dans la définition de l’autobiographie, proposée par Philippe Lejeune, car au lieu d’y parler d’elle-même, la romancière parle des autres. La place qu'elle accorde à autrui et sa réserve observée à l’égard de la confidence intime bafouent des lois fondamentales de l’autobiographie et engendrent des formes inhabituelles et difficilement classables: ses quatre récits de soi amalgament des ingrédients de l’autobiographie, des mémoires, de la confession, de l’essai, de la biographie, de la chronique et, dans La double confidence, du récit de filiation et du récit de deuil. Dans notre propos, nous réfléchirons sur les choix thématiques (écriture, vie des autres, biographie de marceline Debordes-Valmor) et formels (syncrétisme générique, fragmentaire, structure mosaïquée) de l’auteure qui contribuent à la singularité de ses écritures du moi, ainsi que sur les origines de cette difficulté de se dire et l’impact de celle-ci sur sa production littéraire.

Dans leurs chroniques familiales, Marguerite Yourcenar et Luan Starova mettent en honneur le rôle bienfaisant de leurs pères respectifs. Bien qu’ils incarnent différents milieux sociaux (la bourgeoisie aisée dans le cas de Yourcenar, l’émigration intellectuelle dans le cas de Starova), ces pères ont exercé, directement ou indirectement, une influence déterminante dans la formation intellectuelle de leurs enfants. Possédant une vaste érudition, en grande partie acquise par l’autodidaxie, les deux pères ont insufflé aux futurs écrivains l’amour pour les livres. Les bibliothèques qu’ils possédaient et les lectures qu’ils proposaient à Marguerite et à Luan ont non seulement façonné le goût littéraire de ceux-ci mais les ont également préparés pour un affrontement lucide avec les hauts et les bas que leur offrirait la vie. Ces pères encourageaient les débuts littéraires de leur progéniture et, plus tard, autant que la durée de leur vie le leur permettrait, se sont montrés lecteurs assidus et commentateurs avisés des œuvres de leurs enfants devenus écrivains. Yourcenar et Starova dans leurs chroniques familiales vont bien au-delà de la mémoire personnelle et se plongent dans la mémoire familiale dans toutes ses manifestations : généalogique, référentielle, rituelle, corporelle, volontaire, involontaire... L’histoire familiale se montre ainsi une présence qui habite constamment ces auteurs et qui ressurgit dans leurs écrits par l’évocation des résonnances d’un passé plus ou moins éloigné.

Résumé Philéas Lebesgue (1869-1958), l’un des premiers passeurs de littératures « marginales » en France, transmet en langue française, au début du XXe siècle, des romans et nouvelles d’écrivains brésiliens et écrit de nombreuses chroniques dans des revues littéraires. En quoi son originalité intellectuelle le distingue des autres traducteurs de José de Alencar ou Machado de Assis ? Et comment son rapport à la morale en littérature s’exprime-t-il dans ses traductions ? Nous proposons d’analyser dans un premier temps son parcours d’érudit, que nous éclairerons ensuite par l’analyse d’extraits de ses traductions afin de comprendre ainsi l’usage qu’il fait de la « pudeur » en traduction

Résumé Depuis quelques années, les sites Web personnels, les blogues, journaux intimes, les sites de poésie, les chroniques personnelles prolifèrent en ligne : le succès des Skyblogs, supports de publication destinés aux adolescents, n’est que l’indicateur le plus médiatisé d’un phénomène qui touche toutes les couches de la population. Le statut d’auteur semble désormais accessible à tout le monde. La possibilité de toucher plusieurs millions d’internautes, l’espoir de se faire « repérer » un jour par un éditeur papier, motivent un grand nombre d’auteurs à mettre leurs productions textuelles sur le Web. L’on peut cependant constater que beaucoup de blogues, journaux intimes et romans-feuilletons « en réseau » se présentent sous des formats assez traditionnels : le lien hypertexte, outil syntaxique révolutionnaire, n’est utilisé qu’à l’intérieur d’un sommaire facilitant le « feuilletage » du matériel textuel ; l’animation textuelle, outil sémantique renouvelant profondément l’aspect graphique de l’écrit, est quasiment absente de ces créations, ou bien elle se trouve réduite à une fonction de gadget. Les codes de programmation informatiques, présents sous la surface lisse de l’écran, ne jouent qu’un rôle de langage secondaire. À côté de cette première forme de littérature en réseau s’est développée une deuxième, encore peu connue du grand public, et qui donne lieu à des trouvailles beaucoup plus surprenantes. Depuis une dizaine d’années, loin des circuits de publication et de diffusion des littératures papier, des cercles, des communautés d’écrivains se sont formées autour de l’idée d’une littérature numérique exploitant pleinement les potentialités du médium « ordinateur ». L’animation, l’interactivité et une programmation créative caractérisent ces nouvelles créations littéraires sur support numérique. C’est ainsi dans les calligrammes et métaphores animés et dans l’animation syntaxique, dans les relations intersémiotiques entre le texte animé et l’image fixe, entre le texte fixe et l’image animée que se dessine une première particularité de la littérature numérique. Deuxièmement, c’est la dynamisation de l’écrit par le lien hypertexte (que le lecteur active par clic) qui incite un nombre grandissant d’auteurs à expérimenter avec le support numérique. Un troisième « genre » de la nouvelle littérature numérique se fonde sur la réflexion concernant le rôle du programme. Le premier but de cet article est de présenter les convergences et les différences entre les trois principaux genres de la littérature numérique. À partir d’un certain nombre d’exemples représentatifs, je propose ensuite des outils d’analyse adaptés à ces nouvelles formes de création littéraire.

Cette chronique de 1920 prolonge la réflexion pédagogique de Roorda en remettant en question l’utilité de certaines connaissances encyclopédiques transmises par l’école. À travers des exemples ciblés, le texte dénonce l’absurdité des éléments d’érudition retenus dans le domaine de l’histoire, en particulier sur son versant littéraire. Keywords : Henri Roorda, pédagogie, postérité, histoire, histoire littéraire, René Duguay-Trouin, Chosoclès, Isaac de Benserade, Louis Bourdaloue, Montaigne, Pierre Corneille, Thomas Corneille.

International audience The case of Sorana Gurian (1913‑1956) allows to examine the situation of multiple exclusion in the 20th century European society: she is a Jewish woman, a stranger accused of espionage and collaboration and her body, disabled and affected by cancer, becomes the main culprit of this plural banishment. The author is a tragic figure: not only because of her life, but also due to the oblivion that her oeuvre fell into – yet original and contemporarily recognized – counting six volumes in French and Romanian and dozens of press publications. In the paper, I propose to read chosen literary chronicles commenting on two Gurian’s editions published in Romania in 1945‑1946 – Zilele nu se întorc niciodată [Days that never return] and Întâmplări între amurg și noapte [Adventures between twilight and night]. These chronicles show the way in which the Other was perceived, in this case – a woman writer, a disabled woman or a Jewish woman in the 20th century. Such perspective aims to show the non‑ aesthetic conditions (gender, corporality, social class, political convictions, ethnic origin, etc.) which have determined Gurian’s appearance and disappearance in the literary scene, and which still influence the way of perceiving her texts in Romania. At the end of this study, I reflect on the possibility of rehabilitating this figure in the history of European literature, that could renew the Romanian literary canon of the 20th century, in which women writers haven’t still found their place. Le cas de Sorana Gurian (1913-1956) permet d’examiner la situation d’une multiple exclusion au sein de la société européenne du xxe siècle : elle est à la fois femme, juive et étrangère, accusée d’espionnage et de collaboration, et son corps, handicapé et touché par le cancer, devient le principal coupable de ce bannissement pluriel. L’auteure est une figure tragique : non seulement par sa vie, mais aussi par l’oubli dans lequel est tombée son œuvre – pourtant originale et reconnue à l’époque –, comptant six volumes en roumain et en français et des dizaines de publications dans la presse. Dans le présent article, je propose une lecture de quelques chroniques littéraires portant sur deux éditions de Gurian parues en Roumanie en 1945-1946 : Zilele nu se întorc niciodată [Les jours ne reviennent jamais] et Întâmplări între amurg și noapte [Aventures entre crépuscule et nuit], qui témoignent de la manière dont on percevait l’Autre, en l’occurrence une femme écrivain, une femme infirme ou bien une femme d’origine juive au xxe siècle. Cette perspective a pour but de montrer les conditionnements autres qu’esthétiques (genre, corporalité, classe sociale, convictions politiques, origine ethnique, etc.) qui ont déterminé l’apparition et la disparition de Gurian sur la scène littéraire, et qui influencent toujours la manière de percevoir ses textes en Roumanie. À la fin de cette étude, je réfléchis à la possibilité de réhabiliter cette figure dans l’histoire de la littérature européenne, ce qui pourrait permettre de rediscuter le canon littéraire roumain du xxe siècle, où les femmes écrivains ne trouvent toujours pas leur place. Przypadek Sorany Gurian (1913‑1956) pozwala zbadać sytuację wielokrotnego wykluczenia w xx‑wiecznym społeczeństwie europejskim: jest ona jednocześnie kobietą, Żydówką, obcą, oskarżoną o szpiegostwo i kolaborację, zaś jej ciało, niepełnosprawne i chore na raka, staje się głównym winowajcą tego mnogiego wygnania. Autorka jest postacią tragiczną nie tylko ze względu na jej życie, lecz również ze względu na zapomnienie, w jakie popadła jej oryginalna i uznana przez współczesnych twórczość, na którą składają się sześć wydań w językach francuskim i rumuńskim oraz dziesiątki publikacji w prasie. W niniejszym artykule odczytuję wybrane kroniki literackie komentujące dwa teksty opublikowane przez Gurian w Rumunii w latach 1945‑1946 – Zilele nu se întorc niciodată [Dni nigdy nie powracają] oraz Întâmplări între amurg și noapte [Zdarzenia między zmierzchem a nocą]. Kroniki te pokazują bowiem, w jaki sposób postrzegano Innego, w tym przypadku – pisarkę, niepełnosprawną kobietę czy Żydówkę w xx wieku. Ta perspektywa ma na celu wskazać uwarunkowania nie‑ estetyczne (płeć, cielesność, klasa społeczna, poglądy polityczne, pochodzenie etniczne itd.), które zdecydowały o pojawieniu i zniknięciu Gurian na scenie literackiej, a które ciągle określają postrzeganie jej tekstów w Rumunii. Na końcu tego studium zastanawiam się nad możliwością rehabilitacji tej postaci w historii literatury europejskiej, co mogłoby z kolei przyczynić się do odnowienia rumuńskiego kanonu literackiego xx wieku, w którym nadal nie ma miejsca dla pisarek. Cazul Soranei Gurian (1913‑1956) ilustrează situația unei excluderi din considerențe multiple în societatea europeană din secolul xx‑lea. Fiind femeie, evreică și străină, acuzată de spionaj și de colaborare, trupul său, cu handicap și atins de cancer, devine principalul vinovat al acestei exilări plurale. Autorea este un personaj tragic: nu numai din cauza vieții sale, ci și din cauza uitării în care a căzut opera sa, totuși originală și recunoscută de către contemporanii ei, compusă din șase volume în limba franceză și în română, precum și de zeci de publicații în presă. În acest articol, propun o lectură a unor cronici literare privind cele două ediții ale Soranei Gurian publicate în România în anii 1945‑1946 – Zilele nu se întorc niciodată și Aventuri între amurg și noapte. Aceste cronici reflectă modul în care se percepe Celălalt, în acest caz – o scriitoare, o femeie cu handicap, o evreică în contextul secolului xx. Această perspectivă are să identifice diferite condiționări (gen, corporalitate, clasă socială, convingeri politice, etnie șamd), care au determinat atît apariția, cît și dispariția lui Gurian de pe scenă literară și care încă înfluențează modul de percepere al textelor sale în România. La sfîrșitul acestui studiu, propun o reflecție asupra posibilității de reabilitare a acestei figuri în istoria literaturii europene, ceea ce ar putea conduce la rediscutarea canonului literar românesc al secolului xx, unde scriitoarele încă nu‑și găsesc locul.

L’oeuvre de la journaliste Françoise a été maintes fois étudiée, mais jamais sous l’angle de ses supports. De la chronique à la revue, en passant par le recueil, la somme des publications de l’écrivaine donne à voir les différentes appropriations possibles de la forme médiatique, en même temps que la problématique catégorisation des textes en fonction de leur seul mode de diffusion. Alors que la « Chronique du lundi », malgré sa mise en recueil, apparaît comme un genre dépendant du contexte journalistique, le Journal de Françoise se lit sinon comme un livre, du moins comme une anthologie. L’hybridité et les contradictions qui caractérisent les textes de Françoise dévoilent différentes facettes de l’auteure, ni journaliste littéraire, ni écrivaine journalistique, mais femme de lettres bien de son temps.