Academic literature on the topic 'Captage à l'arrêt'

AbstractMarie-Dominique-Joseph Engramelle's treatise La tonotechnie, ou l'art de noter les cylindres (1775) claimed that automated instruments driven by pinned cylinders would grant listeners direct access to music as the composer conceived it. Standard notation was insufficient, as it did not capture the music's mouvement – its temporal flexibility from moment to moment. Denis Diderot provided an aesthetic justification for automated instruments in terms that linked them to materialist philosophy. Like android automata, which simulated life through automated motion, automated musical instruments encoded live music to simulate the ideal performance of a composer. Yet Engramelle's collaboration with the composer Claude Balbastre, which resulted in a pinned-cylinder notage of one of Balbastre's keyboard pieces, raises crucial questions about the effectiveness of the technology and its notation, and about Engramelle's claims and his own musical skill. Engramelle's project is best understood as a performance unto itself – a manifestation of the cultures of public science that were widespread in the European Enlightenment.

El artículo, tiene como propósito analizar la importancia del autoconcepto del infante, para el logro del aprendizaje transformacional, con una perspectiva de reflexión de contenidos teóricos, enfocado en el modelo de estudio del arte, con alguno de los siguientes autores: Morín, Fuguet, Abate, entre otros. A partir de las indicadas reflexiones, se establecieron como conclusiones: existen relaciones importantes entre las teorías de la pedagogía sistémica, psicología cognitiva e interaccionismo simbólico en la adquisición del auto concepto. El mismo, se desarrolla a través de la construcción del conocimiento de sí mismo, permitiendo captar el punto de vista de quienes producen y viven la realidad social y cultural, asumiendo el acceso al conocimiento en lo específicamente humano y su forma de actuar con los demás en donde, el accionar del docente, representa un rol relevante para el desarrollo adecuado de dicho proceso, en la educación del infante. ABSTRACT The article aims to analyze the importance of the infant's self-concept, for the achievement of transformational learning, with a perspective of reflection of theoretical contents, focused on the model of art study, with one of the following authors: Morín, Fuguet, Abate, among others. From the indicated reflections, they were established as conclusions: there are important relationships between the theories of systemic pedagogy, cognitive psychology and symbolic interactionism in the acquisition of the self-concept. It develops through the construction of self-knowledge, allowing to capture the point of view of those who produce and live social and cultural reality, assuming access to knowledge in the specifically human and their way of acting with others. Where, the actions of the teacher, represents a relevant role for the proper development of said process, in the education of the infant. Key words: Transformational learning, Self-concept, Education, infants. RÉSUMÉ L'article vise à analyser l'importance du concept de soi du nourrisson, pour la réalisation d'un apprentissage transformationnel, avec une perspective de réflexion de contenus théoriques, centrée sur le modèle d'étude de l'art, avec l'un des auteurs suivants: Morín, Fuguet, Abate, entre autres. À partir des réflexions indiquées, elles ont été établies comme des conclusions: il existe des relations importantes entre les théories de la pédagogie systémique, la psychologie cognitive et l'interactionnisme symbolique dans l'acquisition du concept de soi. Il se développe à travers la construction de la connaissance de soi, permettant de capter le point de vue de ceux qui produisent et vivent la réalité sociale et culturelle, en supposant l'accès au savoir de manière spécifiquement humaine et leur façon d'agir avec les autres. où, les actions de l'enseignant, représentent un rôle pertinent pour le bon développement dudit processus, dans l'éducation du nourrisson. Mots-clés: transformationnel, concept de soi, éducation, nourrissons.

Le manuscrit du Coran dit « de la Nourrice » est l'un des plus célèbres de la collection de Kairouan, maintenant conservée au Musée des arts islamiques de Raqqada. Son origine est exceptionnellement bien connue grâce à un texte qui équivaut à un colophon et donne la date d'achèvement en ramadan 410/janvier 1020—ou légèrement plus tôt. Les dimensions remarquables de cette copie (environ 445x300 mm), sa calligraphie spectaculaire et son enluminure frappent l'imagination. Près de 2000 feuillets ont été préservés et une étude détaillée sera nécessaire pour comprendre cet important épisode de la calligraphie et de l'art du livre dans l'Ifriqiya ziride. Le présent article représente une première étape dans cette direction et montre que différents copistes et/ou enlumineurs ont été impliqués dans la réalisation de cet exemplaire en soixante volumes. Il tente de replacer ce superbe manuscrit dans le contexte de son époque. [The so-called ‘Qur'an of the Nurse’ is one of the most famous manuscripts from the Qayrawān collection, now in the Museum of Islamic arts in Raqqada. Its provenance is exceptionally well documented, with the equivalent of a colophon giving the date of completion in Ramaḍān 410/January 1020 or slightly before. The outstanding size of the copy (c. 445x300 mm), and its dramatic calligraphy and illumination capture the imagination. About 2,000 folios have survived and a full study of the manuscript is required in order to understand this important episode of calligraphy and art of the book in Zirid Ifriqiyya. The present paper is a first step towards this goal and shows that various copyists and/or illuminators have been involved in the production of the sixty-volume set. It tries to put this magnificent manuscript into the context of this period.]

La poesía, género literario de la condensación y de la brevedad, ha captado desde siempre el fugitivo momento presente: la emoción del instante. Toda la inmensidad humana y sus vínculos con el mundo quedan recogidos en lapidarios versos que ensalzan el gozo del vivir. Esto se hace aún más evidente en la concentrada lírica del haiku y del tanka, donde unas formas muy limitadas cumplen con la inabarcable función poética. Estas composiciones, de origen japonés, nos permiten vislumbrar, mejor que ninguna otra manifestación literaria, la transitoriedad perenne. Este artículo se centra en el minimalista y poderoso arte del haiku y el tanka en el poemario Montagnes de cendres (Les Impliqués Éditeur, 2020) de Bernard Anton, una verdadera muestra de las escenas humanas vividas durante la pandemia del covid-19. La mirada de águila del poeta se posa en la vívida naturaleza y sus cíclicas estaciones, una mirada alejada de los hechos, pero cercana a las sensaciones y revelando la grandeza de la existencia frente a la brevedad del poema. La poésie, genre littéraire de la condensation et de la brièveté, a toujours capté la fugacité du moment présent : l'émotion de l'instant. Toute l'immensité humaine et ses liens avec le monde sont saisis dans des vers lapidaires qui exaltent la joie de vivre. Ceci est encore plus évident dans le lyrisme concentré du haïku et du tanka, où des formes très limitées remplissent la fonction poétique illimitée. Ces compositions, d'origine japonaise, nous permettent d'entrevoir, mieux que toute autre manifestation littéraire, l'éternelle fugacité. Cet article s'intéresse à l'art minimaliste et puissant du haïku et du tanka dans le recueil de poèmes Montagnes de cendres de Bernard Anton (Les Impliqués Éditeur, 2020), véritable échantillon des scènes humaines vécues lors de la pandémie de covid-19. Le regard d'aigle du poète se pose sur la nature vivante et ses saisons cycliques, un regard éloigné des faits, mais proche des sensations et révélant la grandeur de l'existence face à la brièveté du poème.

Depuis des décennies, le captage du courant pour les trains se fait par le contact entre une ligne électrifiée et un élément conducteur glissant dessus. En France et plus particulièrement avec la SNCF le contact pour ses trains se fait majoritairement entre la caténaire, ensemble de câbles électriques en cuivre se situant au-dessus du train et le pantographe, bras se situant au-dessus de la locomotive venant se plaquer contre la caténaire. Malheureusement les problèmes techniques et physiques de ce contact sont un facteur limitant dans l'augmentation de la vitesse des trains à l'heure actuelle et peuvent dans certains cas être à l'origine d'incident électrique. C'est pourquoi l'objectif de cette thèse est de comprendre les phénomènes mis en jeu à l'interface pantographe/caténaire afin d'améliorer les performances de captage sur les lignes électrifiées. Par conséquent, il faut prendre en compte la problématique entière du captage, avec les spécificités de ce dernier à l'arrêt et en ligne. La problématique qui est ainsi abordée dans ce projet, de par son caractère multi-physiques, met en compétition plusieurs phénomènes concomitants (mécanique, électrique et tribologique) agissant au niveau de l'interface pantographe/caténaire. L'objectif étant d'être capable de caractériser mécaniquement, électriquement le comportement de l'interface fil/bande à partir d'une meilleure connaissance de l'interface de contact. La démarche qui est proposée dans cette thèse s'appuiera sur le triptyque expérience, modélisation physique et simulation numérique afin d'appréhender la complexité du comportement tant à l'interface de contact qu'au niveau des corps en contact (fil/bande). Par conséquent, les moyens expérimentaux, les modèles physiques et les outils numériques qui seront mis en œuvre dans le contexte du projet, outre l'avantage qu'ils sont complémentaires, devront contribuer à une meilleure interprétation de la physique du captage en situation réelle, en étant au plus près de l'interface de contact. Afin de comprendre la complexité du captage de courant nous devons nous plonger dans la Physique des interfaces multi contact qui sont le cœur du contact pantographe/caténaire. Elles ont des propriétés encore mal connues comme leurs caractéristiques courant/tension non linéaire et hystérétique. Ces effets ont été mis en évidence dans la fin du XIXe siècle par E.Branly. Ce qui a permis par la suite de faire le lien avec les effets de constriction, conséquence des travaux de Maxwell de 1904, puis repris par Holms en 1958. Mais ces interfaces multicontacts restent aujourd'hui encore un problème ouvert, c'est pourquoi cette thèse propose de lister et d'expliquer les mécanismes de transfert électrique à l'interface entre deux conducteurs et ainsi faire le lien avec l'état de surface à travers une simulation. De plus, cette thèse apporte un nouveau mécanisme du transfert par arc électrique afin de rendre compte des phénomènes encore inexpliqués
As for the rapid expansion of high-speed electrified railway industry, the current collection quality of electric locomotives becomes one of the crucial technical issues for the stable operation of trains. Currently, one of the major factors that affect the current collection is the contact wire irregularity, which appears to be very difficult to be measured or detected. This is why the objective of this thesis is to understand complexity involved in the pantograph/catenary interface in order to improve the catchment performance on electrified lines. Therefore. Many problems have been encountered, due to multi-physical character (mechanical, electrical and tribological) at the pantograph/catenary interface. The approach proposed in this thesis will be based on the triptych: "experiment, physical modeling and numerical simulation" in order to understand the complexity of current capture at the interface. So, the studying of multi-contact interfaces is necessary in view to catch all mechanisms in the pantograph/catenary contact. They have still poorly known properties such as their nonlinear and hysteretic current/voltage characteristics. These effects were highlighted in the late nineteenth century by E. Branly. And later by Maxwell's work of 1904, then taken over by Holms in 1958. But these multi-contact interfaces still remain an open problem, which is why this thesis proposes to list and explain the mechanisms of electrical transfer at the interface between two conductors and thus make the link with the surface condition through a simulation. In addition, this thesis brings a new mechanism of electric arc transfer in order to take into account unexplained phenomena

Afin d'en faire l'expérience, cette thèse explore l'idée d'un espace dit pliable. en tant que « structure modulable comme capture de moment ». L'espace conçu à travers une œuvre n'est pas uniquement envisagé comme le milieu à trois dimensions dans lequel le spectateur se déplace, mais comme l'événement qui interroge et réaffirme sa spatialité. Sans cesse en mouvement parce que pliable sait-on précisément où il se rencontre? Où il se plie et se déplie? Dans le cadre de ma pratique artistique, en développant l'idée d'un Espace Pliable, ces réalisations - à déployer et ployer. à plier et déplier - interrogent aussi bien le volume du point de vue de son extension que le « champ de la sculpture» en expansion. À l'aide d'un corpus d'œuvres allant principalement des années 1960 à nos jours, la thèse liée à ce travail entend repérer et analyser une partie des différentes relations spatiales et temporelles à l'œuvre. Convoquant des artistes tels que Robert Morris, Franz Erhard Walther ou encore Hans-Walter Müller, architecte, l'enjeu de cette recherche est d'étudier l'espace du point de vue de ses particularités plastiques, afin de reconsidérer principalement l'expérience que nous en faisons. Au plus près d'une pratique sculpturale, ces installations entre visible et invisible, matériel et immatériel, ne semblent « capturer» rien d'autre que de l' « espace ». Fortes de l'analyse deleuzienne du pli comme système dynamique - puisque pliable - une fois à l'intérieur de mes sculptures cubiques, celles-ci deviennent un témoin du temps que le spectateur leur donne
In order to have the experience of it, this thesis explores the idea of what's called Foldable Space, meaning a "modulable structure as captured time". Space represented through an artwork, is not only considered as a three-dimensional environment that the spectator moves through, but as an event which questions and reaffirms its spatiality. Constantly moving, because foldable, do we know precisely where the encounter happens? Where it folds and unfolds? As part of my art practice, developing the idea of a Foldable Space, these works made to be unfurled and bent, folded and unfolded, question both the volume from the perspective of its extension and the expanding "field of sculpture". Using a corpus of works mainly from the 1960s to the present day, the thesis linked to this artwork intends to identify and analyse some of the different spatial and temporal relationships at work. Summoning artists such as Robert Morris, Franz Erhard Walther or the architect Hans-Walter Müller, the imperative of this research is to study space in regard to its sculptural and aesthetic characteristics, mainly in order to reconsider our experience of this space. Very nearly a sculptural practice, these installations between visible and invisible, tangible and intangible, seem "to capture" nothing but "space". Supported by Deleuze's analysis of the fold as a dynamic system - because foldable - once inside one of my cubic sculptures, the sculpture becomes a witness of the time the spectator spends with it

Cette thèse présente sur un plan sémantique la notion de lʼintime en tentant de circonscrire son champ dʼaction. Elle explique comment les acceptions du mot « intime » fluctuent historiquement, déplaçant les limites et les enjeux de lʼopposition entre sphère publique et sphère privée, entre lʼindividuel et le collectif, entre le personnel et lʼuniversel.Cette mise au point théorique a pour but dʼenvisager ensuite comment lʼintime devient lʼorigine et lʼobjet dʼun art. Les oeuvres dʼAnnie Ernaux et de Chloé Delaume ici analysées permettent de comprendre comment lʼintime modélise un texte littéraire ; les travaux de Sophie Calle et de Nan Goldin font apparaître la relation particulière entre lʼintime, le texte parfois et la photographie. Le langage verbal et le langage iconique sont interrogés afin de déterminer comment le style de lʼoeuvre sʼimprègne de la dimension intime. Au-delà du risque ou de la provocation, lʼon voit comment lʼoeuvre intime sʼancre profondément dans le temps, dans un rapport privilégié à la mémoire. Il est aussi question de montrer combien lʼart intime relève dʼune lutte pour exister, se faire reconnaître en tant quʼart. Les notions de valeur et dʼeffet, dans le cadre dʼune théorie de la réception, éclairent cette dimension polémique. Enfin, cette thèse sʼintéresse àdécouvrir dans quelle mesure lʼart de lʼintime sʼinscrit contre une ancienne éthique et en faveur dʼune nouvelle. Il sʼagit également de définir les grandes lignes dʼune esthétique de lʼintime, ravivant les questions du réalisme, de la beauté,du sublime
This thesis presents a semantic notion of the intimate attempting to limit its scope. It explains how the meanings of theword "intimate" fluctuate throughout history, thereby moving the boundaries and challenging the opposition between thepublic and private spheres, between the individual and the collective, and between the personal and the universal. Thistheoretical development is intended to consider how the intimate is both the source and purpose of art. The works ofAnnie Ernaux and Chloe Delaume analyzed here can illustrate how the intimate shapes a literary text ; the works ofSophie Calle and Nan Goldin show the special relationship between the intimate, sometimes the text, and photography.The verbal and the iconic languages are examined to determine how the style of the work is imbued with the intimatesphere. Beyond the risk or provocation it entails, we see how the work intimate is deeply rooted in time with a specialrelationship with memory. It is also about showing how the intimate art is a struggle for existence, for being recognizedas art. The concepts of value and effect as part of a theory of reception, illuminate this debate. Finally, this thesis isinterested in discovering how the art of the intimate severs from former ethics to build a new one. The purpose of thisstudy is also to define the outline of an aesthetics of intimacy, rekindling issues of realism, beauty, and the sublime

Les auteurs contemporains, des plasticiens aux réalisateurs de blockbusters, créent des images où le réel et le virtuel semblent de la même étoffe. Leurs films, vidéos et installations exposent un monde qui émerge de l’immatérialité des écrans.À la différence des images qui procèdent de l'imprégnation de la lumière réelle sur des surfaces photosensibles, les simulacres numériques résultent du langage binaire. Ils correspondent à du code informatique qui transforme l’image en une somme de données.Dès lors, ceux-ci entraînent-ils une mutation de notre rapport à l’image ? En quoi induisent-ils une nouvelle perception des représentations artistiques où prime l’apport d’une subjectivité ?Les simulacres numériques apparaissent après des millénaires d’images qui relèvent de l’ontologie et entretiennent un lien sensible avec le réel. Le spectateur ayant besoin de se projeter dans ce qui emprunte à sa nature et ce qui interroge ses aspirations, ses sentiments comme ses croyances, il attend de la simulation numérique la même capacité d’incarnation et de transfiguration que les autres moyens d’expression.Entrelaçant la tradition et le contemporain, cette recherche analyse l’éloquence sensible du simulacre numérique au défi du vivant dans le cinéma et les arts plastiques des années 2000-2010 selon les concepts de présence, représentation et simulation.Comment le numérique actualise-t-il des codes culturels et esthétiques hérités de l’histoire de l’art ? Cette recherche tente de comprendre la nature et le sens des simulacres numériques du vivant en tant qu’ils conjuguent l’incorporel synthétique à l’argument ontologique
The contemporary authors, from visual artists to blockbusters’ directors, create images where the real and the virtual seem from the same cloth. Theirs movies, videos and installations show a world which emerges from the immateriality of the screens.Unlike images which are the result of the impregnation of the actual light on photosensitive surfaces, digital simulacra stem from binary language. They are made of pure computer code that can transform the image into a sum of data.Therefore, will the digital simulacra change our relationship to images? How do these digital sham images induce a new perception of artistic performances where subjectivity and its contributions are the prime factors?We are confronted with these digital simulacra of images after millennia of imagery that relate from ontology and that maintain a significant link with reality. The viewer, having the need to project himself into something that borrows from his nature and that questions his aspirations, his feelings as well as his beliefs, expects from the digital simulation the same capacity for incarnation and transfiguration that he experiences from others means of expression.Confronting and intertwining the traditional and the contemporary, this research analyses the sensitive eloquence of digital simulacra and how they face the challenge of real life, through film and in visual arts over the decade 2000-2010, based on the concepts of presence, representation and simulation.How do the various uses of digital technology force us to update the cultural and aesthetic codes that we inherited from Art history? Thus, this research attempts to understand the substance and the meaning of the digital pretence of life, which combines the synthetic intangible with an ontological argument