Dissertations / Theses on the topic 'Berlioz, Hector, 1803-1869 Operas'

Recent Berlioz studies tend to stress the significance of the French tradition for a balanced understanding of Berlioz's music. Such is necessary because the customary emphasis on purely musical structure inclines to stress the influence of German masters to the neglect of vocal and therefore rhetorical character of this tradition. The present study, through a fresh examination of Berlioz's vocal-orchestral scores, sets forth the various orchestrational patterns and the rationales that lay behind them.

La pratique des interprètes de Berlioz qui créèrent Benvenuto Cellini, La Damnation de Faust et Béatrice et Bénédict gagne à être mieux connue : ils observaient d’autres traditions que les nôtres, et saisir leurs usages et leur contexte artistique offre un autre regard sur les œuvres. La présente thèse examine le cadre de travail de ces artistes, c’est-à-dire leurs formations, leurs carrières, le déroulement des répétitions d’une œuvre et les corps de métier convoqués, mais aussi les écoles de jeu, de chant, et les étapes de préparation d’un rôle. Ces artistes seront aussi présentés, en particulier ceux qui jouèrent dans les scènes comiques des œuvres concernées. Les derniers chapitres, qui explorent la manière dont les œuvres du corpus furent interprétées sur les scènes de l’Opéra et du théâtre de Bade, ainsi qu’à l’Opéra-Comique et au théâtre de Weimar, mêlent l’ensemble de ces sources et croisent aspect scéniques et musicaux<br>The practices of the performers who first produced Berlioz’s Benvenuto Cellini, La Damnation de Faust and Béatrice et Bénédict deserves to be better known: they followed other traditions than ours, and to understand their habits, practices and artistic context offers another way of conceiving these musical works. The present thesis considers the framework in which these artists worked, that is to say their training, their careers, the progress of the rehearsal of an opera and the trades involved, as well as the schools of acting, of singing, and the preparation of a role. The individual artists will also be introduced, in particular those who played in the comic scenes of the concerned works. The last chapters, which explore the way in which the corpus’ works were performed on the stage of the Paris Opera and the theater of Bade, as well as at the Paris Opera-Comic and the theater of Weimar, mix all these sources and documents and combine musical and scenic elements

La collaboration de Berlioz au journal des débats constitue le facteur essentiel de sa renommée auprès de ses contemporains. Après avoir découvert le journalisme à travers une collaboration à de nombreuses publications, le musicien intègre en 1834 le quotidien des Bertin. Son approche originale de la critique musicale lui permet alors de développer des concepts esthétiques à caractère normatif, définissant le bon goût absolu. De plus, le feuilletonisme se présente comme un élément de socialisation favorisant souvent son maintien au sein de son milieu et servant aisément de bouc émissaire aux nombreux échecs que rencontre notre musicien. Ainsi, tandis que le journalisme assure un certain niveau de vie à Berlioz (du fait de sa collusion avec les facteurs d'instruments et les éditeurs), il sert aussi d'excuse à une faiblesse sociale (difficulté à obtenir une fonction officielle, a être élu à l'institut) ou à des difficulées récurrentes dans la composition. Enfin, cette activité permet à Berlioz de contrôler les diverses représentations de son personnage. Faisant oublier son incapacité à jouer du piano ou du violon (à cause d'une syndactylie à la main gauche), le feuilletoniste se fabrique au journal une image de virtuose de la critique et de la direction d'orchestre, tout en s'appliquant à opposer la dereliction du journaliste et l'hyperesthesie du compositeur. Le feuilleton berliozien se présente comme une production transcendant les limites du travail journalistique et offrant à son auteur la possibilité de créer une image de lui-même conforme à celle dont il rêve, et que l'expérience acquise aux débats lui donne les moyens d'imposer à la posterité.

Hector Berlioz's Messe solennelle, his first publicly performed work, was important to his establishment in Paris as a composer. Although he later destroyed the Mass, he reused parts of the Resurrexit movement in three of his later works: Benvenuto Cellini (1836), the Grand messe des morts (1837), and the Te Deum (1849). This study examines the Resurrexit and its subsequent borrowings. In each instance that Berlioz borrowed from the Resurrexit, he extracted large sections and placed them in the context of later works. Each time that borrowing occurred, Berlioz constructed the surrounding music so that portions from the Resurrexit would fit stylistically and a seamlessly into the texture. In each borrowing, he left the melody unaltered, changing harmony and orchestration instead. This pattern of borrowing demonstrates that Berlioz developed his concept of melody early in his career, and that his method of self-borrowing was consistent in each subsequent use of the Resurrexit.

Hector Berlioz (1803-1869) a effectué deux séries de concerts en Russie (en 1847 et 1867-1868, à Moscou et Saint-Pétersbourg). Le compositeur français lui-même considérait ces tournées comme les plus grands triomphes de sa carrière. Cette image d’un accueil massivement positif de Berlioz en Russie, fondée principalement sur les témoignages du compositeur lui-même, reste encore peu étudiée car les sources russes sont difficilement accessibles. La présente thèse a donc pour objectif de reconstituer l’histoire des relations entre Berlioz et la Russie, du vivant du compositeur, pour mieux comprendre les raisons de son succès. Grâce à des documents conservés dans les archives russes et jusqu’alors inédits – des articles de presse, des affiches, des dossiers administratifs, de la correspondance (dont trois nouvelles lettres de Berlioz) – nous présentons un récit plus nuancé des rapports entre Berlioz et la Russie. Ce travail est présenté sous trois angles : 1. La réception critique de Berlioz par la presse russe (environ 360 articles, publiés entre 1833 et 1869) et le rôle de cette dernière dans la formation de l’image de Berlioz ; 2. La pratique d’exécution des œuvres de Berlioz en Russie, aussi bien lors de ses visites qu’en son absence (y compris de nouveaux détails sur l’organisation de ses tournées) ; 3. Les contacts de Berlioz avec différents musiciens russes, comme M. Glinka, A. Verstovskij, V. Kologrivov, A. Lvov et M. Balakirev ; la dédicace de la Symphonie fantastique au tsar Nicolas Ier ; les arrangements par Berlioz de deux œuvres de D. Bortnânskij. Cette étude permet de mieux comprendre les relations artistiques entre la France et la Russie au XIXe siècle, mais également l’importance de Berlioz pour la culture et la musique russes<br>French composer Hector Berlioz (1803-1869) organized two series of concerts in Russia (in 1847 and 1867-1868, in both Moscow and St. Petersburg). The musician himself considered these tours as the greatest triumphs of his career. This image of a massively positive reception of Berlioz in Russia – based primarily on his own accounts – has been little studied due to the inaccessibility of Russian sources. The goal of the present thesis is therefore to reconstruct the history of the relationship between Berlioz and Russia during the composer's lifetime, in order to better understand the reasons for his success. Drawing on unpublished documents from the Russian archives – press, posters, administrative files, correspondence (including three new letters from Berlioz) – we present a more nuanced account of the relationship between Berlioz and Russia. This theme is approached from three perspectives: 1. The critical reception of Berlioz in the Russian press (about 360 articles, published between 1833 and 1869) and the role of the press in the formation of Berlioz's image; 2. The performance of Berlioz's works in Russia, both during his visits and in his absence (with new details about the organization of his concert tours); 3. Berlioz's contacts with several Russian musicians, including M. Glinka, A. Verstovskij, V. Kologrivov, A. Lvov and M. Balakirev; his dedication of the Symphonie fantastique to tsar Nicholas I; his arrangements of two works by D. Bortnanskij. This study helps to better understand artistic relations between France and Russia in the 19th century, but also Berlioz's importance for Russian culture and music

La Grande Messe des morts d’Hector Berlioz se remarque entre autres choses par la variété de styles et le changement rapide de climats expressifs. Son écriture novatrice éveille l’émotion du public en cultivant de nombreux effets d’inattendus que la presse de l’époque a soulignés lors de la création. Comment caractériser les différents styles musicaux sur lesquels le Requiem s’articule ? Comment le compositeur captive et éveille-t-il l’émotion de l’auditeur ? Comment l’auditeur perçoit-il la stratégie déployée par le compositeur ? La présente thèse a pour but d’éclaircir le fonctionnement des matériaux musicaux variés chez Berlioz, le mécanisme de la communication compositeur-auditeur et sa conception de la musique « sacrée ». L’étude de la rhétoricité du Requiem est fondée sur quatre enquêtes successives fondées sur la théorie de la communication musicale de Jean Molino et Jean-Jacques Nattiez et l’analyse de la rhétoricité selon Jean-Pierre Bartoli : 1. étude du processus génétique de la composition (analyse de la poïétique externe) ; 2. étude de la critique de la presse musicale (analyse de l’esthésique externe) ; 3. étude des principes du développement et forme narrative (analyse de la poïétique inductive) ; 4. étude des jeux sur l’attente ménagés par le compositeur (analyse de l’esthésique inductive). De cette recherche, on conclut que Berlioz réussit à concilier l’intensité dramatique et la religiosité à travers un certain art du discours, qui maintient l’unité de l’œuvre dans la variété de ses climats, des topiques exploités et des styles d’écriture<br>Hector Berlioz’s Grande Messe des morts has been particularly recognized by its variety of styles and the rapid change of expressive atmospheres. His innovative style arouses public’s emotion by cultivating a great number of unexpected effects that the music press in time of its first performance emphasized. How can be characterized various musical styles which connect with one another in this Requiem? How does the composer behave to attract the audience and to arouse their emotion? How did the audience feel composer’s strategy which was deployed in this work? This thesis aims to make clear the function of various musical materials in his composition, a communication mechanism established between composer and audience, and his conception of the “sacred” music. A study of rhetoric in his Requiem is founded on four successive analyses, inspired by Jean Molino and Jean-Jacques Nattiez’s musical communication theory and Jean-Pierre Bartoli’s rhetoric analysis: 1. study of the creative process of the composition (analysis of the external poïétique); 2. study of the music criticism of press articles (analysis of the external esthésique); 3. study of the principal of the music’s development and its formal narrativity (analysis of the inductive poïétique); 4. study of the tactics on audience’s expectation handled by the composer (analysis of the inductive poïétique). This study concluded that Berlioz succeeded in managing the dramatic intensity and the religiousness through a certain art of discourse, which maintains the work’s unity with a variety of atmospheres, musical topics and styles

Partant d'une formule de Balzac, " la musique est un texte ", cette thèse définit une pratique textuelle, la description littéraire de la musique, qui consiste à restituer l'art musical par des moyens autres que techniques, centrés sur les émotions et l'imagination de l'auditeur ; ce dernier retranscrit ses impressions au moyen de procédés littéraires. L'expérience musicale trouve en effet à se dire, à se construire, sur le modèle d'une pratique littéraire : la lecture. Les compositeurs, et Berlioz le premier, utilisent le pouvoir évocateur de ces textes dans leur propre création musicale. La première partie de cette thèse propose ainsi une histoire, puis une typologie de la description littéraire de la musique. La deuxième partie est une illustration de la première à travers l'étude d'un cas particulier, celui de Berlioz, dont elle éclaire les manipulations conjointes du texte et de la musique. Berlioz est à la fois compositeur, écrivain, auditeur et lecteur, ce qui permet à ses descriptions musicales de tenir un rôle particulier, dans ses textes comme dans sa musique : nous cherchons à en définir les modalités et le sens<br>Starting from a phrase by Honoré de Balzac, " music is a text ", this work attempts to define a specific kind of textual practice : the literary description of music, which consists in recreating musical art by other means than technical ones. This kind of description focuses on the emotions and the imagination of the listener, who transcribes his impressions thanks to literary processes. Musical experience thus takes the shape of a literary practice : reading. Composers, Berlioz first, use the evocative power of these texts in their own musical creation. The first part of this work outlines a history and a typology of the literary description of music. The second part illustrates the first, focusing on a specific case, Hector Berlioz's, and enlightens both his manipulations of text and music. Berlioz is at the same time a composer, a writer, a listener and a reader, which allows his musical descriptions to play a specific role in his writings as well as in his music. This work attempts to define the forms and the sense of it

L’objet de cette thèse est l’étude de la musique de Franz Liszt de 1830 à 1850 environ. Il s’agit de comprendre comment le musicien, qui garde Paris comme principal port d’attache de décembre 1823 à avril 1844, élabore peu à peu, lors de ses années d’apprentissage au cœur de la révolution romantique, une écriture orchestrale qu’il mettra en pratique à partir de 1848 à Weimar. En effet, pendant cette période parisienne, Liszt transcrit pour le piano de nombreuses partitions d’orchestre : il est probable qu’en plus de l’encourager à révolutionner l’écriture pianistique, et ainsi à inventer le piano moderne, cet exercice lui permet d’acquérir une certaine connaissance de l’écriture orchestrale de son temps. Ce postulat prend tout son sens lorsqu’on observe que parmi les auteurs que Liszt transcrit le plus et en premier se trouve Berlioz, habituellement considéré comme l’inventeur de l’orchestre moderne.L’approche adoptée s’inscrit dans deux champs de la musicologie traditionnelle, l’analyse et l’histoire, et dans une branche plus récente de la discipline, les études génétiques. Il est effectivement nécessaire de replacer tout d’abord chaque transcription dans son contexte, pour évaluer l’influence des réécritures lisztiennes d’œuvres de Berlioz sur l’élaboration de sa propre écriture orchestrale. Par ailleurs, le point de vue se place du côté de la création : l’analyse d’une grande quantité d’esquisses et de brouillons donne des informations sur la manière dont Liszt aboutit à l’écriture orchestrale qui est la sienne dans la décennie 1850, au cours de laquelle il produit la majeure partie de ses œuvres symphoniques<br>The object of the present thesis is Franz Liszt’s production from the years 1830-1850. Liszt is mostly based in Paris between December 1823 and April 1844 and during this training at the very heart of the Romantic revolution, he gradually develops a writing style for his orchestral pieces that he will put into practice in Weimar after 1848. During these Parisian years, Liszt writes many piano arrangements of orchestral scores, and here we propose that it provided the basis for his revolution of piano music, but also made him quite familiar with the orchestral writing of his time. It is indeed of particular significance that Berlioz – often considered the father of modern orchestra – is one of the composers Liszt transcribed most often, from very early on.We use two complementary approaches from the field of musicology, traditional historical analysis and more recent techniques of sketch studies. To understand if and how Liszt’s rewritings of Berlioz’ work influenced his own orchestral style we first studied each arrangement in its context. We then focused on the genesis of these pieces by analysing a great amount of sketches and drafts in order to shed light on the maturation process that led to Liszt’s fully-fledged orchestral style from the 1850’s (the decade in which he produced most his symphonic works)

Sous le titre Hector Berlioz et Edme-Marie-Ernest Deldevez : étude comparée de leur formation et de leur insertion dans la société du XIXe siècle (1803-1897), c'est, en France, l'une des premières tentatives de biographies comparées qu'on trace. Elle touche deux compositeurs et chefs d'orchestre du siècle romantique. A travers cette contribution à l'histoire sociale de la musique en France qui s'appuie fermement sur la chronologie historique, on rend compte des éléments constitutifs de la formation et de l'insertion de deux musiciens éminents dans le cadre même de la société où ils évoluèrent. En outre, pour le second d'entre eux, de nos jours à peu près inconnu, il s'agit de la première monographie d'importance qui lui ait jamais été consacrée. Pour l'autre, reflet presqu'a lui seul du romantisme musical français, c'est une révision, parfois non sans surprise, quant aux clichés dont il est, le plus souvent, l'objet. L'un éclaire l'autre. De la naissance de Berlioz (1803) à la mort de Deldevez (1897), pratiquement un siècle s'écoule durant lequel la société française née de la révolution se construit, s'organise et se déchire tour à tour. C'est dans ce contexte, fondamental pour eux, que Berlioz, nouveau Cellini, façonne un œuvre où son génie volcanique se saisit de toute opportunité pour édifier un destin dont témoigne la postérité. C'est là aussi que Deldevez, élève de Berton, Habeneck et Halévy, en même temps qu'ami de Gounod et Ambroise Thomas, bâtit une carrière qui le voit diriger la Société des concerts, inaugurer le Palais-Garnier et, plus encore, devenir le premier pédagogue officiel de la direction d'orchestre, prosélyte de la musique de son ainé. Celui-ci demeure, celui-là était oublié. Le catalogue raisonne de son œuvre musical est joint à l'ouvrage principal<br>Under the title Hector Berlioz and Edme-Marie-Ernest Deldevez : compared study of their training and of their insertion in the 19th century society (1803-1897), this is in France one of the first attempts that can be found of compared biographies. It concerns two composers and conductors from the romantic century. Through this contribution to the social history of music in France which leans firmly on historical chronology, it reports the constructive elements of the training and insertion of two outstanding musicians in the true setting of the society that they moved in. Furthermore for the second one of them, who is today almost unknown, this is the first important monograph that has ever been dedicated to him. The other musician, who is almost the only reflect of the romanticism of French music, this is a revision, sometimes not without surprises, as for the clichés that he is more often the subject of. One enlightens the other. From the birth of Berlioz (1803) to the death of Deldevez (1897) nearly a century passes during which the French society born of the revolution is built, organized and torn apart turn and turn about. It is in this context, that was fundamental for them, that Berlioz, the new Cellini, creates a works in which his volcanic genius seizes every opportunity to construct a destiny which is shown by posterity. It is here also that Deldevez, pupil of Berton, Habeneck and Halevy, as well as being a friend of Gounod and Ambroise Thomas, builds a career in which he can be seen conducting the Société des concerts, inaugurating the Palais-Garnier and, what is more, becoming the first official pedagogue of orchestral conducting, proselyte of his elder's music. One remains; the other one has been forgotten. The descriptive catalogue of his musical works is attached to de principal book

La Damnation de Faust d'Hector Berlioz est une oeuvre inclassable parmi les genres musicaux usuels. A mi-chemin entre la pièce de concert et l'opéra, elle est inspirée du Faust de Goethe (dans la traduction de Nerval), mais semble-t-il également, de la vie du compositeur. Cette thèse décrit le processus de composition et met en lumière les éléments autobiographiques. Ces derniers ont été divisés en deux catégories. La première catégorie explore les éléments autobiographiques supposés, à savoir les anecdotes des Mémoires et de la correspondance concordant avec le scénario de La Damnation, l'analogie de certains personnages réels avec ceux du livret et enfin, les influences musicales et littéraires que le compositeur a pu recevoir. La seconde regroupe les éléments autobiographiques avérés englobant la réutilisation de certaines compositions du jeune Berlioz, l'application des préceptes du traité et leur insertion dans La Damnation<br>Hector Berlioz's Damnation of Faust cannot be classified among the usual musical genres. Halfway between the piece of concert and the opera, it is not only inspired by Goethe's Faust (translated by Nerval), but apparently also, by the composer's life. This thesis describes the composition process and highlights the autobiographical elements. These were divided into two categories. The first category investigates the supposedly autobiographical elements, namely the anecdotes of Berlioz's memoirs and correspondence consistent with the synopsis of the Damnation, the analogy of some genuine persons with those of the libretto and finally, the musical and literary influences the composer may have received. The second category regroups the proven autobiographical elements, including the reuse of some of his early compositions, the application of the precepts of the treaty and their integration into La Damnation

Traditional scholarship has stated that the serpent and ophicleide (as well as their successor, the tuba) were developed and added to the standard orchestra to add a bass voice to the brass, allowing a tonal compass to match a similar downward expansion in the strings and woodwinds. A closer reading of the earliest scores calling for these instruments reveals a more coloristic purpose, related to timbre as much as to compass. Indeed, the fact that composers rarely wrote for serpent and ophicleide makes two points: it proves them to be inadequate choices as a brass bass, and when they were called for, they had an expressive, often descriptive purpose. Despite his conservative musical education supervised by Carl Friedrich Zelter, the seventeen-year-old Mendelssohn, under the influence of A. B. Marx, used the Corno inglese di basso, an upright version of the serpent, in his Overture to A Midsummer Night's Dream to give a more rustic flavor to Bottom's ass-braying. Even when the English bass horn functioned as a bass voice, it was playing in contexts that were descriptive, where it often demonstrated its musical inadequacy. Berlioz's descriptive writing for the serpent and ophicleide are well known. A remarkable feature which Symphonie fantastique shares with works by the other composers is the confidence Berlioz showed in the ophicleide's functional independence by occasionally giving it an arpeggiated figure while the rest of the orchestra sustains the chord. Wagner's writing for the serpent and ophicleide in Rienzi follows the less imaginative conventions of French grand opera. In Der fliegende Holländer the ophicleide, while not used as descriptively as Mendelssohn and Berlioz, nevertheless contributes significantly to Wagner's emerging focus on the inner lives of his characters and expressive commentary on the stage action. Tubists should consider the expressive implications and the unique timbre of these instruments when performing works originally written for the forerunners of the tuba.

L'auteur essaie de faire apparaitre, à travers l'analyse de deux œuvres : l'exposition du 1er mouvement de la sonate Appassionata de L. Van Beethoven et La symphonie fantastique suivie de Lélio ou le retour à la vie de Berlioz, la fécondité et la fiabilité de ce qui pourrait devenir une nouvelle forme - ou application - d'analyse musicale. Son outil dominant est l'usage rationnel du raisonnement par analogie, appliqué à la logique du vivant, binaire et polarisée (sur le modèle du biologiste S. Lupasco), alliée au mythe. Cette approche n'envisage que l'œuvre musicale elle-même et non l'investigation dans la vie du compositeur comme pourrait le faire la psychanalyse. Par une voie sensiblement analogue - l'utilisation du mythe - elle parvient à l'explication des œuvres. Après une analyse musicale rigoureusement classique (factorielle, structurelle et dynamique) cet outil redonne leur sens aux structures et aspects remarquables mis en évidence. Il les coordonne et montre, par le parallèle avec le mythe, que le compositeur - consciemment ou non - suit un processus personnel de création qui s'inscrit dans le plan général du déroulement du mythe. Cet expose méthodique est né de la nécessité pédagogique d'expliquer rationnellement l'emploi d'un vocabulaire issu du sentiment. L'auteur serait satisfait de voir ce travail ne pas rester du domaine de la seule recherche et se diffuser vers l'enseignement<br>Through the analysis of two pieces - the exposition of the 1st movement of L. Van Beethoven’s sonata Appassionata, and Berlioz's Symphonie fantastique followed by Lelio ou le retour a la vie - the author tries to bring out the fertility and feasibility of what could become a new form (or application) of musical analysis. The author primarily uses a rational approach, reasoning through analogies applied to the logic of living things, binary and polarized (following the model of biologist S. Lupasco) linked to myth. This method only takes account of the musical piece itself and does not investigate the composers’ lives as a psychoanalytical approach could do. In a somewhat analogues fashion - the use of myth - the author is able to explain the pieces. Once analyzed in a strictly classical way (factorial, structural and dynamic), the use of myth not only gives meaning to the structures, but brings out remarkable aspects that demonstrate that the composer - be it consciously or not - has followed a personal creative process that inscribes itself in the general plan of the development of a myth. This methodical expose came about from the pedagogical necessity to explain rationally the use of vocabulary coming from sentiment. The author would be satisfied to see this work go beyond the field of research and into that of education

Dès 1770, Shakespeare est érigé en modèle par les artistes partisans d’une rupture avec l’esthétique classique, jusqu’à devenir une figure tutélaire des romantismes européens, en littérature comme en musique. Hector Berlioz, fondateur du romantisme musical français, est un cas emblématique de ce geste romantique qui consiste à s’emparer d’une figure littéraire pour bousculer les catégories esthétiques existantes et renouveler les formes musicales. Le dramaturge anglais est une référence constante dans son œuvre, depuis sa découverte de Shakespeare en 1827 jusqu’à son dernier opéra, Béatrice et Bénédict en 1862, adapté de la comédie Much ado about nothing. Berlioz s’inspire de Shakespeare tant dans ses œuvres musicales que dans ses écrits critiques et autobiographiques, où les références à l’auteur anglais sont multiples. La relation que l’œuvre de Berlioz entretient avec celle du dramaturge pose à la fois des questions de réception et de transferts culturels, et le problème du passage d’un système sémiotique à un autre. Elle invite tout d’abord à s’interroger sur le processus d’appropriation d’une œuvre littéraire par un compositeur et ses enjeux théoriques, et à situer sa démarche dans le cadre plus vaste de la réception européenne de Shakespeare au tournant du xixe siècle. La référence au dramaturge dans l’œuvre de Berlioz intervient plus précisément dans le cadre de l’élaboration d’une esthétique du sublime, comme le montre l’étude des rapports entre texte et musique. Il apparaît alors que le « système shakespearien » nourrit les réflexions du compositeur sur les formes et les genres musicaux<br>As early as 1770, Shakespeare is set up as a model by the artists who consider it necessary to break away from classical aesthetics. His name is so high that he becomes a figurehead for the various forms of European romanticisms, in literature as well as in music. As the founder of the French musical romanticism, Hector Berlioz embodies the romantic approach which consists in seizing a literary figure to discard the existing aesthetical categories and thus bring about new musical forms. Right from 1827, the year the musician discovers Shakespeare, until his last opera in 1862, Béatrice et Bénédict, adapted from the comedy Much ado about nothing, Berlioz widely draws his inspiration from the English playwright and constantly refers to him in his musical, critical and even autobiographical works. The issues raised by this close relationship are threefold : the way Shakespeare’s plays were received, the problem of cultural transfer and the shift from one semiotics to another. First of all it brings forth questions about the process which leads a composer to make a literary works his own and the theoretical aspects at stake. Also, this relationship makes it necessary to see how Berlioz’s approach fits in with the way Europe received Shakespeare at the turn of the 19th century, in so far as the reference to the playwright takes place at a time when a new aesthetics of the sublime is in progress, as shows our study of the relationship between text and music. It so appears that the “Shakespearean system” enriches the composer’s reflexions on musical forms and genres

Cette these se propose de comparer trois livrets d'opera traitant le mythe de faust : faust de gounod, la damnation de faust de berlioz et mefistofele de boito. Apres un rappel du scenario de ces oeuvres, et de leurs points communs ou de leurs differences avec le poeme de goethe, les personnages des operas sont etudies. Dans une seconde partie, les grands themes evoques par les livrets sont abordes. Une troisieme partie etudie le style et la verification des textes<br>In this thesis i propose to compare three libretti which deal with the myth of faust : gounod's faust, berlioz's damnation de faust and boito's mefistofele. After a reminder of the scenarios of these works and of their similarities on differences compared to goethe's poem, the dramatics personae are studied. In the second part the main themes of the libretti are examined. The third part analyses style and versification

Dans la période 1862 à 1914 le Théâtre du Châtelet accueillait trois genres musicaux différents : le grand spectacle, les concerts symphoniques des Concerts Colonne et le théâtre musical d’avant-garde (Salomé de Richard Strauss, Ballets Russes de Serge de Diaghilev). Par rapport à la variété musicale et à la composition sociale du public diversifiée de ces trois genres, la production musicale du théâtre du Châtelet est représentative pour la vie musicale parisienne autour de 1900. L’étude du Théâtre du Châtelet comme espace de production et de réception musicales se base sur l’approche de la sociologie de l’architecture. A son aide nous étudierons les influences de l’haussmannisation sur la pratique théâtrale et musicale. En outre, nous définirons un modèle de réception pour chaque genre afin d’étudier le rapprochement entre les genres « populaires » et « savants » au début du 20e siècle. Cette dernière étude éclaircira les bases culturelles de l’éclectisme en musique des années 1920<br>In the period from 1862 to 1914 the Parisian Théâtre du Châtelet hosted the three different musical genres grand spectacle, symphonic concert (Concerts Colonne) and musical theatre of the avant-garde (Salome of Richard Strauss, Ballets Russes). This range of genres is musically and socially representative of the musical life of Paris. The study of this theatre as a room of musical production and reception in the period from 1862 to 1914 analyses the establishment and the institutionalisation of these different genres in the Théâtre du Châtelet and defines a reception model for each of them. Methodologically our study is based on the approach of sociology of architecture and the spatial concept of the theatre historian Mercedes Viale-Ferrero. A comparison of the three different types of musical production in that époque sheds light on the eclecticism of the 1920s when Paris advanced to be the European capital of the arts

In attempts to take a step towards illustrating Berlioz's musical aesthetic, my dissertation explores his "Critical Study" as his manifesto of the new poetic in music, which uses Beethoven's symphonies as models. First published in 1844, his "Critical Study" is a collection of individual essays on each of Beethoven's nine symphonies - the most widely known version of these essays originally published in the Revue et gazette musicale de Paris in 1837-8. This collection of essays derives from a reworking of Berlioz's earliest articles on Beethoven (1829-37), notably his reviews of a new concert series at the Societe des concerts du Conservatoire that premiered Beethoven's symphonies in Paris. Almost ten years in the making, Berlioz's "Critical Study" represents the pinnacle of his writings on Beethoven. Here he promotes Beethoven's "romantic" symphonies as models of "poetic" forms, within the context of emerging French literary Romanticism. I examined some of the key components in Beethoven's music that most occupy Berlioz as critic and, in turn, how Berlioz as composer develops these key components in his own contribution to the symphonic genre - his Romeo et Juliette (1839), composed at the peak of his Beethoven study. Ultimately, I hope to have demonstrated that the subtle mixture of the musical, the poetic, the critical pedagogical, and the cultural that intersect in Berlioz's Romeo et Juliette exemplifies the same aesthetic of the poetic that he promotes in Beethoven's symphonies.<br>Graduate

This dissertation explores what it is that makes Les nuits d’été such an effective musical composition. This is done by analysing the song cycle according to Terry Eagleton’s four categories of psychoanalytical literary criticism. The death of Berlioz’s mother, with whom he had an unresolved conflict at the time of her death, is proposed as the emotional trigger that led to the composition of these songs. The content and form of the music to which he set them reveals a narrative that closely corresponds to Freud’s description of the Oedipal conflict and its successful resolution. Using the psychoanalytical theories of Lacan, Barthes, Kristeva and others, the subliminal catharsis of Berlioz’s song cycle, in the way that it is transposed to the listener through the mediation of the music, is proposed as the reason why Les nuits d’été is such an effective musical composition.<br>Art History, Visual Arts & Musicology<br>M.A. (Musicology)