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Dissertations / Theses on the topic 'Arte visuale'
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Batista, Ana Luiza Dias. "Língua morta." Universidade de São Paulo, 2014. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-20102014-101155/.
Full textAbstract:
O objeto desta tese são os trabalhos de arte da autora. Eles são agrupados segundo critérios provisórios de identidade, que se constituem e explicitam nas próprias formas dos textos e imagens que os acompanham. Buscam-se elementos comuns, simétricos ou proporcionais nos trabalhos, procedimentos comuns, confluentes ou paralelos, correspondências formais. A abordagem é descritiva. A passagem entre os trabalhos se dá diretamente, sem conexões explicativas, por acareação. Pretende-se construir, na dimensão da linguagem, lugares de coexistência, chãos comuns onde os trabalhos se possam dispor, espaços transitórios que permitam arranjá-los.The object of this thesis is the author\'s works of art. They are grouped according to contingent criteria of identity, which constitute and explicit themselves in the very forms of texts and adjoining images. The author searches among the works for common, symmetrical or proportional elements, common, confluent or parallel procedures, formal correspondences. The approach is descriptive. The transition between the works is deprived of explanatory connections; they face each other directly, in line-up confrontation. The intention is to build, in the dimension of language, sites of coexistence, common grounds where the works can lay, transitory spaces that allow to arrange them
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Batista, Ana Luiza Dias. "Um programa." Universidade de São Paulo, 2008. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-24042009-151004/.
Full textAbstract:
Esta pesquisa envolveu a realização de um trabalho de arte o conjunto de vídeos intitulado Programa e, paralelamente, de uma reflexão teórica. A reflexão tomou o Programa como objeto, procurando compreendê-lo, mas ela também constituiu instrumento do Programa, conduzindo as formalizações. Ao dedicar-se à investigação da área de Poéticas visuais, às dificuldades da reflexão sistemática sobre uma obra em andamento e às especificidades da fala do artista sobre o próprio trabalho, enunciou, para o trabalho que então se iniciava, as condições do contexto em que ele iria se produzir. Descrevendo um procedimento geral reincidente nos meus trabalhos, a reflexão apontou-lhe um repertório de operações. Ela foi movimento interno do Programa nas considerações sobre o campo que ele elegeu como objeto: as propagandas de televisão, e sobre aqueles que surgiram de modo incidental, como o vídeo. Também o foi na discussão de cada um dos esquetes que foi esboçada antes da finalização do trabalho e orientou algumas últimas decisões. Depois do trabalho pronto, procurou-se rever e aprofundar os conceitos que vinham sendo utilizados, bem como submeter o Programa a uma apreciação mais distanciada.This research involved the production of an art work the set of videos entitled Programa [Program] and, simultaneously, of a theoretic reflection. The reflection took the work as its object, trying to comprehend it, but it also constituted an instrument of this work, guiding its formalizations. The reflection was initially dedicated to the investigation of the postgraduate concentration area called Visual poetics, as well as to the difficulties of a systematized conceptual apprehension of an ongoing art work and to the specificities of the artists talks about his own work. In this manner it enunciated, for the work that was, then, getting started, the conditions of the context in which it would be produced. Describing a general procedure that was recurrent in the authors recent works, the reflection unveiled, to the new work, a repertoire of operations. The reflection was an internal movement of Programa while considering the field it had elected as its object: TV propaganda. This was also the case while considering those objects that appeared incidentally, such as the video. In the discussion of each one of the sketches discussion that was outlined before the videos were finished the reflection was also an internal movement as it oriented the last decisions. After the art work was finished, an attempt was made to review and deepen the concepts that had been used, as well as to submit Programa to a more distanced appreciation.
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Lima, Caminha Melissa. "Payasas: Historias, Cuerpos y Formas de Representar la Comicidad desde una Perspectiva de Género." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/400011.
Full textAbstract:
En mi tesis hago un estudio genealógico de la figura de la payasa, a partir de un abordaje interdisciplinar que facilite un dialogo entre la Payasaría y otras disciplinas artísticas y teóricas, como las Artes Visuales, los Estudios de Performance, la Teoría Crítica, Artes y Educación, los Feminismos y las Teorías Queer y Crip. El estudio genealógico se basa en un trabajo de campo por lo cual he realizado entrevistas con payasas, participación en festivales, investigación documental, análisis y crítica de género. La investigación acaba por indagar sobre la diversidad de cuerpos y formas en el campo da la risa y la comicidad, desplazando la pregunta inicial sobre género para una problemática más amplia y fundamental sobre lo humano. Desde un abordaje feminista-queer-crip-clown, propongo nuevas figuraciones teóricas que sirvan como herramientas críticas y analíticas para comprender nuestra subjetividad como un proceso de devenir. Un proyecto de devenir que podemos establecer no solamente con los diferentes Otros con quien vivimos y nos relacionamos, sino también con los posibles y potentes Otros que existen en cada uno de nosotros. También busco establecer clown_tactos y clown_labor_aciones artísticas y políticas entre sujetxs y campos del conocimiento comprometidos en la creación de nuevos mundos posibles a través del arte. El proceso de investigación influye directamente en la construcción de mi subjetividad e identidad como artivista, educadora e investigadora, marcada por diversos afectos y afinidades, encarnados en los siguientes proyectos: Xoxo Clown Show, TransClowning y Belly.Breast_Mama.Monster.Clown.In my PhD research, I do a genealogical study of the female clown figure, from an interdisciplinary approach that engages in a dialogue between clownery and others artistic and theoretical disciplines, like the Visual Arts, Performance Studies, Arts Education, Critical Theory, Feminisms, Queer and Crip Theories. The genealogical study is based on a field research in which I conducted interviews with women clowns, participated in women’s clown festivals, documental research, gender criticism and analyses. The research ends up inquiring about the diversity of bodies and forms in the fields of laughter and comicality, displacing the initial woman and gender question to a more central, yet very related one: the human question. From a feminist-queer-crip-clown approach, I suggest new theoretical figurations that can serve as critical and analytical tools to comprehend our subjectivity as a becoming project. A becoming project that we can stablish not just with the different external Others, but also with the potential and possible others that exist in each one of us. I also try to stablish artistic and political “clown_tacts” and “clown_laborations” between diverse subjects and knowledge fields engaged in the artistic creation of new possible worlds. Clowntacts and clownlaborations that are able to develop creative pedagogies and politics that serve a democratic project based on the new approaches on posthuman ethics. The research process directly influence the construction of my subjectivity and identity as artvist, educador and researcher, marked by several affinities and affects, embodied in the following projects: Cunt Clown Show, TransClowning and Belly.Breast_Mama.Monster.Clown.
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Sans, Paulo de Tarso Cheida. "Trajetórias e vicinalidades = entre a gravura, o objeto e a instalação." [s.n.], 2009. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284482.
Full textAbstract:
Orientador: Luise WeissTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-18T07:35:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sans_PaulodeTarsoCheida_D.pdf: 4836600 bytes, checksum: 0e77c3ef110589288a8abe105cf1b0df (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: Esta pesquisa em Arte é sobre a realização de uma produção artística que permeia a gravura, o objeto e a instalação. As obras foram criadas a partir da análise da produção do autor, verificando as principais características técnicas e elementos conceituais de suas obras mais recentes. Para embasamento dos processos criativos foram escolhidos quatro artistas contemporâneos brasileiros, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss e Rubem Valentim, que apresentam distintas temáticas que serviram como sintonia para a criação das obras híbridas realizadas pelo autor. As questões teóricas e processuais são estudadas, resultando numa análise reflexiva sobre a poética visual proposta
Abstract: This Art research is about the execution of an artistic production which approaches engraving, object and instalation. The artworks had been created from the analysis of the author's production, verifying the main technical characteristics and conceptual elements from his more recent artworks. As basis for the creative processes were chosen four Brazilian contemporary artists, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss and Rubem Valentim, who presents distinct thematics which had served as linking to the creation of the hybrid artworks carried through by the author. The theoretical and procedural questions are studied, as a result of a reflexive analysis about the poetic's visual proposed
Doutorado
Doutor em Artes
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Nannini, Priscilla Barranqueiros Ramos [UNESP]. "Ilustração: passeio pela poesia visual." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2007. http://hdl.handle.net/11449/86984.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Previous issue date: 2007Bitstream added on 2014-06-13T20:49:08Z : No. of bitstreams: 1
nannini_pbr_me_ia.pdf: 1239879 bytes, checksum: ff0c0d1972a04a0b1c212184513eceb1 (MD5)Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
O objetivo da presente pesquisa é explicitar o quanto a ilustração colabora para a formação visual dos pequenos leitores e descobrir o valor estético da linguagem imagem no livro infantil. O tema é relevante tanto para a arte como também para a educação. Alguns questionamentos em minha pesquisa: Qual a relação que as crianças têm com a ilustração? Como determinada imagem pode sensibilizar o olhar infantil? A ilustração pode ampliar os horizontes da percepção? O quanto esta linguagem ajuda o leitor a fruir e conhecer as linguagens visuais? Após o levantamento bibliográfico especializado, elenco como alguns autores visualizam a ilustração e qual a sua importância ao longo do tempo, situando-se historicamente e culturalmente, no Brasil e no mundo. Descrevo como ela aparece nos livros ilustrados, e o diálogo que tem como o texto verbal. A partir do discurso desses autores, procuro embasar hipótese de que a ilustração desempenha um papel importante no aprendizado e na formação de fruidores da linguagem visual. Rui de Oliveira e Donis A. Dondis defendem a idéia de educar e sensibilizar o olhar das crianças, e por isso são usados como referência teórica. Com base no conceito de Vygostky sobre criatividade, justifico a relevância dessa pesquisa e formulo uma possível abordagem teórica para investigar a relação que ocorre na leitura das ilustração pela criança e seu aprendizado e a facilidade para ler/ entender outras imagens da sua realidade. Para entender as ilustrações, é preciso observar suas especificidades. Em aspectos formais destaco como é desenvolvida, suas pricipais características e técnicas usadas. Como fundamento temos Arnheim, Luis Camargo e Faria, que dão amplos conceitos para a análise e compreensão de aspectos formais de imagens e da ilustração, especificamente. Na sequência, busco a visão de pessoas que de alguma maneira estão ligadas às ilustrações do livro de literatura infantil.
The focus of the research is to turn clear how importat the ilustration is to collaborate with the formation of the small readers and the image language aesthetic value in the child book. The topic is relevant to the art as well as it is to education. Some questions in my research: What relationship do children have to such illustration? How persuasive an image is to catch the eyes of a child? Is the illustration able to broaden the horizons of their perception? How much does this language can help the reader to enjoy and know the visul language? After a apecialized bibliographical survey, the cast of some authors visualized the illustration as well as its importance through years placing it, historically and culturally in Brazil and allover the world. I describe how it's shown in the ilustrated books, and the dialogue it has with the verbal texts. From the speech of these authors, I intend to establish my hypothesis that the illustration develops an important role in the learning and formation of the possessors of the visual language. Rui de Oliveira and Doins sustain the idea of educating and turning sensible the eyes of the children, and because of this, they are known as theoretical references. On base of Vygostky's conception about creativity, I focus the relevance of this research and formulate a possible theoretical approch to investigate the relation which happens among the reading ofthe illustration by the children and their learning and the facility to read and understand other images of their reality. To understand the illustration, it is necessary to observe specificity. In formal aspects, I highlight their main characteristics and the use of technical role models. We have Arnhhein, Luis Camargo and Faria which give wide specifically conceptions to the analysis and comprehension of formal aspects of the image and illustration.
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Nannini, Priscilla Barranqueiros Ramos. "Ilustração : passeio pela poesia visual /." São Paulo : [s.n.], 2007. http://hdl.handle.net/11449/86984.
Full textAbstract:
Orientador: Luiza Helena da Silva ChristovResumo: O objetivo da presente pesquisa é explicitar o quanto a ilustração colabora para a formação visual dos pequenos leitores e descobrir o valor estético da linguagem imagem no livro infantil. O tema é relevante tanto para a arte como também para a educação. Alguns questionamentos em minha pesquisa: Qual a relação que as crianças têm com a ilustração? Como determinada imagem pode sensibilizar o olhar infantil? A ilustração pode ampliar os horizontes da percepção? O quanto esta linguagem ajuda o leitor a fruir e conhecer as linguagens visuais? Após o levantamento bibliográfico especializado, elenco como alguns autores visualizam a ilustração e qual a sua importância ao longo do tempo, situando-se historicamente e culturalmente, no Brasil e no mundo. Descrevo como ela aparece nos livros ilustrados, e o diálogo que tem como o texto verbal. A partir do discurso desses autores, procuro embasar hipótese de que a ilustração desempenha um papel importante no aprendizado e na formação de fruidores da linguagem visual. Rui de Oliveira e Donis A. Dondis defendem a idéia de educar e sensibilizar o olhar das crianças, e por isso são usados como referência teórica. Com base no conceito de Vygostky sobre criatividade, justifico a relevância dessa pesquisa e formulo uma possível abordagem teórica para investigar a relação que ocorre na leitura das ilustração pela criança e seu aprendizado e a facilidade para ler/ entender outras imagens da sua realidade. Para entender as ilustrações, é preciso observar suas especificidades. Em aspectos formais destaco como é desenvolvida, suas pricipais características e técnicas usadas. Como fundamento temos Arnheim, Luis Camargo e Faria, que dão amplos conceitos para a análise e compreensão de aspectos formais de imagens e da ilustração, especificamente. Na sequência, busco a visão de pessoas que de alguma maneira estão ligadas às ilustrações do livro de literatura infantil.
Abstract: The focus of the research is to turn clear how importat the ilustration is to collaborate with the formation of the small readers and the image language aesthetic value in the child book. The topic is relevant to the art as well as it is to education. Some questions in my research: What relationship do children have to such illustration? How persuasive an image is to catch the eyes of a child? Is the illustration able to broaden the horizons of their perception? How much does this language can help the reader to enjoy and know the visul language? After a apecialized bibliographical survey, the cast of some authors visualized the illustration as well as its importance through years placing it, historically and culturally in Brazil and allover the world. I describe how it's shown in the ilustrated books, and the dialogue it has with the verbal texts. From the speech of these authors, I intend to establish my hypothesis that the illustration develops an important role in the learning and formation of the possessors of the visual language. Rui de Oliveira and Doins sustain the idea of educating and turning sensible the eyes of the children, and because of this, they are known as theoretical references. On base of Vygostky's conception about creativity, I focus the relevance of this research and formulate a possible theoretical approch to investigate the relation which happens among the reading ofthe illustration by the children and their learning and the facility to read and understand other images of their reality. To understand the illustration, it is necessary to observe specificity. In formal aspects, I highlight their main characteristics and the use of technical role models. We have Arnhhein, Luis Camargo and Faria which give wide specifically conceptions to the analysis and comprehension of formal aspects of the image and illustration.
Mestre
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Chagas, Marcelo Luiz dos Santos [UNESP]. "Arte pública: fundamentos do discurso público da Arte." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2006. http://hdl.handle.net/11449/86846.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Previous issue date: 2006-03Bitstream added on 2014-06-13T18:49:07Z : No. of bitstreams: 1
chagas_mls_me_ia.pdf: 915219 bytes, checksum: d601eee135e7d3d68f9e91654d4d8c9c (MD5)Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
O trabalho procura refletir sobre as condições de validação do discurso da Arte destinada aos espaços públicos. O chamado espaço público de convívio encarna a contradição dos interesses entre sujetividade, capital e estado, tornando esse ambiente ideologicamente tenso e descontínuo. Discutir sobre a validez social de uma obra de arte instalada em lugar público, além de investigar os procedimentos conceituais e poéticos dos artistas, representa a reflexão sobre a tensão do conceito de público, da sua materialização geográfica, política e histórica e sobre a formação de uma opinião pública que confere - ou não - essa validez.
This research reflects upon the conditions of validation of the discourse of Art destined to public spaces. The so called public space of living incarnates interests contradictions between subjectivity, capital and sate, making this environment ideologically tense and discontinuos. Arguing about social validness of a work of art installed in a public spot, beyond investigating conceptual and poetical proceedings of artist, represents refleting about the tension of the concept of public. its geographical, political and historical materialization, and about the formation of a public opinion that confers - or not - this validness.
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Varandas, Paula Sofia dos Santos. "Do lixo à obra de arte: reutilização como recurso em artes visuais." Master's thesis, Universidade da Beira Interior, 2013. http://hdl.handle.net/10400.6/1591.
Full textAbstract:
“Do lixo à Obra de Arte” é o nome que dá título ao relatório de estágio, que surge no âmbito do Mestrado em Ensino de Artes Visuais no 3º ciclo do Ensino Básico e no Ensino Secundário. Apresenta-se dividido em duas partes, tendo a primeira por objetivo abordar a utilização de reciclagem e materiais reutilizáveis nas disciplinas de artes visuais, realçando também a importância social e educativa que tem vindo a ocupar no processo de ensino/aprendizagem. O envolvimento dos alunos nos processos de aprendizagem, através de atividades que proporcionem a criação de algo novo a partir do “descartável”, pode combater a falta de interesse e a consequente desvalorização das disciplinas de artes. Estas atividades lúdicas e práticas quando bem utilizadas podem transformar-se em estratégias que facilitam o trabalho pedagógico e contribuam para a construção do conhecimento. Aliar a utilização de objectos e materiais de uso quotidiano com técnicas dominantes na área das artes, incentiva o aluno a empregar comportamentos positivos visando a preservação do ambiente e a valorização da arte de re-criar.
A segunda parte refere-se a todas as atividades desenvolvidas durante a Prática de Ensino Supervisionada, na Escola Secundário c/ 3º Ciclo do Fundão, no ano letivo 2012/2013, em disciplinas integrantes de dois ciclos de ensino. A disciplina de Educação Visual numa turma de 8º ano e Desenho A numa turma de 12º ano no curso cientifico-humanístico de Artes Visuais.
Anexos e Apêndices encontram-se em CD na contracapa deste documento. Em apêndices, importante complemento, estão todos os documentos desenvolvidos pela autora deste relatório, nomeadamente, planificações (a longo, medio e curto prazo), aulas preparadas, fotografias dos trabalhos dos alunos, atividades extracurriculares, entre outros mencionados ao longo do texto.“"From Garbage to Artwork" is the name that gives title to the pedagogical report, which comes as part of the Master´s degree in Teaching Visual Arts in the 3rd cycle of Basic Education and Secondary Education. It is presented in two parts, with the first part it is intended to address the use of recycling and recyclable materials in the visual arts subjects, emphasizing the social and educational importance that has come to occupy in the process of teaching/learning. The involvement of students in the learning process through activities that enable the creation of something new through the “disposable”, can combat the lack of interest and the consequent devaluation of arts subjects. These recreational and practical subjects when used properly can turn into strategies that help the pedagogical work and contribute to the construction of knowledge. Combining the use of everyday objects with dominant techniques in the arts area encourage students to use positive behavior aimed at preserving the environment and the appreciation of the art of re-creation. The second part of this work refers to all activities made during the Supervised Teaching Practice in Fundão Secondary School /3rd Cycle, in the academic year 2012/2013, in both cycles of teaching: the subjects of Visual Education (8th grade) and Drawing (12th grade) in the scientific-humanistic Visual Arts course. At appendixes (all stored in a CD, in the inside folder of this report) will be all activities planning’s, work sheets, evaluation accounts, photographic registration of ongoing classes and work done by students in the classroom and extracurricular activities accompanied by the author of this report.
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Cattani, Laura. "O estranho equívoco de A. Hilzendeger Feltes : a convergência de narrativas incompossíveis." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2012. http://hdl.handle.net/10183/66675.
Full textAbstract:
A presente dissertação se propõe a construir e fundamentar um modo operatório para compreender o tipo de obra poética que parte de uma fusão de linguagens na criação de uma narrativa artística, sob a forma de um site-obra (www.io.art.br). Para tanto, parte-se de um conjunto de conceitos cuja soma possibilita uma aproximação desse objeto de estudo, a realização de uma obra em poéticas visuais na forma de um site na web, estruturado em narrativas não-lineares que se interligam e ganham novas dimensões de significado, em uma construção múltipla e fragmentada. Busca-se problematizar o trabalho proposto à luz de diferentes conceitos, como narrativa, suas origens na narração oral e literária, passando para a cinematográfica, trazendo uma visão sobre os princípios da montagem na construção de narrativas mentais. São feitas aproximações com a imagem do labirinto, como forma de compreender a estruturação da navegação por múltiplos caminhos, e abordadas algumas possíveis visões sobre obras em redes telemáticas, notadamente os princípios que regem a hipertextualidade e a não-linearidade. São também abordados os conceitos de rizoma, por agenciar conexões e desdobramentos; informes moldáveis, pelo seu caráter de aglutinação de elementos em um conjunto que age e se desloca como um único ser, além de permitir sua propagação em novos agrupamentos; e torus, pelo seu potencial de dar tridimensionalidade aos deslocamentos que a rede propicia. Finalmente, analisa-se o conceito de Convergência, em especial no que tange à interatividade e inserção de propostas de web arte no contexto fora da rede. Este último mostrou-se como uma ferramenta apropriada para englobar os anteriores, e permitir uma abordagem da proposta artística desenvolvida.This dissertation aims to form the foundation and structure of an operational mode for understanding creative work that is based on a fusion of languages in creating an artistic narrative in the form of a site-work (www.io.art.br). It is therefore based on a set of concepts that together enable an approach to this object of study, the production of creative work in the form of a website, structured into non-linear narratives that are interconnected and acquire new scales of meaning in a multiple and fragmented structure. It seeks to address the proposed work in the light of different concepts, such as narrative, its origins in oral and literary narration, passing through cinematography and introducing a view of the principles of montage in the construction of mental narratives. It refers to the image of the labyrinth as a way of understanding a structure of navigation along multiple routes and considers some possible views about works in telematics networks, in particular the principles governing hypertextuality and non-linearity. It also investigates rhizome theory as an enabler of connections and developments; slime mold, through its agglutination of elements into a group that acts and moves as a single unit and also allows propagation into new groupings; and the torus, through its ability to give three-dimensionality to the movements provided by the web. Finally, it analyses the concept of Convergence, particularly in terms of interactivity and insertion of web-art proposals into a context beyond the web. This final concept is seen to be a suitable instrument for encompassing the others, and allows an approach to the developed art proposal.
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Oliveira, Jociele Lampert de. "INTERFACE ARTE-MODA: TECENDO UM OLHAR CRÍTICO-ESTÉTICO DO PROFESSOR DE ARTES VISUAIS." Universidade Federal de Santa Maria, 2005. http://repositorio.ufsm.br/handle/1/6796.
Full textAbstract:
This research was developed in Arts and Education Line/PPGE. Its purpose was to investigate aspects concerned to fashion-art interface discussion and its implications to build a nowadays visual arts teacher critical-esthetical view. The research subjects were four teachers to be from Visual Arts UFSM Graduation Course. By working this issue with teachers to be we longed for the possibility of thinking about conceptual changes in the way of boarding the theme. Fashion was considered as possibility generating element; and starting by that dialogue fashionart artistic interface can be considered as a common (or different) elements kit between these two knowledge areas. From that tension point between fashion and art we opted for an education theoretic reflection abroad to an art critical comprehension, based on Franz (2003) and Hernández (2002) conceptions, witch grants fashion as an articulator element to visual culture. The employed methodology was based on a qualitative abroad, assisted by participant observation, field diary and documental analysis. Through the investigation results we could attest how those teachers composed their view from practical experiences and conceptual questions about images witch relate fashion-art as well as the critical comprehension related to their own quotidian perception.Esta pesquisa foi desenvolvida na Linha de Educação e Artes/PPGE. Objetivou investigar aspectos referentes à discussão da interface arte-moda e suas implicações, para a construção de um olhar crítico-estético do professor de Artes Visuais na contemporaneidade. Os sujeitos da pesquisa foram quatro professores em formação inicial do Curso de Licenciatura em Artes Visuais da UFSM. Ao trabalhar esta temática com professores em formação inicial, buscou-se a possibilidade de pensar em mudanças conceituais na forma de articular o conteúdo. A moda foi considerada como elemento gerador desta possibilidade e partindo deste diálogo, a interface artística arte-moda pode ser considerada como um conjunto de elementos comuns (ou díspares), entre as duas áreas de conhecimento. A partir destes pontos de tensões entre a arte e a moda, abordou-se uma reflexão teórica da educação para a compreensão crítica da arte, baseada nas concepções de Franz (2003) e Hernández (2002), no que confere a moda como elemento articulador na cultura visual. A metodologia empregada baseou-se em uma abordagem qualitativa, subsidiada por observação participante, diário de campo e análise documental. Com os resultados da investigação se pôde averiguar como o professor teceu seu olhar a partir de vivências práticas e questionamentos conceituais sobre as imagens que relacionam arte-moda, bem como, a compreensão crítica acerca da percepção do seu próprio cotidiano.
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Severo, Márjorie Garrido. "O fio da trama: arte no currículo sergipano." reponame:Repositório Institucional da UFBA, 2008. http://www.repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/11844.
Full textAbstract:
Submitted by Edileide Reis (leyde-landy@hotmail.com) on 2013-05-07T13:26:00Z
No. of bitstreams: 1
Marjorie Garrido.pdf: 1408586 bytes, checksum: 7ccbfc70975ab8270f652ad74d0e4e70 (MD5)Approved for entry into archive by Maria Auxiliadora Lopes(silopes@ufba.br) on 2013-06-11T15:37:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Marjorie Garrido.pdf: 1408586 bytes, checksum: 7ccbfc70975ab8270f652ad74d0e4e70 (MD5)
Made available in DSpace on 2013-06-11T15:37:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marjorie Garrido.pdf: 1408586 bytes, checksum: 7ccbfc70975ab8270f652ad74d0e4e70 (MD5) Previous issue date: 2008
Este trabalho tece considerações sobre como aconteceram as propostas de Arte no currículo da Rede Municipal de Ensino de Aracaju em Sergipe, principalmente entre os anos de 2003 a 2007. Nesta dissertação a metáfora da rede foi utilizada, já que a perspectiva deste trabalho é entender o currículo como uma experiência tecida coletivamente enredada por muitos fios e nós. A metodologia teve referencial epistemológico na Hermenêutica de Paul Ricoeur, a tentativa de promover a interpretação dos textos e discursos na pesquisa fez parte da tessitura, os instrumentos utilizados nesta pesquisa qualitativa foram: observação, entrevistas semi-estruturadas, questionários e bricolagens realizadas com o grupo de professores de Arte da Rede Municipal de Aracaju. Visitas à escolas da Rede e o contato com coordenadores e professores externos também fizeram parte da abordagem. Os tópicos que fazem parte desta dissertação percorrem desde as Concepções de Currículo; Currículo na Pós-Modernidade; O Ensino de Arte no Currículo Escolar; A formação dos Arte/Educadores em Aracaju até considerar a Trama - Arte na Rede, pela Rede e para a Rede Municipal de Aracaju. Todos estes tópicos produzem fios que se entrelaçam no tecido/tecitura/texto desenvolvido. A análise possibilitou perceber a complexidade presente nas relações de produção do currículo. Como resultado foi gerado um esboço de um sistema dinâmico de unidades que perfazem a Arte no currículo e a partir dele foi esboçada ainda uma rede de evidências da Arte no currículo escolar. Pode-se considerar que situar o indivíduo no presente como nódulo numa rede de interações e possibilidades tem relevância para, a partir dessa perspectiva, rever as propostas curriculares em Arte.
Salvador
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Pessi, Maria Cristina Alves dos Santos. "Illustro imago: professoras de arte e seus universos de imagens." Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-10112010-114709/.
Full textAbstract:
Quais imagens professores de arte selecionam para apresentar aos seus alunos? Esta pergunta desdobra-se em muitas outras perguntas, busca as imagens usadas por professores de arte e toma a própria imagem como substância e objeto de pesquisa. O texto localiza a problemática no panorama histórico e conceitual, nos âmbitos da arte e da educação, tratando os antecedentes da leitura de imagens pelo prisma do ensino de arte modernista e o desvendar da leitura de imagens no ensino de arte. Através de pesquisa bibliográfica, são abordadas as questões sobre o pensamento moderno e pós-moderno, dirigindo o enfoque para a própria arte. As imagens fotográficas produzidas na pesquisa de campo são consideradas textos visuais e, portanto, igualmente fonte de dados. Foram apreciadas segundo os conceitos studium e punctum de Roland Barthes e segundo os critérios de avaliação da proposta Arts-Based Educational Research de Elliot Eisner. As imagens apresentadas propiciam a reflexão sobre a problemática evidenciada na tese.Which images do art teachers select to present to their students? This question unfolds itself into many other questions, searches for images used by art teachers and takes the image itself as object and substance of research. The text places the issue on the historical and conceptual panorama around art and education, treating the image reading antecedents in the light of modern art and the disclosing of image reading in art education. Through bibliographical research, the questions about modern and post-modern thinking are approached, focusing art itself. The photographical images produced in the field research are considered visual texts and, therefore, data source as well. They have been appreciated according to the studium and punctum concepts by Roland Barthes and evaluation criteria of an Arts-Based Educational Research proposal by Elliot Eisner. The images thereby presented contribute to a reflection about the issues evidenced on the thesis.
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Morais, Carolina Silveira Gomes de. "A arte contemporânea e os professores de artes visuais." Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2012. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/1850.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2012-03-13Fundo Mackenzie de Pesquisa
Stimulated by the experience as a Visual Arts teacher, the present research comes from the need to seek answers for some matters regarding teaching art. the intention was to analyze what theorists in art, education and art education think about contemporary art and teaching, and also how visual arts teachers deal with this manifestation as through fruition and as proposers. Are there contact points between theory and practice? The methodology was interviews with visual arts teachers who work in public and private teaching, and who are recognized as proposers in situations which involve contemporary art. Still as a selection criteria for those interviewed, the following aspects were considered: teachers who teach Basic Education II and took their students to the 29th Bienal de Arte in São Paulo in 2010. The path traced in the research begins in the investigation of some aspects of contemporary art, travels through the experimental territory of the encounter with art - fruition - and arrives at the place where art joins teaching. In this never ending path, specifics required by the teaching of art were evidenced and, mainly, the importance of a contemporary thinking in teaching art.
Impulsionada pela experiência como professora de Artes Visuais, a presente pesquisa surge da necessidade de buscar respostas para algumas questões relativas ao ensino da arte. A intenção foi analisar, o que os teóricos da arte, da educação e da arte educação pensam sobre a arte contemporânea e o seu ensino e também como os professores de artes visuais tem lidado com essa manifestação enquanto fruidores e propositores. Existem pontos de contato entre a teoria e a prática? Como metodologia foram realizadas entrevistas a professores de artes visuais que trabalham no ensino público e particular e que são reconhecidos como propositores de situações que envolvam a arte contemporânea. Ainda como critério de seleção dos entrevistados levou-se em conta os seguintes aspectos: professores que lecionam no Ensino Fundamental II e que levaram seus alunos na 29ª Bienal de Arte de São Paulo em 2010. O caminho traçado pela pesquisa inicia-se através da investigação sobre alguns aspectos da arte contemporânea, atravessa o território experiencial do encontro com a arte - a fruição - e chega ao local onde a arte se alia ao ensino. Nesse percurso que não se finda evidenciou-se especificidades que o ensino da arte contemporânea requer e, principalmente, a importância de um pensamento contemporâneo no ensino da arte.
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Escribano, Marianna. "Interrelación entre pintura, poesía, música y la actitud del público ante el estímulo artístico." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 1987. http://hdl.handle.net/10803/672087.
Full textAbstract:
El plan de trabajo que hemos llevado a cabo para elaborar esta investigación consta de dos partes diferenciadas entre sí: a) Exponer y justificar la interrelación que existe entre pintura, poema/objeto y música; y b) Analizar la conducta del público ante el estímulo artístico.
La segunda se desprende de la primera ya que es el público el que aglutina y relaciona los tres códigos a través de diferentes niveles de percepción. Por tal motivo es imposible desligar una parte de otra ya que es a partir de ambas donde podemos desprender un resultado de investigación inédito hasta ahora en el campo de la comprensión artística, contemplada desde planteamientos estéticos diferentes.
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Nunes, Gabriel Brito. "f l æ s h - corpo e/é imagem." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27159/tde-21052013-092230/.
Full textAbstract:
Considerando o corpo o elemento central da performance arte, o texto a seguir procura compreender que tipo de espaço se reserva nesse campo artístico para a presença corpórea e o que esta adquire ou perde, quando a imagem deixa de corresponder a um referente físico independente de si, para representar um complexo de processos digitais e analógicos. Este texto tem como premissa o reconhecimento de que a formação do sujeito depende da imagem do corpóreo e, portanto, medita sobre o papel do corpo na produção e na interpretação imagéticas. Inserida em um contexo critico dos desafios pelos quais passa a performance arte através de sua institucionalização - com seus subsequentes processos de hierarquização e estabelecimento de arquivos e documentos - essa pesquisa almeja explorar possíveis efeitos dessa contextura sobre o corpo. Por se desenvolver num formato que considera a escrita como performance, essa dissertação é proposital e excessivamente investida das particularidades e projeções de um corpo específico - o do autor/performer - e baseada nas práticas artísticas concebidas para e em relação com a prática de leitura e de escrita dessa pesquisa de mestrado. Da mesma forma, aqui, o espectador daquelas práticas artísticas - assim como o espectador desse ato performático - é tido como corpo particular no qual a obra de arte ganha seu significado, através da contingência da representação do corpóreo. Por fim, essa pesquisa serve-se de uma discussão sobre o corpo que pretende experienciá-lo ao dele se afastar minimamente, para poder alcançar o que dele não se pode dissociar: a carneConsidering the body as the central element of the discipline of performance art, the following paper seeks to comprehend the nature of the space opened by this artistic disciplino to the corporeal presence in relation to the new condition of the image - when it longer corresponds to a physical referent outside itself, but represents a concatenation of the image, Also, this research aims to critically explore the chalenges inflicted on the body by the institucionalization of performance art through the hierarchical and archiving process of institutional documentation. This dissertation is based on a format that considers writing to be a performace and is thus highly and intentionally invested with the projections and particularities of a specific body - that of this author and performer. Besides, this written research is developed from an in intimate relation to the artistic practices conceivid during the period of two years´s performance acts - as well as, you, the spectator of this performance act - is also seen as particular body - which gives meaning to the artistic object through the contingency of the interpretation of the corporeal representation, Finally this research uses a dicussion about the body - which intends to experience it while minimally distancing oneself from it - in order to reach that part of the body from which it is impossible do disassociate: flesh.
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Capra, Carmen Lúcia. "Problematizações sobre políticas da arte na licenciatura em artes visuais : é preciso gostar da arte de outro jeito, a licenciatura é uma praça." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2017. http://hdl.handle.net/10183/174852.
Full textAbstract:
A tese apresenta a problematização de políticas da arte na licenciatura em artes visuais indagando sobre como certos modos de operar com a arte nesse curso produzem efeitos sobre os professores em formação. Efeitos como a demarcação de lugares, modos de ser ou certas concessões em relação às artes visuais são analisados, tendo em vista a docência para a educação básica. Utilizaram-se metodologias artísticas de investigação, adotando-se como procedimento as residências em duas universidades públicas brasileiras onde existem cursos de licenciatura em artes visuais e experiências artísticas com fotografia, escrita e intervenções em folhas de papel almaço, consideradas como um elemento característico de situações de educação. A metodologia também assumiu uma perspectiva teórica desenvolvida com o estímulo foucaultiano em articulações ao pensamento de Jacques Rancière, Giorgio Agamben, Georges Didi-Huberman, Carlos Skliar, Jorge Larrosa, Jan Masschelein e Maarten Simons, entre outros, permitindo conexões entre a filosofia, a arte e a educação. Na constituição discursiva da licenciatura em artes visuais, foi possível identificar vínculos entre uma estrutura política e uma prática moral implementadas por uma economia da arte. Observou-se que a formação docente assume o discurso do campo artístico, considerando-o como o princípio a ser adotado pelos professores, o que produz diferentes lugares e modos de ser dos licenciandos em relação à arte. A partir daí foi possível descrever as principais bases componentes da formação docente, a base estética e a base criadora, que atendem à estrutura teórica e poética da arte Quando tais bases são conectadas à educação, contribuem à ênfase no sujeito e aliam-se a promessas de liberdade e progresso. Em consonância à atitude adotada desde a composição da metodologia da pesquisa, propõe-se a inserção de uma base política na licenciatura em artes visuais como a possibilidade de perturbar as operações com a arte atribuídas à formação docente e à educação escolar. Como atitude, a política daria condições de realizar as indagações necessárias à arte e à educação indo além da reafirmação das experiências do artista e do espectador, da autonomia da arte e do viés biográfico que atravessa a constituição desse campo. Essas operações, no curso de licenciatura, mantêm o tom metafísico da experiência e do conhecimento artístico e fazem germinar sobre a docência o exame moral esvaziador do agir político necessário à arte e à educação. A atitude política de eliminar as distâncias e redistribuir os lugares de experiência com a arte na licenciatura em artes visuais pode produzir existências artísticas nascentes em lugar de modos de ser delineados por outros. Como contribuição, aponta-se que profanar o que tornou-se sagrado e afastado do uso comum, como certos modos de ser, posses e direitos sobre a arte, pode dispo-la ao uso livre na escola.This thesis presents the problematization of the politics of art int the graduation on Visual Arts inquiring how certain ways of operating with the arts in this course affect the teachers under training. Effects as the mapping of the places, ways of being or certain concessions in relation to the training to the Visual Arts are analyzed, having in sight the teaching in basic education. Artistic methodologies of investigation were used: residences at two Brazilian public universities where there are undergraduate courses in Visual Arts; and artistic experiences such as photography, writing and interventions on lined sheets of paper, which are considered a typical element of learning situations. The methodology also assumed a theorical perspective developed with the Foucaultian stimuli in articulation with the thought of Jacques Rancière, Giorgio Agamben, Georges Didi-Huberman, Carlos Skliar, Jorge Larrosa, Jan Masschelein and Maarten Simons, among many, allowing connections among Philosophy, Arts and Education. In the discursive constituion of undergraduation in Visual Arts, it was possible to identify links between a political structure and a moral practice implemented by an economy of the art. It was observed that the teaching training assumes a discourse at the aisthetic field, considering it the principle to be adopted by teachers, which produces different places and ways of being on the undergraduates in relation to art. From this on it was possible to describe the main component basis of the teaching training, the esthetical basis and the creative basis which attend the thoeorical and poetic structure of the arts When those are connected to education, they contribute to the emphasis on the subject and are allied to promises of freedom and progress. In accordance to the attitude adopted since the composition of the methodology of research, it is proposed the insertion of a political basis at the undergraduation course of Visual Arts as a possibility to disturb the operation with art attributed to teacher training and to school education. As an attitude, the politics would give conditions to realize the necessary questioning to the art and to education, going beyond the reaffirmation of the artist experiences and the expectator, the authonomy of the arts and the biographical bias which goes through the constitution of this field. These operations, in the course of undergraduation, maintain the metaphysical tone of the artistic experience and knowledge and make germinate over the teaching the emptying moral scrutiny of the political acting to Arts and Education. The political attitude to eliminate distances and redistribute the places of experiences with art at the undergraduation course of Visual Arts may produce artistic rising existences instead of ways deliniated by others. As contribution, we poit out that to profanate what became holy and distant from the common use, as certain ways of being, possessions and rights over the art, may dispose it to the free use of the school.
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Santiago, Taís de Magalhães. "Vi(ver) arte : por uma educação em artes visuais inclusiva." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2016. http://repositorio.unb.br/handle/10482/22546.
Full textAbstract:
Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, 2016.Submitted by Camila Duarte (camiladias@bce.unb.br) on 2016-07-15T18:02:48Z No. of bitstreams: 1 2016_TaísdeMagalhãesSantiago.pdf: 3722422 bytes, checksum: a132958b66ec2649ff3141f74e8278ca (MD5)
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Esta é uma dissertação de mestrado em Artes Visuais, dentro da linha de pesquisa Educação em Artes Visuais, do Instituto de Artes da Universidade de Brasília e possui o título Vi(ver) Arte – Por uma Educação em Artes Visuais Inclusiva. É uma pesquisa teórico-prática que aborda questões relativas ao ensino, à aprendizagem e às artes visuais em um contexto inclusivo. Tem como objetivo elaborar um material de ensino de artes no contexto da inclusão. Para tanto foi organizada uma pesquisa dividida em quatro etapas: a primeira relacionando ensino pesquisa e extensão durante o período de estágio na graduação; a segunda compreendendo a observação da prática do ensino de artes para estudantes cegos; a terceira desenvolvendo práticas de ensino de artes visuais e a quarta etapa com a elaboração de um programa de ensino de artes visuais na perspectiva da inclusão. Para a obtenção dos dados foi utilizado um roteiro de observação e entrevistas com professores da área, bibliografias de teóricos e artistas, legislações e dados legais, assim como experiências em sala de aula. As experiências permitiram construir uma proposta da qual abordamos principalmente temas de fundamentos de linguagem visual e tem como intento o auxílio de professores que se encontram em sala com a diversidade de estudantes cegos e videntes.
This is a master's thesis in Visual Arts, within the Visual Arts in Education research area of the Institute of Arts of the University of Brasilia and has the title Vi (see) Art - For a Education Visual Arts Inclusive. It is a theoretical and practical research that addresses issues related to teaching, learning and visual arts in an inclusive context. It aims to develop an arts teaching material in the context of inclusion. To do a split search in four stages was organized: the first relating teaching research and extension during the probationary period at graduation; the second comprising the observation of arts education practice for blind students; the third developing visual arts teaching practices and the fourth stage with the development of a visual arts education program in terms of inclusion. To obtain the data we used a script observation and interviews with teachers in the field, theoretical bibliographies and artists, legislation and legal data, as well as experiences in the classroom. The experiments allowed to build a proposal from which we address primarily issues of visual language basics and it is intent the help of teachers who are in the room with the diversity of blind students and seers.
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Oliveira, Jociele Lamper de. "Arte contemporânea, cultura visual e formação docente." Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-19112010-092340/.
Full textAbstract:
Esta pesquisa foi desenvolvida no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais, na Área de Concentração Teoria, Ensino e Aprendizagem da Arte, na Linha de Pesquisa Fundamentos do Ensino e Aprendizagem da Arte, da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Objetivou investigar aspectos que decorrem das inter-relações entre Artes Visuais, cultura visual e formação docente, que compreendem a prática educativa e a prática artística. A partir destes pontos de tensões, aponta-se a imagem da moda em confluência com o ensino de arte na prática do estágio curricular supervisionado, podendo sugerir e impulsionar formas de ensino e aprendizagem autônomas e colaborativas na formação do artista/professor/pesquisador em Artes Visuais. Aborda-se uma reflexão teórica voltada para a cultura visual, bem como para as derivações sobre arte relacional e processo criativo. Desta forma a pesquisa pautou-se sobre alguns aspectos reflexivos da artografia, bem como sobre da arte relacional, entendendo um conjunto de práticas artísticas que tomam como ponto de partida (teórico e prático) as relações humanas e seu contexto social.This research was developed in the Graduation Program in Visual Arts of the Arts and Communication School of the University of Sao Paulo, concentration area of Art Theory, Teaching and Learning, and research interest The Fundamentals of Art Teaching and Learning. It aimed to investigate the aspects that elapse from the interrelations among Visual Arts, Visual Culture and Faculty Formation, which comprehend the educational and artistic practice. From these tension points, it aims the fashion image in confluence with the art teaching in the practice of the supervised internship, being able to suggest and instigate collaborative and autonomous ways of teaching and learning in the formation of the artist/teacher/researcher in the Visual Arts. It approaches a theoretical reflection about the visual culture, as well as the derivations of the relational art and the creative process. Thus, this research was based on some reflexive aspects of the artography and the relational art, comprehending a group of artistic practices that take as initial point (theoretical and practical) the human relations and their social context.
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Silva, Nara Amelia Melo da. "Alegorias do estranho." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2014. http://hdl.handle.net/10183/111611.
Full textAbstract:
Esta tese apresenta uma reflexão acerca da minha produção artística – o conjunto de trabalhos que identifico como Alegorias do Estranho, desenvolvidos entre 2010 e 2014. Nesta investigação, analiso o processo de criação dos trabalhos, partindo da descrição e reflexão teórica e poética acerca de cada uma das suas etapas, dos elementos técnicos, materiais e simbólicos que constituem meu trabalho como um todo. O texto está estruturado em três capítulos que correspondem às três principais questões suscitadas por meu trabalho: 1. De onde vêm as imagens?, 2. Por quê a gravura?, e 3. Alegorias do estranho?. O primeiro capítulo – De onde vêm as imagens?, tem como objetivo investigar a constituição do meu universo imaginário em relação às minhas influências e referências, propondo o meu trabalho como a articulação de um universo simbólico, através da alegoria. O segundo capítulo da tese - Por quê a gravura?, Investiga os procedimentos técnicos de criação do meu trabalho – o desenho, a gravura, o bordado, a apropriação e a montagem, a partir dos seus aspectos formais e simbólicos. O terceiro capítulo – Alegorias do Estranho?, envolve a reflexão acerca do animal como tema e como símbolo no meu trabalho, a partir da sua identificação com o estranhamente familiar.This thesis presents the reflection about my artistic production – the body of work I identify as Alegorias do Estranho, developed between 2010 and 2014. In this investigation, I analyse the procedures of creation of works, starting from the description and theoretical and poetic reflection on each of its stages, the technical, material and symbolic elements that represent my work as a whole. The text is structured in three chapters corresponding to three main questions suggested by my work: 1.Where do the pictures come from?, 2. Why engraving ?, and 3. Alegorias do Estranho?. The first chapter – Where do the pictures come from?, has as objective to investigate the constitution of my imaginary universe related to my influences and references, proposing my work as the articulation of a symbolic universe, through allegory. The second chapter of the thesis – Why engraving?, investigates the technical procedures for the creation of my work – the drawing, engraving, embroidery, the appropriation and montage, from its formal and symbolic qualities. The third chapter – Allegories of the uncanny?, involves the reflection on the animal as theme and symbol of my work, from its identification with the strangely familiar.
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Soler, Masota María de la Paz. "Karesansui. Un estudio sistemático de las reglas de diseño y los valores estéticos de los jardines secos japoneses durante el periodo Muromachi. Su conceptualización como obra de arte espacial desde una perspectiva comparada con el Movimiento Land Art." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/397806.
Full textAbstract:
Los jardines secos japoneses (karesansui) constituyen una obra de arte espacial, a la que atribuir un conjunto de características formales y criterios estéticos. Al efecto, se plantea un análisis comparativo mutatis mutandis con obras señeras del movimiento Land Art. El ejercicio permite categorizar a los primeros como una obra de arte artística espacial, al tiempo que aporta una lectura renovada de los orígenes y postulados propios del citado movimiento Land Art.
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Machado, Vanessa Rosa. "Lygia Pape: espaços de ruptura." Universidade de São Paulo, 2008. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/18/18142/tde-19082008-135305/.
Full textAbstract:
O presente trabalho lança luz sobre a trajetória de Lygia Pape (1927-2004), artista experimental que atuou em diversas linguagens e suportes. Pautando a análise de sua produção pela relação com o contexto urbano no qual se inseria, enfocamos três momentos e conjuntos de obras: o primeiro, parte do amplo \"projeto cultural moderno\", inclui as obras concretas e neoconcretas, como as xilogravuras \"Tecelares\" (1955-1959), o roteiro para um filme sobre Brasília (1959), o \"Livro da criação\" (1959) e \"Balés neoconcretos\" (1958-1959); o segundo, de crise do anterior conceito de projeto, contempla as obras participativas como \"Ovo\" (1968), \"Divisor\" (1968) e \"Roda dos prazeres\" (1968) e o terceiro, cronologicamente mais recente, no qual Lygia, menos propositora e mais crítica, evidencia características de uma cidade já permeada por outros discursos e práticas culturais, analisa obras como o projeto \"Eat me: a gula ou a luxúria?\" (1976) e os filmes \"Wampirou\" (1974) e \"Carnival in Rio\" (1974).This work analyses the trajectory of Lygia Pape (1927-2004), experimental artist who worked in several languages and media. By the analysis of her production in relation with the urban context she was inserted, we focus three moments and piece sets: the first, part of the wide \"modern cultural project\" includes concrete and neoconcrete pieces, like the wood cut \"Tecelares\" (1955-1959), the script for a movie about Brasília (1959), the \"Livro da criação\" (1959) e \"Balés neoconcretos\" (1958-1959); the second, on the crisis of the previous project concept, embraces the participative pieces like \"Ovo\" (1968), \"Divisor\" (1968) and \"Roda dos prazeres\" (1968) and the third, chronologically most recent, in which Lygia, in a more critical way, brings to evidence characteristics of a city relating it to other discourses and cultural practices, analyses pieces like her project \"Eat me: a gula ou a luxúria?\" (1976) and the movies \"Wampirou\" (1974) and \"Carnival in Rio\" (1974).
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Barbosa, Mariana Garcia. "EDUCAÇÃO E ARTE: ENTRE OS PERDIDOS NO MEIO AMBIENTE E OS ACHADOS NA POÉTICA DAS ARTES VISUAIS." Universidade Federal de Santa Maria, 2008. http://repositorio.ufsm.br/handle/1/6854.
Full textAbstract:
This study is part of Line Research and Education Arts PPGE / UFSM. The main objective of this study is to make theoretical and practical considerations of Art,
Environment and Continued Training of Teachers of Visual Arts, bearing in mind the educational approaches of Arts Education in front of contemporary issues of daily
Ambiência the city of Santa Maria. The importance of the issue is whether the search of interrelated Art and Urban Environment, a claim of education with a Post-Critical
thinking-Contemporary. Its theme of education to look at the environment, education and implications related to an aesthetic visions to establish between these two poles
of analysis, seeking not the aesthetical of life, but the ethical and aesthetic environment for human interconnected with the Visual Arts in daily socio-cultural life of people. They have as reference for analysis, Franz (2003), Duarte (2000), Kincheloe (1997), Buoro (2002), Hernandez (2000). The approach of the research is qualitative, through a Case Study. The instruments for data collection, are up for interviews with focus groups, participant observation, the log field, and the portfolio processofolio. The survey was conducted in the House of Culture, located in the square Saldanha Marinho, in Santa Maria / RS, by going to two schools of the city,
one state and another township. As participants of the same, 5 teachers of Visual Arts. This research points to an opening in the field of arts within the school that
offers no means to a satisfactory work of teachers of art. It also demonstrates how we can embed the Visual Arts with the environment in the training of teachers.Este estudo faz parte da Linha de Pesquisa Educação e Artes PPGE/ UFSM. O principal objetivo deste estudo é fazer reflexões teórico-práticas da Arte, do Meio Ambiente e a Formação Continuada de Professores de Artes Visuais, tendo presente as metodologias educativas no Ensino de Artes Visuais frente às questões contemporâneas da Ambiência cotidiana da Cidade de Santa Maria. A importância do tema se constitui na busca de interrelacionar Arte e o Meio Ambiente urbano, uma reivindicação da educação com um pensamento Pós-Crítico-Contemporâneo. Tem como temática a educação do olhar para o ambiente, e implicações educativas ligadas a uma estética para estabelecer visões entre estes dois pólos de análise, buscando não a estetização da vida, mas a ética e estética ambiental para o humano interconectada com as Artes Visuais no cotidiano sócio-cultural vivido das pessoas. Têm como referencial de análise, Franz (2003), Duarte (2000), Kincheloe (1997), Buoro (2002), Hernández (2000). A abordagem da pesquisa é qualitativa, através de um Estudo de Caso. Os instrumentos de coleta de dados, constituem-se de entrevistas com grupos focais, da observação participante, do diário de campo, do portfólio e processofolio. A pesquisa foi realizada, na Casa de Cultura, localizada na praça Saldanha Marinho, em Santa Maria/RS, deslocando-se para duas escolas da cidade, uma estadual e outra municipal. Sendo participantes da mesma, 5 professores de Artes Visuais. Esta pesquisa aponta para uma abertura no campo das Artes dentro da escola que não oferece meios necessários para um satisfatório trabalho dos professores de arte. Também demonstra como podemos inserir as Artes Visuais com o meio ambiente na formação contínua de professores.
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Honorio, Thiago Henrique de Souza. "Parte." Universidade de São Paulo, 2011. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-13032013-122225/.
Full textAbstract:
Parte, um exercício de reflexão, consiste no processo de produção dos trabalhos \"Corte\", Desenho, Ânima e Falta, este último tendo sido desenvolvido como um objeto materialmente inserido no corpo da tese. Parte surgiu pari passu com os próprios trabalhos, daí resultando, nesta tese, a presença entrelaçada de preocupações práticas e conceituais.Parte, an experiment in reflection, consists in the process of production of the art works \"Corte\", Desenho, Ânima and Falta, this last one having been developed as an object materially embedded in the corpus of this dissertation. Parte has emerged pari passu with the works themselves, hence the intertwining of practical and conceptual concerns in this dissertation.
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Langendonck, Aline van. "Erratas." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27159/tde-19042018-110317/.
Full textAbstract:
Série de intervenções práticas e conceituais, acompanhadas de um relato de processo, Erratas consiste em três etapas: elaboração de pinturas sobre imagens dos fascículos da Coleção Gênios da Pintura, editada pela Abril Cultural em 1967 e 1968; reorganização dessas pinturas nos fascículos Dentro, Dentro Detalhes, Dentro Detalhes (segunda parte), Dentro Aparas, Dentro Fora, Fora, Fora Perto arq, Fora Longe arq e Fora Distante; e na inserção desses novos fascículos no acervo de bibliotecas da cidade de São Paulo.A series of conceptual and practice interventions, accompanied by a process report, Erratas consists of three stages: elaboration of painting over the fascicles\' images of Gênios da Pintura Collection, edited by Abril Cultural in 1967 e 1968; reorganization of these paintings in the fascicles Dentro, Dentro Detalhes, Dentro Detalhes (segunda parte), Dentro Aparas, Dentro Fora, Fora, Fora Perto arq, Fora Longe arq and Fora Distante; and in the insertion of these new issues in the collections of libraries in the city of São Paulo.
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Prazeres, Simone Martins dos. "Arte-Mãe, uma enteléquia arquetípica." Master's thesis, Universidade da Beira Interior, 2013. http://hdl.handle.net/10400.6/1587.
Full textAbstract:
Este relatório de estágio representa o culminar da aprendizagem feita ao longo dos dois anos
que compõem o Mestrado em Ensino das Artes Visuais no 3º Ciclo do Ensino Básico e Ensino
Secundário da UBI, mas debruça-se mais particularmente sobre o segundo ano, aquele em que
os mestrandos participam do Estágio Pedagógico e, neste caso, concretizado na Escola
Secundária Campos Melo (Covilhã). Sob a orientação do Professor Cooperante: Mestre José
Manuel Pereira, foram leccionadas a disciplina de Desenho A, à turma do 11ºD, e Educação
Visual, às turmas do 9ºA e 9ºB.
Dividido em duas partes, o presente relatório é composto numa primeira fase por uma
investigação que procura esclarecer a origem do desenho, esse Graal da Arte; e por uma
segunda, onde se relata a Prática de Ensino Supervisionada e todas as actividades daí
resultantes, sem olvidar a caracterização do respectivo meio escolar.
Neste relatório de estágio, a parte de investigação não procurou ter uma aplicação directa
junto dos alunos mas sim na própria autora.This internship report represents the culmination of the UBI learning years at the Master in Teaching Visual Arts in the 3rd Cycle of Basic and Secondary Education. It focuses particularly on the second year, the Teacher Training year, at the High School Campos Melo (Covilhã). Under the guidance of the Cooperating Teacher Master José Manuel Pereira, we taught the disciplines of Desenho A and Visual Education. Divided into two parts, it is composed first by a research that seeks to clarify the origin of drawing, the Art Grail, and second by the report of the Supervised Teaching Practice and its activities, including the Campos Melo characterization. In this internship report, the research didn’t aim to have a direct effect on students but on the author.
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SCHNEIDER, Daniela da Cruz. "VERTER A EDUCAÇÃO EM ARTE: potências do conceito de pedagogia menor para o Ensino de Artes Visuais." Universidade Federal de Pelotas, 2013. http://repositorio.ufpel.edu.br/handle/ri/1657.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2014-08-20T13:47:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2013-03-28This dissertation approaches three different fields of knowledge: education, philosophy, and art. Under the problem Which the powers of the concept of minor pedagogy to Visual Arts Education?, aims to deploy and present the concept of minor pedagogy, using it to interrogate the field of Visual Arts Education. In contrast, the model of higher education of the Visual Arts Education, expressed by the Parâmetros Curriculares Nacionais of the area, with the possibility of a minor pedagogy. The minor pedagogy is understood as practices that divert, undermine and undo the claims of a higher education. A higher education is that engendered by that legitimizes by a macropolitics educational policies, parameters and guidelines, etc. The concept of minor pedagogy minor was drafted by Sílvio Gallo, from the book Kafka for a minor literature of Gilles Deleuze and Félix Guattari, in which these create the concept of minor literature. Both concepts have three coefficients: desterritorialization, political branch and collective value. This dissertation preserves such coefficients, but throws four propositions about the concept of minor pedagogy: I) The minor pedagogy works as a war machine in the educational territory; II) the minor pedagogy is rhizomatic; III) the minor pedagogy works through a micropolitics; IV) A knowledge of experience is a minor know. The study developed as bibliographical research. The central theoretical tools and dizzying write-downs signal in the thought of Gilles Deleuze and Félix Guattari, Michel Foucault, Jorge Larrosa and Sílvio Gallo.
Esta dissertação aproxima três diferentes campos do saber: educação, filosofia e arte. Sob o problema Quais as potências do conceito de pedagogia menor para o Ensino de Artes Visuais?, objetiva desdobrar e apresentar o conceito de pedagogia menor, utilizando-o para interrogar o campo do Ensino de Artes Visuais. Contrasta, assim, o modelo da educação maior do Ensino de Artes Visuais, expresso pelos Parâmetros Curriculares Nacionais da área, com as possibilidades de uma pedagogia menor. A pedagogia menor é entendida como práticas que desviam, subvertem e desrealizam as pretensões de uma educação maior. Uma educação maior é aquela engendrada pela macropolítica, que se legitima via políticas educacionais, parâmetros e diretrizes, etc. O conceito de pedagogia menor foi elaborado por Sílvio Gallo, a partir da obra Kafka por uma literatura menor de Gilles Deleuze e Félix Guattari, na qual criam o conceito de literatura menor. Ambos os conceitos apresentam três coeficientes: desterritorialização, ramificação política e valor coletivo. A presente dissertação preserva tais coeficientes, mas lança ainda quatro proposições acerca do conceito de pedagogia menor: I) A pedagogia menor opera como Máquina de Guerra no território educacional; II) A pedagogia menor é rizomática; III) A pedagogia menor esboça-se sobre e através de uma micropolítica; IV) Um saber de experiência é um saber menor. O estudo desenvolveu-se como pesquisa bibliográfica. As ferramentas teóricas centrais arquitetaram-se no pensamento de Gilles Deleuze e Félix Guattari, Michel Foucault, Jorge Larrosa e Sílvio Gallo.
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Paim, José Fernão Bastos. "Paisagens Fílmicas: Um diálogo possível entre vídeo, corpo, tempo e espaço." Programa de Pós-Graduação em Artes visuais da UFBA, 2011. http://www.repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/9827.
Full textAbstract:
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A presente dissertação aborda o potencial poético da linguagem videográfica na influência das relações de visibilidade surgidas da percepção do espaço, em um contexto de intervenções mediadas por projeções de vídeo, na construção de paisagens fílmicas, tendo como suporte, três espaços específicos, na cidade de Salvador: o Museu de Arte Sacra -MAS, Pavilhão de Aulas da Federação -PAF e o Museu de Arte Moderna -MAM. Proponho assim, através de pesquisas práticoteoricas apresentar em abordagens híbridas de expressão artística a relação da videoarte com a paisagem em um diálogo possível entre corpo, tempo e espaço. Esses estudos a respeito do vídeo como processo artístico estão ancorados aos escritos de Gene Youngblood, que em 1970 cunhou o termo Expanded Cinema (Cinema Expandido), no que diz respeito a uma visão alternativa da linguagem audiovisual a partir do seu entendimento como um sistema aberto, junto às reflexões de outros autores como os Professores Doutores Arlindo Machado, Maria Amélia Bulhões e Christine Mello. As apresentações das ações interventivas visam analisar e discutir também as potencialidades expressivas das matrizes digitais em estruturar uma abordagem alternativa da videoarte.
Salvador
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Barbero, Estela Pereira Batista. "Artes indígenas no Brasil: trajetória de contatos: história de representaçőes e reconhecimentos." Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2011. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/2686.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2011-02-16Fundo Mackenzie de Pesquisa
The indigenous arts in Brazil have always been an object of interest since the colonial period when the objects produced by the indians, and in some cases the indians themselves, were taken to the Cabinets of Curiosities in Europe, seen as exotic. In visual arts, indigenous culture was represented at first with surprise and value judgments, then with the scientific purpose that directed the missions coming to Brazil to catalog those who were believed to be doomed to extinction. And then we saw, from the nineteenth century, the indigenous exalted by the Indianism and later the inspiration on their art to contemporary and modernist aesthetics. All this search to understand the indigenous culture and art from an "outside" point of view, contributes to the efforts at reconciliation between western and indigenous cultures, but do not bring the need to understand the relations of indigenous art in its context. With cultural Anthropology who settled in Brazil in the twentieth century and the field work proposed by the Indian Ethnology, an area that would also give their first steps in this century, we passed to the "inside look" of indigenous culture, thanks to the knowledge the indigenous people offered to the anthropologists who set out to hear them. This research provides examples of these various moments of the relationship between indigenous and western cultures, showing an organization of bibliographic data that can guide a more fair perspective on the indigenous arts.
As artes indígenas no Brasil sempre foram objeto de interesse, desde o período colonial quando os objetos produzidos pelos índios, e em alguns casos eles próprios, eram levados para os Gabinetes de Curiosidades na Europa, vistos como exóticos. Nas artes visuais, a cultura indígena foi representada no início com estranhamento e julgamento de valores, depois com o propósito científico que direcionou as missões vindas ao Brasil para catalogar aqueles que, acreditava-se, estariam fadados à extinção. E então vimos, a partir do século XIX, o indígena exaltado pelo Indianismo e mais tarde sua arte inspirando a estética modernista e contemporânea. Toda essa busca por entender a cultura e arte indígenas com olhar de fora , contribui para uma tentativa de aproximação entre as culturas indígena e ocidental, mas não dão conta do aprofundamento necessário para se compreender as relações da arte indígena dentro do contexto indígena. Com a Antropologia cultural que se estabeleceu no Brasil a partir do século XX e os trabalhos de campo propostos pela Etnologia Indígena, área que também daria seus primeiros passos neste século, passamos ao olhar de dentro da cultura indígena, ensinamento oferecido pelos indígenas aos antropólogos que se propuseram a ouvi-los. Essa pesquisa traz exemplos desses diversos momentos das relações entre as culturas indígena e ocidental apresentando uma organização de dados bibliográficos capazes de orientar um olhar mais justo sobre as artes indígenas.
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Broto, Pérez Daniel. "El droit de suite de los autores de obras de artes plásticas: análisis jurídico y efectos en el mercado del arte." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/398004.
Full textAbstract:
El droit de suite es un derecho de propiedad intelectual que permite al autor de una obra de arte original participar en el precio de las sucesivas reventas de la misma en el mercado secundario, siempre y cuando las transmisiones se realicen con la intervención de un profesional del mercado del arte, esto es, una galería, una casa de subastas, un marchante u otro tipo de intermediario.
Este derecho se reguló por primera vez en Francia, en 1920, pero en España tuvimos que esperar hasta 1987 para su introducción en la Ley de Propiedad Intelectual – hoy regulado mediante ley especial–. No obstante, la dilación en su reconocimiento no resultó ser una cuestión exclusiva del legislador español, habida cuenta de que apenas seis países contaban con el droit de suite en sus ordenamientos jurídicos a mitad del siglo pasado. Asimismo, el mayor logro conseguido hasta ese momento por los partidarios de su expansión internacional había sido la inserción en el Convenio de Berna para la
Protección de las Obras Literarias y Artísticas de un precepto que preveía un reconocimiento facultativo del droit de suite por parte de los Estados de la Unión de Berna.
En los últimos años, en cambio, hemos asistido a un interés renovado por el droit de suite, principalmente por causa de la paulatina incorporación en el derecho de autor de los derechos de simple remuneración y, sobre todo, por un espectacular incremento del volumen de negocio del mercado del arte, lo que provoca que las potenciales regalías a percibir por los titulares de este derecho sean cada vez más importantes. En consecuencia, numerosos países han optado por legislar el droit de suite, como así ha hecho la Unión Europea, donde esta institución jurídica ha encontrado un baluarte desde que la
Directiva 2001/84/CE relativa al derecho de participación en beneficio del autor de una obra de arte original se transpuso a sus Estados miembros.
A pesar de ello, este proceso de regulación internacional no puede considerarse culminado, extremo que tiene que concebirse como un fracaso para un derecho que en el ámbito internacional se aplica conforme al principio de reciprocidad material. A diferencia de otros derechos de autor menos controvertidos, el droit de suite cuenta con poderosos detractores –especialmente en los países de la tradición jurídica del copyright–, quienes
lo conciben como una amenaza para la competitividad de sus mercados artísticos. Así, de las tres potencias mundiales en este sector económico, los Estados Unidos y China se resisten, por el momento, a su implementación, mientras el Reino Unido no tuvo más remedio que aceptarla al encontrarse vinculado por el acervo comunitario.
Por otro lado, a juzgar por el aumento de la atención doctrinal dispensada al droit de suite, poco estudiado por los juristas tradicionalmente, el debate sobre su naturaleza jurídica y su justificación teórica parece seguir abierto, aspectos que deben ser complementados con un análisis del derecho desde una perspectiva económica, al objeto de dilucidar los efectos del mismo en el mercado del arte.Droit de suite is granted by copyright law and provides the author of an original work of art with the right to claim a share of the profits on the resale of his work of art. The sale must involve a professional party or intermediary, such as salesrooms, art galleries and, in general, any dealers in works of art. This right was first regulated in France in 1920, but it was not until 1987 that droit de suite was recognized by the Spanish Copyright Act. Nonetheless, this late recognition also happened in many other countries. In fact, only six European countries had legal provisions for this right in the 1950s. The greatest achievement for the recognition of droit de suite took place when it was included in the Berne Convention for the Protection of Literary and Artistic Works which established optional recognition of droit de suite by the States of the Berne Union. In recent years, the gradual recognition in copyright law of the so-called «rights to remuneration» and the spectacular increase in the turnover of the art market has raised the interest in droit de suite, as it may provide copyright holders of a work of art with higher and higher royalties. As a result, many countries have decided to introduce the droit de suite in their copyright legislation. Indeed, the European Union has adopted the Directive 2001/84/EC on the resale right for the benefit of the author of an original work of art that compels all the Member States to recognize this right. Despite this, the international recognition of droit de suite cannot be considered completed. This right is only recognized in the international arena according to the principle of material reciprocity, which must be seen as a failure for its global recognition. Unlike other less controversial copyright issues, there are powerful detractors of droit de suite, especially the countries that follow common law tradition and consider this right to be a threat to the competitiveness of their art markets. The three leading countries in the global art market –United States, United Kingdom and China– have been reluctant to accept the droit de suite; the United States and China still offer resistance against its implementation while the United Kingdom was compelled to regulate it according to the Directive 2001/84/EC on the resale right. Last but not least, there is an increasing academic interest in studying the droit de suite. Traditionally, scholars did not pay too much attention to this right, so its legal nature and theoretical justification seems to be open to debate. All these legal and dogmatic aspects must be studied in relation to its economic effects, so it seems necessary to analyze this right from both, the legal and an economic perspective, in order to analyze it and explain the economic effect of droit de suite on the art market.
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Dassoler, Elisa Rodrigues. "Coletivo arte na periferia: por uma outra dimensão territorial das artes visuais." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2011. http://tede.udesc.br/handle/handle/786.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2011-10-14Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
With the overall aim to investigate the audiovisual production and organization of the collective Arte na Periferia (Art in the Periphery), in the context of processes of territorialization through art on the southern outskirts of São Paulo (Brazil), it was set three specifics goals: 1) To discuss the uses of the territory during the period of globalization from the clippings space proposed by Milton Santos, as well as the reflections of Stuart Hall, Jesús Martín-Barbero and other authors of visual arts and the humanities; 2) To discourse upon the part of contemporary artistic production, taking into account relevant aspects of the collective processes creation, digital culture, art and its relationship with activism and social movements; 3) To discourse and analyze systematically the artistic production of the Arte na Periferia in the context of its territorialization on the southern outskirts of São Paulo highlighting the degree of intentionality of actions and content of objects in the midst of the technical conditions of these artistic practices. For this reason, field activities developed through experiences with the group and interviews associated with the literature review, secured the theoretical, methodological and empirical bases for examination. We noticed that the Arte na Periferia, aligned to other contemporary collective, presents itself as an example of collective practice where political activism is manifested through art, and develops among the technical tools of our time, bringing them a new use and therefore a new meaning. We understand that the group in question contributed greatly through their audiovisual productions and its organizational form, the articulation between collectives of art, independent artists, neighborhood activists, social movements and residents entered in that artistic and cultural movement. In conclusion, we can say that, nowadays, the Arte na Periferia, is presented as a mediator for these social relations guided by horizontal uses of the territory
Com o objetivo geral de investigar a produção audiovisual e organização do coletivo Arte na Periferia, no contexto dos processos de territorialização por meio da arte na periferia sul de São Paulo, estabelecemos três objetivos específicos: 1) Discutir os usos do território no período da globalização a partir dos recortes espaciais propostos por Milton Santos, assim como pelas reflexões de Stuart Hall, Jesús Martín-Barbero e de outros autores do campo das artes visuais e das ciências humanas; 2) Dissertar sobre parte da produção artística contemporânea, levando em consideração aspectos relevantes de processos de criação em coletivos, da cultura digital e da arte e suas relações com os ativismos e movimentos sociais; 3) Discorrer e analisar de modo sistemático a produção artística do Arte na Periferia no contexto de sua territorialização na periferia sul de São Paulo, destacando o grau de intencionalidade de ações e conteúdos dos objetos em meio às condições técnicas dessas práticas artísticas. Para tanto, atividades de campo desenvolvidas através de vivências com o grupo e da realização de entrevistas, associadas à revisão bibliográfica, asseguraram as bases teórico-metodológica e empírica para a referida análise. Percebemos que o Arte na Periferia, em sintonia com outros coletivos contemporâneos, se apresenta como um exemplo de prática coletiva onde o ativismo político se manifesta através da arte, e se desenvolve em meio aos instrumentos técnicos de nosso tempo, trazendo a eles um novo uso e, por conseguinte, um novo sentido.Entendemos que o grupo em questão colaborou sobremaneira, através de suas produções audiovisuais e de sua forma organizativa, na articulação entre coletivos de arte, artistas autônomos, ativistas de bairro, movimentos sociais e moradores inseridos na referida movimentação artístico-cultural. Com isso, podemos dizer que o Arte na Periferia se apresenta na atualidade como um mediador dessas relações sociais pautadas por usos horizontais do território
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Gamino, Alvarado Bárbara. "Imaginarios de un grupo de extranjeros mexicanos en Barcelona a partir de narrativas visuales." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2018. http://hdl.handle.net/10803/665705.
Full textAbstract:
Bajo el paraguas del enfoque construccionista, he buscado tanto comprender los tránsitos que devienen de la provocación del imaginario en una acción social, aunados a la carga simbólica de las representaciones culturales que tenemos asumidas en nuestras historias de vida. Ampliar el conocimiento sobre la construcción de identidad con esta experiencia de movilidad a otra geografía.
Un taller de fotografía fue el enlace con los colaboradores para utilizar la tecnología (cámara fotográfica) como herramienta para mostrar su subjetividad, junto con este ejercicio de narrativa visual y su narrativa escrita, para obtener datos que se complementaran usando los dos métodos.
El primer capítulo es un viaje a través de la comprensión: la imagen dentro de la investigación, la imagen mental, la influencia de la imagen tecnológica como productora de imaginarios colectivos, la imagen como representación cultural, la imagen como lenguaje y herramienta en educación. El capítulo dos se refiere a lo imaginario, una ontología desde la Escuela de Grenoble, partiendo de Gilbert Durand, además de otros autores tales como Wunenburger, Huizinga, Bachelard, Castoriadis, por mencionar los fundamentales en mi trabajo. En la historia de la humanidad se vislumbra cómo se responde respecto a lo imaginario en cada época de la historia y su función en la producción de símbolos culturales, integración social, instituciones imaginarias. Capítulo tres la identidad, es un recorrido por las diversas influencias en la identidad a nivel personal, cultural, el yo y el influjo de los medios tecnológicos, el Yo saturado de Gergen, las diversas representaciones que confluyen en los colectivos, o poblaciones, para configurarla. Desde varias miradas, se buscó entender cómo las experiencias, los contextos, la historia personal, las representaciones culturales, los sueños, el pasado, las imágenes construidas son parte de las capas que constituyen las diversas identidades, así como colocar en el tejido cultural el panorama de las influencias históricas sincréticas a raíz de la colonización, su influencia en el carácter cultural, la Revolución mexicana, la actualidad de la identidad o mexicanidad, construyéndose a
raíz de los legados prehispánicos, la hibridación cultural, los imaginarios de la llamada raza cósmica, para dar lugar a la sociedad actual.
La segunda parte corresponde a la metodología, a la aplicación de los métodos narrativa visual y narrativa textual, a partir de pequeñas historias o small stories, un trabajo de campo realizado en una asociación donde, desde mi mirada fotográfica, capté los imaginarios colectivos de las representaciones culturales de coetáneos y, a partir de mi narrativa, expuse la información de la lectura desde mi mirada de investigadora, para obtener los datos que complementaran las lecturas que tendría del análisis de datos de mis colaboradores. Impartí un taller de fotografía en la asociación, donde obtuve la cooperación de algunos participantes del taller, que me otorgaron su tiempo y su confianza para compartirme experiencias escritas y visuales de su proceso personal de movilidad de su Estado en México hacia la ciudad de Barcelona.
La tercera parte, el Análisis de Datos, fue el cruce de métodos de análisis para crear conocimiento sobre los procesos imaginarios que mueven a una persona a transitar a otro país. El método de análisis holístico de contenido de Lieblich para entender a través del texto lo que entre líneas podría aportarme. El método de análisis de narrativas visuales para comprender el contexto y los elementos simbólicos usados e implícitos en el lenguaje fotográfico, un panorama desde su subjetividad, motivación, sentimientos, situaciones culturales, y nuevas experiencias combinadas con su identidad mexicana, narrada desde sus nuevas experiencia de vida en otra cultura.Under the umbrella of the constructionist approach, I have sought to understand the transits that come from the provocation of the imaginary in a social action, that we have assumed in our life stories. A photography workshop was the liaison for collaborators to use technology (camera) as a tool to show their subjectivity, coupled this visual narrative exercise, and their written narrative, in orden to obtain data that will be complemented using the two methods. The first chapter is a journey through understanding: the image within research, the mental image, the influence of the technological image as a producer of collective imaginaries, the image as cultural representation, the image as a language and a tool in education. The second chapter refers to the imaginary, an ontology Gilbert Durand, Wunenburger, Huizinga, Bachelard, Castoriadis, the production of cultural symbols. social integration, and imaginary institutions. The chapter three corresponds to identity, a journey through the diverse influences on personal, cultural identity, the self and the influence of technological means. The actuality of identity or “Mexicanness”, built as a result of pre-Hispanic legacies, cultural hybridization, the imaginaries to give place to today's society. The second part corresponds to the methodology, the use of methods such as, visual narrative and textual narrative, from small stories to carry out a field work in an association in Barcelona, and to obtain the data that complements the readings of the analysis of my collaborators’ data. The third part of data analysis was the crossing of methods of analysis Lieblich's holistic content analysis method, was applied to understand through the text what between lines could provide information of their imaginary and the hybrid construction of their identity. The method of analysis of visual narratives was used to understand the context, its imaginary construction, and the symbolic elements used for this photographic language, showing its panorama from its subjectivity motivations, feelings, cultural situations, to their new experiences combined with his Mexican identity, altogether narrated through his contributions and their new experience of life in a different culture.
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Dalla, Zen Laura Habckost. "O dispositivo pedagógico da arte." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2011. http://hdl.handle.net/10183/36408.
Full textAbstract:
A presente dissertação tem como foco as relações entre público e arte, propostas por instituições culturais. O estudo parte do pressuposto de que, sobretudo a partir da década de 1960, um dispositivo pedagógico da arte é organizado, no sentido de responder a uma urgência histórica do nosso tempo, qual seja: a de criar estratégias de acessibilidade à arte. Nesse contexto, o principal objetivo do trabalho consiste em compreender as formas pelas quais esse dispositivo “ensina-nos” modos de nos relacionarmos com as artes visuais hoje. Como corpus de análise, optou-se por privilegiar um espaço específico de enunciação, a saber: quatro materiais didáticos produzidos por instituições culturais, destinados a professores e alunos, cuja temática é a obra do artista gaúcho Iberê Camargo. Com base no pensamento de Michel Foucault (em especial, os conceitos de saber, poder e subjetividade), buscou-se identificar nesses materiais: a) a maneira como a arte aparece objetivada pelos regimes de saber do dispositivo; b) como esses regimes são fixados e quais relações de poder estão em jogo; c) e, por fim, o modo como os materiais orientam a forma pela qual o sujeito deveria aproximar-se das artes visuais. As análises desenvolvidas possibilitaram apontar que os museus, ao se definirem como instituições educativas, legitimam o atravessamento de certos discursos pedagógicos em sua estrutura, dentre os quais destaquei: o construtivismo piagetiano, o “movimento interdisciplinar” e a educação libertadora de Paulo Freire. Essa dinâmica de organização dos saberes, por sua vez, talvez explique o porquê de o público ser convidado, nas atividades pedagógicas, a trazer referências pessoais e, a partir delas, estabelecer relações com formas de existência do artista e seu processo criativo.The present dissertation has as focus the relations between the general public and the art, which are proposed by cultural institutions. The study parts from the presupposition that, mainly from the sixties, a pedagogical dispositif of art is organized in order to respond to a historic urgency of our time, namely: to create strategies to the art accessibility. In this context, the main objective of this study is to understand the ways in which this device "teaches us" ways of relating to the visual arts today. As a corpus analysis, it was chosen to focus on a specific space of enunciation: four teaching materials produced by cultural institutions, for teachers and students, whose theme is the gaucho artist's work Iberê Camargo. Based on the thought of Michel Foucault (especially the concepts of knowledge, power and subjectivity), the attempt was to identify in these materials: a) how art appears objectified by the knowledge systems from the dispositif, b) how these systems are fixed and which power relations are at stake, c) and, finally, how the materials guide the way in which the subject should approach the visual arts. By the developed analysis, it was possible to identify that the museums, when defining themselves as educational institutions, legitimate the crossing of certain pedagogical discourses in their structure, among which it was highlighted: Piaget's constructivism, the "interdisciplinary movement" and liberating education of Paulo Freire. This dynamic of knowledge organization, in turn, may explain why the public is invited, in educational activities, to bring personal references, and from them, establish relationships with forms of existence of the artist and his creative process.
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Andrade, Júnior Anselmo Rodrigues de. "CONHEÇO, ENTENDO, LOGO CRIO: ARTE DIGITAL E AS NARRATIVAS SOBRE O PROCESSO CRIATIVO DOS ACADÊMICOS DO CURSO DE LICENCIATURA EM ARTES VISUAIS – UEPG." UNIVERSIDADE ESTADUAL DE PONTA GROSSA, 2014. http://tede2.uepg.br/jspui/handle/prefix/1171.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2014-11-28This paper was developed searching for answers about what are the priorities of students in the third year of Visual Arts Licentiate in UEPG during the process of learning and creation art by computer in a educational structure with an atmosphere when contradictions arising from material conditions, own social, economic, political and philosophical issues of each. To respond these concerns, the following objectives were elected: Identify the primary concepts of the Digital Art students from the third year of the Visual Arts Licentiate UEPG and their possible transformations, check the priority of academics regarding the design and implementation of Digital Poetics in their quest for understanding of creative essence, to ascertain whether the material conditions of academic and contradictions present in their conceptions of reality determines the realization of their productions, as well as understanding the production of academic computer via their gazes on Digital Poetics. To conduct the research was elected the method of dialectical materialism research, with contributions from: Marx (1998, 2003, 2005, 2007), Gamboa (2007), Abbagnano (1998), Jaeger (2001), Abraham (1999), Triviños (1987) and Malagodi (2010). Canclini (1984), Vazquez (1978) and Fischer (1976): Concerning the dialogue between art and the Critical Perspective authors were listed. For the concepts of Art, Technology, Digital Art and Poetry were chosen: Ferraz and Fusari (2001), Gombrich (1999), A. Nunes (2003, 2009, 2012), B. Nunes (2008), Cauquelin (2005) Janson (2001), Argan (2003, 2004), Bell (2008), Pareyson (2001), Marx (2007), Dubois (2004) Hunt (2003), Levy (2000), Becker (2009), Venturelli (2004, 2007), Prette (2009), Alpers (1999), Lieser (2009), Barros (2002) and Arantes (2005). Chose a qualitative approach, content analysis, and data were obtained by the tools: semi-structured questionnaire, digital diary and digital poetic memorial. An important tool of analysis was the table "3x3 matrix", drawn from the studies Baccon (2005, 2011) and Alvarez (2011). Under this view, amounted analysis categories and divisions of the stages of the studies that provided findings on the concepts of Digital Art, Digital Poetics, beyond the priorities of the subjects in the learning and digital art creation process. These understandings demonstrated, sometimes technical, sometimes learning and, most obviously, the intrinsic positions related expressions in the design of digital works. The evidence subsidized less apparent and closer reading of the essence of academics in their interactions with the computer designed in learning and creating digital art. Collaborating for a comprehensive look at the "Creative Digital Praxis".
Este trabalho foi desenvolvido a partir da busca por respostas sobre quais são as prioridades dos acadêmicos de licenciatura do terceiro ano do Curso de Artes Visuais da UEPG durante o processo de aprendizagem e criação artística via computador dentro de uma estrutura física de ensino permeada por uma atmosfera de contradições provenientes das condições materiais, questões sociais, econômicas, políticas e filosóficas próprias de cada um. Para a clareza dessas inquietações, foram eleitos os seguintes objetivos: Identificar as concepções primárias de Arte Digital dos acadêmicos do terceiro ano do Curso de Licenciatura em Artes Visuais da UEPG e as suas possíveis transformações, verificar as prioridades dos acadêmicos relativas as concepção e execução de suas Poéticas Digitais numa busca pela compreensão da essência criativa, constatar se as condições materiais dos acadêmicos e as contradições presentes nas suas concepções de realidade determinam a realização de suas produções, bem como compreender na produção via computador dos acadêmicos os seus olhares sobre Poéticas Digitais. Para a execução da pesquisa elegeu-se o método de investigação materialista dialético, com contribuições de: Marx (1998; 2003, 2005, 2007), Gamboa (2007), Abbagnano (1998), Jaeger (2001), Abrão (1999), Triviños (1987) e Malagodi (2010). No que diz respeito ao diálogo entre a Arte e a Perspectiva Crítica foram elencados os autores: Canclini (1984), Vàzquez (1978) e Fischer (1976). Para os conceitos de Arte, Tecnologia, Arte Digital e Poética foram escolhidos: Ferraz e Fusari (2001), Gombrich (1999), Nunes A. (2003, 2009, 2012), Nunes B. (2008), Cauquelin (2005), Janson (2001), Argan (2003, 2004), Bell (2008), Pareyson (2001), Marx (2007), Dubois (2004), Hunt (2003), Lévy (2000), Becker (2009), Venturelli (2004, 2007), Prette (2009), Alpers (1999), Lieser (2009), Barros (2002) e Arantes (2005). Elegeu-se a abordagem qualitativa, a Análise de Conteúdo e os dados foram obtidos pelas ferramentas: questionário semiestruturado, diário digital e memorial poético digital. Um instrumento de análise importante foi a tabela “Matriz 3x3”, elaborada a partir dos estudos de Baccon (2005, 2011) e Arruda (2011). Nessa ótica, ascenderam categorias de análise e as divisões das etapas dos estudos que proporcionaram constatações sobre os conceitos de Arte Digital, Poéticas Digitais, além das prioridades dos sujeitos no processo de aprendizagem e criação artística digital. Essas compreensões demonstraram, ora caráter técnico, ora de aprendizagem e, com maior evidência, posições ligadas as expressões intrínsecas na concepção de obras digitais. As comprovações subsidiaram uma leitura menos aparente e mais próxima da essência dos acadêmicos nas suas interações com o computador concebidas na aprendizagem e criação de Arte digital. Colaborando para um olhar compreensivo da “Práxis Criadora Digital”.
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Haguiuda, André Terayama [UNESP]. "Performatividade narrativa: intersecções narrativas em performance, fotografia e vídeo." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2016. http://hdl.handle.net/11449/138902.
Full textAbstract:
Submitted by André Terayama Haguiuda (andrehag@gmail.com) on 2016-05-28T05:36:19Z
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Andre_texto_mestrado_19-05-16_9.compressed.pdf: 3294317 bytes, checksum: b5df8efe8a10a5eb977cad8cebaecf31 (MD5)Approved for entry into archive by Ana Paula Grisoto (grisotoana@reitoria.unesp.br) on 2016-05-31T12:40:17Z (GMT) No. of bitstreams: 1 haguiuda_at_me_ia.pdf: 3294317 bytes, checksum: b5df8efe8a10a5eb977cad8cebaecf31 (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
O objetivo desta dissertação é a apresentação dos trabalhos de arte produzidos pelo autor entre 2011 e 2016. Os trabalhos desenvolvidos enfocam uma pesquisa que intersecta as linguagens da fotografia, do vídeo, da performance, da escultura e a inserção de narrativas ficcionais nessas operações. Este texto busca articular procedimentos e conceitos que os trabalhos suscitam e articulá-los a um repertório de obras de outros artistas e teóricos.
This Master’s Thesis is the presentation of artworks produced by the author between 2013 and 2016. The main focus of the research are the intersection of languages, such as photography, video, performance, sculpture and the insertion of fictional narratives in these works. This text articulates procedures and concepts recurring from those works and connect them to a repertoire of other artists works and theorists.
CAPES: 3300401-3
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Maciel, Neila Dourado Gonçalves. "O universo poético-mítico de Raimundo de Oliveira." Programa de Pós- Graduação em Artes Visuais da UFBA, 2009. http://www.repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/9845.
Full textAbstract:
177f.Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-04-08T17:29:12Z No. of bitstreams: 2 Macielparte2.pdf: 2463890 bytes, checksum: 296eb6fc87368c5da41bd1ea3b12740e (MD5) Macielparte1.pdf: 827330 bytes, checksum: d2af5425a39258f7f45deccd563f1dae (MD5)
Approved for entry into archive by Lêda Costa(lmrcosta@ufba.br) on 2013-04-18T12:31:16Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Macielparte2.pdf: 2463890 bytes, checksum: 296eb6fc87368c5da41bd1ea3b12740e (MD5) Macielparte1.pdf: 827330 bytes, checksum: d2af5425a39258f7f45deccd563f1dae (MD5)
Made available in DSpace on 2013-04-18T12:31:16Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Macielparte2.pdf: 2463890 bytes, checksum: 296eb6fc87368c5da41bd1ea3b12740e (MD5) Macielparte1.pdf: 827330 bytes, checksum: d2af5425a39258f7f45deccd563f1dae (MD5) Previous issue date: 2009
Esta dissertação tem como objetivo central adentrar no universo poético-mítico da produção do artista plástico baiano Raimundo de Oliveira, nascido em Feira de Santana em 1930 e, morto em Salvador em 1966. No intuito de compreender seu processo criativo, analisar como se deu a construção de seu repertório de signos tão singulares e tão significativos a partir de uma resignificação da cultura popular, estabelecendo possíveis relações com outros artistas e com as manifestações festivas e religiosas que o artista vivenciou. A pesquisa está divida em três capítulos, nos quais se procurou balancear o contexto histórico da formação da identidade nacional entre os séculos XIX e XX, calcada na cultura popular, o surgimento do modernismo com seus ideais de ruptura, os quais no contexto brasileiro foram acrescidos da busca pelo caráter nacional, seguido por uma contextualização desse modernismo na Bahia, analisando as principais características que ligam os primeiros artistas modernos baianos, incluindo Raimundo de Oliveira, à valorização das manifestações populares assim como, a análise mais aprofundada das relações percebidas na sua poética. Para isso, foram apresentados vários pontos referentes à religiosidade vivenciada pelo artista destacando a hipótese de que o mesmo transfere para suas telas o desejo de permanecer num espaço místico e sagrado,evidência que pode explicar sua fixação pela temática religiosa. Foi escolhido o método iconográfico – iconológico de Erwin Panofsky para tentar construir a leitura do seu universo criativo, ou seja, todas as seções da pesquisa foram construídas para colaborarem no conhecimento dos fatores externos à obra de Raimundo, para enfim, entender as possíveis relações construídas a partir de tudo o que diz respeito aos elementos formais e, ao conteúdo de sua obra. O trabalho é finalizado com uma análise de duas pinturas, as quais narram a cena bíblica da Última Ceia, tentando com isso exemplificar as relações apontadas durante todo o estudo. Em seus resultados, o trabalho não buscou ser conclusivo, mas propositivo de caminhos a serem aprofundados e ampliados a partir das novas questões suscitadas.
Salvador
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Pereira, Márcia Sofia Oliveira. "Prática de ensino supervisionada : arte urbana, um recurso no ensino, educação visual, 7º ano." Master's thesis, Universidade da Beira Interior, 2012. http://hdl.handle.net/10400.6/1576.
Full textAbstract:
Relatório de Estágio, elaborado no âmbito do Mestrado em Ensino de Artes Visuais no 3º ciclo do Ensino Básico e no Ensino Secundário. Refere-se a todas as atividades desenvolvidas na Prática de Ensino Supervisionada, iniciada em Setembro 2011, na Escola Secundária/3 Quinta das Palmeiras (Covilhã) compreendendo, ainda, um trabalho de Investigação “Arte Urbana. Um Recurso no Ensino” focalizando-se no 3º ciclo.
Sob a orientação pedagógica do Dr. João Paulo Trigueiros, desenvolveram-se diferentes actividades lectivas em Educação Visual, numa turma do 7ºE. A disciplina foi leccionada de 20 de Setembro de 2011 a 12 de Junho de 2012. As Aulas Assistidas compreenderam um total de 62 aulas (31 blocos de 90 minutos), sendo distribuídas por 24 aulas no 1º período, 22 aulas no 2º período e 18 aulas no 3º período, sempre observadas pelo professor orientador cooperante. As unidades programáticas foram: Forma/Textura; A Ilustração (Comunicação Visual) e a Estrutura (Estruturas Bidimensionais e Tridimensionais). Promoveram-se diversas actividades extracurriculares, nomeadamente: exposições; participação num blog do núcleo de estágio; participação na semana da Leitura com a elaboração de blocos de notas e calendários para a biblioteca escolar na Semana da Leitura; organização da palestra “Arte Urbana e o Wool” com visita de estudo e elaboração de um mural; participação na comemoração dos 25 anos da Escola Secundária/3 Quinta das Palmeiras e semana “Artíris”.
O relatório divide-se em quatro capítulos, conclusão, bibliografia e anexos. O capítulo I debruça-se na História do Ensino das Artes em Portugal - a Importância do Ensino Artístico. O Capítulo II, examina a metodologia e as práticas desenvolvidas no Estágio Pedagógico, assim como caracteriza e descreve a escola e a comunidade educativa onde decorreu a Prática de Ensino Supervisionada. O Capítulo III dá a conhecer as várias actividades extra-curriculares desenvolvidas pela professora estagiária. O Capítulo IV refere-se ao trabalho de Investigação “Arte Urbana. Um Recurso no Ensino”, cujo tema nasce de uma necessidade de reflexão de como inserir a Arte Urbana no Ensino das Artes Visuais, no 3º ciclo, provocando a questão de investigação, que orienta este estudo - “Até que ponto a Arte Urbana pode ser considerada um recurso educativo para o Ensino das Artes Visuais, no 3º ciclo?” – obrigando a monitorizar se a escola a vê como “expressão de vandalismo” ou um importante veículo de exemplo de humanidade e, inclusive, de reflexão sobre a qualidade do ambiente urbano e implicando uma reflexão sobre todas as interessantes problemáticas que a Arte Urbana coloca desde o ponto de vista do criador e do fruidor. A Conclusão proporciona uma análise reflexiva de todo o trabalho desenvolvido, associada a sugestões futuras, eventualmente mais eficazes para o ensino-aprendizagem da Educação Visual. Finalizando, o presente relatório contém, em apêndices, todas as ferramentas desenvolvidas pela autora deste relatório no estágio pedagógico.
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Hori, Yukie. "Os ensaios da Dona Sombra - Shadôsan no zuihitsu." Universidade de São Paulo, 2015. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27159/tde-12012016-113644/.
Full textAbstract:
Buscando referências e novas relações que ampliassem as possibilidades do pensar e do fazer nas artes visuais, Os ensaios da Dona Sombra (?????? ??? Shadôsan no zuihitsu) lança um olhar vagante para as artes e culturas japonesa e ocidental, conferindo especial atenção às obras e práticas de dois artistas, o diretor de cinema Yasujiro Ozu e o paisagista Mirei Shigemori. Quatro textos delineiam quatro dúvidas: o ensaio, o tempo (cinema), o espaço (jardim) e os encontros (meus trabalhos visuais).Looking through references and relations that contribute to broaden the possibilities of thinking and creating in Visual Arts, The essays of Lady Shadow (????????? Shadôsan no zuihitsu) casts a wandering eye into Japanese and Western arts and cultures, bestowing a special attention on the works and practices of two artists, the film director Yasujiro Ozu and the landscape designer Mirei Shigemori. Four texts outlining four topics: the essay, time (cinema), space (garden) and the poetic encounters (my artworks).
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Pereira, Eliana [UNESP]. "Arte, vida e formação de professores." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2010. http://hdl.handle.net/11449/86928.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2010-12-07Bitstream added on 2014-06-13T18:49:14Z : No. of bitstreams: 1
pereira_e_me_ia.pdf: 647047 bytes, checksum: ebbc4570f6b9237a412d0360811df275 (MD5)Universidade Estadual Paulista (UNESP)
Esta pesquisa inicia com uma narrativa autobiográfica, na qual a pesquisadora relata sua prática pedagógica, conta histórias sobre ensinar/aprender e sobre a formação de professores. No decorrer da dissertação, a investigação vai-se adensando, fios vão sendo tecidos para articular as dimensões da vida, da arte, da educação e da práxis política. A narrativa da história de vida, uma das modalidades da pesquisa qualitativa, parte da prática, que é uma forma interessante de pesquisar quando se banha na teoria, porque permite ser revista, superada e propor soluções à luz de novos estudos, que podem trazer ideias renovadas, se submetidas à teorização. O ideário de Paulo Freire, Ana Mae Barbosa, Rejane Coutinho, John Dewey, Jorge Larrosa, Imanol Aguirre e Vigostski balizaram a pesquisa. A autora, atuando como Supervisor Escolar da Rede Municipal de Educação de São Paulo, descreve dois processos de formação de gestores educacionais mediados pelas artes visuais em momentos distintos: visitas a museus e a exposições de arte e um encontro de formação com uma imersão na arte contemporânea. Estabelecer ligações entre a vida e a escola, promover reflexões e significação no ato de ensinar e aprender são urgências que se colocam aos educadores. A intenção dessas mediações com arte foi alimentar os sentidos, os sonhos, e promover um distanciamento entre os educadores e a rotina institucional, apostando que num outro tempo, em outro espaço e através da linguagem visual, reflexões pudessem ser mobilizadas e a arte conviesse como metáfora para olhar a vida e a educação. Essa pesquisa em arte/educação possibilitou à pesquisadora estruturar uma metodologia de formação de professores tendo a arte como linguagem mediadora. Grande Área: letras, lingüística e artes
This research begins with an autobiographical narrative, in which the researcher describes their teaching, telling stories about teaching/learning and on teacher training. During the dissertation research will be denser, yarns are being woven to articulate the dimensions of life, art, education, and of praxis politics. The narrative of the life history, a form of qualitative research, part of the practice, which is an interesting way to search when you soak in theory, because it allows to be revised, to surmount and propose solutions in light of new studies that can bring ideas renewed, is subject to theory. The ideas of Paulo Freire, Ana Mae Barbosa, Rejane Coutinho, John Dewey, Jorge Larrosa, Imanol Aguirre and Vigostski guiding the research. The author, serving as Supervisor of the Municipal Schools of São Paulo, describes two processes of educational management training mediated by the visual arts in different times: visits to museums and art exhibitions and a meeting with an immersion training in contemporary art. Making connections between life and school, to promote reflection and meaning in the act of teaching and learning are emergencies that arise for educators. The intent of these mediations with art was feeding the senses, dreams, and promote a gap between educators and the institutional routine, betting that in another time, another space and through visual language, thinking and art could be mobilized as a metaphor suited to look at life and education. This research in art/education enabled the researcher to structure a training methodology for teachers taking art as a language mediator
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Perissinotto, Paula Monseff. ""O Cinestimo Interativo nas Artes Plásticas: Um trajeto para a Arte Tecnológica"." Universidade de São Paulo, 2001. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27131/tde-31032004-214306/.
Full textAbstract:
RESUMO Este estudo mostra como se deu a relação das artes visuais com a ciência e a tecnologia. Para isso, partiu das idéias lançadas pelos irmãos Naum Gabo e Anton Pevsner, construtivistas russos, através do Manifesto realista, procurando libertar as artes visuais de seu estigma de arte estática. Esta pesquisa acompanhou o trajeto de artistas (Archipenko, Ducahmp, Gabo, Pevsner, Moholy Nagy, Mari, Bury, Tinguely, Schöffer, Takis, Tatlin, Rodchenko, Man Ray, Calder, Le Parc, Palatinik, Lígia Clarck, Robert Rauchemberg, Christa Sommer&Laurent Mignonneau, Jeffrey Shaw...) que, ao longo do século XX, desenvolveram pesquisas nesta linha. Este trabalho percorreu a história da arte cinética, apontando artistas que exploraram a interatividade (a perceptiva, a espaço/temporal ou a potencial surgida da relação da arte com a tecnologia) além daqueles que buscaram soluções em outras disciplinas, tanto em outras artes como na ciência. Mostra como a complexidade desta interdisciplinaridade criou mudanças de conceitos formais, estruturais e estéticos. Enfoca também como a adesão das artes às novas tecnologias provocou transformações não apenas no mundo dos artistas, mas também no universo institucional que incentiva e promove as artes visuais contemporâneas.Abstract This study intends to analyze the relationship between visual arts, science and technology. Its initial reference is the idea written by two Russian Constructivist artists, Naum Gabo and Anton Pevsner, in the Realist Manifesto, in 1920. The two artist, that were also brothers, were trying to free visual arts of its static art's stigma. For that, this research followed some artists' itinerary that developed researches with this approach in the 20th century, such as Archipenko, Duchamp, Flatters, Pevsner, Moholy Nagy, Mari, Bury, Tinguely, Schöffer, Takis, Tatlin, Rodchenko, Man Ray, Calder, Reads Parc, Palatinik, Lígia Clarck, Robert Rauchemberg, Christa Sommer&Laurent Mignonneau, and Jeffrey Shaw. This work went trough the kinetic art history and examined artists that have explored the interaction pointing in their works (the perceptive interaction, the space interaction and the new potential interaction that appeared from the relationship between art and technology), and examined as well as artists that have found solutions in others discipline, such as science. The complexity of this interdisciplinary relationship created formal, structural and aesthetic concepts changes in the art world. Finally, the study also focuses in how the artists adhesion to new technologies provoked transformations in the institutions that motivates and promotes the contemporary visual arts.
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Santos, Mara Pereira dos. "Curadoria, pedagogia e colaboração social." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2012. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=4416.
Full textAbstract:
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível SuperiorNa virada para o século XXI artistas e curadores em bienais e outras exposições internacionais estão adotando formas colaborativas e educacionais de fazer arte e curadoria envolvendo artistas e não artistas, comunidades, escolas e outras instâncias sociais. Essas iniciativas criam encontros interdisciplinares onde imbricações entre arte e não-arte são colocadas em questão, considerando contextos sociopolíticos mundiais, a globalização e outros temas pós-colonialistas. A dissertação examina as aproximações e atravessamentos de culturas e identidades, questões de centro e periferia, local e global gerando entre-lugares e o interesse por propostas de site-oriented, geradoras de situações de convivência, compartilhamento de experiências coletivas e prática educativa. A pesquisa reflete sobre as intenções dos artistas, curadores, a participação do público e o diálogo entre diferentes discursos críticos e campos do conhecimento em projetos com essas características. O estudo de caso é o projeto Cadernos de Viagem, projeto de residência artística e exposição, realizado na 8 Bienal do Mercosul, em Porto Alegre, Brasil, 2011. Diversos teóricos como Homi Bhabha, Jacques Rancière, Nicolas Bourriaud, Claire Bishop, Grant Kester, Miwon Kwon, Moacir dos Anjos e Félix Guattari, são abordados, entre outros
At the turn of the 21st century artists and curators in biennials and other international exhibitions are embracing collaborative and educational forms of artmaking and curatorship that both involve artists and non-artists, communities, schools and other social contexts. These initiatives create interdisciplinary encounters where the interconnections between art and non-art are questioned and sociopolitical contexts explored, as well as themes of globalization and post-colonialism. The dissertation examines the proximities and challenges of interactions between different cultures and identities, issues of center and periphery and the local and global that create between-places and micropolitical interventions via these site specific situations of conviviality and sharing of collective experience and education practice. The research reflects on the intentions and contradictions of artists, curators, educators, public participation, and the dialogue between different critical discourses and fields of knowledge in projects with these characteristics. The case study is Travel Notebooks, an artist residency and exhibition project of the 8th Mercosul Biennial in Porto Alegre, Brazil, 2011. Various theorists such as Homi Bhabha, Jacques Rancière, Nicolas Bourriaud, Claire Bishop, Grant Kester, Miwon Kwon, Moacir dos Anjos and Félix Guattari are drawn upon, among others
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Ferreira, Rita [UNESP]. "A nova praça da Sé de São Paulo e suas esculturas." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2006. http://hdl.handle.net/11449/87012.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2006-05-12Bitstream added on 2014-06-13T19:27:55Z : No. of bitstreams: 1
ferreira_r_me_ia.pdf: 1806740 bytes, checksum: 57ca609845ef236c8c33c2b3ebff190e (MD5)Este trabalho de pesquisa sobre Arte Pública retrata a Nova Praça da Sé de São Paulo e suas esculturas. A Sé é um espaço com uma referência simbólica muito forte para a cidade, apesar das transformações que passou ao longo do tempo. A mais radical ocorreu na década de 60, para a instalação do Metropolitano na região, e é dessa época também a instalação do seu Jardim de Esculturas, considerado um dos principais núcleos escultórios de São Paulo. Outros elementos também foram importantes para esta pesquisa, como a memória arquitetônica e a relação que as pessoas têm com seus lugares preferidos, considerando que o ser humano, é o elemento mais importante, dentro desse espaço construído, que é a cidade.
This research about Public Art, retracts the New Sé's Square of São Paulo and theirs scultures. The Sé is a very strong symbolic reference space for city, even the transformations that has passed over through the years. The most radical happened on the 70's, for the Undergound subway installation of the region; and the Sculture's Garden is from this time as well, consider one of the principle Sculture's Nucleus from São Paulo. From this research others elements were important, like the arquitetonics memory and the relation that people have with theirs favorite places, considering the human the most important element in this built space, that is the city.
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Tura, Paula Ferreira. "Poéticas corporais: o corpo no ambiente natural: uma proposta contemporânea em arte visual." Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2014. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/1887.
Full textAbstract:
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Paula Ferreira Tura.pdf: 3733621 bytes, checksum: 90ca850ef38cf31e3d0fbee359d7c06f (MD5)
Previous issue date: 2014-02-12Fundo Mackenzie de Pesquisa
This research, through the visual arts sacralizes the contact of the human body with the natural environment. The author who is an artist-researcher has chosen the Contemporary Art as a language to her proposals. The dissertation was written in One Chapter composed as: interventions developed by the researcher with photos and descriptions followed by an artist of reference with images of it´s work and an analysis of the art work proposed by the researcher with concepts and discussion of arguments. To each posture of Contemporary Art there is a range of different art pieces to be viewed: Body Art there is a body painting and imprinting, and cast´s mold of body parts; Performance Art-there are registration of the shadows produced by the body during an yoga practice and the projection of the shadow of a tree leave on top of a body and the match of the body with a tree and a ruin of a building; Arte Povera there is a branch painted in red and the construction of a feminine body with sand and cloth; Land Art there is a construction of little cloth trees, the drawings on the beach sand, a collective work to make rocks softer, the creation of colorful and sand paths and the interventions with ink on sand sculptures found at the beach. The body, main object of this work, feels and become visible the marks of restlessness that carry about the social imposed patterns of behavior and esthetics and the relation with the natural environment. Carry itself the memories of choices made and paths coursed. The art proposals here included express what the speech misses, express the pains of the reflexive path coursed, the listening, the feeling, the contemplation, the process of waiting.
Esta pesquisa se utiliza da arte visual para sacralizar o contato do corpo com o ambiente natural. A autora que é uma artista pesquisadora escolheu a Arte Contemporânea como linguagem para suas intervenções. Desta forma, a obra foi escrita em Capítulo Único composto por: intervenção proposta pela pesquisadora com fotos e descrições, seguida de um artista de referência com imagens de seu trabalho e por fim uma análise do trabalho realizado contendo os conceitos e discussão de argumentos. Assim, estão em Body Art obras de pintura corporal, impressão corporal, molde de partes do corpo em gesso; em Performance Art o registro da projeção da sombra do corpo - durante a realização de movimentos de yoga e de projeção da sombra de folhas de árvores sobre o corpo; o encaixe do corpo em raízes de árvore e em espaços de uma construção em ruínas; em Arte Povera há a pintura em tronco de árvore, a construção de corpo feminino em areia com utilização de retalhos e em Land Art há a construção de pequenas árvores de tecido, a grafia na areia da praia, a construção coletiva de amaciamento de pedras, criação de rastros coloridos e caminhos de areia e por fim a intervenção com corante em esculturas e desenhos de areia. Todas as propostas artísticas acontecem em ambiente natural mais precisamente o litoral do Estado de São Paulo em relação ao qual a autora possui grande conhecimento e afinidade. O corpo, objeto principal deste trabalho sente e transparece a marca das inquietações que carrega como os padrões sociais impostos de comportamento e de estética, do tempo acelerado nos grandes centros e do convite à introspecção proveniente do contato com o ambiente natural. Carrega em si as memórias das escolhas feitas e caminhos traçados. As propostas aqui inclusas propõem a expressão que falta à fala, exprimem as dores do trajeto reflexivo, o ouvir, o sentir, o contemplar, o esperar.
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Oliveira, Lia Fernanda Ramos de 1983. "Parábolas e fabulações : uma investigação em arte." [s.n.], 2014. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285221.
Full textAbstract:
Orientador: Marta Luiza StrambiDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
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Resumo: Esta dissertação, "Parábolas e Fabulações: uma Investigação em arte", estabelece uma relação entre obras de minha autoria - o que inclui desenhos, pinturas e grafites - e as análises desta mesma produção feitas através de uma pesquisa que contempla os referenciais teóricos aos quais ela se relaciona, implicando ainda num diálogo circunstanciado com a história da arte. O trabalho processa-se por meio de textos que abordam aspectos correlatos à Arte Lowbrow, numa hibridização desse movimento. Trata-se de uma estética atual, proveniente da arte urbana underground, que problematiza poéticas advindas do campo da arte contemporânea, como a cultura dos remakes e a Pattern Painting, com distintas modalidades; assim como pode absorver movimentos anteriores, estabelecendo relações com a contracultura e a cultura popular
Abstract: This thesis: "Parables and fabulations: An Investigation into art" is a relationship between my art production - which includes drawings, paintings and graffiti - and the analysis of this works, through a survey which includes its theoretical frameworks, implying in a dialog based on the history of art. This work goes through texts that connects themselves to aspects correlated to the Lowbrow Art, in an hybridization of this movement. It is a current aesthetic, from the underground urban art, which discusses poetics coming from the field of contemporary art, as the remake and Pattern Painting culture, with different modes; and can also absorb previous movements, establishing relationships with the counterculture and popular culture
Mestrado
Artes Visuais
Mestra em Artes Visuais
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VALENÇA, Kelly Bianca Clifford. "Arte contemporânea na formação de professores [manuscrito]: um estudo com alunos da licenciatura em artes visuais da UFG." Universidade Federal de Goiás, 2009. http://repositorio.bc.ufg.br/tede/handle/tde/2805.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2009-04-28The way artifacts influence and are influenced by culture is a recurrent topic in the contemporary scene. Images, toys and art works integrate such ideological framework which impels behavior and contributes for an alienated consumption. To educate in a context in which images seduce and attract for consumption invading our daily life is one of the challenges of art teaching. Contemporary art has a potential to give voice to students subjectivity and to promote dialogical, critical and inclusive learning. This work investigates the way how six students, future teachers three women and three men attending the Visual Arts Teaching Program at the Visual Arts College of the Federal University of Goiás, understand and interrelate with contemporary art images as their teaching object. Inspired on my observations concerning the resistance to the use of these images in classrooms, this research constitutes a sample of collected data that builds a net of point of views that sometimes overcross, sometimes diverge, but, especially, reflect pedagogical, social and cultural issues naturalized in the understandings and conceptions of those future teachers. Developed through individual interviews and focal groups, this investigation is oriented by a qualitative methodological perspective which considers images, talks, silences, gestures and reactions as part of a critical and constructive analysis of narratives that dialogue with visual culture
A maneira como artefatos influenciam e são influenciados pela cultura é fator recorrente na contemporaneidade. Imagens, brinquedos e obras de arte integram esse arcabouço ideológico que incita comportamentos e contribui para um consumo alienado. Educar num contexto em que imagens seduzem e atraem para o consumo invadindo nosso cotidiano é um dos desafios do ensino de arte. A arte contemporânea apresenta um potencial para considerar a subjetividade de alunos e, conseqüentemente, favorecer um ensino dialógico, crítico e inclusivo. Este trabalho investiga o modo como seis alunos, futuros professores três mulheres e três homens do curso de Licenciatura em Artes Visuais da Faculdade de Artes Visuais (FAV) da Universidade Federal de Goiás (UFG), compreendem e se relacionam com imagens da arte contemporânea como objeto de ensino. Inspirada na minha observação sobre a resistência ao uso destas imagens em salas de aula, esta pesquisa se configura como uma mostra de dados que constrói uma trama de opiniões que ora se entrecruzam, ora divergem, mas, sobretudo, refletem questões pedagógicas e sócio-culturais naturalizadas nas compreensões e concepções destes futuros professores. Uma metodologia qualitativa desenvolvida através de entrevistas individuais e grupos focais orientou esta investigação que considera imagens, falas, silêncios, gestos e reações como partes integrantes de uma análise crítica e construtiva de relatos que dialogam com a cultura visual
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Azevedo, Isadora Gonçalves de. "O lugar da América Latina na formação inicial de professores de artes visuais no Brasil e na Argentina." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2014. http://tede.udesc.br/handle/handle/702.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2014-07-29Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This research is part of the "Observatory of Arts Teacher Education: comparative studies between Brazil and Argentina" and was developed in the line of research Teaching of Visual Arts (PPGAV / UDESC), on the subject of initial teacher training in arts, which usually precedes the work as teachers. The object of this research is the proposed curriculum of graduate s courses. We intend to identify how the contents on Latin America are included in the initial training of teachers in terms of curriculum matrices. We develop a case study that includes two neighboring realities: the Brazilian and Argentine, and results in a comparative study that parts from the question: "How content on Latin America are included in the undergraduate curriculum of visual arts in Brazil and Argentina?". The courses were analyzed are the three Brazilian state universities: the University of the State of Santa Catarina (UDESC), University of São Paulo (USP) and the State University of Rio de Janeiro (UERJ), and two Argentine federal universities: the National Institute of Arts (IUNA) and the National University of La Plata (UNLP), in order to deepen our reflections on a Brazilian and an Argentine reality, respectively, USP and UNLP. The selection of the five courses refers to universities whose teachers participate in the Observatory. Two hypotheses follow the first steps of this research: the first is that the content related to Latin American context rather appear in the curriculum of undergraduate education in visual arts, and when this occurs is through curriculum adaptations, since they were not planned to meet this demand; the latter is that the Argentine reality inserting content about Latin America is higher than in the Brazilian reality. Among the results, we emphasize that authors and Latin American artists permeate the initial training of arts teachers in both countries, but in both cases, insertion of such content constitutes a small portion of the curriculum.
A presente investigação é parte integrante do Observatório da Formação de Professores de Artes: estudos comparados entre Brasil e Argentina e foi desenvolvida na linha de pesquisa Ensino das Artes Visuais do PPGAV/UDESC, tendo como tema a formação inicial de professores de artes, a qual antecede, a princípio, a atuação destes sujeitos como educadores. O objeto de estudo desta pesquisa é a proposta curricular dos cursos de licenciatura. Objetivamos, aqui, identificar de que maneira os conteúdos sobre a América Latina estão inseridos na formação inicial dos professores no tocante às matrizes curriculares. Desenvolvemos um estudo de caso que engloba duas realidades vizinhas: a brasileira e a argentina, e resulta num estudo comparado que parte da seguinte questão: Como os conteúdos sobre a América Latina estão inseridos no currículo das licenciaturas em artes visuais no Brasil e na Argentina? . Os cursos analisados correspondem a três universidades estaduais brasileiras: a Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC), a Universidade de São Paulo (USP) e a Universidade Estadual do Rio de Janeiro (UERJ), e duas instituições federais argentinas: o Instituto Nacional de Artes (IUNA) e a Universidade Nacional de La Plata (UNLP), de modo a aprofundarmos nossas reflexões sobre uma realidade brasileira e uma argentina, respectivamente, a USP e a UNLP. A seleção dos cinco cursos refere-se às universidades cujos professores participam do Observatório. Duas hipóteses acompanham os primeiros passos dessa investigação: a primeira é que os conteúdos referentes ao contexto latino-americano pouco aparecem nos currículos das licenciaturas em artes visuais e, quando isto ocorre, é por meio de adaptações curriculares, uma vez que eles não foram planejados para atender a essa demanda; a última é que, na realidade argentina, a inserção de conteúdos sobre a América Latina seja maior do que na realidade brasileira. Dentre os resultados obtidos, destacamos que autores e artistas latino-americanos permeiam a formação inicial dos professores de artes dos dois países, mas, em ambos os casos, tal inserção de conteúdos constitui uma pequena parcela do currículo.
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Bruna, Pérez Paula. "Arte y ecología política. Un viaje desde el modelo antropocéntrico a las realidades de los no humanos." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2021. http://hdl.handle.net/10803/671229.
Full textAbstract:
Partiendo de la ecología política (las relaciones entre los seres humanos y los sistemas ecológicos que los albergan), se analizan las visiones del arte sobre los conflictos ecológicos y, a través de la investigación artística, se profundiza en la posibilidad de cambio del paradigma establecido mediante la apertura hacia otras subjetividades y puntos de vista no humanos.
La investigación toma la forma de viaje exploratorio que parte del modelo socioeconómico y sus relaciones con el entorno y continúa más allá del mundo antrópico; un viaje que transcurre del análisis racional a la aproximación emocional y empática con el otro no humano, catalizado por una combinación de arte, ciencia y ficción que deviene clave en esta exploración ulterior.
Esta tesis se estructura en tres partes principales, precedidas de un preludio y seguidas por una coda. El preludio es una introducción a los temas de referencia que dibuja el punto de partida de la investigación. En la primera parte se analizan las alternativas económicas y políticas que se plantean ante los conflictos ecológicos y cómo están recogidas en el arte contemporáneo. La segunda parte se centra en la aproximación a subjetividades no humanas en respuesta al excesivo antropocentrismo con el que entendemos el mundo. En ella se expone el proyecto de investigación artística El Plantoceno y se contrasta con otras propuestas artísticas de referencia. La tercera parte profundiza en el imaginario de futuros posibles según nuestro modelo ecosocial occidental, sus límites, sus ficciones y sus aporías, y describe el proyecto Eco.ficciones, una práctica artística colectiva para la imaginación de realidades alternativas.
Finalmente, a modo de corolario se formulan las principales conclusiones de la tesis.
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Farias, Daniela Santos de. "Convergência de linguagens nas artes visuais : cinema, vídeo, teatro e internet /." São Paulo, 2013. http://hdl.handle.net/11449/86844.
Full textAbstract:
Orientador: Rosangela da Silva LeoteBanca: Pollyana Ferrari
Banca: Agnaldo Valente
Resumo: Esta dissertação tem por objetivo a análise e a investigação acerca da hipótese de convergência de linguagens nas artes visuais: cinema, vídeo, teatro, por meio de suportes orgânicos e tecnológicos com o uso da internet ou não. Foram apresentados e analisados obras de teatro como, a Companhia Phila7, Teatro Para Alguém, La Fura dels Baus, a peça teatral Descrição de Imagem - DDI de Heiner Müller, o Cinema Vivo do cineasta Alexandre Carvalho, o filme SuperBarroco da cineasta Renata Pinheiro, o filme Lixo de Cabeceira de Peter Greenaway, o docmentário 33 de Kiko Goifman, o filme a Bruxa de Blair dos diretores Daniel Myrick, Eduardo Sánchez, a Shadow Art de Tim Noble e Sue Webster, A Câmera Obscura de Abelardo Morell e a Ópera Dido e Aeneas de Henry Purcell. Para o embasamento teórico, foram resgatadas considerações a respeito do pensamento complexo, a questão do dispositivo, da convergência, do hipertexto, do rizoma, a questão do virtual, do hibridismo, com o intuito de demonstrar a confluência existente entre diferentes linguagens. Por isso, recoremos às ideias de Edgar Morin, Arlindo Machado, Lúcia Santaella, George Landow, Pierre Lévy, Gilles Deleuze, Felix Guattari, Heiner Müller, Henry Jenkins, Serguei Eisenstein, Umberto Eco, Katia Maciel, Urbano Nobre Nojosa, Pollyana Ferrari, Agnus Valente, entre outros. O trabalho: Convergência de linguagens nas artes visuais: cinema, vídeo e internet, evidencia as modificações ocorridas no campo dos dispositivos de comunicação e das linguagens aqui abordadas, e suas repercussões no âmbito das artes e no espaço sócio cultural da contemporaneidade
Resumen: Esta disertación tiene como objetivo el análisis y la investigación sobre la hipótesis de la convergencia de las lenguajes en las artes visuales: cine, video, teatro a través de soportes orgánicos y tenológicos que utilizan Internet o no. Fueron analisados y presentados como obras de teatro, la Compañía Phila7, Teatro Para Alguém, La Fura dels Baus, la obra Descripción Imagen - DDI Heiner Müller, Live Cinema cineasta Alexandre Carvalho, la película SuperBarroco cineasta Renata Pinheiro, la película The Pillow Book de Peter Greenaway. el documental 33 Kiko Goifman la película The Blair Witch directores Daniel Myrik, Eduardo Sánchez, Shadow Art - Arte Sombra de Tim Noble y Sue Webster, la cámara oscura de Abelardo Morell, la Ópera Dido y Eneas de Henry Purcell. Por los antecedentes teóricos, fueron rescatados consideraciones sobre el pensamiento complejo, la cuestión de la convergencia, dispositivo, el hipertexto, la rizoma, la cuestión de la hibridación virtual para demonstrar la confluencia entre diferentes lenguajes. Por lo tanto, utilizamos las ideas de Edgar Morin, Arlindo Machado, Lucia Santaella, George Landow, Pierre Lévy, Gilles Deleuze, Félix Guattari, Heiner Müller, Henry Jenkins, Sergei Eisenstein, Umberto Eco, Katia Maciel, Urbano Nobre Nojosa, Pollyana Ferrari, Agnus Valente entre otros. Trabajo: La convergencia de las lenguajes en las artes visuales: cine, video, teatro y internet, evidencia los cambios en el campo de los dispositivos de comunicación y lenguajes dicutidos aquí, y sus repercusiones en las artes y el espacio socio-cultural contemporáneo
Mestre
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Freire, Sofia Nobre. "A obra de arte como recurso pedagógico: educação visual, 8º ano." Master's thesis, Universidade da Beira Interior, 2013. http://hdl.handle.net/10400.6/1594.
Full textAbstract:
O presente Relatório de estágio intitulado - Prática de Ensino Supervisionada - A Obra de Arte
como recurso Pedagógico - Educação Visual 8º ano - surge no âmbito do Mestrado em Ensino
de Artes Visuais no 3º Ciclo do Ensino Básico e no Ensino Secundário.
O Relatório está dividido em dois capítulos. O primeiro dedica-se a refletir sobre a
importância e contribuições da obra de arte, no ensino formal, sobretudo nas disciplinas
específicas de artes visuais. Pretende-se, assim, contribuir para elucidar sobre qual a
verdadeira função das imagens e obras de arte em sala de aula ou qual o modo mais adequado
de usá-las. No fundo parte-se da importância da utilização da imagem como recurso
pedagógico e do elencar e fundamentar as suas potencialidades para “cair” na obra de arte
visual. Neste sentido, procura-se conhecer e saber o que é a imagem da obra de arte e como
esta pode contribuir para a educação integral das crianças e jovens. Além disso, este relatório
tem por finalidade refletir acerca da adoção de metodologias que privilegiam o contacto com
as obras de arte e os contributos que estas possam ter no desenvolvimento da educação pela
e para a arte e, ao mesmo tempo, fornecer aos educadores um conjunto de ferramentas
facilitadoras e mobilizadoras desse conhecimento na planificação da sua prática pedagógica.
O segundo capítulo reflete o percurso na prática de ensino supervisionada realizada no 3º
Ciclo do Ensino Básico, na Escola Secundária Quinta das Palmeiras, na cidade da Covilhã,
centrando-se no relato de experiências pedagógicas propostas com recurso à Obra de Arte e
demonstrando, através dos trabalhos dos alunos, os resultados que se podem obter ao
recorrer a algumas metodologias mencionadas no capítulo I.
Paralelamente dá-se a conhecer todo o trabalho desenvolvido ao longo do ano letivo,
sublinhando os conhecimentos adquiridos, competências e reflexões proporcionados ao longo
de todo este processo.This internship report titled - Supervised Teaching Practice - A Work of Art as a Pedagogical Resource - Visual Education 8th year - comes as part of the Master in Teaching Visual Arts in the 3rd Cycle of Basic Education and Secondary Education. The report is divided into two chapters. The first is dedicated to reflect on the importance and contributions of the artwork, in formal education, especially in specific disciplines of visual arts. It is intended, therefore, contribute to elucidate what the true function of the images and works of art in the classroom or what the most appropriate way to use them. In the background is the importance of using the image as a pedagogical resource and listing and substantiate their potential to "fall" in the work of visual art. In this sense, we seek to know and what is the image of the artwork and how it can contribute to the integral education of children and youth. In addition, this report aims to reflect on the adoption of methodologies that emphasize contact with works of art and the contributions they may have in the development of education and art and at the same time, provide educators a set tools facilitating and mobilizing this knowledge in planning their teaching. The second chapter reflects the way in supervised teaching practice held on the 3rd Cycle of Basic Education, Secondary School Quinta das Palmeiras, in the city of Covilhã, focusing on reporting pedagogical experiences proposals using the Work of Art and demonstrating through of student work, the results that can be obtained by resorting to some methodologies mentioned in Chapter I. Parallel gives themselves known all the work over the school year, underlining the acquired knowledge, skills and reflections provided throughout this process.
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Dourado, Diego de Menezes. "Convergência : relações entre arte, poesia e música." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2016. http://hdl.handle.net/10183/171443.
Full textAbstract:
O presente projeto concentra-se nas relações entre artes visuais, poesia e música. A partir de uma produção poética individual e em diálogo sistemático com outros autores e artistas, a investigação pretende levantar alguns questionamentos sobre os limites da linguagem, bem como apresentar novas possibilidades de criação poética num contexto relacional com outras proposições artísticas.The present project concentrates on the relations between visual arts, poetry and music. From a poetic production individual and systematic dialogue with other authors and artists, as well as raise some questions about the limits of language, seeking new possibilities of poetic creation in a relational context with other artistic propositions.
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Freitas, Cristiane Alves. "Tablet, uma janela para a arte : experiências colaborativas na formação docente em artes visuais." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2014. http://tede.udesc.br/handle/handle/704.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2014-07-28Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This research was developed in the field of researching on Teaching of Arts by The Postgraduate Program of Visual Arts of UDESC. This research had the aim to investigate the process of assimilation of the use of Tablets by Visual Arts teachers while they integrated the group of participants of teaching studies formation through aesthetical and pedagogical experiences in the mini course Tablet uma janela para arte: experiências colaborativas na formação docente em Artes Visuais", Tablet a window/perspective to Arts: collaborative experiments and works on continuum studies on Visual Arts , a pilot project on Teachers continuum studies on Visual Arts which was planned and developed to this research. This is a qualitative and participative research which the main focus was the dialectical method. The data was collected from March of 2013 to June of 2014. The participants of the mini course were 07 Arts teachers and 01 pedagogue that were working at Grande Florianopolis public schools and who had the Tablet Educacional which was distributed by MEC. The theoretical references were based on dialectical materialism: Marx (1982) and Gramsci (1990), to lead to a reflection about the concepts of work and critical awareness; (1989), Vazquez (1995), and Peixoto (2001, 2002 e 2003), about Dialectic, Arts and Creative Praxis; Vieira Pinto (2005), about the concept of technology , Rosa (2004), Cunha (2008) and Sosnowski (2011), about teaching formation and the Teaching of Arts. As main results of this research stand out: the importance of continuing formation courses to teachers under a dialectical historical point of view to the development of a critical awareness and a creative praxis to Arts teachers; the need for offering to teachers a more extensive discussion about public policies and pedagogical aestheTIC potential about the use of the Tablet to occur an effective incorporating of this technology at school; the need for better work conditions to teachers to make them able to integrate and participate the processes of continuing formation, as well, the increasing to the access of digital art, museums and visual arts contents with quality that are available on the web, into the process of teaching formation and teaching of arts.
Desenvolvida na Linha de Pesquisa Ensino de Arte, do Programa de Pós-Graduação de Artes Visuais da UDESC, esta pesquisa objetivou investigar o processo de incorporação dos tablets na formação docente continuada a partir de experiências estéticas e pedagógicas vivenciadas pelos professores de Artes Visuais durante a Oficina Tablet uma janela para arte: experiências colaborativas na formação docente em Artes Visuais", um Projeto Piloto de formação continuada, planejado e desenvolvido para este processo de investigação. Esta pesquisa é qualitativa participante, com enfoque no método dialético. Os dados foram coletados entre março de 2013 e junho de 2014. Participaram da Oficina 7 professores de artes e 01 pedagoga, atuantes em escolas públicas da Grande Florianópolis que possuem o Tablet Educacional distribuído pelo MEC. Nossos referenciais teóricos têm fundamento no materialismo histórico dialético: Marx (1982) e Gramsci (1990), para refletir acerca dos conceitos de trabalho e consciência crítica; Kosik (1989), Vazquez (1995), e Peixoto (2001, 2002 e 2003), sobre a dialética, arte e práxis criadora; Vieira Pinto (2005), sobre o conceito de tecnologia, e Rosa (2004), Cunha (2008) e Sosnowski (2011), sobre a formação de professores e o ensino de artes. Como principais resultados desta investigação destacam-se: a importância dos cursos de formação continuada sob um enfoque histórico-dialético para o desenvolvimento de uma consciência crítica e uma práxis criadora para os professores de artes; a necessidade de oportunizar aos professores uma discussão mais ampla das políticas públicas e potencialidades pedagógicas e estéticas do tablet para que haja uma efetiva incorporação dessa tecnologia no contexto escolar; a necessidade de melhores condições objetivas de trabalho para que os professores possam participar dos processos de formação continuada, bem como a ampliação do acesso a arte digital, museus e conteúdos de qualidade das Artes Visuais disponíveis na web, nos processos de formação docente e ensino de artes.