Dissertations / Theses: 'Arte do Design'

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VIDELA, Ana Neuza Botelho. "Joalheria, arte ou design?" Universidade Federal de Pernambuco, 2016. https://repositorio.ufpe.br/handle/123456789/18521.

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Abstract:

Submitted by Fabio Sobreira Campos da Costa (fabio.sobreira@ufpe.br) on 2017-04-07T14:30:03Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Tese_AnaVidela-BC.pdf: 7308945 bytes, checksum: 4c1f640fa3aec51469e3dae2aeacfdce (MD5)
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A proposta do estudo visou comparar duas formas de fazer joalheria, uma mais próxima dos paradigmas da arte e outra com um viés mais comercial para, dessa forma, entender os processos que condicionam a atuação dos produtores das duas categorias. Neste sentido, o objetivo da pesquisa foi identificar em quais circunstâncias a joalheria é considerada arte, por ser uma categoria orientada para a produção de trabalhos mais experimentais, os quais podem ter a intenção de problematizar a ornamentação corporal ou a linguagem da joalheria ou, ao contrário, em que contexto é compreendido como uma atividade fruto do processo de design, adotando, porém, os pressupostos da joalheria para atender ao mercado. Do ponto de vista metodológico, distinguir as características dos produtos gerados a partir da influência dos dois campos de atuação implicou no acompanhamento das práticas de produção, comercialização, eventos de divulgação dos segmentos e lançamentos de coleções, tanto das joias produzidas por designers de joias, quanto das joias produzidas por artistas joalheiros. A construção teórica da pesquisa objetivou abarcar o ponto de vista do sujeito e seu contexto, além da agência do objeto resultante da formação de coletivos produtores de joias. O estudo também abarcou a reflexão sobre corpo artefatual, não só em referência a um corpo fabricado, mas no intuito de entender o corpo como feito por artefatos. Neste sentido, a obra de Bruno Latour serviu como ferramenta para se pensar o corpo como constitutivamente sendo feito a partir da composição dos atores humano e atores não-humanos. Assim, um dos aspectos que se discute são as redes entre sujeitos e seus objetos. Como resultados, observamos que os joalheiros, por se situarem entre os dois campos de práticas, parecem se encontrar em um espaço liminar. De um lado, afirmam que o que os diferenciam das outras formas de produzir joalheria é a exploração ou experimentação do objeto associado ao corpo, o qual é dotado de intencionalidade, ao manifestar o pensamento de quem o fez. De outro lado, têm-se os produtores que se identificam com o campo do design, para quem todos os aspectos do comércio joalheiro devem estar cuidadosamente em consonância com a proposta do produto.
The purpose of the study was to compare two ways to make jewelry, one closer of art paradigms and the other with a more commercial bias to thus understand the processes that affect the way producers of the two categories act. In this sense, the objective of the research was to identify under what circumstances jewelry is considered art for being a category targeted on production of more experimental works, which may be intended to problematize the body ornamentation or the jewelry language or, otherwise, in which context is understood as a result of an activity design process, adopting, however, the jewelry assumptions to meet the market. From a methodological point of view, distinguishing the characteristics of products generated by the influence of the two fields of activity, involved the monitoring of production practices, marketing, dissemination events of the segments and collections launches of both the jewelry produced by jewelry designers, as the jewelry produced by artists jewelers. The theoretical construction of the research aimed to encompass the subject's point of view and its context, in addition to the object's agency resulting of the formation of jewelry producers collectives. The study also encompassed reflection on artifactual body, not only in reference to a manufactured body, but in order to understand the body as made by artifacts. n this sense, the work of Bruno Latour served as a tool for thinking about the body as constitutively made from the composition of human actors and non-human actors. Thus, one of the aspects discussed are the networks between subjects and their objects. As results, we noticed that jewelers, because they are located between the two camps practices, seem to find themselves in a liminal space. On one hand, they claim that what differentiate them from other forms of producing jewelry is the exploration or experimentation of the object associated with the body, which is endowed with intentionality, to express the thought of who did it. On the other hand, there are the producers who identify themselves with the design field, for whom all aspects of the jewelry trade must be carefully in line with the proposal of the product.

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Panoias, André Silva. "Slow design e arte pastoril." Master's thesis, Universidade de Lisboa, Faculdade de Arquitetura, 2019. http://hdl.handle.net/10400.5/20127.

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Abstract:

Dissertação de Mestrado em Design, com a especialização em Design de Produto apresentada na Faculdade de Arquitetura da Universidade de Lisboa para obtenção do grau de Mestre.
prático e ancestralidade. A Arte Pastoril é uma arte milenar de produção de objetos utilitários que colmatam, de um modo engenhoso, as falhas que a carteira ou a vida não podiam fazer chegar. Esta Arte, no Alentejo Central, demonstra uma maior atenção ao detalhe, sendo praticamente irrepreensível em termos ergonómicos, funcionais e estéticos. Atualmente, a extinção progressiva desta Arte é já uma realidade pelo que, na presente investigação, se objetiva contribuir para o reconhecimento e valorização da genialidade dos artefactos da Arte Pastoril e contribuir, complementarmente, para o reposicionamento da Arte Pastoril do Alentejo Central. Utilizando os aspetos culturais como ponto de partida para a inovação pelo design, baseou-se a investigação numa metodologia mista de base qualitativa. Para a consolidação da componente teórica, e para a compreensão do contexto, recorreu-se à crítica da literatura e à identificação de casos de referência de parcerias entre design e artesanato, em Portugal. Posteriormente, na componente de investigação ativa, seguiu-se a participação num grupo de eventos considerados relevantes. Complementarmente, e no sentido de validar de forma preliminar o argumento, também foi realizado um conjunto de entrevistas e conversas informais. A investigação materializou-se na construção de uma ferramenta taxonómica, cuja validação se efetuou através de um grupo de foco. Na aplicação da ferramenta ao projeto exploratório, foi identificada a oportunidade de explorar a reinterpretação da colher provadeira, oriunda da Arte Pastoril alentejana, cujo potencial de reposicionamento foi identificado nas cozinhas de autor. A validação dessa hipótese fez-se junto de 13 de chefes de cozinha, cujas respostas foram amplamente favoráveis. Com a presente investigação, pretende-se, por um lado, motivar os designers de produto a olharem criticamente sobre este universo da Arte Pastoril e a contribuírem para a preservação do trabalho do artesão tradicional; por outro, possibilitar a aplicação desta ferramenta a outras áreas tradicionais em que se verifiquem as mesmas necessidades.
ABSTRACT: practical sense and ancestry. Pastoral Art is a millenary art of producing utility objects that fill, in an ingenious way, the flaws that the wallet or life could not make reach. This Art, in Alentejo Central, shows greater attention to detail, being practically blameless in ergonomic, functional and aesthetic terms. Currently, the progressive extinction of this Art is already a reality so that, in the present investigation, it aims to contribute to the recognition and valorization of the genius of pastoral art artifacts and contribute, in addition, to the repositioning of pastoral art of Central Alentejo. Using cultural aspects as a starting point for innovation by design, research was based on a qualitative-based mixed methodology. For the consolidation of the theoretical component, and for the understanding of the context, literature criticism and the identification of reference cases of partnerships between design and crafts in Portugal were used. Subsequently, in the active investigation component, participation in a group of events considered relevant followed. In addition, and in order to validate the argument in a preliminary way, a set of informal interviews and conversations was also conducted. The investigation materialized in the construction of a taxonomic tool, whose validation was carried out through a focus group. In the application of the tool to the exploratory project, the opportunity to explore the reinterpretation of the taste spoon, from the Alentejo Pastoral Art, whose potential for repositioning was identified in the author’s kitchens, was identified. The validation of this hypothesis was made with 13 chefs, whose answers were largely favorable. With this research, it is intended, on the one hand, to motivate product designers to look critically at this universe of Pastoral Art and to contribute to the preservation of the work of the traditional craftsman; on the other hand, enable the application of this tool to other traditional areas where the same needs are met.
N/A

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Resing, Daniela Souto. "Rico Lins : na fronteira entre arte e design." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2013. http://tede.udesc.br/handle/handle/689.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113559.pdf: 142323 bytes, checksum: 61a42313e795ee00ff15bb007c2ea94d (MD5) Previous issue date: 2013-07-26
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Em três capítulos o presente estudo sugere a transposição das fronteiras entre arte e design em prol de uma criação mais significativa, como propõe o trabalho do designer gráfico brasileiro Rico Lins. Para que isso seja possível, é preciso saber que fronteiras são essas, como se formaram e como elas estão sendo encaradas atualmente. Assim, no primeiro capítulo, realiza-se um levantamento histórico comparativo, procurando mostrar as antigas relações entre arte e design, que inicialmente eram de proximidade, mas que com o passar do tempo foram se transformando em distanciamento, principalmente depois da Revolução Industrial e da valorização da razão e da ciência. No segundo capítulo, analisam-se teorias e práticas contemporâneas que questionaram a racionalidade moderna com autores, artistas e designers que se concentraram em questões como a descontinuidade, a ruptura na linearidade do tempo, a montagem, a apropriação e a autoria. Nesse ponto percebe-se uma reaproximação entre arte e design, e chega-se ao trabalho de Rico Lins. No terceiro capítulo estuda-se então sua obra por meio de trabalhos apresentados em três exposições realizadas entre 2009 e 2012: a premiada individual ¿Rico Lins: uma gráfica de fronteira¿, e outras duas coletivas ¿Design brasileiro hoje: fronteiras¿ e ¿From the margin to the edge: brazilian art and design in the 21st century¿. Assim, percebe-se que mesmo diferindo-se entre si, arte e design podem compartilhar recursos e linguagens. Depois de pensar sobre o passado e o presente, sobre o que se fez e o que se faz em arte e design, finalmente, estudiosos, artistas e designers, podem então repensar os possíveis caminhos futuros para suas práticas e teorias com base em fundamentos das suas próprias experiências, suas histórias, suas memórias, seu repertório.

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Urbano, Clarissa Souza Palomequé. "Diálogos entre ecologia, arte e design." Universidade Anhembi Morumbi, 2011. http://sitios.anhembi.br/tedesimplificado/handle/TEDE/1597.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-08-18T17:47:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Clarissa Souza.pdf: 1560416 bytes, checksum: fda7ab6e9782fcdfb30fb9ab2e444ef1 (MD5) Previous issue date: 2011-03-10
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Esta pesquisa visa promover a educação ambiental e a conscientização acerca da necessidade de melhorar a interação entre o homem e o meio ambiente, através da investigação de estratégias educativas, por meio de leitura de imagens do cotidiano, de campo dos sentidos e de objetos de Design e de Arte, e através da leitura destas imagens, levantar questões, discutir, e orientar sobre problemas ambientais que fazem parte do cotidiano, contextualizando as mesmas e buscando valorizar a cultura e os hábitos locais, e principalmente possibilitar ao educando pensar e refletir sobre o ambiente ao seu redor, formando cidadãos aptos a interagir com o mundo de forma crítica e consciente.

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Lézico, Sílvia do Carmo Marcelo. "Arte pastoril - Alfabeto gráfico." Master's thesis, Universidade de Évora, 2015. http://hdl.handle.net/10174/23073.

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Abstract:

A dissertação que se apresenta no âmbito do Mestrado em Ilustração Artística “Arte Pastoril - Alfabeto Gráfico” centrou-se em criar um Alfabeto Gráfico tendo como inspiração a Arte Pastoril, maioritariamente do Alentejo. Para a concretização e desenvolvimento deste projecto, foi essencial optar por uma metodologia de trabalho baseada na investigação, recolha, selecção e análise de elementos decorativos que compõem peças de Arte Pastoril em Portugal. Estas, caracterizam-se por serem artefactos construídos por pastores, na sua maioria utensílios domésticos utilizados no seu dia-a-dia. O processo criativo inerente a criação do Alfabeto Gráfico constituído por cinquenta (50) caracteres e ornamentos base, procurou evidenciar a riqueza visual e autenticidade dos elementos decorativos das peças pastoris, que serviram como fonte de inspiração para a criação de uma nova linguagem gráfica15 que tem como ponto de partida o passado e o património cultural. Numa fase inicial, foi efectuada uma pesquisa teórica sobre a temática em estudo, da qual se salienta o trabalho realizado pelo autor Fernando Galhano16 em 1968 e que é a grande referência teórica e visual desta investigação. Paralelamente foi efectuado um levantamento fotográfico às peças de Arte Pastoril expostas no Museu Municipal de Estremoz Professor Joaquim Vermelho e foram realizadas visitas de estudo às peças expostas no Museu Nacional de Etnologia de Lisboa, onde se encontra o maior espolio de Arte Pastoril em Portugal. Pretendeu-se através da procura da espontaneidade das manifestações artísticas populares, recolher elementos genuínos e identificativos da nossa cultura, para desenvolver um estilo ilustrativo próprio que valorize e cruze desta forma várias áreas: as artes decorativas, a ilustração, o design, a etnografia e o património; ABSTRACT: «Pastoral Art – Graphic Alfabet» For the Masters of Artistic Illustration "Pastoral Art - Graphic Alphabet", this dissertation focused on creating a Graphic Alphabet taking as inspiration the Pastoral Art of Alentejo. For the implementation and development of this project, it was crucial to opt for a working methodology based on the research, collection, selection and analysis of the decorative elements that compose Pastoral Art objects in Portugal. Those are characterised by being artefacts built by shepherds, mostly household items used in daily life. The creative process intrinsic to the creation of the Graphic Alphabet which consists of fifty (50) characters and base ornaments, aspire to highlight the visual richness and authenticity of the decorative elements of the pastoral objects, which served as a source of inspiration for the creation of a new graphic language that emerges from former times and cultural heritage. At an early stage, a theoretical research was made on the subject under study, and the noticeable work carried out by the author Fernando Galhano17 in 1968 became the main theoretical and visual reference of this investigation. Also a photographic survey to the Pastoral Art objects exhibited in the Joaquim Vermelho Museum in Estremoz was carried out in parallel, as well as some study visits to the National Museum of Ethnology in Lisbon, where we can find the largest Pastoral Art booty in Portugal. The pursuit of spontaneity of popular artistic manifestations aimed to collect genuine elements inherent to our culture in order to develop an illustrative style that could esteem and cross several areas: the decorative arts, illustration, design, ethnography and cultural heritage

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Campos, Ana Paula de. "Arte-joalheria = uma cartografia pessoal." [s.n.], 2011. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284376.

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Abstract:

Orientador: Anna Paula Silva Gouveia
Acompanhado de 2 CD-ROM: Material de Apoio (Mídia Digital) ; Anexos (Mídia Digital)
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
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Resumo: Ao tomar a joia como assunto, inscrevendo-a no território da arte, essa tese apresenta o campo da arte-joalheria como possibilidade de produzir e pensar esse objeto de modo poético, desobrigando-o de seu vínculo com materiais preciosos e de sua função decorativa. Nesse sentido aborda o fazer artístico em joalheria a partir de alguns pressupostos extraídos da teoria das multiplicidades de Deleuze e Guattari, desenvolvendo-os nesse território. Para isso empresta desses filósofos referências conceituais e procedimentos de pesquisa que permitem realizar um percurso que articula os conteúdos teóricos e práticos apresentados, construindo transversalidades. Sob a ótica da arte-joalheria, a pesquisa aborda questões relativas ao desejo, corpo e materialidade, entendidas como elementos intrínsecos a joia e, tomando o modelo rizomático do pensamento proposto por Deleuze e Guattari, discute-as a partir das dimensões presentes: pensar, fazer, sentir e propor, considerando-as como em constante estado de fluxo. Como recurso para essa investigação utiliza-se uma cartografia também ancorada no pensamento desses autores, que consideram a realidade contemporânea uma paisagem dinâmica, na qual se articulam contextos individuais e sociais. O caráter do procedimento de pesquisa proposto distingue-se daquele no qual os mapas são registros de uma paisagem fixa. Trata-se de uma cartografia configurada como performance, a qual pressupõe seguir as transformações à partir da experiência do real, acompanhar os acontecimentos sendo parte deles. Portanto workshops realizados com artistas e produção de peças dentro desse território são tomados como fundamentais recursos de investigação e articulados a conteúdos extraídos de entrevistas e palestras, além do material bibliográfico. A partir das experiências vivenciadas foram identificadas conexões que possibilitaram a construção e organização dos capítulos. Neles agenciam-se conceitos oriundos do pensamento de Deleuze e Guattari e o território da arte-joalheria, tanto em sua dimensão teórica quanto pratica. Desse modo as ideias apresentadas são articulações derivadas de uma leitura da experiência como possibilidade de refletir conceitos
Abstract: By taking the jewel as a theme and considering it within the realm of art, this thesis presents the field of art jewelry as a possibility of producing and contemplating an object in a poetic manner, devoid of its link to precious materials and to any decorative function. In this sense, the artistic jewelry production is approached from some assumptions selected from Deleuze and Guattari's theory of multiplicities and is developed accordingly. Conceptual frameworks and research procedures, borrowed from these philosophers, link theory and practical content through cartography, in order to build transverses. Through the art-jewelry perspective, the research addresses issues relating to desire, body and materiality, defined as intrinsic elements of the jewel. The research takes the Rhizome concept proposed by Deleuze and Guattari, and discusses these issues according to the apparent dimensions: think, do, perceive and propose, considering them in a constant state of flux. As a research procedure the study uses a cartography also anchored in these authors thinking, who consider the contemporary reality as a dynamic landscape in which individual and social contexts occur. The cartography procedure adopted here differs from that whose maps are records of a fixed landscape. Instead, this one is a "performance cartography", which requires following the transformations by empirical experience, assumed that one would accompany events, taking part in them. Therefore, workshops with artists and jewelry production within this environment are considered as fundamental resources for investigation, and were related to the information which was taken from interviews, lectures and library materials. From these experiences, connections were identified which enabled the construction and organization of presented contents. This content was a result of the connections between the art jewelry territory and concepts arising from the thought of Deleuze which exist in both practical and theoretical dimensions. Thus, the ideas presented are derived from a reading of experience as a chance to reflect concepts
Doutorado
Artes Visuais
Doutor em Artes

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Silva, Roseane Romão da. "Web arte X Web design: conflitos e aproximações." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2010. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/18262.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-04-29T14:23:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Roseane Romao da Silva.pdf: 5810244 bytes, checksum: a125e524b4319b4cc8b478a0fbccd922 (MD5) Previous issue date: 2010-05-20
After the expansion and popularization of information technology and the Internet, there are projects that integrate computational aspects and aesthetic intentions. The difficult task of identifying them and categorize them as art and as web design is the subject of this research. The main purpose involves research and mapping of digital design. Then be presented criteria defining web art and web design. Are proposed, based on case studies a comparative analysis of projects web sites art sites and digital design. The theoretical research is based on various authors such as Lucia Santaella, Clement Mok, Claudia Giannetti, Vicente Gosciola, Diana Domingues, Fabio Oliveira Nunes, Gilbertto Prado and Lucia Leão
Após a expansão e a popularização das tecnologias da informação e da internet, observa-se projetos que integram aspectos computacionais e intenções estéticas. A difícil tarefa de identificá-los e categorizá-los como arte e como web design é o tema da presente pesquisa. O objetivo principal envolve a pesquisa e o mapeamento de design digital. Em seguida, serão apresentados critérios que definam web art e web design. Propõem-se, a partir dos estudos de caso uma análise comparativa entre projetos de sites de web art e sites de design digital. Como referencial teórico, a pesquisa se fundamenta em vários autores tais como Lúcia Santaella, Clement Mok, Cláudia Giannetti, Vicente Gosciola, Diana Domingues, Fábio Oliveira Nunes, Gilbertto Prado e Lúcia Leão

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Rocca, Renata La. "Arte da memória e arquitetura." Universidade de São Paulo, 2007. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/18/18142/tde-20032008-104738/.

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Abstract:

Partindo da hipótese de que o uso da arte da memória pode ser compreendido como um sistema-processo de design para a concepção de espaços no contexto da cultura digital, o objetivo do presente trabalho é construir uma compreensão ampliada do design de espaços que dão suporte ao armazenamento estruturado de informações, relacionando imagens e lugares. A investigação contempla o uso da arte da memória na concepção de espaços e seus princípios fundamentais desde a antiguidade clássica até os dias atuais, através de exemplos, construindo um entendimento do desenvolvimento e das conexões estabelecidas por essa arte em três momentos: das origens como parte da retórica na antiguidade clássica à sua apropriação pela escolástica medieval, passando à sua apropriação pela tradição Hermético-Cabalística no Renascimento, com os modelos de teatros da memória, à sua incorporação no processo de concepção de espacialidades por arquitetos e mídia artistas contemporâneos. A intenção é contribuir para o entendimento da arte da memória como auxiliar à criação de espaços como sistemas da memória.
Assuming that the use of the art of memory can be understood as a system-design process for the conception of spaces in the context of digital culture, the present work goal is to construct a base understanding of design of spaces that give support to structured information storage by connecting images and places. The research contemplates the use of the art of memory, concerning the conception of spaces, from its fundament, of the classical antiquity to the present days, by examples, building an understanding of the development and connections concerning three moments of this art: from its origins as a part of rhetoric in the classical antiquity to its assimilation by the middle ages scholastics, to its appropriation by Hermetic-Cabalistic tradition in the renaissance and its memory theatres models, and finally to its contemporary incorporation in the space design processes by architects and media artists. The aim is to contribute to the understanding of the art of memory as an aid to the conception of spaces as memory systems.

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Mello, Lygia Santiago de. "Objetos pluriativados: cálculo e poesia em projetos gráficos de Willys de Castro." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2013. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=6948.

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Abstract:

No período entre 1954 e 1964, Willys de Castro dedicou-se, entre outras tarefas, ao Estúdio de Projetos Gráficos. A presente dissertação analisa quatro marcas desenvolvidas nessa época, e realizadas de forma concomitante a produção de suas pinturas, objetos e esculturas. As marcas de Willys, parecem tornar-se uma síntese de seu trabalho, de sua arte como um todo. Para realizar esta analise a dissertação traça sua trajetória no campo do design no Brasil. Devido as pouquíssimas publicações sobre o artista, principalmente com relação a sua produção gráfica, este trabalho tenta ser o mais completo possível para o estudo da arte e do design no Brasil até o momento
In the period between 1954 and 1964, Willys de Castro devoted to, among other tasks, Estúdio de Projetos Gráficos. This dissertation examines four brands developed at this time, and performed concomitantly the production of his paintings, sculptures and objects. Willys brands seem to become a synthesis of his work, his art as a whole. To perform this analysis the dissertation traces his career in the design field in Brazil. Because of the very few publications about the artist, particularly with respect to its graphic production, this work tries to be as complete as possible for the study of art and design in Brazil so far

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Solfa, Marilia. "Design: modos de [des]uso. Aproximações contemporâneas entre arte e design." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/102/102132/tde-04092017-121048/.

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Abstract:

Esta tese propõe um estudo sobre o interesse renovado da arte contemporânea em resgatar e reelaborar a discussão moderna sobre a relação existente entre arte e design. Tal aproximação se diferencia da proposta modernista anterior, já que responde ao singular contexto cultural, social e econômico no qual se desenvolve. Assim, nosso intuito é caracterizar e compreender tanto esse novo contexto quanto as principais questões em torno dessa reaproximação entre arte e design a partir da análise da produção de quatro artistas importantes no cenário contemporâneo: Vito Acconci (1940), Barbara Bloom (1951), Andrea Zittel (1965) e Ana Maria Tavares (1958). Interessa-nos abordar as táticas de intervenção artística dentro do discurso específico do design, que na sociedade regida pelo capitalismo avançado constitui-se como um importante sistema de produção e consumo de imagens, signos, objetos, ambientes e identidades coletivas e individuais. Ao passar por um processo de expansão e difusão, propagando-se e infiltrando-se em várias esferas da vida cotidiana, o campo do design se torna um ponto de partida para a produção de artistas que, através de táticas de ação disruptivas, buscam por possibilidades, mesmo que momentâneas, de intervir em um mundo cada vez mais desenhado e planejado em seus mínimos detalhes
This thesis proposes a study on the renewed interest of contemporary art in rescuing and re-shaping the modern discussion regarding the relationship between art and design. This approach differs from the previous modernist proposal, as it responds to the singular cultural, social and economic context in which it is developed. Therefore, our aim is to characterize and understand both this new context and the main issues concerning this rapprochement between art and design by analysing the production of four important artists in the contemporary scene: Vito Acconci (1940), Barbara Bloom (1951) Andrea Zittel (1965) and Ana Maria Tavares (1958). This research addresses the tactics of artistic intervention within the design discourse field which, in the society governed by advanced capitalism, constitutes one of the main systems of production and consumption of images, signs, objects, environments and individual and collective identities. By going through a process of expansion and diffusion, spreading and infiltrating into various spheres of everyday life, the field of design becomes a starting point for the production of artists who, through disruptive action tactics, seek opportunities, even if temporary, to intervene in a world increasingly designed and planned to the very last detail

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CORRÊA, João Batista Moreira. "Inscrições tipográficas: articulações expansivas entre design e arte." Universidade Anhembi Morumbi, 2015. http://sitios.anhembi.br/tedesimplificado/handle/TEDE/1676.

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Abstract:

Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-20T19:38:42Z No. of bitstreams: 1 450122.pdf: 17355985 bytes, checksum: 1b091cb81179f3672e4cfd7cebd5ff87 (MD5)
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Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-21T13:12:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 450122.pdf: 17355985 bytes, checksum: 1b091cb81179f3672e4cfd7cebd5ff87 (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
This research analyzes creation processes in art and design to reflect about a possible dilation of their thinking. Through the typographic language is discussed a context shifthing in the representation os text and visuality. This maneuver is presented in order to instigate the designer to expand the meanings of artifacts in theory and practice. Patterns and their manifestation as structure and formulation are the operators of such procedures. This dissertation takes ownershipos concepts in philosophy to intensify the discourse in design projects from its intention and origin to its reading and interpretation.
Esta pesquisa analisa princípios de criação nas obras do artista León Ferrari para refletir sobre possíveis dilatações no campo projetual do design. Por intermédio da linguagem tipográfica, discute-se deslocamentos de contextos na representação de textos e visualidade para instigar o designer a ampliar, em teoria e prática, os significados reivindicados dos artefatos. Nesse percurso são apresentadas as entidades dos pattens e suas manifestações enquanto estrutura e formulação como operadores de tais procedimentos. Essa investigação apropria-se de conceitos na filosofia para intensificar o discurso da instância de projeto, desde sua intenção e origem até a sua leitura e interpretação.

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Trentin, Mauricio Penteado. "Montanhas portáteis. reflexões sobre arte, design e narrativa." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27159/tde-07072017-105313/.

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Abstract:

A pesquisa visa estabelecer que os campos definidos como ARTE, DESIGN e NARRATIVA têm limites muito mais fluidos, mutáveis e permeáveis do que, de fato, reconhecemos atualmente, e pretende fazer isso problematizando suas fronteiras. Parte-se da hipótese de que a categorização desses campos em áreas estanques, aparentemente estabelecidas e claras, é rasa, artificial, arbitrária, não dá conta de uma visão diagramática da produção contemporânea nos três campos referidos, em suas fronteiras e intersecções, nem alcança a profundidade de relações de origem e de influência cruzada entre os campos. Através de análise e revisão teórica, partindo da própria estrutura das narrativas formativas e das narrativas críticas nas três áreas e em áreas de fronteira, decorrem potenciais revisões internas dos campos e de suas intersecções, uma visão atualizada da complexidade das relações entre os três campos e novas possibilidades formativas, além de uma visão crítica dos discursos acessórios e de proposições metodológicas. Do ponto de vista metodológico, de fato, a investigação apoia-se em pesquisa bibliográfica, discussão de dispositivos de exemplo e análise teórica baseada em teorias-chave dos campos descritos, ARTE, DESIGN, NARRATIVA e suas hibridizações potenciais. Também através da apresentação de dispositivos próprios que expandem as questões centrais da investigação em outros suportes e interfaces, a discussão, que tem origem prática, poética e empírica, e toma uma forma teórica, linear, analítica, mas tem também conclusões, ou possibilidades, novamente práticas, poéticas e empíricas. O intuito é a tradução de um pensamento cuja origem é prática e poética, mas também bibliográfica, em uma análise teórica, transdisciplinar, com um possível desdobramento metodológico, a proposição de uma metodologia abdutiva. Apresentada por meio de dois discursos, teórico/analítico e criativo/artístico, a pesquisa trata das possibilidades formativas em campos próximos, ARTE, DESIGN e NARRATIVA, suas potenciais influências, cruzamentos, e de como é crítica para a atividade formativa e teórica nesses campos a diferença entre discursos prescritivos/propositivos e discursos descritivos/analíticos. Do ponto de vista teórico, a discussão baseia-se nos conceitos de Praxis e Poiesis de Agamben, na noção de estética de Pareyson e de arte contemporânea de C. Cauquelin, na semiótica Peirciana, partindo da leitura de L. Santaella, e de conceitos específicos de Danto, Pross e Belting sobre Arte; Cardoso, Dune, Raby e Coles sobre Design; e Caillois e Campos aplicados sobre Narrativa.
The research aims to establish that the fields defined as ART, DESIGN and NARRATIVE have limits that are much more fluid, changeable and permeable than we actually recognize today, and intends to do so by problematizing their borders. It is based on the hypothesis that the categorization of these fields into watertight areas, apparently established and clear, is shallow, artificial, arbitrary, does not account for a diagrammatic view of contemporary production in the three fields mentioned, in their borders and intersections, nor does it reach the depth of relations of origin and cross-influence between fields. Through theoretical analysis and revision, starting from the very structure of the formative narratives and the critical narratives in the three areas and in frontier areas, not only potential internal revisions of the fields and their intersections take place, but an updated view of the complexity of the relations between the three fields and new formative possibilities, as well as a critical view of the accessory discourses and methodological propositions. From a methodological point of view, the research is based on bibliographic research, discussion of example devices and theoretical analysis based on the key theories of the fields described, ART, DESIGN, NARRATIVE and their potential hybridizations. Also, through the presentation of original devices/artwork that expand the central questions of research in other supports and interfaces, the discussion, which has practical, poetic and empirical origins, and takes a theoretical, linear, analytical form, but also has conclusions, or possibilities, again practical, poetic and empirical. The intention is the translation of a thought whose origin is practical and poetic, but also bibliographical, in a theoretical and artistic transdisciplinary analysis, with a possible methodological unfolding, the proposition of an abductive methodology. Presented through two discourses, theoretical/analytical and creative/artistic, the research deals with the formative possibilities in nearby fields, ART, DESIGN and NARRATIVE, their potential influences, crossings, and how critical it is for the formative and theoretical activity in these fields the difference between prescriptive/propositional discourses and descriptive/analytical discourses. From a theoretical point of view, the discussion is based on the concepts of Agamben\'s Praxis and Poiesis, on the notion of Pareyson aesthetics and contemporary art by C. Cauquelin, on the Peircean Semiotics, based on the reading of L. Santaella, and specific concepts from Danto, Pross and Belting on ART; Cardoso, Dune, Raby and Coles on DESIGN; and Caillois and Campos applied on NARRATIVE.

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Moreira, Vânia Medeiros. "Cidade passo: conversações entre arte, design e etnografia." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/16/16134/tde-09062017-104457/.

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Abstract:

A dissertação propõe um estudo teórico-prático sobre a importância dos mapas subjetivos realizados por criadores de diversas áreas como dispositivos \"táticos\", capazes de propor conhecimento sobre o espaço para além da visão panóptica e impessoal da cartografia tradicional. Busca-se com a pesquisa, refletir sobre como ações de deriva e errância e seu posterior \"mapa-como-relato\", em diversos formatos, permitem arquitetar um espaço-tempo nômade dentro da cidade, capaz de ressignificar as relações que o indivíduo - tanto o próprio criador quanto o público/leitor/usuário - tem com a urbe. Isto ocorre uma vez que os caminhos percorridos, o \"entre\", é tido como um valor em si, para além dos pontos de chegada, o que cria brechas nos ditames do tempo veloz e funcional, promovendo situações de amabilidade, fruição e reflexão. Tomo como referência os mapas e livros produzidos por Guy Debord e Asger Jorn no contexto Situacionista, os livros Les dormeurs e Suite Vénitienne da artista francesa Sophie Calle, o Guia de terrenos baldios de São Paulo, de Lara Almarcegui e a trilogia I got up, I went e I met do artista conceitual japonês On Kawara. A investigação teórica se dá paralelamente à produção de um experimento prático, a criação do livro Cidade Passo, que traz o conteúdo de quinze entrevistas com moradores de cinco bairros de São Paulo em um projeto gráfico que traz à tona, visualmente, os aspectos conceituais que permeiam a pesquisa.
The dissertation proposes a theoretical-practical study about the importance of subjective maps made by creators of diverse areas as \"tactical\" devices capable of proposing knowledge about space beyond the panoptic and impersonal vision of traditional cartography. It seeks to reflect on how actions of drift and wandering and its subsequent \"map-as-reporting\", in various formats, allow the architecting of a nomadic space-time within the city, able to re-signify the relations that the individual - both the creator himself and the audience / reader / user - have with the city. This occurs because the path is taken as a value in itself, beyond the points of arrival, which creates breaches in the dictates of fast and functional time, promoting situations of kindness, fruition and reflection. I take as a reference the maps and books produced by Guy Debord and Asger Jorn in the Situationist context, the books Les dormeurs e Suite Vénitienne of the French artist Sophie Calle, The Guide of vacant lots of São Paulo (2006), by Lara Almarcegui and the trilogy I got up, I went and I met of the Japanese conceptual artist On Kawara. The research goes hand in hand with the production of a practical experiment, the creation of the book Cidade Passo, which brings the content of fifteen interviews with residents of five districts of São Paulo in a graphic project that brings to the surface visually the conceptual aspects that permeate research.

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Santos, Jorge António Pereira de Sousa. "O lugar da arte-museu, arquitectura, arte e sociedade." Master's thesis, Instituições portuguesas -- UTL-Universidade Técnica de Lisboa -- -Faculdade de Arquitectura, 2002. http://dited.bn.pt:80/29523.

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ANTUNES, Isis de Melo Molinari. "O fazer arte (são) de Guilherme Augusto dos Santos Júnior: interfaces artesanato, design e arte." Universidade Federal do Pará, 2011. http://repositorio.ufpa.br/jspui/handle/2011/7784.

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Abstract:

Submitted by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-03T13:45:16Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_FazerArte(sao)Guilherme.pdf: 18301871 bytes, checksum: 32168031d1279c4204b66035c73ded91 (MD5)
Approved for entry into archive by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-03T13:46:04Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_FazerArte(sao)Guilherme.pdf: 18301871 bytes, checksum: 32168031d1279c4204b66035c73ded91 (MD5)
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Este estudo é um olhar sobre o Artesanato como uma manifestação cultural importante para se refletir as relações entre alguns saberes que confluem na contemporaneidade: Design e Arte. Discute-se, etnograficamente a produção artesanal de Guilherme Augusto dos Santos Junior, um artesão paraense, contemporâneo, e ilustra-se, com o exemplo de seu “fazer arte(são)”, que os limites entre os campos citados são construções cada vez mais tênues. Como técnicas de abordagem foram estabelecidas entrevistas na sua casa que também é o local de seu trabalho com o intuito de conhecer a sua história de vida e o seu método criativo. A teoria que sustenta a pesquisa deriva dos Estudos Culturais, porque oferece maior flexibilidade para tratar das inter-relações entre as culturas em que o artesão está imerso e são os pilares da sua identidade híbrida. Afirma-se que o ato criativo do artesão segue uma metodologia projetual semelhante à do artista e do designer, mas por ter um caráter empírico ainda é discriminada no mundo acadêmico. O estudo apresenta-se dividido em três capítulos: História de vida do artesão Guilherme Augusto dos Santos Junior; Caminhos da criação e, finalmente, Artesanato, Design e Arte. A conclusão aponta para a quebra dos conceitos tradicionais do Artesanato, colocando em xeque a validade das divisões hierárquicas atribuídas ao campo da Arte e do Design.
This study is a view at Craftwork as an important cultural manifestation to reflect upon the relations between converging knowledges in contemporary society: Design and Art. We discuss ethnographically the craftsmanship production of Guilherme Augusto dos Santos Junior, a contemporary artisan from Pará-Brazil, and this debate is illustrated with examples of his “art(isan) making”, which shows that the boundaries between the mentioned fields are increasingly tenuous constructions. The approach was to make interviews at his home, which is also his workplace, so we could get to know his life and creative process. The theory that sustains the research derives from Cultural Studies, because it shows greater flexibility to address the interrelations between the cultures in which the craftsman is immersed, which are, therefore, the pillars of his hybrid identity. From this theoretical support we were able to discuss his creative process, one that follows a project methodology similar t o the artist and designer, but as yet has an empirical character that continues to be discriminated at academic circles. This study has been divided into three chapters: Life story of the artisan Guilherme Augusto dos Santos Junior; Paths of Creation and Crafts, Design and Art. The conclusion points out to a break in the traditional concepts of Craftwork, calling into question the validity of the hierarchical divisions assigned to the field of Art and Design.

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Santo, Rui António Almeida do Espírito. "Sebenta de Design." Master's thesis, Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, 2006. http://hdl.handle.net/10216/7314.

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Abstract:

Mestrado em Arte Multimédia
A investigação realizada ao longo do presente projecto procurou encontrar em contextos on-line a resposta a uma questão inicial: Como utilizar a informática em processos não tradicionais de ensino e aprendizagem? A resposta a esta questão foi procurada através da implementação de um wiki dedicado às questões do Design na Faculdade de Belas Artes do Porto (FBAUP). O wiki foi o contexto on-line eleito como objecto de testagem, por se tratar de um software colaborativo. O conceito de colaboração está na base da Teoria Socioconstrutivista, por nós eleita como fundamentação para a metodologia de ensino adoptada, sendo consonante com os novos paradigmas da comunicação. A Teoria Socioconstrutivista surge ainda como particularmente compatível com os novos paradigmas de ensino ditados pelo Tratado de Bolonha. Pretende-se, deste modo, obter uma ferramenta prática que possa contribuir para uma melhoria no processo de ensino/aprendizagem do Design na FBAUP. Ao longo do presente estudo, abordam-se temas gerais que contribuem para o entendimento do modelo de ensino/aprendizagem implementado. Este modelo, sendo de carácter prático, conduziu o estudo para uma observação igualmente prática onde o próprio modelo se foi desenvolvendo perante as reacções obtidas com a participação dos alunos e com a comunicação tida com estes. São igualmente descritas as estratégias seguidas, os resultados obtidos e as conclusões extraídas destes. Para além destas informações, temos ainda referência às dificuldades sentidas e às perspectivas de desenvolvimento futuro. Tratando-se de um projecto de investigação aplicada, o objecto de estudo encontra-se em constante alteração, facto que indicia mudanças constantes na obtenção de futuros resultados e consequente sucesso.
The research carried out all through this work aimed at finding an answer in online contexts to an initial question: How to use the information and communication technology (ICT) in nontraditional teaching/learning processes? The answer came through the development of a wiki dedicated to Design issues in the Faculty of Fine Arts of Oporto (FBAUP). The wiki was the online context elected as object of study, because it is collaborative software. The concept of collaboration is the basis of the Socio-constructivist theory which we have chosen as foundation for the teaching methodology adopted while being consonant with the new communication paradigms. The Socio-constructivist theory is particularly compatible with the new learning paradigms dictated by the Bologna Process. Thus we pretend to obtain a practical tool that might contribute to the improvement of the teaching/learning process of the Design course in the FBAUP. Throughout this study, we have broached more general themes that help understand the implemented teaching/learning process model. This model, being of a practical nature, has lead this study to an equally practical observation where the model itself kept developing in the sight of reactions obtained through the participation of the students as well as the communications held with them. The adopted strategies, the obtained results and the drawn conclusions are also described in this study. Besides this information, difficulties and future development perspectives are also referred to. Bearing in mind that we are dealing with an applied research, the object of study is constantly changing; implying constant changes in the attainment of future results and consequent success.

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Santo, Rui António Almeida do Espírito. "Sebenta de Design." Dissertação, Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, 2006. http://hdl.handle.net/10216/7314.

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Abstract:

Mestrado em Arte Multimédia
A investigação realizada ao longo do presente projecto procurou encontrar em contextos on-line a resposta a uma questão inicial: Como utilizar a informática em processos não tradicionais de ensino e aprendizagem? A resposta a esta questão foi procurada através da implementação de um wiki dedicado às questões do Design na Faculdade de Belas Artes do Porto (FBAUP). O wiki foi o contexto on-line eleito como objecto de testagem, por se tratar de um software colaborativo. O conceito de colaboração está na base da Teoria Socioconstrutivista, por nós eleita como fundamentação para a metodologia de ensino adoptada, sendo consonante com os novos paradigmas da comunicação. A Teoria Socioconstrutivista surge ainda como particularmente compatível com os novos paradigmas de ensino ditados pelo Tratado de Bolonha. Pretende-se, deste modo, obter uma ferramenta prática que possa contribuir para uma melhoria no processo de ensino/aprendizagem do Design na FBAUP. Ao longo do presente estudo, abordam-se temas gerais que contribuem para o entendimento do modelo de ensino/aprendizagem implementado. Este modelo, sendo de carácter prático, conduziu o estudo para uma observação igualmente prática onde o próprio modelo se foi desenvolvendo perante as reacções obtidas com a participação dos alunos e com a comunicação tida com estes. São igualmente descritas as estratégias seguidas, os resultados obtidos e as conclusões extraídas destes. Para além destas informações, temos ainda referência às dificuldades sentidas e às perspectivas de desenvolvimento futuro. Tratando-se de um projecto de investigação aplicada, o objecto de estudo encontra-se em constante alteração, facto que indicia mudanças constantes na obtenção de futuros resultados e consequente sucesso.
The research carried out all through this work aimed at finding an answer in online contexts to an initial question: How to use the information and communication technology (ICT) in nontraditional teaching/learning processes? The answer came through the development of a wiki dedicated to Design issues in the Faculty of Fine Arts of Oporto (FBAUP). The wiki was the online context elected as object of study, because it is collaborative software. The concept of collaboration is the basis of the Socio-constructivist theory which we have chosen as foundation for the teaching methodology adopted while being consonant with the new communication paradigms. The Socio-constructivist theory is particularly compatible with the new learning paradigms dictated by the Bologna Process. Thus we pretend to obtain a practical tool that might contribute to the improvement of the teaching/learning process of the Design course in the FBAUP. Throughout this study, we have broached more general themes that help understand the implemented teaching/learning process model. This model, being of a practical nature, has lead this study to an equally practical observation where the model itself kept developing in the sight of reactions obtained through the participation of the students as well as the communications held with them. The adopted strategies, the obtained results and the drawn conclusions are also described in this study. Besides this information, difficulties and future development perspectives are also referred to. Bearing in mind that we are dealing with an applied research, the object of study is constantly changing; implying constant changes in the attainment of future results and consequent success.

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Blanco, Felipe. "Arte, estética e design nos games: a arte de conceito como forma de expressão poética no processo de design dos jogos digitais." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2017. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/20534.

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Abstract:

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-10-23T12:21:45Z No. of bitstreams: 1 Felipe Blanco.pdf: 183609165 bytes, checksum: 09ec42b1db97ac1c7d0a3409c9d4adb5 (MD5)
Made available in DSpace on 2017-10-23T12:21:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Felipe Blanco.pdf: 183609165 bytes, checksum: 09ec42b1db97ac1c7d0a3409c9d4adb5 (MD5) Previous issue date: 2017-09-28
meanings, and relevance to digital games. Investigating the theme and perspectives ranging from the classical Renaissance proposal to an approach to hermeneutic phenomenology, it meets the approach of current concept artists for games. In this sense, it carries out the positions of concept artists for games that present a variety and a rich panorama of the issue in the field of the artistic production oriented to digital games. From there the research goes towards the problem of concept art in two significant digital productions. The first of them, consecrated in the PlayStation platform amongst the entertainment, shows that it is possible that digital games can be oriented to an artistic perception within the field of the entertainment media positioning itself next to blockbuster productions. The second case, in reverse of the first one, shows the importance of the concept art within the academic research developed in research groups inside Brazilian universities. The research closes its perspective analyzing the position of the artists, the concept art inside the international industry field and its academic perspectives showing its relevance and concluding by its own defense to promote the culture and the thought of the poetic perspective in games
A presente investigação de mestrado trata da arte de conceito, seu sentido e relevância para os jogos digitais. Investigando o tema e perspectivas que vão desde a proposta clássica do Renascimento passando por uma abordagem da fenomenologia hermenêutica, ela encontra o pensamento dos atuais artistas de conceito para games. Nesse sentido realiza um levantamento de posições de artistas de conceito para jogos que apresentam um panorama variado e rico da questão no campo da produção artística orientada para os jogos digitais. A partir daí a pesquisa se direciona para o exame da questão da arte de conceito em duas produções digitais significativas. A primeira delas consagrada na plataforma PlayStation e que adentra a esfera do entretenimento, mostrando que é possível o trabalho de jogos digitais orientado a uma percepção artística dentro do campo das mídias do entretenimento se colocando paripasso ao lado de produções blockbusters. O segundo caso analisado, ao avesso do primeiro, mostra a importância da arte de conceito dentro da própria pesquisa acadêmica desenvolvida em núcleos de pesquisa na universidade brasileira. A pesquisa encerra a sua perspectiva analisando a posição dos artistas, a arte de conceito no campo da indústria internacional e a sua perspectiva acadêmica mostrando a sua relevância e concluindo por uma defesa da mesma dentro deu uma promoção da cultura e do pensamento da perspectiva poética no interior dos jogos digitais

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KISHIMOTO, Grace. "A pele que envolve o líquido: expressão do design e da arte." Universidade Anhembi Morumbi, 2015. http://sitios.anhembi.br/tedesimplificado/handle/TEDE/1632.

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Abstract:

Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2016-10-18T19:27:05Z No. of bitstreams: 1 Grace Kishimoto.pdf: 4704560 bytes, checksum: 2e7707bf9c5b85b89e5bc87b92d915a1 (MD5)
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This research addresses packaging as an area of design, as well as an expansion of the wrapping concept. The act of wrapping in various situations occurs as a function, and presents itself with similarity in the arts. Therefore, for a better understanding of the object, the text presents a dialogue between the areas, highlighting some similarities and differences - to confirm their close relationship - and the importance of wrapping for both. The observation of perceptual experience of the wrapping in design and in the arts contributes to new perspectives and relations between the subject and the object.
Esta pesquisa aborda a embalagem enquanto, área do design, e a ampliação do conceito de invólucro. O ato de envolver ocorre em diversas situações como uma função, e na arte apresenta-se com afinidade. Portanto, para uma melhor compreensão do objeto, o texto apresenta um diálogo entre as áreas, destacando algumas aproximações e distanciamentos – que confirmam as suas relações estreitas – e a importância do invólucro para ambas. A observação da experiência perceptiva do invólucro do design e o da arte colabora para novos olhares e relações entre o sujeito e o objeto.

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Quadrado, Ana Cristina Gonçalves. "Prática de ensino supervisionada: arte e design, 8º ano." Master's thesis, Universidade da Beira Interior, 2012. http://hdl.handle.net/10400.6/1533.

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Abstract:

O presente Relatório de estágio intitulado "Educação Expressiva - As Arte Visuais para além de Si". Surge no âmbito do Mestrado em Ensino de Artes Visuais no 3º Ciclo do Ensino Básico e no Ensino Secundário. O Relatório está dividido em dois pontos fundamentais. O primeiro ponto tem como principal objetivo pesquisar como é que um professor de artes visuais pode tornar a sua prática pedagógica mais holística, criativa, emotiva, próxima e versátil, abrindo os seus horizontes para outras metodologias e conceitos de trabalho. Neste sentido, procura-se conhecer e saber o que é a Educação Expressiva e como esta pode contribuir para a educação integral das crianças e jovens. Além disso, faz-se uma diferenciação, ainda que sucinta, entre a Educação Expressiva e a Educação pela Arte, sendo apresentadas algumas das respetivas potencialidades. Apesar de estarmos perante um conceito bastante recente em Portugal, dá-se a conhecer as suas metodologias, bem como as possibilidades da sua aplicabilidade a qualquer área e disciplina de ensino. O segundo ponto reflete sobre o percurso de aprendizagem da prática de ensino supervisionada realizada no 3º Ciclo do Ensino Básico, na Escola Secundária Quinta das Palmeiras, na cidade da Covilhã. Ao longo de todo o trabalho desenvolvido, procurou-se descobrir, essencialmente, como melhorar, qualificar e enriquecer, de uma forma motivadora, criativa e apelativa, a ação de um futuro docente que se encontra em constante construção e evolução e que contempla constantemente a oportunidade de crescimento e enriquecimento pessoal e profissional.
This report entitled "Education expressive - the Visual Arts in addition to you". It comes within the framework of the Master in Teaching Visual Arts in the 3rd Cycle of Basic Education and Secondary Education. The Report is divided into two fundamental points. The first point has as main objetive to research how a teacher of visual arts can become his pedagogical practice more holistic, creative, emotive, close and versatile, opening their horizons to other methodologies and concepts of labor. In this sense, we are trying to understand and know what the expressive Education is and how it can contribute to the integral education of children and young people. In addition, it is a differentiation, even briefly, between the expressive Education and the education through art, being presented some of their potential. Although we are facing a fairly new concept in Portugal, their methodologies are being introduced, as well as the possibilities of its applicability to any area and school subject. The second point reflects on the learning path of supervised teaching practice performed in the 3rd Cycle of Basic Education in Quinta das Palmeiras High School, in the city of Covilhã. Throughout the work, we tried to discover, essentially, how to improve, qualify and enrich, in a motivating, creative and appealing way, the action of a future teacher who is in constant construction and evolution and constantly contemplates the opportunity for growth and personal and professional enrichment.

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Mamedes, Clayton Rosa 1983. "Design sonoro e interação em instalações audiovisuais." [s.n.], 2015. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285310.

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Abstract:

Orientadores: Denise Hortência Lopes Garcia, Jônatas Manzolli
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
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Resumo: A presente tese descreve o processo criativo das instalações audiovisuais interativas Abstrações, Cerejeira e Caminho das águas, relacionando-as ao objetivo principal da pesquisa, que consiste em analisar os mecanismos de integração entre o projeto conceitual de cada instalação, seu design sonoro e os processos que modelam a interação dos visitantes com a obra. Este objetivo é alcançado através de uma abordagem prática ao processo de pesquisa, a qual foi realizada através da criação de novas obras e a respectiva avaliação sobre o comportamento dos visitantes, processo repetido a cada etapa deste trabalho. O trabalho contempla a análise e a localização de nossas referências para os conceitos de instalações, design sonoro e interatividade. Apresentamos uma proposta para estruturação do design sonoro baseada na espectro-morfologia de Denis Smalley, utilizando este conjunto teórico como modelo para estruturar a relação entre o som e o conteúdo referencial da obra, e entre o som e o modelo interativo que se pretende abrir aos visitantes. Implementamos um conjunto de descritores de propriedades físicas para o movimento e desenvolvemos um conjunto de descritores baseados na fusão de dados sobre as propriedades físicas do movimento, com a intenção de descrever as classes de Esforço para a Análise de Movimento Laban. Estes descritores objetivam suprir deficiências do modelo interativo utilizado no início da pesquisa, durante o desenvolvimento das instalações Abstrações e Cerejeira. A instalação Caminho das águas integra os desenvolvimentos alcançados pela pesquisa: uma nova abordagem para a relação entre o projeto conceitual da obra, seu design sonoro e o modelo interativo revisado. Um extenso estudo com participantes aplicado sobre esta instalação permitiu avaliarmos os resultados alcançados a partir das hipóteses levantadas durante o desenvolvimento da pesquisa
Abstract: This thesis presents the creative process of the interactive audiovisual installations Abstrações, Cerejeira and Caminho das águas, relating them to the main objective of the research, which consists in the analysis of the models that integrate the conceptual project of each installation, its sound design and the interactive processes that model the relation between visitors and the work. This objective was achieved through a practical approach to the research process and was implemented by the designing of new installations and the respective evaluation about the behavior of visitors. This process was repeated at each step of the research. This work includes the analysis and origin of our references to the concepts of installations, sound design and interactivity. We present a proposal to structure sound design based on the spectro-morphology developed by Denis Smalley. We propose the use of this theoretical corpus as a model to structure the relation between the sound and the referential content of the work, and between the sound and the interactive model that is intended to be open for visitors' participation. We have implemented a set of descriptors to retrieve physical properties of the movement. We also developed a set of descriptors based on data fusion from these physical properties, intending to describe the classes of Effort for the Laban Movement Analysis. These descriptors aim to fulfill shortcomings observed in the interactive model adopted in the early part of the research, specifically during the development of the installations Abstrações e Cerejeira. The installation Caminho das águas integrates the developments achieved by this research: a new approach to the relation among the conceptual project of a work, its sound design and the interactive model adopted. An extensive study with participants applied over this installation enabled us to evaluate the results achieved from the hypotheses raised during the development of the research
Doutorado
Processos Criativos
Doutor em Música

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LOPES, Vanesa Rocha. "Entre design de moda e arte: um olhar para a coleção Infinitely Kusama." Universidade Anhembi Morumbi, 2014. http://sitios.anhembi.br/tedesimplificado/handle/TEDE/1624.

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Abstract:

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This research presents an investigation of some Design’s fields and Contemporary Art, as well, through a look at Infinitely Kusama collection – created by Louis Vuitton’s fashion designer Marc Jacobs, in collaboration with the artist Yayoi Kusama - focusing on her career, her poetics and her installation art. Approaches experience design, which emphasizes affective aspects, symbolic functions and subjective components to delineate appropriations of art forms practiced by Design. Our journey is permeated by the concept of aesthetics experience and leads joints concerning the aesthetics in life, the reproduction, the fetishism of objects and brands, and some of the paradoxes that pervade fashion, such as standardization and differentiation.
Esta pesquisa apresenta uma investigação acerca dos campos do Design e da Arte contemporâneos por meio de um olhar sobre a coleção Infinitely Kusama - projeto da marca Louis Vuitton desenvolvido pelo designer de moda Marc Jacobs em colaboração com a artista Yayoi Kusama - bem como sobre a obra desta artista, enfocando sua trajetória, sua poética e seu trabalho com instalações. Aborda a linha de ação denominada design experiencial, que privilegia aspectos afetivos, funções simbólicas e componentes subjetivos, no sentido de delinear apropriações de linguagens artísticas praticadas pelo Design. Nosso trajeto é permeado pela apresentação do conceito de experiência estética e conduz articulações atravessadas por questões relativas à estetização do cotidiano, à reprodutibilidade, à fetichização de objetos e marcas e alguns dos paradoxos que perpassam a moda, tais como padronização e diferenciação.

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Cláudio, Cruz e. Silva José. "Processo-projeto em intervenções urbanas: SPA das Artes 2009." Universidade Federal de Pernambuco, 2011. https://repositorio.ufpe.br/handle/123456789/2890.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-12T16:24:35Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo1003_1.pdf: 3924883 bytes, checksum: 0d2ae3ea283fad9da637cc1692033b5c (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2011
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Esta pesquisa, sobre processos na arte e no design, considerou estas duas áreas do conhecimento como processos de configuração de objetos. Ambas configuram produtos e ambiente, procedendo com metodologias que foram expostas numa preleção histórica. A intuição e o cálculo dos processos de design e dos processos artísticos foram aferidos pelo Pêndulo de Kandinsky, uma adaptação da síntese intuição cálculo, proposta nos anos de 1920, quando este lecionava na Bauhaus. O objeto da investigação foram as intervenções urbanas selecionadas para participar do SPA das Artes 2009, um evento realizado no Recife, pela prefeitura local. A metodologia acompanhou a realização de 11 intervenções urbanas na rua tendo, antes disso, recolhido informações nos Formulários de Inscrição e, depois disso, realizado entrevistas com os artistas. Quando as intervenções urbanas são relacionadas com as metodologias de design o resultado indica que processo empregado é do tipo light-weight . Quando se busca aferir o quanto de cálculo e de intuição há nos processos das intervenções urbanas o resultado indica que há um equilíbrio entre estas duas possibilidades, se verifica o que Argan chamou de processo-projeto , o passo a passo dos atos intencionados e de sua sucessão . A título de desenvolvimento, o trabalho encerra com sugestões para pesquisas posteriores

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Moura, Joana Maria Martins de. "Coleção de arte erótica: identidade visual e museografia." Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2014. http://hdl.handle.net/10773/12067.

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Abstract:

Mestrado em Design
O estudo e desenho da comunicação visual e instalação da colecção de arte erótica de João Proença no edifício da “Pensão Amor”, em Lisboa, constitui a base projetual da presente dissertação. A natureza culturalmente sensível do erotismo nas sociedades ocidentais implicou redobrados cuidados no projeto que se pretende, por um lado, forte e memorável e por outro politicamente contributivo para uma cidadania mais livre e responsável. Nesse sentido, o presente projeto procurou na sociologia a base instrumental para o esclarecimento do significado de Erotismo, quando comparado com Pornografia e Obscenidade. O desenvolvimento do projeto teve em conta o estudo dos casos de outras instituições congéneres de referência internacional, como os museus eróticos de Barcelona e Nova Iorque.
The study and design of visual communication and installation of the Erotic Art collection of João Proença at the building of "Pensão Amor", in Lisbon, constitutes a projectual basis of the present dissertation. The culturally sensitive nature of eroticism in Western societies meant an extra care with this project that is intended, firstly, strong and memorable as well as politically contributing to a more free and responsible citizenship. In this sense, the present project sought in sociology an instrumental basis for the clarification of the meaning of Eroticism, compared with Pornography and Obscenity. The development of the project took into account the study of cases from other congeners leading international institutions such as the Erotic Museums of Barcelona and New York.

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Barros, Maria da Conceição 1954. "João José Cochofel-arte, real futurante." Master's thesis, Instituições portuguesas -- -Universidade do Minho, 2000. http://dited.bn.pt:80/29406.

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Lautenschlaeger, Graziele. "Arte programmata: entre acidente e controle." Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/18/18142/tde-05012011-142656/.

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Abstract:

Os processos de produção de arte eletrônica contemporânea (pós-anos 1990) são discutidos sob a ótica da cibernética de segunda ordem, cujos princípios consideram o observador durante a observação dos sistemas, analisando como circular a relação entre observador e observado. A metodologia empregada baseia-se na Teoria Fundamentada nos Dados, cujo argumento emerge do entrecruzamento do arcabouço teórico sobre o assunto com as informações coletadas através de observações, conversas e entrevistas. A análise se desenvolve em três capítulos, todos atravessados pela exploração das relações entre acidente e controle no campo da arte eletrônica. No primeiro capítulo levamos em consideração os aspectos conceituais e estruturais da produção artística em questão. No segundo, exploramos as relações que se tecem entre agentes criativos durante o processo, observando tal produção enquanto sistema social pautado em conversações. No terceiro, vislumbramos a experiência criativa coletiva enquanto possibilidade de construção de espaços de conhecimento, e arriscamos uma auto-crítica sobre o que apreendemos sobre o processo de produção da arte eletrônica. Nossas considerações finais trazem nossa apreensão para as relações entre a arte eletrônica e a arquitetura, apontado para o caráter utópico de nossos argumentos.
The production processes on contemporary media art (post-1990\'s) are discussed through the second order cybernetics perspective, whose principles study the observer and observed as a circular motion. The research methodology is based on the Grounded Theory. The argument emerges by blending together the theoretical framework on the subject with the information collected through observations, conversations and interviews. The analysis is developed in three chapters, all interrelated exploring the relationships between accident and control in the media art field. In the first chapter the conceptual structure of this artistic production is analyzed. In the second chapter, we explore the relationships that emerge between creative agents during the process, observing such production as a social system being ruled by conversation. In the third chapter, picturing the collective creative experience as means to the construction of knowledge spaces, we apply to the architectural field what we learned about the production process of media art. Our final conclusions bring our perception to the relations between media art and architecture leading to the utopian character of our arguments.

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Passaporte, Ricardo Jorge Tavares. "O uso da estampagem digital como ligação arte-moda." Master's thesis, Universidade da Beira Interior, 2013. http://hdl.handle.net/10400.6/1725.

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Abstract:

O projeto de mestrado apresentado tem como título “O uso da estampagem digital como ligação Arte/Moda”. Começa com um estudo sobre a história da estampagem desde a antiguidade, referindo os benefícios da técnica e a sua importância. No capítulo seguinte é feita uma abordagem específica à estampagem digital e os seus processos de criação, tocando em aspetos técnicos que contribuem para o produto final. De seguida existe um levantamento de alternativas à estampagem digital, mostrando de uma forma simplificada os seus processos de criação e uma pequena análise sobre os seus pontos fortes e fracos. Depois de uma avaliação sobre a estampagem digital e as suas alternativas, é feita uma relação entre Arte, Moda e Estampagem, dando alguns exemplos de como eles se misturam e se relacionam. Antes de passarmos à fase prática, é feito um levantamento atual de coleções onde são aplicadas a estampagem digital, uma análise do que foi feito num período de tempo relativamente curto. Por fim são realizados painéis de inspiração, croquis e manipulações digitais em moldes como suporte do produto final, onde é apresentada uma colecção.
The master's degree project submitted has as its title "the use of digital printing as Art/Fashion connection". It begins with a study of the history of printing since antiquity, referring to the benefits of the technique and its importance. In the next chapter is made a specific approach to digital printing and its processes of creation, playing in technical aspects that contribute to the final product. After, there is a survey of alternatives to digital printing, showing in a simplified form their creation processes and a short analysis of its strengths and weaknesses. After an evaluation on digital printing and its alternatives, there is a relationship between art, fashion and printing, giving some examples of how they combine and relate to one another. Before we proceed to the practical work, is made a current survey of where collections are applied to digital printing, an analysis of what has been done in a relatively short period of time. Order panels are held by inspiration, sketches and digital manipulations in patterns as endproduct support, where a collection is presented.

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Claro, Graciete Maria dos Prazeres. "Idade electrónica-arte e tecnologia." Master's thesis, Instituições portuguesas -- UL-Universidade de Lisboa -- -Faculdade de Belas Artes, 2000. http://dited.bn.pt:80/29389.

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Rabello, Mila de Almeida Pacheco. "Design de moda e arte conceitual: princípios de criação e diálogos possíveis." Universidade Anhembi Morumbi, 2011. http://sitios.anhembi.br/tedesimplificado/handle/TEDE/1596.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-08-18T17:47:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mila de Almeida.pdf: 10636 bytes, checksum: 7c6ac63915f137b4a879bf89d7e9493e (MD5) Previous issue date: 2011-08-31
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Este estudo aborda a criação do designer de moda, Martin Margiela, em diálogo com os princípios de criação da arte conceitual. A partir da análise da produção do artista Marcel Duchamp e do designer de moda Martin Margiela, buscamos identificar princípios de criação em ambos os trabalhos que revelam questionamentos e problematizações, tanto no aspecto da linguagem, quanto no que diz respeito aos materiais e aos suportes. Procuramos identificar e ressaltar a criação em design de moda quando esta se revela como uma prática que investiga conceitos e linguagens. Nesse sentido, enfocamos o trabalho de Martin Margiela, criador que problematiza os padrões de funcionamento do próprio campo do design de moda, assim como do contexto contemporâneo.

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Sniker, Tomas Guner. "O diálogo entre o design e a arte na sociedade de consumo: do uso ao valor de seleção." Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27159/tde-25102010-172500/.

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Abstract:

A investigação deste Trabalho consiste em um estudo sobre o diálogo entre o design e a arte na sociedade de consumo contemporânea, denominada como hiperconsumidora. Neste contexto, o produto industrializado tece um diálogo com a atividade artística por meio de associações, cada vez mais comuns, entre o universo da arte e grandes marcas e corporações. Procuramos introduzir este assunto por meio de um percurso histórico do período moderno até o contemporâneo, destacando os momentos mais relevantes em que o diálogo entre design e arte contribuiu para o desenvolvimento dos produtos industrializados. Com o intuito de contextualizar este diálogo em fases, tomamos quatro valores atribuídos às mercadorias: uso, troca, posse e seleção. Enquanto os valores de uso e troca se apresentaram como característicos dos primeiros momentos da civilização de consumo, o surgimento dos valores de posse e seleção são reflexos do hipercosumo, que se desenvolveu no decorrer das últimas quatro décadas. Em específico, o valor de seleção dos objetos nos serviu como fundamento para nossas considerações sobre as relações entre o universo da arte e as grandes marcas. Nesse contexto, o valor de seleção representou a ênfase da indústria no consumidor que, na contemporaneidade, é capaz de articular as informações que lhe vêm das características dos mais diversos produtos e serviços em acordo com suas necessidades e desejos. Assim, num mercado consumidor cujo acirramento da concorrência é cada vez maior, verificamos o emprego de ações que criem diferenciais que sejam únicos e inovadores e que contribuam na construção de valores junto às marcas e produtos. Para tanto, notamos a utilização de alguns recursos, que vão desde o investimento na qualidade estética dos produtos e ambientes, até o emprego de ações envolvendo festivais, intervenções e exposições de arte. Ao considerarmos que verificar estas novas relações consistia em explorar o sistema que as envolve, analisamos o sistema de arte moderna: o Regime de Consumo, como fundamento e, em seguida, a sua transposição para o Regime de Comunicação, o sistema de arte contemporânea. Desta feita, verificamos como o Regime de Comunicação se sustenta no circuito em rede, que é ampliado pelas novas tecnologias da comunicação e é capaz de assegurar o diálogo com as marcas e produtos industrializados.
This works investigation is based on a study that covers the dialog between design and art on the contemporaneous consumer society, known as hyper-consumer. Within this theory, processed products compose a dialog with artistic activity that goes through associations, more usual by the second, among art universe and big brands and companies. We tried to introduce this issue showing the historical path from modern to contemporary periods, highlighting the most relevant moments in which the dialog between design and art contributed to processed products development. In order to bring these dialogs into words, four attributed values to these commodities were adopted: usage, exchange, ownership and selection. While usage and exchange appeared as typical on primary moments of this consumer period, ownership and selection were born from the hyper-consumer era, which has expanded in the past four decades. More specifically, the object selections value was the foundation of our thoughts about the relationship between art universe and big brands. The selection value in this context represented how much emphasis the company is able to apply on its consumer, who nowadays, is capable of vary its needs and process the information that comes from the most different products and services properties. Therefore, on a consumer market in which competition is more and more fearless, we could observe some actions that can be applied in order to create uniqueness and innovation and contribute to build values along with brands and products. To that end, weve been observing some resources that go from products and environments esthetic quality investments to different actions adopted in order to gather artistic activity like concerts, celebrations and shows. As we realized that verifying those new relationships were based on explore the system that surrounds them, we could analyze the modern art system: the Consuming Regime, as the foundation, and then its conversion to the Communication Regime, a contemporaneous art system. From this moment on, we verified how the Communication Regime remains in the net circuit, which is enlarged by new communication technologies and is able to assure the dialog between brands and processed products.

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Craveiro, Pedro Alexandre Albano Dias. "O conceito de arte em Alexandre Herculano." Master's thesis, Instituições portuguesas -- UL-Universidade de Lisboa -- -Faculdade de Belas Artes, 2001. http://dited.bn.pt:80/30104.

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Penkal, Sandra. "A inter-relação da arte, design e marca: Tarsila, a artista e o perfume." Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2006. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/2043.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:43:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sandra Penkal.pdf: 2244632 bytes, checksum: ca8104bd03c6defa736ea56e99ecd598 (MD5) Previous issue date: 2006-08-03
The aim of this work is to study and make a reflection about the interrelation among the art, the design of products and the commercial marks of the current Cultural Industry. As a research object, the signic dimension of the Manacá/1927 image of the painter Tarsila do Amaral is considered, applied to the product marks of a company of cosmetics and perfumery section of the Brazilian market ( O Boticário ). It can be understood that in all of the times, human groups always used expression behaviors, sense manifestation and social communication, and other language ways. Therefore, the structure of this dissertation is based on a semiotic vision and of the construction of a commercial mark, through the use of artistic sources as symbolic elements that join and enlarge its value. Strong symbols confer a larger link and structure to a mark identity, giving it an easier and fast of being recognized and reminded. Great part of the Brazilian industries, in the most different sections, still doesn t possess a tradition in the use of a design based in elements typically national, resulting, this way, in the reproduction of concepts developed by other countries. Recently, however, some segments already use resources and national data in the conception, creation and development of consumption products. This way, starting from the interchange among art X design to the design X art, including the process of decoding of the work, the public can be moved toward the artistic culture and the national design can be solidified with investments to create and produce products, as demonstrated in this work.
A dissertação propõe um estudo e uma reflexão sobre a inter-relação entre a arte, o design de produtos e as marcas comerciais da atual Indústria Cultural. Como objeto de pesquisa, é considerada a dimensão sígnica da obra Manacá/1927, da pintora Tarsila do Amaral, aplicada a marcas de produtos de uma empresa no setor de cosméticos e perfumaria do mercado brasileiro ( O Boticário ). Entende-se que em todos os tempos, grupos humanos sempre usaram modos de expressão, de manifestação de sentido e de comunicação social e outras formas de linguagem. Destarte, a estrutura desta dissertação está baseada numa visão semiótica e da construção de uma marca comercial, através da utilização de fontes artísticas como elementos simbólicos que agregam e ampliam o seu valor. Pois, fortes símbolos conferem maior unidade e estrutura a uma identidade de marca, tornando-a mais fácil e rápida de ser reconhecida e lembrada. Grande parte das indústrias brasileiras, nos mais distintos setores, ainda não possui uma tradição na utilização de um design fundamentado em elementos tipicamente nacionais, resultando, assim, na reprodução de conceitos desenvolvidos por outros países. Contudo, recentemente alguns segmentos já vêem utilizando recursos e dados nacionais na conceituação, criação e desenvolvimento de produtos de consumo. Deste modo, a partir do trânsito entre arte X design para o design X arte, abrangendo o processo de decodificação da obra, pode-se aproximar um pouco mais o público da cultura artística e solidificar o design nacional com investimentos na criação e produção de produtos, conforme demonstrado neste trabalho.

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Giesteira, Bruno Sérgio Gonçalves. "Criatura digital: redimensão do lugar cénico." Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2005. http://hdl.handle.net/10773/5005.

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Abstract:

Mestrado em Design, Materiais e Gestão de Produto
O presente trabalho propõe-se a reflectir sobre a recriação do imaginário e expectativas do ser humano na Arte Digital. Importantes linhas de acção da contemporaneidade artística - a reflexão teórica sobre o tempo e a sua relação com o espaço; a criação de ambientes plasticamente complexos; a participação directa do público; a novidade, intimidade, instantaneadade, envolvimento; e o sentido de tempo presente – são actualmente exploradas pelo meio tecnológico que possibilita a criação de ambientes, importando reflectir sobre novas formas de pensar linguagens de mediação capazes de redimensionar, sensorial e emotivamente, as experiências do ser humano.
The present work proposes a reflection about the recreation of the imaginary and the expectations of the human being in the Digital Art. Important lines of action of the contemporary art – the teoric reflection on the time and its relation with space; the creation of plastical complex environments; the direct participation of the audience; the novelty, the intimacy, instantaneous, involvement; and the sense of present time – are actually exploited by the tecnologic medium that makes possible the creation of environments, being of great importance to reflect over new ways of thinking mediation languages that are capable of redimentionating, both sensory and emotionally, the human being experiences.

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Matta, Célio Martins da [UNESP]. "Artemídia: processos e procedimentos no ateliê-laboratório do artista-cineasta." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2011. http://hdl.handle.net/11449/86986.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-12-16Bitstream added on 2014-06-13T18:49:24Z : No. of bitstreams: 1 matta_cm_me_ia_prot.pdf: 71274422 bytes, checksum: ab214ea92965bb5a6697314d1ceb78fc (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
O trabalho demonstrou a importância do estudo dos processos e procedimentos artísticos de artistas-cineastas em conjunto com um ambiente desenvolvido pelos próprios artistas-cineastas ao mesmo tempo em que ele o habitava e experimentava. Este ambiente foi onde este artista-cineasta pôde fazer experimentações e, pela via mais empírica, discutir, analisar e encontrar soluções de algum pensamento ou sentimento que ele estivesse desenvolvendo ou procurando, sentindo ou analisando. Enquanto os artistas-cineasta desenvolviam seus trabalhos dentro do ateliê, eu desenvolvia e ao mesmo tempo as minhas pesquisas dentro do mesmo ateliê. O ambiente que estávamos habitando estava sendo modificado juntamente com nossos pensamentos, reflexões e descobertas, criando um círculo de desenvolvimento, um trabalho cíclico. Parti antecipadamente, do pensamento de que seria necessário um ambiente específico e facilitador onde o artista-cineasta pudesse trabalhar seus conceitos criativos de artes visuais em duas e três dimensões para utilização específica de artes em cinema. O intuito era analisar e promover um ambiente para que este servisse para suporte para os estudos de artistas-cineastas, sendo utilizado e organizado como um laboratório de experimentação do artista-cineasta espécificamente para seus estudos na captura das imagens tanto cinéticas como estáticas. Ainda apresentei projetos de elaboração, aplicação e avaliação de situações e protótipos (artefatos) que de alguma maneira melhoraram a qualidade e a capacidade do estudo naquele momento específico, para aquele caso específico. Os projetos destes protótipos também facilitaram a análise do processo criativo de Artistas-Cineastas dentro de um Ateliê-Laboratório e como a utilização do processo criativo pode ser...
The work aimed to demonstrate the importance of studying the process and procedures of artists, artistic directors in conjunction with an environment developed by the artist himself at the same time that he lived and experienced. This environment is where this artist was able to do research and experimentation, through more empirical, discuss, analyze and find solutions to some thought or looking, feeling and looking. While the artists developed their work in the studio, I developed while my research within the same studio. The environment we were living was being modified along with our throughts, insights and discoveries, creating a circle of development, a cyclical work. I left early, thinking that would require a specific environment where the artist and facilitator could work their creative concepts of visual art in two and three dimensions for the specific use of arts in film. The aim was to analyze and promote and environment that would serve as a support for studies of artists, filmmakers, and is used and organized as a laboratory for experimentation of the artist specifically for their studies in the capture for both kinetic and static images. Also presented projects development, implementation and evaluation of situations and prototypes (artifacts) that somehow improved the quality and capacity of the study at that particular moment, for that specific case. The designs of these prototypes have also facilitated the analysis of the creative process of artists, filmmakers within a studio-laboratory and the use of the creative process can be reversed in equipment and environments that allow even the largest... (Complete abstract click electronic access below)

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Roizenbruch, Tatiana Azzi. "O jogo das diferenças: design e arte popular no cenário multicultural brasileiro." Universidade Anhembi Morumbi, 2009. http://sitios.anhembi.br/tedesimplificado/handle/TEDE/1565.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-08-18T17:47:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tatiana Azzi.pdf: 20016801 bytes, checksum: aadf8a747323e3d98aa83cf1901a5c92 (MD5) Previous issue date: 2009-02-17
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Esta pesquisa busca reconhecer e relatar as influências e a inserção da cultura local no design contemporâneo brasileiro. Depois de alguns anos de produções miméticas e sem expressividade, o design no país começa a traçar caminho próprio e busca nas artes populares, uma maneira de fortalecer a produção nacional. Este trabalho mostra como o design brasileiro caminhou em busca de uma estética mais próxima da cultura múltipla do país. Através do conceito de hibridismo, a pesquisa mostra de que forma as misturas entre diferentes áreas da cultura favorecem tanto o design quanto o artesanato produzido no país. A troca de saberes e o respeito a multiculturalidade são novas características das produções locais. As transformações ocorridas no campo do design brasileiro são reconhecidas através de exemplos como os projetos desenvolvidos pelo Laboratório Piracema de Design e também por outros projetos de designers e artistas que perceberam a riqueza cultural do país e traçam um caminho próprio para o design brasileiro, baseados em referência multiculturais. Contemporaneidade e tradição se encontrar e tornam as diferenças, chave para o amadurecimento do design no Brasil..

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Skoda, Sonia Maria de Oliveira Gonçalves. "Evolução da arte da joalheria e a tendência da joia contemporânea brasileira." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/93/93131/tde-27012016-134500/.

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Abstract:

A presente dissertação se baseou no percurso da história da arte, para compreender as manifestações da história da joalheria, pois a joia com seu valor material é um patrimônio impregnado de simbologias e de significados estéticos. Este trabalho utilizou a pesquisa histórica, baseada na pesquisa bibliográfica ou de fontes secundárias. Estabeleceu-se um painel cronológico do caminho percorrido pela humanidade para desenvolver a arte da joalheria, desde o seu surgimento, procurando fazer relação entre suas descobertas, necessidades de novos materiais, o aprimoramento de técnicas ou ainda a capacidade de desenvolver habilidades para executá-las. A sua relação com as artes plásticas, que nas últimas décadas levaram a arte e a joia a romper paradigmas. Atualmente, a joia é mais despojada, enfrenta novos desafios como a preocupação com o meio ambiente e a utilização de sementes, madeiras, entre outros materiais naturais, criando objetos com design diferenciado e contemporâneo.
This dissertation is based on the course of art history, to understand the manifestations of the history of jewelry, as the jewel in its material value is a heritage steeped in symbolism and aesthetic meanings. This study used historical research, based on literature or secondary sources. Established a panel chronological path for humanity to develop the art of jewelry, from its inception, seeking to make the relationship between their findings, need for new materials, improvement of techniques or even the ability to develop skills to execute them. His relationship with the arts, which in recent decades have led to art and jewelry to break paradigms. Currently, the jewel is more casual, faces new challenges such as concern for the environment and use of seeds, wood, and other natural materials, creating objects with different design and contemporary.

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Hagio, Camila Polido Bais. "A questão da escala em obras de arte, arquitetura e design." Universidade de São Paulo, 2014. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/16/16134/tde-19122014-152353/.

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Abstract:

A presente dissertação de mestrado traz como foco a questão da escala em obras de arte, arquitetura e design. Está estruturada em três partes principais. Na primeira parte são apresentadas abordagens teóricas sobre o conceito de escala, percorrendo estudos sobre seus principais significados e aplicações nestes campos do conhecimento, a relação do corpo humano como parâmetro dimensional e os conceitos de massa, volume e espaço, além de abordar a teoria do estranhamento, idealizada por Chklóvski e o conflito entre conhecimento e experiência, proposto por Maderuelo. Na segunda parte, são expostas obras de arte, arquitetura e design que evidenciam algumas das possibilidades fornecidas pela manipulação da escala. Na terceira e última parte foram destacadas três obras de arte cuja forma é um cubo, sendo elas; Die (1962), de Tony Smith; a obra sem título (quatro cubos espelhados, 1965), de Robert Morris e Cruzeiro do Sul (1969-1970), de Cildo Meireles. A partir desta seleção sugeriu-se a sistematização das ideias apresentadas anteriormente como ferramentas de análise e reflexão aplicáveis a processos criativos.
This dissertation brings focus on the issue of scale in works of art, architecture and design. Is structured into three main parts. In the first part theoretical approaches to the concept of scale are presented, covering studies on its main meanings and applications in these fields of knowledge, the relation of the human body as a dimensional parameter and the concepts of mass, volume and space, in addition, presents the theory of estrangement, idealized by Chklóvski and the conflict between knowledge and experience, proposed by Maderuelo. In the second part are exhibited works of art, architecture and design which highlight some of the possibilities provided by the manipulation of scale. In the third and final part, three works of art whose form is a cube are shown, they are Die (1962), of Tony Smith, the Untitled work (Four mirrored cubes, 1965) of Robert Morris and Cruzeiro do Sul (1969- 1970), of Cildo Meireles, and from this selection suggest the systematization of ideas previously presented as tools for analysis and reflection applicable in creative processes.

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Lima, Cláudia Raquel Marques Martins de. "?-Actividade: interactividade, reactividade e retroactividade na arte e no design digitais." Master's thesis, [s.n.], 2009. http://hdl.handle.net/10284/1071.

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Abstract:

Dissertação de Mestrado apresentada à Universidade Fernando Pessoa como parte dos requisitos para obtenção do grau de Mestre em Ciências da Comunicação.
O século XX foi marcado por uma convergência sem precedentes da técnica e da cultura, que despoletou uma série de novos meios, nomeadamente os meios digitais, e de novos conceitos, alguns deles carecendo ainda de uma definição clarificadora. Um desses conceitos é referido pelo termo “interactivo”, cujo significado parece variar consoante os interesses comerciais e consoante as áreas a que surge associado. Contudo, ficamos com a ideia de que a qualidade interactiva de um produto o vem valorizar, seja na arte, no design ou no marketing. É objecto desta dissertação clarificar o conceito de interactividade, problematizar a sua utilização e tentar compreender em que medida poderá ser associado (ou não) às práticas da arte e do design. O conceito de interactividade é analisado na sua semântica e nos seus usos actuais, designadamente através da sua associação a certas práticas artísticas e à tecnologia digital. São confrontadas diferentes teorias de autores como Eric Bucy, Sheizaf Rafaeli e Claudia Giannetti. A análise revelou que a falta de rigor analítico na conceptualização do termo “interactivo” se prende em grande parte com uma falta de distinção entre o que é interactivo e o que é meramente reactivo. Por isso, considerei pertinente e necessária uma análise do conceito de reactividade, bem como de alguns exemplos que elucidam o que diferencia o “reactivo” do “interactivo”. Só a definição clara e objectiva destes dois conceitos permite avaliar em que medida cada um deles pode actuar no contexto da arte e no contexto do design e determinar a importância do grau de retroactividade atribuído aos produtos, assim como os seus efeitos positivos e negativos. Neste sentido, foi também analisado o papel da interface nos sistemas, realçando a necessidade de um design potenciador de uma relação comunicacional entre máquina e utilizador, bem como o envolvimento ou mesmo imersão deste último no sistema. Le XXe siècle a été marqué par une convergence sans précédents entre la technique et la culture ce qui a engendré une série de nouveaux moyens, notamment les moyens digitaux, et de nouveaux concepts, certains d’entre eux requérant encore une définition clarificatrice. L’un de ces concepts est rapporté par le terme «interactif», dont le sens semble varier selon les intérêts commerciaux et selon les secteurs auxquels il apparaît associé. Néanmoins, nous restons sur l’idée que la qualité interactive d’un produit vient le valoriser, que ce soit dans l’art, le design ou le marketing. L’objet de cette dissertation est de clarifier le concept d’interactivité, de problématiser son utilisation et d’essayer de comprendre dans quelle mesure il pourra être associé (ou pas) aux pratiques de l’art et du design. Le concept d’interactivité est analysé dans sa sémantique et dans ses usages actuels, notamment à travers son association à certaines pratiques artistiques et à la technologie digitale. Les différentes théories des auteurs tels qu’Eric Bucy, Sheizaf Rafaeli et Claudia Giannetti y sont confrontées. L’analyse a révélé que le manque de rigueur analytique dans la conceptualisation du terme «interactif» est lié, en grande partie, au manque de distinction entre ce qui est interactif et ce qui est purement réactif. J’ai donc considéré qu’il était pertinent et nécessaire d’analyser le concept de réactivité, ainsi que quelques exemples qui clarifient ce qui différencie le «réactif» de l’«interactif». Seule la définition claire et objective de ces deux concepts permet d’évaluer dans quelle mesure chacun d’entre eux peut agir dans le contexte de l’art et dans le contexte du design et de déterminer l’importance du degré de rétroactivité attribué aux produits ainsi que ses effets positifs et négatifs. Dans ce sens, le rôle de l’interface dans les systèmes a également été analysé, soulignant la nécessité d’un design qui améliore la relation communicationnelle entre la machine et l’utilisateur ainsi que l’engagement voire même l’immersion de ce dernier dans le système. The 20th century was marked by an unprecedented convergence of technology and culture. This convergence gave rise to a number of new media, namely digital media, and new concepts, some of which have yet to be clearly defined. One of such concepts is “interactive”, which seems to change its meaning depending on commercial interests and the areas it appears in. However, we do perceive that being interactive enhances a product, whether this is in art, in design or in marketing. The objectives of this dissertation are to clarify the concept of interactivity; to classify its usage; to attempt to understand to what extent it can be associated, or not, to the fields of art and of design. The concept of interactivity is analysed semantically and in current usage, namely through its association with certain artistic practices and with digital technology. The theories of writers such as Eric Bucy, Sheizaf Rafaeli and Claudia Giannetti are compared. Analysis has revealed that the lack of analytical accuracy in conceptualizing the term “interactive” is largely due to a lack of distinction between that which is interactive and that which is merely reactive. Therefore, I felt it was pertinent and necessary to analyse the concept of reactivity, as well as looking at some examples that inform the difference between something “reactive” and something “interactive”. It is only through a clear and objective definition of these concepts that we can assess to what extent each of them has a role in the contexts of art and design. It will also help to determine the importance of the retroactivity of a product, along with its positive and negative effects. To that end, the role of the system interface was also analysed. It highlights the need for a design that enhances a communication relationship between machine and user, as well as involving the uses in the system, or even immersing him or her in it.

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Queirós, António dos Santos. "A modernidade na cultura e na arte portuguesa." Master's thesis, Instituições portuguesas -- UL-Universidade de Lisboa -- -Faculdade de Belas Artes, 2001. http://dited.bn.pt:80/30088.

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Omine, Eduardo Hiroshi. "Design gráfico computacional: computação aplicada no projeto e na produção de imagens dinâmicas e interativas." Universidade de São Paulo, 2014. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/16/16134/tde-12092014-122450/.

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Abstract:

Esta pesquisa objetiva investigar o design computacional, explorando a aplicação de ferramentas conceituais da computação no projeto e na produção de imagens dinâmicas e interativas. A realização desta pesquisa foi motivada por observações feitas pelo autor ao longo de sua experiência profissional, projetando e desenvolvendo interfaces digitais. Constatou-se que muitos profissionais, intitulados \"designers\", possuem pouco ou nenhum conhecimento das tecnologias envolvidas na implementação das interfaces que projetam. Por outro lado, esses mesmos profissionais se limitam a usar alguns poucos softwares comerciais (como por exemplo o Adobe Photoshop) enquanto ferramentas computacionais. Se o designer não conhece as tecnologias envolvidas no projeto (com suas possibilidades e suas limitações), pode acabar propondo soluções tecnicamente inviáveis ou inadequadas. E se o designer limita seu repertório de ferramentas, suas soluções podem ser concebidas mais em função dos recursos disponíveis nas ferramentas do que em função dos requisitos do projeto. Considerando que as ferramentas computacionais ocupam atualmente um papel central na produção, distribuição, e recepção de conteúdo, torna-se importante desenvolver uma postura crítica a respeito do uso da computação em design. E para tanto, faz-se necessário pesquisar as relações entre computação e design. Consultando autores das áreas de comunicação, cibernética, computação, artes, e design, buscou-se identificar os efeitos da computação na sociedade e no pensamento, sua aplicabilidade em outras áreas do conhecimento, e precedentes da arte e do design para uma abordagem computacional do design. Também foram consultados textos (em forma de depoimentos) de designers que trabalham com computação, nos quais relatam seus próprios processos de design. Além disso, foram realizadas entrevistas com 3 designers brasileiros, que ofereceram contribuições valiosas para aqueles que buscam compreender o design computacional de uma perspectiva brasileira. Esta dissertação pretende contribuir para uma maior compreensão das possibilidades e limitações da computação no design.
This research aims to study computational design, exploring the application of computing\'s conceptual tools in the design and the production of dynamic and interactive images. This research was motivated by reflections made by the author throughout his professional experience, designing and developing digital interfaces. It was found that many professionals, entitled \"designers\", have little or no knowledge of the technologies involved in the implementation of the interfaces they design. On the other hand, these same professionals limit themselves to use a few commercial softwares (for example, Adobe Photoshop) as computational tools. If the designer doesn\'t know the technologies involved in the design (with its possibilities and its limitations), he may end up proposing technically unfeasible or inappropriate solutions. If the designer limits his own tool set, his solutions may be conceived more as a function of the features available in the tools than the project\'s requirements. Considering that computational tools currently occupy a fundamental role in production, distribution, and reception of content, it becomes important to develop a critical stance regarding the use of computing in design. Therefore, it becomes necessary to study the relationships between computing and design. Consulting authors in the fields of communication, cybernetics, computing, arts, and design, we sought to identify the effects of computing in society and thinking, its applicability in other fields, and precedents from art and from design for a computational approach to design. Statements and articles from designers who work with computing, describing their own design processes, were also consulted. In addition, 3 interviews with Brazilian designers were conducted; the interviewees offered rich contributions for those who seek to understand computational design from a Brazilian standpoint. This dissertation aims to contribute to a larger comprehension of the possibilities and limitations of computing in design.

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Sato, Sandra Minae. "A cerâmica artística: interfaces na contemporaneidade." Universidade de São Paulo, 2016. https://repositorio.ufjf.br/jspui/handle/ufjf/7004.

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Abstract:

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2018-08-08T11:56:22Z No. of bitstreams: 0
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PROQUALI (UFJF)
Uma das mais antigas matérias-primas utilizadas pelo homem, a cerâmica vive hoje uma das mais importantes revoluções conceituais de sua história. Como expressão artística, a cerâmica tem atravessado séculos sob o estigma de “arte menor” e refugiada no que o pesquisador Garth Clark denomina “fortaleza cerâmica”, recorrendo a um gueto artístico construído com seus próprios veículos de comunicação, espaços expositivos e eventos. Esta pesquisa investiga quais foram os ecos desta condição marginal que conformaram a cerâmica tal como ela se apresenta na atualidade entre as artes visuais e o design, em tempos de intenso desenvolvimento dos recursos tecnológicos disponíveis e da ideia da não-materialidade como forma de manifestação. O estudo revisa a trajetória de artistas que, a despeito das diferenças hierárquicas que segregaram o artista do artesão, atribuíram novos significados a essa que é uma das mais primitivas formas de expressão do sentimento humano. A partir da revisão histórica dos pensamentos, tanto a favor quanto contra, sobre a classificação das artes em “maiores” ou “menores”; “belas artes” ou “artes aplicadas”, questionamos a necessidade desta categorização. Analisamos, ainda, como as especificidades da cerâmica a tornam representação legítima da arte pós-moderna, conforme a visão de teóricos como Charles Jencks, Stuart Hall, Arthur Danto, Zygmunt Bauman, entre outros, pela sua capacidade de se adaptar as novas linguagens e aos conceitos nos nossos dias.
One of the most ancient media employed by the human being, ceramics nowadays is passing through one of the most important conceptual revolutions of its history. As art expression, ceramics has crossing over centuries under the stigma of “low art” and it looked for refuge wherein researcher Garth Clark calls “Fortress ceramica”, recurring to an artistic ghetto built with its own communication vehicles, exposition spaces and events. This research investigates which were the echoes of this marginal condition that shaped pottery as it stands today among the visual arts and design, in a time of intense development of technological resources available and of non-materiality concept as expression. We look over the path of artists who, despite of hierarchic differences that segregate artist from artisan, gave new meanings to this form of expression that is one of the most primitives in history of humanity. From the historic revision of theories, both against or pro, about classification in “low art” or “high art”; “fine arts” or “applied arts”, we question the necessity of any categorization. The research analyzes also how the specificities of ceramics turns it as a legitimate representation of postmodern art, under the vision of theorists as Charles Jencks, Stuart Hall, Arthur Danto, Zygmunt Bauman, among others, by its capacity of adaptation to the new languages and to the nowadays concepts.

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Piaia, Jade Samara 1983. "O design gráfico no circulo cultural artístico : projetos de Kiko Farkas e Vicente Gil." [s.n.], 2012. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284575.

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Abstract:

Orientador: Edson do Prado Pfutzenreuter
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-21T14:06:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Piaia_JadeSamara_M.pdf: 10133956 bytes, checksum: e5fe42ea820a8aa61d425c8382cdf799 (MD5) Previous issue date: 2012
Resumo: O início desta pesquisa se dá através da Associação dos Designers Gráficos do Brasil e da 9ª Bienal Brasileira de Design Gráfico, a partir da qual objetivou-se realizar um levantamento a respeito da participação de projetos gráficos voltados para o circuito cultural artístico. A partir deste levantamento, foi enfocado para análise dois estudos de caso que compreendem projetos voltados à disseminação de produtos do circuito cultural artístico, mais precisamente a instituições artísticas, relacionadas diretamente às artes da música e da dança. Fazem parte deste recorte o designer Kiko Farkas, com doze cartazes de divulgação cultural e artística voltados à música, para a Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo - OSESP e o designer Vicente Gil, com a identidade visual, compreendida na mostra pela marca e cartaz projetados para a instituição voltada à dança, São Paulo Companhia de Dança - SPCD. São observados separadamente os elementos visuais básicos que compõem a materialização das peças gráficas, divididos mais especificamente em: forma, cor e tipografia. Sobre as formas gráficas inclui-se aqui questões relacionadas aos grafismos, desenhos, fotografias, disposição dos elementos, grids, entre outras. A análise dos aspectos formais dos estudos de caso procede principalmente a partir do método de classificação da linguagem visual proposto por DONDIS (2003). Sobre os aspectos cromáticos, os estudos abordam o levantamento dos principais conjuntos de cores, através de softwares específicos, ressaltando as maneiras de utilização das cores praticadas pelos designers nos projetos. As questões tipográficas visam o levantamento, através de softwares específicos e bibliografia, das principais famílias de tipografias utilizadas nos projetos, ressaltando o modo como suas características e diferenciais foram utilizados pelos designers. Na sequência, serão exploradas algumas contribuições discursivas para a compreensão das estratégias e percursos criativos dos estudos de caso de design gráfico no circuito cultural artístico. Finalizando, são acrescentadas informações obtidas além das disponibilizadas pela 9a Bienal ADG, imagens, entrevistas e relatos de visitas, complementando a compreensão dos casos estudados. Estudos pontuais possibilitam ampliar a compreensão de processos em comum, ou de natureza semelhante, entre distintas áreas de produção de cultura. Assim, é possível iniciar o traçado de um paralelo entre a prática de atividades culturais e artísticas com a atividade exercida pelo designer gráfico, com projetos voltados à disseminação de produtos culturais e, estes próprios, tornarem-se produtos culturais
Abstract: The beginning of this research is done by the Graphic Designers Association of Brazil and the 9th Brazilian Biennial of Graphic Design, which aimed to conduct a survey regarding the participation of graphic design on the cultural artistic circuit. On this survey, the analysis were focused on two study cases regarding projects of cultural dissemination on the artistic circuit, specifically the art institutions, directly related to the music and dance arts. Included on this is designer's Kiko Farkas, twelve showing posters of culture and arts focused on music for the Symphony Orchestra of the State of São Paulo - OSESP and designer Vicente Gil, with the visual identity, seen in the showing by the brand and poster, designed for the institution and focused on dance. São Paulo Dance Company - SPCD. Separately are observed the basic visual elements that compose the materialization of graphic pieces, divided more specifically in shape, color and typography. On the graphic shapes, this includes questions related to graphics, drawings, photographs, layout of elements, grids, among others. The analysis of the formal aspects of the study cases comes mainly from the classification method of visual language proposed by Dondis (2003). On the chromatic aspects, studies addressing the lifting of the main sets of colors, through specific software, highlighting the ways to use the colors applied by designers on projects. The questions aimed the raising typographical, through specific software and bibliography, the main families of printers used in the projects, highlighting how their characteristics and differentials were used by designers. Following some contributions to the understanding of the discursive strategies and creative journeys of the case studies in graphic design on the artistic cultural circuit will be explored. Finally, supplemental information beyond the ones provided by the 9th Biennial ADG, images, interviews and visits, complementing the understanding of the cases studied. Punctual studies enable broader understanding of processes in common, or similar, between different areas of cultural production. Thus, it is possible to start drawing a parallel between the practice of cultural and artistic activities with the activity exerted by graphic designer, with projects aimed at dissemination of cultural products, and they themselves, become cultural products
Mestrado
Artes Visuais
Mestre em Artes

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Souza, Andrea Pereira Gomes de. "O design dos catálogos de exposições de arte em São Paulo entre 1912 e 1950." Universidade Anhembi Morumbi, 2013. http://sitios.anhembi.br/tedesimplificado/handle/TEDE/1614.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-08-18T17:47:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Andrea Souza.pdf: 5959600 bytes, checksum: ea168d4b0ff7099475b633c1cb1748bb (MD5) Previous issue date: 2013-02-19
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
A pesquisa consiste no levantamento e análise dos catálogos de exposições de arte ocorridas na cidade de São Paulo entre 1912 e 1950. O objetivo é resgatar esses catálogos com pouco registro histórico e reapresentá-los como objetos do design gráfico. Há uma grande carência bibliográfica quanto à história do design brasileiro. Assim, consideramos importante contribuir com uma pesquisa que objetiva preencher determinada lacuna temporal histórica e, ao mesmo tempo, favorecer o reconhecimento da linguagem do design do passado. Delimitam-se como área de investigação aos catálogos de exposições artísticas paulistanas do período citado acima, tendo como base de análise o processo de identificação das estruturas visuais destas publicações, a partir dos elementos gráficos presentes nestas peças gráficas, tais como imagens, tipografias, fios e brasões.

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NEVES, Maryclea Carmona Maués. "Deslocamento e apropriações do design no território da arte: os Campana a partir de Duchamp." Universidade Federal do Pará, 2011. http://repositorio.ufpa.br/jspui/handle/2011/7798.

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Submitted by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-06T16:28:59Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_DeslocamentoApropriacoesDesign.pdf: 13713523 bytes, checksum: 1242d56928c9880e52d8c75857883d1e (MD5)
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Esta dissertação tem como objeto de estudo os processos de apropriação e deslocamento de objetos de design no território da arte, presentes em trabalhos de Fernando e Humberto Campana tendo como perspectiva o mesmo tipo de procedimento verificado na obra de Marcel Duchamp
This thesis aims to study the processes of appropriation and displacement of design objects in the territory of art found in works of Fernando and Humberto Campana from the perspective of the same type of procedure found in the work of Marcel Duchamp.

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Matta, Celio Martins da 1978. "Artemídia : processos e procedimentos no ateliê-laboratório do artista-cineasta /." São Paulo : [s.n.], 2011. http://hdl.handle.net/11449/86986.

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Abstract:

Orientador: Pelópidas Cypriano de Oliveira
Banca: Agnaldo Valente G. da Silva
Banca: Rubens E. Monteiro de Toledo
Resumo: O trabalho demonstrou a importância do estudo dos processos e procedimentos artísticos de artistas-cineastas em conjunto com um ambiente desenvolvido pelos próprios artistas-cineastas ao mesmo tempo em que ele o habitava e experimentava. Este ambiente foi onde este artista-cineasta pôde fazer experimentações e, pela via mais empírica, discutir, analisar e encontrar soluções de algum pensamento ou sentimento que ele estivesse desenvolvendo ou procurando, sentindo ou analisando. Enquanto os artistas-cineasta desenvolviam seus trabalhos dentro do ateliê, eu desenvolvia e ao mesmo tempo as minhas pesquisas dentro do mesmo ateliê. O ambiente que estávamos habitando estava sendo modificado juntamente com nossos pensamentos, reflexões e descobertas, criando um círculo de desenvolvimento, um trabalho cíclico. Parti antecipadamente, do pensamento de que seria necessário um ambiente específico e facilitador onde o artista-cineasta pudesse trabalhar seus conceitos criativos de artes visuais em duas e três dimensões para utilização específica de artes em cinema. O intuito era analisar e promover um ambiente para que este servisse para suporte para os estudos de artistas-cineastas, sendo utilizado e organizado como um laboratório de experimentação do artista-cineasta espécificamente para seus estudos na captura das imagens tanto cinéticas como estáticas. Ainda apresentei projetos de elaboração, aplicação e avaliação de situações e protótipos (artefatos) que de alguma maneira melhoraram a qualidade e a capacidade do estudo naquele momento específico, para aquele caso específico. Os projetos destes protótipos também facilitaram a análise do processo criativo de Artistas-Cineastas dentro de um Ateliê-Laboratório e como a utilização do processo criativo pode ser... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: The work aimed to demonstrate the importance of studying the process and procedures of artists, artistic directors in conjunction with an environment developed by the artist himself at the same time that he lived and experienced. This environment is where this artist was able to do research and experimentation, through more empirical, discuss, analyze and find solutions to some thought or looking, feeling and looking. While the artists developed their work in the studio, I developed while my research within the same studio. The environment we were living was being modified along with our throughts, insights and discoveries, creating a circle of development, a cyclical work. I left early, thinking that would require a specific environment where the artist and facilitator could work their creative concepts of visual art in two and three dimensions for the specific use of arts in film. The aim was to analyze and promote and environment that would serve as a support for studies of artists, filmmakers, and is used and organized as a laboratory for experimentation of the artist specifically for their studies in the capture for both kinetic and static images. Also presented projects development, implementation and evaluation of situations and prototypes (artifacts) that somehow improved the quality and capacity of the study at that particular moment, for that specific case. The designs of these prototypes have also facilitated the analysis of the creative process of artists, filmmakers within a studio-laboratory and the use of the creative process can be reversed in equipment and environments that allow even the largest... (Complete abstract click electronic access below)
Mestre

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Gomes, Lavínnia Seabra. "Design de superfície : processo poético mediado pelas redes sociais digitais." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2014. http://repositorio.unb.br/handle/10482/15889.

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Abstract:

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2014.
Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2014-07-10T15:44:13Z No. of bitstreams: 1 2014_LavinniaSeabraGomes.pdf: 10133633 bytes, checksum: cf361c0cdb6f2cc490456d6a21030912 (MD5)
Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-07-11T11:18:57Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_LavinniaSeabraGomes.pdf: 10133633 bytes, checksum: cf361c0cdb6f2cc490456d6a21030912 (MD5)
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O processo de produção impressa mudou consideravelmente e tem, junto com as tecnologias digitais, proporcionado outros modos para criação visual. Com a globalização, as possibilidades de transmissão, distribuição e criação da informação imagética ampliaram-se conduzindo a uma construção coletiva expandida. Usuários diversos, em qualquer parte do globo, podem fazer parte da construção de novos modos de manifestação visual. Assim, com foco numa poética coletiva digital experimental, essa tese apresenta uma proposta multidisciplinar de investigação dentro de uma dinâmica que prima pelo lúdico e pela personalização de diferentes superfícies através de imagens geradas por um jogo numérico randômico. Portanto, transitando por caminhos estruturados no hardware e no software, há a combinação de elementos reais (desenhos manuais digitalizados) com códigos numéricos pré-estabelecidos para possível criação de novas imagens. Proposta de criação visual com a contribuição de usuários conectados a redes sociais digitais, idealizando a possível utilização no Design de Superfície. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT
The process of print production has changed considerably and is providing other ways to visual creation. With globalization, the opportunities for transmission, distribution and creation of imagery information have widened leading to an expanded collective construction. Many users, anywhere in the globe, can be part of the construction of new modes of visual expression. So, focusing on a collective experimental digital poetics, this thesis presents a multidisciplinary research proposal within a dynamic that strives for entertaining and the customization of different surfaces through images generated by a random number game. Therefore, moving along paths structured in hardware and software, t here are a combination of real elements (scanned manual drawings) with pre-established numerical codes possible to create new images. Proposal of visual creation with the contribution of users connected to digital social networks, idealizing the possible use in Surface Design.

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Leandro, Sandra 1970. "Teoria e crítica de arte em Portugal-(1871-1900)." Master's thesis, Instituições portuguesas -- UNL-Universidade Nova de Lisboa -- FCSH-Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, 1999. http://dited.bn.pt:80/29429.

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Ribeiro, Patrícia M. F. Esquível Carrilho. "Teoria e crítica da arte em Portugal-(1921-1940)." Master's thesis, Instituições portuguesas -- UNL-Universidade Nova de Lisboa -- FCSH-Faculdade de Ciências Sociais e Humanas -- -Departamento de História da Arte, 1996. http://dited.bn.pt:80/29812.

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López, Lavalle Luque Gabriela Estefanía. "Centro Cultural del Arte Tradicional y Popular Amazónico." Bachelor's thesis, Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2020. http://hdl.handle.net/10757/652946.

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Abstract:

Por mucho tiempo, el Perú ha tenido una relación no sincera con su diversidad cultural. Sin embargo, en los últimos años distintas acciones están generando cambios significativos, que permiten un reconocimiento propio de las diferentes culturas que alberga nuestro territorio. Las comunidades indígenas, por muchos años olvidadas, forman parte importante de esta diversidad, de las cuales podemos rescatar su conocimiento sobre el uso y conservación de los recursos naturales, así como del territorio. El Centro Cultural Del Arte Tradicional y Popular Amazónico, busca reconocer a través de la arquitectura, la identidad de esta cultura Amazónica, en específico la de la cultura Shipibo Conibo, la cual se ubica principalmente en la región de Ucayali. El eje principal para el diseño de este proyecto, es el respeto por su cultura ancestral, crear un hito en la ciudad que responda al lugar, a sus materiales, a su entorno principalmente pero que use los conocimientos sobre las tecnologías modernas. Asimismo, el factor climatológico es uno de los componentes más importantes para el desarrollo de esta propuesta y pone en evidencia el lazo que debe de existir entre la cultura y la arquitectura moderna.
For a long time, Perú has had a non-sincere relationship with its cultural diversity. However, in recent years different actions are generating significant changes, which allow recognition of the different cultures that our territory is home to. Indigenous people, almost completely forgotten for years, are now an important part of this diversity. We can rescue their knowledge about the use and conservation of natural resources. The Cultural Center of Amazonian Traditional and Popular Art, seeks to recognize through architecture, the identity of this Amazonian culture and specifically of Shipibo Conibo culture, which is located mainly in the Ucayali region. The main axis of this project is the respect for its ancestral culture. The architecture tries to create a milestone in the city that responds to the place, its materials and its environment. Likewise, the climatological factor is one of the most important components for the development of this proyect.
Tesis

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Santos, Laércio Carlos Ribeiro dos [UNESP]. "O design como mediador da arte-educação nos materiais didáticos de museus." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2014. http://hdl.handle.net/11449/110867.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-12-02T11:16:40Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-03-17Bitstream added on 2014-12-02T11:21:02Z : No. of bitstreams: 1 000796654.pdf: 7008787 bytes, checksum: 5b3d163b7937568e72f79efa26ff33f8 (MD5)
O ensino de artes insere-se na vida das pessoas em diversos lugares: escola, ateliês, museus etc. No caso dos museus, eles se valem frequentemente de materiais educativos criados para exposições especifícas ou para o próprio local. Esses materiais são voltados, sobretudo, para professores e estudantes que frequentam esses locais em atividades escolares. Assim, buscou-se neste trabalho, compreender de que modo o design artefatos relaciona-se com as diferentes metodologias de ensino de arte, bem como compreeender de que modo eles se inserem nesses espaços. Como resultados nota-se uma relação direta do design com a metodologia de ensino empregada na visualidade do material. Assim, conclui-se que o design é de fundamental importância na arte-educação e deve ser valorizado nesse processo
The teaching of art is part of our lives in many places, school, studios, museums etc. in the case of museums they often worth of educational materials created for specific exhibitions or the site itself. This material is designed primarily for teachers and students who attend these places in school activities. Thus, we sought in this study to understand how the design of these artifacts relate to the different approaches to teaching art. As well as understand how they fit into these spaces. It is concluded that the design is of fundamental importance in art education and should be valued in this process

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Dissertations / Theses on the topic 'Arte do Design'

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