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Dissertations / Theses on the topic 'Art précolombien – France – 19e siècle'
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Stüssi, Garcia Susana. "Les arts méconnus des Anciens Américains : discours savants, goût privé et évolutions dans le commerce en France au XIXe siècle." Electronic Thesis or Diss., Paris 1, 2023. http://www.theses.fr/2023PA01H090.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie plusieurs moments marqués par un intérêt et engouement forts pour les artefacts et monuments précolombiens – ou pensés comme tels – pour comprendre leur présence et usages en France durant le long 19ème et avant leur appréhension esthétique de la première moitié du 20ème siècle. Suivant surtout des objets provenant du Mexique et de l’Amérique Centrale, cette étude privilégie deux aspects jusqu’alors moins explorés : le goût, les espaces et les usages privés d’une part; leur place dans le commerce de l’antiquité, de la curiosité et de l’art de l’autre. Le dépouillement de catalogues de collections et de ventes, de publications savantes artistiques et des enquêtes archivistiques en France et aux États-Unis ont permis de relever des moments où créativité érudite, intérêt amateur et marché ont évolués ensemble. Après suivre la formulation d’une valeur d’«antiquité» pour les «objets anciens» des Amériques à la fin du 18ème siècle, l’arrivée de nouvelles collections mexicaines à Paris et le projet de publication des Antiquités mexicaines (1834-1840) permettent d’identifier un nouveau foyer d’intérêt pour l’antiquité américaine et ses œuvres d’art au sein de la Société Libre des Beaux-Arts de Paris. A partir des années 1830 et en parallèle à l’intensification des échanges avec l’Amérique Latine, il est dès lors possible d’identifier des marchands et offrant des artefacts des Amériques et de suivre l’émergence des premiers «experts» de ce marché. La Deuxième Intervention Française au Mexique (1861-1867) permet d’explorer l’idée d’une relation privilégiée entre la France et le Mexique. L’étude des mutations du marché et des sensibilités montre comment cet épisode et l’engouement contemporain pour l’univers du «primitif» se sont traduits par un développement considérable du commerce et du collectionnisme d’artefacts des Amériques. Deux études de cas sur le marchand Eugène Boban et le collectionneur Eugène Goupil permettent de recontextualiser ces développements structuraux à l’échelle de l’individu. Enfin, l’étude d’un réseau de collectionneurs franco-mexicains et nord-américains, sous le double prisme de l’affirmation de discours patrimoniaux patriotiques et d’un marché de l’art transnational, éclairent la nouvelle valeur marchande et la mutation en «ouvre d’art» de ces objets partir des années 1920This thesis examines different moments characterized by a strong interest for and fascination with Pre-Columbian artefacts – or though as such – to better understand their place in 19th century France, before their aesthetic “rediscovery” in the 20th century. Focusing on artefacts from Mexico and Central America and drawing from sales catalogues, scholarly and artistic publications and archival research, this thesis explores the role played by personal taste and private usages in collecting as well as the place occupied by these objects in the developping art and antiquities market. In the 1830s, the arrival of new collections in Paris and the publication of Antiquités mexicaines serve as the starting point from which to consider the Société Libre des Beaux-Arts as one of the main centres structuring interest for American Antiquity. It is now also possible to identify the first merchants and “experts” to offer Pre-Columbian artefacts for sale. We then examine the aftermath of the Second Franco-Mexican War (1861-67) : how it contributed to articulate the idea of a privileged relationship between France and Mexico and how the emergence of a new taste for all things “primitive” affected the commerce of Pre-Columbian artefacts. Finally, through the study of dealer Eugène Boban and collector Eugène Goupil we analyse these structural changes at the level of the individual and follow a network of Franco- Mexican and North American collectors whose activity, considered in terms of patriotic heritage discourses and the emergence of a transnational art market, contribute to understanding the transformation of Pre-Columbian material culture into “artworks” in the 1920s
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Bahk, Hyun-Chan. "L'îlot institutionnel à Paris : projets, formation des édifices publics et art urbain au XIXe siècle." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010556.
Full text
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Parise, Maddalena. "Du portrait ressemblant à l'excès de détails : le daguerréotype, une technique à l'épreuve de l'art." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010591.
Full textAbstract:
Dans quelle mesure la question de la ressemblance est-elle essentielle à la formation d'une esthétique de la photographie à l'ère de son invention? Quels en sont les enjeux à une époque où le nouveau médium expérimente une technique inédite dans le genre artistique du portrait? Nous partons de l'hypothèse que les premières épreuves photographiques se caractérisent par une dichotomie fondamentale entre un art de la représentation et un art de l'enregistrement. À cette époque, esthétique et technique sont étroitement liées et si les photographes se révèlent conscients des possibilités offertes par le nouveau médium, ils sont aussi continuellement confrontés à la tradition picturale. Notre approche cherche ainsi à croiser théorie et histoire, technique et esthétique dans le but d'examiner la construction de la ressemblance sous ses multiples aspects. Le portrait daguerréotype (1830-1855) matérialise la réflexion contemporaine sur la question de la ressemblance qui se présente construite autant qu'exacte. Le rôle crucial des détails dans la construction des portraits daguerréotypes nous a conduits à l'analyse des photographies et à l'étude des textes, de la production à la réception des images. La fonction paradoxale que ces détails exercent au sein des épreuves est symptomatique de la dualité de la ressemblance photographique, scindée entre un excès de précision et une extrême composition des images. La fonction du détail à l'intérieur de la composition des images, aléatoire ou participant à leur construction, ouvre une question plus vaste : celle du paradoxe de la représentation ressemblante et pourtant enregistrée.
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Auger-Sergent, Anne-Sophie. "Les graffiti marins de Normandie (13e siècle- 19e siècle)." Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010544.
Full textAbstract:
La Normandie est extrêmement riche en graffiti marins, mais ces sources iconographiques n'ont jamais fait l'objet d'études synthétiques régionales. L'inventaire des graffiti normands permet de disposer d'un corpus de quelques 500 documents dates du 13e au 19e siècle. Les gravures figurent essentiellement des navires, mais aussi des éléments de navire (ancre, pavillon, greement, éperon) ou de navigation (balise), des animaux (poisson, oiseau de mer) et des inscriptions maritimes. Leur intérêt réside dans le fait qu'ils livrent des représentations de bâtiments des petites marines de pèche et de commerce pour lesquelles nos sources sont rares avant le 18e, tout en contribuant au renouvellement des sources iconographiques navales. La répartition des graffiti en Normandie calque les zones maritimes et fluviales. Ils sont omni présents sur les pierres calcaires et les plâtres des églises, châteaux et maisons traditionnelles. Malgré leur intérêt pour l'archéologie navale, les graffiti soulèvent de nombreux problèmes et en particulier pour leur détermination et leur datation. L'utilisation de la voilure comme fil conducteur de la typologie permet à la fois une sériation des données, leur détermination par le biais de comparaisons iconographiques et leur datation. Les graffiti de navires normands désignent des bâtiments de commerce et de cabotage. Les bateaux fluviaux sont raresNormandy is extremely rich in ship graffiti, but we haven't any regional and synthetical studies about these iconographic sources. The inventory of Normand graffiti allows to have a corpus of some 500 documents dated from 13th to 19th centuries. The documents present essentialy ships, but also elements of ship (anchor, flag, rigging, head) or elements of navigation (sea-mark), animals (fisch, sea-bird), and maritime inscriptions. Their major value ist that graffiti give representations of boats of merchant navy and fisching navy, on which we haven't any iconographic source before the 18th century, and contribute to the repacement of naval iconographic material. The geographic repartition of ship graffiti follows the maritime and fluvial zones. They are omnipresent on the soft calcareous and plaster of the churchs, castles and traditionnal houses. In spite of their value for ship archaeology, graffiti pose a problem and particulary for determination and dating. The use of sails as leading thread allows at the same time a classification of ships graffiti, their typing according iconographic comparaisons, and their datation. Normand graffiti present merchant and coast ships. Barges are rare
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Millet, Audrey. "Les dessinateurs de fabrique en France (XVIIIe-XIXe siècles)." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080017.
Full textAbstract:
La première industrialisation, au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, s’est appuyée sur « la révolution des consommateurs » : une consommation et une circulation accrue de tous les objets du quotidien que sont tissus, dentelles, tapisseries, faïences, papiers peints, vaisselle… Le désir d’acheter et de posséder des biens autres que ceux qui permettent la simple survie conduit ainsi à une affirmation des phénomènes de mode, impliquant pour les producteurs la nécessité de prendre en compte le goût changeant des consommateurs et la diversification de leurs consommations. La course à la novation pour séduire la clientèle devient un enjeu majeur pour les manufacturiers. Le dessinateur occupe une place essentielle dans cette compétition, puisque la première phase du processus de production, avant celle de la fabrication et de la commercialisation, est celle de la création, du design du produit.Ce travail interroge le statut de cette main-d’œuvre qualifiée, détentrice d’un savoir-faire peu formalisé durant le XVIIIe siècle, mais qui tend à une lente institutionnalisation, dont nous examinons les rythmes jusqu’à l’émergence et la codification de la profession. L’œuvre et l’auteur étant des entités indissociables, il s’agit de questionner le statut du dessinateur-auteur au sein du processus de production collectif et industriel, et non singulier et artistique. Rarement étudiée, la place des femmes dans le monde manufacturier doit aussi être analysée. De plus, il convient de faire le deuil des taxinomies sociales ordinaires et en particulier des oppositions binaires figées : art/industrie, artiste/artisan, art libéral/art mécanique, mais aussi dessin de figure/dessin linéaireThe first industrialization rested on what recent historiography calls “the revolution of the consumers”: a consumption and an increased circulation of all the objects of the daily life which are fabrics, laces, tapestries, earthenware, wallpapers, crockery… The desire to buy and have other goods than those which allow simple survival led thus to an assertion of the phenomena of fashion, implying for the producers the need for taking into account the changing taste of the consumers and the diversification of their consumption. The race to novation to allure the customers becomes a major stake for the manufacturers. The draughtsman occupies an essential place in this competition, since the first phase of the production process, before that of manufacturing and of marketing, is that of creation, the design of the product. This study thus aims at questioning the statute of this very qualified worker, holder of a know-how ; still little formalized in the second half of the 18th century, this know-how tends to show a slow institutionalization, of which we will examine the rhythms until the emergence and the coding of the profession. Work and its author being indissociable entities, we will question the statute of the draughtsman-author within the production process which is collective and industrial, nonsingular and artistic. Seldom studied, the place of the women in the manufacturing world must also be analyzed. Moreover, it is advisable to live behind us ordinary social taxonomies and in particular the fixed binary oppositions: art/industry, artist/craftsman, liberal art/mechanical art, but also drawing of linear figure/drawing
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Schvalberg, Sophie. "Des marbres d'Elgin à la Dame d'Auxerre : le modèle grec en débat dans l'art français au XIXe siècle (1815-1908)." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100185.
Full textAbstract:
Le modèle grec dans l'art français du XIXe siècle connaît une lente mutation, entre les présupposés néoclassiques en vigueur jusqu'à la Restauration et le nouveau classicisme à l'aube du XXe siècle. Dans cette évolution des normes et de l'enseignement de l'art, que les peintres et les sculpteurs contribuent à remodeler, l'archéologie joue un rôle fondamental. Avec l'affaire Elgin sur les marbres du Parthénon, avec le débat sur la polychromie antique, jusqu'à l'entrée dans les musées d'œuvres d'art grec archaïque et cycladique, on peut mesurer à la fois la résistance et la crise du modèle classique idéal et l'émergence du modèle archaïque en peinture et en sculpture. Dans les trois domaines ainsi entrecroisés (savoir scientifique, création artistique et théorie de l'art), des personnalités incarnent les positions successives de l'institution académique et de sa contestation : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, BourdelleThe Greek model in 19th century French Art bears a slow mutation, from the neoclassical doctrine still alive in 1815 at the fall of Napoleon Ist until the new classicism at the turn of the 20th century. In this evolution of artistic standards and education, which painters and sculptors tend to reshape, archaeology takes a central role. With the Elgin affair about the Parthenon marbles, with the debate on classical polychromy, until the integration of archaic and cycladic greek artworks in museums, it is possible to assess the strength and the crisis of the classical idealistic model and the simultaneous rise of an archaic model, both in painting and in sculpture. At the three levels that interfere here (scientific knowledge, artistic creation and art theory), some figures embody various stances of the academic establishment and its reappraisal : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, Bourdelle
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Therrien, Lyne. "L'enseignement de l'histoire de l'art et de l'archéologie en France avant 1914." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010644.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie les débuts de l'enseignement de l'histoire de l'art et de l'archéologie en France. L’auteur combine une histoire de type institutionnel avec une histoire du personnel enseignant et une étude des pratiques dans les deux disciplines. La méthode est basée sur la recherche bibliographique et archivistique : recherches aux archives nationales sur les institutions (expliquer la création des cours), recherches biographiques et bibliographiques sur les enseignants (formation, publications et attaches institutionnelles) et finalement, analyse de leçons publiées (en particulier, les leçons d'ouverture). En d'autres mots, qui a enseigné quoi, ou et pourquoi ? Le plan adopté correspond à la suite chronologique des nouveaux enseignements : 1795, cours d'archéologie à la bibliothèque nationale ; 1830, archéologie monumentale en province ; 1847, archéologie médiévale à l'école des chartes ; 1863, réorganisation de l'école des beaux-arts de Paris ; 1876, chaire d'archéologie à la Sorbonne ; 1878, chaire d'esthétique et d'histoire de l'art au collège de France ; 1882, fondation de l'école du Louvre ; 1893, cours d'histoire de l'art à la sorbonne suivie en 1906 d'un cours d'histoire de l'art chrétien. L'enseignement dans les facultés des lettres en province fait l'objet d'un chapitre séparé et insiste sur l'impact des publications, l'importance des collections muséales et le rôle des photographies en histoire de l'art. Cette enquête historique montre les enjeux et les conflits qui caractérisent les débuts de cet enseignement spécifique : le passage de l'archéologie classique à l'archéologie médiévale ou d'un idéal esthétique à un intérêt historique pour les monuments, le conflit lié à l'architecture médiévale et la réhabilitation des arts du Moyen Age en général, l'archéologie comme nouvelle discipline universitaire, les multiples archéologies à l'école du Louvre, l'histoire de l'art comme spécialité de l'histoire à l'université et finalement, l'influence de l'histoire nationale et de la notion de patrimoine dans ce contexteThis thesis concerns the first academic courses in art history and archeology in France. The author combines a history of the institutions and the teachers with study of pratices in both disciplines. The methodology is based on a bibliographical and archival research : from the national archives for each institution (to document how new courses were created) ; from biographies and bibliographies for each teacher (studies, publications and career profiles) and analyses of published lectures (particularly their opening lectures). In others words, who taught what, where and why ? The thesis' plan corresponds to the chronological development of the new courses : 1795, archeology at the national library ; 1830, monumental archeology in Caen ; 1847, medieval archeology at the école des chartes ; 1863, reorganization of the école des beaux-arts de paris ; 1876, the first chair of archeology at the Sorbonne ; 1878, establisment of a chair of aesthetic and art history at the collège de France; 1882, founding of the école du Louvre ; 1893, first art history course at the sorbonne followed in 1906 by a christian art history course. The development of teaching in the universities outside of paris is studied separately and focuses on the impact of published works, the developing importance of museums and the use of photography in art history. This historical investigation underlines the main issues and conflicts which caracterized the beginning of teaching in this specific field : the transition from classical to medieval archeology or from the aesthetic ideal to an interest in the historical background of national monuments ; the conflict raised by medieval architecture and the revival of interest in medieval arts generally ; archeology as a new university discipline ; the various archeological courses at the école du Louvre ; art history as a history specialism in the universities ; and finally, the influence of national history and the notion of national heritage in this context
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Lecerf, Guy. "Le coloris dans l'art des jardins : théories en France et en Angleterre, 1820-1930." Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010644.
Full textAbstract:
Le jardin en tant qu'art a ete au xixe siecle le lieu de la realisation d'un coloris specifique, ideal, qui peut etre considere comme un objet de connaissance a partir duquel nous pouvons entrevoir la pratique d'une science du coloris. Cette derniere nous a permis de mettre en evidence des antagonismes entre les deductions des theories des couleurs et les regles du coloris. L'homogeneite obtenue par la mise en coordonnees des couleurs bute contre les limites des domaines heterogenes definis par les peintres. Cette science du coloris distingue les combinaisons de couleurs (conventions resultant du developpement d'une logique formelle, presupposant une conception reductionniste du reel et une representation statique de la memoire comme stockage referentiel) des schemes du coloris (motifs et climax se referant a une conception integrationniste du reel, a une image dynamique de la memoire comme processus). Considerant que l'art des jardins ne peut pas se reduire a une application, cette science met en evidence les limites des developpements logiques.
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Goetz, Adrien. "L'Artiste, une revue de combat des années romantiques (1831-1848)." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1998PA040336.
Full textAbstract:
Fondé en 1831, L'Artiste, qui exista jusqu'en 1904, voulut être à l’origine la revue de défense des romantiques. L'étude des quarante-et-un volumes parus sous la Monarchie de Juillet et des fragments retrouvés de la correspondance de ses directeurs, montre qu'il n'en fut rien. Tribune ouverte à tous les artistes modernes, elle défendit des causes aussi diverses que celle de l'architecture et des monuments historiques, de la nouvelle sculpture, du renouveau industriel des arts décoratifs ou de l'estampe. Très sévère pour les excès du romantisme, elle combat, au nom de la vérité en art, pour le métier et l'inspiration du créateur, ce qui l'amena à prôner Léopold Robert ou Paul Delaroche, tout en reconnaissant l'hégémonie d’Ingres et de Delacroix. Revue illustrée de planches et de vignettes, elle montre les œuvres, en particuliers lors des salons annuels, parallèlement aux textes critiques de Gustave Planche, Victor Schœlcher, Paul Mantz ou Théophile Thore. Dans L'Artiste, s'invente alors un ton nouveau de la critique d'art scientifique et passionné, qui perdura durant le siècle. De nombreux textes de fiction, sous les signatures de Balzac, Dumas ou Arsène Houssaye constituent le pendant des lithographies de Devéria, Gavarni ou de Tony Johannot. Les textes sur le théâtre et la vie musicale ne sont ici envisagés que sous l'angle strict de l'histoire de l'art. Cette thèse est complétée en annexe par des documents d'archives relatifs à l'artiste (correspondance d’Achille Ricourt, en particulier) et d'une anthologie thématique des principaux textes parus durant la période dans tous les domainesFounded in 1831, L'Artiste, which was published up to 1904, set out originally to be the review defending the romantics. The study of the forty-one volumes that were published under the july monarchy and the fragments of its directors correspondence that have since been found, show that this was not the case at all an open forum for all the modern artists, it defended causes as varied as architecture and historical monuments, new sculpture, industrial revival of decorative arts or engraving. Very severe towards romantic excesses and in the name of the truth in art, it fought for the profession and the inspiration of the creator. This led id to extol Leopold Robert or Paul Delaroche whilst at the same time recognizing the hegemony of Ingres and Delacroix. The review, enhanced with plates and illustrations, published the works, particularly on the occasion of annual exhibitions, in parallel to the criticism of Gustave Planche, Victor Schoelcher, Paul Mantz or Theophile Thore. In L'Artiste, a new tone of scientific and impassioned artistic criticism was invented which was to last throughout the century. The numerous fictional texts, signed by Balzac, Dumas or Arsene Houssaye, make up the counterpart to the lithographs by Devéria, Gavarni or Tony Johannot. The texts focusing on the theatre or musical life are contemplated solely from the strict angle of the history of art. This thesis is completed by appended documents from the archives of L'Artiste (Achille Ricourt's correspondence, in particular) and a thematic anthology of the principal texts that appeared during this period in every field
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Tolède, Olivia. "Une sécession française : la Société nationale des beaux-arts (1889-1903)." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100151.
Full textAbstract:
Cette étude retrace l’histoire de la Société nationale des beaux-arts et de ses Salons en France, de sa fondation en 1890 jusqu’à son déclin au tournant du siècle. Elle analyse le bouleversement majeur suscité par la nouvelle institution sur la scène artistique nationale et internationale dans un contexte de libéralisation des filières artistiques. Grâce au dépouillement d’archives inédites, elle offre un éclairage nouveau sur les circonstances de sa création au lendemain de la scission au sein de la Société des artistes français. L’examen précis des réformes entreprises (cooptation d’une élite de sociétaires, roulement du jury, nombre illimité d’œuvres, expositions particulières, attention portée au placement des œuvres et à leur mise en scène) révèle une conception moderne de l’exposition salonnière qui soutient la reconnaissance de tous les arts, de la peinture à l’architecture, en passant par les objets d’art nouvellement admis. L’exploitation via une base de données des informations relatives aux exposants de 1890 à 1905 permet, pour la première fois, d’avoir une vision exhaustive de leur participation aux Salons de la Nationale et met en avant une élite cosmopolite formée d’artistes venus essentiellement d’Europe du Nord et des États-Unis. Au vu de ses répercussions importantes en France et en Europe notamment sur les Sécessions de Munich, Vienne et Berlin, la Société nationale, peu reconnue jusque là, peut être considérée comme la première Sécession artistique d’envergure et comme le fer de lance du mouvement sécessionniste européen. D’Ernest Meissonier à Puvis de Chavannes en passant par Guillaume Dubufe, son étude révèle l’action d’artistes très engagésThis study tells the story of the Société nationale des beaux-arts and of its Salons in France, from its foundation in 1890 till its decline at the turn of the century. It analyses the major upheaval initiated by the new institution on the national and international artistic stages in a context of liberalisation of artistic stakeholders. Based on newly discovered archives, it brings a new light on the circumstances of its creation following the scission within the Société des artistes français. The close examination of the undertaken reforms (cooptation of elitist members, jury rotation, unlimited number of works, private exhibitions, careful presentation of works) reveals a modern conception of the Salon exhibition, supporting all arts from painting to architecture including newly admitted decorative arts. Information about the exhibitors from 1890 to 1905 were exploited through a database, enabling for the first time an exhaustive insight on their taking part in the Nationale’s Salons and enhancing a cosmopolite elite mostly composed of North-European and American artists. Taking into account its repercussions in France and Europe, notably on the Munich, Vienna and Berlin Secessions, the hitherto unrecognised Société nationale des beaux-arts can be considered as the first significant artistic Secession and as the spearhead of the European Secessionist movement. This study reveals the action of deeply involved artists, such as Ernest Meissonier, Puvis de Chavannes or Guillaume Dubufe
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Arneville, Marie-Blanche. "La France des jardins et des espaces verts entre 1789 et 1870." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1986PA040271.
Full textAbstract:
Cette étude traite du destin et de la transformation du trace des jardins pendant la période considérée. Elle examine la manière dont ils traduisent les transformations de la société et du monde de l'époque. Sont étudiés d'abord les principaux éléments constitutifs d'un jardin: l'espace, élément primordial qui va aller en se rétrécissant en ville du fait de l'urbanisation, hors des cités du fait de la diminution des propriétés et de l'introduction de l'industrie dans les parcs, les arbres qui, par suite du nombre accru des expéditions botaniques lointaines et de l'amélioration des procédés d'acclimatation, vont permettre un choix plus varie, les fleurs qui du fait de nombreux apports exotiques et surtout de l'application des méthodes d'hybridation embellissent et se diversifient beaucoup. Tenant compte des faits constates la seconde partie suit l'évolution du visage des jardins et le sort qui leur réserve sous l'influence des mœurs, des idées, des techniques, des possibilités nouvelles, des agressions aussi dont les jardins sont victimes. Elle donne, par étapes quelques exemples (Malmaison, Clisson, l'Élysée, Bagatelle) et conclut que « le jardin est bien un fil conducteur pour juger de l'histoire des civilisations »
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Nourry, Louis-Michel. "Les jardins publics en province : un élément de la politique de l'espace du Second Empire." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010615.
Full text
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Foucher, Charlotte. "Un symbolisme enfoui : les femmes artistes dans les milieux symbolistes en France au passage du siècle (XIXe-XXe)." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010707.
Full textAbstract:
Au passage du XIXe au XXe siècle, la dichotomie masculin/féminin où l'homme serait dévolu à la création et la femme cantonnée à la procréation bat son plein mais commence progressivement à s'effriter et à se troubler. La femme artiste constitue l'une de ces figures intermédiaires susceptible de remettre en cause l'ordre établi des genres. Dans un climat extrêmement hostile à une émancipation du féminin, visant clairement à exclure la femme du champ créatif, nous analyserons la pluralité des stratégies envisagées et déployées par ces artistes, qu'elles assimilent le discours normatif ambiant ou qu'elles contournent de manière plus subversive le réseau artistique androcentrique mis en place. L'articulation entre genres artistiques et genres sexuels, admise de la plupart des historiens de l'art, est au cœur de ce travail balayant des domaines aussi divers que les arts décoratifs, graphiques et médiumniques - champs relativement favorables au féminin - jusqu'à ceux plus difficiles à infiltrer comme la peinture et la sculpture. À l'appui des méthodes culturelles et du genre, ce sujet esquive les nombreuses études consacrées à la représentation du féminin au passage du siècle pour se placer de l'autre côté du miroir, du côté de la femme qui crée, peint ou sculpte, et démontre, par l'exhumation d'un corpus méconnu, jusqu'alors oublié, que l'esthétique symboliste, nabie et Art nouveau fut loin d'être un apanage masculin.
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Savoy, Bénédicte. "Les spoliations de biens culturels opérées par la France en Allemagne autour de 1800." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081924.
Full textAbstract:
@Entre 1794 et 1811, les gouvernements successifs de la France ont soumis les Etats d'Europe à plusieurs campagnes de saisies d'"oeuvres d'art et de sciences". Légitimée par une doctrine selon laquelle les oeuvres d'art, fruit du génie de la liberté, doivent retourner au pays de la liberté (c'est-à-dire la France), cette politique d'appropriation a suscité d'importants flux d'objets culturels (tableaux, sculptures, manuscrits, incunables précieux etc. ) entre les pays lésés et la France. Réunis dans leur grande majorité à Paris, entre musée du Louvre et Bibliothèque nationale, la plupart de ces objets ont été restitués à leurs propriétaires légitimes après la chûte de l'Empire (1814/15). Le présent volume s'est donné pour objectif d'éclairer les modalités et les effets des saisies pratiquées par la France dans le domaine allemand. . .
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Lozère, Christelle. "Mises en scènes de l'objet dans les "salons coloniaux" de province (1850-1896) : vers l'emergence de modèles d'expositions coloniales." Bordeaux 3, 2009. https://hal.science/tel-04204839v1.
Full textAbstract:
Peut-on construire une histoire des « expositions coloniales » françaises sans parler de celles organisées dès 1850 à Bordeaux, Nantes, Metz, Le Havre, Lyon, Rochefort, Cherbourg, Beauvais, Nice, Montauban, Rouen, Tours, Marseille ? La connaissance des « expositions coloniales » se circonscrit encore aujourd’hui aux seuls exemples parisiens, marseillais et lyonnais. Mais qu’en est-il des autres villes de province, et en particulier des ports qui ont des liens commerciaux anciens avec les Outre-Mers ? Existe-t-il des noyaux de motivation, des ambitions, des engouements, qui poussent ces « petites patries » à ouvrir leurs modestes expositions aux colonies ? Cette thèse, dont le corpus est novateur, met en lumière le processus qui conduit au XIXe siècle de l’émergence en province du concept de « salon colonial », organisé par quelques amateurs collectionneurs, à celui d’« exposition coloniale ». Ce passage, orchestré par l’Etat, sous la IIIe République, a pour dessein de vulgariser, par la diffusion de modèles scénographiques populaires, des expositions qui, au Second-Empire, s’adressent en priorité aux élites locales. L’objet exotique, écarté peu à peu des pavillons métropolitains et des salons artistiques, qu’il occupe au départ, se trouve mis à l’écart, rassemblé parmi les produits de même origine dans une « section coloniale », dans un pavillon ou dans un village ethnographique. Ce changement de place a des conséquences sur la fonction et sur le regard porté sur l’objet. Il passe, en effet, du statut d’objet rare, curieux et lointain, à un objet colonisé, dominé, sérialisé, hiérarchisé et façonné par les imaginaires et par les discours impérialistes en constructionCan we relate an history about French colonial exhibitions without talking about the ones organised in the 1850's in Bordeaux, Nantes, Metz, Le Havre, Lyon, Rochefort, Cherbourg, Beauvais, Nice, Montauban, Rouen, Tours, Marseille? The colonial exhibitions cognition is still today limited to the cities of Paris, Marseille or Lyon. And what about the other cities, specially harbours which have ancient commercial links with The Overseas? Which motivations, ambitions or trends let these « small patries » open their modest exhibitions to colonies? This thesis, which corpus is innovator, lightens the process, which leads in the XIXth century from the emergence in small cities of “salon colonial” concept, organised by some amateur collector, to a giant “colonial exhibition”. The aim of this process, stipulated by the State during the IIIrd Republic is to popularize exhibitions dedicated first to local elites under 2nd Empire. The exotic object put aside step by step from metropolitan houses and artistic exhibitions, is put apart, gathered amongst products with same source, in a « colonial section », in a thematic house or an ethnographic village. This switching has consequences on the use and interest given to the object. Indeed first considerated as a rare, strange and foreign object, it becomes a colonized, dominated object, with a hierarchy, built by the upcoming imperialist thoughts and talks
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Orzech, Rachel. "“Un art universel, un art pour tous”? : La réception de Richard Wagner dans la presse parisienne, 1933-1944." Rouen, 2016. http://www.theses.fr/2016ROUEL036.
Full textAbstract:
Cette thèse examine la réception de Richard Wagner dans l’optique de la presse parisienne entre 1933 et 1944. Nous évaluons les façons dont les Français utilisaient Wagner pour discuter de nation, identité et culture pendant la période du Troisième Reich, et dans quelle mesure la réception de Wagner dans les années 30 et l’Occupation interagissaient avec la réception française de Wagner auparavant. Nous prenons aussi en considération les questions de la continuité et de la rupture, à la fois entre la période 1933-44 et des périodes précédentes, et entre 1933-39 et l’Occupation. Les questions suivantes sont posées : dans quelle mesure le changement dramatique dans le paysage politique français-qui eut lieu quand la France fut envahie par les troupes allemandes à l’été de 1940- a-t-il influencé la réception de Wagner dans la presse ? Que cela nous apprend-il sur la place de Wagner dans l’histoire culturelle française ? Et sur la façon dont la nation française se voyait et dont elle conceptualisait ses relations avec l’Allemagne ? Au travers d’un examen des thèmes qui émergent de la presse parisienne, nous verrons que les Parisiens utilisaient Wagner pour faire face au nazisme, pour se heurter à l’idée de rapprochement, pour situer la France dans une nouvelle Europe potentielle, pour se débrouiller dans la vie hebdomadaire de la France occupée, et pour composer avec la politique de CollaborationThis thesis examines the reception of Richard Wagner through the lens of the Parisians press between 1933 and 1944. It considers the ways in which the French used Wagner to discuss nation, identity and culture during the period of the Third Reich, and the extent to which Wagner reception from the 1930s and the Occupation interacted with earlier French reception of Wagner. The thesis also considers the question of continuity and rupture, both between the period 1933-44 and previous periods, and between 1933-39 and the Occupation. It examines the extent to which the dramatic change in the French political landscape-which took place when France was invaded by German troops in the summer of 1940-affected the press reception of Wagner, and what this can tell us about how the French nation thought about itself and its relationship with Germany. It argues, through an examination of themes emerging from the Parisian press, that Parisians used Wagner to confront Nazism, grapple with the idea of rapprochement, situate France within a potential New Europe, understand past Franco-German conflict, manage life under the Occupation, and come to terms with the policy of Collaboration
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Bonnet, Alain. "La réforme de l'école des beaux-arts de 1863 : Problèmes de l'enseignement artistique en France au XIXème siècle." Paris 10, 1993. http://www.theses.fr/1993PA100126.
Full textAbstract:
Le décret du 13 novembre 1863 a profondément remanié les structures administratives de l'école des beaux-arts, le système de nomination des professeurs et le jugement des concours des prix de Rome en enlevant à l'Académie des beaux-arts le jugement de ce concours et en réformant l'enseignement traditionnel que dispensait l'école: il provoqua un débat passionné qui secoua pendant des mois l'opinion publique, mettant en lumière l'intérêt que suscitaient les questions touchant à l'administration et à l'enseignement de l'art. Ce décret autorise une étude précise d'un moment important de l'histoire de l'art au XIXe siècle; il agit comme un révélateur, dévoilant deux conceptions antagonistes de l'art, qui s'affrontaient depuis longtemps, mais qui arrivent alors à la pleine expression de leur divergence. La réforme contraignit les deux parties à définir leur position en les exposant sur la place publique. La doctrine académique, qui servait de fondement à l'action pédagogique, trouva dans cette dispute l'occasion de réaffirmer une dernière fois ses principes. Elle dut céder la place à une conception résolument moderne qui introduisit dans le domaine du beau les concepts d'actualité et de progrès, subsumés sous la notion déterminante (quoique floue) d'originalité, qui fut au centre du débat sur l'enseignement de l'art. La réforme ne bouleversa pas seulement les structures de l'enseignement des arts en France, ou les modalités de la transmission des savoirs et des techniques (elle ne les modifia, finalement, qu'assez superficiellement). Elle prit en compte une modification radicale de la place et du rôle de l'art dans la société, mais ne sut pas proposer une structure scolaire adéquateThe decree dated November 13rd of 1863 deeply altered the Paris Ecole des beaux-arts administrative structures, the teachers' appointment system and the Prix de Rome competitive examination judgment by taking away from the French Académie des beaux-arts the jugdment of this competitive examination and by reforming the traditional teaching dispensed by this School; it gave rise to a passionate debate which shaked the world of arts for months and captivated the general public, highlighting the interest related to administration and art teaching were rousing. That decree is giving place to a detailed study of an important step in art history in the 19th century; it happens to act as a revealing unveiling two antagonistic conceptions of art which had been fighting each other for a long time but which there reached the point of their divergence. The decree forced both parties to define their positions by exposing them on the public place. Academic doctrine which was the very basis of educational action, found in that controversy the opportunity to assess for the very basis of educational action, found in that controversy the opportunity to assess for the very last time its principles. It had to give way to a resolutely modern conception which introduced concepts of actuality and progress into the field of beauty, included in the determining (although fuzzy) notion of originality which was at the very center in the debate on art teaching. The decree not only turned upside down arts teaching structures in France or modalities of transmission of knowledge and techniques (at the end of the day it only modified them superficially). It took into account a drastic modification of place
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Okada, Tomoko. "Le japonisme sur scène en France de 1870 à 1914." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040248.
Full textAbstract:
Cette thèse traite des exemples de japonisme sur scène (opéra, ballet, pièce de théâtre) de la fin du XIXe siècle, domaine encore très peu exploité. Dans la première partie, après les deux premiers chapitres consacrés à la presse et au théâtre ainsi qu'à un constat historique sur l'exotisme, le japonisme est abordé de manière globale, dans la littérature, les arts et la musique, en rapport avec les œuvres scéniques et leurs auteurs traités dans la deuxième partie. Celle-ci est dédiée à des analyses spécifiques de chaque pièce, à l'aide de nombreux documents iconographiques de l'époque, sous trois aspects qui font pendant aux trois éléments de la première partie : le livret, le décor et le costume, et la musique. Outre des aspects encore méconnus des geishas ou des instruments de musique, l'étude, toujours basée sur les faits historiques, mettra en lumière des œuvres aujourd'hui totalement oubliées mais qui recueillirent toujours un grand succèsThis thesis deals with examples of japonism on the stage (opera, ballet, theatre) at the end of the XIXth century, a field which remains largely unexploited. In the first part, after the two first chapters devoted to the press and the theater and to an historical review of exoticism, japonism will be considered in a global perspective, in literature, the arts and music, in connection with the scenic works and their authors dealt with in the second part. This second part presents specific analyses of each work, using numerous iconographic documents of that time, under three aspects corresponding to the three elements of the first part : the libretto, the scenery and costume, and the music. Besides some still little-known aspects of the geishas or music instruments, the study, always based on historical facts, will highlight some works which are now completely forgotten but were always highly successful at the time
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Bouillon, Christine. "Un acteur et son public : Frédérick Lemaître à Paris et en province (1823-1876)." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010638.
Full textAbstract:
Frederick Lemaître fut l'un des comédiens les plus populaires du boulevard du crime ; au XIXème siècle. Issu de la petite bourgeoisie normande, il accéda à la célébrité en 1823 grâce à sa création du rôle de Robert Macaire dans l'auberge des adrets, et joua presque sans interruption jusqu'à sa mort en 1876. Il fut l'interprète de Victor Hugo (Ruy Blas), de Dumas (Kean), de Lamartine (Toussaint Louverture), mais aussi de nombreux obscurs auteurs de mélodrames. Ses diverses tournées lui permirent de se faire connaitre et applaudir à travers toute la France ainsi qu'à Londres, Bruxelles et Genève. Il entretint au cours de sa carrière des liens très forts avec son public, qui le suivait d'un théâtre à un autre (de la porte Saint-Martin, où il joua le plus souvent à l'ambigu et même aux variétés ou aux folies dramatiques) et savait lui manifester tout aussi bruyamment son enthousiasme que sa désapprobation. Sa vie privée, dont le public était curieux, fut en grande partie dévoilée par la presse, d'autant plus que sa femme, comme la plupart de ses maitresses, fut également sa partenaire au théâtre. Peu à peu, une véritable légende se créa autour le lui, étayée par de nombreuses anecdotes rocambolesques, le présentant comme un débauche et un ivrogne qui battait ses maitresses et jetait l'argent par les fenêtres. Peu soucieux de donner un démenti à ces allégations, Frederick Lemaître semble même parfois s'être amusé à jouer son propre rôle en dehors de la scène. A l'inverse, il prit bien davantage à cœur de réfuter l'idée, reprise par plusieurs critiques, qu'il mettait un peu de Robert Macaire dans chacune de ses créations. En effet, en 1834, il avait participé à l'écriture et interprète une pièce qui reprenait le héros de l'auberge des adrets et en faisait un escroc de haut vol. Perçue comme une satire de la société, la pièce connut un énorme succès. Par la suite, malgré ses prouesses dans de multiples rôles très différents, ce personnage lui colla à la peau durant toute la fin de sa carrière et même au-delàFrederick Lemaître was one of the most famous actors of the + boulevard du crime ; in the xixth century. He was born in normandy in a middle-class family. He became famous in 1823 thanks to his creation of the character of robert macaire in the auberge des adrets, and played almost without a break until he died in 1876. He has been the interpreter of Victor Hugo (Ruy Blas), of Dumas (Kean), of Lamartine (Toussaint Louverture), but also of numerous unknown authors of melodrama. His differents tours allowed him to be famous through the whole country and even in london, brussels and geneva. He had very strong links with his audience, who followed him from one theater to another (from the porte saint-martin where he played most of the time to the ambigu or even the varietes or the folies-dramatiques) and this audience used to applaud him as well as to boo him if they were displeased. The audience was also interrested in the actor's private life and newspapers published a lot of articles about it, all the more than his wife, like most of his mistresses were also frequently his main partners. Gradually a real legend was created around his personnality, presenting him as a debauched man, a drunkard who beat his lovers and wasted all his money. Frederick Lemaître seams to have taken pleasure sometimes in playing his own character out of the stage. On the contrary, Frederick seams to have taken to heart to dismiss the idea, spread by several critics, that he always played something of robert macaire whatever the play he performed. In fact, in 1834 he wrote a play which showed the character of robert macaire became a great swindler and performed it. The play was perceived as a satire of the society and was very successfull. From then, in spite of all his efforts in very different parts, this robert macaire stuck to him until his death and even after
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Absalon, Patrick. "La Légende d'Oedipe dans l'art en France au XIXe siècle." Strasbourg 2, 2001. http://www.theses.fr/2001STR20051.
Full textAbstract:
Cette thèse propose d'explorer la légende d'Œdipe et ses avatars dans l'art en France, à travers l'analyse d'œuvres diverses, peinture, sculpture, poésie et critique d'art. Elle a pour objectif de déterminer les réceptions du mythe par les artistes et plus généralement dans l'esprit du temps. Œdipe intéresse les artistes et les écrivains du XIXe siècle pour plusieurs raisons. En premier lieu, la question du mythe se pose dès lors qu'on s'interroge sur le théâtre, en particulier la tragédie. Dans un second temps, le héros thébain se place fréquemment au cœur de réflexions découlant de la philologie comparée, laquelle permet d'alimenter les nombreuses recherches de mythologie comparée. En troisième lieu, Œdipe suscite l'intérêt des archéologues qui mettent au jour les richesses du passé de la Grèce et renouvellent les études de son histoire. Enfin, deux œuvres d'art fondamentales, dont la renommée a traversé tout le siècle, ont contribué à faire d'Œdipe l'un des mythes les plus prégnants dans l'histoire culturelle du XIXe siècle : le chef-d'œuvre de Jean-Auguste Dominique Ingres de 1808 et celui de Gustave Moreau exposé en 1864. Participant au renouvellement de la peinture d'histoire, la légende d'Œdipe a su reconquérir son statut de mythe symbolique, devenant de la sorte un maillon essentiel de la culture classique et littéraire. Mais il a également fait l'objet de nombreuses manipulations, témoignant ainsi du pouvoir exégétique des artistes, qui en ont rapidement fait un mythe personnel. Œdipe incarne, à la fin du siècle, au même titre que les mythes d'Orphée et de Prométhée, la figure du héros tueurs de monstres, l'artiste déchiffreur des mystères de la nature
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Zmelty, Nicholas-Henri. "L'affiche illustrée en France (1889-1905) : naissance d'un genre ?" Amiens, 2010. http://www.theses.fr/2010AMIE0007.
Full textAbstract:
"L'affiche illustrée, depuis que Jules Chéret a créé le genre, est devenue une véritable oeuvre d'art. " Cette phrase résume à elle seule le credo partagé par un ensemble d'artistes, de critiques, de marchands et de collectionneurs qui, au tournant du XIXe et du XXe siècle, furent les acteurs de "l'affichomanie". La thèse propose de compléter les connaissances sur ce phénomène en le décrivant selon une approche socio-historique alimentée par des sources encore peu exploitées, avec le souci de poser la question de la position de l'affiche par rapport aux autres champs de la création artistique de son temps. L'objectif est donc d'articuler histoire de la réception et analyse esthétique.
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Liu, Chen-Chang. "Les répertoires d'ornement en France au début du XIXe siècle." Grenoble 2, 2009. http://www.theses.fr/2009GRE29030.
Full textAbstract:
Cette étude considère les recueils d’ornement réalisés en France au début du XIXe siècle. Les auteurs de ces ouvrages sont des architectes comme Jean – Nicolas – Louis Durand (1760-1834), Charles Percier (1764-1838), Pierre – François – Léonard Fontaine (1762-1853) et Charles – Pierre – Joseph Normand (1765-1840), ou des sculpteurs comme Pierre-Nicolas Beauvallet (1750-1810). Notre méthode s'écarte des travaux antérieurs en ceci que nous ne nous limitons pas seulement à l'architecture, mais nous abordons le domaine des arts décoratifs au début du XIXe siècle, le mobilier, le papier peint, les vases, etc. Nous nous proposons d'étudier les sources des artistes et les influences de leurs répertoires sur la création artistique de leur temps. Le cœur de notre travail consiste à présent à mesurer, d'une part, l'interprétation des sources donnée par les auteurs de ces recueils français du début du XIXe siècle et, d'autre part, à éclairer l'originalité éventuelle des artistes qui s'en sont inspirés. Cette vaste recherche porte non seulement sur les arts gréco-romains et gothiques, donc sur des styles purement occidentaux, mais aussi sur les arts égyptien et islamique, ainsi que sur l'art extrême-oriental, puisque, dans leurs répertoires, nos artistes avaient voulu présenter une vision mondiale de l’art. En analysant les motifs d’ornement et la composition des répertoires français du début du XIXe siècle, nous espérons pouvoir mieux saisir non seulement les enjeux esthétiques et culturels de la France du Premier Empire, mais aussi les changements sociaux et historiques de cette période si tourmentée et si complexe de l'histoire européenneThis research is focused on the French repertories of ornament published by the architects such as Jean-Nicolas-Louis Durand (1760-1834), Charles Percier (1764-1838), Pierre-François-Léonard Fontaine (1762-1853), Charles-Pierre-Joseph Normand (1765-1840) and the sculptor Pierre-Nicolas Beauvallet (1750-1810) in the beginning of the nineteenth century. A very important place is attached to the contemporary French decorative arts - the furniture, the wallpapers, the vases, etc. The study of the sources and the influences of these repertories on the artistic creation in the beginning of the nineteenth century are suggested. This vast research involves not only the Greco-Roman and the Gothic arts, which represent the purely western
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Lerner, Elodie. "François Gérard, peintre d'histoire." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040067.
Full textAbstract:
François Gérard (1770-1837) s'impose comme l'un des grands maîtres de la peinture d'histoire. Cet aspect de son talent, longtemps négligé, gagnerait à être mieux connu; les contemporains de l'artiste l'avaient bien compris: c'est ainsi le peintre d'histoire que des jeunes gens, alors inconnus du public, comme Ingres, Léopold Robert ou Delacroix, vinrent voir pour solliciter soutien et conseil s. C'est grâce à ses peintures d'histoire que Gérard obtient ses plus grands succès en France et bien au-delà des frontières. En son temps, ses oeuvres historiques ont placé Gérard au centre de l'intérêt lors de nombreux salons artistiques; plus d'un siècle et demi plus tard, elles forment le coeur de cette étudeFrançois Gérard (1770-1837) is one of the great masters of historical painting. This long-forgotten side of his talent deserves to be brough to a new light. His contemporaries were aware of it: it is because of his stature as an historical painter that young artists unknown at the time, such as Ingres, Léopold Robert and Delacroix, requested Gérard's advice and support. His historical paintings brought him his greatest successes, in France and well beyond; In his day, his historical works placed Gérard at the centre of public interest in numerous art Salons; more than one and a half century later, they form the core of his study
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Luneau, Jean-François. "Félix Gaudin (1851-1930), peintre-verrier et mosaïste." Clermont-Ferrand 2, 2002. http://www.theses.fr/2002CLF20015.
Full textAbstract:
Félix Gaudin naît en 1851 à Paris. Brillant élève en lettres classiques, féru de photographie, il est influencé par son oncle Félix Narjoux, disciple de Viollet-le-Duc. Officier d'artillerie, il reprend en 1879 une manufacture de vitrail de Clermont-Ferrand, fondée en 1835 par Emile Thibaud, puis gérée par ses successeurs Charles des Granges et Louis de Carbonnel. Dirigeant douze employés, il s'occupe surtout de la vente des vitraux, use de la publicité, participe à des expositions artistiques ou industrielles et recrute des représentants parisiens. Le stock de cartons, richesse de l'atelier, induit une production routinière destinée à une clientèle religieuse. Pour y remédier, Gaudin engage des cartonniers extérieurs, Louis Steinheil ou Eugène Grasset. En 1890, il rachète à Paris le fonds d'Eugène Oudinot, dont la clientèle est constituée des architectes des Monuments historiques et des architectes diocésains. D'après les cartons de Grasset, Luc-Olivier Merson, Victor Tardieu ou Raphaël Freida, il crée des vitraux en usant des verres anglais et américains, les expédie aux Etats-Unis et en Amérique du sud. Sa présence aux Expositions universelles, ses collaborateurs de choix et les commandes pour des édifices publics le rendent célèbre. En 1900, il est élu président de la Chambre syndicale des Peintres-Verriers français. Cet atelier de six ouvriers à la gestion souple lui permet de franchir la crise de 1905. En 1909, il vend le fonds à son fils Jean qui poursuit l'essor international de la maison et développe l'activité mosaïque. Pendant sa retraite, il travaille encore à l'atelier, s'occupe des restaurations et remplace son fils malade entre 1914 et 1920. Il donne des conférences sur l'histoire du vitrail et publie un ouvrage de synthèse. Il meurt en 1930. L'analyse de l'oeuvre, d'après un catalogue de 1300 numéros, est précédée de l'étude de son entreprise. Sa carrière est confrontée à l'évolution économique du milieu des peintres-verriers français de son époque
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Pillet, Elisabeth. "La restauration des vitraux des églises paroissiales de Paris de la Révolution à 1880." Paris, EPHE, 2004. http://www.theses.fr/2004EPHEA001.
Full textAbstract:
Au début du XIX e siècle, l'état des vitraux des églises de Paris résultait à la fois des méthodes d'entretien des vitriers, des grandes campagnes d'éclaircissement menées au XVIII et du vandalisme révolutionnaire. Les premières restaurations ne pouvaient s'inscrire que dans un mouvement plus large de redécouverte des techniques du passé : ainsi Georges Bontemps, directeur de la verrerie de Choisy-Le Roi, mis au point un procédé de fabrication du verre rouge ; Entre 1843 et 1845, la ville de Paris n'hésita pas à se lancer dans un programme de restauration de grande envergure sur les vitraux du XVIe siècle, ceux de la chapelle de la Vierge de Saint-Gervais. De 1845 à la fin du siècle, le quasi-monopole des travaux de restauration des vitraux de la capitale appartint à un artiste, peintre de formation, Prosper Lafaye, qui travailla en collaboration avec le vitrier de la ville de Paris, Charles Denis, sous l'autorité de Victor Baltard, architecte des travaux de Paris. Il n'eut que de rares concurrents vers la fin du siècle : l'atelier Gsell-Laurent, Joseph Félon et Edouard Didron. Les chantiers de restauration se raréfièrent au début de la IIIe République et la dernière opération que Lafaye réalisa entre 1876 et 1879 marqua la fin d'une période, les travaux qui eurent lieu après cette date n'étant réalisés ni dans le même esprit, ni avec les mêmes acteursAt the begining of the nineteenth century, the Paris churches stained glasses were in a sorry condition. This sad condition is the result of the maintenance made by glaziers, the lighting campaigns during the eighteenth century and the vandalism during the French Revolution. The first restorations can only be part of a greater movement of the ancient technics rediscovery. So Georges Bontemps, the director of the Choisy le Roy glassworks, created a process to make red glass. From 1843- to 18454, the authotities of Paris started an ambitious restoration program with the sixteenth century stained glasses of the Virgin chapel in the parish church of Saint- Gervais. From 1845 to the end of the nineteenth century, one artist, trained as a painter, Prosper Lafaye, got almost all the restoration works of the city. He collaborated with Charles Denis, the official glazier of the capital under the architect Victor Baltard's authority. He only had a few competitors: the workshops Gsell-Laurent, Joseph Félon and Edouard Didron. At the third republic, the restoration orders began to lessen and the last work of Lafaye, made between 1876 and 1879, marqued the end of an area. The works that occurred afterwards were created in a completely different spirit and with different people
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Gauthier, Marie-Véronique. "Les sociétés chantantes au XIXème siècle : chanson et sociabilité." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010619.
Full textAbstract:
Étude des grandes sociétés chantantes (le caveau, la lice chansonnière), lieux de sociabilité masculine au XIXeme siècle: les rituels conviviaux sont organisés autour de l'épicurisme (rire, boire, manger). Les rapports tendus avec le café-concert et le souci de moralisation de la chanson coexistent avec une obsession du discours sexuel (grivoiserie). L'étude de l'écriture des chansons, produites au sein du groupe mais individuellement révèle la constance d'un style néoclassique ou néoromantiques, sans invention, trace logorrhéenne d'un intense besoin de tracer des versA study of the great singing societies (le caveau, la lice chansonniere), 19th century facilities for males "meetings: convivial rituals revolue around epicurianism (laughing, drinking, eating). Tense relationships with "café-concert" and the need to moralize song are to be found together with an obsession to talk about sex (saucy stories). The study of the writing of songs produced within a group, but by individuals, shows the enduring nature of a neo - classical or neo - romantic style, totally lacking in inventiveness logorrhoean remnant of an intense need to write verses
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Wirty, Emeline. "Le pouvoir et les beaux arts sous la Restauration (1815-1830)." Paris 10, 2002. http://www.theses.fr/2002PA100052.
Full textAbstract:
Le travail mené en thèse s'est attaché à étudier les relations entretenues entre le pouvoir et les beaux-arts dans la France de la Restauration (1815-1830). Un premier aspect de ce travail a consisté à mener une étude systèmatique des institutions de tutelle et des établissements majeurs placés sous leur responsabilité (musées, institut, écoles d'art, manufactures), de façon à évaluer précisément les décisions prises pendant la période révolutionnaire et impériale qui ont été conservées ou rejetées par le régime des Bourbons. Globalement, la Restauration a su accepter le legs (constitué de créations institutionnelles et de décisions administratives) de la Révolution de l'Empire. La Monarchie ainsi que bon nombre d'administrateurs ont su retrouver une place dans une société française qui avait commencé à se reconstruire dès l'Empire. .The research conducted, in view of a doctoral thesis, focused on the sustained relationships between the government and the fine arts in France during the period of Restoration, from 1815 to 1830. One of the first aspects of this research consisted in carrying out a systematic study of the institutions under the control of the state and the main establishments under their direction (museums, French academies, art schools, manufactures) in order to evaluate precisely the decisions taken during the revolutionary and imperial period which had been retained or rejected by the monarchical system of the Bourbons. Globally speaking, the Restoration accepted the legacy, that is, namely the institutional creations and the administrative decisions of the Revolution or of the Empire. .
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Kang, Hui-an. "La représentation de la pauvreté dans la peinture française du XIXe siècle (1830-1900)." Montpellier 3, 1998. http://www.theses.fr/1998MON30020.
Full textAbstract:
Jamais peinture ne s'est autant preoccupee de la pauvrete que durant le xixeme siecle. Non sans raison puisque celle-ci est un phenomene fondamental de cette epoque. Aux sociologues, aux philosophes et aux litterateurs qui tous se sont penches sur ce probleme, s'ajoutent des peintres tres divers. Ils n'ont pas hesite a peindre l'etre humain dans les pires situations: aveugles mendiants, familles sans-abris, enfants vendant des fleurs, ouvriers se suicidant. . . Mais aussi les actes de la charite dans leurs formes individuelles et institutionnelles. Pourtant leur regard sur la pauvrete etant bien different, cela entraine un mode d'expression tres complexe. En effet, la peinture du xixeme siecle est impregnee d'un caractere eclectique qui mele tous les genres et tous les styles. D'une facon generale, ces oeuvres s'inscrivent dans une production marquee, globalement, par la rivalite entre l'idealisme et le realisme. Ce double concept est pour ainsi dire l'axe de l'esthetique dans la representation de la pauvrete du xixeme siecleNever painting has so much been worried about poverty than during the xixth century. Not without reason since the latter is a fundamental phenomenon of the time. To the sociologists, philosophers and writers who have all thought carefully, one time or another, about the problem of poverty, we can add various painters. They have had no hesitation to paint and unveil the human beings in the most horrible situations: blind beggars, homeless families, little flower-sellers, workers in dispair commiting suicide. . . But also the acts of charity, individual and institutional. Neverthelesse, their different look leads to a complex mode of expression. Actually, the xixth century painting have an eclectic vision which mixes all genres and all styles. In the whole, all these painting come within the scope of a production marked by the opposition between idealism and realism. This double path is the esthetical axis of the representation of poverty during the xixth century
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Rolland, Juliette. "Pour tout l'art de Dieu : contribution à une sociologie picturale des églises parisiennes pendant l'ère paroissiale." Paris 5, 2003. http://www.theses.fr/2003PA05H061.
Full text
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Penot, Agnès. "L'internationalisation des galeries françaises durant la seconde moitié du XIXe siècle : l'exemple de la maison Goupil (1846-1884)." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010696.
Full textAbstract:
Entre 1846 et 1884, la maison Goupil fut l'une des galeries d'art françaises les réputées. Elle a développé ses affaires autour du commerce d'estampes, de peintures, de pastels, de sculptures et de dessins d'artistes pour la plupart contemporains, européens et de style académique. La stratégie mercantile de la société s'appuie principalement sur un réseau de succursales et de comptoirs établis dans les grandes capitales: La Haye, New York, Bruxelles, Berlin et Londrès. William Schaus et ultérieurement Michael Knoedler ont développé un marché en Amérique, et Vincent Van Gogh (oncle Cent) a consolidé les relations entre les Pays-Bas et Paris. En parallèle, la société participe aux manifestations internationales marquantes de l'époque comme les Expositions universelles. La réussite de la maison Goupil est évidente. Ce processus général d'internationalisation a permis le renouvèlement de la clientèle et des artistes et garanti la pérennité du nom « Goupil» dans l'histoire et l'histoire de l'art. De nombreuses œuvres conservées dans les musées internationaux proviennent de son stock. Cette thèse analyse les livres d'inventaire qui répertorient les transactions de la galerie de peintures parisienne qui sont devenus une source fondamentale pour la connaissance du marché de l'art au XIXe siècle et l'histoire du collectionnisme et du goût.
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Giraud-Labalte, Claire. "Les Angevins et leurs monuments : 1800-1840." Lyon 2, 1994. http://www.theses.fr/1994LYO20046.
Full textAbstract:
Etude de l'emergence du concept de monument historique entre 1800 et 1840 dans le departement de maine-et-loire. Les relations entretenues par les angevins avec leurs monuments anciens, depuis la fin de la revolution jusqu'a la creation officielle du service des monuments historiques, sont analysees au travers des regards poses par les contemporains (personnalites, erudits, et artistes locaux ou etrangers) et des actions entreprises (demolition, reutilis ation, restauration). Les reponses donnees par les angevins aux sollicitations du gouvernement en matiere de monuments, l'engagement des antiquaires, et les interventions architecturales sont les principaux indicateurs d'une lente evolution de la prise de conscience patrimoniale locale. Le maine-et-loire semble se situer vers 1840 parmi les departements francais les plus soucieux de la reconnaissance et de la preservation de leur patrimoine monumentalThis study deals with the emergence of the concept of the historic monument between 1800 and 1840 in the department of maine et loire. The relationships between the angevins and their monuments, from the end of the revolution to the official creation of a department of historic monuments, are analyzed through the opinions of contemporary personalities (sholars, local or foreign artists) and the actions undertaken (demolition, new uses, rehabilitation). The way the angevins responded to the government's initiatives as far as monuments were concerned, the commitment of antiquaries, and the architectural interventions are the main indicators of the slow evolution of their awareness of their local heritage. In 1840 the department of maine et loire seems to be among the most interested in the recognition and the conservation of their monuments
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Bowie, Karen. "L'"éclectisme pittoresque" et l'architecture des gares parisiennes au 19e siècle." Paris 1, 1986. http://www.theses.fr/1986PA010563.
Full textAbstract:
Cette étude en deux parties vise à la fois à contribuer au débat théorique sur l'architecture du 19e siècle, et à présenter des recherches fondamentales sur les gares parisiennes de cette période. La première partie examine la notion de style en générale, et en particulier "l'éclectisme pittoresque", défini en 1956 par rapport à la gare comme bâtiment-type. Ces notions se révèlent être d'une application difficile. Cependant, étudier les gares de chemins de fer par rapport à l'esthétique pittoresque nous permet de les percevoir de façon enrichie. Une considération des divers types de polychromie architecturale de l'époque, et un examen des moyens expressifs des gares parisiennes - notamment leur ornementation - remet en question l'opposition faite si souvent aujourd'hui entre façades "académiques" et halles "fonctionnelles" ou "progressistes". Ces dernières n'ayant vraisemblablement pas de fonction technique, il est suggéré que leur rôle était expressif et esthétique. Les effets de lumière qu'elles créaient - saisis, par exemple, par Claude Monet dans sa série de vues de la gare Saint-Lazare de 1877 - sont comparés à ceux des verrières colorées qui caractérisaient un temps l'architecture commerciale. C'est la deuxième partie de l'étude qui propose une recherche de fond sur les gares parisiennes. Des sources archivables et imprimées sont confrontées pour déterminer la chronologie des sept sites traités. Les constructions successives font que l'étude comprend 14 édifices ; mais ces ensembles étant restés normalement en exploitation ininterrompue depuis leurs débuts, il est parfois difficile de différencier entre un "réaménagement transformation" et une construction nouvelle. L'envergure des architectes recrutes, et leur rôle vis à vis des ingénieurs dans la conception de ces ensembles, varient selon les compagnies ainsi que selon les époques. Des orientations pour des recherches futures sont proposées
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Molinet, Marylin Anne-Laure. "L'art de la crise : étude comparative sur la fonction et la réception de l'Art aux 19e et 20e siècles : france-Allemagne : arts plastiques, littérature." Thesis, Metz, 2008. http://www.theses.fr/2008METZ007L.
Full textAbstract:
Cette étude concerne les multiples innovations artistiques et philosophiques menées par les premiers romantiques allemands au sein de l'Athenaeum, premier groupe d'avant-garde moderne, tant en littérature qu'en arts plastiques. L'exigence d'introduire l'art moderne dans le concept de Bildung représente une étape cruciale, tout comme la question de l'expérimentation, et de l'autonomie de l'œuvre. Le refus durable de promouvoir l'art moderne, et les raisons de ce rejet en France (centralisme fort, mais aussi refus de la pédagogie), sont explicitées, ainsi que le retard dans les recherches muséographiques et didactiques menées par les musées. Cas exceptionnel du musée de Grenoble. En Allemagne, les grandes étapes menant à la victoire, durant trente années (1903-1933), de l'art moderne sur l'art académique, sont analysées : premier romantisme, ouverture des Kunstvereine et Kunsthallen sur tout le territoire, combat des Sécessions, et enfin, soutien d'une importante scène muséale (quarante musées) non centralisée, en particulier le Kronprinzenpalais, premier musée d'art moderne, inconnu en France. La recherche révèlera l'impact des innovations : évolution du concept de Bildung, réforme des musées d'un point de vue didactique et scénographique, importance des expositions temporaires et de leur circulation, élargissement considérable du champ de l'artThis research concerns the many multiple artistic ans philosophical innovations produced by the early german Romanticism inside of the Athenaeum cercle, first avant-gardist group of modern art, in the fields of literature and visual arts. The exigence to introduice modern art in the concept of education (Bildung) represents a crucial step, as well as the question of experimentation, and the autonomy of the work. The long-lasting refusal to promote modern art in France, and the reasons of this reject (strong centralism, but also denegation of teaching skills), are explained, as well as the lateness in a lot of museographic and didactic, by museums done, investigations. Exceptional case of the museum in Grenoble. In Germany, the most important steps reaching, during thirty years (1903-1933), at the victory of modern art on the academic art, are analysed : early Romanticism, opening of art-unions on the whole territory, fighting of Secessions, and, finally, the support of an important and non centralized museal scene (more than 40 museums), especially the Kronprinzenpalais, first museum of modern art, unknown in France. The research reveals the impact of all these innovations : evolution of the concept of Bildung, museums reform concerning didactic and scenographic aims, importance of temporary exhibitions and their movement, significant widening of the field of art
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Gatineau-Helbronner, Evelyne. "Catalogue raisonné des sculptures du XIXe siècle (1800-1914) des musées de Bordeaux." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040235.
Full textAbstract:
La vision de la collection bordelaise apparaît kaléi͏̈doscopique. Même après l'achèvement du Musée en 1881, les sculptures ont été souvent déplacées. Cet art statuaire ne sera redécouvert qu'à partir des années 1970. La collection s'est toutefois constituée de manière logique à travers les dépôts de l'Etat, les achats réalisés grâce aux sociétés artistiques locales, les dons et legs ou le mécénat municipal. Parmi les artistes figurent quelques sculpteurs locaux. Nombre de bordelais ont œuvré dans d'autres genres : sculpture ornemaniste, art religieux ou funéraire. A leurs côtés, se trouvent des noms illustres : Dalou, Carpeaux, ou Rodin. Les collections du musée renferment les maquettes de monuments publics, dont les projets d'aménagement de la place des Quinconces. De l'inspiration antique à l'art décoratif, en passant par les scènes de genre et la sculpture animalière, du néo-clacissisme au réalisme pittoresque, l'ensemble regroupe les genres et les styles exprimés au XIXe siècleThe vision of the collection of Bordeaux seems kaleidoscopic. Even after the completion of the Museum in 1881, the sculptures were often moved. That statuary art will not be rediscovered before the seventies. However, the collection has been constituted by a logical way, throughout the National deposits, the purchases realized thanks to the local artistics societies, the donations and legacies or the municipal contribution Among the artists appear local sculptors. Many artists of Bordeaux have worked in others genres : ornemanist sculpture, religious or funerary art. By their side, we notice famous names : Dalou, Carpeaux, or Rodin. The collections of the Museum contain the models of public monuments, including the development projects of the place des Quinconces. From antique inspiration to decorative art, by the way of genre scenes and sculpture of animals, from neoclacissism to picturesque realism, the whole gathers together the genres and the styles expressed during the 19th century
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Godfroy-Gallardo, Christine. "Les marchands de tableaux, experts des premiers musées nationaux en France et en Angletterre. Des appréciateurs aux compétences de conservateurs." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010545.
Full textAbstract:
L’institution d’experts officiels chargés de certifier l’authenticité de tableaux avant leur acquisition accompagne l'ouverture du Louvre. Ces commissaires assument également la gestion et le contrôle des restaurations jusqu'au milieu du XIXème siècle, même si la plupart poursuivent ; parallèlement, avec succès. leur activité de marchand, à Paris ou à Londres. Ces appréciateurs participent enfin à l'inventaire du musée sous l'Empire, puis de nouveau après les reprises alliées. malgré les critiques qui ne manquent pas de s'élever contre les estimations fantaisistes ou les attributions hasardeuses Au cours de la décennie 1840-1850, le règne des commissaires-experts s'achève au profit des conservateurs qui les supplantent au sein de l'établissement. Désormais le champ de l'expertise au musée s'avère du ressort exclusif des conservateurs. En Angleterre. deux marchands de tableaux participent, chacun à leur façon, à la mise en place du premier musée d'art national, avant que cette profession décriée ne soit définitivement exclue de la direction des musées publicsThe institution of officiai experts asked to guarantee the authenticity of pictures before their acquisition follows the opening of the Louvre. These commissioners are also in charge of the management and the control of the restorations until the middle of the 19th century. even if most pursue at the same time, successfully, their trader's activity. in Paris or in London. These appreciators participate finally in the inventory of the museum under the Empire. then again after the allied restitutions, in spire of the criticisms which do not miss ta rise against the fanciful estimations or the risky attributions. During decade 1840-1850, the administration of the commissioners-experts ends for the benefit of the curators who supplant them within the establishment. Henceforth the field of the expertise to the museum falls in the exclusive hands of the curators. ln England, two art dealers participate, each in their way. in the implementation of the first museum of national art, before this slandered profession is definitively excluded from the management of the public museums
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De, Palma Myriam. "Maurice Chabas (1862-1947) : du symbolisme à l'abstraction : essai et catalogue raisonné." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040145.
Full textAbstract:
La qualité esthétique et l'ampleur de l'œuvre de Maurice Chabas (peinture de chevalet et art monumental) ainsi que le mouvement de pensée auquel il a participé ont cristallisé notre intérêt pour un artiste important et injustement oublié du symbolisme. Maurice Chabas poursuivit tout au long de son œuvre une quête spirituelle qu'il traduisait par des tableaux empreints d'une harmonie noble et sereine. L'imagination et le désir d'innovation de Maurice Chabas le mèneront à diversifier sa technique, par ailleurs habile, en usant d'une purification et d'une simplification de la forme. L'œuvre, dans un premier temps académique, se rallia aux tendances symbolistes, proche de Puvis de Chavannes. Maurice Chabas fut un fervent défenseur des Rose+Croix et exposa à tous leurs salons. Par la suite, l'artiste fut tenté par les techniques néo-impressionnistes et synthétiques. A la fin de sa carrière, sa peinture devient de plus en plus éthérée, lumineuse et colorée ; ceci le conduit à se tourner vers l'abstraction qui se prête, selon, lui naturellement à la communication des mystères de la religion chrétienne. Un des premiers objectifs de cette thèse (première partie) a été d'établir la biographie de Maurice Chabas, une étude de ses principes artistiques théoriques et une analyse de son œuvre. Nous nous sommes référés aux lettres personnelles et aux écrits de l'artiste ainsi qu'aux articles de presse et catalogues d'expositions pour éclairer sa personnalité et la portée de son œuvre. La seconde partie de la thèse a consisté à effectuer un recensement le plus exhaustif possible des différents tableaux, commandes et écrits illustrés par Maurice Chabas. Cette recherche compose le catalogue raisonné de l'artiste (903 numéros dont 873 illustrés)The aesthetic quality and the extent of the work accomplished by Maurice Chabas as well as his evolution of thinking have focused our interest for this important artist, unfairly forgotten in the symbolist movement. All through his artwork, Maurice Chabas searched a spiritual quest which he translated through his paintings into a noble and serene harmony. His imagination and desire to innovate led him to diversify his technique through a purification and simplification of the form. At the beginning, his work was academic but expressed rapidly symbolic tendencies reminding Puvis de Chavannes. Maurice Chabas was a fervent defendant of the Rose+Croix. He participated in all their art exhibitions. Later, the artist was also tempted to investigate the techniques of impressionism and synthetic art. At the end of his career, his work became gradually more esotheric, bright and colourful. This style of work conducted him to abstraction which (he thought) will provide the ways to the "mysteries" of the Christian religion. One of the primary objectives of this thesis has been to establish a biography of Maurice Chabas. Our aim was also to provide a study of his theoritical artistic principles and an analytical investigation of his work. To highlight the personality of Maurice Chabas and the magnitude of his work, we currently referred to his personal documents, press artcles and exhibitions catalogues. The second part of this thesis is aiming to establish, to the largest possible extent, an inventory of his paintings, work orders and writings. This study is covered by the reasoned catalogue of the artist
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Zelvenskaïa, Anastas. "Le symbolisme pictural en Russie et en France (1890-1910) : interférences et affinités." Clermont-Ferrand 2, 2003. http://www.theses.fr/2003CLF20020.
Full textAbstract:
Ce travail vise à tracer un parallèle entre le symbolisme pictural en Russie et en France dans les années 1890-1910. Il débute avec une synthèse des sources de connaissances (collections, expositions, revues), un résumé des échanges directs (voyages d'artistes, contacts, collaboration) et une étude de la fortune critique de quelques peintres français (Moreau, Puvis de Chavannes, Carrière, Redon, Gauguin, Denis et les Nabis, les représentants du symbolisme idéaliste). A la partie documentaire succède une analyse des oeuvres de divers artistes symbolistes russes qui a pour objectif de déceler l'apport français, tout en indiquant la présence d'autres sources. Le cercle d'Abramtsevo, "Le Monde de l'Art", les grands maîtres solitaires (Vroubel, Borissov-Moussatov, Ciurlionis), le groupe de "La Rose Bleue" ainsi que les préfigurateurs de l'art du XXe siècle (Petrov-Vodkine, Malévitch, Kandisky) - tels sont les phénomènes mis en rapport avec le symbolisme françaisThis work aims to trace a parallel between the pictorial Symbolism in Russia and in France during the years 1890s-1910s. It starts with a synthesis of the sources of knowledge (collections, exhibitions, periodicals), a summery of direct exchanges (artist's trips, contacts, collaboration) and a study of the critical fortune of several French painters (Moreau, Puvis de Chavannes, Carriere, Redon, Gauguin, Denis and the Nabis, the representatives of the idealist symbolism). After this documentary part follows an analysis of works of different Russian symbolist artists which have as a goal to detect the French contribution indicating at the same time the presence of other sources. The Abramtsevo circle, "The wold of art" group, the great solitary masters (Vroubel, Borrisov-Moussatov, Ciurlionis), the "The Blue Rose" group and the heralds of the XXth century art (Petrov-Vodkine, Malevitch, Kandisky)-these are the phenomena compared to the French Symbolism
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Honda-Ishii, Midori. "Le japonisme en France dans la seconde moitié du XIXe siècle : la rencontre de l'Occident avec l'Orient." Paris 5, 2007. http://www.theses.fr/2007PA05H008.
Full textAbstract:
Le but principal de cette thèse est d’analyser la façon dont le japonisme s’est construit en France durant la seconde moitié du XIXe siècle et quelle trace il a laissé dans l’histoire de l’art occidental, sous l’hypothèse selon laquelle ce n’était pas une contingence, mais plutôt une nécessité dans la causalité historique et artistique, autrement dit, ce que la France cherchait dans l'art japonais et ce qu’elle possédait déjà. II y a très longtemps que l’Occidental rêvait de l’Orient. Nous ne pensons pas nous tromper en affirmant que le japonisme était un phénomène exotique ayant démontré que l’Orient et l’Occident s’attiraient mutuellement bien qu’ils soient opposées sur beaucoup de plans. Le japonisme s’est construit grâce à une diffusion officielle de l’image du pays lors des Expositions Universelles. Nous verrons donc par quelle stratégie politique le Japon s’est attaché à cette diffusion et ce qu’il a exposé. "L’art populaire" et "la relation à la vie quotidienne" de ce pays ont amené un grand enthousiasme chez les Français. Ainsi, nous nous concentrerons sur la façon dont ceux-ci ont réagi face à l’art japonais en suivant fidèlement l’écriture des critiques d’art, particuilièrement celles d’Ernest Chesneau et des frères Goncourt, personnages à l’esprit moderne et révolutionnaire. De plus, nous analyserons la façon dont l’art français fut influencé par l’art japonais pour se transformer à travers trois grands artistes, à savoir, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin et Henri MatisseThe principal objective of this thesis is to analyse the way in which Japonisme constructs itself in France from 1850s to 1900. The thesis also examines the traces that Japonisme has left in the history of Occidental art, with the hypothesis that such a phenomenon is not contingent: rather, Japonisine is a necessity in historical and artistic development. In other words, it is a product of what the French sought in the Japanese art : the traits that French art itself had already possessed. It bas been a long time since the Occident dreamt of the Oriental. One cannot be deceived by the affirmation that Japonisme was merely an exotic occurrence, having demonstrated that the Oriental and the Occident were mutually attracted even though they were conflicting in several respects. The officiai propagation of the country's image during the Universal Expositions had made possible the fabrication of Japonisine. One will thus understand the political strategy that Japan had attached to such circulation, and how it had exhibited an image of itself. Japanese traditional art and its relation to the quotidian brought forth much French enthusiasm. As such, the thesis will study the way in which such enthusiasm responded to Japanese art, expounding on the writings of art critics, in particular Ernest Chesneau and the Goncourt brothers. Furthermore, the thesis analyses the way in which French art was influenced and transformed by Japanese art in the works of three prominent artists. Namely Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin and Henri Matisse
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Moulinat, Francis. "Théophile Gautier, critique d'art, dans les années 1830." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040243.
Full textAbstract:
La critique d'art de Théophile Gautier a suivi la même évolution que sa pensée littéraire. Elle est passée du romantisme à une mise à distance de celui-ci. Entre 1836 et 1838, Gautier reporta, sur la critique d'art, le sacerdoce que l'écrivain était censé exercer sur la société. En se faisant le champion de la souveraineté de l'artiste, en acclimatant au journalisme le romantisme, en pratiquant la critique des beautés qui est une adhésion entière à l'œuvre, au travers de sa description, il inventa la critique artiste. Gautier a vue en Paris et Munich les deux ateliers où s'inventait le futur. Mais, c'est à Paris qu’Ingres, par le dessin, Delacroix, par la couleur, avaient rénové la peinture et formé ceux qui formuleraient la synthèse de leur art. Gautier a aussi noté, à partir de 1837, le recul du romantisme pictural et l'influence grandissante du dessin et du style. Ce modèle binaire, fut reporte sur le paysage, mais non sur la sculpture, art essentiellement antique, ne devant montrer que la beauté. Dans l'esthétique de Gautier, contrairement au naturiste qui copiait la nature, l’artiste supérieur abritait en lui un microcosme et un idéal. Exprimer sa vision de la beauté était sa mission; Gautier l'étendit à la vie entière. L'artiste, en concevant des objets, reconquerrait son sacerdoce perdu, éduquerait la société et susciterait une nouvelle renaissance. En développant une telle utopie et en divinisant l'art, devenue valeur suprême et refuge où oublier le réel, Gautier formula une esthétique, romantique par la place conférée à l'artiste, éclectique, car elle acceptait la couleur et le dessin, novatrice, car elle préfigurait nombre de courants de la seconde moitié du siècleGautier's art criticism followed the same evolution as his literary thinking. It praised romanticism before standing aloof from it. But, between 1836 and 1838, he transferred to art criticism the priesthood every writer is supposed to fulfill within society. He defended the artist's sovereignty; he introduced romanticism in journalism, and the practiced the criticism of beauties through descriptions: in fact, he had invented the artist criticism. Gautier considered that Paris and Munich were the two studios where the future was taking shape, that is was however in Paris that Ingres, through drawing, and Delacroix, through colors, had reformed painting and trained those who would later make up the synthesis of their art. Gautier also noticed, from 1837 on, the decline of the pictorial romanticism and the growing influence of drawing and style. This binary system was applied in landscape, but not in sculpture which is a principally antique art, meant to show only beauty. In Gautier’s aesthetics, the superior artist would shelter both a microcosm and an ideal, contrary to the naturist who copies nature. His mission was to express his own vision of the beauty, and Gautier widespread this mission to the whole life. By designing objects, the artist would regain his lost priesthood, educate society and lead to a new renaissance. By developing such an utopy, by divinizing art which had become the supreme value and a refuge to forget reality, Gautier expressed an aesthetics which was at the same time romantic, as it awarded a major position to the artist, eclectic, since it accepted color and drawing, and innovative, for it would foreshadow many trends of the second half of the century
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Jordy, Catherine. "La peinture romantique en Alsace 1770-1870." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2002. http://www.theses.fr/2002STR20026.
Full textAbstract:
À en croire les manuels, l'Alsace n'a pas connu de centre pictural constitué au XIXe siècle à l'époque romantique. Or, si on ne peut parler d'école en tant que groupe d'artistes, on peut relever une forte concentration de peintres très actifs autour de 1830. Mais leur style n'est pas ouvertement romantique. On remarque cependant en Alsace un fort mouvement préromantique avec des artistes tels M. Drolling, P. -J. Loutherbourg, J. -F. Schall et d'autres. La plupart se sont établis à Paris, tout en influençant les générations de peintres alsaciens à venir. On note aussi l'émergence de peintres qui s'illustrent dans les thèmes militaires : c'est le cas de L. -F. Lejeune ou de B. Zix. À l'époque romantique, c'est dans la lithographie que les artistes sont romantiques ; les peintres s'inscrivent dans un courant classique, même si certains se rapprochent du romantisme, comme les Guérin ou les Wachsmuth. . .
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Bayle, Nadia. "Quelques aspects de l'histoire de l'archéologie au 19eme siècle : l'exemple des publications archéologiques militaires éditées entre 1830 et 1914 en France, en Afrique du Nord et en Indochine." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040068.
Full textAbstract:
Durant la seconde moitié du 19ème siècle, les officiers français ont tenu une place assez importante dans l'histoire de l'archéologie. Spécialisés dans la rédaction de rapports de fouilles, ils ont étudié en priorité les vestiges de l'Afrique romaine. Leur contribution scientifique, tant sur le plan documentaire que sur le plan méthodologique, a été particulièrement remarquable pour ce qui touche à la constitution du corpus archéologique de l'époque romaine. Aussi, l'analyse détaillée de leurs travaux permet-elle d'aborder quelques aspects marquants des développements de l'archéologie à cette époque. Trois points sont successivement présentés dans cette étude : d'abord, les motivations des officiers archéologues ; ensuite, les moyens mis en place par l'armée pour organiser les fouilles ; enfin, les différents éléments qui composent la démarche scientifique de ces fouilleurs occasionnels. La dernière partie de premier volume replace l'activité archéologique de l'armée dans le contexte plus général de l'archéologie et de la Francedurant la même période. Quant au second volume, il regroupe une abondante bibliographie composée du répertoire des publications archéologiques militaires qui ont été recensées entre 1830 et 1914 et de documents généraux traitant de l'histoire de l'archéologie, de l'organisation de l'armée et de l'histoire du 19ème siècle. Quelques annexes terminent l'ouvrage, parmi lesquelles on remarque les notices biographiques d'une dizaine d'officiers dont l'activité archéologique paraît avoir été plus marquante que pour les autres membres de l'encadrement militaireDuring the second half in the 19th century, french officers playede a very important role in the history of archaeology. Specialized in writting excavations reports, they chose to study the vestiges of Roman Africa. Their scientific contribution, as well as their mark made on research and methodology of the Roman period, is particularly significant. Tha analysis of their work permits us to mesure the development of archaeology during this period. Three principal issues are examined in this study. First of all, the motivation of the officers ; secondly, the means disposed of by the army for the organization of excavations ; and finally, the different elements which composed the scientific approach of these amayeur archaeologists. The last part of the first volume examines the archaeological activity of the army in larger context comparing it to the work done in France during the same period. The second volume regroups the abundant bibliography of archaeological publications written by the military between the years of 1830 and 1914 and documents treating of the history of archaeology, the organization of the army and the history of the 19th century. Furthermore, this study includes several annexes pertaining to the officers who were outstanding for their contribution
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Gloc, Marie. "Construire, restaurer, écrire, Edouard Jules Corroyer (1835-1904) : l'architecture dans tous ses états." Paris, EPHE, 2003. http://www.theses.fr/2003EPHE4019.
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Le, Men Ségolène. "L'Illustration en France au dix-neuvième siècle : la cathédrale illustrée." Paris 7, 1994. http://www.theses.fr/1994PA070158.
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Ces travaux sur l'illustration (2 livres et 65 articles ou catalogues) considèrent deux ensembles éditoriaux : le livre illustre romantique, restreint à une période et à un style : le livre illustré pour enfants, objet diachronique mais circonscrit à un public spécifique. Les corpus abordés ont été l'abécédaire, la caricature et le livre romantique, puis l'histoire du livre pour enfants, l'histoire de l'affiche et sa reconnaissance comme expression artistique et la critique de la gravure. L'illustration est présentée comme un langage neuf, fondé sur la vignette qui erre de support en support et sur de grandes catégories d'illustrations, le "type", le "site" et la "scène". Ce système romantique de l'image, détermine par la caricature et le dessin de presse autant que par le livre illustré, s'est perpétué dans l'art publicitaire de la fin du siècle, tandis que les formules de l'illustration devenaient celles d'un "art moyen". Pourtant cet art moyen n'est pas sans rapport avec l'invention de la peinture moderne. Lorsque les illustres romantiques commencent à être collectionnés, Manet et Seurat abordent la peinture de la vie moderne par la silhouette de "types" analogues à ceux des français peints par eux-mêmes. L'illustration romantique n'a-t-elle pas été, dans l'histoire de l'art, un lieu d'expérimentation pour les formules nouvelles de l'œuvre d'art qu’accomplissent la peinture impressionniste et néo-impressionniste ? Lui attribuer ce rôle d'avantcourrier revient à s'interroger sur l'alternative entre l'art abstrait et le sujet pictural et à réévaluer la catégorie romantique du pittoresque : tel est le propos de la synthèse inédite, la cathédrale illustrée, qui traite de la symbolique et de la représentation du site de la cathédrale, depuis Hugo jusqu'à Monet. L'ensemble de ma recherche procède de l'histoire de l'art, mais elle se rattache aussi à l'histoire culturelle, et s'intéresse à la sociologie des acteurs du livre, ainsi qu'aux métiers de l'illustrationThis research about nineteenth century French illustration (2 books and 65 articles or catalogues) deals mainly with the synchronical system of French romantic illustration and with the diachronical genre of children's book illustration : the case-studies consider abcs, caricature, romantic books and sets of prints, children's picture books, posters and art criticism about prints. . . The art of illustration is presented as a new visual language, based upon the circulation of vignettes and upon conventional categories of images : types, sites and scenes. This romantic visual imagery, which appeared in book illustrations and journal caricatures or cartoons, survived at the end of the century within the art of the poster and other massmedia pictures, packaged in standardized visual formulas. However this turn of the century evolution of commercial imagery appears similarly within high art and thus is linked to the advent of modern art. At the time when romantic illustrated books started to become a market collected by connoisseurs, Manet and Seurat painted social types, sketched as they had appeared in les français peints par eux-mêmes. Thus romantic illustration played the role of an experimental language for nineteenth century artists. This thesis leads us to reconsider the distinction between high and low art in the advent of modernism : the unpublished essay, la cathedrale illustree, addresses the link between abstraction and picturesque romanticism and studies the symbolic site of the cathedral, from Hugo's Notre-Dame de Paris to Monet's series of Rouen cathedrals. My art historical research runs between the history of art and literature and the history of the book, and thus belongs to cultural studies : focusing over the circulation and transmission of images, it covers also the sociology of artistic professions, and the new business of illustrations and posters
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Schaub, Nicolas. "L'Armée d'Afrique et la représentation de l'Algérie sous la Monarchie de juillet." Strasbourg, 2010. http://www.theses.fr/2010STRA1021.
Full textAbstract:
Quel corpus d’images ont constitué les artistes qui ont accompagné l’armée d’Afrique après la conquête d’Alger en 1830 et comment l’ont-ils réalisé ? Quelle a été la circulation de ces images ? Dans quelle mesure ont-elles joué un rôle majeur dans la constitution de l’orientalisme européen au XIXe siècle ? Telles sont les questions auxquelles nous avons voulu répondre dans cette thèse. Entre 1830 et 1850 la conquête militaire et politique de l’espace algérien s’accompagne de la diffusion de créations textuelles et visuelles (estampes, dessins, peintures, photographies et sculptures) qui modèlent ce territoire. En quelques décennies, un déploiement de représentations et de formes contradictoires, relativement autonomes, atteint le public européen. La circulation de ces motifs orientalistes profite de l’expansion des procédés industriels dans le domaine des productions visuelles. Ces images sont chargées d’affects qui investissent jusqu’ à aujourd’hui nos différents regards. Comprendre la genèse de ces images suppose d’interroger les rapports complexes entre producteurs de formes artistiques et autorités militaires et politiques qui imposent le nouveau cadre colonial en Algérie. La plupart des artistes à qui l’on doit les images les plus fortes dans la culture visuelle du XIXe siècle se sont en effet enrôlés aux côtés des militaires. Il a fallu retracer le parcours des créateurs qui ont rapporté d’Algérie leurs expériences les plus proches du terrain, élaborant des représentations qui appartiennent certes aux fantasmes « orientalistes », mais reposent aussi sur des perceptions de la réalitéMany artists followed the Army of Africa after the conquest of Algiers in 1830. What corpus of pictures did these artists constitute and how did they achieve it? How did these pictures get around? To what extent did they play a role in the formation of the European orientalism during the XIXe century? These are the questions we wanted to answer in this thesis. Between 1830 and 1850 the military and political conquest of the Algerian space comes with the diffusion of textual and visual creations (engravings, drawings, paintings, photographs and sculptures) that shaped the algerian territory. In a few decades, a spreading of contradictory and relatively autonomous representations reached the European public. The circulation of these orientalist features took advantage of the expansion of the industrial processes in the domain of image-making. The affects carried by these pictures influenced our gaze durably, and are still active today. Any understanding of the genesis of these pictures implies a review of the complex relationships between image-makers, and military or political authorities that imposed the new colonial setting in Algeria. Most artists to whom one owes the strongest pictures of the XIXe century visual culture were themselves enlisted among the soldiers. This work argues that it has become a necessity to trace back the path of these artists and image-makers that returned from Algeria with their experiences of the land, elaborating representations that belong without any doubt to the ‘orientalists’ fantasies, but also rest upon a particular perception of reality
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Frangne, Pierre-Henry. "Le statut de la négation dans l'art symboliste français : les modèles philosophiques du symbolisme." Lille 3, 2002. http://www.theses.fr/2002LIL30017.
Full textAbstract:
La thèse est une interprétation philosophique du symbolisme français de la fin du XIXe siècle. A la question "Qu'est-ce qui fait l'unité de ce mouvement artistique?", elle répond : non une théorie unifiée du symbole, mais une théorie de la négation. Cette dernière apparaît sous une triple forme : comme opération logique d'abstraction et de purification ; comme sentiment existentiel malheureux ; comme principe métaphysique (Néant, Rien, Mort). Ces trois figures engendrent la négation comme valeur et comme exigence : celle d'abolir et de manifester l'art et le réel au sein d'une inconsistance fondamentale. Utilisant trois modèles philosophiques principaux (Platon, Schopenhauer, Hegel) afin d'élaborer sa métaphysique et son ontologie négatives, le symbolisme produit différents rouages du philosophique et de l'artistique : au philosophème d'un néoplatonisme surplombant et d'un schopenhauerianisme nourrissant, succède une réelle philosohie symboliste au travail chez Mallarmé
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Jamault, Anne. "Sarah Bernhardt et le monde de l'art." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010521.
Full textAbstract:
Sarah Bernhardt ( 1844-1923) fut l'une des dernières grandes reines du théâtre français. Grâce à sa voix d'or et à son corps androgyne, elle était capable d'interpréter les plus grands rôles. Certains auteurs, du reste, en firent leur actrice fétiche, à commencer par Victor Hugo, Victorien Sardou et Edmond Rostand. Mais son statut de légende vivante, Sarah Bernhardt ne le devait pas seulement à ses mérites dramatiques. Elle a su en effet, au fil des années, se construire une image de femme accomplie tant dans le domaine théâtral (comme auteur, metteur en scène et directrice de théâtre) que dans le domaine artistique (comme muse du symbolisme et de l'Art Nouveau, peintre et sculpteur). Que ce soit en France ou à l'étranger, les plasticiens, les graphistes et les décorateurs ont été fascinés par Sarah Bernhardt: les uns l'ont représentée, les autres ont travaillé pour elle (Eugène Grasset, Alphonse Mucha, René Lalique, Théophile Thomas, Mesplès, Amable, Eugène Carpezat, Philippe Chaperon, Marcel Jambon, Paul Paquereau, Emile Ronsin. . . ). Ce travail s'est donc donné pour but: de démontrer comment Sarah Bernhardt a construit son image et quels artistes se sont intéressés à elle (contemporains ou non); de proposer un catalogue raisonné visant à réunir d'une part, les oeuvres qui la représentent, d'autre part, celles dont elle est l'auteur, et dans une moindre mesure, celles qu'elle possédait.
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Thaon, Bernard. "Les ouvriers de memoire. Culture et imaginaire historiques des architectes au xixe siecle (france, 1760-1920)." Aix-Marseille 1, 1997. http://www.theses.fr/1997AIX10017.
Full textAbstract:
L'objectif de ce travail a ete de rendre compte des styles dits historiques en examinant les rapports que les architectes ont entretenus avec l'histoire au xixe siecle. Une premiere partie s'attache a donner une definition de ces architectes selon deux points de vue : 1, celui des representations, lie a celui des fonctions exercees, dans lequel le discours romantique sur l'artiste joue un role important. 2, celui de l'apprentissage du metier qui passe par le dessin et l'ecole des beaux-arts de paris ou on peut observer un processus d'acculturation. Dans une seconde partie l'examen de quelques problematiques particulieres (notion de local, eglise, hotel de ville) selon l'axe chronologique 1760 - 1920 permet d'observer continuites et ruptures dans la production des architectes : continuites avec la theorie derivee de l'histoire de la cabane, ruptures avec l'arrivee dans le champ de l'architecture, par le biais de la culture historique promue par guizot, du monde de la petite notabiliteThe aim of this work was to give a global explanation of historicism by investigation of the link between architects and history during nineteenth century. In the first part we give an architect's definition by two ways : 1, an image one - link to functional one with the important role of 1830's discourse about artistics. 2, a learning one with the role of drawing and the ecole des beaux-arts at paris, where exist a process of acculturation. In the second part we observe some fields of enquiry (site, church town hall) on the 1760-1920 period, with continuities and breaking. Laugier's theory of cabane on one part and, on the other, the coming of a new historical approach (i. E guizot) in architectural field
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Fartas, Nadia. "Modernité et simplicité : l'art de la nuance. Littérature et arts visuels en France dans la seconde moitié du XIXe siècle." Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0162.
Full textAbstract:
Le propre de la modernité est d'inclure la critique dans ses fondements et de permettre les questionnements autant que le développement des savoirs. La modernité est donc indissociable du mouvement et du changement. Elle implique de nouvelles relations sociales, politiques et culturelles entre le singulier et le collectif, le particulier et l'universel, une complexité dont la littérature du XIXe siècle a su témoigner. Il est néanmoins remarquable que la notion de simplicité soit au centre des préoccupations d'auteurs fondateurs de la modernité littéraire et artistique. Dans les œuvres de Flaubert qui portent sur la modernité, dans les écrits sur l'art de Baudelaire et dans certaines vues urbaines et architecturales, tant littéraires que picturales, dont la série de La Cathédrale de Rouen de Monet, les formes de la simplicité et les notions afférentes permettent de mettre en évidence les formes du changement, afin de composer une esthétique de la modernité fondée sur la nuance plutôt que sur la binarité ou le dogmatisme. Si la simplicité désigne l'indécomposable, la nuance se caractérise en effet par des différences de degrés quasiment indiscernables. L'art de la nuance qui procède d'une réévaluation moderne de la simplicité fait tenir ensemble la défense du beau, la singularité de l'œuvre d'art, l'attention portée au réel, aux savoirs et aux nouvelles temporalités, afin d'éloigner l'esthétisation, c'est-à-dire une conception du beau qui lisse les traits de la modernité. La nuance témoigne ainsi d'une relation inédite entre le visuel et le verbal, le texte et l'image, qui permet de mettre au jour les nouages entre poétique, esthétique et politique au coeur de la modernitéThe peculiarity of modernity is to integrate criticism in its foundations and to allow questions as well as knowledge development. Therefore, modernity cannot be dissociated from movement and change. Thus, it implies a new kind of social, political and cultural relationship beween the singular and the collective, the particular and the universal, a complexity which XlXth literature managed to testify. However, it is noteworhy that the notion of simplicity is at the centre of the preoccupations of founder authors of artistic and literary modernity. In Flaubert's works dealing with modernity, Baudelaire's written works on arts and in urban views, either literary, pictorial or architectural ones, for instance Monet's series of The Rouen Cathedral, the simplicity forms and meanings which are associated to them make it possible to put the forms of change in a conspicuous position in order to make up an aesthetics of modernity based on shade instead of on binarism or dogmatism. If simplicity refers to what cannot be broken down, the main features of shade are, indeed, grade differences which can hardly be detected. The art of shade which originates in a modern revaluation of simplicity holds together the defence of the beautiful, the singularity of the work of art, the attention to reality, knowledge and new temporalities in order to thwart aesthetization, in other words a conception of the beautiful that covers the features of modernity. Thus, shade shows a new relationship between the visual and the verbal, the text and the image, which brings up to date the knotting between poetics, aesthetics and politics at the heart of modernity
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Urmann, Martin. "Resonanzeffekte : zum Verhältnis von Oberfläche und Tiefe in der fin-de-siècle-Kunst." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0005.
Full textAbstract:
La thèse poursuit un double but analytique. Elle fait, d’une part, une contribution à une théorie de la forme, c’est-à-dire de la naissance de formes dans des textures médiales résonnantes ce qui soulève la question esthétique centrale de la relation entre la surface et la profondeur. D’autre part, elle propose une lecture nouvelle de l’art fin-de-siècle basée sur l’analyse d’une série d’œuvres considérées primordiales dans la production artistique de l’époque. Le travail entreprend ainsi une comparaison systématique de l’art fin-de-siècle français et allemand, plus précisément entre les courants communément appelés « décadents » ou « symbolistes » à Paris et à Vienne. Cette comparaison s’effectue à travers toutes les formes d’art – musique, littérature et arts visuels. La préoccupation comparatiste tant historique qu’esthétique a déterminé une orientation du travail autour de l’axe Paris-Vienne, les analyses littéraires y occupant une position majeure. Celles-ci se concentrent sur les œuvres de Joris-Karl Huysmans et de Stéphane Mallarmé, d’une part, et sur celles d’Arthur Schnitzler et de Hugo von Hofmannsthal, d’autre part. À l’amorce de la thèse se trouve un chapitre sur le Prélude à l’Après-Midi d’un Faune de Claude Debussy et la III. Symphonie de Gustav Mahler. Les observations sur la « Untiefe » (« sans fond ») dans la peinture de Gustave Moreau et de Gustav Klimt concluent le travail. De plus, Nietzsche est présenté comme le poète-penseur éminent de l’art fin-de-siècle. À travers la dualité de l’« apollinien » et du « dionysiaque », il découvre, dans la Naissance de la Tragédie, le motif fondamental que cet art varie dans des constellations toujours changeantesThe doctoral thesis “Resonance Effects. Surface and depth in Fin-de-siècle Arts” pursues a twofold objective: on the one hand, it wants to make a contribution to a theory of form, that is a theory of the emerging form in the medial textures in which it gains shape. This raises the central theoretical question of the relation between surface and depth which is considered against the backdrop of the key notion of resonance. On the other hand, the thesis offers a new reading of fin-de-siècle arts based on the detailed analysis of a range of works considered central within the artistic production of the era. The thesis undertakes a systematic comparison of French and German art around 1900, more precisely of the decadent and symbolist currents in Paris and Vienna. This comparison is carried out through all the art forms – music, literature and the visual arts. According to the comparative approach both on the historical and the aesthetic level, the study revolves around the axis Paris-Vienna, the main fields of attention being the literary works of Huysmans and Mallarmé, on the one hand, and of Schnitzler and Hofmannsthal, on the other. These chapters are framed by introductory reflections on Mahler’s Third Symphony and Debussy’s L’Après-Midi d’un Faune as well as the analysis of the paradoxical surface structure in the paintings of Moreau and Klimt concluding the study. Moreover, Nietzsche is presented as the eminent contemporary poet-thinker of fin-de-siècle arts who, in The Birth of Tragedy, outlines the duality of the “Apollonian” and the “Dionysian”. This turns out to be the fundamental motive which appears in all fin-de-siècle art forms in ever changing constellations
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Munck, Olivier. "Le peintre dans le roman du XIXème siècle : histoire des rapports de la littérature et de la peinture, de l'homme et du réel." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040041.
Full textAbstract:
De balzac a proust, les personnages de peintre composent une histoire romanesque de l'art originale qui illustre la relation entre l'homme et le reel. Ce pastiche, considere comme les effets esthetiques, se developpe, empruntant son plan a la comedie humaine, en une tragedie qui efinit les principes et les causes sociaux, physiologiques et philosophiques, regissant le heros et son oeuvre. Guidee par l'hypothese du role essentiel de la peinture dans l'evolution de la perception et de la creation, la comparaison entre la fiction et la realite propose une somme des influences de l'expression picturale sur l'expression litteraire, de celles, reciproques, de ce personnage particulier de roman en roman et sur son propre createur, peignant le rapport du percu et du rendu, de l'ecrit et du lecteurThe painter's figures from balzac to proust compose an original romantic art history showing the relationship between man and reality. Looked on aesthetic effects, this pastiche, from a composition borrowed to la comedie humaine, spreads out a tragedy, firming social, physiological and philosophical principles and causes, rules for the hero as for his art work. The hypothesis relies on the increasing part of painting as essential element in the evolvement of perception and creation. The comparaison between fiction and reality offers a summary of the influences of the pictural expression upon the litterary one, those reciprocal of this peculiar hero, from a fiction to another one, on his own creator, defining the connection between the thing perceived and expressed, the writing and the reader