Dissertations / Theses on the topic 'Antiquités grecques – Céramique'

Les fleurs sur les vases attiques sont avant tout des ornements beaux à regarder. Néanmoins, réduire leur fonction à une simple esthétisation serait une erreur ; ils sont également des agents figuratifs qui épaulent l'architecture du vase tout en façonnant le regard du spectateur. Ils participent à cette opération que les Grecs appellent kosmesis et qui renvoie aussi bien à la parure qu’à la mise en ordre, à l'arrangement. Les motifs floraux ornent aussi une longue série d'objets figurés sur les vases, tels que des vêtements, des armes, des couronnes, des sceptres, des meubles de luxe, des vases et enfin des éléments architecturaux. Ils véhiculent et visualisent la notion de poikilia, celle de kosmos et celle de charis, trois notions qui, lorsqu'elles s'appliquent à un objet, lui assignent l'essence d'un daidalon, d'un agalma. Les motifs floraux participent à la mise en exergue de ces objets et à une meilleure perception de leur portée sémantique. Enfin, les fleurs qualifient très souvent des figures, mortelles ou divines, des liens que celles-ci tissent, qu’ils soient de nature érotique, amicale, familiale ou religieuse mais aussi des manifestations ludiques et festives, telles que les concours athlétiques et musicaux, les banquets, les danses et le mariage. En effet, dans les images attiques, les parures florales, véhicules de sensations visuelles et olfactives, magnifient les figures mais aussi alimentent l’image d' un réservoir de valeurs associées à la charis et à toutes ses déclinaisons incarnées par les trois Grâces hésiodiques, Aglaïè (beauté physique, jeunesse), Thaliè (générosité, faveur et don) et Euphrosynè (allégresse, plaisir des sens)
Although flowers on attic pottery are mainly ornamental motifs, it would be an error to limit their function to a pure aestheticization of the ceramic surface. They are also figurative agents that support the architecture of the vase and, at the same time, shape the spectator's perception of the narrative scene: floral frames and floral motifs floating inside the scene echo and emphasize the action. Ln other words, they participate to the kosmesis, operation that refers to ornament as well as order and arrangement. Floral ornaments appear on Athenian vases but also on abjects depicted in the scenes on Athenian vases, such as drapery, armour, jewellery, sceptres, mirrors, furniture, architectural elements and vessels. They con vey and visualize the notion of poikilia, of kosmos, and that of charis, three notions which assign to ail these luxurious and prestigious objects, the essence of a daidalon, of an agalma. The role of the floral ornaments is to highlight the presence and therefore the significance of these objects inside the image. Nevertheless, flowers do not qualify only objects but also mortal figures and deities, different kinds of relations between erotic partners, friends, family members, humans and gods, and finally festival activities and celebrations, such as athletic and musical competitions, symposia, dances and weddings. In other words, flowers, vehicles of visual and olfactory sensations, magnify figures and, at the same time, supply the vase scenes with a reservoir of values linked to charis and its declinations personified by the three Charites, Aglaia (physical beauty and youth), Thalia (generosity, favour and gift) and Euphrosyne (jubilation and pleasure of the senses)

Durant les dernières années du XIXe siècle, les premières collections de céramiques grecques, étrusques et italiotes sont créées dans les principales facultés des lettres françaises, à Paris, Bordeaux, Lille, Lyon et Montpellier. Bientôt, les facultés de Nancy, Caen et Toulouse en sont également pourvues ; en 1919, après le traité de Versailles, s'ajoute la collection strasbourgeoise. Ces collections sont destinées à accompagner l'enseignement de l'archéologie classique et sont associées à un vaste apparat principalement composé de moulages en plâtre, d'ouvrages, de photographies, de plaques de verre et d'autres type d'antiques originaux, notamment des figurines en terre cuite. Les collections universitaires de céramiques grecques, étrusques et italiotes témoignent d'une active politique menée en faveur de la science française, dès les débuts de la Troisième République. Dès 1875, d'importantes réformes sont prises, qui visent à moderniser l'enseignement supérieur et des subsides plus conséquents sont accordés pour la création et le développement de collections ; dans les mêmes années, l'archéologie classique s'institutionnalise et entre à l'université française. Ces collections prennent place dans les palais universitaires édifiés durant le dernier quart du XIXe siècle, aux côtés ou en marge des moulages. Le principal contributeur de ces collections de céramiques est l'État : les ministres de l'Instruction publique, les directeurs de l'Enseignement supérieur et les directeurs des Musées nationaux successifs, avec l'appui scientifique du musée du Louvre, orchestrent de vastes campagnes de mises en dépôt d'antiques de 1894 à 1923 ; les facultés des lettres françaises en mesure de recevoir de tels envois sont généreusement servies et peuvent ainsi constituer le noyau de leurs antiquaria et présenter des spécimens variés de céramiques antiques. Ces collections ont accompagné l'enseignement archéologique et son ancrage dans le paysage scientifique français, et témoignent de l'affirmation progressive de la science céramographique.Ce travail de recherche porte à la fois sur l'histoire de l'enseignement de l'archéologie et de l'histoire de l'art classiques et leurs méthodes, et sur la constitution, les rôles et la réception d'un pan des collections universitaires, dans le contexte très spécifique de la Troisième République
During the last years of the 19th century, the first collections of greek, etruscan and italiot ceramics were created in the main french faculties of Humanities in Paris, Bordeaux, Lille, Lyon and Montpellier. Then collections were founded in the Universities of Nancy, Caen and Toulouse ; in 1919, after the Treaty of Versailles, the collection of the Strasbourg University became french. Those collections were created to support the classical archaeology teaching et were associated with plaster casts, books, photographs, glass plates and some others archaeological objects such as terracotas. Those greek, etruscan and italiot ceramics collections showed the strong french political action in favour of science during the Third Republic. Since 1875 the french government reformed the higher education system, gave important subsidies to create learning collections ; at the same period, classical archaeology got an academic status as it accesses the university. Those collections were often exposed next to the plaster casts, in the university buildings built during the 25 last years of the 19th century. The french state was the main contributor of the establishment of those archaeological collections : several ministers, higher education directors and national museums directors, helped by the Louvre museum, organised a lot of depositions in favour of the faculties of Humanities from 1894 to 1923 ; thanks to those antiquities, the professors were able to build an antiquarium to show various specimens of greek, etruscan an italiot ceramics. Those collections were usefull for the archaeological and historical teaching. Moreover they were indicative of the progressive assertion of the ceramological science.This study concerns the history of classical archeology and history of art teaching and their methods ; it also concerns the creation, the roles and the reception of a part of the university collections during the Third Republic

L'ile de paros a l'epoque archaique a connu une prosperite relative , attestee par les monuments vus par les voyageurs anciens ou subsistant actuellement, les oeuvres d'art, l'epigraphie, la numismatique et la prosopographie. A ces activites reconnues (colonisation, commerce du marbre) il faut maintenant ajouter au moins le production de ceramique, d'oeuvres en marbre, la fabrication d'objets de marbre, et un certain rayonnement artistique et intellectuel. Les relations avec l'ile de thasos ont ete fortes et etroites.

Cette étude analyse un atelier de céramiques à figures noires à Thasos. L'ile la plus au nord de la mer Égée. L'introduction passe en revue les arguments qui justifient l'étiquette locale. Outre les critères techniques (l'argile, le vernis, le traitement de la surface), ce sont les formes qui permettent le mieux de déceler une spécificité thasienne. Le lékané qui représente 60% des productions se distingue par le décor - sans parallèle dans le monde grec - de la surface de pose du pied. D'autres particularités montrent que ce vase était en partie conçu pour être accroché. Les pinakes, dont la forme en cloche est absolument originale témoignent également de particularismes locaux. Enfin, l'empreinte à l'intérieur d'un vase d'une des plus anciennes monnaies thasiennes constitue un argument décisif en faveur de cette localisation. Le premier chapitre entend définir le style thasien. En tant que style local, il se caractérise par son éclectisme. Des imitations presque littérales, notamment de modèles chiotes et attiques, renvoient à la dimension coloniale d'un style, celui d'une cité des confins qui s'affirme, face au monde barbare, grecque autant que thasienne. Le second chapitre reconstitue la vie concrète de l'atelier. L'étude des mains montre la collaboration d'au moins deux peintres sur plus de trois générations. Une étude du sens du trace permet de repérer des traditions d'atelier dans la technique de décoration des lekanai. Le troisième chapitre précise la chronologie d'un atelier. Actif à partir des années 580 sur plus d'un siècles. À la suite d'une annexe sur les formes, la conclusion insiste sur la contribution qu'apporte l'étude de la céramique à l'histoire de la cité : histoire des échanges, de l'artisanat et de la constitution des styles
This study concerns a workshop of archaic black-figured ceramics in thasos, an island in the north of the egean sea. Why Thasian? no workshop has been revealed through excavations, but technical coherences and specific shapes testifies of the homogeneity of the group. For instance, the decoration of the foot of the lekanai - the favourite shape - has no parallel in the greek world. Furthermore, one of the oldest coin of the city is impressed inside of one lekane. The determination of a thasian fabric allows us to attribute to the same workshop a series very similar to chian models executed in the reserved and in the black-figured style. The first chapter studies the thasian style, as a local style, it can be caracterized by its electism. Some imitations are so closed to chian and attic models than we have to underline its colonial dimension. This city of the borders affirms itself, in front of the barbarian world, as greek rather than as specifically thasian. The second chapter resitues the organisation of the workshop. It appears that at least two generations of painters collaborated during more than three generations. Through the way lekanai were decorated, one can discern workshop's traditions. The third chapter precises the chronology of the workshop, activ during more than a century, from 580 bc. Following an appendix on the shapes, the conclusion insists on the contribution of this study on ceramics to the history of the thasian city in the archaic period

Cette recherche propose de dresser le portrait de la production et de la diffusion des céramiques de style à bandes (waveline) produites en Égée du Nord aux périodes archaïque et classique par le biais de l'étude de matériel inédit recueilli sur sept sites de colonies grecques établies entre le Strymon et le golfe de Maronée et six sites de l'arrière-pays thrace. Elle vise à rassembler, au moyen de données archéologiques et archéornétriques, des informations sur les milieux de production, les réseaux d'échanges et les habitudes de consommation de la clientèle à l'égard de ces céramiques. Le volet archéologique vise d'abord à définir le répertoire des formes, des décors et des pâtes, puis à déterminer l'étendue et le cadre chronologique de la production. Le volet archéométrique porte sur des analyses physico-chimiques en laboratoire (spectrométrie de fluorescence par rayons X) visant à caractériser et à déterminer l'origine de 200 des 540 céramiques recensées. Le corpus est constitué d'échantillons mis au jour sur les sites d'Argilos, de Thasos, de Bergè et de Phagrès, quatre sites de Macédoine orientale. L'inédit de la recherche réside dans l'opportunité qu'elle offre aux archéologues de dater et d'identifier l'origine des céramiques à bandes nord-égéennes, entraînant du coup des répercussions directes sur les discussions portant sur les milieux de production, les réseaux de circulation et les relations interrégionales entre les différents sites étudiés. Considérée dans une perspective de circulation et d'échanges, l'étude des céramiques à bandes contribue à faire progresser l'état des connaissances sur l'histoire économique, culturelle et artisanale du nord de l'Égée entre les VIIe et IVe siècles av. J. -C.

Parmi les rituels de commensalite, le symposion grec occupe une place de choix. La consommation collective de vin s'accompagne de nombreuses rejouissances qui font le bonheur des symposiastes. Musique, danses, amour et kottabe, telles sont les quatre rejouissances representees par les imagiers. Celles-ci evoluent dans des symposia attiques et italiotes quelque peu differents. On note une emprise dominante l'eschatologie dionysiaque dans les scenes produites en italie du sud. Si la musique, la danse et l'amour sont essentiellement des divertissements dispenses par les femmes a une convivialite masculine, le jeu du kottabe est avant tout un divertissement exerce par les convives. Alors que l'imagerie permet de determiner les differentes composantes de ce jeu (vases utilises, gestuelles, joueurs) ainsi que sa symbolique, les textes anciens, la linguistique et l'archeologie ne manquent pas d'apporter leur contribution, completant ainsi le document figure. Ces diverses rejouissances, a la fois terrestres et de l'au-dela, revelent un dionysos funeraire et ludique, maitre du symposion et de son imagerie, garant d'une felicite post-mortem pour les inities. Ceuxci, liberes par le dieu du vin, du symposion et de ses divertissements, accedent aux rejouissances du symposion des bienheureux
Among the rituals of commensality, the greek symposion takes an outstanding position. The collective consumption of wine is accompanied by numerous entertainments. Music, dances, love and kottabos are the four leading entertainments drawn by the painters and are to be found in attic and italiot symposia yet in a slightly different way. The prevailing ascendancy of the dionysiac eschatology can be detected in the scenes drawned in southern italy. If music, dances and love are mainly lavished by women to a male gathering, the game of kottabos is first and foremost played by the symposiasts. While the imagery allows us to determine the different components of the game - vases, gestures, players - and its symbolic system, the old texts, the etymology, the archeology for their part provide a considerable informative contribution, thus completing the figurative document. Theses different entertainments, at once related to life here on earth and to life beyond, reveal a funerary and play dionysus, the master of the symposion and of its imagery, the guarantor of an after death bliss for the initiated. The latter, freed by the wine god are granted access to the entertainments of the symposion of the ones who are blessed

Les typologies techniques et morphologiques sont présentées dans la première partie. Les techniques de façonnage sont variées ; on distingue : le modelage, le montage au colombin, le tamponnage, le moulage et le montage au tour. De même, les différentes techniques utilisées pour le traitement de surface sont nombreuses et variées. Les formes existantes sont limitées : tasse, coupelle, écuelle, plat, pot, amphore, oinochoè, hydrie, petit pithos et support de cuisson. La deuxième partie présente une typochronologie. La série des pots constitue un ensemble homogène dont l’évolution chronologique se reconstitue aisément. En considérant l’addition de plusieurs critères, il est permis d’approcher une précision au quart de siècle. A chacun des ensembles distingués sont attribués certains types de production. Le premier est constitué par la céramique dont le mode de façonnage est le plus simple, il s’agit d’une production hétérogène domestique. Le deuxième groupe fait preuve d’une cohérence technique mais il n’existe pas de série régulière. Les installations et le savoir-faire requis correspondent soit à une production domestique soit à une industrie domestique ou à un atelier individuel. Le troisième groupe correspond à une production standardisée et abondante qui convient à celle d’ateliers organisés ou d’ergasteria. La consommation de la céramique commune est étudiée en fonction de quatre types de contexte : funéraire, domestique, artisanal et cultuel, elle est présente dans chacun de ces contextes mais en quantité variable et avec des formes particulières. Quels que soient les contextes, la céramique commune est essentiellement liée à l’activité culinaire
Technical and morphological typologies are first presented. The techniques of shaping are varied; one distinguishes: modelling, paddle and anvil technique, the moulding and the wheel-thrown. In the same way, the techniques used for the surface treatment are many and various. The existing forms are limited: cup, bowl, dish, pot, amphora, oinochoe, hydria, small pithos and support of cooking. The second part presents a typochronology. The series of the pots constitutes a homogeneous unit whose chronological evolution is reconstituted easily. By considering the addition of several criteria, it is allowed to approach a precision with the quarter century. With each distinguished group certain types of production are allotted. First is consisted the ceramics whose mode of shaping is simplest, it acts of a domestic heterogeneous production. The second group shows a technical coherence but not regular series. The necessary installations and know-how correspond either to a production domesticates or with a domestic industry or an individual workshop. The third group corresponds to a standardized and abundant production which is appropriate for that of organized workshops or ergasteria. The consumption of the coarse ware is studied according to four types of context: funerary, domestic, artisanal and cultuel, it is present in each one of these contexts but in variable quantity and with particular forms, but in any case the coarse ware is primarily related to the culinary activity

Entre 540 et 490 avant J. -C. , deux ‘Grands Yeux’ autour d’un nez, un personnage ou un objet apparaissent sur 2225 vases attiques. Leur sens a fait l’objet de nombreuses hypothèses : la prophylaxie, en se basant sur la coupe comme support le ‘vase-masque’, le ‘vase-visage’ ou miroir, jusqu’à ce que la prise en compte de leur diversité finisse par leur conférer une fonction purement ornementale. Pourtant, en considérant les valeurs de l’œil en Grèce ancienne et particulièrement son caractère actif, puis le fait que près d’un tiers des vases à yeux soient des kyathoi, des skyphoi, des mastoïds, des amphores, des cratères, des hydries, des oenochoés et des lécythes, les différentes thèses sont largement émoussées. D’abord, les jeux de contraste et de colorisation du motif l’insèrent parfaitement dans le climat expérimental des ateliers du Céramique de cette époque. Par ailleurs, les yeux se sont révélés être de véritables opérateurs, capables de structurer l’espace du vase, mais aussi de produire un effet particulier. Ils introduisent, valorisent, dissimulent ou révèlent. Principalement peints sur des vases liés à la consommation de vin du Symposion, ils accompagnent le buveur dans son cheminement vers l’ivresse et le poussent à expérimenter une émotion, qui peut-être conçue comme une liquéfaction ou un envol. Ainsi, avec les figures du satyre, de la ménade, de Dionysos et de Gorgô, les yeux préparent le buveur à la découverte de l’Autre en lui, à une transformation éphémère. Placés entre l’identité et l’altérité, le motif des yeux est symptomatique du bouleversement identitaire qui précède la naissance de la démocratie à Athènes
Between 540 and 490 B. -C. , two ‘Wide-Eyes’ around a nose, a figure or an object appear on 2225 attic vases. The search of their meanings gave us several theories: drunkenness prevention, established on cup as support the ‘mask-vase’, ‘the ‘face-vase’ or mirror, until theirs diversity just implicate an ornamental purely function. Though, as considering eye’s importance in ancient Greece and particularly his active nature, then the fact that approximately one third of the eyes-vases are kyathoi, skyphoi, mastoids, amphorae, craters, hydrias, oenochoes, and lekythoi, various thesis are largely blunt. First, contrasts and colourisations games of pattern insert perfectly in experimental background Keramic’s workshop during this period. Elsewhere, the eyes are revealed real operators, they are able to structure vase’s space, but also to product a particular impression. They insert, promote, hide or reveal. Mainly painted on vases connected with wine consumption during the Symposion, they escort drinker in his progression toward inebriation and lead him to experiment an emotion, is seen as liquefaction or a flight. Therefore, with the satyr figures, or maenad's, Dionysos's and Gorgô's, the eyes prepare the drinker to discover the Other in him, to feel ephemeral transformation. Located between identity and otherness, the eyes pattern is symptomatic of identity’s upheaval which precede the birth of Athens's democracy

Cet ouvrage est composé de trois parties la première, concernant la typologie, comporte trois chapitres : -Définition du terme "skyphos" d' après la littérature ancienne, l'épigraphie et les noms inscrits sur les vases eux-mêmes, -Origine et évolution de la forme, depuis le sub-géometrique jusqu'au début du sixième siècle, -Développement des skyphoi à figures noires et fixation au cours du sixième siècle. Des types principaux la seconde partie est consacrée aux recherches concernant les cinq types principaux des skyphoi archaïques, ainsi que de leur variantes. Elle contient aussi les recherches relatives aux artistes et aux ateliers de l'époque archaïque, menées à l'intérieur de chaque type et appuyées sur des exemples caractéristiques aussi bien du Louvre que des autres musées. L'étude du style intervient chaque fois qu'il est nécessaire, pour saisir l'œuvre d'un peintre ou d'un groupe stylistique et mieux les situer au sein des courants artistiques de l'époque. En outre il nous est apparu préférable de donner un bref aperçu d'une autre forme de vases à boire, les mastoï, à cause de leur relation étroite avec le cinquième type des skyphoi. La troisième partie est composée de quatre chapitres : dans le premier nous établissons une liste de représentations des skyphoi sur des vases archaïques aussi bien à figures noires et rouges. Grâce à ces images nous pouvons être informes sur la manière de tenir le skyphos ainsi que sur son utilisation par ses contemporains le second chapitre précisément concerne l'emploi de ce vase aussi bien dans la vie quotidienne que dans le rituel du culte de certaines fêtes athéniennes; dans le troisième il est question des signatures des céramistes, potiers et peintres, sur les skyphoi archaïques, ainsi que des inscriptions de toute sorte; le dernier chapitre est consacré à l'iconographie des skyphoi archaïques, laquelle, de par la spécificité de la forme acquiert une importance considérable s'insérant ainsi dans le cadre de l'iconographie de la céramique attique a figures noires.

A partir d'une interrogation sur la temporalité dans l'imagerie attique, nous avons finalement abouti a une recherche sur les modes de constructions des images. La thèse est construite en trois parties : la première partie concerne la scène isolée. Nous avons analyse les images synoptiques, ou plusieurs événements sont mêles et avons conclu a une juxtaposition d’éléments pertinents sans temporisation de l'image. Nous avons également pris en compte la juxtaposition dans la figure isolée que ce soit paris ou des personnages hybrides (métamorphoses). Cette procédure d'assemblage d’éléments pertinents est également présente dans des scènes ou des motifs indépendants sont associes. Ceci nous a permis de montrer qu'il n'existe pas de moment détermine en images. La deuxième partie prend en compte le vase dans son ensemble. Nous avons analyse les types de relations entre les différentes scènes d'une même vase. Nous avons montre l’intérêt des peintres pour des recherches formelles de composition, qui réduisent la succession apparente des scènes a un effet secondaire. La troisième partie reprend et développe des éléments mis en évidence dans les premières parties : analyse des éléments (gestes, inscriptions, objets dans le champ, liquide qui s’écoule) qui sont ajoutes a la scène pour en enrichir le sens. La notion d’identité, de l'objet, de la figure, de l'action elle-même est essentielle. Nous avons essaye dans chaque dossier (images mythologiques, rituels, activités sportives par exemple), dans chaque série iconographique, de tenir compte de la chronologie afin de mieux comprendre le problème de la transmission des motifs. Toute image est un montage qui vise a sortir de l'action précise pour atteindre une signification plus générale.

Dans la céramique attique à figures rouges, certains objets sont représentés dans le champ de I'image. Cette particularité de la représentation qui sort du cadre mimétique dans lequel les images grecques ont souvent été enfermées m'a intéressée ; plus largement, j'ai étudie le fonctionnement du système des objets figures dans la peinture vasculaire ou, rappelons-Ie, I'anthropomorphisme est central. Bien que les objets paraissent être des détails de I'iconographie grecque, leur importance doit être rappelée a plusieurs niveaux. Sous I'angle de I'iconographie, ils participent a construire I'espace des images et sous celui de I'anthropologie, ils participent a la construction des identités tant leur existence n'a de sens qu'en rapport aux hommes qui les fabriquent et qui les font fonctionner. Ces deux idées constituent les poutres maîtresses de cette thèse dont la construction s'organise selon ces deux pôles.

Il s'agit d'une étude de la répartition de la céramique laconienne. La distribution des différents types de vases laconiens et son évolution au cours du VIe s. Montre que ses acteurs ont été multiples et changeants. Des liens spécifiques existaient entre Sparte et ses fondations, mais également avec des cités grecques comme Samos. La présence de Laconiens hors de Laconie est possible et les liens de proxenia jouaient un rôle dans ses relations avec d'autres cités comme Olympie et Samos. Ils ont favorisé le déplacement des artisans laconiens et sont probablement à l'origine de commandes ou de productions sur place. La Laconie aurait une image particulière dans le monde grec dont on perçoit les traces dans l'usage des vases laconiens et la prédilection pour certaines formes. Cette image évolue avec l'évolution des cités grecques au VIe s. L'utilisation de la série laconienne dans les mondes indigènes diffère quelques peu et son évolution diffère de celle observée chez les Grecs.

L’alabastre attique est une forme de vase à parfum en céramique produite à Athènes entre le milieu du VIe s. av. J.-C. et le début du IVe s. av. J.-C. L’objet de cette thèse est de présenter une étude globale, inexistante à ce jour, sur l’alabastre attique. En plus d’un examen typologique de la forme, généralement mené dans le cadre de ce type de recherche, nous avons voulu proposer une lecture économique, culturelle et sociale de l’alabastre.

La première partie de cette thèse est consacrée à l’identification de l’origine de l’alabastre et à sa diffusion en Méditerranée orientale. L’alabastre est originaire d'Égypte, où les premiers exemplaires en albâtre se développent à partir du VIIIe s. av. J.-C. Après avoir tracé son évolution morphologique, la thèse met en évidence les diverses régions de la Méditerranée orientale telles que le Levant, la Mésopotamie ou la Perse, où la forme est exportée et copiée, le plus souvent par des ateliers qui produisent des vases en pierre. Cette première partie met également l’accent sur le statut particulier de l’alabastre en pierre en Orient et en Égypte, où il restera longtemps associé au pouvoir royal ou aristocratique. Elle traite enfin de l’apparition de l’alabastre et de son statut dans le monde grec oriental. Ces importations déclenchent une réaction presque immédiate chez les artisans de ces régions qui produisent des alabastres en argent, en verre, en faïence, en ivoire, en bois et en céramique.

La seconde partie de cette étude aborde la production de l’alabastre attique en céramique qui s’étend du VIe s. av. J.-C. au début du IVe s. av. J.-C. Un premier chapitre est consacré à l’étude de son introduction dans le répertoire formel au milieu du VIe s. av. J.-C. par l’atelier d’Amasis et aux inspirations probables de cet artisan. Cette section s’est également penchée sur le difficile problème des phases de la production et de l’organisation interne des différents ateliers. Pour ce faire, nous avons élaboré une méthode d’analyse basée à la fois sur l’examen minutieux du travail du potier grâce aux variations dans les profils des vases et sur les données obtenues par les études ethno-archéologiques pour tenter de différencier les alabastres produits au sein d’ateliers différents et d’identifier, quand cela s’avérait possible, différents potiers au sein d’un même atelier. Cette étude formelle a distingué trois phases différentes de production qui présentent des caractéristiques typologiques distinctes. L’examen de l’organisation interne des ateliers a également mis en évidence les caractéristiques morphologiques des vases et a identifié les potiers les plus importants. L’examen attentif des pièces céramiques a permis de regrouper au sein d’un même atelier des artisans dont les liens étaient jusqu’alors insoupçonnés. Enfin, la deuxième partie se clôture par une analyse de la carte de distribution des alabastres attiques

La troisième partie de ce travail porte sur la fonction et les différents usages de l’alabastre sur base des sources littéraires, épigraphiques, iconographiques et archéologiques. Cette section se penche plus particulièrement sur l’identification des utilisateurs privilégiés des alabastres. En effet, de nombreuses études lient, de manière presque systématique, l’alabastre au monde féminin. Ce propos mérite d’être nuancé car, si le vase apparaît à maintes reprises dans des contextes féminins tels que ceux de la toilette et de la parure, il ne constitue pas exclusivement un symbole du monde des femmes. Cette troisième partie met en évidence le fait que l’alabastre est également utilisé dans un grand nombre d’autres contextes, notamment rituels, et représente souvent un symbole de luxe et de raffinement à l’orientale.
Doctorat en Histoire, art et archéologie
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Cette thèse doctorale constitue une enquête éminemment céramologique, prenant pour cadre historique le phénomène de la « protocolonisation » grecque en Italie méridionale, et plus particulièrement dans une région du littoral ionien. Elle prend en considération la céramique auparavant considérée et dite « commune », classe de matériel aux contours incertains et à la définition particulièrement fluctuante. En effet, contrairement à la production fine indigène décorée ou à celle produite localement par des migrants Grecs, dont les formes et les motifs décoratifs sont nettement identifiables, la céramique commune, qu’elle soit de production hellénique ou indigène, apparaît comme une classe relativement peu étudiée et fonctionnellement hétéroclite.Il s’agit ici d’étudier et d’approfondir les perspectives théoriques, conceptuelles et anthropologiques, autour de cette céramique caractérisée notamment par des critères techniques et esthétiques, à savoir une facture de moyenne voire de mauvaise qualité, des formes relativement simples et achromes, et une polyvalence théorique à définir ; et d’autre part de proposer un catalogue typochronologique et contextualisé du matériel en céramique fine achrome de l’Incoronata, excluant de facto la céramique a impasto et es très grands conteneurs.Il conviendra évidemment de multiplier les confrontations en s’intéressant d’une part, à tous les types de contextes, grecs, indigènes ou mixtes, fouillés dans le Métapontin et la Siritide, mais également en élargissant le cadre géographique de l’enquête à toute l’Italie méridionale, voire au-delà
This doctoral thesis constitutes an eminently ceramological investigation, within the historic background of the henomenon of the Greek «protocolonization» in Southern Italy, more particularly in the Ionian coast district. This survey takes into consideration the ceramic previously treated and said as «plain ware», class of material which outlines and definition are uncertain and particularly fluctuating. Indeed, contrary to the indigenous fine ware production or to the local greek production, among whom the forms and the ornamental motives are clearly recognizable, the common ceramic, whether it is of greek or indigenous production, appears as a class relatively little studied and functionally heterogeneous.Here we aim to study and to deepen the theoretical, abstract and anthropological perspectives, around this ceramic traditionally characterized by technical and esthetic criteria: namely a poor quality average, relatively simple forms and achromy, and a polyfonctionality to be defined; on the other hand we’ll try to propose a typo-chronological and contextualized catalog of the achromic ceramic material from Incoronata, excluding de facto the impasto class and the major containers.Obviously, it will be advisable to multiply the confrontations by being interested on one hand, to all the types of contexts, Greek, native or mixed, between the Metapontino and the Siritide, but also by widening the geographical frame to the Southern Italy and even beyond

Ce travail sur les céramiques de cuisine est centré sur trois sites issus de cités-mères différentes, d’un environnement géographique distinct et discontinu, et en contact avec des populations variées : Marseille, Mégara Hyblaea et Apollonia du Pont. L’objectif n’est pas d’obtenir une vision globalisante de la cuisine grecque du VIIe au IVe s. av. J.-C., qui serait réductrice, mais de réaliser une analyse comparative pour évaluer la nature des relations liant les colonies grecques entre elles, et celles-ci aux communautés avec lesquelles elles sont en contact. Il s’articule en trois parties distinctes et complémentaires. La première pose les bases en replaçant ce travail dans son contexte historiographique tout en précisant la méthodologie adoptée ; une large part est consacrée à caractériser la fonction, les usages, les procédés culinaires et la terminologie de chaque forme, en croisant les sources : texte, iconographie, coroplastie, ethnographie et archéologie. La deuxième partie développe l’analyse typo-chronologique des céramiques grecques de cuisine depuis la préparation des aliments jusqu’à leur cuisson, incluant divers dispositifs et ustensiles. Enfin, la troisième partie met en évidence, par une analyse diachronique intrinsèque, le faciès culinaire propre à chacune de ces trois colonies et son évolution au regard des phénomènes d’interactions culturelles entre les sociétés préromaines. Cette approche permet de révéler, dans un cadre culturel commun aux Grecs, une certaine discontinuité des comportements alimentaires perceptibles dans le monde grec colonial, variable selon l’échelle (locale, régionale, interrégionale) et le contexte socio-économique considérés
This work on the kitchen ceramics is focused on three sites from different mother cities, a distinct and discontinuous geographic environment, and in contact with diverse populations: Marseille, Megara Hyblaea and Apollonia Pontica.The goal is not to get a holistic view of the Greek kitchen from the 7th to the 4th century BC., which would be reductive, but a comparative analysis to evaluate the nature of the relationship between the Greek colonies each other, and these with the communities with which they are in contact.It is divided into three distinct and complementary parts. The first lays the foundations by placing this work in its historiographical context while specifying the methodology adopted; a large part is dedicated to characterize the function, uses, culinary processes and terminology of each shape, by crossing the sources (text, iconography, coroplasty, ethnography and archaeology).The second part develops the typo-chronological analysis of the Greek kitchen ceramics from the preparation of the food to its cooking, sometimes using various devices and utensils. Finally, the third part highlights, by an intrinsic diachronic analysis, the culinary faciès for each of these three colonies and its evolution due to multiple phenomena of cultural interactions between the pre-Roman societies.This approach allows to reveal, in a common cultural framework to the Greeks, a discontinuity of the perceptible eating behaviours in the Greek colonial world, varying according to the scale (local, regional, interregional) and the socio-economic context considered

Héraclès est une des figures les plus importantes dans la littérature et l’art de la Grèce ancienne et il est le sujet d’une vaste geste aussi complexe que variée. Celle-ci est développée dans les traditions orales et retranscrite dans les textes, ainsi que largement mise en image. Héraclès est énormément représenté dans la céramique attique, qui constitue un support polysémique, rendant toutes les variations que permet sa figure complexe. Déjà la nature d’un vase est susceptible de regards variés, allant de la simple réception jusqu’à une pensée plus élaborée, suivant les occasions et la culture des spectateurs. De plus, Héraclès est le seul personnage de la mythologie grecque à posséder une nature aussi ambiguë, de héros et de dieu. Les imagiers grecs ont donc adapté, sur divers supports, de l’architecture jusqu’aux céramiques, un nombre important de ses exploits, mettant en lumière telle ou telle qualité, souvent en fonction de la nature de l’épisode suscité. Naturellement, le contexte particulier d’une cité, de la situation politique de l’époque et de l’objet en question sont autant de données qui entrent dans l’interprétation des images d’Héraclès aux périodes archaïque et classique de l’Antiquité grecque
Herakles is one of the most important figures in the literature and art of ancient Greece, and he is the subject of a huge mythology as complex as varied. Herakles’ story is developed in the oral traditions and transcribed in the texts, as well as widely put in image. He is profusely represented in attic ceramics, which constitute a polysemic support, making all the variations that allow his complex figure. First, a vase could be seen in differents ways and views : from a simple reception to a more elaborate thought, according to the abilities and the culture of the spectators. Then, Heracles is the only character in Greek mythology who has such an ambiguous nature, of heroes and gods. So the Greek artists have adapted, on various media, from architecture to ceramic, a large number of his deeds, highlighting one quality or an other, depending on which episode is represented. Obviously, in order to interpreting the image of Herakles in the archaic and the classical periods of Greek antiquity, the particular context of a city, the political situation and the object must all be considered

L’étude du corps offre un angle d’approche privilégié pour appréhender les représentations théâtrales comiques de l’époque classique à Athènes et en Grande Grèce. Seule une analyse croisée des sources textuelles et iconographiques permet de faire toute la lumière sur la manière dont le corps comique était mis en scène, perçu et imaginé. Les conclusions de la thèse reposent en particulier sur la confrontation des comédies grecques du Ve et du IVe siècle av. J.-C. et de la céramique italiote à sujet comique, entre lesquelles elle établit un lien étroit. Le premier chapitre est consacré à la présentation des corpus et à leur mise en relation. Le deuxième décrit les aspects matériels du costume comique. Les troisième et quatrième portent sur la sémiologie du costume : sont d’abord étudiés les codes propres au genre, puis les éléments qui concourent à la caractérisation sociale et morale du personnage. Le cinquième et dernier chapitre traite de la fonction dramatique du geste comique
Analysis of the body provides an effective means of capturing comic performances in classical Athens and Magna Graecia. Textual and iconographic sources ought to be considered together to shed light upon the staging of the comic body as it was perceived and imagined. In particular, the conclusions of this work are based upon the comparison of Greek comedies from the 5th and 4th centuries B.C. and South-Italian vase-paintings of comic subjects. The first chapter presents the two corpuses and the questions raised by their comparison. Chapter two describes the material characteristics of the comic costume. The third and fourth chapters focus on the semiotics of the costume ; the signs of the genre are treated first, followed by a discussion of the social and moral characterization of the personages. The final chapter pertains to the dramatic function of the comic gesture

De la céramique italiote du IVe siècle av. J.-C., qui reprend et adapte certains épisodes du cycle d’Achille particulièrement liés à l’univers funéraire (Néréides apportant les armes d’Achille, mort de Troïlos, mort de Penthésilée etc…), en insérant dans les scènes figurées des éléments de la culture locale, au mobilier funéraire étrusque (Tombe François, urnes, sarcophages peints et sculptés), en passant par les miroirs et les cistes prénestines des périodes classiques et hellénistiques, l’existence d’une codification et d’une transmission des schémas iconographiques est clairement visible entre les différentes cultures. Au Ier siècle av. J.-C. et au Ier siècle ap. J.-C., certains épisodes du cycle d’Achille continuent à peupler le répertoire figuré, d’autres disparaissent ne correspondant plus aux nouvelles aspirations des commanditaires et d’autres apparaissent, incarnant des valeurs propres à la culture romaine. A Rome, les sources écrites nous informent sur la présence d’Achille dans la sphère publique (temple de Neptune et Saepta Julia). L’usage de la copie et de la diffusion d’un chef-d’œuvre tel le groupe d’Achille et Chiron, s’insèrent dans une volonté d’imiter l’Urbs, centre du monde méditerranéen. Les peintres renouvellent le répertoire iconographique du cycle d’Achille en créant deux épisodes : la Découverte d’Achille à Skyros et Thétis dans les forges d’Héphaïstos. Ces deux épisodes trouvent un grand succès à Rome (Domus Aurea) et sur les parois des demeures pompéiennes et permettent à la figure d’Achille de se détacher du cycle troyen. Ainsi, le héros grec devient grâce aux adaptations stylistiques et techniques des peintres romains le symbole de la paideia tout en conservant son caractère héroïque
The italiote ceramic the fourth century B. C., which incorporates and adapts some episodes cycle Achilles particularly related to posthumous glorification (Nereids bringing the arms of Achilles, Troïlus death, death of Penthesilea, etc…) by inserting the figurative scenes elements of the local culture, in Etruscan funerary (François Tomb, urns, sarcophagi carved and painted) through mirrors an prenestines cysts, Classical and Hellenistic periods, the existence of a consolidation and a transmission of iconographic patterns with clearly visible between different cultures. The first century B. C., and the first century A. D., some episodes of Achilles cycle continue to populate the figurative repertory, others dissapear no longer corresponded to the new aspirations sleeping partners while others appear embodying specific Roman culture values. In Rome, written sources inform us about the presence of Achilles in the public sphere (Temple of Neptune and Saepta Julia). The use of copy and distribution of a masterpiece such as Achilles and Chiron group, are part of a desire to imitate the Urbs, the center Mediterranean world. Painters renew the iconography of Achilles cycle by creating two episodes: The Discovery of Achilles in Skyros and Thetis in the forges of Hephaestus. These two episodes are a big success in Rome (The Golden House) and on the walls of Pompeian houses and allow the figure of Achilles to detach from the Trojan cyle. Thus the Greek hero becomes through stylistic and technical adaptations of Roman painters symbol paideia while maintaining his heroic character

Cette thèse doctorale porte sur les lieux et les processus de fabrication de la céramique dans le Golfe de Tarente entre les VIIIe et VIe av. J.-C. Le sujet a été abordé par une analyse archéologique des vestiges des installations actuellementconnues. L’enquête prend pour cadre historique le phénomène « précolonial », au sein duquel il est possible d'évaluer les éventuels changements opérés dans l'artisanat potier au moment de l'arrivée de groupes grecs sur les côtes méridionales de l'Italie. Le cadre géographique choisi permet de proposer un modèle de fonctionnement des espaces productifs à l’âge du Fer.Dans ce contexte, le site de l'Incoronata trouve une place particulière en raison de l'important atelier de potiers qui y a étémis au jour, et qui couvre chronologiquement deux siècles d’occupation du site (VIIIe-VIIe s. av. J.-C.), caractérisé parune première phase oenôtre suivie d'une seconde à caractère « mixte », gréco-indigène.Ce travail reprend la documentation complète d'un site archéologique pour exposer une véritable méthodologie d'investigation des espaces artisanaux de l'âge du Fer et de l'époque archaïque, depuis les fouilles anciennes jusqu'à l'analyse contextuelle minutieuse des structures et de l'ensemble de leur mobilier. Ces deux derniers aspects ont toujours été considérés de manière indissociable. Cette analyse fine, à laquelle participent des méthodologies empruntées à d'autres champs disciplinaires – dont le protocole d'étude a parfois été « réinventé » –, permet de proposer une reconstitution de l'organisation topographique et fonctionnelle des ateliers et de restituer le processus de fabrication de la poterie. Elle suggère, en outre, une lecture partiellement nouvelle des modalités de contacts entre indigènes et Grecs le long de la côte ionienne de l'Italie du Sud, notamment à travers l’emploi de la notion de la circulation des artisans
This doctoral thesis deals with the sites and different stages of ceramic production in the Gulf of Taranto between the 8th and 6th centuries B.C. We propose an integrated analysis of the archaeological remains of workshops.The historical framework of this work relates to the « precolonial » phenomenon, which can exhibit possible changes inpottery craft at the time of the arrival of Greek groups on the southern coasts of Italy. Furthermore, we propose a model forthe spatial dynamics of production within this specific geographical framework during the Iron Age.This research focus on the important pottery workshop excavated in the Incoronata site, which is associated with multipleoccupations that cover two centuries of occupation (8th-7th B.C.), with a first Oinotrian phase and a second « mixed »Greco-indigenous cultural phase.This work represents a complete documentation of the site, including archaeological features and the associated artefacts,which is part the thorough methodology used to investigate craft spaces from both Iron Age and archaic period. We thereforepropose a spatial analysis of pottery production involving the reconstruction of topographical and functional aspects ofworkshop organization as well as technical characteristic that are part of the process of pottery production. Eventually, weconsider the mobility of craftsmen along the Ionian coast of southern Italy and advocate for new interpretations of culturalcontacts between indigenous natives and Greeks in the region