Dissertations / Theses on the topic 'Anniversaires de naissance dans la littérature'

Cette thèse examine les modalités de l'apparition de la mélancolie dans la littérature vernaculaire de la fin du onzième siècle jusqu'à la fin du treizième siècle. Elle possède deux buts principaux : définir les caractéristiques d'une mélancolie " littéraire " et examiner les relations entre l'héritage médical et discours littéraire afin de décrire une émancipation progressive du discours poétique de l'enseignement scientifique. Dans une première partie, la thèse présente une analyse sémantique des dérivés vernaculaires du latin Melancholia ; dans une seconde partie, elle part des archétypes fondamentaux de la folie et de la diversion mélancolique pour décrire les spécificités d'une mélancolie littéraire. La dernière partie de ce travail décrit les diverses manières de guérir la mélancolie : les solutions médicales, bien sûr, et les conditions d'une " clinique littéraire "<br>This thesis examines the ways of the rise of the melancholy in the vernacular literature from the end of the 11th century till the end of the 13th century. It has two mains goals: definiting the specifications of a “literary” melancholy and examining the relationship between the medical heritage and a literary discourse in order to describing a progressive emancipation of the poetic discourse from the scientific teaching. In a first part, the thesis presents a semantical analysis of the vernacular by-products of the latin word Melancholia; in a second part, it starts from the two very importants archetypes of madness and melancholical distraction to describe the particularities of a literary melancholy. The last part of the work describes the several ways to cure the melancoly: the medical solutions, of course, and the modalities of a “literary clinic”

L'objet de ce travail est de clarifier la genese de l'essai et sa specificite en tant que genre litteraire. En se referant aux premiers essayistes de l'histoire litteraire, montaigne et bacon, on cherche a relever l'inspiration novatrice, les sources possibles et les premieres manifestations concretes du genre. Notre premiere partie examine le sens du mot "essai" et propose d'en apprehender les origines en remontant jusqu'a l'antiquite classique et a la chine de lao-tseu pour arriver ensuite a la source plus contemporaine qu'est la litterature de la renaissance. La deuxieme partie considere la phase effective de la naissance de l'essai: les differents points declencheurs qui ont pu motiver l'acte d'ecrire chez les deux precurseurs. Ces elements prennent l'aspect d'un defi a la rhetorique traditionnelle et d'une pratique de l'intertextualite. La nature et la forme des essais chez montaigne et bacon seront successivement analysees. Bien que les deux ecrivains partent d'une meme perspective de subjectivite, leurs oeuvres montrent deux modalites differentes : un monde de raisonnement lucide de l'essai formel et un monde de l'introspection propre a l'essai personnel. Pour conclure, l'etude met en question l'identite generique de l'essai, ne d'ailleurs du refus meme de tout systeme, en vertu d'une heterogeneite inouie qui empeche toute classification stable. La singularite du statut litteraire de l'essai, statut eminemment variable et conditionnel, resout pourtant le paradoxe de son identite et ouvre la voie a une interpretation plus vaste de la litterature.

Cette étude élargit le champ de la recherche sur l’écriture féminine algérienne contemporaine au moyen de la théorie de l’agentivité révisée au contact d’un corpus polymorphologique composé d’essais, de recueils de nouvelles et de romans. Si les études sur la francophonie et les littératures francophones ont suscité récemment un intérêt croissant, il n’existait guère jusqu’à aujourd’hui d’étude d’une ampleur significative sur les stratégies employées par les écrivaines algériennes depuis les premiers écrits d’Assia Djebar jusqu’aux récits récents de Nina Bouraoui. L’objectif principal de cette thèse est de mettre au grand jour les stratégies que Djebar, Sebbar, Bey et Bouraoui déploient pour positionner la femme comme agent et sujet de son discours. En outre, l’étude cherche à cerner la manière dont elles se démarquent à l’intérieur du champ littéraire algérien. Pour ce faire, l’approche agentiviste proposée par Havercroft a été revisitée. Alors que Havercroft propose une analyse à deux volets (l’agentivité extratextuelle et intratextuelle), cette étude s’appuie sur une approche à quatre volets permettant de mieux examiner la relation étroite entre les écrivaines, le milieu socioculturel et le champ littéraire. Les quatre volets consistent en une étude de l’agentivité extratextuelle, transtextuelle, interdiscursive et intratextuelle. Le premier volet traite des conditions de publication, des effets de la publication, et du lien entre le vécu, l’autobiographie et le texte. Le deuxième volet, dans une optique genettienne, examine les occurrences textuelles telles que le paratexte, l’architexte et l’intertexte. Le rôle de l’Histoire/histoire et le reversement des discours dominants, notamment la subversion du discours colonial contemporain et la remise en question du discours patriarcal, font l’objet d’un troisième volet. Enfin, le dernier volet met en relief des choix thématiques, l’onomastique des personnages féminins, le choix de vocabulaire et la voix narrative. L’analyse textuelle renforce l’aspect théorique de la thèse en ce qui concerne la constitution d’un sous-champ littéraire algérien au féminin. En tenant compte des théories de Bourdieu quant à la capacité des agents sociaux à avoir un impact sur la production culturelle ainsi qu’à sa définition du concept de l’habitus, et de celles d’Isabelle Boisclair (2004) sur le processus constitutif d’un sous-champ au féminin, il est possible de proposer l’existence d’un sous-champ algérien au féminin. Cette thèse ouvre ainsi une nouvelle perspective sur l’histoire littéraire algérienne contemporaine. D’une part, elle montre que la naissance de la femme-sujet a eu lieu bien avant l’Indépendance algérienne et, d’autre part, elle définit les paramètres perméables et changeants dans lesquels s’épanouit la femme algérienne agente.

Après une entrée remarquée dans le paysage littéraire soviétique du début des années 60, Vladimir Voi͏̈novitch s'est forgé, dans La vie et les aventures singulières du soldat Ivan Tchonkine, une notoriété d'écrivain satirique, complétée d'une image d'ardent polémiste acquise après la publication de Moscou 2042. Suivant la démarche de la sociologie des textes, une réflexion est menée afin d'amender cette réception partiale et partielle par la définition de la position de l'écrivain dans le champ culturel de 1961 à 1986 ainsi que par l'examen des stratégies adoptées par l'écrivain dans son projet littéraire fondé sur l'application différenciée des schèmes de l'humour et de l'ironie, et orienté vers la recherche d'un espace littéraire autonome<br>After marking an outstanding entry into the soviet literary landscape at the beginning of the sixties with Soldier Ivan Chonkin's life and singular adventures, Vladimir VOINOVICH became a notable satirical writer. After publishing Moscow 2042 he acquired the additional reputation of a brilliant polemicist. By following the approach of the sociology of literature this study has been carried out to amend this biased and partial vision through the definition of the author's position in the cultural and literary fields from 1961 to 1986. The analysis of the writing strategies applied by the author to his literary project will emphasise the differential application of the humour and irony schemes oriented toward the research of an autonomous literary space

Notre étude tend à montrer que le personnage du Grand Inquisiteur, qui fait aujourd’hui partie de notre imaginaire collectif, a pris racine dans les représentations littéraires du XIX ème siècle en France, nourries de l’anticléricalisme des Lumières et des romans gothiques. Les romantiques, rompant avec la tradition antérieure, qui représente les inquisiteurs comme des hypocrites, utilisant leur fonction pour satisfaire leurs bas instincts, inventent ce mythe moderne, en mettent en scène un personnage profondément sincère, persuadé de sauver les âmes en torturant les êtres. Ce postulat de sincérité, rendant l’Inquisiteur contradictoire, fait de lui un personnage complexe, défiant toute logique de caractérisation. Le Grand Inquisiteur permet aussi d’exprimer indirectement les angoisses provoquées par la Terreur- ce que prouve l’analogie récurrente, à l’époque, entre jacobins et inquisiteurs. Evoluant dans sa caractérisation, cette figure devient, plus qu’une référence à un pouvoir archaïque, un miroir du pouvoir contemporain- de ses méthodes de coercition comme de son rapport au divin- jusqu’à devenir, au XXème, le symbole du totalitarisme<br>The birth of the Great Inquisitor, appearance and metamorphoses of a modern myth in the XIXth century. My work sets out to demonstrate thet character of the Great Inquisitor, nowadays vivid in our collective imaginary, was created by the Romantics- inspired by the XVIIIth century philosopher’s and gothic novels anticlericalism. Away from the former tradition, in which inquisitors were seen as hypocrits, taking advantage of their function to satisfy their primary instincts, this modern myth represents a deeply sincere character, convinced to save his victims’ souls by torturing them. Thanks to such contratictory characterization, the Great Inquisitor becomes a complex, oxymoric, and fascinating figure- which turns out to be a way to express, indirectly, the issues related to the ambiguous memory of the Terror, during the French Revolution. Such statement can be demonstrated as soon as we consider how often, at this period, jacobins are compared to inquisitor. The Great Inquisitor keeps on evolving throug the XIXth century, and beyond showing an archaic form of government, turns into a reflection of modern authority- in his coercitive methods, as well as in his link to God- until it becomes, in the XXth century, a symbol for totalitarism

Avant que naisse en Occident la figure de l'arbre généalogique, la langue latine compare déjà la famille à un arbre. La lignée est une stirps, "souche, tronc, ou plante", ses descendants en sont les "rejets" ou "rejetons", stirps, suboles, propago, ou la "semence", semen, satus. Son développement est décrit dans les termes de la multiplication des végétaux : "marcotter", propagare, "recéper", recidere, "greffer", inserere. L'adoption, dans laquelle la dimension juridique de la dimension juridique de la filiation se manifeste avec le plus de clarté, est parfois désignée en termes de "greffe". Alors que la filiation humaine relève, quelle que soit la société considérée, d'un système qui n'est pas réductible à la reproduction biologique, les images végétales tendent paradoxalement à présenter l'institution sociale comme un fait de nature. Malgré leur caractère de lieu commun, ces métaphores véhiculent une conception de la filiation fortement orientée. Alors que se développe très tôt à Rome une filiation complémentaire en ligne maternelle, le discours "végétalisant" pose comme un idéal la structure patrilinéaire du groupe de filiation, dans lequel chaque individu ne reçoit son identité que de l'ensempbe, dont il est le représentant provisoire. Les métaphores végétales établissent une limite stricte entre les membres légitimes d'une lignée et ceux qui n'y sont pas intégrés. Cette frontière se reproduit à une échelle sociale plus large, puisque les mêmes métaphores permettent de distinguer les membres de la nobilitas, dotés d'une stirps, et les autres, qui en sont privés. De cette façon, l'ordre observé dans la nature vient légitimer l'ordre social<br>Before the image of the genealogical tree became common in the West, Latin language already compared the family to a tree. Lineage is described as a stirps (a stump, trunk or plant). Descendants are called "offspring" (stirps, suboles, propago) or "seed" (semen, satus). Family develoment is described in vegetal terms : to layer (propagare), to prune (recidere), to graft (inserere). Adoption - the process of establishing a legal family unit comprising members who are not biologically related - is sometimes referred to as grafting (insitio). Across societies, human lineage is established by a system not limited to biological breeding. Paradoxically, vegetal images are used to describe social units as elements of nature. Despite their common use, these metaphors convey a strongly ideological conception of lineage. While early Roman texts show the existence of a complementary maternal filiation, the vegetal representation focuses primarily on patrilinear descent and corporate group. Individuals receive their identity from the group ; they also serve as temprary representatives of the lineage to outsiders. Vegetal metaphors establish a strict boundary between legitimate members of a lineage and those who are not included in it. This border is extrapolated to society at large. The same metaphors distinguish between members of the nobilitas who are endowed with a stirps and those who are not. Therefore, the order observed in nature is used as a model for legitimising social order

André Pézard (1893-1984) est reconnu pour être l’un des plus grands italianistes du vingtième siècle : il a traduit, à lui seul, les Œuvres complètes de Dante et a activement contribué au développement et à la réception de l’italianisme en France. En marge de ses activités professionnelles et universitaires, du lycée d’Avignon au Collège de France, les archives mettent en évidence qu’il était aussi un écrivain et ce, dans sa pratique personnelle quotidienne tout au long de sa vie. Rescapé de la Grande Guerre, le jeune homme va tenir, de 1919 à 1921, en arrivant à Avignon où il va occuper son premier poste d’enseignant, un journal personnel dans lequel il manifeste sa progressive réadaptation à la vie civile. Quelle trace André Pézard a-t-il voulu laisser en rédigeant le Journal d’Avignon ? Quelle fonction lui assignait-il au quotidien ? Si le jeune diariste ne fait jamais clairement état d’un projet de publication de son contenu, certaines lignes de force tendent à nous convaincre que ce journal, au même titre que l’ensemble de ses archives, assume une fonction de laboratoire dans lequel il va puiser les matériaux et l’inspiration en vue d’un ou de plusieurs projets éditoriaux envisagés. Après avoir publié un premier témoignage de l’expérience directe de la guerre, Nous autres à Vauquois en 1919, André Pézard comptait-il, à terme, écrire une deuxième autobiographie ? Envisageait-il une production littéraire qui visait à transmettre une expérience personnelle ou un patrimoine culturel donné ? Le Journal d’Avignon qui atteste d’une écriture aux multiples facettes n’a pas livré tous ses secrets. Nos recherches et nos analyses démontrent qu’André Pézard n’a finalement pas pris la voie de l’écriture officielle et n’a pas publié son journal avec les productions narratives qu’il contenait. Les activités de l’italianiste ont probablement rendu secondaire l’envie en Pézard de devenir écrivain<br>André Pézard is well known for being one of the most important italianists of the twentieth century: he translated the Complete Works of Dante alone and played an active part in the development and reception of italianism in France. Besides his professional and academic activities, from teaching in Avignon Secondary School to the Collège de France, the archives prove that he was also a writer in his personal and daily practice. A survivor of the First World War, from 1919 to 1921, the young man kept a personal diary in which he wrote about his progressive readjustment to civil life, during his first teaching job in Avignon. Which literary record did he want to leave by writing the Journal d’Avignon? Which function did he assign to his personal diary in daily life? If the young diarist never clearly planned to publish his work, some key elements lead us to believe that, as for his whole archives, this diary became a laboratory from which he would draw material and inspiration in order to write. After publishing a first testimony of the direct experience of war, Nous autres à Vauquois, in 1919, did André Pézard intend to write a second autobiography? Did he contemplate a literary production that could aim at transmitting a personal experience or a cultural heritage? The Journal d’Avignon, which attests to the variety of Pézard’s writing, did not give away its secrets. Our research and analysis prove that André Pézard finally did not take the path of official writing and did not publish his diary and the narrative productions it contained. The activities of the italianist probably put Pézard’s wish to become a writer on a secondary level

Cette thèse est consacrée à la réception chinoise des œuvres de Marguerite Duras, plus particulièrement à un phénomène littéraire inédit : le lien entre la réception de L’Amant et la naissance de l'autofiction chinoise. À partir de ce phénomène, nous émettons l’hypothèse selon laquelle L’Amant a joué un rôle fondamental dans l’émergence de l’autofiction chinoise. Notre démarche s’appuie sur la réception générale de L’Amant en Chine ; après avoir mis en relief le lien étroit entre L’Amant et l’éventuelle autofiction chinoise, nous réalisons une analyse concrète et détaillée sur deux autofictions chinoises et nous procédons à l’établissement générique de l’autofiction chinoise à l’aide des critères déterminant l’autofiction française. À la fin de notre étude, nous abordons un fait littéraire existant en Chine comme en France : ce sont les femmes écrivains qui se consacrent en plus grand nombre à la pratique de l’autofiction. Nous cherchons à déterminer la raison de ce fait<br>This thesis is dedicated to the Chinese reception of Marguerite Duras’publications, and more specifically to the following never before seen literary phenomenon : the bond between the reception of The Lover and the birth of the Chinese autofiction. Based on this phenomenon, we’ve put forward the hypothesis that The Lover has played a fundamental role in the emergence of the Chinese autofiction. Our process relies on the general reception of The Lover in China, therefore, after putting into focus the bond between the latter book and the hypothetical Chinese autofiction itself, we continue with the production of a thorough and concrete analysis on two Chinese autofictions, before proceeding to the generic establishment of the Chinese autofiction as a literary genre by basing ourselves on the criteria determining its French counterpart. At the end of our study, we address a literary fact existing both in China and in France : it is women writers who devote themselves in greater numbers to the practice of autofiction. We seek to determine the reason for this fact

Même si la notion d'un théâtre queer se développe aux Etats-Unis à partir des années 1990, elle est dépositaire d'un héritage remontant au début de ce siècle. En effet, la figuration de l'homosexualité sur les planches a suivi une histoire ponctuée par la censure morale et légale, révélatrice des tensions de la scène. La critique queer, fondée sur une intertextualité théorique, interroge les sédimentations catégorielles de la sexualité, du genre, de la race et de la classe ainsi que leurs relations. Dans cette perspective, le queer explore les politiques de la représentation et essaie de saisir ce qui fonde la différence entre le présentable et l'irreprésentable. Un panorama des créations scéniques dans l'Amérique du XXe siècle permet de relever les mouvements qui définissent simultanément une histoire et sa construction en tant que catégorie. Un "théâtre homosexuel" d'abord caractérisé par le trope du placard se développe avec l'avènement du théâtre gay et lesbien fondé sur le trope du coming out. Bien que cette distinction soit un effet épistémologique, elle procure des repères et explique l'émergence du théâtre queer. Se distinguant d'une logique strictement identitaire, la scène queer s'oppose à la normalisation perpétuée par une conception monolithique du sujet. L'approche transversale du théâtre queer formule une résistance aux verrous binaires qui scellent les arts du spectacle. Il sonde les modes de perception en place et tente d'ouvrir la clôture de l'interprétation pour sortir des impasses hétéronormatives. La crise du sida accélère ce processus par la remise en cause de la corporalité prolongée par le camp, la pornographie et le SM. Ces aspects, complexifiés par leurs implications performatives, illustrent l'élan queer. Le théâtre queer s'inscrit donc comme une force déterminante dans le paysage américain. Il expose les limites et les contradictions de la scène et suggère de nouvelles voies vers un théâtre sur la brèche<br>Although the notion of Queer Theater only began to develop in the early 1990s its stretch back to the beginning of the 20th century. Indeed, the portrayal of homosexuality on the stage has been shaped by moral and legal censorship revealing the tensions articulating theater as a whole. Queer theory, based on theoretical intertextuality, enables us to examine the way in which sex, gender, race and class are formed and how they are interrelated. Within this framework, queer criticism interrogates the politics of representation and attempts to grasp the forces that determine the boundaries separating the visible from the invisible. A general survey of drama reveals the variations that define both a history of Queer Theater and its construction as a category. "Homosexual theater," firstly characterized by the trope of the closet, was subsequently developed by a gay and lesbian theater informed by the trope of the coming out. Although this distinction is in itself an epistemological effect, it provides basic markers and explains the emergence of Queer Theater. Rejecting moot issues spawned by identity politics, Queer Theater sets out to utilize strategies against normative impulses perpetuated by a monolithic conception of the subject. Thus, Queer Theater offers a cross­pollination that runs counter to the predominance of binary oppositions on stage. It then delves into the reception and production modes and attempts to open up the closure of interpretations and meanings of the text in order to go beyond heteronormativity. The AIDS crisis accelerated this process by questioning the status of the body furthered as well by the practice of camp, pornography and S/M. These aspects of queer performance, made more complex due to their performative effects, illustrate the queer momentum. Queer Theater therefore is a determining force on the stage, both pointing to its limitations and signaling new paths to keep it alive and on the cutting edge

Depuis le début des années 1970, l'espace culturel italien est agité par une question qui mine aux fondements les codes traditionnels de la critique littéraire. Partant de la théorie de la mort de l'auteur (Barthes, Foucault), cette étude examine les avatars de la notion d'auteur dans le domaine de l'écriture biographique et littéraire. Il apparaît que les conventions traditionnelles du genre biographique sont remises en cause. Une nouvelle forme s'affirme : la biographie romancée qui se caractérise par une différente organisation de la temporalité, par une différente utilisation des documents et du paratexte. Il en résulte une écriture fortement hypertextuelle, dont l'oeuvre de Citati est l'exemple le plus éclatant. . .

L’abandon de l’enfant se présente sous deux jours contraires : récurrent dans la mythologie et la littérature, il n’est quasiment pas mentionné en tant que fait social dans les textes grecs d’époques archaïque et classique. L’historien possède fort peu de sources pour déterminer les circonstances et l’ampleur de l’exposition des nouveau-nés dans la civilisation grecque. Les ouvrages modernes la présentent souvent comme un acte anodin et fréquent, au point que les philosophes la préconiseraient à des fins eugénistes. Pourtant, une analyse rigoureuse des textes permet de dresser un bilan plus nuancé. Le jugement des chercheurs paraît influencé à tort par l’omniprésence des enfants abandonnés dans la littérature. Depuis les mythes fondateurs jusqu’à la Comédie nouvelle, des héros sont exposés à la naissance après un viol, un oracle ou un revers de fortune. Une étude littéraire de ce thème consistera alors à repérer des constantes transgénériques et des jeux d’intertextualité, mais aussi à mettre en lumière les spécificités de chaque genre. L’abandon se révèle ainsi être un motif polymorphe et non propre à la tragédie, malgré la célébrité actuelle d’Œdipe<br>The abandonment of children is paradoxically twofold : though recurrent in mythology and literature, it is almost not mentioned as a social fact in Greek texts from the Archaic and Classical periods. Historians have very few sources at their disposal to determine the circumstances and the extent of newborn exposure in Greek civilization. Modern works often present it as a widespread act, to such a point that philosophers would advocate it for eugenic purposes. However, a rigorous analysis of the texts leads to more moderate conclusions. In their assessments, the scholars seem to be wrongly influenced by the omnipresence of abandoned children in literature. From the founding myths to the New comedy, heroes are exposed at birth after a rape, an oracle or a reversal of fortune. A literary study of that theme will then consist in spotting transgeneric constants and intertextual hints, but also in bringing to light the particularities of each genre. So abandonment appears to be a polymorphic pattern, not a distinctive feature of tragedy, in spite of the current celebrity of Oedipus

Dispersée dans la multiplicité d'ouvrages qui se nourrissent directement de sa légende et abritent son image, Jeanne d'Arc a réussi à les dépasser tous : peu importent les recherches menées sur les détails de sa vie et qui visent à ébranler l'aspect héroïque de sa mission, sa légende continue à prendre le dessus et répand l'image de la petite fille guerrière et libératrice de la France dans le monde entier. Rarement une figure aura donné lieu à autant d'interprétations différentes, à autant de débats et de récupérations de partis opposés. Symbole de la résistance à toute invasion étrangère et de l'obéissance aux ordres divins, elle n'a cessé de se prêter à d'innombrables rôles et d'exprimer les aspirations les plus contradictoires. Au XXe siècle, l'œuvre de Charles Péguy consacrée à Jeanne d'Arc est une résurrection du personnage de la Pucelle où les données historiques sont prises comme prétexte pour doubler l'acte héroïque de Jeanne d'une portée mythique qui engage le salut de l'humanité entière. À travers le mythe de Jeanne d'Arc, Péguy s'interroge sur le sort de l'humanité, sur le sens caché de l'Incarnation et sur le mystère de la Rédemption : les images se superposent, les mots doublent de sens et derrière le spectacle de la guerre se devinent, plus horribles encore, les cris sourds des âmes damnées. Avec Péguy, Jeanne dépasse son rôle d'héroïne et de sainte au service de la France et des Français, elle cherche le salut de l'humanité à travers celui de son pays. Dès lors et à travers la conception d'une vie humaine, celle de Jeanne, Péguy nous fait assister à la constitution d'un mythe à la fois personnel et universel<br>Despite the numerous books that dealt with the legend story of Joan of Arc, still she managed to overcome all the expectations. Regardless the detailed researches done to reinforce the heroic aspect of her mission, her legend continues to spread all over the world the image Joan of Arc the warrior and liberator of France. In the literature rarely a character had given rise to such so different opinions and discussions as Joan of Arc had done. A symbol of resistance against any foreign invasion and obedience to divine commands, she had continued give herself to a countless roles and to be a source of inspiration in most contradictory manner. In the twentieth century, the work of Charles Peguy is a renovation of character of Joan of Arc “The Maid of Orleans”. In his book, Peguy emphasize the heroic mythic part of Jeanne concerning the salvation of whole humanity. Throughout the legend of Joan of Arc, Peguy rise the question about the fait of humanity through the hidden sense of incarnation and the mystery of redemption : the images serve to metaphor, the wards have double meanings and behind the spectacle of war which becoming more and more horrible we can hear the cries of the cursed souls. With the writings of Peguy, Joan overcome her role as a heroine and saint to serve France and the French people, she is looking forward the salvation of the humanity throughout the salvation of her country. Hence Peguy shows us the creation of a personal and universal myth with the help of simple conception of Joan’s humane life

Il est certain que la hollande etait chere a proust au meme titre que venise. Bien que ce pays du nord ne figure pas dans l'edition definitive d'a la recherche du temps perdu, il apparait dans les manuscrits une jeune hollandaise nommee maria, et qui est liee au charme propre des pays-bas. Pour cette jeune fille, destinee a devenir l'heroine de la version de 1911, l'auteur ne reussit pas a ecrire un recit coherent, mais il etablit une structure bien composee concernant les themes hollandais. Apres avoir discute des maitres hollandais avec "le peintre" (le futur elstir), il reve de partir pour la hollande et d'y aimer une jeune hollandaise comme la fiancee juive de rembrandt. Puis, a querqueville il fait la connaissance de maria et tombe amoureux d'elle. Enfin, lors de la matinee chez la princesse de guermantes, il se souvient, en voyant les tableaux de rembrandt, de son amie sans aucune emotion. Cette structure cyclique sera, apres l'abandon de maria, reutilisee pour le "leitmotiv fortuny" qui rattachera albertine a venise. Apres l'abandon de maria, amsterdam se transforme en ville "redotee" ou albertine a passe "une partie de son enfance" avec mlle vinteuil. Dans l'edition definitive, trieste remplacera amsterdan, de telle sorte qu'a venise une jeune autrichienne evoquera plus naturellement le souvenir d'albertine - - trieste fut ville autrichienne jusqu'en 1918. D'autre part, la religieuse d'anvers, personnage enigmatique qui figurait dans jean santeuil, apparait dans la recherche sous le nom de la "femme de chambre de mme putbus"; elle est egalement renvoyee a venise. De plus l'auteur place dans la cite des doges quelques souvenirs des pays du nord. Donc, dans a la recherche du temps perdu c'est venise (et en partie trieste et doncieres) qui represente une hollande disparue au cours de sa redaction<br>Surely the netherlands were, for marcel proust, as important as venice. Although this country does not figure in the final version of a la recherche du temps perdu, in the manuscript of this novel appears a young dutch girl named maria, who is associated to the beautiful pictures of holland. The author is unable to wright the right story about this young lady who has to be the heroine of the version of 1911, but for the dutch themes he sets up a well-structured story. After having told with "le peintre" (the futur elstir) about dutch painters, the narrator feels like going to the netherlands in order to find a young girl who looks like the jewish bride by rembrandt. Then, in querqueville (balbec in the novel) he gets acquainted to maria, and falls in love with her. Finally, in the "matinee" of the princesse de guermantes, watching the tableaux by rembrandt, the narrator, without any emotion, recalls maria he no longer loves. After the author has abandoned maria, the cyclic structure of the paintings by rembrandt will be used for the "fortuny leitmotif" which allows the author associate albertine to venice. After the rejection of maria, amsterdam is used once again as the "frightening" city where albertine spent a part of her childfood with mlle vinteuil. In the last version, trieste will be substituted to amsterdam, so that in venice a young austrian girl will remind of the dead albertine. (trieste was located in austria until 1918) on the other hand, "the nun of antwerp", a strange caracter who appeared in jean santeuil, reappears in the recherche under the name of the "lady putbus' maid"; her story is also related to venice. Moreover proust locates in the city of the doges a souvenir of the northen countries. So, in a la recherche du temps perdu it's venice (both trieste and doncieres to some extent) that represents the nether-lands which have disappeared during the writing of the

Néron est, pour nous, un véritable monstre - sa figure fait désormais davantage partie de la légende que de l'histoire. La présente étude s'attache à montrer comment cette légende a été forgée et comment s'est opérée la réécriture de l'histoire de Néron et la reconstruction de sa mémoire par les auteurs latins et grecs des premiers siècles de notre ère. Pour construire et imposer au lecteur l'image d'un Néron monstre et tyran, les écrivains antiques, tant païens que chrétiens, ont utilisé toutes les ressources à leur disposition : reprise de topoi empruntés à la rhétorique ; mise à profit des théories philosophiques sur le tyran ; exploitation de la tradition de l'invective politique de la fin de la République ; convocation d'autres figures de monstres, tirées de l'histoire ou de la myhtologie. Les auteurs ont, en outre, adapté la figure de Néron aux règles du genre littéraire dans lequel ils choisissaient d'inscrire leur portrait : l'histoire annalistique ou chrétienne, la monographie, la biographie, l'abrégé imposaient des schémas qu'il incombait aux écrivains de respecter. Au-delà du simple tyran, les auteurs antiques ont surtout fait de Néron Le Tyran par excellence, celui à l'aune duquel seront jugés les empereurs postérieurs : il est même devenu un nom commun synonyme de pessimus princeps. L'individu Néron a ainsi quitté son enveloppe de personnage historique pour revêtir celle de figure emblématique, susceptible de varier en fonction du contexte et de l'idéologie ambiante<br>Today, Nero stands for us as a real monster - he rather belongs to legend than to history. This work sets out to demonstrate how the legend was built, and how Nero's life was rewritten and his memory reconstructed by Latin and Greek authors from the first centuries of our time. In order to portrait Nero as a monster and a tyrant, and thus impose this image on the reader, pagan and Christian authors alike made use of every material at their disposal. They took up topoi from rhetoric and philosophical theories on tyrants, they recalled the tradition of political invective from the end of the Republic, and they linked Nero with other historical or mythological monsters. Moreover, authors adapted Nero's figure to the rules of the literary genre in which they wanted to depict them. Annalistic history, Christian historical works, monographs, biographies, epitomes. . . All these genres imposed writing rules authors had to abide by. Reading authors from ancient times, Nero appears to be more than just a tyrant - he is the tyrant par excellence, a reference for future emperors to be judged. The name of nero even became a common noun synonymous of pessimus princeps. Nero was no longer a historical character but rather a symbolic one, whose very nature evolved to match the background and ideology of the time

La thèse traite la problématique du contact littéraire grec-égyptien dans l'Egypte gréco-romaine en se concentrant sur les effets éventuels de l'Iliade dans la littérature héroïque démotique. Une série de récits historiques fictifs composés en démotique (les textes d'Inaros) montrent les indices d'un éventuel contact avec la littérature épique grecque et avec la culture hellénistique. Etant donné que l'Iliade représentait la culture et l'identité grecques en Grèce et également dans les colonies hellénistiques, en cherchant les indices d'un rapport éventuel entre les littératures grecque et égyptienne, l'on doit considérer d'abord celui de l'Iliade et des textes épiques démotiques. Le sujet de la thèse est la recherche sur la situation culturelle et sociale conduisant à l'apparition des récits épiques démotiques et à la propagation de l'Iliade en Egypte, en déterminant l'extension de la connaissance de l'Iliade. Pour cette investigation, j'ai pris en premier lieu un récit démotique, la Bataille pour la cuirasse d'Inaros, comme source de base. Au demeurant, les textes épiques concernant les exploits d'Inaros et de ses successeurs n'ont pu naître dans la forme connue à présent avant la période ptolémaïque, et leur développement à l'époque romaine après cette première composition est aussi probable. La littérature démotique qu'aucune autorité ne pouvait fixer n'avait aucun moyen de résister aux influences hellénistiques en raison de l'apprentissage imposé de l'écriture grecque et de l'ascendance générale de la culture hellénistique en Egypte gréco-romaine<br>The thesis deals with the problem of the Greek and Egyptian literary contact in Graeco-Roman Egypt in focusing on the possible effects of the Iliade in the demotic heroic literature. The thesis deals with one aspect of this question, the interaction between the Demotic and Greek literature reflecting in the Demotic epic texts. A series of fictive historical narratives written in Demotic (the Inaros texts) show signs of a possible contact with the Greek epic literature and with the Hellenistic culture. Considering that the Iliad represented the Greek culture and identity in the Greek cities and colonies, we must first review the possible relationship between Iliad and the Demotic epics speaking on the Greek-Egyptian literary contact. The topic of the thesis is a research on the cultural and social situation leading to the birth of the Demotic epic literature and to the spread of the Iliad in Egypt, indicating the extension of knowledge of the Iliad. In the investigation, I took first a Demotic narrative, the Battle for the breastplate of Inaros as basic source. Moreover, the epic texts relating the exploits of Inaros and his successors could not be born before the Ptolemaic period in the form actually known. The development of the texts after the composition of the first version is also very likely in Roman times. The uncanonized Demotic literature basically could not resist the Hellenistic effects due to the education of Greek writing and of general influence of Hellenistic culture

Au vingtième siècle, le roman moderne s'empare du mythe d'Ulysse. Afin de décrire et de justifier ce phénomène, trois oeuvres ont été retenues, Ulysses de James Joyce (1922), Naissance de l'Odyssée de Jean Giono (1930) et Strändernas Svall d'Eyvind Johnson (1946). Par leur composition, les réécritures révèlent une atténuation de l'héroïsme. Cependant, cette faiblesse se trouve compensée par une revalorisation de la mètis, trait primitivement ambivalent, qui devient le signe d'une intelligence créatrice. Du point de vue de la narration, le passé épique, lointain et achevé, devient, dans les trois oeuvres, un présent fait de ruptures et d'incertitudes. De plus, la notion de caractère, qui se dessine à travers le roi d'Ithaque, s'anéantit sous la plume des romanciers qui annulent l'identité du personnage littéraire. Enfin, le traitement romanesque du poème héroi͏̈que implique des incidences stylistiques aux effets paradoxaux. En effet, si une approche burlesque dévalorise l'univers homérique, le recours à la manière antique suscite une célébration du monde ordinaire. La polysémie et la plasticité de la figure expliquent donc le retour de celle-ci sur la scène romanesque moderne. Venu du fond des âges pour éclairer les énigmes de notre temps, Ulysse, qui se rend à l'ère de la Modernité plus accessible et plus proche, peut alors se faire le porte-parole d'un humanisme renouvelé<br>In the twentieth century, modern novel takes over the myth of Ulysses. In order to describe and justify this phenomenon, I have chosen three works : Ulysses by James Joyce (1922), Naissance de l'Odyssée by Jean Giono (1930) and Strändernas Svall by Eyvind Johnson (1946). Through their structures, rewritings reveal a softening of heroism. However, this wickness is balanced by restoring mètis, an originally ambivalent feature, which is turned into a creative intelligence. As regards narration, epic past, distanced and finished, becomes in the three works a present made of breaks and uncertainties. Moreover, the notion of character, which becomes apparent through the king of Ithaca disappears with the writing of novelits who invalidate the identity of the literary protagonist. Finally, the novellistic processing of the heroic poem involves stylistic consequences for paradoxical results. It is true that, if a burlesque approach underminds the Homeric world, resorting to ancient style arouses a celebration of the ordinary world. So polysemy and plasticity of the figure explain his return to the modern novelistic scene. Being age-old to clarify todays enigmas, Ulysses, who is more approachable and closer in the area of Modernity, then can be the spokeman of a new humanism

Cette recherche vise à analyser les figurations de l'altérité, en tenant compte du processus de reconstruction de l'identité des personnages et de leur relation avec la mémoire culturelle, à partir de la lecture de quatre romans O centauro no jardim (1980); Na noite do ventre, o diamante (2005); Os Deuses de Raquel (1975) et A estranha nação de Rafael Mendes (1983). Les relations entre la littérature, l'identité et l'altérité sont au coeur du débat contemporain. Dans la littérature brésilienne contemporaine, les auteurs de différentes ethnies travaillent systématiquement avec les questions de l'immigration, de l'altérité et de la mémoire culturelle. Car, bien que la contribution des immigrants à la formation de notre société ait été d'une importance primordiale, tels éléments ont été représentés de manière timide, voire, homogénéisée, à la fois dans la littérature et dans l'histoire du Brésil. Moacyr Scliar est un auteur d'origine juive qui travailla beaucoup les questions liées à l'identité, à la diversité et aux minorités. Pour cette raison, Scliar lui-même affirme qu'il est nécessaire de "donner la parole à ceux qui ne l'ont pas, en faisant de leurs histoires l'Histoire que la version officielle détourne et pasteurise.". Ainsi, l'auteur, par le biais de l'approche thématique de la vie sociale, ouvre un espace pour la réflexion sur l'altérité. Ainsi, l'étude des "figurations de l'altérité", présentes dans les romans examinés dans cette étude, est nécessaire puisque, dans ces oeuvres, les personnages sont toujours vus, comme dirait Linda Hutcheon, "ex-centriques", "marginalisés", "figures périphériques de l´histoire fictive", c'est-à- dire, ils sont toujours "l'autre", le différent. Les textes choisis interrogent les relations et les conflits culturels à travers la figure de l´ immigrant, un personnage qui est dans une situation limite, "entre deux mondes" et qui a souvent du mal à s´intégrer, n´étant ainsi plus "l'autre"<br>This research aims to analyze the figurations of alterity, taking into account the process of identitarian (re)construction of the characters and their relation to cultural memory, based on the reading of four Moacyr Scliar’s novels: Os Deuses de Raquel (1975); O centauro no jardim (1980); A estranha nação de Rafael Mendes (1983); e, Na noite do ventre, o diamante (2005). The relations between literature, identity and alterity are central to the contemporary debate. In contemporary Brazilian literature, authors from different ethnicities work systematically with the issues of immigration, of alterity and cultural memory. For, although the contribution of immigrants to the formation of our society has been extremely important, these elements were being represented in a shy mode, or even, homogenized, both in Brazilian literature and history. Moacyr Scliar is an author of Jewish origin who works extensively with issues related to identity, diversity and minorities. Scliar, himself, says that it "gives voice to those who do not have it, making their stories to the official version of history that misrepresents them or is pasteurized". This way, the author, through social thematic approach, opens space for reflection on alterity. Thus, the study of “figuration of alterity”, present in the romances analyzed in this research, becomes necessary since in these works the characters are always in a position, as Linda Hutcheon would say, of “ex-centric”, “marginalized”, "peripheral figures of fictional history," this is, they are always “the other”, “the different”. Those chosen texts question the interrelations and cultural conflicts through the figure of the "immigrant" character who is on the borderline "between two worlds" and that often struggles to integrate itself, ceasing, thus, to be "the other. "<br>A presente pesquisa visa a analisar as figurações da alteridade, levando em consideração o processo de (re)construção identitária dos personagens e sua relação com a memória cultural, a partir da leitura de quatro romances de Moacyr Scliar: Os Deuses de Raquel (1975); O centauro no jardim (1980); A estranha nação de Rafael Mendes (1983) e Na noite do ventre, o diamante (2005). As relações entre literatura, identidade e alteridade estão no centro do debate da contemporaneidade. Pierre Ouellet afirma que a alteridade é, sem nenhuma dúvida, um dos fenômenos mais estudados e um dos conceitos mais utilizados pelas ciências humanas, as letras e a filosofia no curso dos últimos trinta anos. Mas é também uma noção das mais polissêmicas e das mais controversas, até em usos mais ou menos ideológicos que se podem fazer hoje. Ela conduz, pois, a reinterrogar as bases epistemológicas, o contexto sócio-histórico e o alcance ético e estético desse fenômeno, ou dessa noção à luz dessas diversas acepções ou de seus diferentes empregos. Na literatura brasileira contemporânea, autores oriundos de diversas etnias trabalham de maneira sistemática com as questões da imigração, da alteridade e da memória cultural. Pois, embora a contribuição do imigrante para a formação da nossa sociedade tenha sido de suma importância, tais elementos vinham sendo representados de modo tímido, ou até mesmo, homogeneizados, tanto na literatura quanto na história brasileiras. Moacyr Scliar é um autor de origem judaica que trabalha exaustivamente as questões ligadas à identidade, diversidade e às minorias. Scliar, ele mesmo, afirma que é necessário “dar voz àqueles que não a têm, fazendo de suas histórias a História que a versão oficial deturpa ou pasteuriza”. Desta maneira, o autor, através da abordagem da temática social, abre espaço para a reflexão acerca da alteridade. Sendo assim, o estudo das “figurações da alteridade”, presentes nos romances analisados nesta pesquisa, faz-se necessário posto que, em tais obras, as personagens estão sempre em uma posição, como diria Linda Hutcheon, de “ex-cêntricos”, “marginalizados”, “figuras periféricas da história ficcional”, ou seja, são sempre o “outro”, o diferente. Os textos escolhidos interrogam as interrelações e os conflitos culturais através da figura do “imigrante”, personagem que se encontra numa situação limítrofe, “entre dois mundos” e que, frequentemente, luta para integrar-se, deixando, desta forma, de ser “o outro”

Cette thèse traite du rêve dans la création littéraire au XXe siècle, tout en choisissant comme corpus certaines œuvres de Queneau (1903-76) ainsi que de Gary (1914-80) et de Tsutsui (1943-). Notre travail, qui comporte deux axes de recherches : la réception de la théorie psychanalytique chez ces écrivains et la question de la contrinate littéraire, vise tout d'abord à essayer d'éclaircir la réception chez eux de la structure du psychisme et sa projection dans leurs œuvres, puis à montrer que l'application de certaines contraintes littéraire de façon volontaire peut découler de l'étude du rêve et des théories psychiatriques. Bref, ne pourrait-on pas se demander si les notions du conscient et de l'inconscient ne sont pas à l'origine de la structure de deux mondes parallèles ? Ces études comparatives nous ont permis de montrer la continuité et la transition des tentatives d'applications de certaines théories du psychisme humain et du rêve dans la création littéraire au siècle dernier?<br>The theme of this PhD thesis is the dream in the literary creation during the 20th century. Queneau (1903-1976), Gary (1914-1980) and Tsutsui's (1943-) works constitute its corpus. This study focuses on two main points : first the use of psychoanalysis by these writers and then the question of restrictions in creative literature. The purpose of our study is first to clarify the influence of the psyche struture and how these writers used it in their work and then to show that intentional self-restriction in literature may be the result of the researches in the field of dreams and psychoanalysis theories. In other words, can the concepts of unconsciousness and consciousness be considered as the origin of two parallel worlds in some novels ? Ths comparative analysis gave us the opportunity to show the continuation and evolution in the attempts to apply some theories about human psyche or dream in literature among the writers of the 20th century

La modernité des écrits flaubertiens déroute ses contemporains mais permet de comprendre comment Flaubert souhaite se positionner dans les marges. Il refuse les étapes classiques de la vie bourgeoise que sont le mariage, la paternité et l’achat d’un bien immobilier. L’histoire de la construction de la notoriété flaubertienne est aussi une démarche pour comprendre les lieux de mémoire et les lieux de souvenirs. Ce rapport au territoire a été pensé au regard de la défense d’un patrimoine local. Nous nous sommes attachés à la complexité des parcours qui rassemblent plutôt qu’ils ne distinguent. Afin de saisir cette mémoire, l’étude des lieux devient incontournable car elle incarne toute la dimension conflictuelle de la figure flaubertienne. Dans la première partie, l’étude a pour objectif de situer Gustave Flaubert dans son temps littéraire en mettant en lumière le tournant majeur que représente Madame Bovary pour l’histoire de la littérature, mais aussi comme fondement de la postérité flaubertienne. Nous expliquons comment se mettent en place les mécanismes de la reconnaissance, dont Flaubert est le principal instigateur grâce à son œuvre. Nous avons présenté un homme complexe, non dans les épisodes de sa vie mais dans sa position d’artiste, tant dans ses idées que dans ses réalisations. D’une curiosité insatiable, que sa dernière œuvre inachevée -Bouvard et Pécuchet- symbolise, les commentaires et actes autour de sa mort en 1880 offrent un visage moins complexe et plus à même de permettre une postérité convenant au plus grand nombre. La deuxième partie tente de comprendre comment ce statut obtenu de son vivant perdure et se transforme après sa mort. Sans la détermination de quelques flaubertistes, ces lieux de souvenir ne pourraient être légitimés. Loin de chercher à enfermer la mémoire de l’écrivain, ces commémorations ont pour but de maintenir une présence flaubertienne matérielle et physique, à l’inverse de sa propre dimension de son vivant. Il représente la figure moderne d’un écrivain inclassable dépassant les querelles d’écoles. Des portraits de 1880 à la célébration de 1921, le chemin parcouru est long et soumis aux difficultés financières mais aussi humaines. La troisième partie approfondit l’affirmation d’une politique patrimoniale -au sens de discours choisi- fonctionnant autant par espaces construits que par cycles temporels. En effet, grâce aux premiers comités, des réalisations patrimoniales se concrétisent autour des premières statues et du Pavillon Flaubert puis avec sa chambre natale. L’ancrage dans des sites multiples prend une importance décisive pour les acteurs de la mise en patrimoine qui s’occupent de les « rendre visibles » pour le grand public. Les notables normands tendent vers l’affirmation d’une culture régionale. C'est le choix de ce qu'il faut célébrer qui définit une politique de commémoration. Ces espaces constituent des parcours touristiques dans une période d’ouverture vers un public nouveau en attente d’un discours constitué. La dernière partie montre comment la présence de manuscrits dans différents lieux touche largement l’organisation des célébrations flaubertiennes. Des groupes de recherche universitaire aux sociétés savantes, les études flaubertiennes présentent des points d’ancrage parfois opposés. Après le rôle important joué par Caroline Commanville, nièce du romancier, le souvenir de l’écrivain gagne une forme d’indépendance. Enfin, le tournant numérique n’est pas à négliger. Leur éclairage nouveau est permis par ces dispositions virtuelles qui facilitent le travail des chercheurs mais aussi l’intérêt de simples curieux. Nous avons pu comprendre que la construction sociale de la notoriété chez Flaubert était aussi un constat des échecs et des pistes oubliées. Des petites querelles rouennaises, après un temps de silence complet de sa ville natale, aux grandes reconnaissances de son génie au XXIe siècle, Gustave Flaubert reste inclassable<br>The modernity of the Flaubertian writings challenges his contemporaries but makes it possible to understand how Flaubert wishes to be positioned in the margins. He refuses the classic stages of bourgeois life that are marriage, paternity and the purchase of real estate.The history of the construction of the Flaubertian notoriety is also an approach to understand the places of memories. This relationship to the area has been conceived in relation to the defense of a local heritage. We have focused on the complexity of process that bring together rather than distinguish. In order to capture this memory, the study of places becomes unavoidable because it embodies all the conflicting dimension of the Flaubertian figure. In the first part, the aim of the study is to locate Gustave Flaubert in his literary time by highlighting the major turning point represented by Madame Bovary for the history of literature, but also as a foundation for Flaubertian posterity. We explain how the mechanisms of recognition are set up, Flaubert is the main perpetator thanks to his work. We have presented a complex man, not in the episodes of his life but in his role as an artist, both in his ideas and his achievements. Of an insatiable curiosity, that his last unfinished work - Bouvard and Pécuchet - symbolizes, the comments and acts around his death in 1880 offer a face less complex aspect and is more likely to allow a posterity suitable for the greatest number. The second part attempts to understand how this status obtained during his lifetime continues and evolves after his death. Without the determination of some flaubertists, these places of remembrance could not be legitimized. Far from seeking to lock up the memory of the writer, these commemorations are intended to maintain a flaubertian material and physical presence, in contrary his own dimension during his lifetime. It represents the modern figure of an unclassifiable writer going beyond school quarrels. Portraits from 1880 to the celebration of 1921, the considerable distance is long and subject to financial difficulties but also human. The third part depicts the assertion of a patrimonial policy - in the sense of discourse choosing as much by constructed spaces as by temporal cycles. Indeed, thanks to the first committees, heritage achievements are concretized around the first statues, the Flaubert Pavilion and then with his native chamber. The anchoring in multiple sites takes a decisive importance for the actors of the setting in patrimony which take care of "to make them visible" for the general public. The Norman notables tend towards the affirmation of a regional culture. It is the choice of what to celebrate that defines a commemoration policy. These spaces constitute tourist routes in a period of opening towards a new public waiting for a constituted speech. The last part shows how the presence of manuscripts in different places largely affects the organization of Flaubertian celebrations. From academic research groups to learned societies, Flaubertian studies present sometimes conflicting anchors. After the important role played by Caroline Commanville, niece of the novelist, the memory of the writer gains a form of independence. Finally, the digital turning point is not to be neglected. Their new lighting is enabled by these virtual provisions that facilitate the work of researchers but also the interest of simple curious people. We were able to understand that Flaubert's social construction of notoriety was also an acknowledgment of failures and forgotten paths. For the small quarrels in Rouen, after a period of complete silence of his hometown to the great recognition of his genius in the twenty-first century, Gustave Flaubert remains unclassifiable

Nous étudions les rapports qu'entretient l'âge des villes énormes avec l'expérience poétique (1850-1940). Nous dégageons, dès la période romantique, deux invariants majeurs : le panorama et la flânerie, et nous montrons comment,à travers la métaphore de la ville comme texte, naît, avec Baudelaire, le paysage urbain en poésie. Nous explorons les métaphores de la ville comme corps (rapports libidinaux et objectaux à l'espace : foule, femme, marchandise) et comme labyrinthe (intelligibilité, rapports corps propre/espace/création, traumatismes divers). Ces perspectives privilégient une approche sémiotique et largement psychanalytique. Nous abordons ensuite la double question de la figuration des hétérotopies et d'une conscience de la réalité et la modernité : mutations esthétiques, pratiques d'écriture liées au cheminement urbain, nouveau statut du poète lyrique. Enfin, nous montrons comment ces mutations définissent l'aura légendaire du poète et confèrent à la poésie urbaine une dimension mystique. Notre corpus fait apparaître ce récit mythique sous la forme d'une anthologie<br>We study the relationships between the "villes énormes" era and the poetical experience (1850-1940). We bring out, as early as the romantic period, two major invariants : panorama and strolling. .

L’Épopée aux alentours de 1830 : un genre mort ? La mort théorique de l’épopée résulte d’une triple condamnation : une condamnation nationale, « les Français n’ont pas la tête épique » ; mais aussi une condamnation historique, « les modernes n’ont pas la tête épique » ; et enfin une condamnation esthétique, « Voilà évidemment le poème épique condamné. […] Le poème épique nous apparaît donc esthétiquement comme un paradoxe » . Et pourtant nombre de publications voient alors le jour. Comment comprendre cet apparent paradoxe. Au carrefour de la poétique historique des genres, de l’histoire littéraire, et de l’herméneutique cette thèse entreprend de dépasser ce paradoxe en faisant de la mort de l’épopée l’origine d’un genre nouveau. La notion de deuil nous a permis de penser le lien entre la mort de l’épopée classique et la naissance de l’épopée des années 1830. Ce que nous prenions alors pour le crépuscule de l’épopée était en fait son aube, mais l’aube blafarde d’un genre en deuil. Le chant de victoire était devenu chant de deuil. L’œuvre de Quinet, père de la démocratie moderne, théoricien de la laïcité, défenseur des nationalités, mais aussi poète et théoricien de la littérature nous a servi de laboratoire d’étude pour comprendre la naissance de ce genre du tombeau de l’épopée classique.En effet, les épopées de Quinet portent en elles le deuil d’un genre perdu. D’une épopée en vers, on passe à une épopée en prose, mais à une épopée en prose qui dit la poésie du monde ; d’une épopée de l’étendue, on passe à une épopée « raccourcie », mais qui dit la complétude de l’être humain ; d’une épopée emplie de merveilles, on passe à une épopée qui porte le deuil du merveilleux, mais qui réenchante le réel ; d’une épopée nationale, on passe à une épopée qui porte le deuil de la patrie, mais pour mieux consolider la nation ; d’une épopée du combat, on passe à une épopée du débat qui dit le morcellement des consciences<br>The epic around 1830: an extinct genre? The theoretical death of the epic results from a triple condemnation: a national condemnation, “les Français n’ont pas la tête épique [the French have no head for epic poetry]” ; but also an historical condemnation “les modernes n’ont pas la tête épique [modern men have no head for epic poetry]” ; and lastly an aesthetic condemnation, “Voilà évidemment le poème épique condamné. […] Le poème épique nous apparaît donc esthétiquement comme un paradoxe [And with that, the epic poem evidently condemned. […] The epic poem therefore appears to us, aesthetically, as a paradox]” .And yet, numerous publications spring forth at that time. How to understand this apparent paradox? At the crossroads of a historical poetics of the genres, of literary history, and of hermeneutics, this doctoral thesis endeavours to move beyond said paradox, by converting the death of the epic into the origin of a new genre.The notion of mourning has allowed us to conceive of the link between the death of the classical epic and the birth of the epic of the 1830s. What we held then to be the twilight of the epic was in fact its dawn, but the pallid dawn of a genre in mourning.Indeed the epic poems of Quinet are laden with the mourning of a lost genre. An epic in verse transitions into an epic in prose, but an epic in prose which tells the poetry of the world; an epic of expanse transitions into a “shortened” epic, but one that tells of the completeness of the human being; an epic filled with marvels transitions into an epic mourning the marvelous, but which reenchants reality; a national epic transitions into an epic mourning the homeland, but so as better to consolidate the nation; an epic of battle transitions into an epic of debate which tells of the splitting of consciences

La thématique érotique, voire pornographique, dans les œuvres de Claude Simon a fait l’objet d’analyses précises mais partielles. Cette place marginale dans les travaux de recherche sur l’œuvre de Claude Simon peut s’expliquer par le discrédit culturel et social à l’encontre des deux thèmes souvent réservés à une forme de paralittérature et de littérature « sous le manteau » ou « bon marché » qui ne siéent guère à un écrivain récompensé par le Prix Nobel de Littérature (1985). Pourtant l’amour, le désir et la sexualité sont au sein de chaque roman. Ils concourent à donner forme à une « littérature vivante » que l’écrivain appelle de ses vœux dans son Discours de Stockholm. Son observation avide et attentive du monde inscrit une poétique du voyeurisme au cœur de ses textes. Avant d'être écrivain, Claude Simon est peintre, il compose aussi des collages, dessine, photographie et emprunte, le temps d’une aventure cinématographique, le chemin des studios de Télévision. Il tire des dispositifs de l’image des leçons de composition pour ses fictions et fait voir ce qui est « mal vu ». Ce sont autant de faireparts des « actes de naissance » de l’écriture. La dimension biographique est partie prenante de ces « actes » qui s’écrivent tout contre une pluralité massive d’actes de morts (la première guerre mondiale, la maladie, la révolution espagnole, la vieillesse, la seconde guerre mondiale, le camp de prisonniers, le suicide, etc.) auxquels Claude Simon est confronté tout au long de sa vie (1913-2005). Il y a une sorte de « toucher le fond » qui informe toute son écriture, du plus petit au plus grand élément, de la lettre au livre. Il déjoue les modèles canoniques en insufflant à la littérature une vitalité et une survivance qui commencent avec l’image et l’archive<br>The erotic, if not pornographic theme in Claude Simon’s work has been the subject of detailed, yet partial studies. The little focus on these among the research works on Claude Simon’s work can be explained by the social and cultural stigma associated with the two themes, usually found in a certain paraliterature or “under the table” or “cheap” literature that do not suit a writer that was awarded the Nobel Prize in Literature (1985). Yet, love, desire and sexuality can be found in every one of his novels Together, these contribute in shaping a “living literature” that the writer called for in his Banquet Speech. His keen and careful observation of the world brings a voyeurism poetics to the core of his writings. More than a writer, Claude Simon was also a painter, collage artist, drawer, photographer, and for one cinematographic adventure, found himself in TV studios. From the image apparatus, he draws lessons for his fictions’ compositions and unveils what was meant to remain hidden. These are all announcements of writing’s “birth certificates”. The biographical dimension is an integral part of these “acts” written against a stream of various death announcements (World War I, disease, the Spanish revolution, old age, World War II, the prison camp, suicide, etc.) that Claude Simon had to face during his entire life (1913-2005). There is a history of “hitting rock bottom” that informs all of his writings, big or small, from letters to books. He eludes canonical models by instilling into literature a vitality and a sense of survival that sprout from images and archives

Ce travail vise à démontrer le caractère essentiel du référent de la naissance dans les croyances funéraires de l’Égypte ancienne, ainsi que les modalités de sa mise en œuvre. Les grandes compositions funéraires égyptiennes, depuis les Textes des Pyramides jusqu’aux livres royaux du Nouvel Empire, sont riches d’allusions à une destinée post-mortem envisagée comme une seconde naissance, calquée plus ou moins fidèlement sur le processus biologique de la première. Roi ou particulier, le mort est porté en gestation par une ou plusieurs mères divines, puis est remis au monde dans l’au-delà, son cordon ombilical est coupé, il est lavé, allaité et soigné à l’image d’un nouveau-né. À ces aspects pragmatiques se mêlent de nombreux éléments mythiques, le modèle biologique étant parfois largement réinterprété, ce qui témoigne de l’interpénétration du plan individuel et du domaine cosmique. Grâce à ce procédé cyclique, le défunt accède non seulement à l’autre monde, mais il y est aussi vivant éternellement<br>This work aims at demonstrating that referring to birth and its practical modalities is an essential aspect of Ancient Egypt’s funeral beliefs. From the Pyramid Texts to the royal books of New Kingdom, the great funeral writings of Egypt are full of allusions to post mortem fate viewed as a second birth, the latter copying more or less exactly the biological process of the first. Be he king or ordinary man, the dead is carried in gestation by one or several divine mothers and is born again in the other world ; there, his umbilical cord is cut, he is washed, fed and cared for like a new born child. Numerous mythical elements add to the purely practical, however, thus reinventing the biological model and showing the intermingling of both the worldly and cosmic levels. Thanks to this cyclical process, the dead not only reaches the other world but, also, accesses to eternal life

Écrivain dramatique, romancier, nouvelliste et conteur, Carlo Collodi (1826-1890), à sa mort, est avant tout reconnu comme un journaliste de talent, auteur apprécié de livres pour enfants. Paradoxalement, l’œuvre de Collodi, sous la plume de ses biographes les plus célèbres, devient ensuite celle d’un seul livre : Le avventure di Pinocchio. Storia di un burattino (1883), un chef-d’œuvre isolé « écrit par hasard » (selon l’expression de P.Pancrazi). La recherche récente de type philologique – en particulier les travaux de Daniela Marcheschi – réinsère Pinocchio dans un ensemble littéraire faisant fonction d’atelier de création, dans lequel se sont élaborés les outils stylistiques et thématiques ancillaires de l’œuvre majeure. Une étude intertextuelle, ainsi qu’une approche de type anthropologique, de l’ensemble du corpus collodien, montrent que Pinocchio est l’aboutissement d’une recherche existentielle : le projet collodien, paré de la magie des contes de fées, explore les limites du vivant et de l’inanimé, il pose la question de l’intégrité des êtres. L’analyse textuelle révèle que l’auteur a tenté, avec Pinocchio, une opération de « reproduction », de régénération, un engendrement sans la mère: la création du pantin n’est pas celle d’un être nouveau mais initialement celle d’un double du vieillard, rajeuni. Voilà pourquoi « l’enfant parallèle », auquel Collodi donne corps, n’est pas le fruit d’un désir de paternité classique, mais l’objet d’une entreprise chimérique visant à refuser le destin mortel de l’homme<br>Carlo Collodi (1826-1890) playwright, novelist, short story writer and storyteller was, at his death, known primarily as a talented journalist and author of popular books for children. Paradoxically, Collodi’s work, according to his most famous biographers, had been reduced to a single book: Le avventure di Pinocchio. Storia di un burattino (1883), an isolated masterpiece "written by chance" (in the words of P. Pancrazi). Recent philological research - in particular the work of Daniela Marcheschi - reinserts Pinocchio into a literary corpus that functioned as a creative writing workshop, in which the stylistic and thematic tools subordinate to the main work were developed. An intertextual study and an anthropological approach to the complete works of Collodi show that Pinocchio is the culmination of an existential search: Collodi’s design, adorned with the magic of fairy tales, is to explore the limits of the animate and the inanimate and raise the question of the integrity of the human being. Textual analysis shows that what the author attempted with Pinocchio is a project of reproduction or regeneration, a sort of engendering without the mother: the puppet he created is not initially a new being, but rather a duplicate of the old man rejuvenated. That is why "the parallel child " to which Collodi gives life stems not from the desire for traditional paternity, but from the impossible dream of refusing the mortal destiny of man

Le discours critique sur le roman-mémoires des années 1730 semble souvent hésiter entre deux attitudes antagonistes : soit il y discerne les signes d’une « naissance de l’individu » et y voit l’émergence du roman de formation (Bildungsroman). Soit il considère que ces catégories sont anachroniques : la notion d’« individu », comme être conscient de soi et de son intériorité affective et comme l’élément élémentaire dont se compose la société n’apparaît-elle pas seulement dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle en particulier dans la réflexion de Jean-Jacques Rousseau ? et le roman de formation ne trouve-t-il pas son prototype en Allemagne, avec Les Années d’apprentissage de Wilhelm Meister de Goethe ? Mais en réalité, Rousseau et Goethe sont tous deux de grands lecteurs de romans-mémoires et ils s’en sont nettement inspirés dans leurs écrits. La présente thèse souhaite montrer que le roman-mémoires des années 1730 peut être analysé comme un roman de formation, dans la mesure où il décrit les étapes constitutives de l’identité d’un individu et porte une vision du monde sur sa place dans la vie sociale. Mais une telle hypothèse implique de s’interroger sur cette forme romanesque « rebelle à tout ordre » (Henri Coulet, Le Roman jusqu’à la Révolution) : Comment définir cette forme romanesque ? Quel est son rôle dans la cristallisation de la notion d’« individu » ainsi que du roman de formation ? C’est à ces questions que s’efforce de répondre cette thèse en analysant quelques œuvres emblématiques de cette nouvelle forme romanesque, ainsi que leurs enjeux, leurs dimensions philosophiques, esthétiques, politiques et anthropologiques et leurs contributions à l’avènement de l’individu et à l’émergence du roman de formation (Bildungsroman)<br>The critical discourse on the memoir novel of the years 1730 often seems to hesitate between two antagonistic attitudes : either it discerns in it the signs of a "birth of the individual" and sees in it the emergence of the novel of formation (Bildungsroman). Or it considers these categories as anachronistic : did not the notion of the "individual" as a being conscious of itself and of its emotional interiority and as the basic element of which society is composed only appear in the second half of eighteenth century, most notably in the reflections of Jean-Jacques Rousseau ? And did not the novel of formation find its prototype in Germany, with Goethe’s Wilhelm Meister’s Apprenticeship ? But in reality, Rousseau and Goethe were both great readers of memoir novels and were clearly inspired by them in their writings. The present thesis hopes to show that the memoir novel of the years 1730 can be analyzed as a novel of formation, insofar as it describes the constituent steps of individual identity and carries a worldview regarding its place in social life. However, such a hypothesis implies asking some questions about this novelistic form, considered as "rebellious to any order" (Henri Coulet, Le Roman jusqu’à la Révolution) : How can this novelistic form be defined ? What was its role in the crystallization of the notion of the "individual", as well as that of the novel of formation ? These are the questions that this thesis attempts to answer by analyzing some emblematic works of this then new novelistic form, as well as their importance, their philosophical, aesthetic, political and anthropological dimensions and their contributions to the advent of the individual and the emergence of the novel of formation (Bildungsroman)

Notre travail interroge la représentation et l'attachement à la ville natale dans l'œuvre romanesque de François Mauriac, romancier français (1885-1970) et de Fouad al Takarli, romancier irakien (1927-2008). Notre point de départ est le suivant: le monde s'est métamorphosé, à cause de la mondialisation, en un petit village où l'individu cherche à trouver sa place. Aussi éprouvons-nous la nécessité de définir le lieu natal pour mieux protéger l'existence et l'identité de l'homme moderne. Nous partons de la question préliminaire suivante: « quelle est l'importance qu'acquiert la ville natale dans l'existence humaine? » A partir de la réponse ou des réponses proposées, nous étudions les représentations de la ville natale dans les romans de notre corpus. Combinant une interrogation à la fois comparative, théorique, historique, thématique et analytique, nous analysons la façon dont est présenté ce thème. Notre parcours nous conduit à étudier l'évolution du genre romanesque de façon comparative, pour souligner la spécificité de l'art romanesque français, et pour présenter une partie de l'art narratif dans le monde arabe, surtout en Irak. Nous étudions également les aspects et significations de l'espace et notamment de l'espace littéraire. Nous présentons différentes images de la ville natale dans l'œuvre romanesque de Mauriac et de Takarli. Ces images surgissent des souvenirs et de l'enfance. Des images documentaires représentent, elles, la vie réelle. Des images symboliques enfin traduisent l'attachement à la ville natale<br>The literary work discusses the representation and the predestination clinging to the hometown in the novels of François Mauriac, French novelist (1885-1970) and Fouad al Takarli, Iraq; novelist (1927-2008). The starting point is: globalization has changed the world into a small village where the individual seeks to find one's place. Thus there is a strong need to define the native place in order to better protect the existence and identity of modern man. The start is with the following preliminary question: "What is the inherent importance acquired by the hometown in human existence?" based on the answers or the proposed answers, we study the representations of the hometown in selected studies to our work. Combining comparative, theoretical, historical, thematic and analytical questions, we analyze how this theme is presented. The research will be conducted to study the development of the novel on a comparative basis and to highlight the quintessence of the French romantic art, and also to present some of the narrative art in the Arab world, especially in Iraq. The study will probe the aspects and meanings of space and especially the Iiterary space. The study aims to present different images of the hometown in the novels of Mauriac and Takarli. These images emanate from memories and childhood. And they Documentary images recording for a reallife. Finally, the symbolic images reflect the predestined clinging to the hometown

Cette recherche porte sur dix romans d’auteurs francophones : Monnè, outrages et défis, d’Ahmadou Kourouma ; La mère du printemps et Naissance à l’aube, de Driss Chraïbi ; L’escargot entêté et Les 1001 années de nostalgie, de Rachid Boudjedra ; La déchirure et Le régiment noir, d’Henry Bauchau ; Prochain épisode, Trou de mémoire et L’antiphonaire, d’Hubert Aquin. Au-delà des différences sociohistoriques de leurs origines, les œuvres accusent des fortes similitudes tant au niveau de l’écriture qu’au plan de leur thématique. Nourries – pour la plupart – de l’expérience de vie des auteurs, elles s’ancrent dans l’époque ou convoquent les événements du passé (invasions, colonisation, guerres, résistances) afin de produire une intelligence de l’Histoire. Par métonymisation, cette dernière s’incarne dans un « Je » narrateur halluciné, blessé à l’origine et psychologiquement décomposé, qui engage désespérement l’écriture pour dire son mal être et, peut-être s’en guérir. La fiction de soi sert de moyen pour écrire l’Histoire et celle-ci se confond avec le récit, le discours sur le roman en train de s’écrire tendant à devenir l’objet même de la narration. Dans une autre perspective, prenant le détour de l’allégorie, les textes montrent à travers des événements plus anciens, même vécus ailleurs, des motifs et des figures qui illustrent le mécanisme cyclique, les modes de fabrication de l’Histoire, et témoignent de la résistance des peuples ainsi que de leurs stratégies de survie. Par une approche herméneutique, s’inspirant aussi du paradigme de « mort et naissance » à l’aune duquel Pierre Nepveu lit la littérature québécoise, cette analyse met en lumière la médiation symbolique à l’œuvre dans les romans. Tout en mettant en scène la déshérence des sujets (individuels ou collectifs) et l’impasse historique, ils proposent d’inventer des voies de dépassement. En montrant que les fausses évidences et tout « ce-qui-va-de-soi » dans les imaginaires ont été à l’origine choisis et fabriqués en réponse à des besoins contingents, les fictions du roman francophone attirent notre attention sur un principe majeur de regénération des mondes : une tradition, une culture, une civilisation s’invente ; précisément, elle invente le temps et, inversement, le temps la réinvente.<br>This research focuses on ten novels by Francophone authors: Monnè, outrages et défis, by Ahmadou Kourouma ; La mère du printemps and Naissance à l’aube, by Driss Chraïbi ; L’escargot entêté and Les 1001 années de nostalgie, by Rachid Boudjedra ; La déchirure and Le régiment noir, by Henry Bauchau ; Prochain épisode, Trou de mémoire, and L’antiphonaire, by Hubert Aquin. Beyond the socio-historical differences in their origins, the works show strong similarities both in writing and in their themes. Based – for the most part - on the life experience of the authors, they are rooted in the era or summon past events (invasions, colonization, wars, resistance) to produce an understanding of history. Through the device of metonymisation, the latter is embodied in an "I" hallucinated narrator, originally injured and psychologically broken down, desperately committed to writing in order to express his unhappiness and perhaps also to heal himself. Autobiography serves as a way to write history and it merges with the narrative, the discourse on the novel being written tending to become the object of the narrative. From another perspective, that of allegory, the texts show through older events, even experienced elsewhere, the patterns and figures that illustrate the cyclical nature and methods of building history, and reflect the resistance of the peoples and their survival strategies. Using a hermeneutic approach and also drawing upon the paradigm of "birth and death" in the light of which Pierre Nepveu understands Quebec literature, this analysis highlights the symbolic mediation at work in the novels. While featuring disinherited subjects (individual or collective) and the historical impasse, they propose ways to get around this. By showing that only false evidence and any "it-goes-without-saying " in imaginaries were originally selected and created in response to contingent needs, the fiction in the Francophone novel draws attention to a major principle in the regeneration of worlds : a tradition, a culture, a civilization is invented; specifically, it invents time and, conversely, time reinvents it.

Cette thèse entend proposer une analyse originale du phénomène connu mais polémique que constitue l’introduction de la notion d’auteur dans la littérature de langue française au Moyen Âge. Il s’agira d’essayer de contribuer à repenser la signification poétique, culturelle et historique de ce moment particulier où l’auteur – c’est-à-dire l’attribution d’un texte ou d’une série de textes à un nom propre donné – s’est imposé pour la première fois comme un critère structurant et primordial dans la production et surtout la transmission des textes de langue française dans les manuscrits médiévaux. Usant du concept foucaldien de fonction-auteur, des théories de la réception et du paratexte, ainsi que de la « Nouvelle Codicologie », l’approche déployée ici aborde l’auteur en tant que construction textuelle et éditoriale signifiante au sein d’un corpus de recueils littéraires de langue d’oïl où la volonté de construire des figures d’auteurs par les éditeurs de ces ouvrages est à la fois claire et indiscutable. Partie à l’origine d’un examen systématique de la tradition manuscrite d’environ 320 noms de poètes de langue d’oïl actifs entre 1100 et 1340, l’analyse se concentre principalement sur 25 manuscrits contenant des collections auctoriales dédiées à 17 poètes, dont le nom est associé avec insistance à une série de textes copiés les uns à la suite des autres. Parmi ces auteurs, on trouve les célèbres Chrétien de Troyes, Rutebeuf et Adam de la Halle, mais aussi Philippe de Thaon, frère Angier, Guillaume le clerc de Normandie, Pierre de Beauvais, Philippe de Remi, Gautier le Leu, Jacques de Baisieux, Geoffroi de Paris, Jean de l’Escurel, Baudouin de Condé, Jean de Condé, Watriquet de Couvin et Nicole Bozon. La présente analyse tente de nuancer et de dépasser la lecture répandue selon laquelle ces manuscrits à collections auctoriales individuelles constitueraient, de concert avec les fameuses biographies de troubadours et les chansonniers de trouvères, souvent présentés comme leurs « ancêtres », les débuts balbutiants d’une vaste épopée de l’avènement de l’« auteur moderne », annonciateur tout à la fois d’une « subjectivité littéraire », d’une « esthétique autobiographique » et d’un contrôle accru des auteurs historiques, réels, sur la transmission manuscrite de leurs propres œuvres. Tout en offrant une mise à jour contextuelle et matérielle – données originales à l’appui – concernant la dimension collaborative de la genèse de ces recueils et le caractère modulaire de leur transmission, on montrera qu’ils sont le fruit d’un dialogue nourri avec le modèle livresque latin et pluriséculaire de l’auctor – qui est à la fois un auteur, un garant de la vérité (auctoritas) et un ambassadeur prestigieux de la grammaire –, ainsi qu’avec l’antique exemple d’œuvres dites « biobibliographiques », qui décrivent la vie et l’œuvre d’auteurs illustres et exemplaires, comme le fait le De viris illustribus de saint Jérôme. Les manuscrits étudiés usent à répétition de ce modèle ancestral de la biobibliographie (« la vie et l’œuvre ») pour mettre en scène un face-à-face entre auteurs de langue d’oïl et auctores. Or cette mise en regard s’avère d’autant plus intéressante que, contrairement à ce qu’on observe pour les troubadours, considérés très tôt comme de nouveaux auctores illustres en langue vulgaire, dignes de cautionner l’excellence de la poésie et de la grammaire d’oc, elle ne prend pas uniquement, en français, la forme d’une imitation ou d’une adaptation de modèles anciens. En fait, l’analogie avec les auctores donne lieu à des exercices savants, autoréflexifs et parfois ironiques sur la fabrique éditoriale, poétique et épistémologique du type d’auteur et d’auctoritas qui peuvent (ou non) être bâtis dans des recueils en langue d’oïl, idiome qui était encore dépourvu à l’époque (1100-1340) de véritable grammaire, et où fleurissaient en revanche les genres littéraires de divertissement comme le roman, où l’on explorait la porosité des frontières entre le vrai et le faux, entre le bien et le mal. Plus qu’un pas pris dans la direction d’un sacre inéluctable, l’« invention de l’auteur français » à laquelle procèdent les recueils étudiés est un geste pétri des incertitudes et des interrogations de ceux qui le posaient, et qui en mesuraient la profonde vanité au regard de Dieu et de la mort.<br>This thesis aims to provide an original analysis on an often studied yet controversial issue: the introduction of the notion of authorship in French language medieval literature. The objective here is to reconsider the poetic, cultural, and historical signification of the particular moment when the author – understood here as the attribution of a text or of a series of texts to a proper noun – first became an essential structuring criteria in the production, and more importantly, in the transmission of French-language texts through medieval manuscripts. Using Michel Foucault’s concept of fonction-auteur, theories of reception and of the paratext, as well as New Codicology, this thesis will consider the author as a signifying textual and editorial construction within several literary collections written in langue d’oïl, in which the editors clearly and undeniably sought to construct figures of the author. Based on the systematic examination of the manuscript tradition of approximately 320 names of langue d’oïl poets, who were active between 1100 and 1340, this analysis will focus primarily on 25 manuscripts containing authorial collections dedicated to 17 poets, whose names are strongly associated with a series of texts that are copied one after the other. Among these authors are the famous Chrétien de Troyes, Rutebeuf and Adam de la Halle, as well as Philippe de Thaon, frère Angier, Guillaume le clerc de Normandie, Pierre de Beauvais, Philippe de Remi, Gautier le Leu, Jacques de Baisieux, Geoffroi de Paris, Jean de l’Escurel, Baudouin de Condé, Jean de Condé, Watriquet de Couvin and Nicole Bozon. This thesis attempts to question and ultimately discard the common conception according to which the manuscripts containing individual authorial collections constituted – along with the famous biographies of the troubadours and the chansonniers of the trouvères, often considered as their « ancestors » – the timid beginnings of the rise of the « modern author », himself a prequel to « literary subjectivity », « autobiographical aesthetics » and an ever stronger control exerted by actual empirical authors over the manuscript transmission of their own works. While offering contextual and material updates – supported by original data – regarding the collaborative process that went into the creation of these collections, as well as the modular aspect of their reception, this thesis will show that these collections were formed through a rich dialogue with the centuries-old latin model of the auctor – who is at once an author, a guardian of truth (auctoritas) and a prestigious ambassador of grammar –, as well as with the antique tradition of « biobibliographical » texts, dealing with the life and works of famous and exemplary authors, such as De viris illustribus, by saint Jerome. The manuscripts studied here repeatedly used this ancient model of biobibliography (« the life and works ») in order to stage a competition between authors writing in langue d’oïl and auctores. This confrontation is particularly interesting when one considers that – contrary to what may be observed in the case of the troubadours, who were quickly seen as the new illustrious vernacular auctores, worthy of vouching for the excellency of langue d’oc poetry and grammar – , we are not simply dealing here with a form of imitation or adaptation in French of ancient models. In fact, the analogy with auctores allows for autoreflexive and sometimes ironic learned exercises, dealing with the editorial, poetic and epistemological creation of the type of author and auctoritas in manuscript collections in langue d’oïl, an idiom which at the time (1100-1340) lacked a true grammar, yet was used in various literary genres meant for entertainment, such as romance, which explored the evanescent barriers between truth and lies, good and evil. Rather than a small step in the long path towards an inevitable coronation, the « invention of the French author » undertaken by these collections constitutes an action that reflects all the uncertainty and interrogations of those who undertook it, while being fully convinced of its utter vanity in the eyes of God and death.